Καλλιτέχνες της Αναγέννησης και οι πίνακές τους. Μεγάλοι καλλιτέχνες της Αναγέννησης

Η Ιταλία είναι μια χώρα που πάντα φημιζόταν για τους καλλιτέχνες της. Οι μεγάλοι δάσκαλοι που κάποτε έζησαν στην Ιταλία δόξασαν την τέχνη σε όλο τον κόσμο. Μπορούμε να πούμε με βεβαιότητα ότι αν δεν υπήρχαν οι Ιταλοί καλλιτέχνες, γλύπτες και αρχιτέκτονες, ο κόσμος θα φαινόταν πολύ διαφορετικός σήμερα. Το πιο σημαντικό στην ιταλική τέχνη, φυσικά, θεωρείται. Η Ιταλία στην Αναγέννηση ή Αναγέννηση έφτασε σε μια άνευ προηγουμένου άνοδο και ευημερία. Ταλαντούχοι καλλιτέχνες, γλύπτες, εφευρέτες, πραγματικές ιδιοφυΐες που εμφανίστηκαν εκείνες τις μέρες είναι ακόμα γνωστοί σε κάθε μαθητή. Η τέχνη, η δημιουργικότητα, οι ιδέες, οι εξελίξεις τους σήμερα θεωρούνται κλασικά, ο πυρήνας πάνω στον οποίο χτίζονται παγκόσμια τέχνηκαι τον πολιτισμό.

Ενα από τα πολλά διάσημες ιδιοφυΐεςη ιταλική Αναγέννηση είναι, φυσικά, μεγάλη Λεονάρντο Ντα Βίντσι(1452-1519). Ο Ντα Βίντσι ήταν τόσο προικισμένος που σημείωσε μεγάλη επιτυχία σε πολλούς τομείς δραστηριότητας, συμπεριλαμβανομένων των εικαστικών τεχνών και της επιστήμης. Ένας άλλος διάσημος καλλιτέχνης που είναι αναγνωρισμένος δάσκαλος είναι Σάντρο Μποτιτσέλι(1445-1510). Οι πίνακες του Μποτιτσέλι είναι ένα πραγματικό δώρο για την ανθρωπότητα. Σήμερα, τα πυκνά του βρίσκονται στα πιο διάσημα μουσεία του κόσμου και είναι πραγματικά ανεκτίμητα. Δεν είναι λιγότερο διάσημος από τον Λεονάρντο ντα Βίντσι και τον Μποτιτσέλι Ραφαέλ Σάντι(1483-1520), ο οποίος έζησε για 38 χρόνια, και κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου κατάφερε να δημιουργήσει ένα ολόκληρο στρώμα εκπληκτικής ζωγραφικής, που έγινε ένα από τα φωτεινότερα παραδείγματα της Πρώιμης Αναγέννησης. Μια άλλη μεγάλη ιδιοφυΐα της Ιταλικής Αναγέννησης είναι αναμφίβολα Μικελάντζελο Μπουοναρότι(1475-1564). Εκτός από τη ζωγραφική, ο Μιχαήλ Άγγελος ασχολήθηκε με τη γλυπτική, την αρχιτεκτονική και την ποίηση και πέτυχε σπουδαία αποτελέσματα σε αυτές τις τέχνες. Το άγαλμα του Μιχαήλ Άγγελου που ονομάζεται «Δαυίδ» θεωρείται ένα αξεπέραστο αριστούργημα, δείγμα του υψηλότερου επιτεύγματος της τέχνης της γλυπτικής.

Εκτός από τους καλλιτέχνες που αναφέρθηκαν παραπάνω, οι μεγαλύτεροι καλλιτέχνες της Ιταλίας της Αναγέννησης ήταν μάστορες όπως οι Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Guardi και Frances, άλλοι.. Όλοι τους ήταν χαρακτηριστικό παράδειγμαγοητευτικός Ενετικό σχολείοζωγραφική. Η σχολή της ιταλικής ζωγραφικής της Φλωρεντίας περιλαμβάνει καλλιτέχνες όπως: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, del Sarto.

Να απαριθμήσω όλους τους καλλιτέχνες που εργάστηκαν κατά την Αναγέννηση καθώς και κατά τη διάρκεια της ύστερη Αναγέννησηκαι μετά από αιώνες, που έγιναν γνωστοί σε ολόκληρο τον κόσμο και δόξασαν την τέχνη της ζωγραφικής, ανέπτυξαν τις βασικές αρχές και τους νόμους που διέπουν όλα τα είδη και τα είδη των καλών τεχνών, θα χρειαστούν πιθανώς αρκετοί τόμοι για να γραφτούν, αλλά αυτή η λίστα είναι αρκετή για να καταλάβετε ότι οι μεγάλοι Ιταλοί καλλιτέχνες είναι η ίδια η τέχνη που γνωρίζουμε, που αγαπάμε και θα εκτιμούμε για πάντα!

Πίνακες ζωγραφικής μεγάλων Ιταλών καλλιτεχνών

Andrea Mantegna - Νωπογραφία στην Camera degli Sposi

Giorgione - Τρεις φιλόσοφοι

Λεονάρντο ντα Βίντσι - Μόνα Λίζα

Nicolas Poussin - Η μεγαλοψυχία του Σκιπίωνα

Paolo Veronese - Μάχη του Lepanto

Η αναγεννησιακή ιταλική ζωγραφική είναι ένα πραγματικά μεγαλειώδες φαινόμενο. Ένας τέτοιος αριθμός λαμπρών ονομάτων δεν γνώριζε καμία από τις επόμενες εποχές, ούτε μία εθνικά σχολεία. Δεν είναι τυχαίο ότι στους επόμενους αιώνες, οι καλλιτέχνες άντλησαν πάντα εμπειρία και έμπνευση από τις καλές τέχνες της ιταλικής Αναγέννησης.

Στο αναγεννησιακό σύστημα απόψεων, ένας ιδιαίτερος ρόλος ανήκε στις καλές τέχνες. Ένας άνθρωπος κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης ένιωθε τον εαυτό του ικανό να γνωρίσει τον κόσμο, αλλά στην αρχή ο ίδιος ο κόσμος του φαινόταν, όπως στον Μεσαίωνα, ένα μεγαλειώδες έργο τέχνης, μια δημιουργία ο μεγαλύτερος καλλιτέχνης- Θεέ.

Masaccio "Trinity" 1426-1428 Εκκλησία της Santa Maria Novella Χάρη στην επιδέξια χρήση του chiaroscuro και τη γνώση των νόμων της προοπτικής, ο Masaccio έδωσε στην εικόνα μια ζωή αξιοπιστίας. «Τριάδα» (1425-1428).

Έτσι, η εικόνα του κόσμου θεωρούνταν ένας από τους τρόπους γνώσης του. Η ανάπτυξη ενός συστήματος άμεσης προοπτικής έκανε τη ζωγραφική το πιο «εξανθρωπισμένο» είδος τέχνης – το μάτι του θεατή έγινε «σημείο αναφοράς» στον «χώρο» της εικόνας. Η εμφάνιση και η εξάπλωση των λαδομπογιών άνοιξε έναν πολλά υποσχόμενο δρόμο για την ανάπτυξη τονικών και φωτεινών αρχών.

Μάχη του Σαν Ρομάνο (1440-1450), Εξαιρετικά περίπλοκοι συνθετικά, καινοτόμοι πίνακες του Uccello συχνά δεν έβρισκαν κατανόηση μεταξύ των συγχρόνων τους.

Πίνακας της Φλωρεντίας, της Σιένα και της Περούτζια.

μεγάλη σημασία για την ανάπτυξη της ιταλικής εικαστικές τέχνεςΗ ζωγραφική της Φλωρεντίας της πρώιμης Αναγέννησης έπαιξε, πειραματιζόμενος ενεργά στον τομέα της χωρικής προοπτικής. Η ικανότητα να μεταφέρει τη σχέση του πραγματικού χώρου σε ένα επίπεδο ανέβασε πολύ την κοινωνική θέση του καλλιτέχνη, μεταφέροντάς τον από τη θέση ενός μέτριου τεχνίτη-διακοσμητή στην κατηγορία του επιστήμονα γεωμέτρη, κατανοώντας τους νόμους της δομής του κόσμου.

Ο Angelico είναι ένας καλλιτέχνης της βαθύτερης πίστης. Οι Παναγίες του είναι το ιδανικό της πνευματικής ομορφιάς και ευσέβειας.

Brunelleschi στις αρχές του 1420 δημιούργησε δύο πίνακες με θέα στη Φλωρεντία, οι οποίοι ενθουσίασαν τους συγχρόνους του με απατηλή ακρίβεια, αλλά μπορούσαν να εξεταστούν μόνο με τη βοήθεια ενός έξυπνου συστήματος καθρεφτών και παραθύρων. Η αναπαραγωγή του βάθους του χώρου για έναν πραγματικό θεατή σε οποιονδήποτε πίνακα ή τοίχο, διατηρώντας παράλληλα την οπτική ενότητα της εικόνας απαιτεί όχι μόνο γνώση, αλλά και την εμπειρία και τη διαίσθηση ενός άκρως επαγγελματία ζωγράφου. Όλες αυτές οι ιδιότητες κατείχε ο Masaccio (1401-1428). Ζωγραφίστηκε από τον ίδιο το 1427-1428. Το παρεκκλήσι Brancacci στη φλωρεντινή εκκλησία της Santa Maria del Carmine έγινε αμέσως ένα είδος σχολείου για καλλιτέχνες.

Ο Piero della Francesca έγινε διάσημος για τις εκπληκτικές του ικανότητες στο χρώμα.

Ένας παθιασμένος θαυμαστής του Masaccio ήταν ο Uccello (1397-1475) - ένας πραγματικός τραγουδιστής των λεπτομερειών. Ο καλλιτέχνης περνούσε τις νύχτες του σκιαγραφώντας μια μικρή λεπτομέρεια από μια περίπλοκη προοπτική, όπως τη δομή του φτερώματος ενός ιπτάμενου πουλιού. Ένας άλλος οπαδός του Masaccio, ο κύριος των σκληρών λαπιδαρίων μορφών, ο Andrea del Castagno (περίπου 1421-1457), έγινε πιο διάσημος για τη ζωγραφική της αίθουσας της Villa Carducci, απεικονίζοντας, μεταξύ άλλων, τον condottiere Pippo Spano, έναν Ισπανό που έγινε ο ηγεμόνας της Κροατίας στο τέλος της ζωής του.

Το στυλ του Mantegna διακρίνεται από γλυπτικότητα στη μεταφορά τρισδιάστατων μορφών. «Judith» (περίπου 1490).

Η γλυπτικά ισχυρή φιγούρα ενός πολεμιστή που μπορεί να λυγίσει αβίαστα μια ατσάλινη λεπίδα εισβάλλει με σιγουριά στο χώρο της αίθουσας. Ο Castagno πέτυχε αυτή την εντύπωση μετακινώντας το δεξί χέρι και το αριστερό πόδι του χαρακτήρα του πέρα ​​από το διακοσμητικό πλαίσιο της τοιχογραφίας.

Ωστόσο, όχι όλοι οι Φλωρεντίνοι ζωγράφοι του πρώτου μισού του 15ου αι. λάτρευαν να μεταφέρουν προοπτική. Έτσι, ο καλλιτέχνης-μοναχός Beato Angelico (περίπου 1400-1455) εμπνεύστηκε κυρίως από τη μινιατούρα του XIV αιώνα.

Στο Giorgione, το τοπίο αποκτά μια πρωτόγνωρη σημασία. «Καταιγίδα» (1507-1508).

Η φλωρεντινή ζωγραφική των μέσων του αιώνα, σε σύγκριση με την προηγούμενη περίοδο, είναι πιο ήρεμη, αλλά λιγότερο σοβαρή. Ο Masaccio αγίασε τη γήινη ύπαρξη στις τοιχογραφίες του, τώρα; βυθίζονται οι πιο ιερές ιστορίες κοσμική πεζογραφία: τέτοιος είναι όλος ο κόσμος της ζωγραφικής του Fra Filippo Lippi, όπου κατοικούνται από όμορφες, χαρούμενες, αλλά σε καμία περίπτωση υπέροχες μαντόνες και αγγέλους. τέτοιο είναι το περίπλοκα πολυτελές θέαμα της πομπής των Μάγων, που παρουσιάστηκε το 1459 στους τοίχους του παρεκκλησίου των Μεδίκων από τον καλλιτέχνη Benozzo Gozzoli. Το λαμπρό και τραγικό φινάλε της πρώιμης Αναγέννησης της Φλωρεντίας ενσωματώθηκε στον πίνακα του Μποτιτσέλι.

Η ζωγραφική του Τιτσιάνο έγινε το αποκορύφωμα της βενετσιάνικης σχολής. «Venus Urban» (1538).

Ο πίνακας της Σιένα αντιπροσωπεύεται πιο πρωτότυπα από τον Sasseta, τον συγγραφέα του πίνακα "Πομπή των Μάγων". Έχει ένα φωτεινό παραμύθι καλλιτεχνική γλώσσαδεν παρεμβαίνει σε τολμηρά γραφικά ευρήματα. Η αντίθεση μεταξύ των παχύρρευστων χρωμάτων του σμάλτου του πρώτου πλάνου και των απαλών φωτεινών τόνων κοντά στον ορίζοντα είναι μια από τις πρώτες προσπάθειες απεικόνισης του χώρου με καθαρά εικαστικά μέσα.

Αυτό το έργο ήταν δυνατό μόνο για τον Piero della Francesca (περίπου 1420-1462), ίσως τον μεγαλύτερο από τους ζωγράφους Quattrocento. Έχοντας εκπαιδευτεί στη Φλωρεντία, ωστόσο, ανέπτυξε τη δική του δημιουργικό τρόπο. Αν οι Φλωρεντινοί έβαλαν τον άνθρωπο στο κέντρο του εικονιζόμενου σύμπαντος, τότε ο Πιέρο πίστευε ότι ο άνθρωπος είναι μόνο ένας οργανικός σύνδεσμος μεγάλος κόσμοςφύση, η τελευταία, με όλη της την ποικιλομορφία, υπόκειται στον νόμο του αριθμού. Οι αναλογίες του ανθρώπινου σώματος, οι μορφές της φύσης, η τελευταία, με όλη την ποικιλομορφία της, υπόκειται στον νόμο του αριθμού. Οι αναλογίες του ανθρώπινου σώματος, οι μορφές της φύσης, η πραγματική γεωμετρία του εικονιστικού επιπέδου σχετίζονται από τον καλλιτέχνη: η φιγούρα του Χριστού με το ευγνώμον, «αναπτυσσόμενο» κεφάλι της είναι σύμφωνη με την κατακόρυφο του κορμού του δέντρου. το καταπράσινο σφαιρικό στέμμα του δέντρου εγγράφεται φυσικά στο ημικύκλιο της ολοκλήρωσης της σύνθεσης.

Το αποκορύφωμα του έργου του Piero della Francesca ήταν οι τοιχογραφίες στο βωμό της εκκλησίας του San Francesco στο Arezzo (1452-1466). Είναι αφιερωμένα σε ένα μάλλον σπάνιο θέμα - την ιστορία του Ζωοδόχου Δέντρου, που έφεραν στη Γη από την Εδέμ οι πρώτοι άνθρωποι, που στη συνέχεια προοριζόταν να γίνει όργανο της εκτέλεσης του Χριστού - και το μεγαλύτερο από τα λείψανα του χριστιανικού κόσμου . Η ιδέα της ζωγραφικής ως οπτικής εξαπάτησης είναι ξένη στον καλλιτέχνη. Ο πλοίαρχος εκτιμά τη φυσική, ακόμη και την επιφάνεια του τοίχου στον οποίο γράφει, μετατρέποντας το επίπεδο του σε στήριγμα για τις μεγαλοπρεπώς λιτές συνθέσεις του. Αποφεύγει πολύπλοκα προσωπικά χαρακτηριστικά: οι χαρακτήρες του είναι του ίδιου τύπου, γιατί είναι μόνο ηθοποιοί στην καθολική παράσταση. Σε πολλά δημιουργικά παραδείγματα, ο Piero della Francesca επέστρεψε στην εμπειρία του Giotto, αλλά στην κατανόηση του χρώματος, ήταν μπροστά από τους συγχρόνους του κατά αιώνες. Οι ζωγράφοι συνηθίζουν να χρησιμοποιούν το χρώμα ως μηχανικό «χρωματισμό» τελικών γραμμών ή σχημάτων. Στο Pierrot, η φόρμα γεννήθηκε από λεπτές χρωματικές διαβαθμίσεις. Η παλέτα του είναι ανεξάντλητα πλούσια. Το μάτι του καλλιτέχνη παρατηρεί όχι μόνο το φυσικό χρώμα των αντικειμένων, αλλά και τον χρωματισμό του αέρα από το φως του ήλιου. μια ελαφρώς διακριτή ασημί απόχρωση δίνει στην παλέτα του Pierrot εκπληκτική πιστότητα, ελαφρότητα στις φόρμες, χώρο-βάθος.

Η σχολή των ζωγράφων της Περούτζια άκμασε ξαφνικά και έντονα πρόσφατες δεκαετίες 15ος αιώνας Οι ντόπιοι καλλιτέχνες ήταν διάσημοι κυρίως ως δεξιοτέχνες των διακοσμητικών ζωγραφιών. Πολύ χαρακτηριστικές είναι οι τοιχογραφίες των λεγόμενων διαμερισμάτων Borgia στο παπικό παλάτι στη Ρώμη (1493). Ο συγγραφέας τους Pinturicchio (περίπου 1454-1513) δημιουργεί μια φωτεινή και περίπλοκη διακόσμηση, όπου κάθε λεπτομέρεια είναι μελετημένη, από χρωματιστά πλακάκια δαπέδου μέχρι φωτεινά μπλε επιχρυσωμένα ταβάνια. Ο Περουτζίνο (1445/1452-1523) εργάστηκε με πιο αυστηρό και ήρεμο τρόπο. Σε μια προσπάθεια να αποσπάσει την προσοχή του θεατή, αυτός ο δάσκαλος αναπαρήγαγε πρόθυμα ωραία, αλλά του ίδιου τύπου μοτίβα: ονειρεμένα ήπια πρόσωπα, ανάλαφρη τοξωτή αρχιτεκτονική, «πασχαλινά» τοπία με λεπτά δέντρα.

Ζωγραφική της Βόρειας Ιταλίας και της Βενετίας

Η ζωγραφική των δασκάλων της Βόρειας Ιταλίας πέρασε από τα δικά της στάδια, διαφορετικά από άλλες σχολές. Εάν η ζωγραφική της Φλωρεντίας, γενικά, στράφηκε στο μυαλό, απεικόνιζε κυρίως τρισδιάστατα σώματα και οι δάσκαλοι της Κεντρικής Ιταλίας εστίαζαν στα συναισθήματα και έλυσαν κυρίως χωρικά προβλήματα, τότε η κύρια σφαίρα αισθητικής επιρροής για τους καλλιτέχνες της βόρειας ιταλικής σχολής είναι Η φαντασία, το κύριο θέμα της είναι η ουσία: η πλαστική υφή των αντικειμένων, ο αέρας και το φως. Κατά το πρώτο τρίτο του δέκατου πέμπτου αιώνα τα φεουδαρχικά κέντρα της βόρειας Ιταλίας (Φερράρα, Βερόνα, Μάντοβα) περιλαμβάνονταν στην τροχιά του λεγόμενου «Διεθνούς» Γοτθικού. Τα κύρια υφολογικά προβλήματα αυτής της τάσης - ευαισθησία στα φυσικά φαινόμενα, βιρτουόζικη κατοχή της γραμμής - βρήκαν έκφραση στο έργο του Pisanello (1395-1455). Στο πορτρέτο μιας πριγκίπισσας από το σπίτι της Ferrara d'Este (δεκαετία 1430), ο πλοίαρχος πυροδότησε την απαλή ηρεμία του προσώπου του κοριτσιού, τοποθετώντας το σε ένα αντίθετο φόντο από σκούρο και σκληρό φύλλωμα διάστικτο με φωτεινά τρεμάμενα σημεία λουλουδιών και πεταλούδων.

Ο Μπελίνι είναι ένας από τους πιο αξιόλογους προσωπογράφους της εποχής του. «Πορτρέτο του Δόγη Λεονάρντο Λόρενταν» (1501-1505).

Ο ρόλος του κέντρου του πολιτισμού της Αναγέννησης στη δεκαετία του 1430. απέκτησε την Πάντοβα, μια πόλη με πλούσιο αρχαίο παρελθόν, το 1406 προσκολλημένη στις ενετικές κτήσεις. Μαζί με το αρχαίο πανεπιστήμιό της, η Πάντοβα έγινε διάσημη για το εργαστήριο της Francesca Squarcione, μιας αυτοδίδακτης ζωγράφου, μιας βαθιάς γνώστης των αρχαίων μνημείων, που δημιούργησε μια πραγματική ακαδημία, όπου μέχρι και 100 νέοι άντρες σπούδαζαν ζωγραφική ταυτόχρονα, και μεταξύ των Είναι ο υιοθετημένος γιος του Squarcione Andrea Mantegna (1431-1506), του μεγαλύτερου δασκάλου του βόρειου ιταλικού Quattrocento, συνδυάζοντας τη ζωντάνια με τη ζωηρή φαντασία στα έργα του.

Στη ζωγραφική της Βενετίας, ριζικές αλλαγές σημειώθηκαν με την άφιξη εδώ του Νοτιοϊταλού καλλιτέχνη Antonello da Messina (περίπου 1430-1479). Ο Τζιοβάνι Μπελίνι (περίπου 1430-1516) έπαιξε σημαντικό ρόλο στη διαμόρφωση του αρχικού στυλ της βενετσιάνικης σχολής. Έθεσε τη βάση του τρόπου του χρωματιστική αρχή. Η απαλή αρμονία των φωτεινών χρωμάτων του καλλιτέχνη μοιάζει με τις αγαπημένες του απλές ειδυλλιακές σκηνές, όπου το αγροτικό βραδινό τοπίο παίζει σημαντικό ρόλο.

Η ακμή της βενετικής σχολής ζωγραφικής έπεσε στην πρώτη το μισό του XVIαιώνα, όταν εργάστηκαν ο μεγάλος Giorgione (1477-1510) και ο Titian (1488/1490-1576). Ο Giorgione δημιούργησε το δικό του εικαστικό είδος - την "ποίηση". Αυτοί οι πίνακες γράφτηκαν από τον ίδιο κατόπιν παραγγελίας ιδιωτών και δεν είχαν εγγραφεί από το σύγχρονο Ευρωπαϊκή τέχνημε την μπασκότητά του. Η βάση τους εικονιστικό σύστημα- η ιδιότροπη φαντασίωση του συγγραφέα, και όχι οποιοδήποτε γεγονός που προέρχεται από ιστορικά ή λογοτεχνική πηγή. Ο Τιτσιάν, κληρονόμησε τον λυρισμό του Giorgione, τον συνδύασε με έναν υγιή αισθησιασμό και μια ενεργή αντίληψη του είναι. Στο έργο αυτού του δασκάλου, η Βενετική Υψηλή Αναγέννηση βρήκε έκφραση.

Ιταλική αναγεννησιακή ζωγραφική - Giotto, Masaccio, Angelico, Titian και Giorgioneενημερώθηκε: 2 Ιουλίου 2017 από: δικτυακός τόπος

Κατά την Αναγέννηση γίνονται πολλές αλλαγές και ανακαλύψεις. Εξερευνούνται νέες ήπειροι, αναπτύσσεται το εμπόριο, επινοούνται σημαντικά πράγματα, όπως χαρτί, θαλάσσια πυξίδα, μπαρούτι και πολλά άλλα. Μεγάλη σημασία είχαν και οι αλλαγές στη ζωγραφική. Οι πίνακες της Αναγέννησης κέρδισαν τεράστια δημοτικότητα.

Τα κύρια στυλ και τάσεις στα έργα των πλοιάρχων

Η περίοδος ήταν μια από τις πιο γόνιμες στην ιστορία της τέχνης. Αριστουργήματα ενός τεράστιου αριθμού εξαιρετικών δασκάλων μπορούν να βρεθούν σήμερα σε διάφορα κέντρα τέχνης. Οι καινοτόμοι εμφανίστηκαν στη Φλωρεντία το πρώτο μισό του δέκατου πέμπτου αιώνα. Οι πίνακές τους της Αναγέννησης σηματοδότησε την αρχή μιας νέας εποχής στην ιστορία της τέχνης.

Αυτή τη στιγμή, η επιστήμη και η τέχνη συνδέονται πολύ στενά. Καλλιτέχνες επιστήμονες προσπάθησαν να κυριαρχήσουν στον φυσικό κόσμο. Οι ζωγράφοι προσπάθησαν να χρησιμοποιήσουν πιο ακριβείς ιδέες για ανθρώπινο σώμα. Πολλοί καλλιτέχνες προσπάθησαν για ρεαλισμό. Το ύφος ξεκινά με τον Μυστικό Δείπνο του Λεονάρντο Ντα Βίντσι, τον οποίο ζωγράφισε στη διάρκεια σχεδόν τεσσάρων ετών.

Ένα από τα πιο γνωστά έργα

Ζωγραφίστηκε το 1490 για την τραπεζαρία του μοναστηριού της Santa Maria delle Grazie στο Μιλάνο. Ο καμβάς αντιπροσωπεύει το τελευταίο γεύμα του Ιησού με τους μαθητές του πριν αιχμαλωτιστεί και σκοτωθεί. Οι σύγχρονοι που παρακολουθούσαν τη δουλειά του καλλιτέχνη κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου παρατήρησαν πώς μπορούσε να ζωγραφίζει από το πρωί μέχρι το βράδυ χωρίς καν να σταματήσει να φάει. Και μετά μπορούσε να εγκαταλείψει τη ζωγραφική του για αρκετές μέρες και να μην την πλησιάσει καθόλου.

Ο καλλιτέχνης ανησυχούσε πολύ για την εικόνα του ίδιου του Χριστού και του προδότη Ιούδα. Όταν τελικά ολοκληρώθηκε η εικόνα, δικαιωματικά αναγνωρίστηκε ως αριστούργημα. " Το τελευταίο δείπνο«και μέχρι σήμερα είναι μια από τις πιο δημοφιλείς. Οι αναπαραγωγές της Αναγέννησης είχαν πάντα μεγάλη ζήτηση, αλλά αυτό το αριστούργημα χαρακτηρίζεται από αμέτρητα αντίγραφα.

Ένα αναγνωρισμένο αριστούργημα, ή το μυστηριώδες χαμόγελο μιας γυναίκας

Ανάμεσα στα έργα που δημιούργησε ο Λεονάρντο τον δέκατο έκτο αιώνα είναι ένα πορτρέτο που ονομάζεται «Mona Lisa», ή «La Gioconda». Στη σύγχρονη εποχή, αυτός είναι ίσως ο πιο διάσημος πίνακας στον κόσμο. Έγινε δημοφιλής κυρίως λόγω του άπιαστου χαμόγελου στο πρόσωπο της γυναίκας που απεικονίζεται στον καμβά. Τι οδήγησε σε ένα τέτοιο μυστήριο; επιδέξια δουλειάδάσκαλοι, η ικανότητα να σκιάζει τις γωνίες των ματιών και του στόματος τόσο επιδέξια; Η ακριβής φύση αυτού του χαμόγελου δεν μπορεί να προσδιοριστεί μέχρι τώρα.

Εκτός συναγωνισμού και άλλες λεπτομέρειες αυτής της εικόνας. Αξίζει να δώσετε προσοχή στα χέρια και τα μάτια μιας γυναίκας: με ποια ακρίβεια ο καλλιτέχνης αντέδρασε στις πιο μικρές λεπτομέρειες του καμβά όταν το έγραφε. Δεν είναι λιγότερο ενδιαφέρον το δραματικό τοπίο στο βάθος της εικόνας, ένας κόσμος στον οποίο όλα μοιάζουν να είναι σε μια κατάσταση ροής.

Ένας άλλος διάσημος εκπρόσωπος της ζωγραφικής

Οχι λιγότερο από διάσημος εκπρόσωποςΑναγέννηση - Sandro Botticelli. Αυτός είναι ένας σπουδαίος Ιταλός ζωγράφος. Οι πίνακές του της Αναγέννησης είναι επίσης εξαιρετικά δημοφιλείς μεταξύ τους ένα μεγάλο εύροςθεατές. "Λατρεία των Μάγων", "Μαντόνα και παιδί στον θρόνο", "Ευαγγελισμός" - αυτά τα έργα του Μποτιτσέλι, αφιερωμένα σε θρησκευτικά θέματα, έχουν γίνει τα μεγάλα επιτεύγματα του καλλιτέχνη.

Αλλο ένα αξιόλογο έργο master - "Madonna Magnificat". Έγινε διάσημη στα χρόνια της ζωής του Sandro, όπως αποδεικνύεται από πολυάριθμες αναπαραγωγές. Παρόμοιοι πίνακες με τη μορφή κύκλου ήταν αρκετά περιζήτητοι στη Φλωρεντία του δέκατου πέμπτου αιώνα.

Μια νέα στροφή στο έργο του ζωγράφου

Ξεκινώντας το 1490, ο Σάντρο άλλαξε το στυλ του. Γίνεται πιο ασκητικό, ο συνδυασμός των χρωμάτων είναι πλέον πολύ πιο συγκρατημένος, συχνά επικρατούν σκούροι τόνοι. Η νέα προσέγγιση του δημιουργού στη συγγραφή των έργων του είναι απόλυτα αισθητή στα «Στέψη της Μαρίας», «Θρήνος του Χριστού» και σε άλλους καμβάδες που απεικονίζουν τη Μαντόνα και το Παιδί.

Τα αριστουργήματα που ζωγράφισε ο Σάντρο Μποτιτσέλι εκείνη την εποχή, για παράδειγμα, το πορτρέτο του Δάντη, στερούνται τοπίων και εσωτερικών υποβάθρων. Μία από τις όχι λιγότερο σημαντικές δημιουργίες του καλλιτέχνη είναι το "Mystical Christmas". Η εικόνα ζωγραφίστηκε υπό την επίδραση των προβλημάτων που έλαβαν χώρα στα τέλη του 1500 στην Ιταλία. Πολλοί πίνακες καλλιτεχνών της Αναγέννησης όχι μόνο κέρδισαν δημοτικότητα, αλλά έγιναν παράδειγμα για την επόμενη γενιά ζωγράφων.

Ένας καλλιτέχνης που οι καμβάδες του περιβάλλονται από μια αύρα θαυμασμού

Ο Ραφαέλ Σάντι ντα Ουρμπίνο δεν ήταν μόνο αλλά και αρχιτέκτονας. Οι πίνακές του της Αναγέννησης θαυμάζονται για τη σαφήνεια της μορφής, την απλότητα της σύνθεσης και την οπτική επίτευξη του ιδεώδους του ανθρώπινου μεγαλείου. Μαζί με τον Μιχαήλ Άγγελο και τον Λεονάρντο ντα Βίντσι, είναι μια από τις παραδοσιακές τριάδες των μεγαλύτερων δασκάλων αυτής της περιόδου.

Έζησε μια σχετικά σύντομη ζωή, μόλις 37 ετών. Αλλά κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου δημιούργησε έναν τεράστιο αριθμό από τα αριστουργήματά του. Μερικά από τα έργα του βρίσκονται στο Παλάτι του Βατικανού στη Ρώμη. Δεν μπορούν όλοι οι θεατές να δουν με τα μάτια τους τους πίνακες των καλλιτεχνών της Αναγέννησης. Οι φωτογραφίες αυτών των αριστουργημάτων είναι διαθέσιμες σε όλους (μερικά από αυτά παρουσιάζονται σε αυτό το άρθρο).

Τα πιο γνωστά έργα του Ραφαήλ

Από το 1504 έως το 1507, ο Ραφαήλ δημιούργησε μια ολόκληρη σειρά από Madonnas. Οι πίνακες διακρίνονται από μαγευτική ομορφιά, σοφία και ταυτόχρονα ένα είδος φωτισμένης θλίψης. Ο πιο διάσημος πίνακας του ήταν " Σιξτίνα Μαντόνα". Απεικονίζεται να πετάει στον ουρανό και να κατεβαίνει ομαλά στους ανθρώπους με το μωρό στην αγκαλιά της. Ήταν αυτή η κίνηση που ο καλλιτέχνης μπόρεσε να απεικονίσει πολύ επιδέξια.

Αυτό το έργο έχει λάβει μεγάλη αναγνώριση από πολλούς διάσημους κριτικούς, και όλοι κατέληξαν στο ίδιο συμπέρασμα ότι είναι πράγματι σπάνιο και ασυνήθιστο. Όλοι οι πίνακες της Αναγέννησης έχουν μακρά ιστορία. Αλλά έχει γίνει πιο δημοφιλές λόγω των ατελείωτων περιπλανήσεων του από την έναρξή του. Αφού πέρασε από πολυάριθμες δοκιμές, πήρε επιτέλους τη θέση που της αξίζει ανάμεσα στις εκθέσεις του Μουσείου της Δρέσδης.

Πίνακες της Αναγέννησης. Φωτογραφίες διάσημων πινάκων

Και ένας άλλος διάσημος Ιταλός ζωγράφος, γλύπτης και επίσης αρχιτέκτονας που είχε τεράστιο αντίκτυπο στην ανάπτυξη της δυτικής τέχνης είναι ο Michelangelo di Simoni. Παρά το γεγονός ότι είναι γνωστός κυρίως ως γλύπτης, υπάρχουν όμορφα έργαη ζωγραφιά του. Και το πιο σημαντικό από αυτά είναι η οροφή της Καπέλα Σιξτίνα.

Η εργασία αυτή πραγματοποιήθηκε για τέσσερα χρόνια. Ο χώρος καλύπτει περίπου πεντακόσια τετραγωνικά μέτρα και περιέχει περισσότερες από τριακόσιες φιγούρες. Στο κέντρο βρίσκονται εννέα επεισόδια από το βιβλίο της Γένεσης, χωρισμένα σε πολλές ομάδες. Η δημιουργία της γης, η δημιουργία του ανθρώπου και η πτώση του. Από τους πιο διάσημους πίνακες στο ταβάνι είναι «Η Δημιουργία του Αδάμ» και «Αδάμ και Εύα».

Το πιο διάσημο έργο του είναι η Τελευταία Κρίση. Κατασκευάστηκε στον τοίχο του βωμού της Καπέλα Σιξτίνα. Η τοιχογραφία απεικονίζει τη δεύτερη έλευση του Ιησού Χριστού. Εδώ ο Μιχαήλ Άγγελος αγνοεί το πρότυπο καλλιτεχνικές συμβάσειςστη γραφή του Ιησού. Τον απεικόνιζε με ογκώδη μυώδη δομή σώματος, νεαρό και χωρίς γενειάδα.

Το νόημα της θρησκείας ή η τέχνη της Αναγέννησης

Οι ιταλικοί πίνακες της Αναγέννησης έγιναν η βάση για την ανάπτυξη της δυτικής τέχνης. Πολλά από τα δημοφιλή έργα αυτής της γενιάς δημιουργών έχουν τεράστιο αντίκτυπο στους καλλιτέχνες που συνεχίζεται μέχρι σήμερα. Οι μεγάλοι καλλιτέχνες εκείνης της περιόδου εστίασαν στο θρησκευτικά θέματα, συχνά εργαζόταν κατόπιν εντολής πλούσιων προστάτων, συμπεριλαμβανομένου του ίδιου του Πάπα.

Η θρησκεία κυριολεκτικά διαποτίστηκε καθημερινή ζωήάνθρωποι αυτής της εποχής, βαθιά ενσωματωμένοι στο μυαλό των καλλιτεχνών. Σχεδόν όλοι οι θρησκευτικοί καμβάδες βρίσκονται σε μουσεία και αποθετήρια τέχνης, αλλά αναπαραγωγές αναγεννησιακών έργων ζωγραφικής που σχετίζονται όχι μόνο με αυτό το θέμα μπορούν να βρεθούν σε πολλά ιδρύματα και ακόμη και σε συνηθισμένα σπίτια. Ο κόσμος θα θαυμάσει ατελείωτα το έργο διάσημους δασκάλουςεκείνης της περιόδου.

Οι πρώτοι πρόδρομοι της τέχνης της Αναγέννησης εμφανίστηκαν στην Ιταλία τον 14ο αιώνα. Καλλιτέχνες αυτής της εποχής, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) και (κυρίως) Τζιότο (1267-1337) όταν δημιουργούσαν πίνακες με παραδοσιακά θρησκευτικά θέματα, άρχισαν να χρησιμοποιούν νέα καλλιτεχνικές τεχνικές: κατασκευή μιας τρισδιάστατης σύνθεσης, χρησιμοποιώντας το τοπίο στο φόντο, που τους επέτρεψε να κάνουν τις εικόνες πιο ρεαλιστικές, ζωντανές. Αυτό ξεχώριζε έντονα το έργο τους από την προηγούμενη εικονογραφική παράδοση, γεμάτη συμβάσεις στην εικόνα.
Ο όρος χρησιμοποιείται για να αναφέρεται στη δουλειά τους. Proto-Renaissance (1300 - "Trecento") .

Τζιότο ντι Μποντόνε (περ. 1267-1337) - Ιταλός ζωγράφος και αρχιτέκτονας της εποχής της Πρωτο-Αναγέννησης. Μία από τις βασικές προσωπικότητες στην ιστορία της δυτικής τέχνης. Έχοντας ξεπεράσει τη βυζαντινή παράδοση της αγιογραφίας, έγινε ο πραγματικός ιδρυτής της ιταλικής σχολής ζωγραφικής, ανέπτυξε μια εντελώς νέα προσέγγιση στην απεικόνιση του χώρου. Τα έργα του Τζιότο εμπνεύστηκαν από τους Λεονάρντο ντα Βίντσι, Ραφαήλ, Μιχαήλ Άγγελο.


Πρώιμη Αναγέννηση (1400 - "Quattrocento").

Στις αρχές του 15ου αι Φίλιπο Μπρουνελέσκι (1377-1446), Φλωρεντινός λόγιος και αρχιτέκτονας.
Ο Μπρουνελέσκι ​​ήθελε να κάνει πιο οπτική την αντίληψη των όρων και των θεάτρων που ανακατασκεύασε και προσπάθησε να δημιουργήσει γεωμετρικά προοπτικές εικόνες από τα σχέδιά του για μια συγκεκριμένη οπτική γωνία. Σε αυτές τις αναζητήσεις, άμεση προοπτική.

Αυτό επέτρεψε στους καλλιτέχνες να αποκτήσουν τέλειες εικόνες τρισδιάστατου χώρου σε έναν επίπεδο καμβά της εικόνας.

_________

Ένα άλλο σημαντικό βήμα προς την Αναγέννηση ήταν η εμφάνιση της μη θρησκευτικής, κοσμικής τέχνης. Το πορτρέτο και το τοπίο καθιερώθηκαν ως ανεξάρτητα είδη. Ακόμη και τα θρησκευτικά θέματα απέκτησαν μια διαφορετική ερμηνεία - οι καλλιτέχνες της Αναγέννησης άρχισαν να θεωρούν τους χαρακτήρες τους ως ήρωες με έντονα ατομικά χαρακτηριστικά και ανθρώπινο κίνητρο για πράξεις.

Οι πιο διάσημοι καλλιτέχνες αυτής της περιόδου είναι Μασάτσιο (1401-1428), Μαζολίνο (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Πιέρο Ντέλα Φραντσέσκο (1420-1492), Αντρέα Μαντένια (1431-1506), Τζιοβάνι Μπελίνι (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Σάντρο Μποτιτσέλι (1447-1515).

Μασάτσιο (1401-1428) - ο διάσημος Ιταλός ζωγράφος, ο μεγαλύτερος δάσκαλος της σχολής της Φλωρεντίας, ο μεταρρυθμιστής της ζωγραφικής της εποχής Quattrocento.

Τοιχογραφία. Θαύμα με τον στατήρα.

Ζωγραφική. σταύρωση.

Πιέρο Ντέλα Φραντσέσκο (1420-1492). Τα έργα του πλοιάρχου διακρίνονται από τη μεγαλειώδη επισημότητα, την αρχοντιά και την αρμονία των εικόνων, τη γενίκευση των μορφών, τη συνθετική ισορροπία, την αναλογικότητα, την ακρίβεια των προοπτικών κατασκευών, το απαλό γάμμα γεμάτο φως.

Τοιχογραφία. Ιστορία της Βασίλισσας της Σάβα. Εκκλησία του San Francesco στο Arezzo

Σάντρο Μποτιτσέλι(1445-1510) - μεγάλος Ιταλός ζωγράφος, εκπρόσωπος της φλωρεντινής ζωγραφικής σχολής.

Ανοιξη.

Γέννηση της Αφροδίτης.

Υψηλή Αναγέννηση ("Cinquecento").
Ήρθε η υψηλότερη άνθηση της τέχνης της Αναγέννησης για το πρώτο τέταρτο του 16ου αιώνα.
Εργα Σανσοβίνο (1486-1570), Λεονάρντο Ντα Βίντσι (1452-1519), Ραφαέλ Σάντι (1483-1520), Μικελάντζελο Μπουοναρότι (1475-1564), Τζορτζιόνε (1476-1510), κοκκινοχρυσός (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) αποτελούν το χρυσό ταμείο της ευρωπαϊκής τέχνης.

Λεονάρντο ντι Σερ Πιέρο ντα Βίντσι (Φλωρεντία) (1452-1519) - Ιταλός καλλιτέχνης (ζωγράφος, γλύπτης, αρχιτέκτονας) και επιστήμονας (ανατόμος, φυσιοδίφης), εφευρέτης, συγγραφέας.

αυτοπροσωπογραφία

Κυρία με ερμίνα. 1490. Μουσείο Czartoryski, Κρακοβία

Μόνα Λίζα (1503-1505/1506)

Ο Λεονάρντο ντα Βίντσι πέτυχε υψηλή δεξιότηταστη μεταφορά εκφράσεων του προσώπου του προσώπου και του σώματος ενός ατόμου, τρόποι μεταφοράς χώρου, κατασκευή σύνθεσης. Ταυτόχρονα, τα έργα του δημιουργούν μια αρμονική εικόνα ενός ανθρώπου που συναντά τα ουμανιστικά ιδανικά.

Madonna Litta. 1490-1491. Μουσείο Ερμιτάζ.

Madonna Benois (Μαντόνα με λουλούδι). 1478-1480

Η Μαντόνα με ένα γαρύφαλλο. 1478

Κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Λεονάρντο ντα Βίντσι έκανε χιλιάδες σημειώσεις και σχέδια για την ανατομία, αλλά δεν δημοσίευσε το έργο του. Κάνοντας αυτοψία των σωμάτων ανθρώπων και ζώων, μετέφερε με ακρίβεια τη δομή του σκελετού και εσωτερικά όργανα, συμπεριλαμβανομένου μικρά κομμάτια. Σύμφωνα με τον καθηγητή κλινικής ανατομίας Peter Abrams, επιστημονική εργασίαΗ ντα Βίντσι ήταν 300 χρόνια μπροστά από την εποχή της και με πολλούς τρόπους ξεπέρασε το περίφημο Grey's Anatomy.

Κατάλογος εφευρέσεων, τόσο πραγματικών όσο και που του αποδίδονται:

αλεξίπτωτο, νακάστρο olescovo,ποδήλατο, τankh, lελαφριές φορητές γέφυρες για το στρατό, σελπροβολέας, ναatapult, robot, δτηλεσκόπιο vohlenz.

Αργότερα, αυτές οι καινοτομίες αναπτύχθηκαν Ραφαέλ Σάντι (1483-1520) - σπουδαίος ζωγράφος, γραφίστας και αρχιτέκτονας, εκπρόσωπος της σχολής της Ούμπρια.

Αυτοπροσωπογραφία. 1483

Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) - Ιταλός γλύπτης, ζωγράφος, αρχιτέκτονας, ποιητής, στοχαστής.

Οι πίνακες και τα γλυπτά του Michelangelo Buonarotti είναι γεμάτα ηρωικό πάθος και, ταυτόχρονα, μια τραγική αίσθηση της κρίσης του ανθρωπισμού. Οι πίνακές του δοξάζουν τη δύναμη και τη δύναμη του ανθρώπου, την ομορφιά του σώματός του, ενώ τονίζουν τη μοναξιά του στον κόσμο.

Η ιδιοφυΐα του Μιχαήλ Άγγελου άφησε αποτύπωμα όχι μόνο στην τέχνη της Αναγέννησης, αλλά και σε όλο τον περαιτέρω παγκόσμιο πολιτισμό. Οι δραστηριότητές του σχετίζονται κυρίως με δύο ιταλικές πόλεις- Φλωρεντία και Ρώμη.

Ωστόσο, ο καλλιτέχνης μπόρεσε να πραγματοποιήσει τα πιο μεγαλεπήβολα σχέδιά του ακριβώς στη ζωγραφική, όπου έδρασε ως πραγματικός καινοτόμος του χρώματος και της μορφής.
Με εντολή του Πάπα Ιούλιου Β', ζωγράφισε την οροφή της Καπέλα Σιξτίνα (1508-1512), αντιπροσωπεύοντας τη βιβλική ιστορία από τη δημιουργία του κόσμου μέχρι τον κατακλυσμό και περιλαμβάνοντας περισσότερες από 300 φιγούρες. Το 1534-1541, στην ίδια Καπέλα Σιξτίνα για τον Πάπα Παύλο Γ', ερμήνευσε τη μεγαλειώδη, δραματική τοιχογραφία The Last Judgment.
Καπέλα Σιξτίνα 3D.

Το έργο του Giorgione και του Titian διακρίνεται από το ενδιαφέρον για το τοπίο, την ποιητοποίηση της πλοκής. Και οι δύο καλλιτέχνες πέτυχαν μεγάλη δεξιοτεχνία στην τέχνη της προσωπογραφίας, με την οποία μετέφεραν χαρακτήρα και πλούτο. εσωτερικός κόσμοςτους χαρακτήρες τους.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Τζορτζιόνε) (1476 / 147-1510) - Ιταλός καλλιτέχνης, εκπρόσωπος της βενετικής σχολής ζωγραφικής.

Κοιμωμένη Αφροδίτη. 1510

Ιουδίθ. 1504

Τιτσιάν Βετσέλιο (1488/1490-1576) - Ιταλός ζωγράφος, μεγαλύτερος εκπρόσωποςΕνετική σχολή της Υψηλής και Ύστερης Αναγέννησης.

Ο Τιτσιάν ζωγράφιζε εικόνες με βιβλικά και μυθολογικά θέματα, έγινε διάσημος ως προσωπογράφος. Του ανέθεσαν βασιλιάδες και πάπες, καρδινάλιοι, δούκες και πρίγκιπες. Ο Τιτσιάν δεν ήταν καν τριάντα ετών όταν αναγνωρίστηκε ως ο καλύτερος ζωγράφος στη Βενετία.

Αυτοπροσωπογραφία. 1567

Αφροδίτη Urbinskaya. 1538

Πορτρέτο του Tommaso Mosti. 1520

Ύστερη Αναγέννηση.
Μετά την λεηλασία της Ρώμης από τα αυτοκρατορικά στρατεύματα το 1527 Ιταλική Αναγέννησημπαίνει σε περίοδο κρίσης. Ήδη στο έργο του αείμνηστου Ραφαήλ, σκιαγραφείται μια νέα καλλιτεχνική γραμμή, που ονομάζεται νάζι.
Αυτή η εποχή χαρακτηρίζεται από υπερβολικά τεντωμένες και σπασμένες γραμμές, επιμήκεις ή και παραμορφωμένες φιγούρες, συχνά γυμνές, ένταση και αφύσικες πόζες, ασυνήθιστα ή παράξενα εφέ που σχετίζονται με το μέγεθος, το φωτισμό ή την προοπτική, τη χρήση καυστικής χρωματικής κλίμακας, υπερφορτωμένη σύνθεση κ.λπ. πρώτος κύριος μανιερισμός Parmigianino , Ποντόρμο , Bronzino- έζησε και εργάστηκε στην αυλή των δούκων του οίκου των Μεδίκων στη Φλωρεντία. Αργότερα, η μανιεριστική μόδα εξαπλώθηκε σε όλη την Ιταλία και όχι μόνο.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - "κάτοικος της Πάρμας") (1503-1540,) Ιταλός καλλιτέχνης και χαράκτης, εκπρόσωπος του μανιερισμού.

Αυτοπροσωπογραφία. 1540

Πορτρέτο μιας γυναίκας. 1530.

Ποντόρμο (1494-1557) - Ιταλός ζωγράφος, εκπρόσωπος της φλωρεντινής σχολής, ένας από τους ιδρυτές του μανιερισμού.


Ο μανιερισμός αντικαταστάθηκε από την τέχνη τη δεκαετία του 1590 μπαρόκ (μεταβατικά στοιχεία - Τιντορέτο Και Δομήνικος Θεοτοκόπουλος ).

Jacopo Robusti, πιο γνωστός ως Τιντορέτο (1518 ή 1519-1594) - ζωγράφος της ενετικής σχολής της ύστερης Αναγέννησης.

Το τελευταίο δείπνο. 1592-1594. Εκκλησία του San Giorgio Maggiore, Βενετία.

Δομήνικος Θεοτοκόπουλος ("Ελληνικά" Δομήνικος Θεοτοκόπουλος ) (1541—1614) - Ισπανός καλλιτέχνης. Από καταγωγή - Έλληνας, ντόπιος του νησιού της Κρήτης.
Ο Ελ Γκρέκο δεν είχε σύγχρονους οπαδούς και η ιδιοφυΐα του ανακαλύφθηκε ξανά σχεδόν 300 χρόνια μετά τον θάνατό του.
Ο Ελ Γκρέκο σπούδασε στο εργαστήριο του Τιτσιάνο, αλλά, ωστόσο, η τεχνική ζωγραφικής του διαφέρει σημαντικά από αυτή του δασκάλου του. Τα έργα του Ελ Γκρέκο χαρακτηρίζονται από ταχύτητα και εκφραστικότητα εκτέλεσης, που τα φέρνουν πιο κοντά στη σύγχρονη ζωγραφική.

Ο Χριστός στο σταυρό. ΕΝΤΑΞΕΙ. 1577. Ιδιωτική συλλογή.

Τριάδα. 1579 Πράδο.

Όταν κοιτάζετε φωτογραφίες αναγέννηση, είναι αδύνατο να μη θαυμάσεις τη σαφήνεια των γραμμών, το όμορφο χρωματική παλέτακαι, το πιο σημαντικό, ο απίστευτος ρεαλισμός των μεταδιδόμενων εικόνων. Οι σύγχρονοι επιστήμονες προβληματίστηκαν για πολύ καιρό πώς οι δάσκαλοι εκείνης της εποχής κατάφεραν να δημιουργήσουν τέτοια αριστουργήματα, επειδή δεν υπάρχουν γραπτές αποδείξεις για τις περιπλοκές και τα μυστικά της τεχνικής απόδοσης. Άγγλος καλλιτέχνηςκαι ο φωτογράφος David Hockney ισχυρίζεται ότι έχει αποκαλύψει το μυστήριο των ζωγράφων της Αναγέννησης που ήξεραν πώς να ζωγραφίζουν «ζωντανές» εικόνες.

Αν συγκρίνουμε διαφορετικές χρονικές περιόδους στην ιστορία της ζωγραφικής, γίνεται σαφές ότι κατά την Αναγέννηση (την αλλαγή του 14ου-15ου αιώνα), οι πίνακες «ξαφνικά» έγιναν πολύ πιο ρεαλιστικοί από πριν. Κοιτάζοντάς τους, φαίνεται ότι οι χαρακτήρες πρόκειται να αναστενάσουν και ηλιαχτίδες θα παίζουν πάνω στα αντικείμενα.

Γεννιέται το ερώτημα: οι καλλιτέχνες της Αναγέννησης ξαφνικά έμαθαν να σχεδιάζουν καλύτερα και οι πίνακες άρχισαν να γίνονται πιο ογκώδεις; Προσπάθησε να απαντήσει σε αυτή την ερώτηση διάσημος καλλιτέχνηςγραφίστας και φωτογράφος David Hockney ( Ντέιβιντ Χόκνεϊ).

Σε αυτή τη μελέτη, τον βοήθησε ο πίνακας του Jan van Eyck "Πορτρέτο του Αρνολφίνι". Στον καμβά μπορείτε να βρείτε πολλές περίεργες λεπτομέρειες, κι όμως γράφτηκε το 1434. Ιδιαίτερη προσοχή τραβάει ο καθρέφτης στον τοίχο και το κηροπήγιο κάτω από την οροφή, που φαίνεται εκπληκτικά ρεαλιστικό. Ο David Hockney κατάφερε να πάρει ένα παρόμοιο κηροπήγιο και προσπάθησε να το σχεδιάσει. Προς μεγάλη έκπληξη του καλλιτέχνη, αποδείχθηκε ότι ήταν αρκετά δύσκολο να απεικονιστεί αυτό το αντικείμενο σε προοπτική, και ακόμη και η λάμψη του φωτός πρέπει να μεταφερθεί με τέτοιο τρόπο ώστε να είναι σαφές ότι αυτή είναι η λαμπρότητα του μετάλλου. Παρεμπιπτόντως, πριν από την Αναγέννηση, κανείς δεν πήρε την εικόνα της λάμψης σε μια μεταλλική επιφάνεια.

Όταν το τρισδιάστατο μοντέλο του κηροπήγιου αναδημιουργήθηκε, ο Χόκνεϊ φρόντισε ο πίνακας του Βαν Άικ να το δείχνει σε προοπτική με ένα μόνο σημείο φυγής. Όμως, η ατάκα ήταν ότι ο 15ος αιώνας δεν είχε κάμερα obscura με φακό (μια οπτική συσκευή με την οποία μπορείτε να δημιουργήσετε μια προβολή).

Ο Ντέιβιντ Χόκνεϊ μπερδεύτηκε για το πώς ο Βαν Άικ κατάφερε να πετύχει τέτοιο ρεαλισμό στους καμβάδες του. Αλλά μια μέρα τράβηξε την προσοχή στην εικόνα ενός καθρέφτη στην εικόνα. Ήταν κυρτό. Αξίζει να σημειωθεί ότι εκείνες τις μέρες οι καθρέφτες ήταν κοίλοι, επειδή οι πλοίαρχοι δεν μπορούσαν ακόμη να «κολλήσουν» την επένδυση από κασσίτερο στην επίπεδη επιφάνεια του γυαλιού. Για να αποκτήσετε έναν καθρέφτη τον 15ο αιώνα, λιωμένο κασσίτερο χύθηκε σε μια γυάλινη φιάλη και στη συνέχεια κόπηκε η κορυφή, αφήνοντας έναν κοίλο γυαλιστερό πυθμένα. Ο Ντέιβιντ Χόκνεϊ συνειδητοποίησε ότι ο Βαν Άικ χρησιμοποιούσε έναν κοίλο καθρέφτη μέσα από τον οποίο κοιτούσε για να σχεδιάσει τα θέματα όσο το δυνατόν πιο ρεαλιστικά.

Στη δεκαετία του 1500, οι τεχνίτες έμαθαν πώς να κατασκευάζουν φακούς μεγάλης ποιότητας. Τοποθετήθηκαν σε μια κάμερα obscura, η οποία κατέστησε δυνατή την απόκτηση προβολής οποιουδήποτε μεγέθους. Αυτή ήταν μια πραγματική επανάσταση στην τεχνολογία. ρεαλιστική εικόνα. Απλώς οι περισσότεροι από τους ανθρώπους στις φωτογραφίες «έγιναν» αριστερόχειρες. Το θέμα είναι ότι η άμεση προβολή του φακού κατά τη χρήση κάμερας obscura αντικατοπτρίζεται. Στον πίνακα του Pieter Gerritsz van Roestraten «Δήλωση Αγάπης (The Violent Cook)», που γράφτηκε γύρω στο 1665-1670, όλοι οι χαρακτήρες είναι αριστερόχειρες. Ένας άντρας και μια γυναίκα κρατούν ένα ποτήρι και ένα μπουκάλι στο αριστερό τους χέρι, ο ηλικιωμένος στο βάθος τους κουνάει και το αριστερό τους δάχτυλο. Ακόμα και η μαϊμού χρησιμοποιεί το αριστερό της πόδι για να κοιτάξει κάτω από το γυναικείο φόρεμα.

Για να αποκτήσετε μια σωστή, αναλογική εικόνα, ήταν απαραίτητο να ρυθμίσετε με ακρίβεια τον καθρέφτη στον οποίο κατευθυνόταν ο φακός. Αλλά δεν κατάφεραν όλοι οι καλλιτέχνες να το κάνουν τέλεια, και τότε υπήρχαν λίγοι καθρέφτες υψηλής ποιότητας. Εξαιτίας αυτού, σε ορισμένους πίνακες μπορείτε να δείτε πώς δεν τηρήθηκαν οι αναλογίες: μικρά κεφάλια, μεγάλοι ώμοι ή πόδια.

Η χρήση οπτικών συσκευών από καλλιτέχνες δεν μειώνει σε καμία περίπτωση το ταλέντο τους. Χάρη στον επιτυγχανόμενο ρεαλισμό των έργων ζωγραφικής της Αναγέννησης, οι σύγχρονοι κάτοικοι γνωρίζουν πλέον πώς έμοιαζαν οι άνθρωποι και τα οικιακά αντικείμενα εκείνης της εποχής.

Οι μεσαιωνικοί καλλιτέχνες προσπάθησαν όχι μόνο να επιτύχουν ρεαλισμό στους πίνακές τους, αλλά και να κρυπτογραφήσουν ειδικά σύμβολα σε αυτούς. Λοιπόν, ένα υπέροχο αριστούργημα του Τιτσιάνο