Οι κύριοι συνθέτες και ερμηνευτές είναι διερμηνείς. διάσημους μουσικούς

Το επάγγελμα του συνθέτη απαιτεί μουσικό ταλέντο και βαθιά γνώση της μουσικής σύνθεσης. Μπορούμε με σιγουριά να πούμε ότι ο συνθέτης είναι η πιο σημαντική μορφή στον μουσικό κόσμο. Επομένως, κάθε διάσημος συνθέτης στην ιστορία της μουσικής είχε σημαντικό αντίκτυπο στην εξέλιξη της μουσικής σε κάθε συγκεκριμένο στάδιο. Συνθέτες του 18ου αιώνα Στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα έζησαν και εργάστηκαν δύο μεγάλοι συνθέτες - ο Μπαχ και ο Μότσαρτ - που επηρέασαν ολόκληρη τη μετέπειτα εξέλιξη της μουσικής τέχνης. Ο Johann Sebastian Bach (1685-1750) είναι ο λαμπρότερος εκπρόσωπος της μουσικής παράδοσης του 17ου-18ου αιώνα, που χαρακτηρίζεται από τους ιστορικούς ως η εποχή του Μπαρόκ. Ο Μπαχ είναι ένας από τους σημαντικότερους συνθέτες στην ιστορία της μουσικής, έχοντας γράψει περισσότερα από χίλια μουσικά κομμάτια σε διάφορα είδη κατά τη διάρκεια της 65χρονης ζωής του. Ο Johann Sebastian Bach είναι ο ιδρυτής μιας από τις πιο διάσημες δυναστείες στον κόσμο της μουσικής. Βόλφγκανγκ Αμαντέους Μότσαρτ (1756-1791) - φωτεινός εκπρόσωπος Βιεννέζικη σχολή, που κατείχε με μαεστρία πολλά όργανα: βιολί, τσέμπαλο, όργανο. Σε όλα αυτά τα είδη πέτυχε όχι μόνο ως ερμηνευτής, αλλά πρωτίστως ως συνθέτης μουσικής. Ο Μότσαρτ έγινε διάσημος χάρη στο εκπληκτικό του αυτί στη μουσική και το ταλέντο του στον αυτοσχεδιασμό.Το τρίτο πιο σημαντικό όνομα στην ιστορία της μουσικής είναι ο Λούντβιχ βαν Μπετόβεν. Εργάστηκε στο γύρισμα του 18ου και 19ου αιώνα σε όλα τα τότε υπάρχοντα μουσικά είδη. Η μουσική του κληρονομιά είναι εξαιρετικά ποικιλόμορφη: πρόκειται για σονάτες και συμφωνίες, οβερτούρες και κουαρτέτα, κοντσέρτα για τα δύο αγαπημένα του όργανα - βιολί και πιάνο. Ο Μπετόβεν θεωρείται ο πρώτος εκπρόσωπος του ρομαντισμού στην κλασική μουσική. Αυτά τα έργα γράφτηκαν από τον Ludwig van Beethoven 01-To Elise 02-Sonata No. 14 Lunar 03-Symphony No. 5 04-Appasionata Sonata No. 23 05-Sonata No. 13 Pathetic 06-Egmont Overture 07-Sonata No. 08-Συμφωνία Νο. 9 09- Σονάτα Νο. 21 Ο Μότσαρτ έγραψε το "Imaginary Simple Girl" "Το όνειρο του Σκιπίου" "Misericordias Domini" Mocarta 40. simfonija, 4. temps Ουβερτούρα στον Don Giovanni "Figaro kāzu" uvertīra Concer 1 Έργα φωνητικών 2 Έργα οργάνων 3 Έργα για τσέμπαλο 4 Έργα για σόλο όργανα χωρίς πλήκτρα 5 Έργα για ντουέτο τσέμπαλο με άλλο όργανο Είναι συγγραφέας 90 όπερας Συγγραφέας πάνω από 500 κοντσέρτα Συγγραφέας πάνω από 100 σονάτες για διάφορα όργανα συνοδευόμενο από μπάσο συνεχές ; κοσμικές καντάτες, σερενάτες, συμφωνίες, Stabat Mater και άλλα εκκλησιαστικά έργα. Όπερες, παστίτσιο, μπαλέτα Terpsichore (πρόλογος στην 3η έκδοση της όπερας The Faithful Shepherd, 1734, Covent Garden Theatre); ορατόριο, ωδές και άλλα έργα για χορωδία και φωνές με ορχήστρα, κοντσέρτα για ορχήστρα, σουίτες, κοντσέρτα για όργανα και ορχήστρα για σύνολο οργάνων - για πιάνο 2 χέρια, για πιάνο 4 χέρια για 2 πιάνα, για φωνή με συνοδεία πιάνου ή με άλλο όργανο για ασυνόδευτη χορωδία, μουσική για δραματικές παραστάσεις - Στην ιστορία της μουσικής τέχνης, ο 18ος αιώνας είχε μεγάλη σημασία και εξακολουθεί να έχει πρωταρχικό ενδιαφέρον. Αυτή είναι η εποχή της δημιουργίας των μουσικών κλασικών, η γέννηση μεγάλων μουσικών εννοιών, στην ουσία ήδη κοσμικού εικονιστικού περιεχομένου. Η μουσική όχι μόνο ανέβηκε στο επίπεδο των άλλων τεχνών που είχαν ανθίσει από την Αναγέννηση, στο επίπεδο της λογοτεχνίας στα καλύτερά της, αλλά συνολικά ξεπέρασε αυτό που πέτυχαν πολλές άλλες τέχνες (ιδίως εικαστικές τέχνες) και μέχρι το τέλος του αιώνα μπόρεσε να δημιουργήσει ένα μεγάλο στυλ σύνθεσης τόσο υψηλής και διαρκούς αξίας, όπως η συμφωνία των Βιεννέζων κλασικό σχολείο. Ο Μπαχ, ο Χέντελ, ο Γκλουκ, ο Χάιντν και ο Μότσαρτ είναι αναγνωρισμένες κορυφές σε αυτό το μονοπάτι της μουσικής τέχνης από την αρχή μέχρι το τέλος του αιώνα. Ωστόσο, ο ρόλος τόσο πρωτότυπων και ψαγμένων καλλιτεχνών όπως ο Jean Philippe Rameau στη Γαλλία, ο Domenico Scarlatti στην Ιταλία, ο Philippe Emanuel Bach στη Γερμανία είναι επίσης σημαντικός, για να μην αναφέρουμε τους πολλούς άλλους δασκάλους που τους συνόδευσαν στο γενικό δημιουργικό κίνημα.

Εδώ είναι μια λίστα με 10 συνθέτες που πρέπει να γνωρίζετε. Για καθένα από αυτά, μπορεί να ειπωθεί με βεβαιότητα ότι είναι ο περισσότερος σπουδαίος συνθέτης, που ήταν ποτέ, αν και στην πραγματικότητα είναι αδύνατο, και μάλιστα αδύνατο, να συγκριθεί η μουσική που γράφτηκε εδώ και αρκετούς αιώνες. Ωστόσο, όλοι αυτοί οι συνθέτες ξεχωρίζουν μεταξύ των συγχρόνων τους ως συνθέτες που συνέθεσαν τη μουσική. το υψηλότερο επίπεδοκαι προσπάθησε να ωθήσει τα όρια της κλασικής μουσικής σε νέα όρια. Η λίστα δεν περιέχει καμία σειρά, όπως σημασία ή προσωπική προτίμηση. Απλά 10 σπουδαίοι συνθέτες που πρέπει να γνωρίζετε.

Κάθε συνθέτης συνοδεύεται από ένα αναφερόμενο γεγονός της ζωής του, θυμίζοντας το οποίο θα μοιάζετε με ειδικό. Και κάνοντας κλικ στον σύνδεσμο με τα ονόματα, θα τον αναγνωρίσετε πλήρες βιογραφικό. Και φυσικά, μπορείτε να ακούσετε ένα από τα σημαντικά έργα κάθε πλοιάρχου.

Η σημαντικότερη μορφή της παγκόσμιας κλασικής μουσικής. Ένας από τους πιο ερμηνευτές και σεβαστούς συνθέτες στον κόσμο. Εργάστηκε σε όλα τα είδη που υπήρχαν στην εποχή του, όπως όπερα, μπαλέτο, μουσική για δραματικές παραστάσεις, χορωδιακές συνθέσεις. Τα ορχηστρικά έργα θεωρούνται τα πιο σημαντικά στην κληρονομιά του: σονάτες για πιάνο, βιολί και τσέλο, κοντσέρτα για πιάνο και βιολί, κουαρτέτα, ουρτούρες, συμφωνίες. Ο ιδρυτής της ρομαντικής περιόδου στην κλασική μουσική.

Ενδιαφέρον γεγονός.

Ο Μπετόβεν θέλησε αρχικά να αφιερώσει την τρίτη του συμφωνία (1804) στον Ναπολέοντα, ο συνθέτης γοητεύτηκε από την προσωπικότητα αυτού του ανθρώπου, ο οποίος φαινόταν σε πολλούς στην αρχή της βασιλείας του ένας πραγματικός ήρωας. Αλλά όταν ο Ναπολέων αυτοανακηρύχτηκε αυτοκράτορας, ο Μπετόβεν διέγραψε την αφιέρωσή του τίτλος σελίδαςκαι έγραψε μόνο μια λέξη - «Ηρωικό».

«Σονάτα του σεληνόφωτος» του Λ. Μπετόβεν,ακούω:

2. (1685-1750)

Γερμανός συνθέτης και οργανίστας, εκπρόσωπος της εποχής του μπαρόκ. Ένας από τους μεγαλύτερους συνθέτες στην ιστορία της μουσικής. Κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Μπαχ έγραψε περισσότερα από 1000 έργα. Όλα τα σημαντικά είδη εκείνης της εποχής εκπροσωπούνται στο έργο του, εκτός από την όπερα. συνόψισε τα επιτεύγματα της μουσικής τέχνης της περιόδου του μπαρόκ. Πρόγονος της πιο διάσημης μουσικής δυναστείας.

Ενδιαφέρον γεγονός.

Κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Μπαχ υποτιμήθηκε τόσο πολύ που κυκλοφόρησαν λιγότερα από δώδεκα έργα του.

Τοκάτα και φούγκα σε ρε ελάσσονα από τον J.S. Bach,ακούω:

3. (1756-1791)

Εξαιρετική Αυστριακός συνθέτης, οργανοπαίκτης και μαέστρος, εκπρόσωπος της κλασικής σχολής της Βιέννης, βιρτουόζος βιολονίστας, τσέμπαλος, οργανίστας, μαέστρος, είχε ένα φαινομενικό αυτί για μουσική, μνήμη και ικανότητα αυτοσχεδιασμού. Ως συνθέτης που έχει διαπρέψει σε κάθε είδος, θεωρείται δικαίως ένας από τους μεγαλύτερους συνθέτες στην ιστορία της κλασικής μουσικής.

Ενδιαφέρον γεγονός.

Όταν ήταν ακόμη παιδί, ο Μότσαρτ απομνημόνευσε και έγραψε το Miserere (Κατ. άσμα στο κείμενο του 50ου Ψαλμού του Δαβίδ) του Ιταλού Grigorio Allegri, έχοντας το ακούσει μόνο μία φορά.

«Little Night Serenade» του W. A. ​​Mozart, ακούστε:

4. (1813-1883)

Γερμανός συνθέτης, μαέστρος, θεατρικός συγγραφέας, φιλόσοφος. Είχε σημαντικό αντίκτυπο στο Ευρωπαϊκός πολιτισμόςαλλαγή των αιώνων XIX-XX, ιδιαίτερα του μοντερνισμού. Οι όπερες του Βάγκνερ εκπλήσσουν με τη μεγάλη τους κλίμακα και τις αιώνιες ανθρώπινες αξίες τους.

Ενδιαφέρον γεγονός.

Ο Βάγκνερ πήρε μέρος στην αποτυχημένη επανάσταση του 1848-1849 στη Γερμανία και αναγκάστηκε να κρυφτεί από τη σύλληψη του Φραντς Λιστ.

"Ride of the Valkyries" από την όπερα "Valkyrie" του R. Wagner,ακούω

5. (1840-1893)

Ιταλός συνθέτης, κεντρικό πρόσωπο της ιταλικής σχολής όπερας. Ο Βέρντι είχε αίσθηση της σκηνής, ταμπεραμέντο και άψογη δεξιοτεχνία. Δεν αρνήθηκε τις παραδόσεις της όπερας (σε αντίθεση με τον Βάγκνερ), αλλά μάλλον τις ανέπτυξε (τις παραδόσεις της ιταλικής όπερας), μεταμόρφωσε ιταλική όπερα, το γέμισε ρεαλισμό, του έδωσε την ενότητα του συνόλου.

Ενδιαφέρον γεγονός.

Ο Βέρντι ήταν Ιταλός εθνικιστής και εξελέγη στο πρώτο ιταλικό κοινοβούλιο το 1860, μετά την ανεξαρτησία της Ιταλίας από την Αυστρία.

Ουβερτούρα στην όπερα του D.Verdi "La Traviata",ακούω:

7. Ιγκόρ Φιοντόροβιτς Στραβίνσκι (1882-1971)

Ρώσος (Αμερικανός - μετά τη μετανάστευση) συνθέτης, μαέστρος, πιανίστας. Ένας από τους σημαντικότερους συνθέτες του εικοστού αιώνα. Το έργο του Στραβίνσκι ενώθηκε σε όλη τη διάρκεια της καριέρας του, αν και σε διαφορετικές περιόδους το ύφος των έργων του ήταν διαφορετικό, αλλά ο πυρήνας και οι ρωσικές ρίζες παρέμειναν, που εκδηλώθηκαν σε όλα του τα έργα, θεωρείται ένας από τους κορυφαίους καινοτόμους του 20ου αιώνα. Του καινοτόμος χρήσηο ρυθμός και η αρμονία ενέπνευσαν και εμπνέουν πολλούς μουσικούς, και όχι μόνο στην κλασική μουσική.

Ενδιαφέρον γεγονός.

Κατά τη διάρκεια του Α' Παγκοσμίου Πολέμου, οι Ρωμαίοι τελωνειακοί κατέσχεσαν ένα πορτρέτο του Στραβίνσκι από τον Πάμπλο Πικάσο όταν ο συνθέτης έφευγε από την Ιταλία. Το πορτρέτο ήταν ζωγραφισμένο με φουτουριστικό τρόπο και οι τελωνειακοί μπέρδεψαν αυτούς τους κύκλους και τις γραμμές για κάποιο είδος κρυπτογραφημένου μυστικού υλικού.

Σουίτα από το μπαλέτο του I.F. Stravinsky "The Firebird",ακούω:

8. Γιόχαν Στράους (1825-1899)

Αυστριακός συνθέτης ελαφριάς μουσικής, μαέστρος και βιολιστής. «Ο Βασιλιάς των Βαλς», εργάστηκε στο είδος της χορευτικής μουσικής και της οπερέτας. Η μουσική του κληρονομιά περιλαμβάνει περισσότερα από 500 βαλς, πόλκες, τετράγωνους χορούς και άλλα είδη χορευτικής μουσικής, καθώς και αρκετές οπερέτες και μπαλέτα. Χάρη σε αυτόν, το βαλς έγινε εξαιρετικά δημοφιλές στη Βιέννη τον 19ο αιώνα.

Ενδιαφέρον γεγονός.

Πατέρας του Johann Strauss - επίσης Johann και επίσης διάσημος μουσικός, επομένως, ο «βασιλιάς των βαλς» ονομάζεται ο νεότερος ή γιος, τα αδέρφια του Ιωσήφ και Εντουάρ ήταν επίσης διάσημοι συνθέτες.

Βαλς του I. Strauss "Στον όμορφο γαλάζιο Δούναβη", ακούστε:

9. Σεργκέι Βασίλιεβιτς Ραχμάνινοφ (1873-1943)

Αυστριακός συνθέτης, ένας από τους εξέχοντες εκπροσώπους της βιεννέζικης κλασικής μουσικής σχολής και ένας από τους θεμελιωτές του ρομαντισμού στη μουσική. Για τη δικιά μου σύντομη ζωήΟ Σούμπερτ είχε σημαντική συνεισφορά στην ορχηστρική μουσική, την μουσική δωματίου και το πιάνο που επηρέασε μια ολόκληρη γενιά συνθετών. Ωστόσο, η πιο εντυπωσιακή συνεισφορά του ήταν στην ανάπτυξη των γερμανικών ρομάντζων, από τα οποία δημιούργησε περισσότερα από 600.

Ενδιαφέρον γεγονός.

Οι φίλοι και οι μουσικοί του Σούμπερτ μαζεύονταν και έπαιζαν τη μουσική του Σούμπερτ. Οι συναντήσεις αυτές ονομάζονταν «Schubertiads» (Schubertiads). Κάποιο πρώτο fan club!

"Ave Maria" F.P. Schubert, ακούστε:

Συνεχίζοντας το θέμα των μεγάλων συνθετών που πρέπει να γνωρίζετε, νέο υλικό.

Η μουσική ερμηνεία ως αποτέλεσμα της αλληλεπίδρασης του μουσικού κειμένου, των παραδόσεων και της δημιουργικής βούλησης του ερμηνευτή.

Οι πληροφορίες του συγγραφέα ενθαρρύνουν τον ερμηνευτή να σκεφτεί, να φανταστεί, να βρει συνειρμούς, να γεννήσει συναισθήματα. Η εκτέλεση πληροφοριών επηρεάζει τις πληροφορίες του συγγραφέα, τις περιορίζει ή τις επεκτείνει, συμπληρώνει, μετασχηματίζει, δηλαδή υπάρχει επανεξέταση κομμάτι της μουσικήςμε αποτέλεσμα να δημιουργείται μια εικαστική εικόνα. Η επανεξέταση των πληροφοριών του συγγραφέα δεν πρέπει σε καμία περίπτωση να οδηγήσει σε παραμόρφωση της πρόθεσης του συγγραφέα. Η γνήσια εκτελεστική συν-δημιουργία είναι δυνατή μόνο όταν οι πληροφορίες του συγγραφέα βρίσκουν αμοιβαία συναισθήματα στον ερμηνευτή.

Η εργασία σε ένα μουσικό κομμάτι είναι μια δημιουργική διαδικασία, η ποικιλομορφία της οποίας συνδέεται και με τα δύο καλλιτεχνικά χαρακτηριστικάέργα, καθώς και με διάφορα επιμέρους χαρακτηριστικά του ερμηνευτή. Ποια είναι τα καθήκοντα που έχει μπροστά του; Και τι συμβάλλει στην ανάπτυξη δημιουργικότηταερμηνευτής, διεγείρει τη διαμόρφωση του μουσικού γούστου, των επαγγελματικών του δεξιοτήτων;

Το να εκτελείς σημαίνει να δημιουργείς με βαθιά διείσδυση στο περιεχόμενο του έργου και της ενσάρκωσης. μουσικό περιεχόμενομε βάση την καλλιτεχνική εικόνα. Η αναδημιουργία του περιεχομένου ενός έργου συνεπάγεται πιστότητα στο κείμενο του συγγραφέα, κατανόηση του ιδεολογικού προσανατολισμού της σύνθεσης, συναισθηματικό πλούτο (η μουσική τέχνη επηρεάζει τη συναισθηματική σφαίρα της ανθρώπινης αντίληψης).

Η δημιουργία μιας καλλιτεχνικής εικόνας είναι αδύνατη χωρίς να ληφθεί υπόψη η πρωτοτυπία ιστορική εποχήστο οποίο δημιουργήθηκε το έργο· του χαρακτηριστικά του είδους, εθνικά χαρακτηριστικάη κοσμοθεωρία του συνθέτη, η φύση της χρήσης εκφραστικών μέσων μουσικής, όλα αυτά δηλαδή που ονομάζουμε υφολογικά χαρακτηριστικά ή χαρακτηριστικά.

Ερμηνεία -(από το λατινικό interpretatio - διευκρίνιση, ερμηνεία) - η διαδικασία ηχητικής υλοποίησης ενός μουσικού κειμένου. Η ερμηνεία εξαρτάται από τις αισθητικές αρχές της σχολής ή της κατεύθυνσης στην οποία ανήκει ο καλλιτέχνης, από τα επιμέρους χαρακτηριστικά και το ιδεολογικό και καλλιτεχνικό του σχέδιο. Η ερμηνεία περιλαμβάνει μια ατομική προσέγγιση παιζόταν μουσική, ενεργητική στάση, η παρουσία της δημιουργικής ιδέας του ίδιου του ερμηνευτή για την ενσάρκωση της πρόθεσης του συγγραφέα. Μέχρι τις αρχές του 19ου αιώνα, η τέχνη της ερμηνείας ήταν στενά συνδεδεμένη με το έργο των συνθετών: κατά κανόνα, οι ίδιοι οι συνθέτες εκτελούσαν τις συνθέσεις τους. Η ανάπτυξη της ερμηνείας οφείλεται στην εντατικοποίηση της συναυλιακής δραστηριότητας.

Ως ανεξάρτητη τέχνη, η ερμηνεία αποκτά ιδιαίτερη σημασία στη δεκαετία του 20-30 του 19ου αιώνα. Στην πρακτική άσκηση, εγκρίνεται νέου τύπουμουσικός-διερμηνέας - ερμηνευτής έργων άλλων συνθετών. Παράλληλα, υπάρχουν παραδόσεις ερμηνείας του συγγραφέα. Λεπτοί ερμηνευτές των έργων άλλων συγγραφέων ήταν οι F. Liszt, A.G. Rubinshtein, S.V. Rakhmaninov. Από το δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, έχει διαμορφωθεί μια θεωρία της μουσικής ερμηνείας (μελετά την ποικιλία των σχολών παραστάσεων, τις αισθητικές αρχές της ερμηνείας, τα τεχνολογικά προβλήματα απόδοσης), η οποία στις αρχές του 20ου αιώνα έγινε ένα από τα τομείς της μουσικολογίας. Σημαντική συμβολή στην ανάπτυξη της εγχώριας θεωρίας της ερμηνείας είχαν οι G.M. Kogan, G.G.Neuhaus, S.Ya.Feinberg κ.ά.

Αντικειμενικό και υποκειμενικό, διαισθητικό και ορθολογικό στη μουσική απόδοση. Η δημιουργική φύση της παράστασης.

Ο διάσημος πιανίστας I. Hoffman έγραψε: «Η σωστή ερμηνεία ενός μουσικού έργου απορρέει από τη σωστή κατανόησή του, και αυτό, με τη σειρά του, εξαρτάται από την σχολαστικά ακριβή ανάγνωση». Αυτό σημαίνει ότι ο σωστός χαρακτήρας της παράστασης αποδεικνύεται, πρώτα απ 'όλα, από μια ουσιαστική ερμηνεία, αυστηρά αντίστοιχη με το κείμενο του συγγραφέα «Το μουσικό κείμενο είναι ο πλούτος που κληροδοτεί ο συνθέτης και οι οδηγίες ερμηνείας του είναι η συνοδευτική επιστολή στη διαθήκη », είπε ο συνθέτης και πιανίστας S. Feinberg. Ωστόσο, δεν υπάρχει μόνο το κείμενο, αλλά και το υποκείμενο του έργου. Ο αξιόλογος πιανίστας K. Igumnov πίστευε ότι το «καλό μισό» του ερμηνευτή θα έπρεπε να φέρει στο κείμενο και από τον εαυτό του, δηλαδή να προσεγγίσει τον εσωτερικό χαρακτήρα του έργου, να αποκαλύψει το υποκείμενό του. Ο θρυλικός G. Neuhaus υπενθύμιζε πάντα την ανάγκη να εμβαθύνουμε συνεχώς στη διάθεση του εκτελεσθέντος έργου, γιατί σε αυτή τη διάθεση, που δεν επιδέχεται εντελώς τη μουσική σημειογραφία, όλη η ουσία της καλλιτεχνικής εικόνας. Από όλα τα παραπάνω προκύπτει το συμπέρασμα ότι η ακριβής εκτέλεση του κειμένου του συνθέτη δεν πρέπει να νοείται ως επίσημη αναπαραγωγή του, αλλά ως ουσιαστική δημιουργική «μετάφραση» του σχήματος ηχογράφησης σε πραγματικές ηχητικές εικόνες.

Κατανόηση και ερμηνεία ως διαλεκτικά αλληλένδετες πτυχές της ερμηνείας. Δημιουργία νέων νοημάτων ως αποτέλεσμα ερμηνείας. Οι ιδιαιτερότητες της καλλιτεχνικής ερμηνείας, η διαισθητική κατανόηση του αντικειμένου ερμηνείας (εμπειρία, συνέργειες).

Ο ρόλος της σημασιολογικής και αισθητικής ανάλυσης ενός έργου για την εκτέλεση ερμηνείας

Η σκοπιμότητα και η μη σκοπιμότητα στη μουσική ερμηνεία

Σημειωτέον ότι η μουσική παράσταση είναι πρώτα απ' όλα μια διαδικαστική-δυναμική στιγμή. Αυτό σημαίνει ότι ο μετασχηματισμός μουσική εικόναστη σκηνή, κατά την οποία συντελούνται ορισμένες ιδιαίτερες αλλαγές στην ερμηνεία της μουσικής εικόνας. Οι ερευνητές μιλούν για τη μεταβλητότητα της αναπαραγωγής μουσικής από έναν ερμηνευτή ή για έναν συνδυασμό μεταβλητών και αμετάβλητων στοιχείων.

Η ερμηνευτική διαδικασία μπορεί να αναπαρασταθεί ως η αλληλεπίδραση δύο αντιφατικών αρχών - της σκόπιμης (ως εστίαση του σταθερού στη διαδικασία) και της ακούσιας (ως εστίασης του μεταβλητού στη διαδικασία). Αυτά τα δύο μεγάλα και πολύπλοκα στρώματα σχηματίζουν τη δομή της διαδικασίας. Η ανάπτυξη αυτής της δομής στο χρόνο, η ολότητα και η σύνδεση των στοιχείων της σχηματίζουν μια κινούμενη ηχητική ακεραιότητα, η οποία, στην πραγματικότητα, είναι μια ερμηνευτική διαδικασία.

Σκόπιμη έναρξηείναι μια γενικευμένη έκφραση του δεδομένου στη διαδικασία. Τα σκόπιμα στοιχεία περιλαμβάνουν στοιχεία, οι ποιοτικές παράμετροι των οποίων προγραμματίζονται από τον μουσικό πριν από την έναρξη των ενεργειών εκτέλεσης και τα οποία σκοπεύει να εφαρμόσει στην επερχόμενη διαδικασία. Μαζί, αυτά τα στοιχεία αποτελούν ένα συνειδητά σχεδιασμένο μέρος της ερμηνείας της παράστασης και αποτελούν την ποσοτική κυρίαρχη θέση της διαδικασίας. Τα διακριτικά τους χαρακτηριστικά είναι το εγγενές κίνητρο, η οριστικότητα και η σημασιολογική σημασία. Με τον ένα ή τον άλλο τρόπο, ο προσχεδιασμός καλύπτει όλα τα επίπεδα της δομής του σχεδιασμού. Η σκόπιμη αρχή φέρει τη σφραγίδα της ατομικής καλλιτεχνικής συνείδησης του καλλιτέχνη, είναι δείγμα της δημιουργικής του μοναδικότητας.

Η ερμηνευτική διαδικασία δεν περιορίζεται σε μια σκοπιμότητα που εφαρμόζεται με συνέπεια. μπαίνει στα δικά του ακούσια έναρξη, αναπόφευκτα παρών στις πράξεις αντικειμενοποίησης και με θεμελιωδώς διαφορετική φύση. Μια ακούσια έναρξη είναι ένα δυναμικό συστατικό της διαδικασίας, τα στοιχεία της οποίας προκύπτουν αυθόρμητα, λειτουργούν ως αποκλίσεις από την πορεία που ορίζει το αρχικό σχέδιο και σχηματίζουν ένα «υπαρξιακό πεδίο» αβεβαιότητας. Αυτό το συστατικό, αντικατοπτρίζοντας την παράλογη πτυχή της απόδοσης της δημιουργικότητας, γίνεται ο φορέας της ίδιας της πιθανότητας μιας απρόβλεπτης, αυτοπαραγόμενης αλλαγής στο σχέδιο της εικόνας. Η ακούσια εκκίνηση περιλαμβάνει στοιχεία διαφορετική φύση. Αν τα εξετάσουμε στο επίπεδο περιεχομένου-σημασιολογικού περιεχομένου, τότε καθίσταται απαραίτητο να διαιρεθούν τα ακούσια στοιχεία σε δύο υποείδη: σημασιολογικά και ασημαντικά.

Σημασιολογικός (αυτοσχεδιαστικός)η άποψη ενώνει μια ομάδα εισερχόμενων στοιχείων προικισμένων με καλλιτεχνικό και εκφραστικό νόημα. Όντας δημιουργικό προϊόν της «ελεύθερης» (απροσδιόριστης) δραστηριότητας του ασυνείδητου, αποτέλεσμα της στιγμιαίας «δραστηριότητας» της διαίσθησης, της φαντασίας, της φαντασίας και των εσωτερικών κινήσεων των συναισθημάτων, που συνήθως ονομάζονται καλλιτεχνική εμπειρία, σχηματίζουν ένα καλλιτεχνικό και παραγωγικό στρώμα. μια ακούσια αρχή. Τα σημάδια τους είναι: η ακούσια, η καινοτομία και η σημασιολογική σημασία και η τελευταία αποτελεί τη βάση της ενότητας και της συγγένειας αυτοσχεδιαστικών και σκόπιμων στοιχείων, ανεβαίνοντας στην ίδια πηγή - την ηχητική εικόνα. Η ακούσια αρχή περιλαμβάνει τον αυτοσχεδιασμό, αλλά δεν περιορίζεται σε αυτόν.

Ασημαντικό (χαοτικό)η άποψη ενώνει μια ομάδα ακούσιων στοιχείων, η εμφάνιση των οποίων δεν προκαλείται από καλλιτεχνικούς παράγοντες, αλλά από μια «αποτυχία» στη δραστηριότητα. Η προέλευση αυτών των στοιχείων συνδέεται με παραβιάσεις στον τεχνολογικό και ρυθμιστικό τομέα της εκτέλεσης. Εμφανίζονται με τη μορφή εκτελεστικών λαθών, ελαττωμάτων και στιγμών αποδιοργάνωσης της διαδικασίας. Τα ασημαντικά στοιχεία προκαλούν ζημιά σε αυτό που επινοήθηκε, δεν δίνουν «υποκειμενικό» σημασιολογικό αποτέλεσμα, αλλά επιφέρουν περισσότερο ή λιγότερο σημαντική καταστροφή στη διαδικασία, επομένως αποτελούν ένα καλλιτεχνικά μη παραγωγικό στρώμα μιας ακούσιας αρχής. Δεδομένου του εξαιρετικά ακατάλληλου, αναμφισβήτητα καταστροφικού επιπέδου λειτουργίας αυτού του στοιχείου, μπορεί να ονομαστεί "χαοτικό".

Το ζήτημα της επάρκειας της ερμηνευτικής ερμηνείας ενός μουσικού έργου.

Ο μουσικός δεν πρέπει μόνο να κυριαρχήσει στο κείμενο, αλλά το κύριο καθήκον του είναι να κατανοήσει την πρόθεση του συνθέτη, να αναδημιουργήσει τις μουσικές του εικόνες που ενσωματώνονται σε ένα μουσικό κομμάτι και να επιλέξει μέσα έκφρασηςγια την πιο ακριβή μετάδοση.

Η A. France έγραψε: «Το να κατανοήσεις ένα τέλειο έργο τέχνης σημαίνει, γενικά, να το ξαναδημιουργήσεις στο δικό σου εσωτερικός κόσμος". Ο K.S. Stanislavsky είπε ότι μόνο «η βαθιά διείσδυση του ηθοποιού στην ιδέα του συγγραφέα, η εξοικείωση με την εικόνα που ενσωματώνεται στη σκηνή, όταν ο ηθοποιός ζει, αισθάνεται και σκέφτεται με τον ίδιο τρόπο όπως ο ρόλος, μόνο τότε οι πράξεις του μπορούν να οδηγήσουν σε σκηνική επιτυχία .»

Ο Ιταλός πιανίστας F. Busoni μίλησε για αυτό το θέμα ως εξής: «Είναι σχεδόν υπεράνθρωπο να κάνεις πίσω δικά του συναισθήματαπροκειμένου να μετενσαρκωθεί στα συναισθήματα των πιο διαφορετικών ατόμων και από εκεί να μελετήσει τη δημιουργία τους. Παρατήρησε πολύ διακριτικά τη δημιουργική ουσία των παραστατικών τεχνών Ο Ρώσος κριτικός V.G. Belinsky: "Ο ηθοποιός συμπληρώνει την ιδέα του συγγραφέα με το παιχνίδι του και η δημιουργικότητά του συνίσταται σε αυτό - αυτή την προσθήκη." Η ίδια λογική λειτουργεί και στις μουσικές και παραστατικές τέχνες.

ΕΝΑ. Ο Serov, διάσημος Ρώσος συνθέτης και κριτικός μουσικής, έγραψε:«Ένας ρόλος -τουλάχιστον από σαιξπηρικό έργο, μουσική- ακόμα και από τον ίδιο τον Μπετόβεν, σε σχέση με μια λαμπρή ερμηνεία, είναι μόνο ένα σκίτσο, ένα δοκίμιο. βαφές, γεμάτη ζωήένα έργο γεννιέται μόνο κάτω από τη γοητευτική δύναμη του ερμηνευτή.

Για παράδειγμα, το πιο δημοφιλές πρώτο κονσέρτο για πιάνο και ορχήστρα του P.I. Ο Τσαϊκόφσκι, έγινε ευρέως γνωστός μόλις 4 χρόνια μετά την πρώτη παράσταση, όταν ερμηνεύτηκε έξοχα από τον Ν. Ρουμπινστάιν. Η ίδια ιστορία συνέβη και με το Κοντσέρτο για βιολί του P. Tchaikovsky, το οποίο μόνο μετά την ερμηνεία του από τον L. Auer πήρε τη θέση του στο ρεπερτόριο των συναυλιών των βιολονιστών.

Αυτά τα παραδείγματα δείχνουν τη δημιουργική φύση της εκτελεστικής δραστηριότητας, η οποία δεν είναι μια απλή, επίσημη μετάφραση του κειμένου του συγγραφέα σε ήχο, αλλά η δημιουργική του απόδοση. Η ψυχολογική ουσία της ερμηνείας εκφράστηκε με μεγάλη ακρίβεια από τον Α.Ν. Σερόφ: " Μεγάλο Μυστήριοσπουδαίοι ερμηνευτές στο γεγονός ότι φωτίζουν από μέσα, φωτίζουν, βάζουν σε αυτόν έναν ολόκληρο κόσμο αισθήσεων από τις ψυχές τους, που εκτελούνται από τη δύναμη του ταλέντου τους.

Η ερμηνεία δεν περιορίζεται στην επαγγελματική αξία και ικανότητα του ερμηνευτή. Είναι μια έκφραση όλων των πτυχών της προσωπικότητας και συνδέεται με την κοσμοθεωρία, ιδεολογικός προσανατολισμός, κοινή κουλτούρα, πολύπλευρη γνώση και τρόπος σκέψης που συνθέτουν το εσωτερικό περιεχόμενο της προσωπικότητας.

Η δημόσια, ηθική και επαγγελματική ευθύνη του ερμηνευτή έχει αυξηθεί από τα τέλη του 18ου - μέσα του 19ου αιώνα, όταν οι παραστατικές τέχνες διαχωρίστηκαν από τις τέχνες του συνθέτη. Η μοίρα του έργου από πολλές απόψεις άρχισε να εξαρτάται από τον ερμηνευτή.

Α. Ρουμπινστάιν: «Μου είναι εντελώς ακατανόητο τι εννοείται γενικά με την αντικειμενική απόδοση. Οποιαδήποτε απόδοση, αν δεν παράγεται από μηχανή, αλλά από άτομο, είναι από μόνη της υποκειμενική. Μεταφέρετε σωστά το νόημα του αντικειμένου (σύνθεση) - τα χρέη είναι νόμος για τον ερμηνευτή, αλλά ο καθένας το κάνει με τον δικό του τρόπο, δηλαδή υποκειμενικά. και είναι δυνατόν να σκεφτούμε διαφορετικά; Εάν η απόδοση μιας σύνθεσης είναι αντικειμενική, τότε μόνο ένας τρόπος θα ήταν σωστός και όλοι οι ερμηνευτές θα πρέπει να τον μιμηθούν. τι θα γινόταν οι ερμηνευτές; Μαϊμούδες; Υπάρχει μόνο μία παράσταση του ρόλου του Άμλετ, ή του Βασιλιά Ληρ κ.λπ.; Οπότε, στη μουσική, καταλαβαίνω μόνο υποκειμενική απόδοση».

Διαμόρφωση καλλιτεχνικής και παραστατικής ιδέας και υλοποίησή της

Σε θέματα ερμηνείας, εξαιρετική σημασία ανήκει στη φαντασία - η διανοητική διαδικασία αναδίπλωσης της εικόνας της μελλοντικής δραστηριότητας ή δημιουργίας μιας νέας με τη μορφή κοινή ιδέα, ή μια πιο συγκεκριμένη αναπαράσταση του τελικού προϊόντος μιας δραστηριότητας. Η φαντασία είναι πάντα μια νοητική κατασκευή ενός προγράμματος μετέπειτα δραστηριότητας, μπροστά από την υλικώς ενσαρκωμένη μορφή της. Διάκριση μεταξύ αναψυχής και δημιουργική φαντασία. Δημιουργική είναι η δημιουργία νέων ιδεών και εικόνων. Αναδημιουργία είναι η κατασκευή εικόνων με βάση μουσικό κείμενο κ.λπ. Αναδημιουργώντας τη φαντασία - ψυχολογική βάσηδημιουργία μουσικής και ερμηνευτικής ερμηνείας.

Δύο τύποι ερμηνευτών - συναισθηματικός τύπος (οπαδοί της "τέχνης της εμπειρίας") και καλλιτέχνες του πνευματικού τύπου ( θεατρική τέχνη, Στανισλάφσκι).

Υπάρχουν συνθετικοί ερμηνευτές. Ένας αξιοσημείωτος συνδυασμός αυτών των δύο αρχών βρίσκεται στις δραστηριότητες του S.V. Rachmaninov και P. Casals, A. Toscanini and J. Heifitz, D. Oistrakh and S. Richter, L. Kogan and E. Gilels, E. Svetlanov και V. Fedoseev. Διακρίνονται από μια βαθιά γνώση του περιεχομένου ενός μουσικού κομματιού, μια λαμπρή ενότητα περιεχομένου και μορφής, μια ενδιαφέρουσα, πρωτότυπη ερμηνεία και εξαιρετική τεχνική δεξιότητα. Αυτός ο τύπος χαρακτηρίζεται από μια ισορροπία μεταξύ των συναισθηματικών και διανοητικών αρχών, η οποία ρυθμίζεται συνειδητά.

Διάφορες πτυχές της ερμηνείας: 1. ερμηνεία από τον ερμηνευτή της πρόθεσης του συγγραφέα. 2. ιστορική κληρονομιά. 3. διαπολιτισμικές και ενδοπολιτισμικές σχέσεις. Αυθεντική παράσταση, βύθιση στο ιστορικό και πολιτιστικό πλαίσιο.

Η δουλειά πάνω σε ένα μουσικό έργο θα πρέπει να βασίζεται στην ολοκληρωμένη μελέτη του. Αυτό θα σας επιτρέψει να εμβαθύνετε στην εικονιστική σφαίρα, να διατηρήσετε το ενδιαφέρον του καλλιτέχνη για το έργο και, τέλος, να κατανοήσετε την πρόθεση του συγγραφέα.

Η πιο σημαντική αφετηρία σε αυτό το μακρύ και δύσκολο μονοπάτι είναι η εποχή που δημιουργήθηκε αυτό ή εκείνο το έργο. Οι συνθέτες, όπως ήταν, μιλούν διαφορετικές γλώσσες σε διαφορετικούς χρόνους, ενσωματώνουν διαφορετικά ιδανικά, αντανακλούν πτυχές της ζωής χαρακτηριστικές μιας συγκεκριμένης εποχής, φιλοσοφικές και αισθητικές απόψεις, έννοιες. Κατά συνέπεια, χρησιμοποιούνται επίσης εκφραστικά μέσα. Είναι απαραίτητο να κατανοήσουμε γιατί αυτό το συγκεκριμένο στυλ προέκυψε σε μια συγκεκριμένη εποχή, να το συσχετίσουμε με την προσωπικότητα του συνθέτη, ο οποίος είναι το «προϊόν» της εποχής, ανήκει σε μια συγκεκριμένη εποχή. κοινωνική ομάδα, εθνικότητα, να βάλεις ένα μουσικό κομμάτι σε αυτές τις συνθήκες και να εδραιώσεις σε ποια σχέση είναι με τον δημιουργό και τον χρόνο.

Ας πάρουμε την αλληλοσυσχέτιση της εποχής και τη σημειογραφία της κίνησης (τέμπο). Σε διαφορετικές εποχές, η σημειογραφία του ρυθμού ερμηνεύτηκε με διαφορετικούς τρόπους. Στην προκλασική περίοδο, τα τέμπη των «Allegro», «Andante», «Adagio», για παράδειγμα, δεν έδειχναν την ταχύτητα κίνησης, αλλά τη φύση της μουσικής. Το Allegro του Scarlatti είναι πιο αργό (ή πιο συγκρατημένο) από το Allegro των κλασικών, ενώ το Allegro του Mozart είναι πιο αργό (πιο συγκρατημένο) από το Allegro με τη μοντέρνα του έννοια. Ο Andante του Μότσαρτ είναι πιο κινητός. Αντί να το καταλαβαίνουμε τώρα. Το ίδιο μπορεί να ειπωθεί για τη σχέση μουσική εποχήμε δυναμική και άρθρωση. Φυσικά, η παρουσία αυθεντίας επιτρέπει σε κάποιον να επιχειρηματολογήσει κάπου με δυναμικές ενδείξεις, να αντιληφθεί με νέο τρόπο πιάνο, πιανίσσιμο, φόρτε, φορτίσιμο.

ηχογράφηση

Οι πρώτες συσκευές εγγραφής και αναπαραγωγής ήχου ήταν μηχανικά μουσικά όργανα. Μπορούσαν να παίξουν μελωδίες, αλλά δεν μπορούσαν να ηχογραφήσουν αυθαίρετους ήχους όπως η ανθρώπινη φωνή. Η αυτόματη αναπαραγωγή μουσικής είναι γνωστή από τον 9ο αιώνα, όταν οι αδερφοί Banu Musa, γύρω στο 875, εφηύραν το παλαιότερο γνωστό μηχανικό όργανο - ένα υδραυλικό ή «υδάτινο όργανο», το οποίο έπαιζε αυτόματα εναλλάξιμους κυλίνδρους. Ο κύλινδρος με τα προεξέχοντα «έκκεντρα» στην επιφάνεια παρέμεινε το κύριο μέσο για τη μηχανική αναπαραγωγή της μουσικής μέχρι το δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. Δημιουργήθηκε κατά την Αναγέννηση ολόκληρη γραμμήδιάφορα μηχανικά μουσικά όργανα που αναπαράγουν αυτή ή εκείνη τη μελωδία την κατάλληλη στιγμή: όργανο βαρελιού, μουσικά κουτιά, κουτιά, ταμπακιέρα.

Το 1857 ο de Martinville εφηύρε φωνογράφος. Η συσκευή αποτελούνταν από έναν ακουστικό κώνο και μια δονούμενη μεμβράνη συνδεδεμένη με μια βελόνα. Η βελόνα ήταν σε επαφή με την επιφάνεια ενός χειροκίνητου περιστρεφόμενου γυάλινου κυλίνδρου καλυμμένου με αιθάλη. Οι ηχητικές δονήσεις, περνώντας μέσα από τον κώνο, έκαναν τη μεμβράνη να δονείται, μεταδίδοντας δονήσεις στη βελόνα, οι οποίες εντόπισαν το σχήμα των ηχητικών δονήσεων στο στρώμα αιθάλης. Ωστόσο, ο σκοπός αυτής της συσκευής ήταν καθαρά πειραματικός - δεν μπορούσε να παίξει την ηχογραφημένη εγγραφή.

Το 1877, ο Thomas Edison εφηύρε τον φωνογράφο, ο οποίος μπορούσε ήδη να αναπαράγει τη δική του ηχογράφηση. Ο ήχος εγγράφεται στα μέσα με τη μορφή κομματιού, το βάθος του οποίου είναι ανάλογο με την ένταση του ήχου. Το ηχητικό κομμάτι του φωνογράφου τοποθετείται σε κυλινδρική σπείρα σε ένα αντικαταστάσιμο περιστρεφόμενο τύμπανο. Κατά την αναπαραγωγή, η βελόνα που κινείται κατά μήκος του αυλακιού μεταδίδει κραδασμούς σε μια ελαστική μεμβράνη, η οποία εκπέμπει ήχο.

Έντισον Τόμας Άλβα (1847-1931), Αμερικανός εφευρέτης και επιχειρηματίας. Συγγραφέας περισσότερων από 1000 εφευρέσεων στον τομέα της ηλεκτρικής μηχανικής και των επικοινωνιών. Εφηύρε την πρώτη συσκευή εγγραφής ήχου στον κόσμο - τον φωνογράφο, βελτίωσε τη λάμπα πυρακτώσεως, τον τηλέγραφο και το τηλέφωνο, έχτισε την πρώτη μονάδα παραγωγής ηλεκτρικής ενέργειας στον κόσμο το 1882.

Στον πρώτο φωνογράφο, ένας μεταλλικός κύλινδρος περιστρεφόταν με μια μανιβέλα, κινούμενος αξονικά με κάθε περιστροφή λόγω ενός βιδωτού σπειρώματος στον κινητήριο άξονα. Εφαρμόστηκε αλουμινόχαρτο (στανιόλη) στον κύλινδρο. Το άγγιξε μια χαλύβδινη βελόνα συνδεδεμένη με μια περγαμηνή μεμβράνη. Ένα μεταλλικό κέρατο κώνου προσαρτήθηκε στη μεμβράνη. Κατά την εγγραφή και την αναπαραγωγή ήχου, ο κύλινδρος έπρεπε να περιστρέφεται χειροκίνητα με ταχύτητα 1 περιστροφής ανά λεπτό. Όταν ο κύλινδρος περιστρεφόταν απουσία ήχου, η βελόνα εξώθησε μια σπειροειδή αυλάκωση (ή αυλάκωση) σταθερού βάθους στο φύλλο. Όταν η μεμβράνη δονήθηκε, η βελόνα πιέστηκε στο τενεκέ σύμφωνα με τον αντιληπτό ήχο, δημιουργώντας ένα αυλάκι μεταβλητού βάθους. Έτσι εφευρέθηκε η μέθοδος της «βαθιάς καταγραφής».

Κατά την πρώτη δοκιμή της συσκευής του, ο Έντισον τράβηξε το φύλλο σφιχτά πάνω από τον κύλινδρο, έφερε τη βελόνα στην επιφάνεια του κυλίνδρου, άρχισε να περιστρέφει προσεκτικά τη λαβή και τραγούδησε την πρώτη στροφή του παιδικού τραγουδιού "Mary had a sheep" στο στόμιο. Έπειτα πήρε τη βελόνα, επέστρεψε τον κύλινδρο στην αρχική του θέση με τη λαβή, έβαλε τη βελόνα στο τραβηγμένο αυλάκι και άρχισε πάλι να περιστρέφει τον κύλινδρο. Και από το επιστόμιο ακουγόταν ένα παιδικό τραγούδι απαλά, αλλά καθαρά.

Το 1885, ο Αμερικανός εφευρέτης Τσαρλς Τέιντερ (1854-1940) ανέπτυξε το γραφόφωνο—έναν φωνογράφο που λειτουργεί με τα πόδια (όπως μια ραπτομηχανή που λειτουργεί με τα πόδια)— και αντικατέστησε τα φύλλα κασσίτερου σε ρολό με κερί. Ο Έντισον αγόρασε το δίπλωμα ευρεσιτεχνίας του Tainter και αντί για ρολά αλουμινόχαρτου, χρησιμοποιήθηκαν αφαιρούμενα ρολά κεριού για ηχογράφηση. Το ύψος του αυλακιού ήχου ήταν περίπου 3 mm, επομένως ο χρόνος εγγραφής ανά ρολό ήταν πολύ μικρός.

Σε σχεδόν αμετάβλητη μορφή, ο φωνογράφος υπήρχε για αρκετές δεκαετίες. Ως συσκευή εγγραφής μουσικών έργων, έπαψε να παράγεται στα τέλη της πρώτης δεκαετίας του 20ού αιώνα, αλλά για σχεδόν 15 χρόνια χρησιμοποιήθηκε ως συσκευή εγγραφής φωνής. Οι κύλινδροι για αυτό παράγονταν μέχρι το 1929.

Μετά από 10 χρόνια, το 1887, ο εφευρέτης του γραμμοφώνου, E. Berliner, αντικατέστησε τους κυλίνδρους με δίσκους από τους οποίους μπορούν να κατασκευαστούν αντίγραφα - μεταλλικές μήτρες. Με τη βοήθειά τους πατήθηκαν γνωστοί δίσκοι γραμμοφώνου (Εικ. 4 α.). Ένας πίνακας επέτρεψε την εκτύπωση ολόκληρης κυκλοφορίας - τουλάχιστον 500 δίσκους. Αυτό ήταν το κύριο πλεονέκτημα των δίσκων του Berliner έναντι των κυλίνδρων κεριού του Έντισον, που δεν μπορούσαν να αναπαραχθούν. Σε αντίθεση με τον φωνογράφο του Έντισον, ο Μπερλίνερ ανέπτυξε μια συσκευή για ηχογράφηση - μια συσκευή εγγραφής και μια άλλη για την αναπαραγωγή ήχου - ένα γραμμόφωνο.

Αντί για βαθιά καταγραφή χρησιμοποιήθηκε εγκάρσια εγγραφή, δηλ. η βελόνα άφησε ένα τρελό ίχνος σταθερού βάθους. Στη συνέχεια, η μεμβράνη αντικαταστάθηκε από εξαιρετικά ευαίσθητα μικρόφωνα που μετατρέπουν τις ηχητικές δονήσεις σε ηλεκτρικές δονήσεις και ηλεκτρονικούς ενισχυτές. Το 1888 είναι η χρονιά της εφεύρεσης του δίσκου γραμμοφώνου από τον Berlinger.

Μέχρι το 1896, ο δίσκος έπρεπε να περιστρέφεται με το χέρι και αυτό ήταν το κύριο εμπόδιο για την ευρεία χρήση των γραμμοφώνων. Ο Emil Berliner ανακοίνωσε διαγωνισμό για έναν κινητήρα ελατηρίου - φθηνό, τεχνολογικά προηγμένο, αξιόπιστο και ισχυρό. Και ένας τέτοιος κινητήρας σχεδιάστηκε από τον μηχανικό Eldridge Johnson, που ήρθε στην εταιρεία του Berliner. Από το 1896 έως το 1900 περίπου 25.000 από αυτούς τους κινητήρες κατασκευάστηκαν. Μόνο τότε διαδόθηκε ευρέως το γραμμόφωνο του Βερολίνου.

Οι πρώτοι δίσκοι ήταν μονόπλευροι. Το 1903 κυκλοφόρησε για πρώτη φορά ένας δίσκος διπλής όψης 12 ιντσών.

Το 1898, ο Δανός μηχανικός Voldemar Paulsen (1869-1942) εφηύρε μια συσκευή μαγνητικής καταγραφής ήχου σε ατσαλένιο σύρμα. Αργότερα, ο Paulsen εφηύρε μια μέθοδο μαγνητικής εγγραφής σε έναν περιστρεφόμενο ατσάλινο δίσκο, όπου οι πληροφορίες καταγράφονταν σε μια σπείρα από μια κινούμενη μαγνητική κεφαλή. Το 1927, ο F. Pfleimer ανέπτυξε μια τεχνολογία για την κατασκευή μιας μαγνητικής ταινίας σε μη μαγνητική βάση. Με βάση αυτή την εξέλιξη, το 1935, η γερμανική εταιρεία ηλεκτρισμού "AEG" και η χημική εταιρεία "IG Farbenindustri" παρουσίασαν στη γερμανική ραδιοφωνική έκθεση μια μαγνητική ταινία σε μια πλαστική βάση επικαλυμμένη με σκόνη σιδήρου. Mastered in εργοστασιακή παραγωγή, κόστιζε 5 φορές φθηνότερο από το ατσάλι, ήταν πολύ πιο ελαφρύ και το πιο σημαντικό, έκανε δυνατή τη σύνδεση κομματιών με απλή κόλληση. Για τη χρήση της νέας μαγνητικής ταινίας, αναπτύχθηκε μια νέα συσκευή εγγραφής ήχου, η οποία έλαβε το εμπορικό σήμα "Magnetofon". Η μαγνητική ταινία είναι κατάλληλη για επαναλαμβανόμενη εγγραφή ήχου. Ο αριθμός τέτοιων εγγραφών είναι πρακτικά απεριόριστος. Καθορίζεται μόνο από τη μηχανική αντοχή του νέου φορέα πληροφοριών - μαγνητική ταινία. Το πρώτο μαγνητόφωνο δύο κομματιών κυκλοφόρησε από τη γερμανική εταιρεία AEG το 1957 και το 1959 αυτή η εταιρεία κυκλοφόρησε το πρώτο μαγνητόφωνο τεσσάρων κομματιών.

«Το πιο αληθινό και υψηλότερο φάρμακο

υπηρεσία σε μεγάλους συνθέτες

συνίσταται στο να τους φέρεις στο έπακρο

η ειλικρίνεια του καλλιτέχνη»

(Άλφρεντ Κορτό).

Από την εμφάνιση ενός μουσικού κομματιού ηχογραφημένου σε ένα συγκεκριμένο σύστημα σημειογραφίας, οι δημιουργικές σχέσεις μεταξύ των κύριων φορέων μουσικής - συνθετών και ερμηνευτών - βρίσκονται σε διαδικασία συνεχούς τροποποίησης. Σε αυτήν την κοινοπολιτεία, δύο τάσεις παλεύουν - η επιθυμία για συγχώνευση με την επιθυμία για αυτοέκφραση. Από τα μέσα του 19ου αιώνα, ο ρωσικός πιανισμός έχει γίνει μια από τις πιο προοδευτικές ομάδες στον κόσμο των παραστατικών τεχνών. Στη Ρωσία, νωρίτερα από οπουδήποτε αλλού, κατάλαβαν την ανάγκη για την πιο προσεκτική μελέτη του κειμένου του συγγραφέα, σε συνδυασμό με μια δημιουργική στάση απέναντί ​​του. Οι πρώτες τέσσερις δεκαετίες του 20ού αιώνα είναι η εποχή της πιο αρμονικής επίλυσης του ζητήματος της στάσης απέναντι στο κείμενο του συγγραφέα. Οι πιανίστες άρχισαν να κατανοούν πολύ πιο βαθιά την ουσία του έργου και το ύφος του δημιουργού του. Οι Σοβιετικοί μουσικοί έχουν συνεισφέρει επάξια στον κόσμο παίζοντας Bakhiana. Η M.V. Yudina λάτρευε τον Μπαχ καθ' όλη τη διάρκεια της δημιουργική ζωή. Αυτό αποδεικνύεται από τον αριθμό (περίπου ογδόντα) των συνθέσεων του που έπαιξε η πιανίστα - σχεδόν μοναδικές για τους καλλιτέχνες της γενιάς της. Στο ρεπερτόριο του Μπαχ, εγκατέλειψε πολλά εκφραστικά ρομαντικά μέσα, συμπεριλαμβανομένων συγκεκριμένων πιάνων. χαρακτηριζόταν από μια πιο ιστορική, σε σύγκριση με τις ερμηνείες των ρομαντικών, ανάγνωση του Μπαχ. Η Yudina ήταν από τους πρώτους που συνειδητοποίησε ότι η δημιουργικότητα του Μπαχ και το σύγχρονο πιάνο ανήκουν διαφορετικές εποχέςσαν ζωντανός καλλιτεχνική πραγματικότητα, που φέρνει τον διερμηνέα σε δύσκολη θέση. ΣΧΕΤΙΚΑ ΜΕ καινοτόμα χαρακτηριστικάΤο στυλ της Yudina μπορεί να κριθεί από την ερμηνεία της στο Chromatic Fantasy και τη Fugue, η οποία διακρίνεται από γραμμικές παραστάσεις, ασκητικό χρωματισμό και ενεργητικό ανατομή άρθρωσης με τσέμπαλο. Εφιστάται η προσοχή στην «εγγραφή» στο παλιό κλαβιέρικο πνεύμα, με ένα άγγιγμα οργανισμού, καθώς και στο αργό, «κυρίαρχο» ρυθμό και αυστηρές αγωγικές. Η επιθυμία της πιανίστριας για στυλ δεν μετατράπηκε ποτέ σε μουσειακή «στεγνότητα» της ερμηνείας της. Στις ερμηνείες της Yudina, η ικανότητα έκφρασης μιας μακράς βύθισης σε μια συναισθηματική κατάσταση, χαμένη σε ρομαντικές αναγνώσεις, άρχισε να επιστρέφει στα έργα του Bach: η αναβίωση των αρχών της καταχώρησης των οργάνων του κλαβιού. η εξαφάνιση του diminuendo στα τελικά μπαρ. η απόρριψη της παράδοσης της σταδιακής αύξησης της δύναμης του ήχου στις φούγκες από την αρχή μέχρι το τέλος, η απουσία παρορμητικού ρουμπάτο. Θα πρέπει να σημειωθεί ένα ακόμη πιο «clavier» χαρακτηριστικό στις αποφάσεις απόδοσης της Yudina - η αυξημένη σημασία της άρθρωσης.

Μεταξύ των Σοβιετικών μουσικών, ο Svyatoslav Teofilovich Richter έγινε κλασικός της μεταρομαντικής σκηνής στην ιστορία του πιανισμού, ένας καλλιτέχνης στο έργο του οποίου συγκεντρώθηκαν οι κορυφαίες τάσεις της νέας ερμηνευτικής εποχής. Δημιούργησε ερμηνείες, χωρίς τις οποίες η ιστορία της απόδοσης της μουσικής του Μπαχ είναι ασύλληπτη. Αποφασιστικά σπασμένος με τις τάσεις μιας ρομαντικής ερμηνείας του έργου αυτού του συνθέτη, ο Ρίχτερ διέγραψε μεταγραφές από τα προγράμματά του. Στα Πρελούδια και Φούγκες από το HTK, που κατέχουν την κύρια θέση στη δισκογραφία του Μπαχ του Ρίχτερ, αντιπαραβάλλει τη ρομαντική ελευθερία, την υποκειμενικότητα των ερμηνειών με την επιθυμία για μέγιστη αντικειμενικότητα και, όπως λες, «πηγαίνει στη σκιά», θέλοντας να αφήσει ήχος "η ίδια η μουσική". Αυτές οι ερμηνείες είναι εμποτισμένες με μια προσεκτική, αγνή στάση απέναντι στον συγγραφέα. Η αυτο-απορρόφηση εδώ κυριαρχεί πλήρως στις εξωτερικές εκδηλώσεις των συναισθημάτων. η συναισθηματική ένταση μαντεύεται μόνο σε μια τεράστια πνευματική ένταση. Η μοναδική δεξιοτεχνία αντικατοπτρίζεται στο αόρατο του, στον λακωνισμό και τον ασκητισμό των πιανιστικών μέσων. Ακούμε σε Ρίχτερ τη δυνατότητα οργανικής, φωνητικής, ορχηστρικής, ορχηστρικής-χορωδίας και τσέμπαλου ήχου και κουδουνιών. «Είμαι πεπεισμένος ότι ο Μπαχ μπορεί να παιχτεί καλά με διαφορετικούς τρόπους, με διαφορετικές αρθρώσεις και με διαφορετική δυναμική. Αν διατηρηθεί μόνο το σύνολο, αν δεν παραμορφωθούν μόνο τα αυστηρά περιγράμματα του στυλ, αν μόνο η απόδοση είναι αρκετά πειστική» (S.T. Richter).

Μια βαθιά και περιεκτική, πραγματικά καλλιτεχνική προσέγγιση του κύκλου CTC είναι χαρακτηριστικό του Richter. Ακούγοντας την ερμηνεία του Ρίχτερ, είναι εύκολο να διακρίνεις δύο βασικές τάσεις σε αυτόν, που μερικές φορές τσακώνονται μεταξύ τους. Αφενός, η παράστασή του φαίνεται να βρίσκεται εντός των ορίων που έχουν προκαθορίσει οι ιδιαιτερότητες της κλαβιέρικης τέχνης της εποχής του Μπαχ. Από την άλλη, ασχολείται διαρκώς με φαινόμενα που ξεπερνούν αυτά τα όρια. «Σε αυτό, σαν να λέμε, το τσέμπαλο, το κλαβίχορδο και το όργανο συμπάθειες του Μπαχ και οι λαμπρές του ιδέες για το μέλλον είναι «κολλημένες» μεταξύ τους» (J. Milshtein). Συνδυάζει τόσο εκφραστικά και εποικοδομητικά στοιχεία, όσο και γραμμικά. Γι' αυτό, σε άλλα πρελούδια και φούγκες, ο Ρίχτερ φέρνει στο προσκήνιο την πνευματική, εποικοδομητική-πολυφωνική αρχή και συνδέει την εικονιστική δομή τους με αυτήν. Σε άλλα, τονίζει το φιλοσοφικό βάθος της μουσικής του Μπαχ και την οργανική ισορροπία όλων των εκφραστικών μέσων που συνδέονται με αυτήν. Άλλοτε τον ελκύει η έκφραση μελωδικών γραμμών που ρέουν ομαλά (συνεκτική άρθρωση legato), άλλοτε το αντίστροφο, η οξύτητα και η καθαρότητα του ρυθμού, η ανατομή της άρθρωσης. Μερικές φορές αγωνίζεται για ρομαντική απαλότητα, πλαστικότητα του παιχνιδιού, μερικές φορές για έντονα τονισμένες δυναμικές αντιθέσεις. Αυτός όμως, φυσικά, δεν χαρακτηρίζεται από «ευαίσθητη» στρογγυλοποίηση της φράσης, μικρές δυναμικές αποχρώσεις, αδικαιολόγητες αποκλίσεις από το βασικό τέμπο. Είναι επίσης εξαιρετικά ξένο προς την εξαιρετικά εκφραστική, παρορμητική ερμηνεία του Μπαχ, τις ασύμμετρες προφορές, την έντονη έμφαση σε μεμονωμένες νότες και μοτίβα, την ξαφνική «σπαστική» επιτάχυνση του τέμπο κ.λπ. Η απόδοσή του στο HTK είναι σταθερή, μεγάλης κλίμακας, οργανική και ολοκληρωμένη. «Η υψηλότερη ευτυχία του είναι να διαλύεται στη θέληση του συνθέτη που έχει επιλέξει» (Y. Milshtein).

Η κύρια ώθηση των αξιοσημείωτων, κοσμοκατακτητικών ερμηνειών του Glenn Gould είναι η εκπληκτική του διαίσθηση, η ακαταμάχητη δύναμη των μουσικών συναισθημάτων που ζουν μέσα του. Ο Γκουλντόφσκι Μπαχ είναι η μεγαλύτερη κορυφή των παραστατικών τεχνών του δεύτερου μισού του 20ου αιώνα. Η παλέτα τσέμπαλου του πιανισμού του Γκουλντ, η μελισμική του και πολλά άλλα μαρτυρούν τη διανόηση και τη βαθύτερη διείσδυση στον πολιτισμό της εποχής του Μπαχ. Οι ερμηνείες του Γκουλντ σε εφευρέσεις, παρτίτες, παραλλαγές του Goldberg και άλλα έργα του Μπαχ έγιναν καλλιτεχνικό πλεονέκτημα, που έγινε αντιληπτό από τους σύγχρονούς μας ως αριστουργήματα παραστατικής τέχνης, ως στιλιστικό πρότυπο απαλλαγμένο από όλα τα συσσωρευμένα στρώματα. Ωστόσο, η δημιουργική κυρίαρχη του κυρίου δεν ήταν ποτέ μίμηση του Μπαχ. Υποτάσσεται στη διαίσθησή του, ενώ δεν σταματά σε αλλαγές στα άμεσα δεδομένα του «λευκού» κειμένου του Μπαχ. Ο Γκουλντ ερμηνεύει τα έργα του Μπαχ με ποικίλους βαθμούς καλλιτεχνικής πειστικότητας. Δεν παίζονται όλες οι φούγκες από τον πρώτο τόμο του CTC στο συνηθισμένο καλλιτεχνικό επίπεδο για τον Γκουλντ. Στο παιχνίδι του πλοιάρχου, συχνά υπάρχουν άμεσες σπατάλες από το κείμενο, οι ρυθμικές-υψηλού υψομέτρου παραλλαγές του.

Το έργο του Gould είναι εντυπωσιακό στην αρχική του και, σε τον υψηλότερο βαθμό, εκφραστική μελισματική. Η τοποθεσία τους είναι επίσης πρωτότυπη - πολλά προστίθενται, άλλα δεν εκτελούνται. Χωρίς αυτούς, οι ερμηνείες του Μπαχ για τον καλλιτέχνη θα είχαν χάσει πολλά. Ο καλλιτέχνης συχνά καταφεύγει σε ρυθμικές παραλλαγές του κειμένου. Αλλά αν τα παραπάνω χαρακτηριστικά του παιχνιδιού του δασκάλου δεν εισάγουν εκτεταμένες αλλαγές στον χαρακτήρα και το νόημα των έργων, τότε άλλες μεταμορφώσεις του Gould εισχωρούν στην ίδια την ουσία των συνθέσεων. Οι ερμηνείες του Καναδού μάστερ καλύπτουν το πιο πλούσιο ευφάνταστο φάσμα. Παίζει πολλά πράγματα με βαθύ λυρισμό, ρυθμική ελευθερία, ασυνήθιστη για τον Μπαχ και σύντομη φρασεολογία. Το παίξιμό του χτυπά με την τελειότητα, την κυρτότητα της φωνής που οδηγεί. Όλος ο ιστός της μουσικής είναι ξεκάθαρος «σαν στην παλάμη του χεριού σου». Η μουσική φαίνεται να εμπλουτίζεται από τον εκφραστικό τονισμό όλων των φωνών.

Πολύ ανεπτυγμένη, ποικιλόμορφη, εκλεπτυσμένη γραμμική τέχνη του έργου του πλοιάρχου. Οι πινελιές του δίνουν στην κινητήρια δομή των μελωδιών του Μπαχ την πιο ποικιλόμορφη εμφάνιση. Ιδιαίτερο ενδιαφέρον παρουσιάζει η ασυνήθιστη μέθοδος αλλαγής πινελιών στις ίδιες μελωδίες, συμπεριλαμβανομένων θεμάτων φούγκας, εφευρέσεων και άλλων έργων, και ανοίγει νέα προβλήματα απόδοσης. Η μελέτη των ορχηστρικών έργων του Μπαχ, που περιέχουν έναν ορισμένο αριθμό συγγραφικών πρωταθλημάτων - εγκεφαλικών επεισοδίων, δείχνει την πιθανότητα ενός τέτοιου παραδείγματος. Ο ίδιος ο μεγάλος συνθέτης διαφοροποιούσε τα εγκεφαλικά επεισόδια, και όχι τόσο σπάνια. Ο Καναδός ελεύθερος στοχαστής δημιούργησε τον πιο πειστικό Μπαχ της εποχής μας. Είναι ένας διαφορετικός Μπαχ: όχι αυτός που ήταν στη διάρκεια της ζωής του, ούτε αυτός που, αλλάζοντας, εμφανίστηκε σε διαφορετικές γενιές, αλλά φαίνεται στους συγχρόνους του Γκουλντ ο πιο αυθεντικός Μπαχ.

Στον τομέα της ενόργανης μουσικής, η δουλειά του J.S. Bach άνοιξε ένα σύνολο νέα εποχή, η γόνιμη επιρροή του οποίου επεκτείνεται μέχρι τις μέρες μας και δεν θα στερέψει ποτέ. Απεριόριστη από το αποστεωμένο δόγμα ενός θρησκευτικού κειμένου, η μουσική κατευθύνεται ευρέως στο μέλλον, άμεσα κοντά στο πραγματική ζωή. Είναι στενά συνδεδεμένο με τις παραδόσεις και τις τεχνικές της κοσμικής τέχνης και της μουσικής.

Ο ηχητικός κόσμος της οργανικής μουσικής του Μπαχ χαρακτηρίζεται από μια μοναδική πρωτοτυπία. Οι δημιουργίες του Μπαχ έχουν μπει σταθερά στη συνείδησή μας, έχουν γίνει μια αναπόσπαστη αισθητική ανάγκη, αν και ηχούν σε άλλα όργανα από εκείνα των ημερών.

Η ενόργανη μουσική, ειδικά ο Köthen, χρησίμευσε στον Μπαχ ως «πειραματικό πεδίο» για την τελειοποίηση και την ολοκλήρωση της ολοκληρωμένης συνθετικής τεχνικής του. Αυτά τα έργα έχουν διαρκή καλλιτεχνική αξία· αποτελούν απαραίτητο κρίκο στη συνολική δημιουργική εξέλιξη του Μπαχ. Το clavier έγινε για τον Bach η καθημερινή βάση για μουσικούς πειραματισμούς στον τομέα της τάξης, της αρμονίας και της διαμόρφωσης και συνέδεσε ευρύτερα τις διάφορες σφαίρες του είδους της δημιουργικότητας του Bach. Ο Μπαχ επέκτεινε την εικονιστική-εκφραστική σφαίρα του clavier και ανέπτυξε γι 'αυτό ένα πολύ ευρύτερο, συνθετικό ύφος, το οποίο ενσωμάτωσε εκφραστικά μέσα, τεχνικές, θέματα που διδάχθηκαν από οργανική, ορχηστρική, φωνητική λογοτεχνία - γερμανική, ιταλική, γαλλική. Παρά την ευελιξία του εικονιστικού περιεχομένου, το οποίο απαιτεί διαφορετικό τρόπο απόδοσης, το ύφος του Μπαχ διακρίνεται από ορισμένους κοινά χαρακτηριστικά: ενεργητικό και μεγαλειώδες, περιεχόμενο και ισορροπημένη συναισθηματική δομή, πλούτος και ποικιλία υφής. Το περίγραμμα της μελωδίας του κλαβιέρ είναι εκφραστικά μελωδικό, απαιτώντας έναν απερίγραπτο τρόπο παιχνιδιού. Σε μεγαλύτερο βαθμό, το δάχτυλο του Μπαχ και η ρύθμιση του χεριού συνδέονται με αυτήν την αρχή. Ένα από τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα του στυλ είναι ο κορεσμός της παρουσίασης με αρμονικές παραστάσεις. Μέσω αυτής της τεχνικής, ο συνθέτης επεδίωξε να «ανεβάσει στην επιφάνεια του ήχου» τα βαθιά στρώματα εκείνων των μεγαλειωδών αρμονιών, οι οποίες, σε μια συνεχή υφή στον κλαβιέρη εκείνης της εποχής, δεν μπορούσαν να αποκαλύψουν πλήρως τους θησαυρούς του χρώματος και της έκφρασης που περιείχαν. τους.

Τα έργα του Μπαχ δεν είναι απλώς εκπληκτικά και ακαταμάχητα σαγηνευτικά: η επιρροή τους γίνεται ισχυρότερη όσο πιο συχνά τα ακούμε, τόσο περισσότερο τα γνωρίζουμε. Χάρη στον τεράστιο πλούτο ιδεών, βρίσκουμε κάθε φορά κάτι νέο σε αυτές που προκαλεί θαυμασμό. Ο Μπαχ συνδύασε ένα μεγαλοπρεπές και υπέροχο ύφος με την ωραιότερη διακόσμηση, τη μέγιστη προσοχή στην επιλογή των λεπτομερειών ενός συνθετικού συνόλου, γιατί ήταν πεπεισμένος ότι «το σύνολο δεν μπορεί να είναι τέλειο εάν οι λεπτομέρειες αυτού του συνόλου δεν «ταιριάζουν» μεταξύ τους». (Ι. Φόρκελ).

Τεχνολογίες, εξελίξεις» www.metodkabinet.rf

Πιανίστας - διερμηνέας. σύγχρονος πιανισμός.

Iovenko Yulia Evgenievna, καθηγήτρια πιάνου, Παιδικό Μουσικό Σχολείο MAOUK DOD, Komsomolsk-on-Amur, περιοχή Khabarovsk

Μουέργοαφορά ζητήματα ερμηνείας μουσική για πιάνο.

Σε αυτό θα αγγίξω λίγο το θέμα της ιστορίας των παραστατικών τεχνών του πιάνου, καθώς και το θέμα των τάσεων στον σύγχρονο παραστατικό πιανισμό, θα μιλήσω για μερικούς πιανίστες της εποχής μας, οι οποίοι, κατά τη γνώμη μου, είναι οι καλύτεροι ερμηνευτές αυτού ή του άλλου συνθέτη.

Η μουσική σε μια σειρά από τέχνες κατέχει ξεχωριστή θέση στην ιδιαιτερότητά της. Έχοντας αντικειμενικά τη μορφή της μουσικής σημειογραφίας, η μουσική χρειάζεται μια πράξη αναδημιουργίας από τον ερμηνευτή, την καλλιτεχνική του ερμηνεία. Στην ίδια τη φύση της μουσικής βρίσκεται η διαλεκτική ενότητα ενός μουσικού έργου και παράστασης.

Η μουσική παράσταση είναι πάντα μια σύγχρονη δημιουργικότητα, η δημιουργικότητα μιας δεδομένης εποχής, ακόμα κι όταν το ίδιο το έργο χωρίζεται από αυτό για μεγάλο χρονικό διάστημα.

Ανάλογα με την εποχή της ανάπτυξης της μουσικής για πιάνο, οι πιανίστες ανέπτυξαν ένα συγκεκριμένο στυλ απόδοσης, έναν συγκεκριμένο τρόπο παιχνιδιού.

Περίοδος Clavier είναι μια προϊστορία για την απόδοση πιάνου. Την εποχή αυτή διαμορφώθηκε ο τύπος του μουσικού-πρακτικού, «παίζοντας συνθέτης». Ο δημιουργικός αυτοσχεδιασμός βρίσκεται στο επίκεντρο των παραστατικών τεχνών. Η δεξιοτεχνία ενός τέτοιου μουσικού περιορίστηκε όχι τόσο στην τεχνική τελειότητα, αλλά στην ικανότητα να «μιλάει» με το κοινό με τη βοήθεια ενός οργάνου.

Νέος ορόσημο μουσική παράστασηέρχεται προς τα τέλη του 18ου αιώνα με την προώθηση ενός νέου σόλο οργάνου - του πιάνου hammer-action. Η πολυπλοκότητα του μουσικού περιεχομένου προκάλεσε την ανάγκη για ακριβή μουσική σημειογραφία, καθώς και για τον καθορισμό ειδικών οδηγιών εκτέλεσης.

Η ερμηνεία στο πιάνο αποκτά συναισθηματικό πλούτο και δυναμισμό.

Μέχρι τα τέλη του 18ου αιώνα υπήρχε νέα μορφήκάνοντας μουσική - μια δημόσια, επί πληρωμή συναυλία. Υπάρχει καταμερισμός εργασίας μεταξύ συνθέτη και ερμηνευτή.

Αρχές 19ου αιώνα σχηματίζεται ένας νέος τύπος μουσικού - «βιρτουόζος συνθέσεως». Νέες χωρικές και ακουστικές συνθήκες (μεγάλ ΑΙΘΟΥΣΕΣ συναυλιών) απαίτησε μεγαλύτερη ηχητική ισχύ από τους ερμηνευτές. Προκειμένου να ενισχυθεί ο ψυχολογικός αντίκτυπος, εισάγονται στοιχεία ψυχαγωγίας. Το «παιχνίδι» του προσώπου και των χεριών γίνεται μέσο χωρικής «γλύψης» της μουσικής εικόνας. Το κοινό επηρεάζεται από το βιρτουόζο εύρος του παιχνιδιού, μια τολμηρή πτήση φαντασίας, μια πολύχρωμη γκάμα συναισθηματικών αποχρώσεων.

Και τελικά στα μέσα του 19ου αιώνα αλλά διαμορφώνεται ένας μουσικός-διερμηνέας, ένας ερμηνευτής της δημιουργικότητας κάποιου άλλου συνθέτη. Για τον ερμηνευτή, η αποκλειστικά υποκειμενική φύση της παράστασης δίνει τη θέση της σε μια ερμηνεία που του θέτει αντικειμενικά καλλιτεχνικά καθήκοντα - αποκάλυψη, ερμηνεία και μετάδοση. εικονιστικό σύστημαμουσικό έργο και την πρόθεση του συγγραφέα του.

Σχεδόν τα πάντα 19ος αιώνας χαρακτηρίζεται από μια ισχυρή άνθηση της απόδοσης πιάνου. Η παράσταση γίνεται η δεύτερη δημιουργία, όπου ο ερμηνευτής είναι ισότιμος με τον συνθέτη. Ο περιπλανώμενος βιρτουόζος σε όλες τις ποικιλίες του γίνεται η κύρια φιγούρα στον ερμηνευτικό χώρο - από τους «ακροβάτες» του πιάνου μέχρι τους προπαγανδιστές ερμηνευτές. Στις δραστηριότητες των Chopin, Liszt, των αδελφών Rubinstein, κυριαρχεί η ιδέα της ενότητας των καλλιτεχνικών και τεχνικών αρχών, από την άλλη, οι Kalkbrenner και Laugier έθεσαν τον κύριο στόχο της εκπαίδευσης ενός βιρτουόζου μαθητή. Το στυλ πολλών δασκάλων του 19ου αιώνα ήταν γεμάτο με τέτοια εκτελεστική προθυμία που θα το θεωρούσαμε εκατό τοις εκατό άγευστο και απαράδεκτο.

20ος αιώνας μπορεί να ονομαστεί με ασφάλεια ο αιώνας των μεγάλων πιανιστών: τόσα πολλά σε μια χρονική περίοδο, φαίνεται ότι δεν έχουν ξαναγίνει ποτέ. Paderevsky, Hoffmann, Rachmaninov, Schnabel - στις αρχές του αιώνα, Richter, Gilels, Kempff - στο δεύτερο ημίχρονο. Η λίστα είναι ατελείωτη...

Στη στροφή του ΧΧ-Χ Εγώ αιώνες Η ποικιλία των ερμηνειών είναι τόσο μεγάλη που μερικές φορές δεν είναι καθόλου εύκολο να τις καταλάβεις. Η εποχή μας είναι η ποικιλομορφία των ερμηνευτικών τρόπων.

Σύγχρονη τέχνη του να παίζεις πιάνο. Τι είναι? Τι συμβαίνει σε αυτό, τι πεθαίνει και τι γεννιέται;

Γενικά, η τάση της τέχνης του πιάνου σήμερα, σε αντίθεση με ό,τι ήταν πριν από 50 χρόνια, είναι η προτεραιότητα των λεπτομερειών έναντι της γενικής ιδέας. Είναι σε διαφορετικές αναγνώσεις μικρολεπτομέρειας που οι σύγχρονοι ερμηνευτές θέλουν να βρουν την ατομικότητά τους.

Είναι και η ύπαρξη ενός άρρητου κανόνα απόδοσης: «Δεν υπάρχει ομοφωνία. Ολόκληρη η υφή του πιάνου είναι πάντα πολυφωνική, ακόμα και στερεοφωνική. Μια θεμελιώδης αρχή συνδέεται με αυτό: κάθε δάχτυλο είναι ένα ξεχωριστό και ζωντανό και συγκεκριμένο όργανο υπεύθυνο για τη διάρκεια και την ποιότητα του ήχου "(απόσπασμα από μια διάλεξη - ένα μάθημα του Mikhail Arkadiev).