Μουσική κουλτούρα και εκπαίδευση στην Αναγέννηση. Αφηρημένη μουσική κουλτούρα της αναβίωσης

Μουσική στην περίοδο XV-XVII αιώνα.

Στο Μεσαίωνα, η μουσική ήταν προνόμιο της εκκλησίας, επομένως τα περισσότερα μουσικά έργα ήταν ιερά, βασίζονταν σε εκκλησιαστικούς ύμνους (Γρηγοριανό άσμα), που ήταν μέρος της θρησκείας από την αρχή του Χριστιανισμού. Στις αρχές του 6ου αιώνα, οι λατρευτικές μελωδίες, με την άμεση συμμετοχή του Πάπα Γρηγορίου Α', αγιοποιήθηκαν τελικά. Γρηγοριανό άσμα ερμήνευσαν επαγγελματίες τραγουδιστές. Αφού η εκκλησιαστική μουσική κατέκτησε την πολυφωνία, το Γρηγοριανό άσμα παρέμεινε η θεματική βάση των πολυφωνικών λατρευτικών έργων (μαζές, μοτέτες κ.λπ.).

Τον Μεσαίωνα ακολούθησε η Αναγέννηση, που ήταν για τους μουσικούς μια εποχή ανακαλύψεων, καινοτομιών και έρευνας, η Αναγέννηση όλων των στρωμάτων πολιτιστικών και επιστημονικών εκδηλώσεων της ζωής από τη μουσική και τη ζωγραφική μέχρι την αστρονομία και τα μαθηματικά.

Αν και, κατά κύριο λόγο, η μουσική παρέμεινε θρησκευτική, αλλά η αποδυνάμωση του εκκλησιαστικού ελέγχου στην κοινωνία άνοιξε μεγαλύτερη ελευθερία για τους συνθέτες και τους ερμηνευτές στην εκδήλωση των ταλέντων τους.

Με την εφεύρεση του τυπογραφείου κατέστη δυνατή η εκτύπωση και η διανομή παρτιτούρων και από εκείνη τη στιγμή ξεκινά αυτό που ονομάζουμε κλασική μουσική.

Την περίοδο αυτή εμφανίστηκαν νέα μουσικά όργανα. Τα πιο δημοφιλή ήταν τα όργανα στα οποία οι λάτρεις της μουσικής μπορούσαν να παίξουν εύκολα και απλά, χωρίς να απαιτούν ιδιαίτερες δεξιότητες.

Ήταν εκείνη την εποχή που εμφανίστηκε η βιόλα, ο προκάτοχος του βιολιού. Τα τάστα (ξύλινες λωρίδες σε όλη την ταστιέρα) έκαναν εύκολη την αναπαραγωγή και ο ήχος ήταν ήσυχος, απαλός και έπαιζε καλά σε μικρούς χώρους.

Επίσης δημοφιλείς ήταν πνευστά όργανα- ηχογράφηση, φλάουτο και κόρνο. Η πιο περίπλοκη μουσική γράφτηκε για το νεοδημιουργημένο τσέμπαλο, το παρθενικό (αγγλικό τσέμπαλο, που χαρακτηρίζεται από μικρό μέγεθος) και το όργανο. Ταυτόχρονα, οι μουσικοί δεν ξέχασαν να συνθέσουν πιο απλή μουσική, η οποία δεν απαιτούσε υψηλές εκτελεστικές δεξιότητες. Ταυτόχρονα, υπήρξαν αλλαγές στη μουσική γραφή: τα βαριά ξύλινα τυπογραφικά μπλοκ αντικαταστάθηκαν από κινητά μεταλλικά γράμματα που εφευρέθηκε από τον Ιταλό Ottaviano Petrucci. Τα δημοσιευμένα μουσικά έργα εξαντλήθηκαν γρήγορα, όλο και περισσότεροι άνθρωποι άρχισαν να συμμετέχουν στη μουσική.

Πρέπει να δείτε: Σημαντικά γεγονότα στην ιστορία της κλασικής μουσικής στην Ιταλία.

αναγέννηση(Γαλλική γλώσσα Αναγέννηση) - μια εποχή στην πολιτιστική και ιστορική ζωή της Δυτικής Ευρώπης στους XV-XVI αιώνες. (στην Ιταλία - XIV-XVI αιώνες). Αυτή είναι η περίοδος ανάδυσης και ανάπτυξης των καπιταλιστικών σχέσεων, του σχηματισμού εθνών, γλωσσών και εθνικών πολιτισμών. Η Αναγέννηση είναι η εποχή των μεγάλων γεωγραφικών ανακαλύψεων, της εφεύρεσης της τυπογραφίας, της ανάπτυξης της επιστήμης.

Η εποχή πήρε το όνομά της αναβίωσηενδιαφέρον για αντίκατέχνη, που έγινε ιδανικό για πολιτιστικές προσωπικότητες εκείνης της εποχής. Συνθέτες και θεωρητικοί της μουσικής - J. Tinktoris, J. Tsarlino και άλλοι - μελέτησαν αρχαίες ελληνικές μουσικές πραγματείες. στα μουσικά έργα του Josquin Despres, που συγκρίνεται με τον Michelangelo, «η χαμένη τελειότητα των αρχαίων Ελλήνων έχει αυξηθεί». εμφανίστηκε στα τέλη του 16ου - αρχές του 17ου αιώνα. η όπερα προσανατολίζεται στα πρότυπα του αρχαίου δράματος.

Η τέχνη της Αναγέννησης βασίστηκε σε ανθρωπισμός(από το λατινικό "humanus" - ανθρώπινος, φιλάνθρωπος) - μια άποψη που διακηρύσσει ένα άτομο την υψηλότερη αξία, υπερασπίζεται το δικαίωμα ενός ατόμου στη δική του εκτίμηση των φαινομένων της πραγματικότητας, προβάλλει την απαίτηση της επιστημονικής γνώσης και του επαρκούς προβληματισμού στην τέχνη των φαινομένων της πραγματικότητας. Οι ιδεολόγοι της Αναγέννησης αντιτάχθηκαν στη θεολογία του Μεσαίωνα με ένα νέο ιδανικό για έναν άνθρωπο εμποτισμένο με γήινα συναισθήματα και ενδιαφέροντα. Ταυτόχρονα, τα χαρακτηριστικά της προηγούμενης εποχής διατηρήθηκαν στην τέχνη της Αναγέννησης (όντας ουσιαστικά κοσμική, χρησιμοποιούσε εικόνες μεσαιωνικής τέχνης).

Η Αναγέννηση ήταν επίσης μια εποχή ευρέων αντιφεουδαρχικών και αντικαθολικών θρησκευτικών κινημάτων (Ουσιτισμός στην Τσεχική Δημοκρατία, Λουθηρανισμός στη Γερμανία, Καλβινισμός στη Γαλλία). Όλα αυτά τα θρησκευτικά κινήματα ενώνονται με την κοινή αντίληψη». προτεσταντισμός" (ή " αναμόρφωση»).

Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, η τέχνη (συμπεριλαμβανομένης της μουσικής) απολάμβανε μεγάλο δημόσιο κύρος και έγινε εξαιρετικά διαδεδομένη. Οι καλές τέχνες (L. da Vinci, Raphael, Michelangelo, Jan van Eyck, P. Bruegel κ.ά.), η αρχιτεκτονική (F. Brunelleschi, A. Palladio), η λογοτεχνία (Dante, F. Petrarch, F. Rabelais, M. Cervantes. , W. Shakespeare), μουσική.

Χαρακτηριστικά γνωρίσματα της μουσικής κουλτούρας της Αναγέννησης:

γρήγορη ανάπτυξη κοσμικόςμουσική (ευρεία εξάπλωση των κοσμικών ειδών: μαδριγάλια, φροτόλ, βιλανέλλες, γαλλικά «chansons», αγγλικά και γερμανικά πολυφωνικά τραγούδια), η επίθεση της στην παλιά εκκλησιαστική μουσική κουλτούρα που υπήρχε παράλληλα με την κοσμική.

ρεαλιστικόςτάσεις στη μουσική: νέες πλοκές, εικόνες που αντιστοιχούν σε ουμανιστικές απόψεις και, ως εκ τούτου, νέα μέσα μουσική εκφραστικότητα;

παραδοσιακός μελωδικόςως η κορυφαία αρχή ενός μουσικού κομματιού. Παραδοσιακά τραγούδιαχρησιμοποιούνται ως cantus firmus (η κύρια, αμετάβλητη μελωδία τενόρου στα πολυφωνικά έργα) και στην πολυφωνική μουσική (συμπεριλαμβανομένης της εκκλησιαστικής μουσικής). Η μελωδία γίνεται πιο ομαλή, πιο ευέλικτη, μελωδική, γιατί είναι μια άμεση έκφραση των ανθρώπινων εμπειριών.

ισχυρή ανάπτυξη πολύφωνοςμουσική, συμπ. Και " αυστηρό στυλ" (σε διαφορετική περίπτωση - " κλασική φωνητική πολυφωνία", επειδή επικεντρώθηκε στη φωνητική και χορωδιακή απόδοση). Το αυστηρό στυλ συνεπάγεται υποχρεωτική τήρηση καθιερωμένων κανόνων (οι αυστηροί κανόνες στυλ διατυπώθηκαν από τον Ιταλό J. Carlino). Οι δάσκαλοι του αυστηρού στυλ κατέκτησαν την τεχνική της αντίστιξης, της μίμησης και του κανόνα. Η αυστηρή γραφή βασίστηκε σε ένα σύστημα διατονικών εκκλησιαστικών τρόπων. Οι συμφωνίες κυριαρχούν σε αρμονία, η χρήση παραφωνιών περιοριζόταν αυστηρά από ειδικούς κανόνες. Προστίθενται οι κύριες και δευτερεύουσες λειτουργίες και το σύστημα ρολογιού. Η θεματική βάση ήταν το Γρηγοριανό άσμα, αλλά χρησιμοποιήθηκαν και κοσμικές μελωδίες. Η έννοια του αυστηρού στυλ δεν καλύπτει όλη την πολυφωνική μουσική της Αναγέννησης. Επικεντρώνεται κυρίως στην πολυφωνία της Palestrina και του O. Lasso.

ο σχηματισμός ενός νέου τύπου μουσικού - επαγγελματίας, ο οποίος έλαβε ολοκληρωμένη ειδική μουσική αγωγή. Η έννοια του "συνθέτη" εμφανίζεται για πρώτη φορά.

ο σχηματισμός εθνικών μουσικών σχολείων (αγγλικά, ολλανδικά, ιταλικά, γερμανικά κ.λπ.)

εμφάνιση των πρώτων ερμηνευτών λαούτο, βιολί, βιολί, τσέμπαλο, όργανο;άνθηση της ερασιτεχνικής μουσικής.

η εμφάνιση της τυπογραφίας.

Κύρια μουσικά είδη της Αναγέννησης

Σημαντικοί θεωρητικοί της μουσικής της Αναγέννησης:

Johannes Tinctoris (1446 - 1511),

Glarean (1488 - 1563),

Josephfo Carlino (1517 - 1590).

Η εποχή της Υψηλής Αναγέννησης.

(Από την ιστορία της ιταλικής μουσικής από το 1500)

Η Αναγέννηση είναι μια περίοδος αλλαγής σε όλους τους τομείς της τέχνης - ζωγραφική, αρχιτεκτονική, γλυπτική, μουσική. Αυτή η περίοδος σηματοδότησε τη μετάβαση από τον Μεσαίωνα στο σήμερα. Η περίοδος μεταξύ 1500 και 1600, που ονομάζεται Υψηλή Αναγέννηση, είναι η πιο επαναστατική περίοδος στην ιστορία της ευρωπαϊκής μουσικής, ο αιώνας στον οποίο αναπτύχθηκε η αρμονία και γεννήθηκε η όπερα.

Τον 16ο αιώνα, η μουσική τυπογραφία διαδόθηκε για πρώτη φορά, το 1501 ο Βενετός τυπογράφος Ottaviano Petrucci δημοσίευσε την Harmonice Musices Odhecaton, την πρώτη μεγάλη συλλογή κοσμικής μουσικής. Ήταν μια επανάσταση στη διάδοση της μουσικής και συνέβαλε επίσης στο γεγονός ότι το γαλλο-φλαμανδικό στυλ έγινε η κυρίαρχη μουσική γλώσσα της Ευρώπης τον επόμενο αιώνα, αφού, ως Ιταλός, ο Petrucci περιλάμβανε κυρίως τη μουσική γαλλο-φλαμανδών συνθετών. στη συλλογή του. Στη συνέχεια, δημοσίευσε πολλά έργα και Ιταλούς συνθέτες, κοσμικούς και πνευματικούς.

Η Ιταλία γίνεται το κέντρο της δημιουργίας τσέμπαλων και βιολιών. Πολλά εργαστήρια βιολιού ανοίγουν. Ένας από τους πρώτους δασκάλους ήταν ο διάσημος Andrea Amati από την Κρεμόνα, ο οποίος έθεσε τα θεμέλια για μια δυναστεία κατασκευαστών βιολιών. Έκανε σημαντικές αλλαγές στο σχεδιασμό των υπαρχόντων βιολιών, που βελτίωσαν τον ήχο και τον έφεραν πιο κοντά στη σύγχρονη εμφάνιση.
Francesco Canova da Milano (1497 - 1543) - ένας εξαιρετικός Ιταλός λαούτο και συνθέτης της Αναγέννησης, δημιούργησε τη φήμη για την Ιταλία ως χώρα βιρτουόζων μουσικών. Θεωρείται ακόμα ο καλύτερος λαουτίστας όλων των εποχών. Μετά την παρακμή του ύστερου Μεσαίωνα, η μουσική έγινε σημαντικό στοιχείο του πολιτισμού.
Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, το μαδριγάλιο έφτασε στο αποκορύφωμά του και έγινε το πιο δημοφιλές μουσικό είδος της εποχής. Οι Μαδριγαλιστές προσπάθησαν να δημιουργήσουν υψηλή τέχνη, χρησιμοποιώντας συχνά την επανασχεδιασμένη ποίηση των μεγάλων Ιταλών ποιητών του ύστερου Μεσαίωνα: Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio και άλλων. Το πιο χαρακτηριστικό γνώρισμα του μαδριγάλιου ήταν η απουσία αυστηρών δομικών κανόνων, η κύρια αρχή ήταν η ελεύθερη έκφραση των σκέψεων και των συναισθημάτων.
Συνθέτες όπως ο εκπρόσωπος της βενετικής σχολής Cypriano de Rore και ο εκπρόσωπος της γαλλο-φλαμανδικής σχολής Roland de Lassu πειραματίστηκαν με αυξανόμενο χρωματισμό, αρμονία, ρυθμό, υφή και άλλα μέσα μουσικής έκφρασης. Η εμπειρία τους θα συνεχιστεί και θα κορυφωθεί στην μανιεριστική εποχή του Carlo Gesualdo.
Το 1558, ο Josephfo Zarlino (1517-1590), ο μεγαλύτερος θεωρητικός της μουσικής από την εποχή του Αριστοτέλη έως την εποχή του Μπαρόκ, δημιούργησε τα Fundamentals of the Harmonica, σε αυτό το μεγαλύτερο δημιούργημα της μουσικής επιστήμης του 16ου αιώνα, αναβίωσε την αρχαία ιδέα. ενός ηχητικού αριθμού, τεκμηρίωσε τη θεωρητική και αισθητική δικαίωση μιας μεγάλης και μικρής τριάδας. Η διδασκαλία του για τη μουσική είχε σημαντικό αντίκτυπο στη δυτικοευρωπαϊκή μουσική επιστήμη και αποτέλεσε τη βάση πολλών μεταγενέστερων χαρακτηριστικών του μείζονα και του ελάσσονος.

The Birth of Opera (Φλωρεντινή Καμεράτα)

Το τέλος της Αναγέννησης σηματοδοτήθηκε από το πιο σημαντικό γεγονός μουσική ιστορία- η γέννηση της όπερας.
Μια ομάδα ανθρωπιστών, μουσικών και ποιητών συγκεντρώθηκε στη Φλωρεντία υπό την αιγίδα του αρχηγού τους, κόμη Τζιοβάνι Ντε Μπάρντι (1534 - 1612). Η ομάδα ονομαζόταν "kamerata", τα κύρια μέλη της ήταν οι Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (πατέρας του αστρονόμου Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri και Ottavio Rinuccini στα νεότερα τους χρόνια.
Η πρώτη τεκμηριωμένη συνάντηση της ομάδας έλαβε χώρα το 1573 και τα πιο δραστήρια χρόνια της «Φλωρεντίας Καμεράτα» ήταν το 1577 - 1582.
Πίστευαν ότι η μουσική ήταν «διεφθαρμένη» και προσπάθησαν να επιστρέψουν στη μορφή και το ύφος της αρχαίας Ελλάδας, πιστεύοντας ότι η τέχνη της μουσικής θα μπορούσε να βελτιωθεί και, κατά συνέπεια, θα βελτιωθεί και η κοινωνία. Ο Καμεράτα επέκρινε την υπάρχουσα μουσική για την υπερβολική χρήση της πολυφωνίας σε βάρος της κατανοητότητας του κειμένου και της απώλειας του ποιητικού στοιχείου του έργου και πρότεινε τη δημιουργία ενός νέου μουσικού ύφους στο οποίο το κείμενο σε μονοωδικό ύφος συνοδευόταν από ορχηστρική μουσική. Τα πειράματά τους οδήγησαν στη δημιουργία μιας νέας φωνητικής και μουσικής μορφής - του ρετσιτάτιου, που χρησιμοποιήθηκε για πρώτη φορά από τον Emilio de Cavalieri, που στη συνέχεια σχετίζεται άμεσα με την ανάπτυξη της όπερας.
Στα τέλη του 16ου αιώνα, οι συνθέτες άρχισαν να πιέζουν τα όρια των στυλ της Αναγέννησης, η εποχή του μπαρόκ ήρθε να το αντικαταστήσει με τα δικά της χαρακτηριστικά και νέες ανακαλύψεις στη μουσική. Ένας από αυτούς ήταν ο Claudio Monteverdi.

Μοντεβέρντι. Presso στο Fiume Tranquillo.

Claudio Giovanni Antonio Monteverdi (15/05/1567 - 29/11/1643) - Ιταλός συνθέτης, μουσικός, τραγουδιστής. Ο σημαντικότερος συνθέτης του μπαρόκ, τα έργα του συχνά θεωρούνται επαναστατικά, σηματοδοτώντας τη μετάβαση στη μουσική από την Αναγέννηση στο Μπαρόκ. Έζησε σε μια εποχή μεγάλων αλλαγών στη μουσική και ήταν ο ίδιος ο άνθρωπος που την άλλαξε.

Monteverdi. Venite, Venite.

Μοντεβέρντι. Από την όπερα "Ορφέας"

Η πρώτη επίσημα αναγνωρισμένη όπερα που πληροί τα σύγχρονα πρότυπα ήταν η όπερα «Daphne» (Δάφνη), που παρουσιάστηκε για πρώτη φορά το 1598. Συγγραφείς της «Daphne» ήταν οι Jacopo Peri και Jacopo Corsi, λιμπρέτο του Ottavio Rinuccini. Αυτή η όπερα δεν έχει επιβιώσει. Η πρώτη όπερα που σώθηκε είναι η «Ευρυδίκη» (1600) των ίδιων συγγραφέων - Jacopo Peri και Ottavio Rinuccini. Αυτή η δημιουργική ένωση δημιούργησε ακόμη πολλά έργα, τα περισσότερα από τα οποία έχουν χαθεί.

Jacopo Peri. Tu dormi, e I dolce sonno.

Jacopo Peri. Hor che gli augelli.

Εκκλησιαστική μουσική του 16ου αιώνα.

Ο 16ος αιώνας χαρακτηρίζεται από μια πολύ ισχυρή επιρροή της Καθολικής Εκκλησίας και της Ιεράς Εξέτασής της στην ανάπτυξη της τέχνης και της επιστήμης στην Ευρώπη. Το 1545 συνεδρίασε το Συμβούλιο του Τρεντ, ένα από τα πιο σημαντικά συμβούλια στην ιστορία της Καθολικής Εκκλησίας, σκοπός του οποίου ήταν να ανταποκριθεί στο κίνημα της Μεταρρύθμισης. Ειδικότερα, η εκκλησιαστική μουσική θεωρούνταν σε αυτόν τον καθεδρικό ναό.
Μερικοί σύνεδροι προσπάθησαν να επιστρέψουν στο μονοφωνικό Γρηγοριανό άσμα και να αποκλείσουν την αντίστιξη από τα άσματα, υπήρχε ήδη σιωπηρή απαγόρευση της χρήσης πολυφωνικού στυλ στην ιερή μουσική, συμπεριλαμβανομένων σχεδόν όλων των ακολουθιών. Αφορμή για αυτή τη θέση ήταν η πεποίθηση ότι η πολυφωνική μουσική, λόγω αντιθετικών πλέξεων, ωθεί το κείμενο στο βάθος, ενώ παραβιάζεται και η μουσική αρμονία του έργου.
Συστάθηκε ειδική επιτροπή για την επίλυση της διαφοράς. Αυτή η επιτροπή ανέθεσε στον Giovanni Pierluigi da Palestrina (1514-1594), έναν από τους μεγαλύτερους συνθέτες της εκκλησιαστικής μουσικής, να συνθέσει δοκιμαστικές μάζες, λαμβάνοντας υπόψη όλες τις απαιτήσεις των κομμάτων. Η Παλεστρίνα δημιούργησε τρεις εξάφωνες μάζες, συμπεριλαμβανομένης της πιο διάσημης «Λειτουργίας του Πάπα Μάρκελλου», αφιερωμένη στον Πάπα Μάρκελλο Β', τον προστάτη του στα νιάτα του. Αυτά τα έργα είχαν ισχυρή επιρροή στον κλήρο και έβαλαν τέλος στη διαμάχη, οι ομιλίες κατά της χρήσης της αντίστιξης στην εκκλησιαστική μουσική σταμάτησαν.
Το έργο του Giovanni Pierluigi Palestrina είναι το αποκορύφωμα της ανάπτυξης της αντίθετης ιερής μουσικής a capella, που συνδυάζει όλους τους πιθανούς συνδυασμούς πολυφωνίας και σαφήνειας κειμένων.

η Παλαιστίνη. Sicut Cervus.

η Παλαιστίνη. Γκλόρια

Περίληψη: Μουσική της Αναγέννησης

ΟΜΟΣΠΟΝΔΙΑΚΟΣ ΟΡΓΑΝΙΣΜΟΣ ΓΙΑ ΤΗΝ ΕΚΠΑΙΔΕΥΣΗ

SEI HPE "Mari State University"

Σχολή Δημοτικού Σχολείου

Ειδικότητα: 050708

«Παιδαγωγική και Μέθοδοι Πρωτοβάθμιας Εκπαίδευσης»

Τμήμα: «Παιδαγωγική πρωτοβάθμιας εκπαίδευσης»

Δοκιμή

"Μουσική της Αναγέννησης"

Yoshkar-Ola 2010

Η εποχή της Αναγέννησης (Αναγέννηση) είναι η εποχή της ακμής όλων των τύπων τεχνών και η έφεση των μορφών τους στις αρχαίες παραδόσεις και μορφές.

Η Αναγέννηση έχει άνισα ιστορικά και χρονολογικά όρια σε διάφορες χώρες της Ευρώπης. Στην Ιταλία, αρχίζει τον 14ο αιώνα, στην Ολλανδία ξεκινά τον 15ο αιώνα και στη Γαλλία, τη Γερμανία και την Αγγλία, τα σημάδια του εκδηλώνονται πιο ξεκάθαρα τον 16ο αιώνα. Ταυτόχρονα, η ανάπτυξη δεσμών μεταξύ διαφορετικών δημιουργικών σχολών, η ανταλλαγή εμπειριών μεταξύ μουσικών που μετακόμισαν από χώρα σε χώρα, εργάστηκαν σε διαφορετικά παρεκκλήσια, γίνεται σημείο της εποχής και μας επιτρέπει να μιλάμε για τάσεις κοινές σε ολόκληρο εποχή.

Η καλλιτεχνική κουλτούρα της Αναγέννησης είναι μια προσωπική αρχή που βασίζεται στην επιστήμη. Η ασυνήθιστα πολύπλοκη δεξιοτεχνία των πολυφωνιστών του 15ου-16ου αιώνα, η βιρτουόζικη τεχνική τους συνυπήρχε με τη λαμπερή τέχνη των καθημερινών χορών, την επιτήδευση των κοσμικών ειδών. Ο λυρικοδραματισμός αποκτά ολοένα και μεγαλύτερη έκφραση στα έργα του.

Έτσι, όπως μπορούμε να δούμε, η περίοδος της Αναγέννησης είναι μια δύσκολη περίοδος στην ιστορία της ανάπτυξης της μουσικής τέχνης, επομένως φαίνεται λογικό να την εξετάσουμε λεπτομερέστερα, δίνοντας τη δέουσα προσοχή σε μεμονωμένες προσωπικότητες.

Η μουσική είναι η μόνη γλώσσα του κόσμου, δεν χρειάζεται να μεταφραστεί, η ψυχή μιλάει στην ψυχή σε αυτήν.

Averbakh Berthold.

Η αναγεννησιακή μουσική ή η αναγεννησιακή μουσική αναφέρεται στην περίοδο ανάπτυξης της ευρωπαϊκής μουσικής μεταξύ 1400 και 1600 περίπου. Ξεκινήστε από την Ιταλία νέα εποχήήρθε για τη μουσική τέχνη τον XIV αιώνα. Το ολλανδικό σχολείο διαμορφώθηκε και έφτασε στα πρώτα του ύψη τον 15ο αιώνα, μετά τον οποίο η ανάπτυξή του επεκτάθηκε και η επιρροή με τον ένα ή τον άλλο τρόπο αιχμαλώτισε τους δασκάλους άλλων εθνικών σχολείων. Σημάδια της Αναγέννησης εκδηλώθηκαν ξεκάθαρα στη Γαλλία τον 16ο αιώνα, αν και τα δημιουργικά της επιτεύγματα ήταν μεγάλα και αδιαμφισβήτητα ακόμη και στους προηγούμενους αιώνες.

ΠΡΟΣ ΤΗΝ XVI αιώνααναφέρεται στην άνοδο της τέχνης στη Γερμανία, την Αγγλία και ορισμένες άλλες χώρες που περιλαμβάνονται στην τροχιά της Αναγέννησης. Κι όμως, με τον καιρό, το νέο δημιουργικό κίνημα έγινε καθοριστικό για τη Δυτική Ευρώπη συνολικά και ανταποκρίθηκε με τον δικό του τρόπο στις χώρες της Ανατολικής Ευρώπης.

Η μουσική της Αναγέννησης αποδείχθηκε εντελώς ξένη στους τραχείς και σκληρούς ήχους. Οι νόμοι της αρμονίας αποτελούσαν την κύρια ουσία του.

Η ηγετική θέση ήταν ακόμα κατεχόμενη πνευματική μουσική, που ακούγεται κατά τη λειτουργία της εκκλησίας. Στην Αναγέννηση, διατήρησε τα κύρια θέματα της μεσαιωνικής μουσικής: έπαινο στον Κύριο και τον Δημιουργό του κόσμου, αγιότητα και καθαρότητα του θρησκευτικού συναισθήματος. Ο κύριος στόχος μιας τέτοιας μουσικής, όπως είπε ένας από τους θεωρητικούς της, είναι «να ευχαριστήσει τον Θεό».

Λειτουργίες, μοτέτες, ύμνοι και ψαλμοί αποτέλεσαν τη βάση της μουσικής κουλτούρας.

μάζα - μουσική σύνθεση, που είναι μια συλλογή τμημάτων της καθολικής λειτουργίας της λατινικής ιεροτελεστίας, τα κείμενα της οποίας μελοποιούνται για μονοφωνικό ή πολυφωνικό τραγούδι, συνοδευόμενα από μουσικά όργαναή χωρίς, για μουσική συνοδεία επίσημης λατρείας στη Ρωμαιοκαθολική Εκκλησία και προτεσταντικές εκκλησίες υψηλής κατεύθυνσης, για παράδειγμα, στην Εκκλησία της Σουηδίας.

Μάζες μουσικής αξίας εκτελούνται και εκτός λατρείας σε συναυλίες· επιπλέον, πολλές μάζες μεταγενέστερων εποχών συντέθηκαν ειδικά είτε για παράσταση σε αίθουσα συναυλιών είτε για κάποιο είδος εορτασμού.

Η εκκλησιαστική λειτουργία, ανατρέχοντας στις παραδοσιακές μελωδίες του Γρηγοριανού άσμα, εξέφρασε με μεγαλύτερη σαφήνεια την ουσία του μουσικού πολιτισμού. Όπως και στον Μεσαίωνα, η μάζα αποτελούνταν από πέντε μέρη, αλλά τώρα έχει γίνει πιο μεγαλειώδης και μεγάλης κλίμακας. Ο κόσμος δεν φαινόταν πλέον τόσο μικρός και παρατηρήσιμος στον άνθρωπο. Συνηθισμένη ζωήμε τις επίγειες χαρές του έχει ήδη πάψει να θεωρείται αμαρτωλός.

Μοτέτ (φρ. μικρός ύμνοςαπό ευφυολόγημα- λέξη) - ένα φωνητικό πολυφωνικό έργο μιας πολυφωνικής αποθήκης, ένα από τα κεντρικά είδη στη μουσική του Δυτικοευρωπαϊκού Μεσαίωνα και της Αναγέννησης.

Το Anthem (αρχαία ελληνικά ὕμνος) είναι ένα επίσημο τραγούδι που υμνεί και δοξάζει κάποιον ή κάτι (αρχικά μια θεότητα).

Ψαλμός ύμνος”), r.p. ψαλμός, pl. Οι ψαλμοί (ελληνικά ψαλμοί) είναι ύμνοι της Εβραϊκής (Εβραϊκής תהילים‎) και της χριστιανικής θρησκευτικής ποίησης και προσευχής (από την Παλαιά Διαθήκη).

Αποτελούν το Ψαλτήρι, το 19ο βιβλίο της Παλαιάς Διαθήκης. Η πατρότητα των ψαλμών αποδίδεται παραδοσιακά στον βασιλιά Δαβίδ (περίπου 1000 π.Χ.) και σε αρκετούς άλλους συγγραφείς, όπως ο Αβραάμ, ο Μωυσής και άλλες θρυλικές μορφές.

Συνολικά, το Ψαλτήρι περιλαμβάνει 150 ψαλμούς, χωρισμένους σε προσευχές, εγκώμια, τραγούδια και διδασκαλίες.

Οι Ψαλμοί είχαν τεράστιο αντίκτυπο στη λαογραφία και ήταν η πηγή πολλών παροιμιών. Στον Ιουδαϊσμό, οι ψαλμοί τραγουδούνταν με τη μορφή ύμνων με συνοδεία. Με κάθε ψαλμό, κατά κανόνα, υποδεικνύονταν η μέθοδος απόδοσης και το «πρότυπο» (στο Γρηγοριανό άσμα λέγεται επιτονισμός), δηλαδή η αντίστοιχη μελωδία. Το Ψαλτήρι έχει πάρει σημαντική θέση στον Χριστιανισμό. Οι ψαλμοί ψάλλονταν κατά τις θείες ακολουθίες, τις κατ' οίκον προσευχές, πριν από τη μάχη και όταν κινούνταν σε παράταξη. Αρχικά τραγουδήθηκαν από όλη την κοινότητα στην εκκλησία. Οι ψαλμοί ψάλλονταν a cappella, μόνο στο σπίτι επιτρεπόταν η χρήση οργάνων. Το είδος της παράστασης ήταν ρετσιτατίβ-ψαλμωδικό. Εκτός από ολόκληρους ψαλμούς, χρησιμοποιήθηκαν και μεμονωμένοι, πιο εκφραστικοί στίχοι από αυτούς. Σε αυτή τη βάση, προέκυψαν ανεξάρτητες ψαλμωδίες - αντίφωνο, σταδιακό, μονοπάτι και χαλελούγια.

Σταδιακά, οι κοσμικές τάσεις άρχισαν να διεισδύουν στα έργα των εκκλησιαστικών συνθετών. Θέματα εισάγονται με τόλμη στον πολυφωνικό ιστό των εκκλησιαστικών ύμνων παραδοσιακά τραγούδιακαθόλου θρησκευτικό. Τώρα όμως δεν έρχεται σε αντίθεση με το γενικό πνεύμα και τις διαθέσεις της εποχής. Αντίθετα στη μουσική ως εκ θαύματοςένωσε το θείο και το ανθρώπινο.

Η ιερή μουσική έφτασε στο απόγειό της τον 15ο αιώνα. στην Ολλανδία. Εδώ η μουσική τιμούνταν περισσότερο από άλλες μορφές τέχνης. Ολλανδοί και Φλαμανδοί συνθέτες πρωτοστάτησαν στους νέους κανόνες πολύφωνος(πολυφωνική) απόδοση - κλασική " αυστηρό στυλ". Η πιο σημαντική τεχνική σύνθεσης των Ολλανδών δασκάλων ήταν μίμηση- επανάληψη της ίδιας μελωδίας διαφορετικές φωνές. Η κύρια φωνή ήταν ο τενόρος, στον οποίο ανατέθηκε η κύρια επαναλαμβανόμενη μελωδία - cantus firmus («αμετάβλητη μελωδία»). Το μπάσο ακουγόταν κάτω από τον τενόρο και το άλτο από πάνω. Το υψηλότερο, δηλαδή πανύψηλο πάνω απ' όλα, λεγόταν η φωνή σοπράνο.

Με τη βοήθεια μαθηματικών υπολογισμών, οι Ολλανδοί και Φλαμανδοί συνθέτες κατάφεραν να υπολογίσουν τον τύπο συνδυασμού μουσικά διαστήματα. Βασικός στόχος της γραφής είναι η δημιουργία μιας αρμονικής, συμμετρικής και μεγαλειώδους, εσωτερικά ολοκληρωμένης ηχητικής κατασκευής. Ένας από τους λαμπρότερους εκπροσώπους αυτής της σχολής, ο Johannes Okeghem (περ. 1425-1497), με βάση μαθηματικούς υπολογισμούς, συνέθεσε ένα μοτέτο για 36 φωνές!

Όλα τα είδη που είναι χαρακτηριστικά της ολλανδικής σχολής αντιπροσωπεύονται στο έργο του Okeghem: mass, motet και chanson. Το πιο σημαντικό είδος για αυτόν είναι το μαζικό, απέδειξε ότι είναι εξαιρετικός πολυφωνιστής. Η μουσική του Okeghem είναι πολύ δυναμική, η μελωδική γραμμή κινείται σε μεγάλο εύρος, έχει μεγάλο πλάτος. Ταυτόχρονα, το Okeghem χαρακτηρίζεται από ομαλό τονισμό, την πιο καθαρή διατονική και αρχαία τροπική σκέψη. Ως εκ τούτου, η μουσική του Okeghem συχνά χαρακτηρίζεται ως «στοχευμένη στο άπειρο», «αιωρούμενη» σε ένα κάπως αποστασιοποιημένο παραστατικό περιβάλλον. Είναι λιγότερο σχετικό με το κείμενο, πλούσιο σε άσματα, αυτοσχεδιαστικό, εκφραστικό.

Πολύ λίγα από τα γραπτά του Okeghem σώζονται:

περίπου 14 μάζες (11 εντελώς):

· Requiem Missa pro Defunctis (το πρώτο πολυφωνικό ρέκβιεμ στην ιστορία της παγκόσμιας μουσικής λογοτεχνίας).

9-13 (σύμφωνα με διάφορες πηγές) μοτέτες:

πάνω από 20 chanson

Υπάρχουν πολλά έργα των οποίων η ιδιοκτησία του Okegem αμφισβητείται, ανάμεσά τους το περίφημο μοτέτο «Deo gratias» για 36 φωνές. Ορισμένα ανώνυμα chanson αποδίδονται στο Okegem με βάση την ομοιότητα στο στυλ.

Οι δεκατρείς μάζες του Okeghem σώζονται σε ένα χειρόγραφο του 15ου αιώνα γνωστό ως κώδικας Chigi.

Μεταξύ των μαζών κυριαρχούν οι τετραμερείς μάζες, υπάρχουν δύο πενταμερείς μάζες και μία οκταμερής. Ο Ockeghem χρησιμοποιεί λαϊκές ("L'homme armé"), δικές του ("Ma maistresse") μελωδίες ή μελωδίες άλλων συγγραφέων ως θέματα των μαζών (για παράδειγμα, ο Benchois στο "De plus en plus"). Υπάρχουν μάζες χωρίς δανεικά θέματα («Quinti toni», «Sine nomine», «Cujusvis toni»).

Motets και chanson

Τα μοτέτα και τα chanson του Okeghem γειτνιάζουν άμεσα με τις μάζες του και διαφέρουν από αυτές κυρίως στην κλίμακα τους. Ανάμεσα στα μοτέτα υπάρχουν υπέροχα, εορταστικά έργα, καθώς και πιο αυστηρές πνευματικές χορωδιακές συνθέσεις.

Το πιο γνωστό είναι το εορταστικό μοτέτο των ευχαριστιών «Deo gratias», που γράφτηκε για τέσσερις εννιάφωνες συνθέσεις και επομένως θεωρείται 36φωνο. Αποτελείται μάλιστα από τέσσερις εννιαμερείς κανόνες (σε τέσσερα διαφορετικά θέματα), που διαδέχονται ο ένας τον άλλο με ελαφρές επικαλύψεις της αρχής του επόμενου στο συμπέρασμα του προηγούμενου. Υπάρχουν 18 φωνές στα overdubs, δεν υπάρχουν πραγματικές 36 φωνές στο μοτέτο.

Όχι λιγότερο ενδιαφέρον παρουσιάζει το έργο του Ολλανδού συνθέτη Orlando Lasso (περ. 1532-1594), ο οποίος δημιούργησε περισσότερα από δύο χιλιάδες έργα λατρευτικής και κοσμικής φύσης.

Ο Λάσο είναι ο πιο παραγωγικός συνθέτης της εποχής του. Λόγω του τεράστιου όγκου της κληρονομιάς, η καλλιτεχνική σημασία των έργων του (πολλά από τα οποία ανατέθηκαν) δεν έχει ακόμη εκτιμηθεί πλήρως.

Εργάστηκε αποκλειστικά σε φωνητικά είδη, μεταξύ των οποίων περισσότερες από 60 λειτουργίες, ένα ρέκβιεμ, 4 κύκλοι παθών (σύμφωνα με όλους τους ευαγγελιστές), αξιωματούχοι της Μεγάλης Εβδομάδας (υπεύθυνες του Όρθρου της Μεγάλης Πέμπτης, Μεγάλης Παρασκευής και Μεγάλο Σάββατο), περισσότερα από 100 magnificats, ύμνους, faubourdons, περίπου 150 γαλλικά. chanson (το chanson του "Susanne un jour", μια παράφραση της βιβλικής ιστορίας για τη Susanna, ήταν ένα από τα πιο δημοφιλή έργα του 16ου αιώνα), ιταλικά (villanelles, moresques, canzones) και γερμανικά τραγούδια (πάνω από 140 Lieder), περίπου 250 μαδριγάλια.

Το Lasso διακρίνεται από την πιο λεπτομερή ανάπτυξη κειμένων σχετικά διαφορετικές γλώσσες, τόσο λειτουργικά (συμπεριλαμβανομένων κειμένων της Αγίας Γραφής), όσο και ελεύθερα συνταγμένα. Η σοβαρότητα και το δράμα της ιδέας, οι μεγάλοι τόμοι διακρίνουν τη σύνθεση «Δάκρυα του Αγίου Πέτρου» (κύκλος 7φωνων πνευματικών μαδριγάλων σε ποιήματα του Luigi Tranzillo, που δημοσιεύθηκε το 1595) και «Penitential Psalms of David» (χειρόγραφο του 1571 σε μορφή folio διακοσμημένη με εικονογραφήσεις του G. Milich, οι οποίοι παρέχουν πολύτιμο εικονογραφικό υλικό για τη ζωή, συμπεριλαμβανομένης. μουσική ψυχαγωγία, βαυαρικό δικαστήριο).

Ωστόσο, στην κοσμική μουσική, ο Λάσο δεν ήταν ξένος στο χιούμορ. Για παράδειγμα, στο chanson «Το ποτό σε τρία άτομα μοιράζεται σε γιορτές» (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum), επαναλαμβάνεται ένα παλιό ανέκδοτο από τη ζωή των Vagantes. Στο διάσημο τραγούδι "Matona mia cara" ένας Γερμανός στρατιώτης τραγουδά μια ερωτική σερενάτα, μπερδεύοντας ιταλικές λέξεις. στον ύμνο «Ut queant laxis» μιμείται το άτυχο solfegging. Μια σειρά από φωτεινά σύντομα έργα του Λάσο είναι γραμμένα σε πολύ επιπόλαιους στίχους, για παράδειγμα, το chanson "Η κυρία κοίταξε με ενδιαφέρον το κάστρο / Η φύση κοίταξε το μαρμάρινο άγαλμα" (En un chasteau ma dame ...), και μερικά τα τραγούδια (ειδικά τα ήθη) περιέχουν άσεμνο λεξιλόγιο.

κοσμική μουσικήΗ Αναγέννηση αντιπροσωπεύτηκε από διάφορα είδη: μαδριγάλια, τραγούδια, κανζώνες. Η μουσική, έχοντας πάψει να είναι «υπηρέτης της εκκλησίας», άρχισε τώρα να ακούγεται όχι στα λατινικά, αλλά στη μητρική γλώσσα. Το πιο δημοφιλές είδος κοσμικής μουσικής ήταν τα μαδριγάλια (ιταλικά Madrigal - ένα τραγούδι στη μητρική γλώσσα) - πολυφωνικές χορωδιακές συνθέσεις γραμμένες στο κείμενο ενός λυρικού ποιήματος με περιεχόμενο αγάπης. Τις περισσότερες φορές, ποιήματα διάσημων δασκάλων χρησιμοποιήθηκαν για το σκοπό αυτό: Dante, Francesco Petrarch και Torquato Tasso. Τα Madrigals δεν ερμηνεύτηκαν από επαγγελματίες τραγουδιστές, αλλά από ένα ολόκληρο σύνολο ερασιτεχνών, όπου κάθε μέρος διευθυνόταν από έναν τραγουδιστή. Η κύρια διάθεση του μαδριγάλιου είναι η θλίψη, η μελαγχολία και η μελαγχολία, αλλά υπήρχαν και χαρούμενες, ζωηρές συνθέσεις.

Ο σύγχρονος ερευνητής του μουσικού πολιτισμού Δ.Κ. Η Kirnarskaya σημειώνει:

Το Madrigal γύρισε το σύνολο μουσικό σύστηματης Αναγέννησης: η ομοιόμορφη και αρμονική μελωδική πλαστικότητα της μάζας κατέρρευσε... εξαφανίστηκε και το αμετάβλητο cantus firmus, το θεμέλιο του μουσικού συνόλου... οι συνήθεις μέθοδοι ανάπτυξης της «αυστηρής γραφής»... έδωσαν τη θέση τους στη συναισθηματική και μελωδικές αντιθέσεις επεισοδίων, καθένα από τα οποία προσπαθούσε να αποδώσει όσο το δυνατόν πιο εκφραστικά την ποιητική σκέψη που περιείχε το κείμενο. Το Μαδριγκάλι υπονόμευσε τελικά τις δυνάμεις αποδυνάμωσης του «αυστηρού στυλ».

Όχι λιγότερο δημοφιλές είδος κοσμικής μουσικής ήταν το τραγούδι που συνοδεύτηκε από μουσικά όργανα. Σε αντίθεση με τη μουσική που παιζόταν στην εκκλησία, τα τραγούδια ήταν αρκετά απλά στην εκτέλεση. Το έμμετρο κείμενό τους ήταν ξεκάθαρα χωρισμένο σε στροφές 4-6 γραμμών. Στα τραγούδια, όπως και στα μαδριγάλια, το κείμενο απέκτησε μεγάλη σημασία. Όταν εκτελούνται, οι ποιητικές γραμμές δεν πρέπει να χάνονται στο πολυφωνικό τραγούδι. Τα τραγούδια ήταν διάσημα Γάλλος συνθέτης Clement Janequin (περ. 1485-1558). Ο Clement Janequin έγραψε περίπου 250 chanson, κυρίως για 4 φωνές, σε ποιήματα των Pierre Ronsard, Clement Marot, M. de Saint-Gele, ανώνυμων ποιητών. Όσον αφορά άλλα 40 chanson, η σύγχρονη επιστήμη αμφισβητεί την πατρότητα του Janequin (η οποία, ωστόσο, δεν μειώνει την ποιότητα αυτής της ίδιας της αμφισβητούμενης μουσικής). Το κύριο χαρακτηριστικό της κοσμικής πολυφωνικής του μουσικής είναι η προγραμματική και εικονογραφική. Μπροστά από το μυαλό του ακροατή βρίσκονται εικόνες της μάχης ("Battle of Marignano", "Battle of Renty", "Battle of Metz"), σκηνές κυνηγιού ("Birdsong", "Nightingale Singing", "Lark"), καθημερινές σκηνές («Γυναικεία κουβέντα»). Η Janequin μεταφέρει ζωντανά την ατμόσφαιρα της καθημερινότητας στο Παρίσι στο chanson "Cries of Paris", όπου ακούγονται οι κραυγές των πλανόδιων πωλητών ("Γάλα!" - "Πίτες!" - "Αγκινάρες!" - "Ψάρια!" - "Στρίτσες" !" - "Περιστέρια!" - "Παλιά παπούτσια!" - "Κρασί!"). Με όλη την ευρηματικότητα στην υφή και τον ρυθμό, η μουσική του Janequin στον τομέα της αρμονίας και της αντίστιξης παραμένει πολύ παραδοσιακή.

Η Αναγέννηση σηματοδότησε την αρχή δημιουργικότητα επαγγελματία συνθέτη. Ένας εντυπωσιακός εκπρόσωπος αυτής της νέας τάσης είναι αναμφίβολα η Palestrina (1525-1594). Η κληρονομιά του περιλαμβάνει πολλά έργα ιερής και κοσμικής μουσικής: 93 ακολουθίες, 326 ύμνους και μοτέτες. Είναι συγγραφέας δύο τόμων κοσμικών μαδριγάλων στα λόγια του Πετράρχη. Για μεγάλο διάστημα εργάστηκε ως διευθυντής χορωδίας στη Βασιλική του Αγίου Πέτρου στη Ρώμη. Η εκκλησιαστική μουσική που δημιούργησε διακρίνεται για την αγνότητα και την υπεροχή των συναισθημάτων. Η κοσμική μουσική του συνθέτη είναι εμποτισμένη με εξαιρετική πνευματικότητα και αρμονία.

Στο μόρφωμα χρωστάμε την Αναγέννηση ορχηστρική μουσικήως ανεξάρτητη μορφή τέχνης. Αυτή την εποχή εμφανίζεται μια σειρά από ορχηστρικά κομμάτια, παραλλαγές, πρελούδια, φαντασιώσεις, ρόντο, τοκάτα. Μεταξύ των μουσικών οργάνων, το όργανο, το τσέμπαλο, η βιόλα, τα διάφορα είδη αυλών είναι ιδιαίτερα δημοφιλή και στα τέλη του 16ου αι. - βιολί.

Η Αναγέννηση τελειώνει με την εμφάνιση νέων μουσικών ειδών: σόλο τραγούδι, ορατόριο και όπερα. Αν νωρίτερα ο ναός ήταν το κέντρο της μουσικής κουλτούρας, τότε από τότε η μουσική ακούγεται στην όπερα. Και έγινε έτσι.

Στην ιταλική πόλη της Φλωρεντίας στα τέλη του XVI αιώνα. άρχισε να μαζεύεται ταλαντούχους ποιητές, ηθοποιούς, επιστήμονες και μουσικούς. Κανείς τους τότε δεν σκέφτηκε κάποια ανακάλυψη. Κι όμως ήταν αυτοί που έμελλε να κάνουν μια πραγματική επανάσταση στη θεατρική και μουσική τέχνη. Συνεχίζοντας τις παραγωγές των έργων αρχαίων Ελλήνων δραματουργών, άρχισαν να συνθέτουν τη δική τους μουσική, αντίστοιχη, κατά τη γνώμη τους, στη φύση του αρχαίου δράματος.

Μέλη κάμερες(όπως ονομαζόταν αυτή η κοινωνία) προσεκτικά μελετημένη τη μουσική συνοδεία μονολόγων και διαλόγων μυθολογικών χαρακτήρων. Οι ηθοποιοί έπρεπε να ερμηνεύουν προφορικά μέρη διηγηματικός(απαγγελία, τραγούδι τραγούδι). Και παρόλο που η λέξη συνέχισε να παίζει πρωταγωνιστικό ρόλο σε σχέση με τη μουσική, το πρώτο βήμα έγινε προς τη σύγκλιση και την αρμονική τους σύντηξη. Μια τέτοια παράσταση κατέστησε δυνατή τη μεταφορά σε μεγαλύτερο βαθμό του πλούτου του εσωτερικού κόσμου ενός ατόμου, των προσωπικών του εμπειριών και συναισθημάτων. Με βάση τέτοια φωνητικά μέρη προέκυψαν άριες- ολοκληρωμένα επεισόδια σε μια μουσική παράσταση, συμπεριλαμβανομένης μιας όπερας.

Η όπερα κέρδισε γρήγορα την αγάπη και έγινε δημοφιλής όχι μόνο στην Ιταλία, αλλά και σε άλλες ευρωπαϊκές χώρες.

Κατάλογος χρησιμοποιημένης βιβλιογραφίας

1) Εγκυκλοπαιδικό Λεξικό Νέου Μουσικού / Σύνθ. V.V. Medushevsky, O.O. Οτσακόφσκαγια. - Μ.: Παιδαγωγική, 1985.

2) Κόσμος πολιτισμός της τέχνης. Από τις απαρχές έως τον XVII αιώνα: εγχειρίδιο. για 10 κύτταρα. γενική εκπαίδευση ανθρωπιστικά ιδρύματα / Γ.Ι. Ντανίλοβα. - 2η έκδ., στερεότυπο. – M.: Bustard, 2005.

3) Υλικά από το αρχείο της αναγεννησιακής μουσικής: http://manfredina.ru/

Κεφάλαιο 1 Χαρακτηριστικά του μουσικού πολιτισμού και της τέχνης της Αναγέννησης

1.1 Φιλοσοφικά και αισθητικά χαρακτηριστικά του πολιτισμού της Αναγέννησης

Η Αναγέννηση, ή η Αναγέννηση (φρ. αναγέννηση), - ένα σημείο καμπήςστην ιστορία των ευρωπαϊκών λαών, την εποχή των μεγάλων ανακαλύψεων. Η Αναγέννηση σηματοδοτεί την αρχή ενός νέου σταδίου στην ιστορία του παγκόσμιου πολιτισμού. Αυτό το στάδιο, όπως σημείωσε ο Φ. Ένγκελς, ήταν η μεγαλύτερη προοδευτική αναταραχή όλων των βιωμάτων της ανθρωπότητας μέχρι εκείνη την εποχή. Και, πράγματι, η Αναγέννηση έφερε μαζί της σημαντικές αλλαγές σε διάφορους τομείς της οικονομίας, της επιστήμης, του πολιτισμού, άνοιξε έναν νέο τρόπο κατανόησης του κόσμου και καθόρισε τη θέση του ανθρώπου σε αυτόν.

Στην Ιταλία, νέες τάσεις εμφανίστηκαν ήδη στις αρχές του XIII-XIV αιώνα, σε άλλες ευρωπαϊκές χώρες - σε XV-XVI αιώνες. Αυτή η εποχή χαρακτηρίζεται από: τη μετάβαση από τη φεουδαρχία στον καπιταλισμό, τις γεωγραφικές ανακαλύψεις, το εμπόριο, την προσωπική επιχείρηση, την απελευθέρωση του ανθρώπου από τους ταξικούς περιορισμούς. Και επίσης στην Αναγέννηση γεννιέται η σύγχρονη επιστήμη, ιδιαίτερα η φυσική. Αρκεί να θυμηθούμε τις λαμπρές επιστημονικές εικασίες του Λεονάρντο ντα Βίντσι, την ίδρυση του Φράνσις Μπέικον, τις αστρονομικές θεωρίες του Κοπέρνικου, τις γεωγραφικές ανακαλύψεις του Κολόμβου και του Μαγγελάνου.

Αναμφίβολα, όλα αυτά δεν θα μπορούσαν να μην επηρεάσουν τη φύση της κοσμοθεωρίας. Η Αναγέννηση είναι μια επανάσταση πρώτα απ' όλα στο σύστημα αξιών, στην αποτίμηση όλων όσων υπάρχουν και σε σχέση με αυτό. Υπάρχει η πεποίθηση ότι ένα άτομο είναι η υψηλότερη αξία, γεννιέται η φιλοσοφία του ανθρωπισμού. Ο ανθρωπισμός προβάλλει μια εντελώς νέα ερμηνεία των αισθητικών κατηγοριών, η οποία έχει αναπτυχθεί στη βάση μιας νέας κατανόησης του κόσμου.

Μία από τις κεντρικές κατηγορίες ήταν η έννοια της «αρμονίας». Η αισθητική της Αναγέννησης αναπτύσσει μια διαφορετική ιδέα της αρμονίας, βασισμένη σε μια νέα κατανόηση της φύσης, της ύπαρξης και του ανθρώπου. Αν ο Μεσαίωνας έβλεπε σε αρμονία ένα απλό αποτύπωμα του ιδανικού, δημιουργικότητα, θεϊκό κάλλος, τότε στην αισθητική συνείδηση ​​της Αναγέννησης η αρμονία εμφανίζεται, πρώτα απ' όλα, ως ανάπτυξη των δημιουργικών δυνατοτήτων της ίδιας της φύσης, ως διαλεκτική ενότητα σωματικού και πνευματικού, ιδανικού και υλικού.

Οι ουμανιστές αναζήτησαν το ιδανικό του αρμονικού ανθρώπου στην αρχαιότητα, και τα αρχαία ελληνικά και ρωμαϊκή τέχνηλειτούργησε ως πρότυπο για την καλλιτεχνική τους δημιουργικότητα. Ωστόσο, μιλώντας για την αισθητική της Αναγέννησης, είναι απαραίτητο να σημειωθεί το γεγονός ότι, παρά την αρχαία υποστήριξή της, εξακολουθούσε να διέφερε από αυτήν. Η αναγεννησιακή αισθητική κηρύττει τη μίμηση της φύσης όχι χειρότερη από την αρχαία, αλλά κοιτάζοντας αυτές τις αναγεννησιακές θεωρίες της μίμησης, μπορεί κανείς επίσης να παρατηρήσει ότι στο προσκήνιο δεν είναι τόσο η φύση όσο ο καλλιτέχνης, η προσωπικότητά του, τα συναισθήματά του. Πρώτα, ο καλλιτέχνης, με βάση το δικό του αισθητικό γούστο, επιλέγει ορισμένες διαδικασίες της φύσης και μόνο τότε τις υποβάλλει σε καλλιτεχνική επεξεργασία. Οι θεωρητικοί της Αναγέννησης μπορούν να εντοπίσουν την ακόλουθη σύγκριση: ο καλλιτέχνης πρέπει να δημιουργεί όπως ο Θεός δημιούργησε τον κόσμο, και ακόμη πιο τέλειος από αυτό.

Έτσι, η Αναγέννηση, χρησιμοποιώντας τα μαθήματα της αρχαιότητας, εισήγαγε καινοτομίες. Δεν επανέφερε στη ζωή όλα τα αρχαία είδη, αλλά μόνο αυτά που ήταν σε αρμονία με τις φιλοδοξίες της εποχής και του πολιτισμού του. Η Αναγέννηση συνδύασε μια νέα ανάγνωση της αρχαιότητας με μια νέα ανάγνωση του Χριστιανισμού. Η Αναγέννηση έφερε πιο κοντά αυτές τις δύο θεμελιώδεις αρχές. Ευρωπαϊκός πολιτισμός.

Ο Θεός δεν έχει καθορίσει τη θέση του ανθρώπου στην ιεραρχία, λέει ο Pico στο περίφημο Oration on the Dignity of Man: δική του θέλησησύμφωνα με τη θέλησή σας και την απόφασή σας. Η εικόνα των άλλων δημιουργημάτων καθορίζεται στα όρια των νόμων που έχουμε θεσπίσει. Εσύ όμως, μη περιορισμένος από κανένα όριο, θα καθορίσεις την εικόνα σου σύμφωνα με την απόφασή σου, στη δύναμη της οποίας σε αφήνω. Εδώ, ο Ιταλός στοχαστής βάζει ένα άτομο στο κέντρο του κόσμου, αυτό είναι ένα άτομο που δεν έχει τη δική του ιδιαίτερη φύση, πρέπει να τη διαμορφώσει ο ίδιος, όπως όλα όσα τον περιβάλλουν.

Άρα, το κυριότερο στην Αναγέννηση είναι η ανάδειξη και έγκριση της ανθρώπινης προσωπικότητας στον πολιτισμό και την κοινωνία, που καταλήγει σε διάφορες μορφές αναβιωτικού ανθρωποκεντρισμού. Ο ανθρωποκεντρισμός έφερε στο προσκήνιο όχι απλώς ένα άτομο, αλλά ένα άτομο ως ενεργό, ενεργό αρχή. Ως αποτέλεσμα όλης αυτής της διεκδίκησης μιας δημιουργικής, ενεργητικής υλικής αρχής, άρχισε σταδιακά να αναδύεται νέα εικόναάνθρωπος, ο νέος τύπος του - "homo faber" - "άνθρωπος-δημιουργός", "άνθρωπος-δημιουργός". Σε αυτό λαμβάνει χώρα η διαμόρφωση των θεμελίων της νέας ευρωπαϊκής αίσθησης της προσωπικότητας - μια αυτόνομη ατομικιστική προσωπικότητα, με συνείδηση ​​της αξίας της, ενεργή και που έχει ανάγκη από ελευθερία. Από τώρα και στο εξής ανθρώπινη προσωπικότητα, και όχι ο κόσμος, όχι ολόκληρος, για πρώτη φορά γίνεται η αφετηρία για τη διαμόρφωση ενός συστήματος αντίληψης του κόσμου.

Με ιδιαίτερη φωτεινότητα, τα σημάδια μιας νέας κοσμοθεωρίας εμφανίστηκαν και στη συνέχεια εδραιώθηκαν σταθερά καλλιτεχνική δημιουργικότητα, στο προοδευτικό κίνημα των διαφόρων τεχνών, για τις οποίες η «επανάσταση των μυαλών» που παρήγαγε η Αναγέννηση αποδείχθηκε εξαιρετικά σημαντική.

Στην Αναγέννηση, η τέχνη έπαιξε εξαιρετικό ρόλο στον πολιτισμό και καθόρισε σε μεγάλο βαθμό το πρόσωπο της εποχής. Δεν υπάρχει αμφιβολία ότι ο ουμανισμός στην «αναβιωτική» κατανόησή του έριξε τρομερή φρέσκια ενέργεια στην τέχνη της εποχής του, ενέπνευσε τους καλλιτέχνες να αναζητήσουν νέα θέματα και καθόρισε σε μεγάλο βαθμό τη φύση των εικόνων και το περιεχόμενο των έργων τους. Ο μεσαιωνικός πολιτισμός αντικαταστάθηκε από μια νέα, κοσμική, ουμανιστική κουλτούρα απαλλαγμένη από εκκλησιαστικά δόγματα και σχολαστικισμό.

Η τέχνη της Αναγέννησης χαρακτηρίζεται από τη διεκδίκηση των αρχών του ρεαλισμού και του ουμανισμού στη λογοτεχνία, το θέατρο και τις καλές τέχνες. Η τέχνη της Αναγέννησης είναι, πρώτα απ' όλα, μια κοσμική τέχνη που προέκυψε στη βάση του ανθρωπισμού, η οποία εκτοπίζει τις θρησκευτικές ιδέες και προκαλεί το ενδιαφέρον για την πραγματική ζωή, αποκαλύπτει την ατομική ταυτότητα του ατόμου και αποκαλύπτει τις κοινωνικά τυπικές και χαρακτηριστικές ιδιότητες ενός πρόσωπο.

Όλες οι μεγάλες μορφές τέχνης - ζωγραφική, γραφικά, γλυπτική, αρχιτεκτονική, μουσική - αλλάζουν τρομερά. Μια ανάλυση των πολιτιστικών μνημείων της Αναγέννησης μαρτυρεί την απομάκρυνση από πολλές από τις σημαντικότερες αρχές της φεουδαρχικής κοσμοθεωρίας. Στον δημιουργό ενός έργου τέχνης, που σταδιακά απελευθερώνεται από την εκκλησιαστική ιδεολογία, το πιο πολύτιμο είναι η αιχμηρή καλλιτεχνική θεώρηση των πραγμάτων, η επαγγελματική ανεξαρτησία, οι ιδιαίτερες δεξιότητες και οι δημιουργίες του αποκτούν έναν αυτάρκη και όχι ιερό χαρακτήρα.

Χαρακτηριστικό γνώρισμα της τέχνης της Αναγέννησης ήταν η άνευ προηγουμένου άνθηση της ρεαλιστικής ζωγραφικής. Το ρεαλιστικό πορτρέτο της Αναγέννησης συνδέεται με τα έργα διάσημων καλλιτεχνών όπως ο Jan van Eyck, ο Leonardo da Vinci, ο Raphael, ο Dürer, ο Titian. Τα πορτρέτα διαποτίζονται από το πάθος της επιβεβαίωσης του ατόμου, τη συνείδηση ​​ότι η διαφορετικότητα και η φωτεινότητα των ατόμων είναι απαραίτητο χαρακτηριστικό μιας φυσιολογικής αναπτυσσόμενης κοινωνίας. Ήταν στην Αναγέννηση που η ζωγραφική αποκαλύπτει για πρώτη φορά τις εγγενείς της δυνατότητες για μια ευρεία κάλυψη της ζωής, την απεικόνιση της ανθρώπινης δραστηριότητας και του περιβάλλοντος διαβίωσης. Ο μεσαιωνικός ασκητισμός και η περιφρόνηση για κάθε τι γήινο αντικαθίσταται πλέον από ένα μανιώδη ενδιαφέρον για τον πραγματικό κόσμο, για τον άνθρωπο, για τη συνείδηση ​​της ομορφιάς και του μεγαλείου της φύσης.

Ας σημειωθεί ότι η ανάπτυξη της επιστήμης είχε μεγάλη σημασία για τη ζωγραφική, αλλά και για την τέχνη γενικότερα. Στην τέχνη αρχίζουν να μπλέκονται οι δρόμοι της επιστημονικής και καλλιτεχνικής κατανόησης του κόσμου και του ανθρώπου. Η αληθινή εικόνα του κόσμου και του ανθρώπου έπρεπε να βασίζεται στις γνώσεις τους, επομένως, η γνωστική αρχή έπαιξε ιδιαίτερα σημαντικό ρόλο στην τέχνη αυτής της εποχής. Το πάθος για την επιστήμη συνέβαλε στην κυριαρχία της ανθρώπινης ανατομίας, στην ανάπτυξη μιας ρεαλιστικής προοπτικής, στη θεαματική μετάδοση του ατμοσφαιρικού περιβάλλοντος, στην ικανότητα κατασκευής γωνιών, ό,τι ήταν απαραίτητο για τους ζωγράφους να απεικονίσουν αληθινά ένα άτομο και την πραγματικότητα που τον περιβάλλει. Παράγεται νέο σύστημακαλλιτεχνική όραση του κόσμου, βασισμένη στην εμπιστοσύνη στις ανθρώπινες αισθητηριακές αντιλήψεις, πρωτίστως στις οπτικές. Το να απεικονίσουμε όπως βλέπουμε, σε ενότητα με το περιβάλλον - αυτή είναι η αρχική αρχή των καλλιτεχνών της Αναγέννησης.

Στην περίοδο της ύστερης Αναγέννησης, αυτό συμπληρώθηκε από την ανάπτυξη ενός συστήματος τεχνικών που δίνουν άμεση συναισθηματική εκφραστικότητα σε μια πινελιά, δεξιοτεχνία στη μετάδοση των επιπτώσεων της αφιέρωσης, κατανόηση των αρχών της προοπτικής του φωτός-αέρα. Οι δημιουργοί της θεωρίας της προοπτικής είναι διάσημοι καλλιτέχνες όπως ο Masaccio, ο Alberti, ο Leonardo da Vinci. Η ανακάλυψη της προοπτικής δεν είχε μικρή σημασία· βοήθησε να διευρυνθεί το φάσμα των απεικονιζόμενων φαινομένων, να συμπεριλάβει το χώρο, το τοπίο και την αρχιτεκτονική στη ζωγραφική.

Το προοδευτικό ουμανιστικό περιεχόμενο του πολιτισμού της Αναγέννησης εκφράστηκε έντονα και στη θεατρική τέχνη, η οποία επηρεάστηκε σημαντικά από το αρχαίο δράμα. Χαρακτηρίζεται από ενδιαφέρον για τον εσωτερικό κόσμο ενός ατόμου προικισμένου με χαρακτηριστικά ισχυρής ατομικότητας. Χαρακτηριστικά γνωρίσματαΗ θεατρική τέχνη της Αναγέννησης ήταν η ανάπτυξη των παραδόσεων της λαϊκής τέχνης, το πάθος που επιβεβαιώνει τη ζωή, ένας τολμηρός συνδυασμός τραγικών και κωμικών, ποιητικών και βουφονικών-περιοχικών στοιχείων. Τέτοιο είναι το θέατρο της Ιταλίας, της Ισπανίας, της Αγγλίας.

Στην αρχιτεκτονική, τα ιδανικά του ανθρωπισμού που επιβεβαιώνουν τη ζωή, η επιθυμία για μια αρμονικά καθαρή ομορφιά των μορφών, επηρεάστηκαν με όχι λιγότερη δύναμη από ό,τι σε άλλες μορφές τέχνης και προκάλεσαν μια αποφασιστική στροφή στην ανάπτυξη της αρχιτεκτονικής. Ιδιαίτερα σημαντικό ρόλο έπαιξε η έφεση στην κλασική παράδοση. Εκδηλώθηκε όχι μόνο στην απόρριψη των γοτθικών μορφών και στην αναβίωση του αρχαίου συστήματος τάξης, αλλά και στην κλασική αναλογικότητα των αναλογιών, στην ανάπτυξη ενός κεντρικού τύπου κτιρίων στην αρχιτεκτονική ναών με έναν εύκολα ορατό εσωτερικό χώρο.

Τα κοσμικά κτίρια αναπτύχθηκαν ευρέως, αυτά είναι διάφορα κτίρια πόλεων - δημαρχεία, σπίτια συντεχνιών εμπόρων, πανεπιστήμια, σιντριβάνια αγοράς. Ταυτόχρονα, μαζί με την αρχιτεκτονική που εξυπηρετεί τις κοινωνικές ανάγκες της πόλης, αναδεικνύεται ένας εντελώς νέος τύπος αρχιτεκτονικής σε σύγκριση με τον Μεσαίωνα, η κατοικία ενός πλούσιου burgher - το palazzo, που με εξαιρετική ευκολία αντανακλά το πνεύμα του η εορταστική ατμόσφαιρα που κυριαρχούσε στα ανάκτορα των αριστοκρατών εκείνης της εποχής. Έτσι, η τέχνη στην Αναγέννηση εισήλθε σε ένα νέο στάδιο ανάπτυξης στο οποίο προσπάθησε να γνωρίσει και να επιδείξει πραγματικό κόσμο, την ομορφιά, τον πλούτο, την ποικιλομορφία του μέσα από νέες μεθόδους και τεχνικές.

1.2 Η θέση της μουσικής στο σύστημα τέχνης της Αναγέννησης

Οι γενικοί νόμοι της ανάπτυξης της τέχνης, μια νέα φιλοσοφική και αισθητική κατανόηση της ουσίας και της φύσης της αρμονίας, χαρακτηριστική της Αναγέννησης, εκδηλώθηκαν επίσης στη μουσική. Όπως και άλλες μορφές τέχνης εκείνης της εποχής, η μουσική χαρακτηρίζεται επίσης από μια ενεργή έξαρση δημιουργικών δυνάμεων, ανθρωπιστικές τάσεις.

Ας σημειωθεί ότι η μουσική αυτή την περίοδο κατέχει ιδιαίτερη θέση στο σύστημα των τεχνών, δίνοντας την κυρίαρχη θέση μόνο στη ζωγραφική. Σύμφωνα με τον Λεονάρντο ντα Βίντσι, η μουσική ήταν απλώς «η μικρότερη αδερφή της ζωγραφικής» και μάλιστα την υπηρετούσε. «Η ζωγραφική ξεπερνά τη μουσική και την κυριαρχεί», «Η μουσική είναι ο υπηρέτης της ζωγραφικής».

Κανείς δεν μπορεί παρά να συμφωνήσει με τον ορισμό του μεγάλου καλλιτέχνη, η μουσική κατείχε πραγματικά πολύ μακριά από την πρώτη θέση στο σύστημα των τεχνών, αλλά, ωστόσο, έπαιξε τεράστιο ρόλο στην κουλτούρα της Αναγέννησης, άφησε ένα αποτύπωμα στη μετέπειτα εξέλιξη, και τα δύο στο χώρο του μουσικού πολιτισμού και της τέχνης γενικότερα . Η μουσική κουλτούρα της Αναγέννησης είναι ένα είδος μετάβασης από τον Μεσαίωνα στη Νέα Εποχή, σε μια εποχή που αυτή η τέχνη ακούγεται και γίνεται αντιληπτή με νέο τρόπο.

Η μουσική διέθετε, ίσως, ιδιαίτερα ευρείες δυνατότητες κοινωνικής επιρροής· περισσότερο από άλλες τέχνες, ήταν καθολική: ένα αναλλοίωτο μέρος της ζωής των απλών ανθρώπων, ιδιοκτησία πολλών ομάδων, που τη διακρίνει σημαντικά από τη μουσική του Μεσαίωνα . Αναχώρηση από μεσαιωνική παράδοσηπιο απτή στην πραγματεία του Ramis da Pareja «Πρακτική Μουσική». Ο Ράμις λέει: «Κανείς ας μην φοβάται το μεγαλείο της φιλοσοφίας ή την πολυπλοκότητα της αριθμητικής ή την πολυπλοκότητα των αναλογιών. ένας γνώστης μουσικός. Έχουμε θέσει ως καθήκον να διδάσκουμε όχι μόνο φιλοσόφους ή μαθηματικούς. όποιος γνωρίζει τα θεμέλια της γραμματικής θα καταλάβει αυτό το έργο μας. Εδώ και ένα ποντίκι και ένας ελέφαντας μπορούν να κολυμπήσουν με τον ίδιο τρόπο. και πέταξε πάνω και ο Δαίδαλος και ο Ίκαρος.» Σε αυτή την πραγματεία ο Ράμις ασκεί δριμεία κριτική μεσαιωνική μουσική, προτείνει ότι οι θεωρητικοί έγραφαν τις συνθέσεις τους μόνο για μουσικούς - επαγγελματίες και επιστήμονες, ενώ η μουσική, κατά τη γνώμη του, θα έπρεπε να καλύπτει ένα ευρύτερο τμήμα του πληθυσμού. Αναμφίβολα, το έργο του Ramis είχε σημαντική επίδραση στους συγχρόνους του, οι παραδόσεις του Μεσαίωνα υπονομεύτηκαν πολύ, η μετάβαση από τον Μεσαίωνα στη Νέα Εποχή, στην Αναγέννηση, βρίσκεται σε εξέλιξη.

Η Αναγέννηση, με την ανθρωπιστική κοσμοθεωρία της, είχε τεράστιο αντίκτυπο στη μουσική κουλτούρα. Για τη μουσική τέχνη, ο ανθρωπισμός σήμαινε, πρώτα απ 'όλα, εμβάθυνση στα συναισθήματα ενός ανθρώπου, αναγνώριση μιας νέας αισθητικής αξίας πίσω από αυτά. Αυτό συνέβαλε στον εντοπισμό και την εφαρμογή των ισχυρότερων ιδιοτήτων της μουσικής ιδιαιτερότητας. Τα πιο ξεχωριστά χαρακτηριστικά της πρώιμης Αναγέννησης βρέθηκαν στην τέχνη της ιταλικής Ars nova του XIV αιώνα, ο κύριος εκπρόσωπος της οποίας ήταν ο Francesco Landino. Στο έργο του, δίνεται έμφαση στην κοσμική επαγγελματική τέχνη, η οποία έσπασε με τον κύκλο των εικόνων και της αισθητικής της λατρευτικής μουσικής και βασίστηκε, πρώτα απ 'όλα, στη λαϊκή τραγουδοποιία, γραμμένη όχι πλέον στα λατινικά, αλλά σε ΕΘΝΙΚΗ ΓΛΩΣΣΑ.

Στο μέλλον, ένα κύμα μεταμορφώσεων στον χώρο της μουσικής τέχνης σάρωσε και άλλες ευρωπαϊκές χώρες. Στη γαλλική μουσική, εμφανίστηκε ένα πολυφωνικό τραγούδι - chanson, εκπρόσωποι: K. Zhaneken, K. de Sermisi, G. Kotelet και άλλοι. αυτό το είδος ήταν εμποτισμένο με λαϊκό-καθημερινό είδος, έλκοντας προς τη ρεαλιστική απεικόνιση του προγράμματος, που μαρτυρούσε μια απότομη απομάκρυνση από την εκκλησιαστική μουσική. Στη μουσική της Ισπανίας, είδη τραγουδιών λαϊκής προέλευσης, όπως το villancico και το ρομάντζο, χαρακτηρίζονται από αναγεννησιακά χαρακτηριστικά. Η γερμανική επαγγελματική μουσική χαρακτηρίζεται από ένα πολυφωνικό τραγούδι με κύρια μελωδία στο τενόρο, που έλκει προς μια αρμονική χορωδιακή αποθήκη.

Στην Αναγέννηση αρχίζει η εντατική ανάπτυξη της ενόργανης μουσικής, διατηρώντας παράλληλα μια σύνδεση με τα φωνητικά είδη. Η επιρροή της λαϊκής τέχνης στην πνευματική μουσική αυξάνεται, ειδικά σε χώρες που καλύπτονται από το αντικαθολικό κίνημα της Μεταρρύθμισης, το οποίο ζωντανεύει τους ύμνους των Χουσιτών στην Τσεχική Δημοκρατία, το προτεσταντικό άσμα στη Γερμανία, τους ψαλμούς των Ουγενότων στη Γαλλία. Ωστόσο, η εκκλησία συνέχισε να παίζει το ρόλο ενός ισχυρού οργανωτικού κέντρου, όντας ο μαέστρος της επίσημης ιδεολογίας, ανέδειξε το μεγαλύτερο μέρος των επαγγελματιών συνθετών.

Όμως, ακόμη κι παρά αυτό, τα προηγμένα κοσμικά φωνητικά και φωνητικά-οργανικά είδη δήλωναν όλο και πιο δυνατά το δικαίωμά τους σε περισσότερα σημαντικό μέροςστη μουσική κουλτούρα, προσπάθησαν να υποκαταστήσουν μάζες, μοτέτες και είδη εκκλησιαστικής μουσικής κοντά τους. Αυτό οφειλόταν στο γεγονός ότι αυτά τα είδη προορίζονταν είτε για την εκκλησία (στην αριστοτεχνική απόδοση ενός καλά οργανωμένου παρεκκλησιού χορωδίας), είτε (motet) για την αυλή ενός συγκεκριμένου βασιλιά, πρίγκιπα, δούκα (σε καλλιτεχνική μετάδοση μέσω ενός δικαστικού παρεκκλησίου) δεν ευνοούσαν πολύ την έκφραση της δικής του προσωπικότητας. Μόνο με την πάροδο του χρόνου, όταν αναπτύχθηκε μια διαφορετική αισθητική ατμόσφαιρα στους ανθρωπιστικούς κύκλους, ο λυρισμός και το δράμα απέκτησαν μια ευρύτερη και πιο ελεύθερη ενσάρκωση, πρώτα στο ιταλικό μαδριγάλιο και στη συνέχεια στα πρώτα παραδείγματα ενός νέου είδους - «δράμα για τη μουσική», δηλαδή , ιταλική όπερα.

Τα ιταλικά, γερμανικά και αγγλικά είδη μαδριγάλιου και τραγουδιού αντανακλούσαν ξεκάθαρα την προσοχή στον εσωτερικό κόσμο του ατόμου, χαρακτηριστικό της ανθρωπιστικής τέχνης της Αναγέννησης. Μια σημαντική εκδήλωση προηγμένων ρεαλιστικών τάσεων στη μουσική δεν ήταν μόνο η δημιουργία νέων πλοκών, νέων μουσικών και ποιητικών εικόνων, αλλά και εκτεταμένες αλλαγές στα μέσα μουσικής έκφρασης. Η λαϊκή μελωδία εμφανίζεται σε πολλά είδη μουσικής συνθέτη. Τα δημοτικά τραγούδια χρησιμοποιούνται ως cantus firmus (η βάση μιας επανειλημμένα επαναλαμβανόμενης μελωδίας που πήγαινε στη δεύτερη φωνή από το κάτω μέρος των πολυφωνικών έργων) και στην πολυφωνική μουσική. Περαιτέρω ανάπτυξηη πολυφωνία στη Δυτική Ευρώπη οδήγησε στην ανάπτυξη και εδραίωση των μοτίβων του λεγόμενου «αυστηρού στυλ» - μιας από τις κορυφές της τότε πολυφωνικής μουσικής. Το αυστηρό στυλ μέχρι σήμερα είναι ένα ουσιαστικό στάδιο στην ιστορία της πολυφωνίας.

Το κύριο, κύριο επίτευγμα της προηγμένης μουσικής ήταν ο νέος χαρακτήρας του συνόλου του τονισμού-μελωδική ανάπτυξη, η ομαλότητα, η ευελιξία, η μελωδικότητα. έναν πιο σημαντικό βαθμό γενίκευσης της μελωδίας της «μεγάλης ανάσας» σε σύγκριση με το παρελθόν - την πιο ζωντανή έκφραση των ανθρώπινων εμπειριών.

Ένα μεγάλο επίτευγμα της μουσικής κουλτούρας της Αναγέννησης ήταν η ανάπτυξη της ενόργανης μουσικής βασισμένης σε νέες ποικιλίες μελωδικών έγχορδων οργάνων που επέτρεπαν το «τραγούδι» σε όργανα (βιόλα, λύρα, γκάμπα, βιολί) και από την άλλη, ένα σημαντικό διεύρυνση των εκφραστικών δυνατοτήτων των πληκτρολογικών οργάνων (όργανο, κλείδωτο, τσέμπαλο) σε σχέση με χορδές-αρμονικές προόδους. Το λαούτο επίσης βελτιώνεται ραγδαία - ένα από τα πιο κοινά όργανα για καθημερινή και συναυλιακή μουσική.

Επιπλέον, κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, υπήρξε μια ανάπτυξη επαγγελματικών δεξιοτήτων που σχετίζονται με την εμφάνιση των μετρών - οικοτροφεία τραγουδιού - ένα είδος χορωδιακών παρεκκλησιών, όπου μαθαίνουν να τραγουδούν, να παίζουν όργανο, μουσική θεωρίακαι τα μαθήματα γενικής εκπαίδευσης παράγονταν από την πρώιμη παιδική ηλικία και εξασφάλιζαν συστηματική βελτίωση μουσική ικανότηταΦοιτητές.

Έτσι διαμορφώνεται ένας νέος τύπος μουσικού - όχι ερασιτέχνης από αριστοκράτες, όχι ζογκλέρ και καρφίτσα, αλλά επαγγελματίας που έχει λάβει ειδική μουσική παιδεία.

Η εδραίωση του μουσικού επαγγελματισμού οδήγησε στη δημιουργία εθνικών μουσικών σχολών αριστείας, που διαμορφώθηκαν στα μεγαλύτερα κέντρα αστικής μουσικής κουλτούρας, που είχαν μεγάλες εκπαιδευτικές ευκαιρίες. Μία από τις πρώτες μορφές στη Δυτική Ευρώπη ήταν η πολυφωνία της Αγγλίας, η οποία αναπτύχθηκε γρήγορα και άκμασε στα έργα του Ντόνστεπλ το πρώτο μισό του 15ου αιώνα. Η μεγαλύτερη επιρροή ήταν η ολλανδική ή γαλλο-φλαμανδική σχολή, στην οποία τέτοια διάσημους συνθέτες G. Dufay, J. Okegema, J. Obrecht, O. Lasso. Δουλεύοντας σε διάφορες χώρες, συνδύασαν τα χαρακτηριστικά μιας σειράς εθνικών μουσικών πολιτισμών: Ολλανδικά, Γερμανικά, Γαλλικά, Ιταλικά, Αγγλικά, δημιούργησαν ένα ιδιαίτερα ανεπτυγμένο πολυφωνικό στυλ, κυρίως χορωδιακό, στο οποίο εκφράστηκαν ξεκάθαρα τα χαρακτηριστικά της Αναγέννησης.

Μέχρι τα μέσα του 16ου αιώνα, οι άμεσοι διάδοχοι των Ολλανδών πολυφωνιστών και οι κορυφαίοι Ευρωπαίοι σχολές συνθέτωνγίνει η ρωμαϊκή σχολή, με επικεφαλής την Palestrina, στο έργο της οποίας τα χαρακτηριστικά της Αναγέννησης συνδυάζονται με χαρακτηριστικά που αντικατοπτρίζουν τον αντίκτυπο της Αντιμεταρρύθμισης, και Ενετικό σχολείομε επικεφαλής τον Δ. Γαβριέλη, που έχει ήδη χαρακτηριστικά μπαρόκ. Τα εθνικά σχολεία χαρακτηρίζονταν από τη χρήση νέων μουσικών μέσων, που έφερναν συνοχή και ενότητα στη σύνθεση. Το κύριο μουσικό μέσο που εισήγαγε συνοχή και ενότητα στις συνθέσεις ήταν η μίμηση, δηλαδή η επανάληψη μιας μελωδίας από την εισερχόμενη φωνή, αμέσως πριν εκτελεστεί από άλλη φωνή. Στα σχολεία, υπήρχαν περίεργοι τύποι μιμήσεων: κανονικές, μίμηση σε κυκλοφορία, αύξηση, μείωση, που στη συνέχεια οδήγησε στην υψηλότερη αντιφατική μορφή - φούγκα.

Το ύφος των παρουσιαζόμενων εθνικών σχολείων αντικατοπτρίστηκε στα έργα εξαιρετικών πολυφωνιστών από άλλες χώρες - K. Morales και T. Victoria (Ισπανία), W. Byrd και T. Tallis (Αγγλία), M. Zalensky από την Πολωνία και πολλούς άλλους .

Έτσι, η μουσική κατείχε μια κάπως ιδιαίτερη θέση στις τέχνες της Αναγέννησης, τόσο λόγω της ιδιαιτερότητάς της όσο και ανάλογα με τις συνθήκες ύπαρξής της στην κοινωνία. Ωστόσο, ήταν η τέχνη της εποχής της, την εξέφρασε, γνώρισε τις δυσκολίες και τις αντιφάσεις που τη χαρακτηρίζουν, ανέπτυξε το δικό της στυλ σύμφωνα με αυτό, κέρδισε αδιανόητες προηγουμένως νίκες και κέρδισε νέες δημιουργικές επιτυχίες.

Κεφάλαιο 2 Η κουλτούρα του χορού στην Αναγέννηση

2.1 Μουσική και χορός: πτυχές αλληλεπίδρασης

Έτσι, η μουσική κουλτούρα κατέλαβε μια ιδιαίτερη θέση στην τέχνη και τον πολιτισμό της Αναγέννησης. Λαμβάνοντας υπόψη τη μουσική, είναι αδύνατο να μην αναφερθούμε στις διάφορες σφαίρες της. Ένας από αυτούς τους τομείς είναι η τέχνη του χορού.

Χορός - ένα είδος τέχνης στο οποίο δημιουργούνται καλλιτεχνικές εικόνες μέσω πλαστικών κινήσεων και μιας ρυθμικά καθαρής και συνεχούς αλλαγής στις εκφραστικές θέσεις του ανθρώπινου σώματος. Πρέπει να σημειωθεί ότι η μουσική και ο χορός αλληλεπιδρούν ενεργά εδώ και πολλούς αιώνες. Ο χορός είναι άρρηκτα συνδεδεμένος με τη μουσική, το συναισθηματικό και εικονιστικό περιεχόμενο, το οποίο ενσωματώνεται στη χορογραφική του σύνθεση, τις κινήσεις του , φιγούρες.

Από την αρχαιότητα βρίσκουμε ένα είδος σύνθεσης μουσικής, ποίησης, χορού, για τους Έλληνες δεν ήταν διαφορετικές τέχνες, αλλά ένα, ενιαίο σύνολο. Για να χαρακτηριστεί αυτή η ενοποιημένη τέχνη, χρησιμοποιήθηκε η λέξη "χορεία", η οποία προήλθε από τη λέξη "χορωδία" που εισήλθε στη ρωσική γλώσσα, που δεν σήμαινε τόσο συλλογικό τραγούδι όσο συλλογικό χορό. Στο μέλλον, η λέξη «χορεία» μετατρέπεται σε χορογραφία, η οποία άρχισε να υποδηλώνει την ίδια την τέχνη του χορού ή, πιο συγκεκριμένα, την τέχνη της σύνθεσης ενός χορού.

Στην εποχή του Μεσαίωνα αποκαλύπτονται επίσης χαρακτηριστικά της σχέσης μουσικής και χορού, η οποία περιλαμβάνει πιο σύνθετες τεχνικές και φόρμες, η χορευτική μουσική γίνεται κατά κύριο λόγο οργανική. Η κύρια επιρροή στη δομή και στα άλλα χαρακτηριστικά του αρχίζει να ασκείται από τη χορογραφία, η οποία χαρακτηρίζεται από μια διαρκώς αυξανόμενη ομοιομορφία και περιοδικότητα των κινήσεων των χορευτών. Οι χορευτικοί ρυθμοί διεισδύουν εύκολα στα είδη της ορχηστρικής μουσικής που προορίζονται αποκλειστικά για ακρόαση. Για τέτοιους χορούς, μια σημαντική επιπλοκή της μουσικής γλώσσας είναι χαρακτηριστική: ο ρόλος της μέσω της ανάπτυξης αυξάνεται, παρατηρείται παραβίαση των περιοδικών δομών του χορού από ακολουθίες, πολυφωνικές τεχνικές. Ως αποτέλεσμα, η περαιτέρω σύνδεση μεταξύ μουσικής κουλτούρας και χορού γίνεται πιο σύνθετη και συγκεκριμένη.

Μια τεράστια μεταμόρφωση της μουσικής και του χορού έγινε κατά την Αναγέννηση. Ο χορός, η χορευτική μουσική είναι τα πιο σημαντικά στρώματα της αναγεννησιακής κουλτούρας. Η ανάπτυξη της μουσικής τέχνης κατά την Αναγέννηση συνδέθηκε στενά με την ανάπτυξη του χορού, αφού σχεδόν όλοι οι μεγάλοι συνθέτες εστίασαν στο χορό στις συνθέσεις τους. Οι χορευτικοί ρυθμοί διεισδύουν στα είδη της ορχηστρικής μουσικής που προορίζονται αποκλειστικά για ακρόαση. Pavane, galliard, gigue, chimes, volta και άλλα είδη λαϊκών χορών έγιναν το υλικό για βιρτουόζες συνθέσεις: αναπτύχθηκε η ευελιξία των μελωδιών, η σαφήνεια των περιόδων και η συνεχής σύνδεση των κινήτρων. Οι μουσικοί δανείζονται μελωδίες και ρυθμούς από δημοτικά τραγούδια και χορούς για είδη ορχηστρικής μουσικής, αυτό μπορεί να φανεί ιδιαίτερα καθαρά σε ένα τέτοιο έργο μουσικής κουλτούρας ως σουίτα.

Επί αρχικό στάδιοτης ανάπτυξής της, η μουσική της σουίτας είχε εφαρμοσμένο χαρακτήρα – της χόρευαν. Ήταν ένα είδος συνδυασμού λαούτου και αργότερα κομματιών clavier και ορχηστρικού χορού. Τον 15ο-16ο αιώνα, το πρωτότυπο της σουίτας ήταν μια σειρά από τρεις ή περισσότερους χορούς (για διάφορα όργανα) που συνόδευαν δικαστικές πομπές και τελετές, καθώς και συνδυασμούς αντιθετικών χορών (pavane - galliard, passamezzo - saltarello κ.λπ. .). Η πιο χαρακτηριστική βάση για τη χορευτική σουίτα ήταν το σύνολο των χορών που αναπτύχθηκαν στις σουίτες του I.Ya.Froberger: allemande - courant - sarabande - gigue. Όμως για την ανάπτυξη της δραματουργίας του κύκλου της σουίτας απαιτούνταν μια ορισμένη απομάκρυνση από τους καθημερινούς χορούς. Αυτό το σημείο καμπής εμφανίζεται στην Αναγέννηση και μόνο τότε αντικατοπτρίζεται πιο ξεκάθαρα μουσική XVIIαιώνας. Από τα μέσα του 17ου αιώνα, η χορευτική σουίτα, έχοντας χάσει τον εφαρμοσμένο της σκοπό, υπάρχει κυρίως με τις ονομασίες partita (γερμανικά), μαθήματα(Αγγλικά), μπαλέτο, κάμερα σονάτα, διαταγή(Γαλλικά), και μερικές φορές ως "συλλογή κομματιών clavier". Έτσι, μέσω της μεταμόρφωσης και της αλληλεπίδρασης με τη μουσική, γίνεται μέρος της μουσικής τέχνης, επηρεάζει τη διαμόρφωση της φόρμας της σονάτας. Καλλιτεχνικά ύψη σε αυτό το είδος έφτασαν οι J. S. Bach (γαλλικές και αγγλικές σουίτες, partitas για clavier, για βιολί και σόλο τσέλο) και G. F. Handel (17 σουίτες clavier).

Όσον αφορά άλλες πτυχές, καταρχάς, αξίζει να σημειωθεί η επίδραση που είχε η χορευτική μουσική στη διαμόρφωση μιας ομοφωνικής-αρμονικής αποθήκης. Είναι μαζί της που η επαγγελματική τέχνη, εν μέσω της πολυφωνικής εκκλησιαστικής πολυφωνίας, έρχεται ομοφωνική-αρμονική σκέψη, ξεκάθαρα διχασμένη, θεματικά φωτεινή μελωδία, περιοδικός ρυθμός. υπάρχει ένας σχηματισμός τονικής οργάνωσης (για παράδειγμα, ο κύριος τρόπος, νέος για εκείνη την εποχή, ήταν ο πρώτος που καθιερώθηκε στους χορούς της Αναγέννησης.

Στη χορευτική μουσική είναι η προέλευση πολλών σημαντικών ορχηστρικών μορφών στις οποίες βασίζεται όλη η κλασική τέχνη (περίοδος, απλή τριμερής μορφή, παραλλαγή, κυκλική). Η χειραφέτηση της ενόργανης μουσικής συνδέεται σε μεγάλο βαθμό με τη χορευτική λογοτεχνία (εμφανίζονται νέα είδη), τη διαμόρφωση ανεξάρτητων κλαβιέρ (αργότερα - πιάνο), λαούτο και ορχηστρικά στυλ. Ο πλούτος των χορευτικών εικόνων που αποτυπώνονται μέσα κλασσική μουσική, τεράστιο. Και αυτό δεν προκαλεί έκπληξη: εξάλλου, η εικαστική εφαρμογή χορευτικών ρυθμών και επιτονισμών, μαζί με τη λαογραφία του τραγουδιού, παίζει σημαντικό ρόλο στην ενίσχυση των ρεαλιστικών θεμελίων της μουσικής τέχνης. Οι συνθέτες ενσωματώνουν πάντα τις εκφράσεις του προσώπου, τις χειρονομίες, την πλαστικότητα στην κίνηση του χορού ή την πορεία στα έργα τους, στρέφονται στη χορευτική μουσική όταν δημιουργούν ορχηστρική (δωματίου, συμφωνική) και φωνητική, συμπεριλαμβανομένων συνθέσεων όπερας.

Έτσι, πρέπει να σημειωθεί ο σημαντικός ρόλος του χορού στη μουσική κουλτούρα της Δυτικής Ευρώπης, ξεκινώντας από την Αναγέννηση. Οι χορευτικοί ρυθμοί προσέλκυσαν σημαντικούς συνθέτες και η μουσική που βασίστηκε σε τέτοιους ρυθμούς, με τη σειρά της, επηρέασε την πρακτική και τη θεωρία του χορού. Η μουσική απαιτούσε από τον χορό να ακολουθεί τις ανακαλύψεις του, να απορροφά κάτι νέο και να αλληλεπιδρά με άλλες μορφές τέχνης. Στοιχεία μιας τέτοιας στροφής μας δίνουν οι χοροί της Αναγέννησης, ως σύμβολο διαμόρφωσης της χορευτικής τέχνης σε ένα νέο μονοπάτι ανάπτυξης.

2.2 Χορογραφία στα περίχωρα της αυτοδιάθεσης

Μεταξύ άλλων ειδών τέχνης στην Αναγέννηση, ο χορός αρχίζει να ξεχωρίζει. Ο χορός γίνεται ιδιαίτερα δημοφιλής και σημειώνει πρωτοφανή επιτυχία στην εξέλιξή του. Αν σε προηγούμενες εποχές ο χορός ήταν απλώς ένα μέρος μιας λατρείας ή γενικής διασκέδασης, τότε στην Αναγέννηση, η χορογραφική τέχνη έχει νέες λειτουργίες, μια νέα στάση για τον χορό. Η αμαρτωλότητα, η αναξιοκρατία αυτής της ενασχόλησης, χαρακτηριστικό του Μεσαίωνα, στην Αναγέννηση, μετατρέπεται σε υποχρεωτικό εξάρτημα της κοσμικής ζωής και γίνεται μια από τις πιο απαραίτητες δεξιότητες για έναν καλομαθημένο και μορφωμένο άτομο (μαζί με δεξιότητες όπως επιδέξιος κατοχή ξίφους, ικανότητα ιππασίας, ευχάριστη και ευγενική ομιλία, διακριτική ομιλία). Ο χορός ρέει στη γενική πορεία των μεταμορφώσεων: υπό την επίδραση της μουσικής, μετατρέπεται σε επαγγελματική τέχνη.

Η χορογραφία ξεκινά την πορεία προς τον αυτοπροσδιορισμό: η τέχνη εξορθολογίζεται, καθιερώνει ορισμένους κανόνες και κανόνες, ακονίζει τεχνικές και δομικές μορφές, υπάρχει διαχωρισμός ειδών χορού: ο δημοτικός (αγροτικός) και ο αυλικός (ευγενής-φεουδαρχικός) χορός, που ξεκίνησε τον Μεσαίωνα, συνεχίζεται. Αυτή η διαδικασία προχώρησε σταδιακά και συνδέθηκε με την αυξανόμενη διαστρωμάτωση της κοινωνίας και τις επακόλουθες διαφορές μεταξύ του τρόπου ζωής των απλών ανθρώπων και των ευγενών. «Ο αυθορμητισμός έχει περάσει», γράφει ο Kurt Sachs. – Η αυλή και οι δημοτικοί χοροί χωρίστηκαν μια για πάντα. Θα επηρεάζουν συνεχώς ο ένας τον άλλον, αλλά οι στόχοι τους έχουν γίνει ριζικά διαφορετικοί.

Εάν οι λαϊκοί χοροί διατηρούν τον χαλαρό, τραχύ χαρακτήρα τους, τότε το στυλ των χορών της αυλής γίνεται όλο και πιο επίσημο, μετρημένο και κάπως ακραίο. Αυτό οφειλόταν σε διάφορους παράγοντες. Πρώτον, το πλούσιο και βαρύ ντύσιμο των φεουδαρχών απέκλειε τις ενεργητικές, επίπονες κινήσεις και τα ξαφνικά άλματα. Δεύτερον, η αυστηρή ρύθμιση των τρόπων, των κανόνων συμπεριφοράς και κάθε χορευτικής εθιμοτυπίας οδηγεί στον αποκλεισμό της παντομίμας και των αυτοσχεδιαστικών στοιχείων από το χορό.

Υπάρχει μια σημαντική αλλαγή στην τεχνική του χορού: μια ισορροπία μεταξύ κινήσεων και ρυθμών του χορού, διατάσσονται περίοδοι ταλάντωσης από ανάπαυση σε κίνηση και από ανάπαυση σε ένταση, εναλλαγή ρυθμού σε έναν χορό. Επιπλέον, η τεχνική της παράστασης αλλάζει: Οι χοροί με στρογγυλό χορό και σύνθεση γραμμικής βαθμίδας αντικαθίστανται από ζευγαρωμένους (ντουέτο) χορούς, οι οποίοι βασίζονται σε σύνθετες κινήσεις και φιγούρες που έχουν τον χαρακτήρα ενός λίγο πολύ ειλικρινούς παιχνιδιού αγάπης. Η βάση του χορογραφικού μοτίβου είναι η ταχεία αλλαγή των επεισοδίων, διαφορετική στη φύση των κινήσεων και στον αριθμό των συμμετεχόντων.

Η ανάγκη ρύθμισης της εθιμοτυπίας του χορού συμβάλλει στη διαμόρφωση ενός στελέχους επαγγελματιών δασκάλων χορού. Οι δάσκαλοι του χορού δημιουργούν τις κανονικές μορφές χορού, οι οποίες μελετώνται επιμελώς και με ακρίβεια από μια προνομιούχα κοινωνία. Αυτό διευκολύνεται σε μεγάλο βαθμό από τα σχολικά βιβλία, όπου οι κινήσεις συστηματοποιούνται, γίνεται προσπάθεια να διορθωθούν οι χορευτικές συνθέσεις. Υποστηρίζοντας τη σημασία αυτής της στιγμής στην ιστορία του χορού, ο Kurt Sachs σημειώνει ιδιαίτερα τη Βόρεια Ιταλία, στην οποία, πρώτα απ 'όλα, προέκυψε η επαγγελματική εκπαίδευση χορού. Και, πράγματι, η πιο υπέροχη τέχνη του χορού ανθεί στην Ιταλία. Οι μπάλες στη Φλωρεντία του 15ου-16ου αιώνα είναι παράδειγμα λαμπρότητας, λαμπρότητας, ευρηματικότητας. Ιταλοί δάσκαλοι χορού προσκαλούνται σε διάφορες χώρες. «Οι επαγγελματίες χορευτές ήταν περιπλανώμενοι μίμοι και απεχθή ταχυδακτυλουργοί», γράφει ο Σακς, ένας δάσκαλος χορού της Βόρειας Ιταλίας που κατείχε τιμητική θέση. Ήταν σύντροφος πρίγκιπες, μερικές φορές έμπιστος. στους βενετσιάνους γάμους, όπου συνηθιζόταν να εισάγουν τη νύφη σε έναν σιωπηλό χορό, μπορούσε να παίζει αντί του πατέρα. Οι δάσκαλοι ενδιαφέρθηκαν ιδιαίτερα να δημιουργήσουν σχολές για τη διδασκαλία του χορού. Και, ήδη από τον 15ο αιώνα, εμφανίστηκαν ειδικά σχολεία στην Ιταλία, το επάγγελμα του δασκάλου χορού καθιερώθηκε σταθερά. Έτσι είναι πιθανό ότι τον 16ο αιώνα η Ιταλία ήταν η βασίλισσα του χορού, όπως φαίνεται να ήταν και τον 15ο αιώνα.

Ο Domenico από την Piacenza θεωρείται ο πρώτος Ιταλός θεωρητικός της τέχνης του χορού. Ο Domenico da Piacenza στις αρχές του XIV - XV αιώνα συνέθεσε μια πραγματεία "Σχετικά με την τέχνη του χορού και του χορού". Το βιβλίο αποτελείται από δύο μέρη. Το πρώτο μέρος είναι αφιερωμένο στο χορό ως σύνολο και ορίζει τα πέντε στοιχεία του: μέτρο, συμπεριφορά, διαίρεση της πλατφόρμας, μνήμη και ανύψωση. Το μέτρο είναι η κύρια αρχή σύνδεσης μεταξύ γρήγορων και αργών κινήσεων στη μουσική. η διαίρεση της τοποθεσίας είναι απαραίτητη για τη σύνθεση ενός ομαδικού χορού. Η μνήμη χρειάζεται για να δημιουργηθεί πραγματικά ο χορός. ο τρόπος διεξαγωγής απελευθερώνει τον χορό από ακίνητες και ξεπερασμένες μορφές. Το elevation έχει σχεδιαστεί για την ανάπτυξη της τεχνικής του χορού. Το άλλο μέρος της πραγματείας καθιερώνει τις κατηγορίες των βασικών κινήσεων. Εδώ χωρίζει τις κινήσεις σε δύο τύπους: τεχνητές και φυσικές. Φυσικές κινήσεις - απλό και διπλό βήμα, ευγενής στάση, στροφή και μισή στροφή, υπόκλιση και άλμα. Οι τεχνητές κινήσεις περιλαμβάνουν το λάκτισμα, το βήμα του κιμά και το άλμα με μεταβλητό πόδι.

Επιπλέον, αξίζει να σημειωθεί ένας άλλος θεωρητικός και δάσκαλος του χορού - ο Guglielmo Embreo, ο οποίος συνέθεσε την Πραγματεία για την Τέχνη του Χορού. Στην πραγματεία του συμβουλεύει επίσης να συντονίζονται οι κινήσεις με το μέτρο που ορίζει η μουσική. Εισάγει τον όρο contro tempo - κόντρα στον ρυθμό, που πρέπει να τηρηθεί για να πετύχει ένας μαθημένος χορός. Επιπλέον, προβάλλει την έννοια της άριας, η οποία υποδηλώνει την ικανότητα να κινείσαι μεταξύ των ρυθμών και να μεταβαίνει από τον ένα χορό στον άλλο. Είναι αδύνατο να υπερεκτιμηθεί το έργο του Γκουλιέλμο, εξέφρασε την ανθρωπιστική κοσμοθεωρία της Αναγέννησης όταν δήλωσε ότι ο χορός είναι μια «ελεύθερη επιστήμη» εξίσου εξαιρετική και σημαντική με άλλες, και περισσότερο από αυτές που απευθύνονται στην ανθρώπινη φύση.

Μεταξύ των ιταλικών έργων για τη χορογραφία του 16ου αιώνα, το βιβλίο του Fabrizio Caroso The Dancer, που δημοσιεύτηκε το 1581, αξίζει προσοχής. Αυτό το βιβλίο είναι ένα είδος εγχειριδίου που προορίζεται για χορό στην αίθουσα χορού, ωστόσο, μπορούμε να πούμε ότι αυτοί οι κανόνες χρησιμοποιήθηκαν και στον σκηνικό χορό, αν και σε αυτούς επικράτησαν πιο αντιπροσωπευτικά βήματα. Στο βιβλίο προσπαθεί να συστηματοποιήσει όχι μόνο τους χορούς, αλλά και τις κινήσεις που τους απαρτίζουν. Για παράδειγμα, χωρίζει τα curtsies σε "σημαντικά" ("τάφος"), "μικρά" ("minima"), "μεσαία" ("semiminima"). Το "μεσαίο" κούρτσι περιελάμβανε ένα άλμα. Σε συμφωνία με την παραλλαγή του χορού με την ποικιλία των μουσικών ρυθμών, ο Coroso χρησιμοποιούσε ήδη θέσεις κοντά στην πρώτη, τρίτη και τέταρτη θέση του κλασικού χορού, καθώς και πιρουέτες και διάφορα είδη άλματος, συμπεριλαμβανομένων των ολισθήσεων (entrecha). Η τεχνική του χορού περιλάμβανε ακροβατικές κινήσεις, όπως το saut de noeud (άλμα με κόμπους), αλλά αυτή η τεχνική αργότερα εξαφανίστηκε. Η νέα τεχνική επέτρεψε στον Coroso να συνθέτει μπαλέτα σε πέντε, έξι και ακόμη και δέκα μέρη, σύμφωνα με τη μουσική. Ο Καρόζο απαίτησε η εξέλιξη των χορευτών να αντιστοιχεί στο μέγεθος της αρχαίας στιχουργίας και ανέφερε το δάκτυλο, τη σαπφική στροφή, το σπόδειο. Έγραψε για τον χορό - ένα ελεύθερο σύνολο, «που εκτελείται με μαθηματική ακρίβεια, σύμφωνα με τους στίχους του Οβιδίου».

Ο Caroso αναμφίβολα έθεσε τα θεμέλια για την ανάπτυξη του μπαλέτου, την τεχνική και την απόδοσή του. Όπως ήταν φυσικό, οι πρώτες παραστάσεις μπαλέτου εμφανίστηκαν στην Ιταλία. Έτσι, για παράδειγμα, το 1489, ο Λομβαρδός Bergonzo di Bota, προς τιμήν του γάμου του δούκα του Μιλάνου, Γκαλάζο Βισκόντι, δημιούργησε μια υπέροχη θεατρική γιορτή στην οποία ο χορός εναλλάσσονταν με τραγούδι, μουσική και απαγγελία. Η ιταλική χορογραφία είχε μεγάλη επιρροή στα πρώτα γαλλικά μπαλέτα. Στα τέλη του 16ου αιώνα εμφανίστηκαν παραστάσεις μπαλέτου με μια ολοκληρωμένη πλοκή, η οποία αποκαλύπτεται μέσα από το χορό, το τραγούδι, το ποιητικό ρετσιτάτι, τη σύνθετη και υπέροχη διακόσμηση. Η εμπειρία του νεαρού ιταλικού μπαλέτου, οι παιδαγωγικές του μέθοδοι και τα έργα χορογραφίας έγιναν αποδεκτά από πολλές ευρωπαϊκές χώρες. Έτσι, στην Αναγέννηση, μπορεί κανείς ήδη να μιλήσει για τις απαρχές του μπαλέτου.

Αλλο διάσημος συγγραφέαςγια την «τέχνη του χορού» - Tuano Arbo - Γάλλος συγγραφέας, ιερέας. Η συμβολή του στην ανάπτυξη του χορού δεν είναι λιγότερο σημαντική από αυτή των Ιταλών δασκάλων του χορού. Η «Ορχεζογραφία» του Tuano Arbaud είναι η πιο δημοφιλής πραγματεία που περιέχει πληροφορίες για γαλλικούς χορούς μπάσου του 16ου αιώνα. Ο Arbo προσπαθεί να αποκαταστήσει τον μεσαιωνικό χορό, να τον επανασχεδιάσει με έναν νέο τρόπο και από εδώ γεννιέται η φήμη του ως ο πρώτος ειδικός στην αναδόμηση του χορού.

Συνοψίζοντας, μπορούμε να πούμε ότι η τέχνη του χορού είναι εφάμιλλη με άλλα είδη τέχνης και δεν είναι κατώτερη από αυτά σε καμία περίπτωση. Ο χορός είναι στυλιζαρισμένος, μπαίνει στο σύστημα. Οι τεράστιες δυνατότητες του ανθρώπινου σώματος ανοίγονται. Ο χορός περνά από την αφήγηση της πραγματικότητας στην έκφραση μιας αφηρημένης σκέψης. Περαιτέρω - από παράσταση δικαστηρίου μέχρι θεατρικό χορό.

Κατά την Αναγέννηση, ο χορός γίνεται τρόπος κοινωνικής ψυχαγωγίας και επικοινωνίας. Στα τέλη του 16ου αιώνα, όλοι πίστευαν ότι ο χορός ήταν απαραίτητος για την κοινωνία ως μέσο παιχνιδιάρικου φλερτ για να δείξει τη χάρη και τη γοητεία των κυριών και τη δύναμη και την ανδρεία των κυρίων. Διοργανώθηκαν μπάλες με αφορμή όλα τα σημαντικά γεγονότα, γενικά και ιδιωτικά. Η ομορφιά και η κομψότητα κάθε συμμετέχοντα ήταν σημαντική για τη δημιουργία μιας εορταστικής ατμόσφαιρας αίθουσας χορού, επιβεβαιώνοντας την υψηλή κοινωνικοπολιτική θέση του ιδιοκτήτη και διευκολύνοντας τους γάμους, κάτι που εκείνη την εποχή ήταν εξαιρετικά σημαντικό για τη διατήρηση της δομής της κοινωνίας. Η ικανότητα του χορού ακονίστηκε από τους ευγενείς και τη μεσαία τάξη που τους μιμούνταν με καθημερινή πρακτική υπό την καθοδήγηση πολλών δασκάλων. Στις βασιλικές αυλές υπήρχαν χορογράφοι - χοροδιδάσκαλοι, τα καθήκοντά τους περιλάμβαναν τη διδασκαλία χορών σε άτομα και των δύο φύλων, καθώς και γενικότερα τη διοργάνωση θεάματος.

Έτσι επαγγελματικός χορόςάρχισε να μπαίνει σε κάθε λογής θεάματα. Ο χορός, που τον Μεσαίωνα προοριζόταν για μια «ιερή πράξη», υποχώρησε τον 15ο αιώνα πριν από τις γιορτές κοσμικού χαρακτήρα. Κυρίως εκείνη την εποχή ήταν λάτρεις των μασκαράδων - οι μάσκες είχαν ιδιαίτερη σημασία σε αυτήν την εποχή. Ο χορός συμμετείχε και σε πομπές στο δρόμο, στις οποίες παίζονταν ολόκληρες παραστάσεις χορευτικού χαρακτήρα. Συχνότερα, τέτοιες πομπές στο δρόμο ερμήνευαν παγανιστικές ιστορίες, το περιεχόμενο των μύθων, που ήταν χαρακτηριστικό για την Αναγέννηση, όπως για μια εποχή που στράφηκε στην αρχαιότητα.

Τα καρναβάλια είχαν επίσης μεγάλη συμβολή στον χορό ως δημόσια διασκέδαση. Οι πιο θαυμάσιες από αυτές ήταν οι θρίαμβοι (τριόνφι), παραστάσεις με μυθολογικά θέματα με επιδέξια εκτελεσμένα σκηνικά. Κάπως πιο μετριοπαθή ήταν τα κάρυ (carri, από το ιταλικό carro - "βαγόνι") - μασκαράδες τεχνιτών και εμπόρων στο ιταλικές πόλεις: εδώ πλήθη μασκοφόρων παρέλασαν πίσω από τα διακοσμητικά σύμβολα των επαγγελμάτων τους. Τα θεάματα, όπου ανακατεύονταν μουσική, τραγούδι, απαγγελία, παντομίμα και χορός, συνοδεύονταν από πανηγυρικά γεύματα, διάφορα δικαστικά γλέντια.

Ωστόσο, ο χορός της Αναγέννησης είναι πολύ ευρύτερος από την απλή διασκέδαση. Αυτή την εποχή αναβιώνουν αρχαίες ιδέες για τη βαθύτερη επίδραση του χορού στην πνευματική και φυσική κατάσταση ενός ανθρώπου. Στις σελίδες πολλών χορευτικών πραγματειών, συχνά εκφράζεται η ιδέα ότι ο χορός δεν είναι καθόλου καθαρή πλαστικότητα, αλλά ένας τρόπος αντανάκλασης πνευματικών κινήσεων. «Όσον αφορά την υψηλότερη τελειότητα των χορών, συνίσταται στη βελτίωση του πνεύματος και του σώματος και στην καλύτερη δυνατή τοποθεσία», έγραψε σε ένα από τα έργα του ο Γάλλος θεωρητικός της μουσικής, φιλόσοφος, φυσικός και μαθηματικός M. Mersenne. Συχνά ο χορός, όπως στην αρχαιότητα, δίνεται κοσμολογικό

έννοια. Δεν είναι τυχαίο ότι το ενδιαφέρον και η ευαισθητοποίηση σε θέματα χορευτικής τέχνης αποκαλύπτονται από τα πρόσωπα του κλήρου - τον ηγούμενο de Pure, τον κανόνα Arbaud, τον ιερέα Menetrier.

2.3 Είδος παλέτα χορευτικής τέχνης

Η νέα στάση απέναντι στο χορό κατά την Αναγέννηση έδωσε αφορμή για πολλά είδη χορού. Κρίνοντας από τους τίτλους των κομματιών που τοποθετούνται σε διάφορες μουσικές συλλογές, πρακτικούς οδηγούς και πραγματείες, η εικόνα είναι ασυνήθιστα ποικιλόμορφη: ορισμένοι χοροί φεύγουν γρήγορα από τη μόδα. Άλλα, αφού εμφανίστηκαν σε έναν αιώνα, διατηρούν τη σημασία τους σε έναν άλλο (για παράδειγμα, saltarello, μπάσο, μπράνλε), μερικά από αυτά αλλάζουν τη φύση και το στυλ της χορογραφίας με την πάροδο του χρόνου.

Κάθε επαρχία έχει τους δικούς της χορούς και το δικό της στυλ παράστασης. Ο Noverre έγραψε ότι το μενουέτο μας ήρθε από την Angouleme, ότι η γενέτειρα του χορού burre είναι η Auvergne. Στη Λυών θα βρουν τα πρώτα στοιχειά του γκαβότ, στην Προβηγκία, το ντέφι.

Έτσι, όλοι οι καθημερινοί χοροί αυτής της εποχής χωρίστηκαν σε δύο κύριες ομάδες: Bassa danza (Γαλλικοί χοροί μπάσων) - δηλαδή «χαμηλοί» χοροί στους οποίους δεν υπήρχαν άλματα και τα πόδια σχεδόν δεν υψώθηκαν πάνω από το πάτωμα (pavane, allemande, chimes, sarabande, κ.λπ.) Alta danza (γαλλικοί haute danses) - δηλαδή «υψηλοί» χοροί στρογγυλού χορού, στους οποίους οι χορευτές στροβιλίζονταν και αναπηδούσαν (moreska, galliard, volta, saltarello, διάφορα είδη μπράνλες κ.λπ.)

Στην εποχή της πρώιμης Αναγέννησης είναι χαρακτηριστική η αντίθεση χορών αργής και πιο ζωηρής κίνησης (bassa danza και alta danza). Βρίσκεται τόσο στις μπάλες όσο και στην αναδυόμενη επαγγελματική μουσική ήδη στα τέλη του Μεσαίωνα. Στις μουσικές πηγές του 14ου - αρχές του 15ου αιώνα, οι ομαδοποιήσεις χορών σε 2 είναι συνηθισμένες: ο 1ος χορός κάθε ζευγαριού διατηρείται σε άρτια χρονική υπογραφή και αργό ρυθμό, ο 2ος - σε χρονική υπογραφή 3 παλμών και γρήγορο ρυθμό. Περισσότερο από άλλους, ήταν κοινά ζευγάρια παβάν - γκαλιάρ πασαμέτζο - σαλταρέλλο. Αλληλεπιδρούσαν μεταξύ τους, αλλά, ωστόσο, διατήρησαν τα ατομικά τους χαρακτηριστικά.

Όσον αφορά τα είδη της χορευτικής τέχνης της εποχής, ήταν αρκετά μεγάλος ο αριθμός τους, αλλά τα πιο δημοφιλή ήταν: μπάσο χορός, pavane, chimes, branle, moresca, galliard, saltarello και volta. Για να κατανοήσουμε ποια ήταν η ιδιαιτερότητα του καθενός από τους χορούς, είναι απαραίτητο να αναφερθούμε στην περιγραφή και την ερμηνεία τους.

μπάσο χορό(Γαλλικό basse danse - "χαμηλός χορός") - η συλλογική ονομασία των χορών αυλής με μέτριο ή μέτρια αργό ρυθμό και, κατά κανόνα, σε μέγεθος 4 παλμών, κοινό στη Γαλλία, την Ιταλία, την Ολλανδία μεταξύ του 2ου μισού του τον XIV και τα μέσα XVI αιώνα. Η προέλευση του ονόματος δεν είναι απολύτως σαφής. Ίσως συνδέεται με την πρακτική της εκτέλεσης της μουσικής αυτών των χορών σε όργανα χαμηλής καταγραφής και ίσως με την απουσία υψηλών αλμάτων των χορευτών στους χορούς μπάσου. Λόγω της έλλειψης γρήγορων πασών και αλτικών κινήσεων χαρακτηριστικών των «υψηλών χορών» (γαλλικά - haute danse, ιταλικά - alta danza), οι χοροί μπάσου ονομάζονταν συχνά «περιπάτους». Το σχέδιο σύνθεσης θα μπορούσε να κατασκευαστεί με τη μορφή ενός στρογγυλού χορού, μιας πομπής. Οι χοροί του μπάσου ήταν, σαν να λέγαμε, μια μικρή χορογραφική σύνθεση στην οποία οι χορευτές έδειχναν τον εαυτό τους στη συγκεντρωμένη κοινωνία και έδειχναν τον πλούτο, το μεγαλείο των ρούχων και την αρχοντιά τους. Τον 15ο αιώνα, σύμφωνα με τον K. Sachs, ο χορός του μπάσου «…δεν ακολουθούσε καμία καθιερωμένη σειρά βημάτων. Το ετερόκλητο, όπως τα χρώματα στο καλειδοσκόπιο, συνδύαζε κάθε φορά νέες κινήσεις. Η χορευτική μουσική μπάσου, συχνά χορωδιακής φύσης, αυτοσχεδιαζόταν συνήθως με βάση το cantus firmus. Η ελεύθερη χορογραφία αντιστοιχούσε επίσης σε μια ανοιχτή (ανοιχτή) μουσική δομή με αυθαίρετο αριθμό ενοτήτων. Διάφορες οργανικές συνθέσεις χρησιμοποιήθηκαν για την εκτέλεση χορού μπάσου: λαούτο, άρπα και τύμπανο. τρομπόνι, φλάουτο με τύμπανο κ.λπ. Ως ένα από τα μέρη, ο χορός του μπάσου περιλαμβανόταν στις πρώτες οργανικές σουίτες. Ποικιλίες μπάσου: Μπασάντας- μια πιο εκλεπτυσμένη ιταλική εκδοχή του μπάσου, δημοφιλής τον 15ο αιώνα. Διαφέρει σε πιο κινητικό ρυθμό. μπύρα -Ιταλικός χορός του 15ου αιώνα, ο ρυθμός είναι ακόμη πιο γρήγορος από αυτόν των Bassadans, μέχρι τον 16ο αιώνα το όνομα «μπύρα» προστατεύτηκε από έναν γρήγορο χορό 3 χτύπων, πριν από τον οποίο παίζονταν συχνά το pavane και το saltarello.

παβάνα- επίσημος αργός χορός. Η προέλευση αυτού του χορού είναι αρκετά διφορούμενη: σύμφωνα με μια εκδοχή, το pavane είναι ένας γηγενής ιταλικός χορός, το όνομά του συνδέεται με τον τόπο καταγωγής, την πόλη της Πάντοβα, σύμφωνα με μια άλλη εκδοχή, το pavane είναι ένας χορός ισπανικής προέλευσης . Υπάρχει λόγος να πιστεύουμε ότι ο όρος "παντοβάνα" χρησιμοποιήθηκε επίσης ως λέξη που υποδηλώνει μια γενική έννοια - ένα συγκεκριμένο είδος χορού που συνδυάζει την παβάνα και την ποικιλία της - το πασαμέτζο.

Ήδη στις αρχές του 16ου αιώνα, το παβάνε έγινε ένας από τους πιο δημοφιλείς χορούς της αυλής: χορευόταν με μανδύα και με σπαθί σε επίσημες τελετές: όταν η νύφη έφευγε για την εκκλησία, όταν ο κλήρος εκτελούσε θρησκευτικές πομπές, πρίγκιπες, μέλη της κυβέρνησης της πόλης έφυγαν. Η μουσική Pavane χαρακτηρίζεται από: καθαρότητα δομής, συχνά τετραγωνισμό της μετρορυθμικής δομής, κυρίως παρουσίαση συγχορδιών, μερικές φορές χρωματισμένη με αποσπάσματα.

Υπάρχουν ενδείξεις ότι η απόδοση του παβάνου συνοδευόταν από ντέφι, φλάουτο, όμποε και τρομπόνια, υποστηριζόμενα από τύμπανο που τόνιζε τον ρυθμό του χορού. Σε κάθε χώρα, η φύση των κινήσεων και ο τρόπος εκτέλεσης των παβάνων είχαν τα δικά τους χαρακτηριστικά: στη Γαλλία, τα βήματα ήταν ομαλά, αργά, χαριτωμένα, συρόμενα· στην Ιταλία, ήταν πιο ζωηρά, ανήσυχα, εναλλάσσονταν με μικρά άλματα. Στο 2ο μισό του 16ου αιώνα, το pavane ουσιαστικά έπεσε σε αχρηστία στην Ευρώπη, παραμένοντας ωστόσο μέχρι τα μέσα της δεκαετίας του 1620. ένας από τους πιο δημοφιλείς χορούς στην Αγγλία. Το instrumental pavane έφτασε στην αυγή του στο έργο των Άγγλων παρθενικών. Σχετικές παβάνες ήταν: παβανίλια- Ο οργανικός χορός, δημοφιλής στην Ιταλία το 1ο μισό του 17ου αιώνα, ήταν πιο ζωηρός σε χαρακτήρα και ρυθμό. Παντουάνα -Διαδόθηκε ευρέως στα τέλη της Αναγέννησης και ήταν χαρακτηριστικό του 17ου αιώνα - τουλάχιστον δύο διαφορετικοί χοροί ονομάζονταν έτσι: ένας δίμερος παβάνε και ένας τριμερής χορός που εκτελούνταν μετά το πασαμέτζο. πασαμέτζο- Ο ιταλικός χορός, διαφέρει από τους παβάνες σε πιο κινητικό ρυθμό. Κυριολεκτικά μεταφράζεται ως «χορός σε 1,5 βήματα», που δείχνει την ταχύτερη φύση της κίνησής του από ό,τι στον παβάν. Υπήρχαν δύο πιο κοινές ποικιλίες «παλιά» (antico) και «μοντέρνα» (moderno), που προέρχονται από τα χαρακτηριστικά του σχεδίου αρμονικής συνοδείας.

Courant- χορός αυλής, ιταλικής προέλευσης, από την ιταλική λέξη corrente, που σημαίνει η ροή του νερού, ομαλή, ομοιόμορφη. Το μοτίβο σύνθεσης του χορού συνήθως πήγαινε κατά μήκος ενός ωοειδούς, αλλά θα μπορούσε επίσης να είναι ένα επίμηκες τετράγωνο ή ένα οκτάγωνο, που επέτρεπε να γίνουν κινήσεις ζιγκ-ζαγκ χαρακτηριστικές του ιταλικού χορού piva που υπήρχε τον 15ο αιώνα. Το κουδούνισμα ήταν απλό και πολύπλοκο. Το πρώτο αποτελούνταν από απλά, ολισθαίνοντα βήματα, που εκτελούνταν κυρίως προς τα εμπρός. Το περίπλοκο κουδούνισμα είχε παντομιμικό χαρακτήρα: τρεις κύριοι κάλεσαν τρεις κυρίες να συμμετάσχουν στο χορό, πήγαν τις κυρίες στην απέναντι γωνία της αίθουσας και τους ζήτησαν να χορέψουν, οι κυρίες αρνήθηκαν, οι κύριοι, αφού αρνήθηκαν, έφυγαν, αλλά μετά επέστρεψε ξανά και γονάτισε μπροστά στις κυρίες. Μόνο μετά τη σκηνή της παντομίμας άρχισε ο χορός. Σε ένα σύνθετο κουδούνισμα, οι κινήσεις εκτελούνταν προς τα εμπρός, προς τα πίσω και προς τα πλάγια. Στα μέσα του 16ου αιώνα το κομμάτι της παντομίμας του χορού εξαφανίστηκε. Το Courante έχει αλλάξει πολλές φορές την υπογραφή ώρας. Στην αρχή ήταν 2/4, αργότερα τριπλασιάστηκε.

branle- αρχικά δημοτικός στρογγυλός χορός, αργότερα και αίθουσα χορού, χορός αυλής του 15ου - 17ου αιώνα. Η ίδια η λέξη branle, που σημαίνει στα γαλλικά - λικνισμός, στρογγυλός χορός, χαρακτηρίζει επίσης μια από τις κύριες κινήσεις - το λίκνισμα του σώματος. Οι πολυάριθμες ποικιλίες του είναι γνωστές, που διαφέρουν μεταξύ τους ως προς το μέγεθος του ρυθμού, τη χορογραφία (απλό μπαλέτο, διπλή μπάλα, χορεύτρια μπαλέτου, μπαλέτο παπουτσιών, μπαλέτο με πυρσό, μπαλέτο με φιλιά κ.λπ.) και τοπικές παραλλαγές (Β. από Poitou, B. από Champagne). Ο ρυθμός του χορού είναι μέτρια γρήγορος, ζωηρός. Το μέγεθος είναι συνήθως 2-beat, μερικές φορές 3-beat (στο "jolly branle", που περιλάμβανε άλματα και κούνιες) και 4-beat (στη σαμπάνια). Folk branle - ενεργητικός, ορμητικός, κυνηγημένος, αίθουσα χορού - πιο ομαλή και ήρεμη, με πολύ κούρσα. Μερικές φορές συνοδεύεται από τραγούδι (στίχοι με ρεφρέν) και παίζοντας το λαϊκά όργανα(πίπα, φλάουτο, ντέφι, γκάιντα). Τον 15ο αιώνα παιζόταν ως το τέλος του μπάσου, από τον οποίο, ίσως, προέρχεται. Από πλευράς χορογραφίας, ήταν ακόμα αρκετά πρωτόγονο, ειδικά αφού η μουσική του συνοδεία αποτελούνταν από μάλλον μονότονα ντέφι, ήχους φλάουτου και το μονότονο τραγούδι των χορευτών. Αλλά, ταυτόχρονα, πρέπει να σημειωθεί ότι το μπράνλε ήταν η πρωταρχική πηγή όλων των χορών στο σαλόνι που εμφανίστηκαν αργότερα, παίζοντας μεγάλο ρόλο στην ανάπτυξη της χορογραφίας της αίθουσας χορού.

Moreska -(moresca(Ιταλικά) - κυριολεκτικά "μαυριτανικό", morisdance - από το αγγλικό χορό morris) - μουσική - χορευτική σκηνή. Η σκηνή αναπαρήγαγε συμβολικά τον αγώνα μεταξύ Χριστιανών και Μαυριτανών. Στην Ιταλία ο χορός ονομαζόταν «Morisca», το ίδιο όνομα δόθηκε στους Μαυριτανούς που βαφτίστηκαν και ασπάστηκαν τον Χριστιανισμό. Με καταγωγή από την Ισπανία, το moresca ήταν αρχικά λαϊκός χορός και χορευόταν από δύο ομάδες. Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, η μορέσκα ήταν ένας από τους πιο δημοφιλείς χορούς, καθώς έγινε μέρος διαφόρων αστικών θεαμάτων και παραστάσεων των αναδυόμενων μουσικό θέατρο. Εκεί, χάνει τα αρχικά της χαρακτηριστικά του λαϊκού παιχνιδιού (διατηρώντας, ωστόσο, τη μάσκα του Μαυριτανού) και σταδιακά μετατρέπεται σε έναν μορφοποιημένο χορό ενός επίσημου, συχνά πολεμικού χαρακτήρα. Αργότερα, τον 17ο αιώνα, ο όρος moresca υποδήλωνε ένα χορό μπαλέτου ή παντομίμας σε μια όπερα: για παράδειγμα, ο Monteverdi εισήγαγε τη μορέσκα στο φινάλε της όπερας "Ορφέας" -1607.

γαλιάρδος(gagliarda, ιταλ. χαρούμενος, τολμηρός, χαρούμενος) - ένας παλιός χορός ρωμανικής προέλευσης του τέλους του XV - XVII αιώνα. Προφανώς, προέρχεται από τη Βόρεια Ιταλία, σε διάφορες περιοχές και πόλεις έφερε το αποτύπωμα των τοπικών εθίμων και ηθών. Αυτός είναι ένας χαρούμενος και ζωντανός χορός, που προέρχεται από τη λαϊκή χορογραφία, αν και ήταν πιο διαδεδομένος στις προνομιούχες τάξεις, διατηρώντας τα χαρακτηριστικά των χωρικών χορών - άλματα και απότομες κινήσεις, με συχνά αστεία ονόματα ("βήμα γερανού", "λάκτισμα αγελάδας") . Όπως τα κουδούνια, είχε τον χαρακτήρα ενός είδους διαλόγου. Συνοδεύεται από μικρό ορχηστρικό σύνολο ή παίζοντας λαούτο και κιθάρα. Οι γαλιάρδες του 16ου αιώνα χαρακτηρίζονται από ένα 3μετρο, μέτρια γρήγορος ρυθμός, αποθήκη συγχορδίας, διατονικό. Εκτελούνταν συνήθως μετά από αργό 4-beat pavane, διαφοροποιώντας τη μελωδική του και

μετρικό μοτίβο. Μια παρόμοια ακολουθία ενός αργού παβάνε 4 χτύπων και ενός γρήγορου γαλιάρδου 3 χτύπων ήταν το πρωτότυπο της μπαρόκ σουίτας οργάνων.

Σαλταρέλα- λαϊκός ιταλικός χορός. Το όνομά του προέρχεται από την ιταλική λέξη saltare - πηδάω, πηδάω. Είναι γνωστός σε Romagna, Lazo, San Marino, In Abruzzio. Κάθε περιοχή το εκτελεί διαφορετικά. Η σαλταρέλα είναι ένας πολύ απλός χορός, δεν έχει σταθερές φιγούρες. Η κύρια κίνηση είναι η ισορροπία. Όμως οι ερμηνευτές πρέπει να έχουν επιδεξιότητα και δύναμη, καθώς ο ρυθμός στο χορό αυξάνεται συνεχώς, φτάνοντας σε πολύ θυελλώδη. Σαλταρέλα - χορός ζευγαριών, ο αριθμός των ζευγαριών που συμμετέχουν στο χορό μπορεί να είναι πολύ μεγάλος. Όπως πολλοί άλλοι λαϊκοί χοροί, η σαλταρέλα μερικές φορές ξεκινά με μια παιχνιδιάρικη σκηνή παντομίμας. Σε ορισμένες περιοχές της Ιταλίας, για παράδειγμα στη Γιογαρία, η σαλταρέλα υπάρχει ως χορός χαμηλού άλματος.

Υπάρχουν και οι στρογγυλές του χορευτικές ποικιλίες. Στον στρογγυλό χορό σαλταρέλα, οι χορευτές στέκονται σφιχτά πιεσμένοι ο ένας πάνω στον άλλο, το σώμα τους γέρνει προς τα εμπρός, τα κεφάλια τους σχεδόν συγκρούονται στο κέντρο του κύκλου. τα χέρια τοποθετούνται ο ένας στους ώμους του άλλου. Τα γυμνά πόδια γλιστρούν απαλά στο έδαφος. Οι ερμηνευτές ταλαντεύονται στο ρυθμό της κίνησης των ποδιών. Η απόδοση της σαλταρέλας στη Ρομάνια είναι περίεργη. Εδώ συνοδεύεται από ένα τραγούδι που τραγούδησε ένας από τους συμμετέχοντες και είναι, σαν να λέγαμε, μια επίδειξη επιδεξιότητας. Οι γυναίκες βάζουν ένα ποτήρι στο κεφάλι τους, γεμάτο μέχρι το χείλος με νερό ή κρασί. Κατά τη διάρκεια πολύπλοκων και γρήγορων κινήσεων, δεν πρέπει να χυθεί ούτε μια σταγόνα.

Βόλτα- χορός σε ζευγάρια ιταλικής καταγωγής. Το όνομά του προέρχεται από την ιταλική λέξη voltare, που σημαίνει «γυρίζω». Συνήθως ο χορός εκτελείται από ένα ζευγάρι (άνδρα και γυναίκα), αλλά ο αριθμός των ζευγαριών μπορεί να αυξηθεί. Όπως πολλοί άλλοι λαϊκοί χοροί, η βόλτα, αμέσως μετά την εμφάνισή της, άρχισε να παίζεται σε αυλικές γιορτές. Τον 16ο αιώνα ήταν γνωστή σε όλες τις ευρωπαϊκές χώρες, αλλά είχε τη μεγαλύτερη επιτυχία στη γαλλική αυλή. Ωστόσο, ήδη υπό τον Λουδοβίκο XIII, η γαλλική αυλή του Βόλτα δεν χορεύει. Αυτός ο χορός κράτησε περισσότερο στην Ιταλία.

Livanova, T. "Ιστορία της δυτικοευρωπαϊκής μουσικής μέχρι το 1789 (Αναγέννηση). [Κείμενο] / T. Livanova. - M., 1983 453 s.: C5.

Ιστορία της αισθητικής. [Κείμενο] / Μνημεία παγκόσμιας αισθητικής σκέψης σε 5 τόμους. Τ.1. - Μ., 1985. 876 σελ.: C 506-514.

Losev, V. Aesthetics of the Renaissance. [Κείμενο] / A. Losev. – Μ., 1982. 415σ.: Σ 154.

«Ιστορία των Τεχνών: Αναγέννηση» [Κείμενο] / - Μ., 1989. σελ. 356.: Σ. 205.

Shestakov, V. Musical Aesthetics of the Renaissance. [Ηλεκτρονικός πόρος]/ V. Shestakov.// Τρόπος πρόσβασης: #"#_ftnref6" name="_ftn6" title=""> Gruber, R. History of musical Culture. [Κείμενο] / R. Gruber. - Μ., 1975. 478 σελ.: Σ 123.

Zakharov, R. Η σύνθεση του χορού. [Κείμενο] / R. Zakharov. - Μ., 1983. 250s.: С67.

Block, L.D. «Κλασικός χορός. Ιστορία και Νεωτερικότητα». [Κείμενο] / L.D. ΟΙΚΟΔΟΜΙΚΟ ΤΕΤΡΑΓΩΝΟ. - Μ., 1987. 556 σελ.: Σ 167.

Vasilyeva - Χριστούγεννα, Μ. Ιστορικός - οικιακός χορός. [Κείμενο] / M. Vasilyeva - Χριστούγεννα. - Μ., 1987. 328 σελ.: С107.