Κυβισμός. Ανάπτυξη του κυβισμού

ΚΥΒΙΣΜΟΣ Ο κυβισμός είναι η πιο ολοκληρωμένη και ριζοσπαστική καλλιτεχνική επανάσταση από την Αναγέννηση J.Golding

Ο κυβισμός (γαλλικά cubisme, από cube - cube) είναι μια κατεύθυνση στην τέχνη του πρώτου τετάρτου του 20ού αιώνα. Η πλαστική γλώσσα του κυβισμού βασίστηκε στην παραμόρφωση και την αποσύνθεση των αντικειμένων σε γεωμετρικά επίπεδα, την πλαστική μετατόπιση της μορφής. Πολλοί Ρώσοι καλλιτέχνες έχουν περάσει από ένα πάθος για τον κυβισμό, συχνά συνδυάζοντας τις αρχές του με τις τεχνικές άλλων σύγχρονων καλλιτεχνικών τάσεων - του φουτουρισμού και του πρωτογονισμού. ο φουτουρισμός του πρωτογονισμού Ο κυβοφουτουρισμός έγινε μια συγκεκριμένη παραλλαγή της ερμηνείας του κυβισμού στο ρωσικό έδαφος. κυβοφουτυπισμός

Η γέννηση του κυβισμού πέφτει το έτος - την παραμονή του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου. Η νέα τάση στη μοντερνιστική τέχνη προκάλεσε μια φυσική φρενίτιδα στους φιλισταίους. Πέρα από τον Κυβισμό καλές τέχνεςΚάποτε υπήρχε ένας κύκλος ποιητών και κριτικών που ακολούθησαν τη φιλοσοφία του Bergson, που επίσης ονομάζονταν κυβιστές υπό όρους. Ο αδιαμφισβήτητος ηγέτης αυτής της κατεύθυνσης ήταν ο ποιητής και δημοσιογράφος G, Apollinaire. G, Apollinaire. Το 1912 εκδόθηκε το πρώτο βιβλίο της κυβιστικής θεωρίας των καλλιτεχνών Gleizes και Metzinger On Cubism. Το 1913, εμφανίστηκε μια συλλογή άρθρων του Apollinaire, The Cubist Artists. Μόλις το 1920 δημιουργήθηκε το κλασικό έργο του Κανβάιλερ, Η άνοδος του κυβισμού.

Delaunay, Robert (Delaunay, Robert) (1885-1941), Γάλλος καλλιτέχνης, δημιουργός του στυλ Ορφισμού. Γεννήθηκε στο Παρίσι στις 12 Απριλίου 1885 σε αριστοκρατική οικογένεια. Φεύγοντας από το κολέγιο το 1902, παρακολούθησε ιδιαίτερα μαθήματα ζωγραφικής, αποφασίζοντας να γίνει ζωγράφος θεάτρου. Επηρεάστηκε από τον νεοϊμπρεσιονισμό του J. Seurat, καθώς και από τη θεωρία του χρώματος που ανέπτυξε ο φυσικός M. Chevreil. Το 1910 παντρεύτηκε τον καλλιτέχνη S. Turk (S. Delone), ο οποίος έγινε ο πιστός του σύντροφος στην τέχνη. Το 1911 πήρε μέρος στην έκθεση του Μονάχου της Εταιρείας Blue Rider Society. Έζησε κυρίως στο Παρίσι, και στην Πρώτη Παγκόσμιος πόλεμοςκαι στα μεταπολεμικά χρόνια (μέχρι το 1920) - στην Ισπανία και την Πορτογαλία. Από τον πρώιμο μετα-ιμπρεσιονισμό, μετακόμισε στις αρχές της δεκαετίας του 1910 σε μια σειρά γενικευμένων και πολύχρωμων αστικών τοπίων που έγιναν απόδειξη της καλλιτεχνικής του ωριμότητας. Από το 1910 κυριαρχούν το μοτίβο του Πύργου του Άιφελ, σαν να επιπλέει ελεύθερα ανάμεσα στα στροβιλιζόμενα θραύσματα του διαστήματος. Η κρυσταλλικότητα των συνθετικών δομών κάνει αυτούς τους καμβάδες να σχετίζονται με τον κυβισμό και τη χωρική δυναμική με τον φουτουρισμό, αλλά το πνεύμα του καθαρού στοχασμού, επιρρεπές σε μεγάλες «μουσικές» αρμονίες χρώματος, δίνει στα έργα του Delaunay έναν πολύ ιδιαίτερο χαρακτήρα. Οι πίνακές του συχνά έπαιρναν χαρακτήρα διακοσμητικών πάνελ (Πόλη του Παρισιού, 1910–1912, Εθνικό μουσείοσύγχρονη τέχνη, Παρίσι). Ο καλλιτέχνης περιέγραψε την κατανόησή του για τις διακοσμητικές και δυναμικές δυνατότητες του χρώματος, το σύστημα των βέλτιστων αντιθέσεων του στο δοκίμιο On Color (1912), που έγινε το μανιφέστο του Ορφισμού (η νέα τάση οφείλει το όνομά της στον G. Apollinaire). Την ίδια χρονιά δημιούργησε μη αντικειμενικούς πίνακες (Simultaneously Open Windows, Tate Modern Gallery, London; κ.λπ.), συμπεριλαμβανομένων των λεγόμενων. κυκλικά σχήματα, που γεννήθηκαν από παρατηρήσεις σχετικά με την ομόκεντρη-κυκλική φύση της φωτεινής ακτινοβολίας και το χρωματικό φάσμα. Στη δεκαετία του 1920, ο Delaunay επέστρεψε στην παραστατική τέχνη, συνεχίζοντας, συγκεκριμένα, μια σειρά από «πύργους του Άιφελ» και γράφοντας πολλά εκφραστικά πορτρέτα (F. Soupault, 1922, Centre J. Pompidou, Παρίσι). Στη συνέχεια, στο γύρισμα της επόμενης δεκαετίας, στράφηκε ξανά στην αφαίρεση (ο κύκλος των ζωγραφιών Άπειροι Ρυθμοί - από το 1933 - οριζόντια επιμήκεις συνθέσεις, πολύ πιο συγκρατημένες στο χρώμα). Μαζί με τη σύζυγό του, δημιούργησε μια σειρά από μεγάλα πάνελ για τα περίπτερα των σιδηροδρόμων και της αεροπορίας της Παγκόσμιας Έκθεσης στο Παρίσι (1937). Με το ξέσπασμα του Β' Παγκοσμίου Πολέμου, μετακόμισε στην Ωβέρνη. Ο Ντελονέ πέθανε στο Μονπελιέ στις 25 Οκτωβρίου 1941.

LEGER, Fernand (Léger, Fernand) (1881-1955), Γάλλος ζωγράφος, γλύπτης, γραφίστας, κεραμιστής και διακοσμητής, πρωταθλητής του λεγόμενου. «αισθητική μηχανικών μορφών» και «μηχανική τέχνη». Γεννήθηκε στις 4 Φεβρουαρίου 1881 στο Αργεντάν, στην οικογένεια ενός Νορμανδού χωρικού. Σε ηλικία 16 ετών άρχισε να εργάζεται σε ένα αρχιτεκτονικό γραφείο στην Καέν και το 1900 ήταν σχεδιαστής σε ένα αρχιτεκτονικό στούντιο στο Παρίσι. Αφού υπηρέτησε στον στρατό, εγκαταστάθηκε σε ένα γραφικό και ελκυστικό σπίτι για καλλιτέχνες με τα εργαστήρια "La Ruche" ("Κυψέλη"), όπου συναντήθηκε με δασκάλους όπως οι A. Archipenko, A. Laurent, J. Lipchitz, Delaunay, M. Chagall and X .Sutin. Το 1910 γνώρισε τον Π. Πικάσο και τον Τζ. Μπρακ. Ο Leger ζωγράφισε τους πρώτους καμβάδες του υπό την επίδραση της ζωγραφικής του P. Cezanne, ιδιαίτερα του Γάμου (1910), της περίφημης Κυρίας με τα Μπλε (1912) και της σειράς Geometric Elements (1913-1914). Μετά τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο, ο Léger άρχισε να ενδιαφέρεται σύγχρονες θεωρίεςκίνηση και μηχανική. Αυτό το ενδιαφέρον εκφράστηκε στη δημιουργία έργων όπως η Πόλη (1919), η Μηχανική (1920), το Μεγάλο Πρωινό (άλλο όνομα Τρεις Γυναίκες, 1921) και ο Σταθμός (1923). Σε αυτά, τα στοιχεία του ανθρώπινου σώματος μοιάζουν με σχήματα σωλήνων, κινητήρων, ράβδων και γραναζιών. Ο Léger πραγματοποίησε μεγάλα διακοσμητικά έργα στην Έκθεση διακοσμητικές τέχνεςστο Παρίσι (1925), στις Βρυξέλλες διεθνή έκθεση(1935) και στο κτίριο του ΟΗΕ στη Νέα Υόρκη (1952). Από το 1931 έως το 1939 ο Léger επισκέφτηκε πολλές φορές τις ΗΠΑ. Κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου (από το 1940) έλαβε άσυλο εκεί και δίδαξε στο Πανεπιστήμιο του Γέιλ. Επιστρέφοντας στο Παρίσι τον Δεκέμβριο του 1945, ολοκλήρωσε μια σειρά από μεγάλες συνθέσεις Αντίο Νέα Υόρκη (1946), Entertainment (1949), Κατασκευαστές (1950), Country Company (1953), Grand Parade (1954). Ο Leger ενδιαφερόταν για διάφορους τομείς της τέχνης: μωσαϊκό, έγχρωμο γυαλί, εικονογράφηση βιβλίου, παραγωγή χαρτονιών για χαλιά, θεατρικά σκηνικά. Παντού επιδίωκε να μεταφέρει κίνηση. Στον κινηματογράφο, ο Léger δημιούργησε την πρώτη ταινία χωρίς σενάριο, το Mechanical Ballet (1924). Το 1934 ο A. Korda του ζήτησε να κάνει σκηνικά για μια ταινία βασισμένη στο σενάριο του H. Wells The Form of the Future. Μαζί με τους A. Calder, M. Duchamp, M. Ernst και M. Ray, εργάστηκε στην ταινία Dreams that money can buy («Hans Richter Film», 1948). Ο Léger πέθανε στο Giff-sur-Yvette (Seine-et-Oise) στις 17 Αυγούστου 1955.

Πικάσο Πάμπλο (Πικάσο, Πάμπλο) (γγ.), Γάλλος καλλιτέχνης, Ισπανός στην καταγωγή. Γλύπτης, γραφίστας, ζωγράφος, κεραμιστής και σχεδιαστής, ο πιο διάσημος, πολυδύναμος και παραγωγικός μεταξύ των συγχρόνων του. Ο Πάμπλο Πικάσο γεννήθηκε στις 25 Οκτωβρίου 1881 στη Μάλαγα (Ισπανία) στην οικογένεια του καλλιτέχνη Jose Ruiz Blasco και της Maria Picasso Lopez. Στα νιάτα του, ο Πικάσο αποφάσισε να πάρει περισσότερα σπάνιο επώνυμομητέρα αντί του κοινού Ρουίζ. Ήταν ένα ασυνήθιστα προικισμένο παιδί και σε ηλικία δεκατεσσάρων ετών μπήκε στη Σχολή καλές τέχνεςστη Βαρκελώνη, ολοκληρώνεται σε μια μέρα εξεταστικό χαρτίγια την οποία δόθηκε ένας μήνας. Σπούδασε στη Βασιλική Ακαδημία Τεχνών του Σαν Φερνάντο στη Μαδρίτη. Το 1899, ο Πικάσο επέστρεψε στη Βαρκελώνη, όπου έγινε τακτικός υπάλληλος στο διάσημο καφέ Four Cats, το οποίο συγκέντρωνε καλλιτέχνες και συγγραφείς. Τα χρόνια από το 1901 έως το 1904 στη δημιουργική βιογραφία του πλοιάρχου ονομάστηκαν " μπλε περίοδος«λόγω της κυριαρχίας του μπλε τόνου στους πίνακές του εκείνης της εποχής. Αυτά τα χρόνια έζησε είτε στο Παρίσι είτε στη Βαρκελώνη. Τότε ξεκίνησε η μακροχρόνια φιλία του με τον ποιητή Max Jacob και τον γλύπτη Julio Gonzalez. Το 1904, ο Πικάσο εγκαταστάθηκε στο Παρίσι στη Rue Ravignon, στο διάσημο σπίτι του Bato Lavoir ("Floating Lavoir"), όπου ζούσαν πολλοί καλλιτέχνες. Το 1904 γνώρισε τη Fernanda Olivier, η οποία έγινε η ερωμένη και εμπνευστής της τέχνης του. Το 1905 η "μπλε περίοδος" αντικαθίσταται από το "ροζ"· ο Πικάσο συναντά έναν κριτικό Guillaume Apollinaire και τους Αμερικανούς Leo και Gertrude Stein. Μέχρι αυτό το σημείο, η ζωή του καλλιτέχνη ήταν περισσότερο αγώνας για ύπαρξη, αλλά η κατάστασή του βελτιώθηκε σημαντικά όταν , μέσα σε λίγα χρόνια, ο Ρώσος συλλέκτης Sergei Shchukin απέκτησε περίπου πενήντα έργα του. Εκείνη την εποχή, ο Shchukin είχε την καλύτερη συλλογή από πίνακες του Picasso Το 1907, ο Picasso ζωγράφιζε l εικόνα των κοριτσιών της Αβινιόν, που θεωρείται σημείο καμπής στις καλές τέχνες του 20ού αιώνα. Την ίδια χρονιά γνώρισε τον J. Braque. Ο Μπρακ και ο Πικάσο έγιναν οι ιδρυτές και οι ηγέτες του κυβισμού. Μέχρι το 1917 είναι η πρώτη εμπειρία του Πικάσο ως καλλιτέχνη του θεάτρου. Δημιούργησε σκίτσα με κοστούμια και σκηνικά για την παραγωγή του μπαλέτου Parade για τις «Ρωσικές εποχές» του Σεργκέι Ντιαγκίλεφ. ΣΕ του χρόνουπαντρεύτηκε μια από τις μπαλαρίνες του θιάσου Diaghilev, την Olga Khokhlova.

Στη δεκαετία του 1920, ο Πικάσο συνέχισε να εργάζεται για το θέατρο, και επίσης ζωγράφιζε σε διάφορα στυλ, από νεοκλασικό έως κυβιστικό και σουρεαλισμό. Στον Πικάσο, μαζί με τον παλιό του φίλο Γκονζάλες, δημιούργησε έργα από συγκολλημένες μεταλλικές κατασκευές. Στις αρχές της δεκαετίας του 1930, ο καλλιτέχνης έφτιαξε αρκετές σειρές γραφικών, συμπεριλαμβανομένων 30 χαρακτικών για τις Μεταμορφώσεις του Οβίδιου για τον εκδοτικό οίκο Skira και για το Άγνωστο αριστούργημα του Μπαλζάκ που παρήγγειλε ο συλλέκτης Ambroise Vollard. Αρκετά από τα κύρια μοτίβα που συνδέονται συνήθως με το έργο του Πικάσο - ο Μινώταυρος, ο καλλιτέχνης και το μοντέλο κ.λπ. - συμπεριλήφθηκαν στη διάσημη σειρά χαρακτικών της Σουίτας του Vollard, πάνω στην οποία άρχισε να εργάζεται αυτά τα χρόνια, του Πικάσο Ο γάμος διαλύθηκε. η νέα του ερωμένη ήταν η Marie-Thérèse Walter. Το 1936, όταν ξεκίνησε η Ισπανία Εμφύλιος πόλεμος, ο Πικάσο πήρε το μέρος της δημοκρατικής κυβέρνησης και, σε επιβεβαίωση της πίστης του, αποδέχτηκε την πρόταση να αναλάβει την τιμητική θέση του διευθυντή του Μουσείου Πράδο. Στα τέλη Απριλίου 1937, ο κόσμος έμαθε για τον βομβαρδισμό της Γκουέρνικα, με αποτέλεσμα η μικρή πόλη των Βάσκων να σβήσει από προσώπου γης. Ο Πικάσο εξέφρασε τη στάση του για όσα συνέβησαν στο πάνελ της Γκέρνικα. Προοριζόταν για το ισπανικό περίπτερο στην Παγκόσμια Έκθεση στο Παρίσι και στη συνέχεια φυλάσσεται στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης. Το 1981, έξι χρόνια μετά τον θάνατο του Φράνκο, ο πίνακας μεταφέρθηκε στο Prado. Κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου, ο Πικάσο έζησε στο Παρίσι με τη Φρανσουάζ Ζιλό, η οποία του γέννησε δύο παιδιά. Το 1946, ο πλοίαρχος στράφηκε στην τέχνη της κεραμικής και, πρακτικά μόνος του, αναβίωσε την κεραμική τέχνη που κάποτε άκμασε εκεί στην πόλη Vallauris στη Ριβιέρα. Ο Πικάσο πάντα ενδιαφερόταν για τις νέες τεχνολογίες και ανέπτυξε μια ειδική τεχνική λιθογραφίας. Το 1944 ο καλλιτέχνης εντάχθηκε στο Γαλλικό Κομμουνιστικό Κόμμα. Οι πολιτικές πεποιθήσεις του Πικάσο, που αντανακλώνται στη Γκουέρνικα, επανεμφανίστηκαν στον πίνακα Ο Πόλεμος της Κορέας (1951) και σε δύο μεγάλα πάνελ Πόλεμος και Ειρήνη (1952) που δημιουργήθηκαν για να διακοσμήσουν τον Ναό της Ειρήνης στο Βαγιαρίς. Στη δεκαετία του 1950 έγιναν πολλές αναδρομικές εκθέσεις του Πικάσο. Ταυτόχρονα γνώρισε τη Ζακλίν Ροκ, την οποία παντρεύτηκε τη δεκαετία του 1950, ο καλλιτέχνης μπήκε σε διάλογο με τους μεγάλους δασκάλους του παρελθόντος: έγραψε διάφορες παραλλαγές με θέμα τον πίνακα του Ντελακρουά Γυναίκες του Αλγερίου, στο Μενίν του Βελάσκεθ και στο Manet's Breakfast on the Grass. Στη δεκαετία του 1960, ο Πικάσο δημιούργησε ένα μνημείο γλυπτική σύνθεση 15 μέτρα ύψος για ένα κοινοτικό κέντρο στο Σικάγο. Το 1970, ο καλλιτέχνης δώρισε πάνω από οκτακόσια έργα του στο Μουσείο Παλατιού Aguilar στη Βαρκελώνη. Ο Πικάσο πέθανε στο Μουζίν (Γαλλία) στις 8 Απριλίου 1973.

ΠΙΚΑΣΟ ΠΑΜΠΛΟ. ΒΑΖΟ ΜΕ ΧΟΡΕΥΤΕΣ. Ok Εθνικό Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης, Παρίσι.

GRIS, Juan (Gris, Juan) (1887-1927), Ισπανός καλλιτέχνης, ένας από τους ιδρυτές του κυβισμού. Γεννήθηκε στη Μαδρίτη στις 23 Μαρτίου 1887, με πραγματικό όνομα - José Victoriano Gonzalez (Jos Victoriano Gonz lez). Αρχικά, κέρδιζε τα προς το ζην με το σχέδιο για χιουμοριστικές εκδόσεις και παράλληλα σπούδαζε ζωγραφική. Το 1906, ο Γκρις έφτασε στο Παρίσι και εγκαταστάθηκε στη Μονμάρτρη, όχι μακριά από τον συμπατριώτη του Πάμπλο Πικάσο. Στα χρόνια της μόρφωσής του, στην αρχή της παρισινής περιόδου (1906–1912), ο Γκρις γοητεύτηκε με τον κυβισμό. Του πρώιμη εργασία(1911-1912) γίνονται με «αναλυτικό» τρόπο, που χρονολογούνται τόσο από τον Σεζάν όσο και από τον Πικάσο και τον Μπρακ. Γρήγορα αναπτυσσόμενος, ο Gris ήδη το 1913-1914 αναπτύσσει τη δική του εκδοχή του «συνθετικού» κυβισμού. Ορίζει τη ζωγραφική του ως «μια παραλλαγή της επίπεδης, έγχρωμης αρχιτεκτονικής», ή μάλλον, το «προαίσθημα» της, μια αρμονική διάταξη σχημάτων και χρωμάτων. Πίστευε ότι «η ουσία της ζωγραφικής είναι μια εκφραστική αλληλεπίδραση μεταξύ του καλλιτέχνη και έξω κόσμος», αλλά ονόμασε τους πίνακες, χωρίς ζωγραφική αρχή, «ελαττωμένη τεχνική άσκηση». Η εκδοχή του κυβισμού του Γκρις ήταν πιο αυστηρή και κλασική, λιγότερο αυθόρμητη από αυτή του Μπρακ ή του Πικάσο. Στους καμβάδες του 1920-1927, ο καλλιτέχνης καλλιεργεί «μια εκλεπτυσμένη και αισθητική πλευρά της ζωγραφικής, για την οποία δεν είχε βρει προηγουμένως θέση στο έργο του». Ως αποτέλεσμα, το ύφος του απέκτησε εξαιρετική ελευθερία, λυρισμό και ταυτόχρονα τόλμη και πληρότητα. Ο Gris πέθανε στη Boulogne-Billancourt (Γαλλία) στις 11 Μαΐου 1927.

ΧΟΥΑΝ ΓΚΡΙΣ. SMOKER Μουσείο Thyssen-Bornemisza, Μαδρίτη.

MARRIAGE, GEORGE (Braque, Georges) (1882-1963), Γάλλος ζωγράφος, γραφίστας, γλύπτης και διακοσμητής. μαζί με τον Πικάσο είναι ο δημιουργός του κυβισμού. Γεννήθηκε στις 13 Μαΐου 1882 στο Argenteuil (τμήμα του Σηκουάνα και Oise) στην οικογένεια ενός καλλιτέχνη-διακοσμητή. Το 1900-1901 σπούδασε στην Τεχνική Σχολή του Παρισιού. Το 1902–1904 παρακολούθησε μαθήματα στη Σχολή Καλών Τεχνών και στην Ακαδημία Amber, μουσεία και ιδιωτικές συλλογές, σπούδασε ιμπρεσιονιστική και μεταϊμπρεσιονιστική ζωγραφική, αιγυπτιακή και Ελληνική γλυπτική, καθώς και έργα των Corot και Cezanne. Στο Μπρακ ζωγράφισε αρκετές σειρές τοπίων, στα οποία γίνεται αισθητή η επίδραση του πίνακα των Φωβ και του Σεζάν. Το Maidens of Avignon (1907) του Πικάσο του έκανε έντονη εντύπωση. Το επόμενο καλοκαίρι, ο Μπρακ δημιούργησε μια σειρά από πρωτοποριακά τοπία, στα οποία ακολούθησε το κάλεσμα του Σεζάν: «Απεικόνισε τη φύση με τις μορφές κυλίνδρων, σφαιρών και κώνων». Αυτά τα τοπία δεν έγιναν δεκτά από το Salon d'Automne. Ο Henri Matisse είπε ότι αποτελούνταν από κύβους, εξ ου και η λέξη «κυβισμός». Το 1908-1914, ο Μπρακ και ο Πικάσο συνεργάστηκαν στενά, αναπτύσσοντας τις αρχές του νέου καλλιτεχνική διεύθυνση. Στην αρχή, κατέστρεφαν αναλυτικά τις συνήθεις εικόνες των αντικειμένων, σαν να τις «ξεχώριζαν» σε ξεχωριστές μορφές και χωρικές δομές. Το 1912 άρχισαν να εργάζονται στην τεχνική του κολάζ και του απλικέ και ενδιαφέρθηκαν για την αντίστροφη διαδικασία - τη σύνθεση αντικειμένων από ανόμοια στοιχεία. Σημαντική συμβολή του Μπρακ στη δημιουργική διαδικασία ήταν η χρήση επιγραφών και διαφόρων διακοσμητικές τεχνικές. Η μεγάλη σύνθεση The Musician (1917–1918, Basel, Public Art Collection) ήταν το αποτέλεσμα της φάσης του συνθετικού κυβισμού στο έργο του Braque και σημάδεψε αφετηρίαστις νέες του δημιουργικές αναζητήσεις. Στη δεκαετία του 1920, στοιχεία κυβισμού εξαφανίζονται σταδιακά από τα έργα του Μπρακ, χρησιμοποιεί περισσότερα εικονιστικά μοτίβα. Η δημόσια αναγνώριση του ήρθε το 1922 μετά από μια έκθεση στην οποία ο καλλιτέχνης παρουσίασε μια σειρά από πίνακες γραμμένους με πλούσιο ζωγραφικό τρόπο: Τζάκια, τραπέζια και κανήφορες (κορίτσια που κουβαλούσαν καλάθια με σκεύη θυσίας). Στα τέλη της δεκαετίας του 1920, ο Μπρακ εγκατέλειψε τα εντυπωσιακά ζωγραφικά εφέ και συνέχισε να πειραματίζεται με τη μορφή και το χρώμα. ζωγράφισε θαλασσογραφίες, λουόμενους, νεοκλασικά μοτίβα και κεφάλια με διπλό προφίλ. Στις δεκαετίες του 1930 και του 1940, ο Μπρακ ζωγράφιζε νεκρές φύσεις και εσωτερικές συνθέσεις, άλλοτε με μουσικούς, σίτερ και ζωγράφους, και άλλοτε εντελώς απαλλαγμένες από ανθρώπινες φιγούρες. Μετά τον πόλεμο, το έργο του Μπρακ πήρε έναν πιο στοχαστικό, εσωτερικό χαρακτήρα, όπως αποδεικνύεται από τη σειρά των 8 ζωγραφικών Εργαστήρι (1949–1956). Το 1952-1953, ο καλλιτέχνης ζωγράφισε τις πλατφόρμες στο Λούβρο. Τα μεγάλα μαύρα πουλιά που απεικονίζονται πάνω τους ενάντια στον γαλάζιο ουρανό έγιναν ένα από τα πιο συχνά συναντώμενα μοτίβα στα μεταγενέστερα έργα του δασκάλου. Ο Braque παρήγαγε πολλά σχέδια, εκτυπώσεις και γλυπτικά έργα, αλλά την κύρια θέση στο έργο του κατείχε η ζωγραφική. Ο Μπρακ πέθανε στο Παρίσι στις 31 Αυγούστου 1963. 31

διαφάνεια 1

διαφάνεια 2

Οι κύριες τάσεις και τα στυλ στην τέχνη των αρχών του 20ου αιώνα κυβισμός φοβισμός φουτουρισμός εξπρεσιονισμός ντανταϊσμός σουρεαλισμός αφαιρετικότητα

διαφάνεια 3

Το Cubi zm (fr. Cubisme) είναι μια μοντερνιστική τάση στις εικαστικές τέχνες, κυρίως στη ζωγραφική, που ξεκίνησε στις αρχές του 20ου αιώνα και χαρακτηρίζεται από τη χρήση εμφατικά γεωμετρικών μορφών υπό όρους, την επιθυμία να «διαιρέσουμε» πραγματικά αντικείμενα σε στερεομετρικά πρωτόγονα. Η εμφάνιση του κυβισμού χρονολογείται παραδοσιακά στο 1906-1907. Ο όρος «κυβισμός» εμφανίστηκε το 1908, αφού ο κριτικός τέχνης Louis Vaucelles αποκάλεσε τους νέους πίνακες του Georges Braque «κυβικές ιδιοτροπίες».

διαφάνεια 4

Το Kubi zm είναι μια κατεύθυνση στην τέχνη που ιδρύθηκε το πρώτο τέταρτο του 20ου αιώνα στη ζωγραφική, οι εκπρόσωποι της οποίας απεικονίζουν τον αντικειμενικό κόσμο με τη μορφή συνδυασμών κανονικών γεωμετρικών όγκων: ένας κύβος, μια κυβική μπάλα, ένας κύλινδρος κύλινδρος, ένας κώνος κύβου, για να εκφράσουν πληρέστερα τις ιδέες των πραγμάτων, οι καλλιτέχνες χρησιμοποιούν την παραδοσιακή οπτική ως οφθαλμαπάτηκαι προσπαθούν να τους δώσουν μια ολοκληρωμένη εικόνα αποσυνθέτοντας τη φόρμα και συνδυάζοντας αρκετούς από τους τύπους της στο πλαίσιο μιας εικόνας. Το αυξημένο ενδιαφέρον για τη μορφή οδηγεί σε διάκριση στη χρήση των χρωμάτων. ζεστά χρώματαγια προεξέχοντα στοιχεία του μοτίβου της πλοκής, ψυχρά χρώματα για απομακρυσμένα ή μακρινά στοιχεία της εικόνας. Στην αρχιτεκτονική και τη γλυπτική, χαρακτηρίζεται από τη χρήση εμφατικά γεωμετρικών μορφών υπό όρους, την επιθυμία να χωριστούν πραγματικά αντικείμενα σε στερεομετρικά πρωτόγονα, η επιθυμία να εντοπιστούν οι απλούστερες γεωμετρικές μορφές που βρίσκονται κάτω από τα αντικείμενα.

διαφάνεια 5

Στην ανάπτυξη του κυβισμού διακρίνονται τρεις περίοδοι: Cezanov, αναλυτική, συνθετική. 1. Η περίοδος «Cezanovsky» ή αλλιώς «Negro» συνδέεται με την ανακάλυψη και την επανεξέταση της πρωτόγονης τέχνης, που ξεκίνησε από τον Paul Cezan. Αυτή η περίοδος χαρακτηρίζεται από πίνακες που απεικονίζουν έντονες ρωγμές σε φόρμες, μεγάλους όγκους, οι οποίοι, όπως λες, απλώνονται σε ένα επίπεδο, δημιουργώντας μια αίσθηση ανακούφισης στην εικόνα. Ο χρωματικός συνδυασμός τόνισε και συνέτριψε τον όγκο. Οι συνθέσεις δημιουργούνται κυρίως με βάση τοπία, φιγούρες, νεκρές φύσεις ζωγραφισμένες από τη φύση. 2. Η αναλυτική περίοδος χαρακτηρίζεται από το γεγονός ότι το εικονιζόμενο αντικείμενο συνθλίβεται πλήρως στα συστατικά μέρη του, διαστρωματωμένα σε μικρές ξεχωριστές όψεις μεταξύ τους. Η χρωματική παλέτα μειώθηκε σε ασπρόμαυρο. Αυτή η περίοδος στην ανάπτυξη του κυβισμού ήταν περισσότερο μεταβατική παρά ανεξάρτητη. 3. Το συνθετικό στάδιο διήρκεσε από το 1912 έως το 1914. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, κυριαρχεί η διακοσμητικότητα, οι πίνακες γίνονται περισσότερο σαν πάνελ.

διαφάνεια 6

Αντιπρόσωποι Ζωγραφική Pablo Picasso, Georges Braque, Aristarkh Lentulov Γλυπτό Alexander Archipenko, Konstantin Brancusi Φωτογραφία Iosif Badalov

Διαφάνεια 7

Πλέον επιφανείς εκπρόσωποιΟ Κυβισμός και οι ιδρυτές του θεωρούνται δύο μεγάλοι καλλιτέχνες - ο Πάμπλο Πικάσο και ο Ζορζ Μπρακ. Οι καλλιτέχνες στα έργα τους συνέκριναν γεωμετρικές επιφάνειες με ελάχιστη ομοιότητα με τα εικονιζόμενα αντικείμενα, πίστευαν ότι η φόρμα πρέπει να απέχει πολύ από το εικονιζόμενο αντικείμενο. Δεν υπήρχε συναισθηματικός πλούτος στα έργα. Γραμμές και σχήματα αντικατέστησαν τα συναισθήματα. Το χρώμα στα έργα των κυβιστών δόθηκε ελάχιστη αξία, οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να το χρησιμοποιούν όσο το δυνατόν λιγότερο. Ήταν κυρίως γκρι, μαύροι, καφέ χρώματα. Οι εικόνες στα έργα των κυβιστών δεν είχαν πρωτότυπα στη ζωή, έχασαν την πραγματικότητά τους, έγιναν αφηρημένες, κατανοητές μόνο στον ίδιο τον συγγραφέα. Οι ζωγράφοι αναπαριστούσαν το αντικείμενο σαν από πολλές απόψεις από πάνω, κάτω, από μέσα, από το πλάι, τοποθετούσαν αυτές τις εικόνες σε έναν καμβά, επάλληλες η μία πάνω στην άλλη. Η επιθυμία να απεικονιστεί το αδιανόητο οδήγησε σε μια απλοποίηση των ειδών της ζωγραφικής.

Διαφάνεια 8

Οι κυβιστές δεν υποδιαίρεσαν τα έργα ανά είδος (πορτρέτο, τοπίο, νεκρή φύση), αλλά τους έδωσαν ένα κοινό όνομα - ζωγραφική. Η κύρια κατάκτηση των κυβιστών, οι ιστορικοί τέχνης θεωρούν την απεριόριστη ελευθερία. Για να διευρύνουν τις δυνατότητες της κατεύθυνσής τους, οι κυβιστές συνδύασαν μια ποικιλία τεχνικών και υλικών στην εικόνα: χρωματιστό χαρτί, ταπετσαρίες κ.λπ. Ένα από τα νέα μέσα έκφρασηςέγινε κολάζ - μοντάζ εικόνας από αυτοκόλλητα. Με τον καιρό, η νέα κατεύθυνση σταμάτησε. Αναζητώντας νέα μέσα έκφρασης, οι καλλιτέχνες κόλλησαν εφημερίδες στην εικόνα και ζωγράφισαν πάνω από το χαρτί περιτυλίγματος. Πίστευαν ότι αυτό τους επέτρεπε να δημιουργήσουν χώρο.

Διαφάνεια 9

Πάμπλο Πικάσο Πάμπλο Πικάσο (1861-1973)- εξαιρετικός καλλιτέχνηςΖωγράφος, σχεδιαστής, χαράκτης, γλύπτης του 20ου αιώνα, ένας από τους ιδρυτές του κυβισμού. Ο Πάμπλο Πικάσο έλαβε τα βασικά της καλών τεχνών από τον πατέρα του, δάσκαλο σχεδίου. Στη συνέχεια, από τα 14 του, σπούδασε στην Ακαδημία Τεχνών της Βαρκελώνης, στα 16 του μπήκε στη Βασιλική Ακαδημία του San Fernado στη Μαδρίτη. Το 1904 ο καλλιτέχνης μετακόμισε στο Παρίσι.

διαφάνεια 10

Ένα από τα πρώτα έργα στο στυλ του κυβισμού ήταν ο πίνακας «Κορίτσια της Αβινιόν» (1907). Σε αυτόν τον καμβά, η πλοκή είναι ορατή, αλλά ο ρεαλισμός ήδη εξαφανίζεται. Οι φιγούρες των γυναικών απεικονίζονται με γεωμετρικά σχήματα και κοίλα-κυρτά επίπεδα του σχεδίου. Η παρουσία μοντελοποίησης φωτός και σκιάς με σκίαση εξακολουθεί να είναι εν μέρει αισθητή, αλλά το κτύπημα χρησιμοποιείται ήδη ενεργά.

διαφάνεια 11

διαφάνεια 12

διαφάνεια 13

διαφάνεια 14

διαφάνεια 15

Τα γεγονότα στην Ισπανία βρήκαν ανταπόκριση στο έργο του Π. Πικάσο, ζωγράφισε τον πίνακα «Γκουέρνικα» (1937). Εδώ μπορείτε να δείτε μερικά στοιχεία ρεαλισμού. Η εικόνα έγινε προειδοποίηση για την ανθρωπότητα για τον επερχόμενο πόλεμο, για τη φρίκη του φασισμού, προκάλεσε ένα συναισθηματικό ξέσπασμα στην κοινωνία. Ο συγγραφέας εξέφρασε τη διαμαρτυρία και το άγχος του με τη βοήθεια εύθραυστων γραμμών που κόβουν τα πρόσωπα των χαρακτήρων της εικόνας.

διαφάνεια 16

Georges Braque Georges Braque (1882-1963) - Γάλλος ζωγράφος, γλύπτης, χαράκτης, ένας από τους ιδρυτές του κυβισμού. Ο J. Braque γεννήθηκε στο Argenteuil. Σπούδασε καλές τέχνες πρώτα με τον πατέρα του και μετά στο στούντιο ενός καλλιτέχνη-διακοσμητή. Το 1902 εισήλθε στην Ακαδημία Amber στο Παρίσι. Στην αρχή της δουλειάς του, ο Μπρακ συνδέθηκε με τον Φωβισμό, ζωγραφίζοντας κυρίως τοπία χρησιμοποιώντας σύνθετους χρωματικούς συνδυασμούς. Πρώιμη περίοδοςτο έργο του συμπίπτει με την περίοδο του αναλυτικού κυβισμού. Εργάζεται σε νεκρές φύσεις και τοπία, χρησιμοποιώντας μια σχεδόν μονόχρωμη γκάμα. Κατά τη διάρκεια του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου, ο Μπρακ κλήθηκε στο μέτωπο, τραυματίστηκε και υποβλήθηκε σε σοβαρή επέμβαση. Μετά την ανάρρωση, επιστρέφει ξανά στη δημιουργικότητα. Σταδιακά, ο Μπρακ απομακρύνεται από τον κυβισμό, στρέφοντας στη δημιουργία επίπεδων πινάκων με πιο διαφορετικά χρώματα. Από το 1930, ο καλλιτέχνης αρχίζει να χρησιμοποιεί σε συνθέσεις ανθρώπινες φιγούρεςστο εσωτερικό, πολύ κοντά σε στυλ με την αφηρημένη τέχνη. Οι μεταγενέστεροι πίνακες του J. Braque γίνονται λακωνικοί. Τα οικόπεδα των πεδιάδων της ερήμου και της θαλάσσιας ακτής της Νορμανδίας συνδυάζονται αρμονικά με τα μοτίβα ενός εγκαταλειμμένου σκάφους και ενός αλέτρι σε ένα φθινοπωρινό χωράφι. Οι συνθέσεις είναι αρμονικές και πολύ κοντά στον κλασικισμό.

διαφάνεια 17

διαφάνεια 18

Το 1949-1956. Ο Braque δημιούργησε τη σειρά "Workshops", ένα από τα πιο σημαντικά έργα του, η οποία περιλαμβάνει οκτώ καμβάδες μεγάλου μεγέθους που απεικονίζουν αντικείμενα τέχνης, όπου υπάρχει μια αστραφτερή εικόνα ενός λευκού πουλιού - σύμβολο δημιουργικής πτήσης. Τα αντικείμενα γίνονται πιο αναγνωρίσιμα, ο συνδυασμός χρωμάτων έχει γίνει πιο ευέλικτος. Αργότερα, η εικόνα του πουλιού εξελίσσεται στο έργο του σε ένα ανεξάρτητο θέμα («Μαύρα πουλιά», 1956-1957).

διαφάνεια 19

διαφάνεια 20

διαφάνεια 21

διαφάνεια 22

Aristarkh Lentulov (1882-1943) Γεννήθηκε το 1882 στο χωριό Vorona της επαρχίας Penza, στην οικογένεια ενός ιερέα. Η μητέρα του Aristarkh Lentulov έμεινε νωρίς χήρα με τέσσερα παιδιά, το νεότερο από τα οποία ήταν ο μελλοντικός καλλιτέχνης. Μετά τη Θεολογική Σχολή της Penza, ο Lentulov μετακόμισε στο σεμινάριο. Ωστόσο, ένα σχολείο τέχνης άνοιξε στην Penza και ο Aristarkh Lentulov μπήκε στο πρώτο σετ. Περαιτέρω καλλιτεχνική εκπαίδευσηΟ Lentulov έλαβε στο Κίεβο Σχολή καλών τεχνών, στο στούντιο της Αγίας Πετρούπολης του D. Kardovsky. Από το 1909 έζησε στη Μόσχα.

διαφάνεια 23

διαφάνεια 24

Μετά την επιστροφή του από το Παρίσι, ο καλλιτέχνης δημιούργησε μια σειρά από πάνελ που απεικονίζουν τα αρχιτεκτονικά μνημεία της Μόσχας. Αυτά τα έργα συνδέουν τη φυσική εντύπωση του μεσαιωνική αρχιτεκτονική, παραδοσιακή λαϊκή φωτεινότητα και κυβοφουτουριστική μεταμόρφωση της μορφής. Σε πολλά έργα της δεκαετίας του 1910, ο Lentulov χρησιμοποίησε απλικέ. " Νίζνι Νόβγκοροντ» (1915)

διαφάνεια 25

διαφάνεια 26

διαφάνεια 27

διαφάνεια 28

διαφάνεια 29

Alexander Archipenko (1887-1964) Ουκρανός-αμερικανός γλύπτης, γεννημένος στο Κίεβο. Το 1906 μετακόμισε στη Μόσχα και το 1908 στο Παρίσι. Εκεί, στη βιογραφία του Archipenko, τέθηκε η ανάπτυξη της κυβικής τεχνικής του στη γλυπτική, όπου σύντομα εντάχθηκε στους κυβιστές και το 1923 μετακόμισε στις ΗΠΑ. Το γλυπτό του Archipenko βασίζεται σε μια απότομη παραμόρφωση και γεωμετρικό σχηματισμό της πλαστικής μορφής, διατηρώντας μόνο μια μακρινή σύνδεση με την πραγματικότητα. Τα έργα του διακρίνονται από σκόπιμη παραμόρφωση των αναλογιών και οξύ γραμμικό ρυθμό.

• Κυβισμός(φρ. Κυβισμός) είναι μια πρωτοποριακή τάση στις εικαστικές τέχνες, πρωτίστως στη ζωγραφική, που ξεκίνησε στις αρχές του 20ου αιώνα και χαρακτηρίζεται από τη χρήση εμφατικά γεωμετρικών μορφών υπό όρους, την επιθυμία να «σπάσουν» πραγματικά αντικείμενα σε στερεομετρικά πρωτόγονα.

Η ΑΝΕΔΩΣΗ ΤΟΥ ΚΥΒΙΣΜΟΥ

• Η εμφάνιση του κυβισμού χρονολογείται παραδοσιακά στο 1906 - 1907 και συνδέεται με το έργο του Πάμπλο Πικάσο και του Ζωρζ Μπρακ. Ο όρος «κυβισμός» επινοήθηκε το 1908 αφού ο κριτικός τέχνης Louis Vaucelle αποκάλεσε τους νέους πίνακες του Braque «κυβικές ιδιορρυθμίες».
• Ξεκινώντας το 1912, γεννήθηκε ένας νέος κλάδος του κυβισμού, τον οποίο οι κριτικοί τέχνης ονόμασαν «συνθετικό κυβισμό».Είναι μάλλον δύσκολο να δώσουμε μια απλή διατύπωση των κύριων στόχων και αρχών του κυβισμού. Στη ζωγραφική, διακρίνονται τρεις φάσεις αυτής της τάσης, που αντικατοπτρίζουν διαφορετικές αισθητικές έννοιες, και κάθε μία μπορεί να εξεταστεί χωριστά: Cezanne (1907-1909), αναλυτικός (1909-1912) και συνθετικός (1913-1914) κυβισμός.

• Τα πιο διάσημα κυβιστικά έργα των αρχών του 20ου αιώνα ήταν οι πίνακες του Πικάσο. Αβινιόν κορίτσια», «Κιθάρα», έργα καλλιτεχνών όπως ο Juan Gris, ο Fernand Leger, ο Marcel Duchamp, γλυπτά του Alexander Archipenko κ.λπ.

« AVIGON GIRLS »

ΚΥΒΙΣΜΟΣ ΣΕΖΑΝ

• Αυτό είναι συνήθως το όνομα της πρώτης φάσης του κυβισμού, η οποία χαρακτηρίζεται από μια τάση για αφαίρεση και απλοποίηση των μορφών των αντικειμένων. Ακολουθώντας τον υπερβατισμό του τέλους του 19ου αιώνα, υποστήριξαν ότι πραγματική πραγματικότητακατέχει την ιδέα, όχι την αντανάκλασή της στον υλικό κόσμο.

• Άμεση επιρροή στη διαμόρφωση του κυβισμού είχαν τα πειράματα με τη μορφή στη ζωγραφική του Πωλ Σεζάν. Το 1904 και το 1907 πραγματοποιήθηκαν εκθέσεις του έργου του στο Παρίσι. Στο πορτρέτο της Γερτρούδης Στάιν, που δημιούργησε ο Πικάσο το 1906, μπορεί να νιώσει κανείς ήδη το πάθος για την τέχνη του Σεζάν. Στη συνέχεια ο Πικάσο ζωγράφισε τον πίνακα Maidens of Avignon, που θεωρείται το πρώτο βήμα προς τον κυβισμό.

Πορτρέτο της Γερτρούδης Στάιν

• Κατά τη διάρκεια του 1907 και στις αρχές του 1908, ο Πικάσο συνέχισε να χρησιμοποιεί μορφές νέγρικης γλυπτικής στα έργα του (αργότερα αυτή η περίοδος άρχισε να αποκαλείται «νέγρο» περίοδος στο έργο του).
• Το φθινόπωρο του 1907 δύο σημαντικά γεγονότα: αναδρομική έκθεση του Σεζάν και της γνωριμίας του Μπρακ και του Πικάσο. Το καλοκαίρι του 1907 ο γάμος πέρασε στην Estaca, όπου άρχισε να ενδιαφέρεται για τη ζωγραφική του Σεζάν. Από τα τέλη του 1907, ο Μπρακ και ο Πικάσο άρχισαν να εργάζονται σε κυβιστικό στυλ.

«ΓΥΝΑΙΚΑ ΜΕ ΒΕΜΠΑΣ». 1909 ΠΑΜΠΛΟ ΠΙΚΑΣΟ

«ΜΠΙΔΩΝ ΚΑΙ ΜΠΟΥΛΕΣ». 1908 ΠΑΜΠΛΟ ΠΙΚΑΣΟ

ΑΝΑΛΥΤΙΚΟΣ ΚΥΒΙΣΜΟΣ

• Ο αναλυτικός κυβισμός, η δεύτερη φάση του κυβισμού, χαρακτηρίζεται από την εξαφάνιση των εικόνων των αντικειμένων και τη σταδιακή θόλωση της διάκρισης μεταξύ μορφής και χώρου. Η διάταξη των μορφών στο χώρο και η σχέση τους με μεγάλες συνθετικές μάζες αλλάζει συνεχώς. Το αποτέλεσμα είναι μια οπτική αλληλεπίδραση μορφής και χώρου.

«ΠΟΡΤΡΕΤΟ ΤΟΥ DANIEL-HENRY CAWEILER». 1910 ΠΑΜΠΛΟ ΠΙΚΑΣΟ

«ΠΟΡΤΡΕΤΟ ΤΟΥ AMBROISE VOLLARD». 1915 ΣΟΛ. ΠΑΜΠΛΟ ΠΙΚΑΣΟ

ΣΥΝΘΕΤΙΚΟΣ ΚΥΒΙΣΜΟΣ

• Ο συνθετικός κυβισμός σηματοδότησε μια ριζική αλλαγή καλλιτεχνική αντίληψηκίνηση. Αυτό φάνηκε για πρώτη φορά στα έργα του Juan Gris, ο οποίος έγινε ενεργός οπαδός του κυβισμού από το 1911. Αυτή η φάση του στυλ χαρακτηρίζεται από την άρνηση της σημασίας της τρίτης διάστασης στη ζωγραφική και την έμφαση στην εικαστική επιφάνεια. Αν στον αναλυτικό και ερμητικό κυβισμό τα πάντα καλλιτεχνικά μέσαυποτίθεται ότι χρησιμεύουν για τη δημιουργία μιας εικόνας της φόρμας, στη συνέχεια στον συνθετικό κυβισμό το χρώμα, η υφή της επιφάνειας, το σχέδιο και η γραμμή χρησιμοποιούνται για την κατασκευή (σύνθεση) ενός νέου αντικειμένου

ΑΝΤΡΑΣ ΣΕ ΚΑΦΕ, 1914 ΧΟΥΑΝ ΓΚΡΙΣ

"ΝΕΚΡΗ ΦΥΣΗ ΜΕ ΜΙΑ ΨΑΘΗ ΚΑΡΕΚΛΑ"(1911-1912) ΠΑΜΠΛΟ ΠΙΚΑΣΟ

«ΒΙΟΛΙ ΚΑΙ ΚΙΘΑΡΑ» (1913). ΠΑΜΠΛΟ ΠΙΚΑΣΟ

Κυβισμός. Πρωτοπορία - μια κατεύθυνση στη ζωγραφική στις αρχές του 20ου αιώνα. Ιδρυτές είναι οι Γάλλοι καλλιτέχνες Pablo Picasso και Georges Braque. Οι σύγχρονοι είδαν στον κυβισμό μια επαναστατική απόρριψη των «συμβάσεων του οπτικού ρεαλισμού» υπέρ μιας νέας καλλιτεχνικής θεώρησης της πραγματικότητας μέσα από το πρίσμα των γεωμετρικών σχημάτων (κύβος, κώνος, κύλινδρος). Το όνομα "κυβισμός" προέκυψε από μια αρνητική αξιολόγηση των έργων αυτής της κατεύθυνσης, που οι κριτικοί αποκαλούσαν "ένα μάτσο κύβους". Πάμπλο Πικάσο. Μουσικά όργανα.

διαφάνεια 15από την παρουσίαση « ξένη τέχνη 20ος αιώνας". Το μέγεθος του αρχείου με την παρουσίαση είναι 8291 KB.

MHK βαθμός 11

περίληψηάλλες παρουσιάσεις

"Demirkhanov" - Έργα ανασυγκρότησης. Ύμνος στην αρχιτεκτονική. Μεγάλες πόλεις. Το κτίριο του κέντρου «Ευρώπη». ΟΠΩΣ ΚΑΙ. Ντεμιρχάνοφ. Μνημείο στρατιωτών. Όρια ταλέντου. Συμβολικές πύλες στην πόλη Κρασνογιάρσκ. Λίγο για τα προσωπικά. Areg Sarkisovich Demirkhanov. Λευκή Πόλη. Ευτυχισμένο επάγγελμα. Πανοραμική θέα. Demirkhanov σε μια βραδιά αφιερωμένη στην 50ή επέτειο της δημιουργικής του δραστηριότητας. Έργα του αρχιτέκτονα Krasnoyarsk. Ο Ντεμιρχάνοφ στο εργαστήριο του σπιτιού του.

"Πολιτισμός 1920-1930" - Η ανάπτυξη του πολιτισμού στη δεκαετία του 1930. Ύμνος της σοβιετικής εξουσίας. Επαναστατικοί μετασχηματισμοί στον τομέα του πολιτισμού. Ανάπτυξη Σοβιετική κουλτούρατη δεκαετία 1920-1930. Πολιτιστική επανάσταση. Η ανάπτυξη του πολιτισμού στη δεκαετία του 1920. Ο αγώνας κατά της θρησκείας και της εκκλησίας. Θέματα ομιλιών. Χαρακτηριστικά της ανάπτυξης του πολιτισμού. Χαρακτηριστικά του πολιτισμού.

"Ζωγραφική του ιμπρεσιονισμού και του μετα-ιμπρεσιονισμού" - Ψωμί και αυγά. Boulevard Montmantre ένα συννεφιασμένο πρωί. Πασχαλιά σε ποτήρι. Γυναίκες της Ταϊτής. Σπίτι στο Rueli. Boulevard Montmantre τη νύχτα. Αυτοπροσωπογραφία με δεμένο αυτί. Ζωγραφική του Ιμπρεσιονισμού και του Μετα-Ιμπρεσιονισμού. Συμβολισμός. Βοσκοπούλα. Εντύπωση. Πολ Γκογκέν. Χορός. Ιμπρεσιονισμός. Το δωμάτιο του Βίνσεντ στην Αρλ. Τραγουδιστής με γάντι. Καθεδρικός ναός της ΡουένΤο απόγευμα. Καλλιτέχνες. Μπλε χορευτές. Χαρακτηριστικό κατεύθυνσης. Folies Bergère.

"Ιστορία της φωτογραφίας" - Οι άνθρωποι έχουν από καιρό αναζητήσει έναν τρόπο να αποκτήσουν εικόνες. Φωτογραφία. Κάμερα Pinhole ( γενική μορφή). Ο Γάλλος Joseph Nicephore Niepce (1765 - 1833), Louis-Jacques Mande Daguerre. Κάμερα pinhole. Υπό την επίδραση του ηλιακού φωτός, τα διαλύματα αλάτων σιδήρου αλλάζουν χρώμα. Διάγραμμα κάμερας obscura. Είναι γνωστό ότι τα γυαλιά εφευρέθηκαν ήδη από τον 13ο αιώνα. Ανιψιά. Το 1827 ο Niépce συναντήθηκε με τον Louis Daguerre. Ιστορία της φωτογραφίας. Φωτογραφία πριν από τη φωτογραφία.

«Ο κλασικισμός στη ρωσική τέχνη» - Κλασικισμός της αρχιτεκτονικής της Αγίας Πετρούπολης. Πορτρέτο του P.A. Demidov. Κλασσικισμός στη Ρωσία. Ο κλασικισμός στη ρωσική ζωγραφική του 18ου αιώνα. Βλαντιμίρ και Ρογνέντα. A.N. Voronikhin. Αρχιτεκτονικό εύρημα του A. Zakharov. Andrei Nikiforovich Voronikhin, αρχιτέκτονας του καθεδρικού ναού. Πορτρέτο της Struyskaya. Ο κλασικισμός στη ρωσική τέχνη. Κτήριο Ναυαρχείου ADZaharov. Τα έργα των κλασικιστών παρουσιάστηκαν ξεκάθαρα. Σημαντικές αλλαγές στις εικαστικές τέχνες.

"Χαρακτηριστικά της πρωτόγονης τέχνης" - Δείγματα κεραμικής. Μυστηριώδες τελετουργικό. Νεολιθική Τέχνη. Πρωτόγονη τελετουργία. ΕΠΟΧΗ του λιθου. Πρωτόγονος. Τελετουργικό μαγείας. Κεντρική τοποθεσία στο ροκ τέχνη. ΣΕ Περιφέρεια Σβερντλόφσκβρήκε μεσολιθικό οικισμό. Η πρακτική της μαγείας. Κλιματικές συνθήκες. Κέντρα Πολιτισμών. Παλαιό Αφροδίτη. Μεσολιθικός οικισμός. Εργαλεία. Εργα τέχνης. Γενικευμένη εικόνα γυναίκας.

1 διαφάνεια

2 διαφάνεια

Αν οι Φωβιστές ονειρευόντουσαν να δημιουργήσουν τέχνη που ευχαριστεί το μάτι και καταπραΰνει τις αισθήσεις, τότε οι κυβιστές ήθελαν να «ενοχλήσουν τις ανθρώπινες ψυχές». Η νέα κατεύθυνση υπαγορεύτηκε σε μεγάλο βαθμό από την επιθυμία να συνεχιστούν οι πειραματικές αναζητήσεις στον τομέα της φόρμας. «Πολλοί πιστεύουν ότι ο κυβισμός», έγραψε ο Π. Πικάσο, «είναι ένα ειδικό είδος μεταβατικής τέχνης, ένα πείραμα και τα αποτελέσματά του θα γίνουν αισθητά μόνο στο μέλλον. Το να σκέφτεσαι έτσι σημαίνει ότι παρεξηγείς τον κυβισμό. Ο κυβισμός δεν είναι «σπόρος» ή «έμβρυο», αλλά μια τέχνη για την οποία η μορφή είναι πιο σημαντική και η μορφή, αφού δημιουργηθεί, δεν μπορεί να εξαφανιστεί και ζει μια ανεξάρτητη ζωή.

3 διαφάνεια

Παρόμοιο χαρακτηρισμό πήρε και ο δημοσιογράφος Louis Vexel σε μια κριτική έκθεσης ζωγραφικής του Georges Braque (1882-1963), που έλαβε χώρα στο Παρίσι τον Νοέμβριο του 1908 και έγινε σπουδαίο γεγονός στην καλλιτεχνική ζωήΕυρώπη. Και παρόλο που οι ίδιοι οι καλλιτέχνες θεώρησαν τον όρο «κυβισμός» πολύ στενός σε σχέση με την τέχνη τους, εντούτοις ριζώθηκε και άρχισε να υποδηλώνει μια από τις νέες τάσεις στη ζωγραφική. Επιπλέον, ο κυβισμός είχε σημαντικό αντίκτυπο σε άλλες τέχνες: γλυπτική, αρχιτεκτονική, τέχνες και χειροτεχνίες, μπαλέτο, σκηνογραφία, ακόμη και λογοτεχνία.

4 διαφάνεια

Ζορζ Μπρακ. Βιολί και παλέτα. 1910 Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης, Νέα Υόρκη Έκδοση χρώματος και θέματος στον κυβισμό δευτερεύον ρόλο, τα κυριότερα ήταν το σχέδιο, η στατική κατασκευή και η σύνθεση. Ο Πάμπλο Πικάσο σημείωσε: «Ο κυβισμός δεν διαφέρει από τις συνηθισμένες τάσεις στην τέχνη. Οι ίδιες αρχές και στοιχεία ισχύουν εδώ όπως και αλλού. Το ότι ο κυβισμός παρέμεινε παρεξηγημένος για πολύ καιρό και ότι υπάρχουν ακόμα άνθρωποι που δεν καταλαβαίνουν τίποτα από αυτόν δεν σημαίνει ότι είναι αβάσιμος. Το ότι δεν διαβάζω γερμανικά... δεν σημαίνει αυτό γερμανική γλώσσαδεν υπάρχει".

5 διαφάνεια

Η εικόνα έγινε πραγματικός ταραχοποιός Ισπανός καλλιτέχνηςΠάμπλο Πικάσο (1881-1973) Κορίτσια της Αβινιόν. Πάμπλο Πικάσο. Κορίτσια της Αβινιόν. 1907 Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης, NY

6 διαφάνεια

Ήταν αυτή που σηματοδότησε την αρχή μιας νέας κατεύθυνσης στην τέχνη του κυβισμού. Ο Matisse είδε σε αυτήν μια καρικατούρα των σύγχρονων τάσεων στη ζωγραφική και τη θεώρησε απλώς ένα κακό κόλπο του φίλου του. Ο J. Braque, ένας από τους πρώτους που είδε αυτό το έργο, δήλωσε αγανακτισμένος ότι ο Πικάσο θέλει να τον κάνει «να φάει και να πιει κηροζίνη». Ο διάσημος Ρώσος συλλέκτης και μεγάλος θαυμαστής του ταλέντου της καλλιτέχνιδας S. I. Shchukin, βλέποντάς την στο εργαστήριο, αναφώνησε με δάκρυα στα μάτια: «Τι απώλεια για γαλλική ζωγραφική!" Ευτυχώς, οι πολυάριθμες επιθέσεις των κριτικών αποδείχτηκαν μόνο ένα κίνητρο για περαιτέρω δημιουργικές αναζητήσεις του Πικάσο. Ο τεράστιος καμβάς ήταν αποτέλεσμα μακρών στοχασμών του καλλιτέχνη, ο οποίος προφανώς παραμέλησε τους κανόνες της κλασικής γυναικείας ομορφιάς. Ο Πικάσο εξήγησε: «Έκανα τη μισή φωτογραφία, ένιωσα ότι δεν ήταν αυτό! Το έκανα διαφορετικά.Ρώτησα τον εαυτό μου αν έπρεπε να το ξανακάνω ολόκληρο. Μετά είπε: όχι, θα καταλάβουν τι ήθελα να πω.

7 διαφάνεια

Τι «ήθελε να πει» η καλλιτέχνης και τι μπέρδεψε τόσο το κοινό μέσα της; πέντε γυμνά γυναικείες φιγούρες, αποτυπωμένη από διαφορετικές γωνίες, γέμισε σχεδόν όλη την επιφάνεια του καμβά. Οι παγωμένες φιγούρες που μοιάζουν με είδωλα είναι σκαλισμένες απρόσεκτα από μασίφ ξύλο ή πέτρα. Τα περίεργα πρόσωπα της μάσκας είναι έντονα παραμορφωμένα και παραμορφωμένα. Στερούμενοι από κάθε συναίσθημα και συναίσθημα, τρομάζουν και συναρπάζουν ταυτόχρονα... Το κορίτσι στα δεξιά κοιτάζει αδιάφορα μέσα από τη χωρισμένη κουρτίνα. Η φιγούρα, καθισμένη με την πλάτη της, γύρισε και κοίταξε έντονα τον θεατή. Σε κάθε βλέμμα - μια βουβή μομφή και μομφή για την κοινωνία, που απέρριψε τις γυναίκες και τις καταδίκασε σε αρρώστια και θάνατο. Έτσι, σύμφωνα με τον συγγραφέα, η εικόνα έπρεπε να ξυπνήσει την κοιμισμένη συνείδηση ​​των σύγχρονων και ως εκ τούτου έγινε αντιληπτή ως η παθιασμένη φωνή του καλλιτέχνη για την υπεράσπιση της αγανακτισμένης ομορφιάς, μιας ταπεινωμένης και ανίσχυρης γυναίκας.

8 διαφάνεια

9 διαφάνεια

Το δεύτερο στάδιο στην ανάπτυξη μιας νέας κατεύθυνσης στη ζωγραφική θεωρείται ο συνθετικός κυβισμός, χρησιμοποιώντας διάφορα είδη πραγματική ζωή. Πάμπλο Πικάσο. Νεκρή φύση με ψάθινη καρέκλα. 1912 Μουσείο Πικάσο, Παρίσι

10 διαφάνεια

Πάμπλο Πικάσο. Νεκρή φύση με ψάθινη καρέκλα. 1912 Μουσείο Πικάσο, Παρίσι Ένας λαιμός κιθάρας, ένα περίγραμμα τραπεζομάντιλο, ένα κυλινδρικό πόδι ενός ποτηριού, ένας λαιμός μπουκαλιού, μια κάμψη για καπνιστή, μια τράπουλα - όλα θα μπορούσαν να χρησιμεύσουν ως πρόσχημα για την αποκρυπτογράφηση των πινάκων. Γράμματα και αριθμοί, θραύσματα λέξεων, θραύσματα γραμμών τηλεγράφων ή εφημερίδων, επιγραφές σε βιτρίνες καταστημάτων και καφέ, αριθμοί αυτοκινήτων, σήματα αναγνώρισης στις πλευρές των αεροσκαφών εισήχθησαν ιδιαίτερα συχνά ... Επιπλέον, στους πίνακες χρησιμοποιούσαν υλικά που ήταν ξένοι προς ελαιογραφία: άμμος, πριονίδι, σίδερο, γυαλί, γύψος, κάρβουνο, σανίδες, ταπετσαρία. Αυτή ήταν η αρχή της τέχνης του κολάζ (κόλληση υλικών που διαφέρουν από αυτό σε χρώμα και υφή σε μια βάση).

11 διαφάνεια

Μια μέρα, ο Πικάσο πήρε ένα λαδόπανο, το οποίο απεικόνιζε ένα πλέγμα από μια ψάθινη καρέκλα. Κόβοντας ένα κομμάτι από το σχήμα που χρειαζόταν, το κόλλησε στον καμβά. Έτσι δημιουργήθηκε η «Νεκρή φύση με ψάθινη καρέκλα». Ο μικρός πίνακας σε σχήμα οβάλ ήταν γεμάτος λεπτομέρειες που έρχονταν σε αντίθεση με τα υπάρχοντα πρότυπα ζωγραφικής. Τα ανόμοια στοιχεία, συνδεδεμένα με έναν συγκεκριμένο τρόπο, δημιούργησαν ωστόσο ένα ενιαίο σύνολο. Πάμπλο Πικάσο. Νεκρή φύση με ψάθινη καρέκλα. 1912 Μουσείο Πικάσο, Παρίσι «Ο Πικάσο παραβιάζει σκόπιμα αρμονική αντίληψηπίνακες ζωγραφικής, που συνδυάζουν αντικείμενα σε έναν καμβά, η πραγματικότητα του καθενός από τα οποία γίνεται αντιληπτή σε διαφορετικό βαθμό. Αλλά είναι ενωμένοι με τέτοιο τρόπο που δημιουργούν ένα παιχνίδι αντιφατικών και ταυτόχρονα συμπληρωματικών συναισθημάτων» (R. Penrose).

12 διαφάνεια

Εκτός από τη νεκρή φύση, οι κυβιστές στράφηκαν συχνά στο είδος του πορτρέτου. Η φιγούρα ενός άνδρα, που παρουσιάζεται σε γεωμετρικές μορφές, αναπαρήγαγε πολύ απομακρυσμένα το πραγματικό μοντέλο. Το κεφάλι έμοιαζε με μπάλα, οι βραχίονες ορθογώνιο, η πλάτη τρίγωνο. Το πρόσωπο χωρίστηκε σε πολλά ξεχωριστά στοιχεία, σύμφωνα με τα οποία ήταν δύσκολο να αποκατασταθεί η εμφάνιση του ατόμου που απεικονιζόταν. Ωστόσο, είναι γνωστή μια περίπτωση όταν ένας Αμερικανός κριτικός αναγνώρισε σε ένα καφέ του Παρισιού έναν άνθρωπο που του ήταν οικείος μόνο από ένα κυβιστικό πορτρέτο του Πικάσο. Πάμπλο Πικάσο. Πορτρέτο του Ambroise Vollard, 1909-1910 Μουσείο Πούσκιν im. A. S. Pushkin, Μόσχα

13 διαφάνεια

Μια εκπληκτική «ομοιότητα» πέτυχε ο καλλιτέχνης στο περίφημο «Portrait of Ambroise Vollard». Δημιουργημένο με φόντο περίπλοκων κρυστάλλων, αποδίδει αόριστα την κάπως πεπλατυσμένη μύτη ενός γνωστού συλλέκτη. Το ψηλό και ίσιο μέτωπο ξεχωρίζει από την επικρατούσα γκρι γκάμα χρωμάτων με τη βοήθεια απαλών τόνων. Τα ελάχιστα διακριτά χαρακτηριστικά του προσώπου απορροφώνται από κυβικές μορφές. Ο ίδιος ο Vollard ισχυρίστηκε ότι, αν και πολλοί δεν μπορούσαν να τον αναγνωρίσουν στον καμβά, ο τετράχρονος γιος ενός από τους φίλους του, όταν είδε για πρώτη φορά το πορτρέτο, αναφώνησε αμέσως: "Αυτός είναι ο θείος Ambroise!" Πάμπλο Πικάσο, Πορτρέτο του Ambroise Vollard, 1909-1910, Κρατικό Μουσείο Καλών Τεχνών Πούσκιν, Μόσχα

15 διαφάνεια

Το όνομά του είχε ήδη περικυκλωθεί από θρύλους όσο ζούσε. Τον θαύμασαν και τον μάλωναν. Ανατράπηκε και ξαναστήθηκε στις κορυφές του Ολύμπου. Για αυτόν έχουν γραφτεί εκατοντάδες μελέτες. Σύμφωνα με τον Πάμπλο Πικάσο, η τέχνη του 20ου αιώνα, στον οποίο έκανε τις λαμπρές ανακαλύψεις του, θα μετριέται για πολύ καιρό ακόμη. Τα αφοριστικά λόγια του συγχρόνου του Αντρέ Μπρετόν (1898-1966) διατηρούν ακόμη το νόημα και το νόημά τους: «Δεν υπάρχει τίποτα να κάνουμε εκεί που πέρασε ο Πικάσο».