Pentingnya kreativitas Ostrov dalam sejarah teater Rusia. Sebuah nilai

Semua kehidupan kreatif SEBUAH. Ostrovsky terkait erat dengan teater Rusia dan jasanya di panggung Rusia benar-benar tak terukur. Dia punya banyak alasan untuk mengatakan di akhir hidupnya: "... teater drama Rusia hanya memiliki satu saya. Saya adalah segalanya: akademi, dermawan, dan pembela. Selain itu, ... saya menjadi kepala seni panggung."

Ostrovsky mengambil bagian aktif dalam pementasan dramanya, bekerja dengan para aktor, berteman dengan banyak dari mereka, dan berkorespondensi dengan mereka. Dia berusaha keras untuk mempertahankan moral para aktor, berusaha untuk membuat sekolah teater di Rusia, repertoarnya sendiri.

Pada tahun 1865, Ostrovsky mengorganisir Lingkaran Artistik di Moskow, yang tujuannya adalah untuk melindungi kepentingan seniman, terutama yang bersifat provinsi, dan untuk mempromosikan pendidikan mereka. Pada tahun 1874 ia mendirikan Society of Dramatic Writers and Opera Composers. Dia menyusun memorandum kepada pemerintah tentang perkembangan seni pertunjukan (1881), diarahkan di Teater Maly di Moskow dan Teater Alexandrinsky di St. Petersburg, bertanggung jawab atas repertoar teater Moskow (1886), dan menjadi kepala sekolah teater (1886). Dia "membangun" seluruh "gedung teater Rusia", yang terdiri dari 47 drama asli. "Anda membawa literatur sebagai hadiah, seluruh perpustakaan karya seni," tulis I. A. Goncharov kepada Ostrovsky, "Anda menciptakan dunia khusus Anda sendiri untuk panggung. kami orang Rusia dapat dengan bangga mengatakan: kami memiliki teater nasional Rusia kami sendiri."

Karya Ostrovsky merupakan seluruh zaman dalam sejarah teater Rusia. Hampir semua dramanya selama hidupnya dipentaskan di Teater Maly, mereka memunculkan beberapa generasi seniman yang tumbuh menjadi ahli panggung Rusia yang luar biasa. Drama Ostrovsky telah memainkan peran yang sangat penting dalam sejarah Teater Maly sehingga dengan bangga disebut Rumah Ostrovsky.

Ostrovsky biasanya mementaskan dramanya sendiri. Dia tahu betul kehidupan batin, tersembunyi dari mata penonton, di belakang panggung teater. Pengetahuan penulis naskah tentang kehidupan akting termanifestasi dengan jelas dalam lakon The Forest (1871), The Comedian Abad XVII"(1873), "Bakat dan Pengagum" (1881), "Bersalah Tanpa Rasa Bersalah" (1883).

Dalam karya-karya ini, tipe aktor provinsi yang hidup dengan peran berbeda muncul di hadapan kita. Ini adalah tragedi, komedian, "kekasih pertama". Namun terlepas dari perannya, kehidupan para aktor biasanya tidak mudah. Menggambarkan nasib mereka dalam dramanya, Ostrovsky berusaha untuk menunjukkan betapa sulitnya bagi seseorang dengan jiwa dan bakat yang halus untuk hidup di dunia yang tidak adil tanpa jiwa dan ketidaktahuan. Pada saat yang sama, para aktor dalam gambar Ostrovsky bisa menjadi hampir pengemis, seperti Neschastlivtsev dan Schastlivtsev di Les; dipermalukan dan kehilangan penampilan manusianya karena mabuk, seperti Robinson dalam "Mahar", seperti Shmaga dalam "Guilty Without Guilt", seperti Erast Gromilov dalam "Talents and Admirers".

Dalam komedi "The Forest", Ostrovsky mengungkapkan bakat para aktor teater provinsi Rusia dan pada saat yang sama menunjukkan posisi mereka yang memalukan, ditakdirkan untuk menggelandang dan mengembara untuk mencari makanan sehari-hari. Ketika mereka bertemu, Schastlivtsev dan Neschastlivtsev tidak memiliki uang sepeser pun atau sejumput tembakau. Benar, Neschastvittsev memiliki beberapa pakaian di ransel buatannya. Dia bahkan punya jas berekor, tetapi untuk memainkan peran itu, dia harus menukarnya di Chisinau "dengan kostum Hamlet". Kostum itu sangat penting bagi sang aktor, tetapi untuk memiliki lemari pakaian yang diperlukan, dibutuhkan banyak uang ...

Ostrovsky menunjukkan bahwa aktor provinsi berada di anak tangga sosial yang paling rendah. Dalam masyarakat, terdapat prasangka terhadap profesi seorang aktor. Gurmyzhskaya, setelah mengetahui bahwa keponakannya Neschastlivtsev dan rekannya Schastlivtsev adalah aktor, dengan sombong menyatakan: "Besok pagi mereka tidak akan berada di sini. Saya tidak punya hotel, tidak ada kedai minuman untuk pria seperti itu." Jika pihak berwenang setempat tidak menyukai perilaku aktor tersebut atau jika dia tidak memiliki dokumen, dia akan dianiaya dan bahkan dapat diusir dari kota. Arkady Schastlivtsev "diusir dari kota tiga kali... sejauh empat mil oleh Cossack dengan cambuk." Karena kekacauan, pengembaraan abadi, para aktor minum. Mengunjungi bar adalah satu-satunya cara mereka untuk menjauh dari kenyataan, setidaknya untuk sementara melupakan masalah. Schastlivtsev berkata: "... Kami setara dengannya, keduanya aktor, dia adalah Neschastlivtsev, saya Schastlivtsev, dan kami berdua pemabuk," dan kemudian menyatakan dengan keberanian: "Kami adalah orang yang bebas dan berjalan - kami menghargai kedai minuman hampir semua." Tapi lawakan Arkashka Schastlivtsev ini hanyalah topeng yang menyembunyikan rasa sakit yang tak tertahankan dari penghinaan sosial.

Terlepas dari kehidupan yang sulit, kesulitan dan kebencian, banyak menteri Melpomene mempertahankan kebaikan dan kemuliaan dalam jiwa mereka. Dalam "The Forest", Ostrovsky menciptakan citra paling jelas dari seorang aktor mulia - tragedi Neschastlivtsev. Dia menggambarkan orang yang "hidup", dengan nasib yang sulit, dengan kesedihan sejarah hidup. Aktor itu banyak minum, tetapi sepanjang drama dia berubah, ungkap Fitur terbaik sifatnya. Memaksa Vosmibratov mengembalikan uang itu ke Gurmyzhskaya, Neschastlivtsev melakukan pertunjukan, memberikan pesanan palsu. Pada saat ini, dia bermain dengan kekuatan sedemikian rupa, dengan keyakinan sedemikian rupa sehingga kejahatan dapat dihukum, sehingga dia mencapai kesuksesan hidup yang nyata: Vosmibratov memberikan uang. Kemudian, memberikan uang terakhirnya kepada Aksyusha, mengatur kebahagiaannya, Neschastlivtsev tidak lagi bermain. Tindakannya bukanlah gerakan teatrikal, tetapi nyata Perbuatan mulia. Dan ketika, di akhir drama, dia mengucapkan monolog terkenal Karl Mohr dari "Perampok" karya F. Schiller, kata-kata pahlawan Schiller, pada dasarnya, merupakan kelanjutan dari pidato kemarahannya sendiri. Arti dari ucapan yang dilontarkan Neschastlivtsev kepada Gurmyzhskaya dan seluruh rombongannya: "Kami adalah seniman, seniman yang mulia, dan pelawak adalah Anda," terletak pada kenyataan bahwa dalam pandangannya, seni dan kehidupan saling terkait erat, dan aktornya tidak. seorang yang berpura-pura, bukan munafik, seninya berdasarkan perasaan dan pengalaman yang tulus.

DI DALAM komedi ayat"Komedian abad ke-17" penulis naskah beralih ke halaman awal sejarah kancah nasional. Komedian berbakat Yakov Kochetov takut menjadi seorang seniman. Tidak hanya dia, tetapi juga ayahnya yakin bahwa ini adalah pekerjaan yang tercela, bahwa lawakan adalah dosa, lebih buruk dari yang tidak dapat dilakukan, karena begitulah gagasan prakonstruksi orang-orang di Moskow pada abad ke-17. Tapi Ostrovsky membandingkan para penganiaya badut dan "tindakan" mereka dengan pecinta dan fanatik teater di era pra-Petrine. Penulis drama tersebut menunjukkan peran khusus pertunjukan panggung dalam perkembangan sastra Rusia dan merumuskan tujuan komedi dalam "... menunjukkan yang jahat dan jahat sebagai lucu, membuatnya menggelikan. ... Mengajar orang dengan menggambarkan moral."

Dalam drama "Talents and Admirers", Ostrovsky menunjukkan betapa sulitnya nasib aktris, yang diberkahi dengan hadiah panggung yang besar, yang dengan penuh semangat mengabdi pada teater. Posisi aktor di teater, kesuksesannya tergantung pada apakah dia disukai oleh penonton kaya yang memegang seluruh kota di tangan mereka. Bagaimanapun, teater provinsi ada terutama atas sumbangan dari pelanggan lokal, yang merasa bahwa mereka ahli dalam teater dan mendikte persyaratan mereka kepada para aktor. Alexandra Negina dari "Talents and Admirers" menolak untuk berpartisipasi dalam intrik di belakang layar atau menanggapi keinginan pengagumnya yang kaya: Pangeran Dulebov, pejabat Bakin, dan lainnya. Negina tidak bisa dan tidak ingin puas dengan kesuksesan mudah dari Nina Smelskaya yang tidak menuntut, yang dengan rela menerima perlindungan dari pengagum kaya, berubah menjadi wanita simpanan. Pangeran Dulebov, tersinggung oleh penolakan Negina, memutuskan untuk menghancurkannya, membatalkan pertunjukan amal dan benar-benar bertahan dari teater. Berpisah dengan teater, yang tanpanya dia tidak dapat membayangkan keberadaannya, bagi Negina berarti puas dengan kehidupan yang menyedihkan dengan murid yang manis tapi malang, Petya Meluzov. Dia hanya memiliki satu jalan keluar: pergi ke pemeliharaan pengagum lain, pemilik tanah kaya Velikatov, yang menjanjikan perannya dan kesuksesan gemilang di teaternya. Dia menyebut klaimnya atas bakat dan jiwa cinta Alexandra yang bersemangat, tetapi pada dasarnya itu adalah kesepakatan jujur ​​\u200b\u200bantara pemangsa besar dan korban yang tak berdaya. Apa yang tidak harus dilakukan Knurov dalam "Mahar" dilakukan oleh Velikatov. Larisa Ogudalova berhasil membebaskan dirinya dari rantai emas dengan harga mati, Negina memasang rantai ini pada dirinya sendiri, karena dia tidak dapat membayangkan hidup tanpa seni.

Ostrovsky mencela pahlawan wanita ini, yang ternyata mahar spiritualnya lebih sedikit dari Larisa. Tetapi pada saat yang sama, dengan sakit hati, dia memberi tahu kami takdir yang dramatis aktris, menyebabkan partisipasi dan simpatinya. Tak heran, seperti dicatat E. Kholodov, namanya sama dengan Ostrovsky sendiri - Alexandra Nikolaevna.

Dalam drama Guilty Without Guilt, Ostrovsky kembali beralih ke tema teater, meski masalahnya jauh lebih luas: berbicara tentang nasib orang yang kehilangan nyawanya. Di tengah drama adalah aktris luar biasa Kruchinina, yang setelah pertunjukannya teater secara harfiah "hancur karena tepuk tangan". Citranya memberi alasan untuk berpikir tentang apa yang menentukan signifikansi dan kehebatan dalam seni. Pertama-tama, Ostrovsky percaya, ini adalah pengalaman hidup yang luar biasa, sekolah kekurangan, siksaan dan penderitaan, yang kebetulan dialami oleh pahlawan wanita itu.

Seluruh hidup Kruchinina di luar panggung adalah "kesedihan dan air mata". Wanita ini tahu segalanya kerja keras guru, pengkhianatan dan kepergian orang yang dicintai, kehilangan seorang anak, Penyakit serius, kesepian. Kedua, ini adalah kebangsawanan spiritual, hati yang simpatik, keyakinan pada kebaikan dan rasa hormat terhadap seseorang, dan, ketiga, kesadaran akan tugas-tugas luhur seni: Kruchinina membawa kebenaran yang tinggi kepada penonton, gagasan tentang keadilan dan kebebasan. Dengan perkataannya dari atas panggung, dia berusaha untuk "membakar hati orang". Dan bersama dengan bakat alami yang langka dan budaya umum semua ini memungkinkan untuk menjadi pahlawan wanita dalam drama itu - idola universal, yang "kemuliaannya bergemuruh". Kruchinina memberi pemirsanya kebahagiaan berhubungan dengan yang cantik. Dan itulah mengapa penulis naskah itu sendiri di bagian akhir juga memberikan kebahagiaan pribadinya: menemukan putranya yang hilang, aktor Neznamov yang melarat.

Kelebihan A. N. Ostrovsky di depan panggung Rusia benar-benar tak terukur. Lakonnya tentang teater dan aktor, yang secara akurat mencerminkan keadaan realitas Rusia di tahun 70-an dan 80-an abad ke-19, berisi pemikiran tentang seni yang masih relevan hingga saat ini. Ini adalah pemikiran tentang nasib sulit, terkadang tragis dari orang-orang berbakat yang, menyadari diri mereka di atas panggung, benar-benar membakar diri; pemikiran tentang kebahagiaan kreativitas, dedikasi penuh, tentang misi luhur seni, penegasan kebaikan dan kemanusiaan.

Penulis drama itu sendiri mengekspresikan dirinya, mengungkapkan jiwanya dalam drama yang dia ciptakan, mungkin terutama secara terus terang dalam drama tentang teater dan aktor, di mana dia dengan sangat meyakinkan menunjukkan bahwa bahkan di pedalaman Rusia, di provinsi-provinsi, Anda dapat bertemu dengan orang-orang berbakat, tidak tertarik orang, mampu hidup dengan kepentingan tertinggi. . Banyak dari drama ini sejalan dengan apa yang B. Pasternak tulis dalam puisinya yang indah "Oh, andai saja aku tahu itu terjadi ...":

Ketika garis mendikte perasaan

Ini mengirim seorang budak ke panggung,

Dan di sinilah seni berakhir.

Dan tanah dan takdir bernafas.

Perkenalan

Alexander Nikolayevich Ostrovsky... Ini adalah fenomena yang tidak biasa. Pentingnya Alexander Nikolaevich untuk perkembangan drama dan panggung Rusia, perannya dalam pencapaian semua budaya Rusia tidak dapat disangkal dan sangat besar. Melanjutkan tradisi terbaik dramaturgi progresif dan asing Rusia, Ostrovsky menulis 47 drama asli. Beberapa terus-menerus naik panggung, difilmkan di film dan di televisi, yang lain hampir tidak pernah dipentaskan. Namun di benak publik dan teater, terdapat stereotip persepsi tertentu terkait dengan apa yang disebut "drama Ostrovsky". Drama Ostrovsky ditulis untuk sepanjang masa, dan tidak sulit bagi penonton untuk melihat masalah dan keburukan kita saat ini di dalamnya.

Relevansi:Perannya dalam sejarah perkembangan dramaturgi Rusia, seni pertunjukan, dan seluruh budaya nasional hampir tidak bisa dilebih-lebihkan. Dia melakukan banyak hal untuk perkembangan dramaturgi Rusia seperti yang dilakukan Shakespeare di Inggris, Lope de Vega di Spanyol, Molière di Prancis, Goldoni di Italia, dan Schiller di Jerman.

Ostrovsky muncul dalam sastra dalam kondisi proses sastra yang sangat sulit, situasi yang menguntungkan dan tidak menguntungkan bertemu di jalur kreatifnya, tetapi terlepas dari segalanya, ia menjadi seorang inovator dan ahli seni drama yang luar biasa.

Pengaruh mahakarya dramatis A.N. Ostrovsky tidak terbatas pada panggung teater. Itu juga diterapkan pada bentuk seni lainnya. Kebangsaan yang melekat dalam lakonnya, elemen musik dan puitis, warna-warni dan kejernihan karakter skala besar, vitalitas yang dalam dari plot telah menyebabkan dan masih menimbulkan perhatian. komponis yang luar biasa negara kami.

Ostrovsky, sebagai penulis drama yang luar biasa, penikmat seni panggung yang luar biasa, juga menunjukkan dirinya sebagai figur publik dalam skala besar. Ini sangat difasilitasi oleh fakta bahwa penulis naskah sepanjang hidupnya jalan hidup adalah "setara dengan usia."
Target:Pengaruh dramaturgi A.N. Ostrovsky dalam penciptaan repertoar nasional.
Tugas:Ikuti jalur kreatif A.N. Ostrovsky. Gagasan, jalur, dan inovasi A.N. Ostrovsky. Tunjukkan pentingnya A.N. Ostrovsky.

1. Dramaturgi dan dramawan Rusia sebelum A.N. Ostrovsky

.1 Teater di Rusia sebelum A.N. Ostrovsky

Asal mula drama progresif Rusia, sejalan dengan munculnya karya Ostrovsky. Teater rakyat nasional memiliki repertoar yang luas, terdiri dari permainan badut, selingan, petualangan komedi Petrushka, lelucon lucu, komedi "beruang", dan karya dramatis dari berbagai genre.

Teater rakyat dicirikan oleh tema yang diarahkan secara sosial, cinta kebebasan, satir yang menuduh, dan ideologi heroik-patriotik, konflik yang dalam, karakter yang besar, seringkali aneh, komposisi yang jelas, jelas, bahasa sehari-hari, dengan terampil menggunakan berbagai cara komedi: penghilangan, kebingungan, ambiguitas, homonim, oxymoron.

“Dengan karakter dan cara bermainnya, teater rakyat adalah teater dengan gerakan yang tajam dan jelas, gerakan menyapu, dialog yang sangat keras, lagu yang kuat dan tarian yang berani - di sini semuanya terdengar dan terlihat jauh. Pada dasarnya, teater rakyat tidak mentolerir gerakan yang tidak mencolok, kata-kata yang diucapkan dengan nada rendah, segala sesuatu yang dapat dengan mudah dilihat di aula teater dengan keheningan total dari penonton.

Melanjutkan tradisi drama rakyat lisan, drama tulis Rusia telah membuat langkah besar. Pada paruh kedua abad ke-18, dengan peran terjemahan yang luar biasa dan dramaturgi imitatif, penulis dari berbagai tren muncul, berjuang untuk menggambarkan adat istiadat domestik, menjaga penciptaan repertoar asli nasional.

Di antara drama yang pertama setengah dari XIX abad, mahakarya dramaturgi realistis seperti Griboyedov's Woe from Wit, Undergrowth Fonvizin, Inspektur Pemerintah dan Pernikahan Gogol menonjol.

Menunjuk ke karya-karya ini, V.G. Belinsky berkata bahwa mereka "akan menghormati sastra Eropa mana pun". Yang paling menghargai komedi "Woe from Wit" dan "The Government Inspector", kritikus percaya bahwa mereka dapat "memperkaya sastra Eropa mana pun".

Drama realistis yang luar biasa dari Griboedov, Fonvizin dan Gogol dengan jelas menguraikan tren inovatif dalam dramaturgi Rusia. Mereka terdiri dari topik sosial topikal, dalam kesedihan publik dan bahkan sosio-politik yang diucapkan, menyimpang dari plot cinta dan rumah tangga tradisional yang menentukan seluruh perkembangan aksi, melanggar plot dan kanon komposisi drama komedi dan intrik. , dalam konteks perkembangan karakter individu yang khas dan sekaligus terkait erat dengan lingkungan sosial.

Kecenderungan inovatif ini, yang terwujud dalam lakon terbaik drama domestik progresif, mulai disadari oleh penulis dan kritikus secara teoritis. Jadi, Gogol menghubungkan kemunculan dramaturgi progresif Rusia dengan sindiran dan melihat orisinalitas komedi di publiknya yang sebenarnya. Dia dengan tepat mencatat bahwa "komedi belum mengambil ekspresi seperti itu dari orang mana pun."

Pada saat A.N. Ostrovsky, dramaturgi progresif Rusia sudah memiliki mahakarya kelas dunia. Namun karya-karya tersebut masih sangat sedikit jumlahnya, sehingga tidak menentukan wajah repertoar teater saat itu. Kerusakan besar pada perkembangan drama domestik progresif adalah bahwa lakon Lermontov dan Turgenev, yang tertunda karena penyensoran, tidak dapat muncul tepat waktu.

Sebagian besar karya yang mengisi panggung teater adalah terjemahan dan adaptasi dari lakon-lakon Eropa Barat, serta pengalaman panggung penulis dalam negeri tentang rasa perlindungan.

Repertoar teater tidak dibuat secara spontan, tetapi di bawah pengaruh aktif korps gendarme dan pengawasan Nicholas I.

Mencegah munculnya drama yang menuduh-saterik, kebijakan teater Nicholas I dengan segala cara yang mungkin melindungi produksi karya dramatis yang murni menghibur, otokratis-patriotik. Kebijakan ini terbukti tidak berhasil.

Setelah kekalahan Desembris, vaudeville mengemuka dalam repertoar teater, yang telah lama kehilangan ketajaman sosialnya dan berubah menjadi komedi yang ringan, tidak dipikirkan, dan sangat efektif.

Paling sering, komedi satu babak dibedakan oleh plot anekdot, bait lucu, topikal, dan sering kali sembrono, bahasa puncing dan intrik cerdik yang terjalin dari kejadian lucu dan tak terduga. Di Rusia, vaudeville mendapatkan momentumnya pada tahun 1910-an. Yang pertama, meski tidak berhasil, vaudeville dianggap sebagai "The Cossack Poet" (1812) oleh A.A. Shakhovsky. Segerombolan orang lain mengikutinya, terutama setelah tahun 1825.

Vaudeville menikmati cinta dan perlindungan khusus dari Nicholas I. Dan kebijakan teaternya berpengaruh. Teater - 30-40-an abad XIX menjadi ranah vaudeville, di mana perhatian terutama diberikan pada situasi cinta. “Aduh,” tulis Belinsky pada tahun 1842, “seperti kelelawar, sebuah bangunan indah menguasai panggung kami dengan komedi vulgar dengan cinta roti jahe dan pernikahan yang tak terhindarkan! Inilah yang kami sebut "plot". Melihat komedi dan vaudeville kami dan menganggapnya sebagai ekspresi realitas, Anda akan berpikir bahwa masyarakat kita hanya terlibat dalam cinta, hanya hidup dan bernafas, itulah cinta!

Distribusi vaudeville juga difasilitasi oleh sistem pertunjukan manfaat yang ada saat itu. Untuk pertunjukan amal, yang merupakan hadiah materi, artis memilih lebih sempit permainan yang menghibur kesuksesan box office yang diperhitungkan.

Panggung teatrikal diisi dengan karya-karya datar yang dijahit dengan tergesa-gesa, di mana tempat utamanya ditempati oleh flirting, adegan lucu, anekdot, kesalahan, kebetulan, kejutan, kebingungan, berdandan, bersembunyi.

Di bawah pengaruh perjuangan sosial, vaudeville mengubah isinya. Menurut sifat plotnya, perkembangannya berubah dari cinta-erotis menjadi kehidupan sehari-hari. Tapi secara komposisi, dia sebagian besar tetap standar, mengandalkan cara primitif komedi eksternal. Menggambarkan vaudeville kali ini, salah satu karakter dalam "Perjalanan Teater" Gogol dengan tepat berkata: "Pergilah hanya ke teater: di sana setiap hari Anda akan melihat sebuah drama di mana yang satu bersembunyi di bawah kursi, dan yang lain menariknya keluar dengan kaki."

Inti dari vaudeville massal tahun 30-40-an abad ke-19 diungkapkan dengan judul-judul berikut: "Kebingungan", "Mereka datang bersama, bercampur dan berpisah." Menekankan sifat main-main dan sembrono dari vaudeville, beberapa penulis mulai menyebutnya lelucon vaudeville, lelucon vaudeville, dll.

Setelah memperbaiki "ketidakberartian" sebagai dasar konten, vaudeville menjadi sarana yang efektif untuk mengalihkan perhatian pemirsa dari masalah fundamental dan kontradiksi realitas. Menghibur penonton dengan situasi dan kasus bodoh, vaudeville "dari sore ke malam, dari pertunjukan ke pertunjukan, menyuntik penonton dengan serum konyol yang sama, yang seharusnya melindunginya dari infeksi pikiran yang berlebihan dan tidak dapat diandalkan." Tetapi pihak berwenang berusaha mengubahnya menjadi pemuliaan langsung terhadap Ortodoksi, otokrasi, dan perbudakan.

Vaudeville, yang mengambil alih panggung Rusia pada kuartal kedua abad ke-19, sebagai aturan, bukanlah rumah tangga dan orisinal. Sebagian besar, ini adalah drama, dalam kata-kata Belinsky, "diseret secara paksa" dari Prancis dan entah bagaimana disesuaikan dengan kebiasaan Rusia. Kami mengamati gambaran serupa dalam genre dramaturgi lain tahun 1940-an. Karya drama yang dianggap orisinal ternyata sebagian besar merupakan terjemahan terselubung. Dalam mengejar kata yang tajam, untuk efek, untuk plot yang ringan dan lucu, drama komedi vaudeville tahun 30-an dan 40-an seringkali sangat jauh dari menggambarkan kehidupan sebenarnya pada masanya. Orang-orang dari realitas, karakter sehari-hari paling sering absen di dalamnya. Ini berulang kali ditunjukkan oleh para kritikus saat itu. Mengenai isi vaudeville, Belinsky menulis dengan ketidaksenangan: “Adegannya selalu di Rusia, karakternya ditandai dengan nama Rusia; tetapi baik kehidupan Rusia, masyarakat Rusia, maupun orang Rusia tidak akan Anda kenali atau lihat di sini.” Menunjuk ke isolasi vaudeville pada kuartal kedua abad ke-19 dari kenyataan konkret, salah satu kritikus kemudian dengan tepat mencatat bahwa akan menjadi "kesalahpahaman yang menakjubkan" untuk mempelajari masyarakat Rusia saat itu atas dasar itu.

Vaudeville, berkembang, secara alami menunjukkan keinginan untuk kekhususan bahasa. Tetapi pada saat yang sama, individualisasi ucapan karakter di dalamnya dilakukan murni secara eksternal - dengan merangkai kata-kata yang tidak biasa, lucu secara morfologis dan fonetis, memperkenalkan ekspresi yang salah, frasa konyol, ucapan, peribahasa, aksen nasional, dll.

Di pertengahan abad ke-18, melodrama sangat populer di repertoar teater bersama dengan vaudeville. Pembentukannya sebagai salah satu tipe dramatis terdepan terjadi pada akhir abad ke-18 dalam konteks persiapan dan pelaksanaan revolusi borjuis Eropa Barat. Esensi moral dan didaktik dari melodrama Eropa Barat pada periode ini ditentukan terutama oleh akal sehat, kepraktisan, didaktisisme, kode moral borjuasi, perebutan kekuasaan dan penentangan prinsip etnis mereka terhadap kebobrokan bangsawan feodal.

Dan vaudeville dan melodrama di sebagian besar sangat jauh dari kehidupan. Namun, mereka bukan hanya fenomena negatif. Di beberapa dari mereka, tidak terasing oleh kecenderungan satir, kecenderungan progresif - liberal dan demokratis - berhasil. Dramaturgi selanjutnya, tidak diragukan lagi, menggunakan seni vaudeville dalam melakukan intrik, komedi eksternal, permainan kata-kata yang diasah dengan tajam. Dia tidak melewatkan pencapaian melodramatis dalam penggambaran psikologis karakter, dalam perkembangan aksi yang intens secara emosional.

Sementara melodrama secara historis mendahului drama romantis di Barat, di Rusia genre ini muncul secara bersamaan. Pada saat yang sama, paling sering mereka bertindak dalam hubungan satu sama lain tanpa aksentuasi yang cukup tepat dari ciri-ciri mereka, menyatu, berpindah satu sama lain.

Tentang retorika drama romantis, menggunakan efek melodramatik, efek palsu yang menyedihkan, Belinsky berkali-kali berbicara dengan tajam. “Dan jika Anda,” tulisnya, “ingin melihat lebih dekat pada“ pertunjukan dramatis ”dari romantisme kita, Anda akan melihat bahwa itu diremas menurut resep yang sama yang terdiri dari drama dan komedi pseudo-klasik: plot basi yang sama dan penolakan kekerasan, bahwa ketidakwajaran yang sama, "sifat yang dihias" yang sama, gambar yang sama tanpa wajah alih-alih karakter, monoton yang sama, kevulgaran yang sama, dan keterampilan yang sama.

Melodrama, drama romantis dan sentimental, sejarah-patriotik pada paruh pertama abad ke-19 sebagian besar salah tidak hanya dalam ide, plot, karakter, tetapi juga dalam bahasa. Dibandingkan dengan kaum klasik, kaum sentimentalis dan romantisme tidak diragukan lagi mengambil langkah besar dalam hal demokratisasi bahasa. Tetapi demokratisasi ini, terutama di kalangan sentimentalis, seringkali tidak berlanjut. bahasa lisan ruang tamu bangsawan. Pidato dari strata populasi yang tidak mampu, massa pekerja yang luas, bagi mereka tampak terlalu kasar.

Bersamaan dengan lakon konservatif domestik bergenre romantis, lakon terjemahan yang dekat dengan mereka dalam semangat juga menembus panggung secara luas saat ini: "opera romantis", "komedi romantis" biasanya digabungkan dengan balet, "pertunjukan romantis". Terjemahan karya penulis drama progresif romantisme Eropa Barat, seperti Schiller dan Hugo, juga menikmati kesuksesan besar saat ini. Namun dalam memikirkan kembali lakon-lakon ini, para penerjemah mereduksi karya "penerjemahan" mereka untuk membangkitkan simpati penonton bagi mereka yang, mengalami pukulan hidup, tetap pasrah pada takdir.

Dalam semangat romantisme progresif, Belinsky dan Lermontov menciptakan drama mereka selama tahun-tahun ini, tetapi tidak satupun dari mereka dipentaskan di teater pada paruh pertama abad ke-19. Repertoar tahun 1940-an tidak hanya memuaskan kritikus progresif, tetapi juga seniman dan penonton. Seniman luar biasa tahun 1940-an, Mochalov, Shchepkin, Martynov, Sadovsky, harus membuang energi mereka untuk hal-hal sepele, bermain dalam drama satu hari non-fiksi. Namun, menyadari bahwa pada tahun 1940-an drama "lahir dalam kawanan, seperti serangga", dan "tidak ada yang bisa dilihat", Belinsky, seperti banyak tokoh progresif lainnya, tidak memandang masa depan teater Rusia dengan putus asa. Tidak puas dengan humor datar vaudeville dan kesedihan melodrama yang salah, penonton tingkat lanjut telah lama hidup dengan mimpi bahwa drama realistik orisinal akan menentukan dan memimpin dalam repertoar teater. Pada paruh kedua tahun 1940-an, ketidakpuasan penonton tingkat lanjut terhadap repertoar mulai dibagikan sampai batas tertentu oleh pengunjung teater massal dari kalangan bangsawan dan borjuis. Di akhir tahun 40-an, banyak penonton, bahkan di vaudeville, "mencari petunjuk tentang kenyataan". Mereka tidak lagi puas dengan efek melodramatis dan vaudeville. Mereka menginginkan drama kehidupan, mereka ingin melihat orang biasa di atas panggung. Penonton progresif menemukan gema aspirasinya hanya dalam beberapa produksi drama klasik Rusia (Fonvizin, Griboyedov, Gogol) dan Eropa Barat (Shakespeare, Molière, Schiller) yang jarang muncul. Pada saat yang sama, setiap kata yang terkait dengan protes, bebas, sedikit pun perasaan dan pikiran yang mengganggunya, memperoleh nilai sepuluh kali lipat dalam persepsi penonton.

Prinsip-prinsip Gogol yang begitu jelas tercermin dalam praktik "aliran alam" berkontribusi pada pembentukan identitas realistik dan kebangsaan di teater. Ostrovsky adalah eksponen paling jelas dari prinsip-prinsip ini di bidang dramaturgi.

1.2 Dari kreativitas awal hingga dewasa

OSTROVSKY Alexander Nikolaevich, penulis drama Rusia.

Ostrovsky kecanduan membaca sejak kecil. Pada tahun 1840, setelah lulus dari gimnasium, ia terdaftar di fakultas hukum Universitas Moskow, tetapi keluar pada tahun 1843. Kemudian dia masuk kantor Pengadilan Konstituante Moskow, kemudian bertugas di Pengadilan Niaga (1845-1851). Pengalaman ini memainkan peran penting dalam karya Ostrovsky.

Dia memasuki bidang sastra pada paruh kedua tahun 1840-an. sebagai pengikut tradisi Gogol, berfokus pada prinsip kreatif sekolah alam. Pada saat ini, Ostrovsky membuat esai prosa "Notes of a Resident from the Moscow Region", komedi pertama (drama "Family Picture" dibacakan oleh penulis pada 14 Februari 1847 di lingkaran Profesor S.P. Shevyrev dan disetujui oleh dia).

Penulis drama itu dikenal luas karena komedi satir "The Bangkrut" ("Orang-orang kita - ayo bergaul", 1849). Plot (kebangkrutan palsu pedagang Bolshov, penipuan dan ketidakberdayaan anggota keluarganya - putri Lipochka dan juru tulis, dan kemudian menantu Podkhalyuzin, yang tidak menebus ayah tua dari lubang hutang , wawasan Bolshov selanjutnya) didasarkan pada pengamatan Ostrovsky pada analisis litigasi keluarga, yang diperoleh selama bertugas di pengadilan hati nurani. Penguasaan Ostrovsky yang diperkuat, sebuah kata baru yang terdengar di panggung Rusia, memengaruhi, khususnya, dalam kombinasi intrik yang berkembang secara spektakuler dan sisipan deskriptif sehari-hari yang hidup (pidato seorang mak comblang, pertengkaran antara ibu dan anak perempuan), yang memperlambat tindakan, tetapi juga membuat Anda merasakan kekhasan kehidupan dan adat istiadat lingkungan pedagang. Peran khusus di sini dimainkan oleh keunikan, pada saat yang sama kelas, dan pewarnaan psikologis individu dari ucapan karakter.

Sudah di Bankrut, tema lintas sektoral dari karya dramatis Ostrovsky diidentifikasi: cara hidup tradisional patriarkal, seperti yang dipertahankan di lingkungan pedagang dan borjuis kecil, dan kemerosotan dan keruntuhannya secara bertahap, serta hubungan yang kompleks. bahwa seseorang masuk dengan cara hidup yang berubah secara bertahap.

Dibuat dalam empat puluh tahun karya sastra lima puluh drama (beberapa di antaranya ditulis bersama), yang menjadi basis repertoar publik Rusia, teater demokratis, Ostrovsky disajikan dengan cara yang berbeda pada berbagai tahap karirnya topik utama kreativitas Anda. Jadi, pada tahun 1850 menjadi karyawan majalah Moskvityanin yang terkenal dengan tren tanahnya (editor M.P. Pogodin, karyawan A.A. Grigoriev, T.I. Filippov, dll.), Ostrovsky, yang merupakan anggota dari apa yang disebut "dewan redaksi muda", mencoba memberi majalah itu arah baru - untuk fokus pada ide-ide identitas dan identitas nasional, tetapi bukan kaum tani (tidak seperti Slavofil "lama"), tetapi kelas pedagang patriarkal. Dalam drama berikutnya "Jangan masuk ke kereta luncurmu", "Kemiskinan bukanlah sifat buruk", "Jangan hidup seperti yang kamu inginkan" (1852-1855), penulis drama mencoba merefleksikan puisi kehidupan rakyat: "Untuk memiliki hak untuk mengoreksi orang tanpa menyinggung mereka , Anda perlu menunjukkan kepadanya bahwa Anda tahu yang baik di belakangnya; inilah yang saya lakukan sekarang, menggabungkan yang tinggi dengan komik,” tulisnya pada periode “Moskow”.

Pada saat yang sama, penulis naskah bergaul dengan gadis Agafya Ivanovna (yang memiliki empat anak darinya), yang menyebabkan putusnya hubungan dengan ayahnya. Menurut saksi mata, dia adalah wanita yang baik hati dan ramah, yang kepadanya Ostrovsky berhutang banyak atas pengetahuannya tentang kehidupan Moskow.

Drama "Moskow" dicirikan oleh utopianisme yang terkenal dalam menyelesaikan konflik antar generasi (dalam komedi "Kemiskinan bukanlah sifat buruk", 1854, sebuah kecelakaan bahagia mengganggu pernikahan yang dipaksakan oleh ayah tiran dan dibenci oleh putrinya, mengatur pernikahan pengantin kaya - Lyubov Gordeevna - dengan pegawai miskin Mitya) . Tetapi ciri dramaturgi "Moskow" Ostrovsky ini tidak meniadakan kualitas realistis yang tinggi dari karya-karya lingkaran ini. Gambaran Lyubim Tortsov, saudara laki-laki pemabuk dari pedagang tiran Gordey Tortsov, dalam lakon "Hot Heart" (1868), yang ditulis jauh kemudian, ternyata rumit, secara dialektis menghubungkan kualitas yang tampaknya berlawanan. Pada saat yang sama, Lyubim adalah pembawa kebenaran, pembawa moralitas rakyat. Dia membuat Gordey melihat dengan jelas, setelah kehilangan pandangan hidup yang bijaksana karena kesombongannya sendiri, hasrat akan nilai-nilai yang salah.

Pada tahun 1855, penulis drama, tidak puas dengan posisinya di Moskvityanin (konflik terus-menerus dan biaya yang sedikit), meninggalkan majalah dan menjadi dekat dengan editor St. Petersburg Sovremennik (N.A. Nekrasov menganggap Ostrovsky "tidak diragukan lagi adalah penulis drama pertama"). Pada tahun 1859, kumpulan karya penulis naskah pertama diterbitkan, yang memberinya ketenaran dan kegembiraan manusia.

Selanjutnya, dua tren dalam liputan cara hidup tradisional - kritis, menuduh dan puitis - terwujud sepenuhnya dan menyatu dalam tragedi Ostrovsky The Thunderstorm (1859).

Karya yang ditulis dalam kerangka genre drama sosial ini diberkahi dengan kedalaman yang tragis dan signifikansi historis dari konflik tersebut pada saat yang bersamaan. Bentrokan dua karakter wanita - Katerina Kabanova dan ibu mertuanya Marfa Ignatievna (Kabanikha) - dalam skalanya jauh melebihi konflik antar generasi, tradisional untuk teater Ostrovsky. Karakter tokoh utama (disebut oleh N.A. Dobrolyubov sebagai “seberkas cahaya di kerajaan yang gelap”) terdiri dari beberapa keunggulan: kemampuan untuk mencintai, keinginan untuk kebebasan, hati nurani yang sensitif dan rentan. Menampilkan kealamian, kebebasan batin Katerina, penulis naskah sekaligus menekankan bahwa dia, bagaimanapun, adalah daging dari daging dari cara hidup patriarkal.

Hidup dengan nilai-nilai tradisional, Katerina, setelah mengkhianati suaminya, menyerah pada cintanya pada Boris, mengambil jalan untuk melanggar nilai-nilai ini dan sangat menyadarinya. Drama Katerina yang mencela dirinya sendiri di depan semua orang dan bunuh diri ternyata diberkahi dengan ciri-ciri tragedi seluruh tatanan sejarah yang lambat laun dihancurkan, menjadi bagian dari masa lalu. Cap eskatologis, perasaan akhir, juga ditandai dengan sikap Marfa Kabanova, tokoh antagonis utama Katerina. Pada saat yang sama, lakon Ostrovsky sangat dijiwai dengan pengalaman "puisi kehidupan rakyat" (A. Grigoriev), elemen lagu dan cerita rakyat, rasa keindahan alam (ciri-ciri lanskap hadir dalam sambutannya, berdiri di replika karakter).

Setelah periode besar karya penulis naskah (1861-1886) mengungkapkan kedekatan pencarian Ostrovsky dengan jalur perkembangan novel Rusia kontemporer - dari M.E. Saltykov-Shchedrin ke novel psikologis Tolstoy dan Dostoevsky.

Komedi tahun-tahun "pasca reformasi" bergema dengan kuat dengan tema "uang gila", pencarian diri, karier yang tidak tahu malu dari perwakilan bangsawan miskin, dikombinasikan dengan kekayaan karakteristik psikologis karakter, dengan karakter yang selalu ada. meningkatnya seni konstruksi plot penulis naskah. Jadi, "anti-pahlawan" dari lakon "Enough Stupidity for Every Wise Man" (1868) Egor Glumov agak mirip dengan Molchalin karya Griboyedov. Tapi ini Molchalin dari era baru: Pikiran inventif dan sinisme Glumov untuk saat ini berkontribusi pada karirnya yang memusingkan yang telah dimulai. Kualitas yang sama ini, penulis naskah mengisyaratkan, di akhir komedi tidak akan membiarkan Glumov jatuh ke dalam jurang bahkan setelah pemaparannya. Tema redistribusi berkah hidup, munculnya tipe sosial dan psikologis baru - pengusaha ("Uang Gila", 1869, Vasilkov), dan bahkan pengusaha predator dari bangsawan ("Serigala dan Domba", 1875, Berkutov) ada dalam karya Ostrovsky hingga akhir jalur penulisnya. Pada tahun 1869 Ostrovsky bergabung pernikahan baru setelah kematian Agafya Ivanovna karena TBC. Dari pernikahan keduanya, penulis memiliki lima orang anak.

Genre dan komposisi yang rumit, penuh kiasan sastra, kutipan tersembunyi dan langsung dari sastra klasik Rusia dan asing (Gogol, Cervantes, Shakespeare, Molière, Schiller), komedi The Forest (1870) meringkas dekade pertama pasca reformasi. Drama tersebut menyentuh tema yang dikembangkan oleh orang Rusia prosa psikologis, - kehancuran bertahap dari "sarang bangsawan", penurunan spiritual pemiliknya, stratifikasi kelas kedua dan benturan moral di mana orang terlibat dalam kondisi sejarah dan sosial yang baru. Dalam kekacauan sosial, rumah tangga, dan moral ini, pembawa kemanusiaan dan bangsawan adalah manusia seni - seorang bangsawan dan aktor provinsi Neschastlivtsev yang dideklasifikasi.

Selain "tragedi rakyat" ("Badai Petir"), komedi satir ("Hutan"), Ostrovsky pada tahap akhir karyanya menciptakan dan karya teladan dalam genre drama psikologis ("Mahar", 1878, "Talents and Admirers", 1881, "Guilty Without Guilt", 1884). Penulis drama dalam lakon ini berkembang, secara psikologis memperkaya karakter panggung. Berkorelasi dengan peran panggung tradisional dan dengan gerakan dramatis yang biasa digunakan, karakter dan situasi ternyata dapat berubah dengan cara yang tidak terduga, dengan demikian menunjukkan ambiguitas, ketidakkonsistenan kehidupan batin seseorang, ketidakpastian dari setiap situasi sehari-hari. Paratov bukan hanya seorang "pria fatal", kekasih fatal Larisa Ogudalova, tetapi juga seorang pria dengan perhitungan duniawi yang sederhana dan kasar; Karandyshev - tidak hanya " orang kecil”, yang mentolerir “tuan kehidupan” yang sinis, tetapi juga orang dengan harga diri yang sangat besar dan menyakitkan; Larisa bukan hanya pahlawan wanita yang menderita cinta, idealnya berbeda dari lingkungannya, tetapi juga di bawah pengaruh cita-cita palsu ("Mahar"). Karakter Negina ("Bakat dan Pengagum") secara psikologis diselesaikan secara ambigu oleh penulis naskah: aktris muda tidak hanya memilih jalur melayani seni, lebih memilihnya daripada cinta dan kebahagiaan pribadi, tetapi juga setuju dengan nasib seorang wanita simpanan, yaitu, dia "secara praktis memperkuat" pilihannya. dalam takdir artis terkenal Kruchinina ("Bersalah Tanpa Rasa Bersalah") menjalin pendakian ke Olympus teater dan drama pribadi yang mengerikan. Jadi, Ostrovsky mengikuti jalan yang sebanding dengan jalan prosa realistik Rusia kontemporer - jalan kesadaran yang semakin dalam akan kompleksitas kehidupan batin individu, sifat paradoks dari pilihan yang dibuatnya.

2. Gagasan, tema, dan karakter sosial dalam karya dramatis A.N. Ostrovsky

.1 Kreativitas (demokrasi Ostrovsky)

Pada paruh kedua tahun 1950-an, sejumlah penulis besar (Tolstoy, Turgenev, Goncharov, Ostrovsky) membuat kesepakatan dengan majalah Sovremennik tentang penyediaan preferensial atas karya mereka. Namun segera perjanjian ini dilanggar oleh semua penulis kecuali Ostrovsky. Fakta ini adalah salah satu bukti kedekatan ideologis yang hebat antara penulis drama dengan editor majalah demokrasi revolusioner.

Setelah penutupan Sovremennik, Ostrovsky, mengkonsolidasikan aliansinya dengan kaum demokrat revolusioner, dengan Nekrasov dan Saltykov-Shchedrin, menerbitkan hampir semua dramanya di jurnal Catatan Tanah Air.

Menjadi dewasa secara ideologis, penulis drama mencapai puncak demokrasinya, Westernisme asing, dan Slavofilisme pada akhir tahun 60-an. Dalam kesedihan ideologisnya, dramaturgi Ostrovsky adalah dramaturgi reformisme demokrasi-damai, propaganda pencerahan dan kemanusiaan yang bersemangat, dan perlindungan rakyat pekerja.

Demokrasi Ostrovsky menjelaskan koneksi organik karyanya dengan puisi rakyat lisan, bahan yang sangat dia gunakan dalam kreasi artistiknya.

Penulis naskah sangat mengapresiasi M.E. Saltykov-Shchedrin. Dia berbicara tentang dia "dengan cara yang paling antusias, menyatakan bahwa dia menganggapnya bukan hanya seorang penulis yang luar biasa, dengan metode sindiran yang tak tertandingi, tetapi juga seorang nabi dalam kaitannya dengan masa depan."

Terkait erat dengan Nekrasov, Saltykov-Shchedrin dan para pemimpin lain dari demokrasi tani revolusioner, Ostrovsky, bagaimanapun, bukanlah seorang revolusioner dalam pandangan sosial-politiknya. Dalam karya-karyanya tidak ada seruan untuk transformasi realitas secara revolusioner. Itulah mengapa Dobrolyubov, menyelesaikan artikel "The Dark Kingdom", menulis: "Kita harus mengaku: keluar dari" kerajaan gelap"kami tidak menemukan dalam karya Ostrovsky." Namun dalam totalitas karyanya, Ostrovsky memberikan jawaban yang cukup jelas atas pertanyaan tentang transformasi realitas dari sudut pandang demokrasi reformis yang damai.

Demokrasi karakteristik Ostrovsky menentukan kekuatan luar biasa dari kedok satirnya yang tajam dari kaum bangsawan, borjuasi, dan birokrasi. Dalam sejumlah kasus penyamaran ini dinaikkan ke tingkat kritik yang paling tegas terhadap kelas penguasa.

Kekuatan satir yang menuduh dari banyak drama Ostrovsky sedemikian rupa sehingga secara objektif melayani penyebab transformasi realitas revolusioner, seperti yang dikatakan Dobrolyubov: sisi negatif. Menarik kepada kita dalam gambaran yang jelas tentang hubungan yang salah, dengan segala konsekuensinya, dia melalui hal yang sama berfungsi sebagai gema aspirasi yang membutuhkan perangkat yang lebih baik. Mengakhiri artikel ini, dia berkata, dan bahkan lebih pasti: "Kehidupan Rusia dan kekuatan Rusia dipanggil oleh seniman dalam Badai Petir ke tugas yang menentukan."

Paling banyak tahun-tahun terakhir Ostrovsky memiliki kecenderungan untuk meningkat, yang tercermin dalam penggantian karakteristik sosial yang jelas dengan karakteristik moralisasi abstrak, dalam tampilan motif religius. Untuk semua itu, kecenderungan untuk berkembang tidak melanggar dasar-dasar karya Ostrovsky: ia memanifestasikan dirinya dalam batas-batas demokrasi dan realisme yang melekat padanya.

Setiap penulis dibedakan oleh keingintahuan dan pengamatannya. Tetapi Ostrovsky memiliki kualitas-kualitas ini sampai tingkat tertinggi. Dia menonton di mana-mana: di jalan, di pertemuan bisnis, di perusahaan yang bersahabat.

2.2 Inovasi A.N. Ostrovsky

Inovasi Ostrovsky sudah terwujud dalam materi pelajaran. Dia dengan tajam mengubah dramaturgi ke kehidupan, ke kehidupan sehari-harinya. Dengan lakonnya isi dramaturgi Rusia menjadi hidup sebagaimana adanya.

Mengembangkan topik yang sangat luas pada masanya, Ostrovsky terutama menggunakan materi dari kehidupan dan adat istiadat wilayah Volga atas dan Moskow pada khususnya. Tetapi terlepas dari tempat aksinya, drama Ostrovsky mengungkapkan ciri-ciri esensial dari kelas sosial utama, perkebunan, dan kelompok realitas Rusia pada tahap tertentu perkembangan sejarah mereka. "Ostrovsky," tulis Goncharov dengan benar, "menuliskan seluruh kehidupan Moskow, yaitu negara Rusia Raya."

Seiring dengan peliputan aspek terpenting kehidupan para pedagang, dramaturgi abad ke-18 tidak melewati fenomena pribadi kehidupan pedagang seperti hasrat akan mas kawin, yang disiapkan dalam skala yang mengerikan (“Mempelai Wanita di bawah a Veil, or the Petty-borjuis Wedding” oleh penulis tak dikenal 1789)

Mengekspresikan tuntutan sosio-politik dan selera estetika kaum bangsawan, vaudeville dan melodrama, yang membanjiri teater Rusia pada paruh pertama abad ke-19, sangat meredam perkembangan drama dan komedi sehari-hari, khususnya drama dan komedi bertema pedagang. Ketertarikan teater pada drama dengan tema pedagang baru muncul pada tahun 1930-an.

Jika di akhir tahun 30-an dan di awal tahun 40-an kehidupan para pedagang dalam sastra drama masih dianggap sebagai fenomena baru di teater, maka di paruh kedua tahun 40-an hal itu sudah menjadi klise sastra.

Mengapa Ostrovsky beralih ke tema pedagang sejak awal? Bukan hanya karena hidup pedagang benar-benar mengelilinginya: dia bertemu dengan para pedagang di rumah ayahnya, dalam pelayanan. Di jalanan Zamoskvorechye, tempat dia tinggal selama bertahun-tahun.

Di bawah kondisi disintegrasi hubungan feodal-budak, tuan tanah Rusia dengan cepat berubah menjadi Rusia kapitalis. Borjuasi komersial dan industri dengan cepat maju ke panggung publik. Dalam proses mengubah pemilik tanah Rusia menjadi Rusia kapitalis, Moskow menjadi pusat komersial dan industri. Sudah pada tahun 1832, sebagian besar rumah di dalamnya milik "kelas menengah", yaitu. pedagang dan penduduk kota. Pada tahun 1845, Belinsky menyatakan: “Inti dari penduduk asli Moskow adalah kelas pedagang. Berapa banyak rumah bangsawan tua yang kini telah menjadi milik para pedagang!

Bagian penting dari drama sejarah Ostrovsky dikhususkan untuk peristiwa yang disebut "Waktu Kesulitan". Ini bukan kebetulan. Masa pergolakan "masalah", yang jelas ditandai oleh perjuangan pembebasan nasional rakyat Rusia, dengan jelas menggemakan gerakan petani yang berkembang di tahun 60-an untuk kebebasan mereka, dengan perjuangan tajam dari kekuatan reaksioner dan progresif yang terungkap selama tahun-tahun ini di masyarakat. , dalam jurnalisme dan sastra.

Menggambarkan masa lalu yang jauh, penulis naskah memikirkan masa kini. Mengekspos borok sistem sosial-politik dan kelas penguasa, dia mencambuk tatanan otokratis kontemporer. Menggambar dalam lakon tentang gambaran masa lalu orang-orang yang mengabdi tanpa batas pada tanah air mereka, mereproduksi keagungan spiritual dan keindahan moral rakyat jelata, dengan demikian ia menyatakan simpati kepada rakyat pekerja di masanya.

Drama sejarah Ostrovsky adalah ekspresi aktif dari patriotisme demokratisnya, realisasi efektif dari perjuangannya melawan kekuatan reaksioner modernitas, untuk aspirasi progresifnya.

Drama sejarah Ostrovsky, yang muncul selama tahun-tahun perjuangan sengit antara materialisme, idealisme, ateisme dan agama, demokratisme revolusioner dan reaksi, tidak dapat diangkat ke perisai. Drama Ostrovsky menekankan pentingnya prinsip agama, dan kaum demokrat revolusioner mengobarkan propaganda ateis yang tidak dapat didamaikan.

Selain itu, kritik lanjutan mempersepsikan secara negatif kepergian penulis naskah dari masa kini ke masa lalu. Drama sejarah Ostrovsky kemudian mulai menemukan evaluasi yang kurang lebih objektif. Nilai ideologis dan artistik mereka yang sebenarnya mulai terwujud hanya dalam kritik Soviet.

Ostrovsky, yang menggambarkan masa kini dan masa lalu, terbawa mimpinya ke masa depan. Pada tahun 1873. Dia menciptakan drama dongeng yang indah "The Snow Maiden". Ini adalah utopia sosial. Ini memiliki plot, karakter, dan pengaturan yang luar biasa. Sangat berbeda bentuknya dari lakon sosial penulis drama, ia secara organik memasuki sistem ide-ide demokratis dan humanistik dari karyanya.

DI DALAM sastra kritis tentang The Snow Maiden, dengan tepat ditunjukkan bahwa Ostrovsky menggambarkan di sini sebuah "kerajaan petani", sebuah "komunitas petani", sekali lagi menekankan demokrasinya, hubungan organiknya dengan Nekrasov, yang mengidealkan kaum tani.

Dengan Ostrovsky teater Rusia dalam pengertian modernnya dimulai: penulis menciptakan sekolah teater dan konsep holistik akting di teater.

Inti dari teater Ostrovsky adalah tidak adanya situasi ekstrim dan pertentangan dengan naluri sang aktor. Drama Alexander Nikolaevich menggambarkan situasi biasa dengan orang biasa, yang dramanya masuk ke dalam kehidupan sehari-hari dan psikologi manusia.

Gagasan utama reformasi teater:

· teater harus dibangun berdasarkan konvensi (ada tembok ke-4 yang memisahkan penonton dari para aktor);

· kekekalan sikap terhadap bahasa: penguasaan karakteristik ucapan mengungkapkan hampir semua tentang karakter;

· bertaruh pada lebih dari satu aktor;

· "Orang-orang pergi untuk melihat permainannya, bukan permainan itu sendiri - Anda bisa membacanya."

Teater Ostrovsky menuntut estetika panggung baru, aktor baru. Sesuai dengan ini, Ostrovsky menciptakan ansambel aktor, yang mencakup aktor seperti Martynov, Sergei Vasilyev, Evgeny Samoilov, Prov Sadovsky.

Secara alami, inovasi menemui lawan. Mereka, misalnya, Shchepkin. Dramaturgi Ostrovsky menuntut pelepasan aktor dari kepribadiannya, yang M.S. Shchepkin tidak. Misalnya, dia meninggalkan gladi resik The Thunderstorm, karena sangat tidak puas dengan penulis drama tersebut.

Gagasan Ostrovsky dibawa ke tujuan logisnya oleh Stanislavsky.

.3 Dramaturgi sosial-etis Ostrovsky

Dobrolyubov mengatakan bahwa Ostrovsky "sangat mengungkap dua jenis hubungan - hubungan keluarga dan hubungan properti." Tetapi hubungan ini selalu diberikan kepada mereka dalam kerangka sosial dan moral yang luas.

Dramaturgi Ostrovsky bersifat sosio-etis. Itu menimbulkan dan memecahkan masalah moralitas, perilaku manusia. Goncharov dengan tepat menarik perhatian pada hal ini: “Ostrovsky biasanya disebut penulis kehidupan sehari-hari, moral, tetapi ini tidak mengecualikan sisi mental ... dia tidak memiliki satu permainan pun di mana ini atau itu murni minat, perasaan, kebenaran hidup manusia. tidak terpengaruh.” Penulis "Badai Petir" dan "Mahar" tidak pernah menjadi pekerja harian yang sempit. Melanjutkan tradisi terbaik dari dramaturgi progresif Rusia, ia secara organik menyatu dalam permainannya dengan motif keluarga dan keseharian, moral dan keseharian dengan motif yang sangat sosial atau bahkan sosio-politik.

Inti dari hampir semua lakonnya adalah tema utama dan utama dari resonansi sosial yang hebat, yang diungkapkan dengan bantuan tema pribadi bawahan, kebanyakan tema sehari-hari. Dengan demikian, dramanya memperoleh kompleksitas tematik yang kompleks, keserbagunaan. Jadi, misalnya, tema utama komedi "Orang-orang sendiri - ayo beres!" - predasi tak terkendali, yang menyebabkan kebangkrutan yang berbahaya - dilakukan dalam jalinan organik dengan topik pribadi bawahannya: pendidikan, hubungan antara yang lebih tua dan yang lebih muda, ayah dan anak, hati nurani dan kehormatan, dll.

Sesaat sebelum kemunculan "Thunderstorm" N.A. Dobrolyubov menerbitkan artikel "Kerajaan Kegelapan", di mana dia berpendapat bahwa Ostrovsky "memiliki pemahaman yang mendalam tentang kehidupan Rusia dan pandai menggambarkan aspek terpentingnya dengan tajam dan jelas."

Badai Petir berfungsi sebagai bukti baru tentang kebenaran proposisi yang diungkapkan oleh kritikus demokratik-revolusioner. Dalam The Thunderstorm, penulis drama sejauh ini menunjukkan dengan kekuatan luar biasa bentrokan antara tradisi lama dan tren baru, antara yang tertindas dan yang menindas, antara aspirasi rakyat yang tertindas untuk manifestasi bebas dari kebutuhan spiritual, kecenderungan, minat, dan sosial mereka. dan tatanan keluarga-rumah tangga yang mendominasi dalam kondisi kehidupan pra-reformasi.

Memecahkan masalah mendesak anak-anak haram, ketidakberdayaan sosial mereka, Ostrovsky pada tahun 1883 menciptakan lakon Guilty Without Guilt. Masalah ini disinggung dalam literatur sebelum dan sesudah Ostrovsky. Fiksi demokrasi memberikan perhatian khusus padanya. Tetapi tidak ada karya lain yang tema ini terdengar dengan hasrat yang begitu dalam seperti dalam lakon Guilty Without Guilt. Mengkonfirmasi relevansinya, seorang penulis drama kontemporer menulis: "Pertanyaan tentang nasib anak haram adalah pertanyaan yang melekat di semua kelas."

Dalam lakon ini, masalah kedua juga keras - seni. Ostrovsky dengan terampil, dengan benar mengikat mereka menjadi satu simpul. Dia mengubah seorang ibu yang mencari anaknya menjadi seorang aktris dan membuka semua acara di lingkungan artistik. Dengan demikian, dua masalah heterogen bergabung menjadi proses kehidupan yang tidak dapat dipisahkan secara organik.

Cara untuk membuat sebuah karya seni sangat beragam. Penulis dapat beralih dari fakta nyata yang menimpanya atau masalah, ide yang membuatnya bersemangat, dari kekenyangan pengalaman hidup atau dari imajinasi. SEBUAH. Ostrovsky, sebagai suatu peraturan, memulai dari fenomena konkret realitas, tetapi pada saat yang sama ia mempertahankan gagasan tertentu. Penulis drama sepenuhnya berbagi penilaian Gogol bahwa “ide, pemikiran mengatur drama itu. Tanpa itu, tidak ada kesatuan di dalamnya.” Dipandu oleh posisi ini, pada 11 Oktober 1872, dia menulis kepada rekan penulisnya N.Ya. Solovyov: "Saya mengerjakan" The Savage Woman "sepanjang musim panas, dan saya berpikir selama dua tahun, saya tidak hanya tidak memiliki satu karakter atau posisi, tetapi tidak ada satu frasa pun yang tidak sepenuhnya mengikuti ide ... "

Penulis drama selalu menjadi lawan dari didaktik frontal yang menjadi ciri khas klasisisme, tetapi pada saat yang sama ia membela perlunya kejelasan yang lengkap. posisi penulis. Dalam lakonnya, orang selalu bisa merasakan penulis-warga negara, patriot negaranya, putra bangsanya, pejuang keadilan sosial, bertindak sebagai pembela yang bersemangat, pengacara, atau sebagai hakim dan jaksa penuntut.

Posisi sosial, ideologis, dan ideologis Ostrovsky terungkap dengan jelas dalam kaitannya dengan berbagai kelas dan karakter sosial yang digambarkan. Menampilkan para pedagang, Ostrovsky mengungkapkan dengan penuh keegoisan predatornya.

Bersamaan dengan keegoisan, ciri esensial borjuasi yang digambarkan oleh Ostrovsky adalah keserakahan, disertai keserakahan yang tak terpuaskan dan kecurangan yang tak tahu malu. Keserakahan serakah dari kelas ini menghabiskan semuanya. Perasaan yang baik, persahabatan, kehormatan, hati nurani ditukar di sini dengan uang. Kilau emas membayangi di lingkungan ini semua konsep moralitas dan kejujuran yang biasa. Di sini, seorang ibu kaya memberikan anak perempuan satu-satunya kepada seorang lelaki tua hanya karena dia "tidak mematuk uang" ("Gambar Keluarga"), dan seorang ayah kaya sedang mencari pengantin pria untuk putrinya, yang juga satu-satunya anak perempuan, mengingat hanya itu dia memiliki “ ada uang dan mahar yang lebih kecil sakit "(" "Orang-orang sendiri - mari kita selesaikan!").

Dalam lingkungan perdagangan yang digambarkan oleh Ostrovsky, tidak ada yang memperhitungkan pendapat, keinginan, dan minat orang lain, hanya mempertimbangkan keinginan dan kesewenang-wenangan pribadi mereka sebagai dasar aktivitas mereka.

Ciri integral dari borjuasi komersial dan industri yang digambarkan oleh Ostrovsky adalah kemunafikan. Para pedagang berusaha menyembunyikan sifat curang mereka di bawah topeng ketenangan dan kesalehan. Agama kemunafikan yang dianut para pedagang menjadi esensi mereka.

Egoisme predator, keserakahan yang tamak, kepraktisan yang sempit, kurangnya pertanyaan spiritual, ketidaktahuan, tirani, kemunafikan dan kemunafikan - ini adalah ciri-ciri moral dan psikologis terkemuka dari borjuasi komersial dan industri pra-reformasi yang digambarkan oleh Ostrovsky, sifat-sifat esensialnya.

Mereproduksi borjuasi komersial dan industri pra-reformasi dengan cara hidup pra-konstruksinya, Ostrovsky dengan jelas menunjukkan bahwa dalam kehidupan kekuatan-kekuatan yang menentangnya telah tumbuh, tak terelakkan merusak fondasinya. Tanah di bawah kaki para lalim yang memanjakan diri menjadi semakin goyah, menandakan akhir mereka yang tak terelakkan di masa depan.

Realitas pasca reformasi banyak mengubah posisi para pedagang. Pesatnya perkembangan industri, pertumbuhan pasar dalam negeri, dan perluasan hubungan perdagangan dengan negara-negara asing telah mengubah kaum borjuasi komersial dan industri tidak hanya menjadi kekuatan ekonomi tetapi juga menjadi kekuatan politik. Jenis pedagang lama sebelum reformasi mulai digantikan dengan yang baru. Seorang pedagang dari kelompok yang berbeda datang untuk menggantikannya.

Menanggapi hal baru yang diperkenalkan oleh realitas pasca-reformasi ke dalam kehidupan dan adat istiadat para pedagang, Ostrovsky bahkan lebih tajam lagi dalam lakonnya menampilkan perjuangan peradaban dengan patriarki, fenomena baru dengan zaman kuno.

Mengikuti perubahan peristiwa, penulis naskah dalam sejumlah lakonnya menarik tipe baru pedagang, dibentuk setelah 1861. Memperoleh kilau Eropa, pedagang ini menyembunyikan esensi egois dan predatornya di bawah masuk akal eksternal.

Menarik perwakilan dari borjuasi komersial dan industri di era pasca-reformasi, Ostrovsky mengungkap utilitarianisme, pikiran sempit, kemiskinan spiritual, keasyikan dengan kepentingan penimbunan dan kenyamanan rumah tangga. “Kaum borjuis,” kita membaca dalam Manifesto Komunis, “terputus hubungan keluarga sampul mereka yang sangat sentimental dan mereduksinya menjadi hubungan moneter murni. Kami melihat konfirmasi yang meyakinkan dari posisi ini dalam keluarga dan hubungan sehari-hari baik dari pra-reformasi dan, khususnya, borjuasi Rusia pasca-reformasi, yang digambarkan oleh Ostrovsky.

Perkawinan dan hubungan keluarga berada di bawah kepentingan kewirausahaan dan keuntungan.

Peradaban tidak diragukan lagi telah merampingkan teknik hubungan profesional antara borjuasi komersial dan industri dan telah memberinya kilasan budaya eksternal. Tetapi esensi dari praktik sosial borjuasi pra-reformasi dan pasca-reformasi tetap tidak berubah.

Membandingkan kaum borjuasi dengan kaum bangsawan, Ostrovsky lebih memilih kaum borjuasi, tetapi tidak di mana pun, kecuali tiga drama- "Jangan duduk di giringmu", "Kemiskinan bukanlah sifat buruk", "Jangan hidup seperti yang kamu inginkan", - tidak mengidealkannya sebagai harta benda. Jelas bagi Ostrovsky bahwa fondasi moral dari perwakilan borjuasi ditentukan oleh kondisi lingkungan mereka, keberadaan sosial mereka, yang merupakan ekspresi khusus dari sistem, yang didasarkan pada despotisme, kekuatan kekayaan. Aktivitas komersial dan kewirausahaan borjuasi tidak dapat berfungsi sebagai sumber pertumbuhan spiritual kepribadian manusia, kemanusiaan dan moralitas. Praktik sosial kaum borjuasi hanya dapat menjelekkan kepribadian manusia, menanamkan sifat individualistis dan anti-sosial di dalamnya. Kaum borjuis, yang secara historis menggantikan kaum bangsawan, pada hakikatnya kejam. Tapi itu telah menjadi kekuatan tidak hanya ekonomi, tetapi juga politik. Sementara para pedagang Gogol takut pada walikota seperti api dan berkubang di kakinya, para pedagang Ostrovsky memperlakukan walikota dengan akrab.

Menggambarkan urusan dan hari-hari borjuasi komersial dan industri, generasi tua dan mudanya, penulis drama menunjukkan galeri gambar yang penuh dengan orisinalitas individu, tetapi, biasanya, tanpa jiwa dan hati, tanpa rasa malu dan hati nurani, tanpa belas kasihan dan kasih sayang. .

Birokrasi Rusia pada paruh kedua abad ke-19, dengan ciri khas karirisme, penggelapan, dan penyuapan, juga menjadi sasaran kritik keras oleh Ostrovsky. Mengekspresikan kepentingan kaum bangsawan dan kaum borjuasi, sebenarnya merupakan kekuatan sosial-politik yang dominan. “Otokrasi tsar adalah,” kata Lenin, “otokrasi para pejabat.”

Kekuasaan birokrasi, yang ditujukan untuk kepentingan rakyat, tidak terkendali. Perwakilan dari dunia birokrasi adalah Vyshnevskys ("Tempat yang Menguntungkan"), Potrokhovs ("Roti Buruh"), Gnevyshevs ("Pengantin Kaya") dan Benevolenskys ("Pengantin Miskin").

Konsep keadilan dan Harga diri manusia ada di dunia birokrasi dalam arti egois, sangat vulgar.

Mengungkap mekanisme kemahakuasaan birokrasi, Ostrovsky melukiskan gambaran formalisme mengerikan yang menghidupkan pengusaha gelap seperti Zakhar Zakharych ("Mabuk di Pesta Aneh") dan Mudrov ("Hari-Hari Sulit").

Wajar jika perwakilan dari kemahakuasaan otokratis-birokrasi adalah pencekik pemikiran politik bebas apa pun.

Penggelapan, penyuapan, sumpah palsu, menutupi kejahatan dan menenggelamkan alasan yang adil dalam aliran kertas gosip licik kasuistik, orang-orang ini hancur secara moral, semua manusia di dalamnya lapuk, tidak ada yang disayangi untuk mereka: hati nurani dan kehormatan dijual demi keuntungan tempat, pangkat, uang.

Ostrovsky dengan meyakinkan menunjukkan penggabungan organik birokrasi, birokrasi dengan kaum bangsawan dan borjuasi, kesatuan kepentingan ekonomi dan sosial-politik mereka.

Mereproduksi para pahlawan dari kehidupan birokrasi borjuis konservatif dengan kekasaran dan ketidaktahuan mereka yang tidak dapat ditembus, keserakahan dan kekasaran karnivora, penulis drama menciptakan trilogi yang luar biasa tentang Balzaminov.

Melihat ke depan dalam mimpinya ke masa depan, ketika dia menikahi seorang pengantin wanita kaya, pahlawan trilogi ini berkata: “Pertama, saya akan menjahit sendiri jubah biru dengan lapisan beludru hitam ... Saya akan membeli sendiri kuda abu-abu dan sebuah balap droshky dan berkendara di sepanjang Hook, ibu, dan dia memerintah ... ".

Balzaminov adalah personifikasi dari batasan birokrasi borjuis kecil yang vulgar. Ini adalah jenis kekuatan generalisasi yang hebat.

Tetapi bagian penting dari birokrasi kecil, yang secara sosial berada di antara batu dan tempat yang keras, menanggung penindasan dari sistem otokratis-despotik. Di antara pejabat kecil banyak pekerja jujur ​​\u200b\u200byang membungkuk, dan sering jatuh di bawah beban yang tak tertahankan. ketidakadilan sosial, kekurangan dan kebutuhan. Ostrovsky memperlakukan para pekerja ini dengan penuh perhatian dan simpati. Dia mendedikasikan sejumlah drama untuk orang-orang kecil di dunia birokrasi, di mana mereka bertindak sebagaimana adanya: baik dan jahat, pintar dan bodoh, tetapi keduanya melarat, kehilangan kesempatan untuk mengungkapkan kemampuan terbaik mereka.

Lebih akut merasakan pelanggaran sosial mereka, lebih dalam merasakan kesia-siaan mereka dengan satu atau lain cara yang luar biasa. Jadi hidup mereka sebagian besar tragis.

Perwakilan dari kaum intelektual yang bekerja dalam citra Ostrovsky adalah orang-orang yang memiliki semangat spiritual dan optimisme yang cerah, niat baik, dan humanisme.

Keterusterangan yang berprinsip, kemurnian moral, keyakinan yang kuat pada kebenaran perbuatan seseorang dan optimisme cemerlang dari kaum intelektual yang bekerja mendapatkan dukungan yang kuat dari Ostrovsky. Menggambarkan perwakilan dari inteligensia pekerja sebagai patriot sejati tanah air mereka, sebagai pembawa cahaya, yang dirancang untuk menghilangkan kegelapan kerajaan gelap, berdasarkan kekuatan modal dan hak istimewa, kesewenang-wenangan dan kekerasan, penulis drama menempatkan pemikirannya yang disayangi ke dalam pikiran mereka. pidato.

Simpati Ostrovsky tidak hanya dimiliki oleh kaum intelektual pekerja, tetapi juga oleh pekerja biasa. Dia menemukan mereka di antara filistinisme - kelas yang beraneka ragam, kompleks, dan kontradiktif. Dengan aspirasi mereka sendiri, kaum filistin bersebelahan dengan borjuasi, dan dengan esensi kerja mereka, untuk orang awam. Ostrovsky menggambarkan dari perkebunan ini sebagian besar pekerja, menunjukkan simpati yang jelas bagi mereka.

Biasanya, orang biasa dalam lakon Ostrovsky adalah pembawa kecerdasan alami, kemuliaan spiritual, kejujuran, kepolosan, kebaikan, martabat manusia, dan ketulusan hati.

menunjukkan orang yang bekerja kota-kota, Ostrovsky menembus dengan rasa hormat yang dalam atas jasa spiritual mereka dan simpati yang kuat atas penderitaan mereka. Dia bertindak sebagai pembela langsung dan konsisten dari strata sosial ini.

Memperdalam kecenderungan satir dari dramaturgi Rusia, Ostrovsky bertindak sebagai pengecam tanpa ampun dari kelas-kelas yang mengeksploitasi dan, dengan demikian, sistem otokratis. Penulis drama menggambarkan sistem sosial di mana nilai kepribadian manusia hanya ditentukan olehnya kekayaan materi di mana pekerja miskin mengalami beban dan keputusasaan, sementara para karieris dan penerima suap menjadi makmur dan menang. Karena itu, penulis naskah itu menunjukkan ketidakadilan dan kebejatannya.

Itulah sebabnya dalam komedi dan dramanya, semua karakter positif didominasi dalam situasi dramatis: mereka menderita, menderita, dan bahkan mati. Kebahagiaan mereka tidak disengaja atau imajiner.

Ostrovsky berada di pihak protes yang berkembang ini, melihatnya sebagai tanda zaman, ekspresi gerakan nasional, awal dari apa yang akan mengubah semua kehidupan demi kepentingan rakyat pekerja.

Menjadi salah satu perwakilan paling cemerlang dari realisme kritis Rusia, Ostrovsky tidak hanya menyangkal, tetapi juga menegaskan. Menggunakan semua kemungkinan keahliannya, penulis drama menyerang mereka yang menindas orang dan merusak jiwa mereka. Menyerap karyanya dengan patriotisme demokratis, dia berkata: "Sebagai orang Rusia, saya siap mengorbankan semua yang saya bisa untuk tanah air."

Membandingkan drama Ostrovsky dengan novel dan cerita yang menuduh liberal kontemporer, Dobrolyubov dengan tepat menulis dalam artikel “A Ray of Light in the Dark Kingdom”: “Tidak mungkin untuk tidak mengakui bahwa karya Ostrovsky jauh lebih bermanfaat: dia menangkap aspirasi umum seperti itu. dan kebutuhan yang meresapi seluruh masyarakat Rusia yang suaranya terdengar dalam semua fenomena kehidupan kita, yang kepuasannya merupakan syarat yang diperlukan untuk perkembangan kita selanjutnya.

Kesimpulan

Sebagian besar dramaturgi Eropa Barat abad ke-19 mencerminkan perasaan dan pemikiran borjuasi, yang mendominasi semua bidang kehidupan, memuji moral dan pahlawannya, dan menegaskan tatanan kapitalis. Ostrovsky mengungkapkan suasana hatinya prinsip moral, ide-ide strata buruh negara. Dan ini menentukan ketinggian ideologinya, kekuatan protes publiknya, kejujuran dalam penggambarannya tentang jenis-jenis realitas yang begitu jelas menonjol dengan latar belakang semua drama dunia pada masanya.

Aktivitas kreatif Ostrovsky memiliki pengaruh yang kuat pada seluruh perkembangan lebih lanjut dari drama progresif Rusia. Dari dialah penulis drama terbaik kami belajar, dia mengajar. Baginya penulis drama yang bercita-cita tinggi tertarik pada masanya.

Ostrovsky memiliki pengaruh yang luar biasa pada perkembangan lebih lanjut dari drama dan seni teater Rusia. DI DAN. Nemirovich-Danchenko dan K.S. Stanislavsky, pendiri Teater Seni Moskow, berusaha menciptakan "teater rakyat dengan tugas dan rencana yang kurang lebih sama seperti yang diimpikan Ostrovsky". Inovasi dramatis Chekhov dan Gorky tidak mungkin terjadi tanpa menguasai tradisi terbaik dari pendahulunya yang luar biasa. Ostrovsky menjadi sekutu dan rekan penulis drama, sutradara, dan aktor dalam perjuangan mereka untuk kebangsaan dan ideologi seni Soviet yang tinggi.

Bibliografi

Drama etis dramatis Ostrovsky

1.Andreev I.M. “Jalur kreatif A.N. Ostrovsky "M., 1989

2.Zhuravleva A.I. "SEBUAH. Ostrovsky - komedian "M., 1981

.Zhuravleva A.I., Nekrasov V.N. “Teater A.N. Ostrovsky "M., 1986

.Kazakov N.Yu. “Kehidupan dan karya A.N. Ostrovsky "M., 2003

.Kogan L.R. “Kronik kehidupan dan karya A.N. Ostrovsky "M., 1953

.Lakshin V. “Teater A.N. Ostrovsky "M., 1985

.Malygin A.A. “Seni Drama oleh A.N. Ostrovsky "M., 2005

Sumber daya internet:

.#"membenarkan">9. Lib.ru/klasik. Az.lib.ru

.Shchelykovo www. Shelykovo.ru

.#"membenarkan">. #"membenarkan">. http://www.noisette-software.com

Karya serupa dengan - Peran Ostrovsky dalam penciptaan repertoar nasional

Kehidupan sastra Rusia diaduk ketika drama pertama Ostrovsky memasukinya: pertama dalam membaca, kemudian dalam publikasi majalah, dan, akhirnya, dari panggung. Mungkin warisan kritis terbesar dan diperkirakan paling mendalam yang didedikasikan untuk dramaturginya ditinggalkan oleh Ap.A. Grigoriev, seorang teman dan pengagum karya penulis, dan N.A. Dobrolyubov. Artikel Dobrolyubov "A Ray of Light in the Dark Kingdom" tentang drama "Thunderstorm" telah menjadi terkenal, sebuah buku teks.

Mari kita beralih ke perkiraan Ap.A. Grigoriev. Artikel tambahan berjudul “Setelah Badai Petir Ostrovsky. Surat kepada Ivan Sergeevich Turgenev ”(1860), dalam banyak hal bertentangan dengan pendapat Dobrolyubov, berdebat dengannya. Ketidaksepakatan itu mendasar: dua kritikus menganut pemahaman yang berbeda tentang kebangsaan dalam sastra. Grigoriev menganggap kebangsaan bukan sebagai cerminan dalam karya artistik kehidupan massa pekerja, seperti Dobrolyubov, tetapi sebagai ekspresi semangat umum rakyat, terlepas dari posisi dan kelas. Dari sudut pandang Grigoriev, Dobrolyubov mereduksi masalah kompleks dari drama Ostrovsky menjadi kecaman terhadap tirani dan "kerajaan gelap" secara umum, dan menugaskan penulis drama hanya peran sebagai satiris-penyebut. Tapi bukan "humor jahat satiris", tapi "kebenaran naif dari penyair rakyat" - inilah kekuatan bakat Ostrovsky, seperti yang dilihat Grigoriev. Grigoriev menyebut Ostrovsky "seorang penyair yang bermain dalam segala hal dalam kehidupan rakyat". “Nama penulis ini, untuk penulis yang begitu hebat, terlepas dari kekurangannya, bukanlah satiris, tapi penyair rakyat”- ini adalah tesis utama Ap.A. Grigorieva dalam polemik dengan N.A. Dobrolyubov.

Posisi ketiga, yang tidak sesuai dengan keduanya, dipegang oleh D.I. Pisarev. Dalam artikel "Motives of Russian Drama" (1864), dia benar-benar menyangkal segala sesuatu yang positif dan cemerlang bahwa Ap.A. Grigoriev dan N.A. Dobrolyubov terlihat dalam gambar Katerina di The Thunderstorm. Pisarev yang "realis" memiliki pandangan yang berbeda: kehidupan Rusia "tidak mengandung kecenderungan pembaruan independen", dan hanya orang-orang seperti V.G. Belinsky, tipe yang muncul dalam gambar Bazarov dalam "Fathers and Sons" oleh I.S. Turgenev. kegelapan dunia seni Ostrovsky tidak ada harapan.

Terakhir, mari kita memikirkan posisi penulis naskah dan tokoh masyarakat A.N. Ostrovsky dalam konteks perjuangan dalam sastra Rusia antara arus ideologis pemikiran sosial Rusia - Slavofilisme dan Westernisme. Waktu kolaborasi Ostrovsky dengan majalah Moskvityanin MP Pogodin sering dikaitkan dengan pandangan Slavophile-nya. Tetapi penulis jauh lebih luas dari posisi ini. Pernyataan periode ini ditangkap oleh seseorang, ketika dari Zamoskvorechye-nya dia melihat ke Kremlin di tepi seberang dan berkata: "Mengapa pagoda ini dibangun di sini?" (tampaknya, jelas “Westernisasi”), juga tidak mencerminkan cita-citanya yang sebenarnya. Ostrovsky bukanlah seorang Westernizer atau seorang Slavophile. Bakat rakyat yang kuat, orisinal, dan penulis drama berkembang selama pembentukan dan kebangkitan seni realistik Rusia. Jenius P.I. Tchaikovsky; muncul pada pergantian tahun 1850-1860-an XIX komunitas kreatif abad komposer Rusia "Mighty Handful"; Lukisan realistik Rusia berkembang pesat: I.E. Repin, V.G. Perov, I. N. Kramskoy dan seniman besar lainnya - itulah kehidupan sibuk yang kaya akan bakat seni rupa dan seni musik babak kedua XIX abad. Potret A. N. Ostrovsky milik V. G. Perov, N. A. Rimsky-Korsakov menciptakan sebuah opera berdasarkan dongeng "The Snow Maiden". SEBUAH. Ostrovsky memasuki dunia seni Rusia secara alami dan benar.

Adapun teater itu sendiri, penulis naskah itu sendiri, menilai kehidupan artistik tahun 1840-an - saat pencarian sastra pertamanya, berbicara tentang berbagai macam aliran ideologis dan minat artistik, banyak kalangan, tetapi pada saat yang sama mencatat bahwa setiap orang dipersatukan oleh kesamaan menggila teater. Para penulis tahun 1840-an, yang tergabung dalam sekolah alam, penulis esai sehari-hari (koleksi pertama sekolah alam disebut "Fisiologi St. Petersburg", 1844-1845) memasukkan artikel oleh V.G. Belinsky " Teater Alexandrinsky". Teater dianggap sebagai tempat di mana kelas-kelas masyarakat bertabrakan, "untuk cukup melihat satu sama lain". Dan teater ini sedang menunggu penulis naskah dengan skala seperti itu, yang terwujud dalam A.N. Ostrovsky. Arti penting karya Ostrovsky untuk sastra Rusia sangat luar biasa: dia benar-benar penerus tradisi Gogol dan pendiri teater nasional Rusia yang baru, yang tanpanya penampilan A.P. Chekhov. Paruh kedua abad ke-19 dalam sastra Eropa tidak memberikan satu pun penulis drama yang skalanya sebanding dengan A. N. Ostrovsky. Perkembangan sastra Eropa berjalan berbeda. romantisme Prancis V. Hugo, George Sand, realisme kritis Stendhal, P. Merimee, O. de Balzac, lalu karya H. Flaubert, realisme kritis Inggris Ch. pertama-tama - ke novel, dan (tidak begitu terlihat ) pada lirik. Masalah, karakter, plot, penggambaran karakter Rusia dan kehidupan Rusia dalam drama Ostrovsky begitu unik secara nasional, begitu dapat dimengerti dan selaras dengan pembaca dan penonton Rusia sehingga penulis naskah tidak memiliki pengaruh yang besar pada proses sastra dunia seperti yang dilakukan Chekhov nanti. telah melakukan. Dan dalam banyak hal alasannya adalah bahasa drama Ostrovsky: ternyata tidak mungkin untuk menerjemahkannya, mempertahankan esensi aslinya, untuk menyampaikan hal spesial dan spesial yang membuat penonton terpesona.

Sumber (ringkasan): Mikhalskaya, A.K. Literatur: Tingkat dasar dari: Kelas 10. Jam 2. Bagian 1: akun. tunjangan / A.K. Mikhalskaya, O.N. Zaitsev. - M.: Bustard, 2018

(1843 – 1886).

Alexander Nikolaevich "Ostrovsky adalah "raksasa sastra teater" (Lunacharsky), ia menciptakan teater Rusia, seluruh repertoar tempat banyak generasi aktor dibesarkan, tradisi seni panggung diperkuat dan dikembangkan. Sulit untuk melebih-lebihkan perannya dalam sejarah perkembangan drama Rusia dan seluruh budaya nasional... Dia melakukan banyak hal untuk perkembangan dramaturgi Rusia seperti yang dilakukan Shakespeare di Inggris, Lope de Vega di Spanyol, Molière di Prancis, Goldoni di Italia, dan Schiller di Jerman.

"Sejarah meninggalkan nama yang hebat dan cemerlang hanya untuk para penulis yang tahu bagaimana menulis untuk seluruh rakyat, dan hanya karya-karya yang bertahan selama berabad-abad yang benar-benar populer di rumah; karya-karya seperti itu akhirnya dapat dimengerti dan berharga bagi orang lain, dan akhirnya, dan untuk seluruh dunia." Kata-kata dari penulis drama hebat Alexander Nikolayevich Ostrovsky ini dapat dikaitkan dengan karyanya sendiri.

Terlepas dari pelecehan yang dilakukan oleh sensor, komite teater dan sastra serta direktorat teater kekaisaran, terlepas dari kritik dari kalangan reaksioner, dramaturgi Ostrovsky semakin mendapat simpati setiap tahun baik di kalangan penonton demokratis maupun di kalangan seniman.

Mengembangkan tradisi terbaik seni drama Rusia, menggunakan pengalaman dramaturgi asing progresif, tanpa lelah belajar tentang kehidupan negara asalnya, terus berkomunikasi dengan orang-orang, berhubungan erat dengan publik kontemporer paling progresif, Ostrovsky menjadi gambaran kehidupan yang luar biasa pada masanya, yang mewujudkan impian Gogol, Belinsky, dan tokoh progresif lainnya, literatur tentang penampilan dan kejayaan karakter Rusia di panggung nasional.

Aktivitas kreatif Ostrovsky memiliki pengaruh besar pada seluruh perkembangan lebih lanjut dari drama progresif Rusia. Dari dialah penulis drama terbaik kami belajar, dia mengajar. Baginya penulis drama yang bercita-cita tinggi tertarik pada masanya.

Kuatnya pengaruh Ostrovsky terhadap para penulis pada zamannya dapat dibuktikan dengan sepucuk surat kepada penulis drama penyair A. D. Mysovskaya. “Tahukah Anda seberapa besar pengaruh Anda terhadap saya? Bukan kecintaan pada seni yang membuat saya mengerti dan menghargai Anda: sebaliknya, Anda mengajari saya untuk mencintai dan menghormati seni. Saya berhutang budi kepada Anda sendirian karena fakta bahwa saya menahan godaan untuk jatuh ke arena sastra biasa-biasa saja yang menyedihkan, tidak mengejar kemenangan murah yang dilemparkan oleh tangan setengah terpelajar yang manis dan asam. Anda dan Nekrasov membuat saya jatuh cinta pada pemikiran dan pekerjaan, tetapi Nekrasov hanya memberi saya dorongan pertama, Anda adalah arahnya. Membaca karya Anda, saya menyadari bahwa berima bukanlah puisi, dan sekumpulan frasa bukanlah sastra, dan hanya dengan mengolah pikiran dan teknik, seniman akan menjadi seniman sejati.

Ostrovsky memiliki pengaruh yang kuat tidak hanya pada perkembangan drama domestik, tetapi juga pada perkembangan teater Rusia. Pentingnya Ostrovsky yang sangat besar dalam perkembangan teater Rusia ditekankan dengan baik dalam sebuah puisi yang didedikasikan untuk Ostrovsky dan dibacakan pada tahun 1903 oleh M. N. Yermolova dari panggung Teater Maly:

Di atas panggung, hidup itu sendiri, dari panggung berhembus kebenaran,

Dan matahari yang cerah membelai dan menghangatkan kita ...

Pidato langsung dari suara orang biasa yang hidup,

Di atas panggung, bukan "pahlawan", bukan malaikat, bukan penjahat,

Tapi hanya seorang pria ... Aktor yang bahagia

Terburu-buru untuk segera mematahkan belenggu yang berat

Kondisi dan kebohongan. Kata-kata dan perasaan adalah hal baru

Tetapi dalam rahasia jiwa, jawabannya terdengar bagi mereka, -

Dan semua mulut berbisik: berbahagialah sang penyair,

Sobek penutup perada yang lusuh

Dan menumpahkan cahaya terang ke kerajaan kegelapan

Aktris terkenal itu menulis tentang hal yang sama pada tahun 1924 dalam memoarnya: “Bersama dengan Ostrovsky, kebenaran itu sendiri dan kehidupan itu sendiri muncul di atas panggung ... Pertumbuhan drama orisinal dimulai, penuh dengan tanggapan terhadap modernitas ... Mereka mulai berbicara tentang miskin, terhina dan terhina.”

Arah realistis, diredam oleh kebijakan teatrikal otokrasi, dilanjutkan dan diperdalam oleh Ostrovsky, mengubah teater ke jalur hubungan yang erat dengan kenyataan. Hanya itu yang menghidupkan teater sebagai teater rakyat nasional, Rusia.

“Anda membawa seluruh perpustakaan karya seni sebagai hadiah untuk sastra, Anda menciptakan dunia khusus Anda sendiri untuk panggung. Anda sendiri yang menyelesaikan bangunan itu, yang di atasnya diletakkan batu penjuru Fonvizin, Griboyedov, Gogol. Surat yang luar biasa ini diterima di antara ucapan selamat lainnya di tahun peringatan tiga puluh lima tahun aktivitas sastra dan teater Alexander Nikolaevich Ostrovsky dari penulis hebat Rusia lainnya - Goncharov.

Tetapi jauh sebelumnya, tentang karya pertama dari Ostrovsky yang masih muda, diterbitkan di Moskvityanin, seorang ahli keanggunan yang halus dan pengamat yang peka V. F. Odoevsky menulis: pria ini adalah bakat yang hebat. Saya menganggap tiga tragedi di Rus': "Undergrowth", "Woe from Wit", "Inspector". Saya menempatkan nomor empat pada Bangkrut.

Dari penilaian pertama yang begitu menjanjikan hingga surat peringatan Goncharov - kehidupan yang penuh dan sibuk; kerja keras, dan mengarah pada hubungan penilaian yang logis, karena bakat membutuhkan, pertama-tama, kerja keras untuk dirinya sendiri, dan penulis naskah tidak berdosa di hadapan Tuhan - dia tidak mengubur bakatnya di dalam tanah. Setelah menerbitkan karya pertamanya pada tahun 1847, Ostrovsky telah menulis 47 drama, dan menerjemahkan lebih dari dua puluh drama dari bahasa Eropa. Dan secara total, dalam teater rakyat yang diciptakannya, ada sekitar seribu aktor.

Sesaat sebelum kematiannya, pada tahun 1886, Alexander Nikolayevich menerima sepucuk surat dari L. N. Tolstoy, di mana penulis prosa yang brilian itu mengakui: “Saya tahu dari pengalaman bagaimana orang membaca, mendengarkan, dan mengingat barang-barang Anda, dan oleh karena itu saya ingin membantu Anda sekarang dengan cepat menjadi kenyataan seperti Anda, tidak diragukan lagi, seorang penulis dari seluruh orang dalam arti luas.

Bahkan sebelum Ostrovsky, dramaturgi progresif Rusia memiliki drama yang luar biasa. Mari kita ingat "Undergrowth" dari Fonvizin, "Woe from Wit" dari Griboedov, "Boris Godunov" dari Pushkin, "Inspektur Jenderal" dari Gogol dan "Masquerade" dari Lermontov. Masing-masing drama ini dapat memperkaya dan memperindah, seperti yang ditulis Belinsky dengan tepat, sastra di negara Eropa Barat mana pun.

Tapi drama ini terlalu sedikit. Dan mereka tidak menentukan keadaan repertoar teater. Secara kiasan, mereka menjulang di atas tingkat dramaturgi massal seperti gunung langka yang sepi di dataran gurun yang tak berujung. Sebagian besar drama yang mengisi panggung teater saat itu adalah terjemahan dari vaudeville yang kosong dan sembrono serta melodrama sentimental yang dijalin dari kengerian dan kejahatan. Baik vaudeville dan melodrama, sangat jauh dari kehidupan, bahkan bukan bayangannya.

Dalam perkembangan dramaturgi Rusia dan teater domestik, kemunculan lakon oleh A.N. Ostrovsky merupakan satu era yang utuh. Mereka dengan tajam menghidupkan kembali dramaturgi dan teater, ke kebenarannya, menjadi apa yang benar-benar menyentuh dan menggairahkan orang-orang dari lapisan masyarakat yang tidak mampu, orang-orang pekerja. Menciptakan "permainan hidup", sebagaimana Dobrolyubov menyebutnya, Ostrovsky bertindak sebagai ksatria kebenaran yang tak kenal takut, pejuang yang tak kenal lelah melawan kerajaan gelap otokrasi, pengekspos tanpa ampun dari kelas penguasa - bangsawan, borjuasi, dan pejabat yang dengan setia melayani mereka.

Tetapi Ostrovsky tidak terbatas pada peran penuduh satir. Dia dengan jelas dan simpatik menggambarkan para korban sosio-politik dan despotisme domestik, pekerja, pencari kebenaran, pencerahan, Protestan yang ramah terhadap kesewenang-wenangan dan kekerasan.

Penulis drama tidak hanya menjadikan orang-orang yang bekerja dan maju, pembawa kebenaran dan kebijaksanaan rakyat, pahlawan positif dari lakonnya, tetapi juga menulis atas nama rakyat dan untuk rakyat.

Ostrovsky menggambarkan dalam lakonnya prosa kehidupan, orang biasa dalam keadaan sehari-hari. Mengambil masalah universal kejahatan dan kebaikan, kebenaran dan ketidakadilan, keindahan dan keburukan sebagai isi dari lakonnya, Ostrovsky hidup lebih lama dari zamannya dan memasuki era kita sebagai orang sezamannya.

Jalur kreatif A.N. Ostrovsky berlangsung selama empat dekade. Dia menulis karya pertamanya pada tahun 1846, dan yang terakhir pada tahun 1886.

Selama waktu ini, ia menulis 47 drama orisinal dan beberapa drama bekerja sama dengan Solovyov ("Pernikahan Balzaminov", "Savage", "Bersinar tapi tidak hangat", dll.); membuat banyak terjemahan dari Italia, Spanyol, Prancis, Inggris, India (Shakespeare, Goldoni, Lope de Vega - 22 drama). Ada 728 peran, 180 babak dalam lakonnya; semua Rus 'diwakili. Ragam genre: komedi, drama, kronik dramatis, adegan keluarga, tragedi, sketsa dramatis disajikan dalam dramaturginya. Dia bertindak dalam karyanya sebagai seorang romantis, perumah tangga, tragedi dan komedian.

Tentu saja, setiap periodisasi sampai batas tertentu bersyarat, tetapi untuk menavigasi dengan lebih baik keragaman karya Ostrovsky, kami akan membagi karyanya menjadi beberapa tahap.

1846 - 1852 - tahap awal kreativitas. Karya terpenting yang ditulis selama periode ini: "Notes of a Zamoskvoretsky resident", lakon "Lukisan kebahagiaan keluarga”, “Orang-orang kami - kami akan menghitung”, “Pengantin yang malang”.

1853 - 1856 - yang disebut periode "Slavophile": "Jangan naik kereta luncurmu." "Kemiskinan bukanlah sifat buruk", "Jangan hidup seperti yang kamu inginkan."

1856 - 1859 - pemulihan hubungan dengan lingkaran Sovremennik, kembali ke posisi realistis. Drama paling penting pada periode ini: "Tempat yang Menguntungkan", "Murid", "Mabuk di Pesta Orang Lain", "Trilogi Balzaminov", dan, akhirnya, dibuat selama periode situasi revolusioner, "Badai Petir". .

1861 - 1867 - memperdalam studi sejarah nasional, hasilnya adalah kronik dramatis Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk, Dmitry the Pretender dan Vasily Shuisky, Tushino, drama Vasilisa Melentievna, komedi Voyevoda atau Dream on the Volga.

1869 - 1884 - lakon yang diciptakan selama periode kreativitas ini dikhususkan untuk hubungan sosial dan rumah tangga yang berkembang dalam kehidupan Rusia setelah reformasi tahun 1861. Drama paling penting dari periode ini: "Kesederhanaan yang cukup untuk setiap orang bijak", "Hati Panas", "Uang Gila", "Hutan", "Serigala dan Domba", "Korban Terakhir", "Cinta Terlambat", "Bakat dan Pengagum", " Bersalah tanpa rasa bersalah."

Drama Ostrovsky tidak muncul begitu saja. Penampilan mereka terkait langsung dengan lakon Griboedov dan Gogol, yang menyerap segala sesuatu yang berharga yang dicapai oleh komedi Rusia sebelumnya. Ostrovsky sangat mengenal komedi Rusia kuno abad ke-18, dia secara khusus mempelajari karya Kapnist, Fonvizin, Plavilshchikov. Di sisi lain - pengaruh prosa "sekolah alam".

Ostrovsky datang ke sastra pada akhir 1940-an, ketika dramaturgi Gogol diakui sebagai fenomena sastra dan sosial terbesar. Turgenev menulis: "Gogol menunjukkan bagaimana sastra dramatis kita akan berjalan seiring waktu." Ostrovsky, dari langkah pertama aktivitasnya, menyadari dirinya sebagai penerus tradisi Gogol, "sekolah alam", dia menganggap dirinya di antara penulis "tren baru dalam sastra kita".

Tahun 1846 - 1859, ketika Ostrovsky mengerjakan komedi besar pertamanya "Rakyat Kita - Mari Berdamai", adalah tahun-tahun pembentukannya sebagai penulis realis.

Program ideologis dan artistik Ostrovsky, sang penulis naskah, dengan jelas dituangkan dalam artikel dan ulasan kritisnya. Artikel "Kesalahan", kisah Tur Madame" ("Moskvityanin", 1850), artikel yang belum selesai tentang novel Dickens "Dombey and Son" (1848), ulasan tentang komedi Menshikov "Fads", ("Moskvityanin" 1850 ), "Catatan tentang situasi Seni Drama di Rusia saat ini" (1881), "A Table Word on Pushkin" (1880).

Pandangan sosio-sastra Ostrovsky dicirikan oleh ketentuan utama berikut:

Pertama, menurutnya drama harus menjadi cerminan kehidupan masyarakat, kesadaran masyarakat.

Orang-orang untuk Ostrovsky, pertama-tama, massa demokratis, kelas bawah, orang biasa.

Ostrovsky menuntut agar penulis mempelajari kehidupan masyarakat, masalah-masalah yang menjadi perhatian masyarakat.

“Untuk menjadi penulis rakyat,” tulisnya, “cinta tanah air saja tidak cukup… seseorang harus mengenal orangnya dengan baik, bergaul dengan mereka lebih baik, menjadi kerabat. Sekolah terbaik untuk bakat adalah studi tentang kebangsaan seseorang.

Kedua, Ostrovsky berbicara tentang perlunya identitas nasional untuk dramaturgi.

Kebangsaan sastra dan seni dipahami oleh Ostrovsky sebagai konsekuensi integral dari kebangsaan dan demokrasi mereka. "Hanya seni itu yang nasional, yang populer, karena pembawa nasionalitas sejati adalah massa yang populer dan demokratis."

Dalam "Tabel Kata tentang Pushkin" - contoh penyair semacam itu adalah Pushkin. Pushkin adalah penyair rakyat, Pushkin adalah penyair nasional. Pushkin memainkan peran besar dalam perkembangan sastra Rusia karena dia "memberi keberanian kepada penulis Rusia untuk menjadi orang Rusia".

Dan, terakhir, ketentuan ketiga adalah tentang sifat sastra yang menuduh secara sosial. “Semakin populer sebuah karya, semakin banyak elemen yang menuduh di dalamnya, karena “ciri khas orang Rusia” adalah “keengganan dari segala sesuatu yang didefinisikan dengan tajam”, keengganan untuk kembali ke “bentuk kehidupan lama yang sudah terkutuk”, keinginan untuk “mencari yang terbaik”.

Publik mengharapkan seni mencela keburukan dan kekurangan masyarakat, menilai kehidupan.

Mengutuk sifat buruk ini dalam gambar artistiknya, penulis menimbulkan rasa jijik di depan umum, membuatnya menjadi lebih baik, lebih bermoral. Oleh karena itu, "arahan kecaman sosial dapat disebut moral dan publik," tegas Ostrovsky. Berbicara tentang arah tuduhan sosial atau moral-publik, maksudnya:

kritik yang menuduh terhadap cara hidup yang dominan; perlindungan prinsip-prinsip moral positif, yaitu melindungi aspirasi rakyat biasa dan mengejar keadilan sosial.

Dengan demikian, istilah "moral accusatory direction" dalam arti obyektifnya mendekati konsep realisme kritis.

Karya-karya Ostrovsky, yang ditulis olehnya pada akhir 40-an dan awal 50-an, "Gambar Kebahagiaan Keluarga", "Catatan Penduduk Zamoskvoretsky", "Rakyat Kita - Mari Kita Selesaikan", "Pengantin Miskin - secara organik terhubung dengan sastra sekolah alam.

"Gambaran kebahagiaan keluarga" sebagian besar bersifat esai yang didramatisasi: tidak terbagi menjadi fenomena, tidak ada penyelesaian plot. Ostrovsky menetapkan sendiri tugas untuk menggambarkan kehidupan para pedagang. Pahlawan menarik minat Ostrovsky semata-mata sebagai perwakilan dari tanah miliknya, cara hidupnya, cara berpikirnya. Melampaui sekolah alam. Ostrovsky mengungkapkan hubungan erat antara moralitas karakternya dan keberadaan sosial mereka.

Dia menempatkan kehidupan keluarga para pedagang dalam hubungan langsung dengan hubungan moneter dan material lingkungan ini.

Ostrovsky sepenuhnya mengutuk para pahlawannya. Para pahlawannya mengungkapkan pandangan mereka tentang keluarga, perkawinan, pendidikan, seolah-olah menunjukkan keliaran pandangan tersebut.

Teknik ini umum dalam literatur satir tahun 40-an - metode pemaparan diri.

Karya paling signifikan dari Ostrovsky 40-an. - muncul komedi "Orang-orang kita - mari kita selesaikan" (1849), yang dianggap oleh orang-orang sezaman sebagai penaklukan besar sekolah alam dalam drama.

"Dia memulai dengan luar biasa," tulis Turgenev tentang Ostrovsky.

Komedi itu langsung menarik perhatian pihak berwenang. Ketika badan sensor menyerahkan drama tersebut kepada tsar untuk dipertimbangkan, Nicholas I menulis: “Dicetak dengan sia-sia! Untuk memainkan larangan yang sama, bagaimanapun juga.

Nama Ostrovsky dimasukkan ke dalam daftar orang yang tidak dapat diandalkan, dan penulis naskah itu ditempatkan di bawah pengawasan polisi rahasia selama lima tahun. "Kasus penulis Ostrovsky" dibuka.

Ostrovsky, seperti Gogol, mengkritik dasar-dasar hubungan yang mendominasi masyarakat. Ia kritis terhadap kehidupan sosial kontemporer dan dalam pengertian ini ia adalah pengikut Gogol. Dan pada saat yang sama, Ostrovsky segera mendefinisikan dirinya sebagai seorang penulis - seorang inovator. Membandingkan karya-karya tahap awal karyanya (1846-1852) dengan tradisi Gogol, mari kita lihat hal-hal baru apa yang dibawa Ostrovsky ke dalam sastra.

Aksi "komedi tinggi" Gogol terjadi seolah-olah di dunia realitas yang tidak masuk akal - "Inspektur Pemerintah".

Gogol menguji seseorang dalam sikapnya terhadap masyarakat, terhadap tugas sipil - dan menunjukkan - seperti itulah orang-orang ini. Ini adalah pusat kejahatan. Mereka sama sekali tidak peduli dengan masyarakat. Mereka dibimbing dalam perilaku mereka dengan perhitungan egois yang sempit, kepentingan egois.

Gogol tidak fokus pada kehidupan sehari-hari - tawa melalui air mata. Birokrasi baginya berperan bukan sebagai strata sosial, melainkan sebagai kekuatan politik yang menentukan kehidupan masyarakat secara keseluruhan.

Ostrovsky memiliki sesuatu yang sama sekali berbeda - analisis menyeluruh tentang kehidupan sosial.

Seperti para pahlawan esai sekolah alam, para pahlawan Ostrovsky biasa saja, perwakilan tipikal lingkungan sosial mereka, yang dimiliki oleh kehidupan sehari-hari mereka yang biasa, semua prasangkanya.

a) Dalam lakon "Rakyat kami - kami akan menetap" Ostrovsky membuat biografi khas seorang pedagang, berbicara tentang bagaimana modal diakumulasikan.

Bolshov menjual pai dari sebuah kios saat masih kecil, dan kemudian menjadi salah satu orang kaya pertama di Zamoskvorechye.

Podkhalyuzin menambah modalnya dengan merampok pemiliknya, dan, akhirnya, Tishka adalah pesuruh, tetapi, bagaimanapun, dia sudah tahu bagaimana menyenangkan pemilik baru.

Di sini diberikan, seolah-olah, tiga tahap dalam karier seorang pedagang. Melalui nasib mereka, Ostrovsky menunjukkan bagaimana modal terbentuk.

b) Keunikan dramaturgi Ostrovsky adalah bahwa ia menunjukkan pertanyaan ini - bagaimana modal dibuat dalam lingkungan pedagang - melalui pertimbangan hubungan dalam keluarga, sehari-hari, dan biasa.

Ostrovsky-lah yang pertama dalam drama Rusia yang mempertimbangkan utas demi utas jaringan hubungan sehari-hari. Dia adalah orang pertama yang memperkenalkan ke dalam bidang seni semua hal sepele dalam hidup, rahasia keluarga, urusan ekonomi kecil-kecilan. Tempat besar ditempati oleh pemandangan sehari-hari yang tampaknya tidak berarti. Banyak perhatian diberikan pada pose, gerak tubuh karakter, cara bicara mereka, ucapan mereka.

Drama pertama Ostrovsky bagi pembaca tampak tidak biasa, bukan untuk panggung, lebih seperti karya naratif daripada drama.

Lingkaran karya Ostrovsky, yang terkait langsung dengan sekolah alam tahun 40-an, ditutup dengan lakon The Poor Bride (1852).

Di dalamnya, Ostrovsky menunjukkan ketergantungan seseorang yang sama pada hubungan ekonomi dan moneter. Beberapa pelamar mencari tangan Marya Andreevna, tetapi yang mendapatkannya tidak perlu berusaha untuk mencapai tujuan. Hukum ekonomi terkenal dari masyarakat kapitalis bekerja untuknya, di mana semuanya ditentukan oleh uang. Citra Marya Andreevna dimulai dalam karya Ostrovsky, topik baru baginya, posisi seorang gadis miskin dalam masyarakat di mana segala sesuatu ditentukan oleh perhitungan komersial. ("Hutan", "Murid", "Mahar").

Jadi, untuk pertama kalinya di Ostrovsky (tidak seperti Gogol) tidak hanya sifat buruk yang muncul, tetapi juga korban dari sifat buruk. Selain penguasa masyarakat modern, ada pula yang menentangnya - aspirasi yang kebutuhannya bertentangan dengan hukum dan adat istiadat lingkungan ini. Ini memerlukan warna baru. Ostrovsky menemukan aspek baru dari bakatnya - satirisme dramatis. "Orang-orangnya sendiri - kami akan menghitung" - sindiran.

Cara artistik Ostrovsky dalam lakon ini bahkan lebih berbeda dari dramaturgi Gogol. Plotnya kehilangan keunggulannya di sini. Ini didasarkan pada kasus biasa. Tema yang disuarakan dalam "Pernikahan" Gogol dan mendapat liputan satir - transformasi pernikahan menjadi jual beli, di sini terdengar tragis.

Tapi di saat yang sama, ini adalah komedi dari segi karakterisasi, dari segi posisi. Tetapi jika para pahlawan Gogol menimbulkan tawa dan kecaman publik, maka di Ostrovsky penonton melihat kehidupan sehari-harinya, merasakan simpati yang dalam untuk beberapa - mengutuk orang lain.

Tahap kedua dalam aktivitas Ostrovsky (1853 - 1855) ditandai dengan segel pengaruh Slavophile.

Pertama-tama, transisi posisi Ostrovsky ke Slavophile ini harus dijelaskan dengan intensifikasi atmosfer, reaksi yang terbentuk dalam "tujuh tahun yang suram" tahun 1848-1855.

Dengan cara spesifik apa pengaruh ini muncul, gagasan Slavofil apa yang ternyata dekat dengan Ostrovsky? Pertama-tama, pemulihan hubungan Ostrovsky dengan apa yang disebut "editor muda" The Moskvityanin, yang perilakunya harus dijelaskan oleh minat khas mereka pada kehidupan nasional Rusia, kesenian rakyat, dan masa lalu sejarah rakyat, yang sangat dekat dengan Ostrovsky .

Tetapi Ostrovsky tidak dapat membedakan kepentingan ini prinsip konservatif utama, yang memanifestasikan dirinya dalam kontradiksi sosial yang berlaku, dalam sikap bermusuhan terhadap konsep kemajuan sejarah, dalam kekaguman terhadap segala sesuatu yang patriarki.

Faktanya, kaum Slavofil bertindak sebagai ahli ideologi dari elemen-elemen borjuis kecil dan menengah yang terbelakang secara sosial.

Salah satu ideolog terkemuka dari "Edisi Muda" dari "Moskvityanin" Apollon Grigoriev berpendapat bahwa ada satu "semangat nasional" yang merupakan dasar organik kehidupan masyarakat. Menangkap semangat kebangsaan ini adalah hal terpenting bagi seorang penulis.

Kontradiksi sosial, perjuangan kelas - ini adalah stratifikasi sejarah yang akan diatasi dan tidak merusak persatuan bangsa.

Penulis harus menunjukkan prinsip moral abadi dari karakter rakyat. Pembawa prinsip moral abadi ini, semangat rakyat, adalah kelas "menengah, industri, pedagang", karena kelas inilah yang melestarikan patriarki tradisi Rus lama, melestarikan iman, adat istiadat, dan bahasa. dari para ayah. Kelas ini belum tersentuh oleh kepalsuan peradaban.

Pengakuan resmi Ostrovsky atas doktrin ini adalah suratnya pada bulan September 1853 kepada Pogodin (editor Moskvityanin), di mana Ostrovsky menulis bahwa dia sekarang telah menjadi pendukung "arah baru", yang intinya adalah menarik prinsip-prinsip positif. kehidupan sehari-hari dan karakter rakyat.

Pandangan sebelumnya tentang hal-hal sekarang menurutnya "muda dan terlalu kejam". Penolakan kejahatan sosial tampaknya bukan tugas utama.

“Korektor akan ditemukan bahkan tanpa kita. Untuk memiliki hak untuk mengoreksi orang tanpa menyinggung perasaan mereka, seseorang harus menunjukkan kepada mereka bahwa seseorang mengetahui kebaikan di belakang mereka” (September 1853), tulis Ostrovsky.

Ciri khas orang Rusia di Ostrovsky pada tahap ini bukanlah kesediaannya untuk meninggalkan norma-norma kehidupan yang sudah ketinggalan zaman, tetapi patriarki, kepatuhan pada kondisi kehidupan fundamental yang tidak berubah. Ostrovsky sekarang ingin menggabungkan "yang tinggi dengan komik" dalam dramanya, memahami dengan tinggi ciri-ciri positif kehidupan pedagang, dan dengan "komik" - segala sesuatu yang berada di luar lingkaran pedagang, tetapi memberikan pengaruhnya padanya.

Pandangan baru tentang Ostrovsky ini terungkap dalam tiga drama yang disebut "Slavophile" oleh Ostrovsky: "Jangan duduk di giringmu", "Kemiskinan bukanlah sifat buruk", "Jangan hidup seperti yang kamu inginkan."

Ketiga drama Slavophile oleh Ostrovsky memiliki satu permulaan yang menentukan - upaya untuk mengidealkan fondasi kehidupan patriarki dan moralitas keluarga kelas pedagang.

Dan dalam drama ini, Ostrovsky beralih ke topik keluarga dan sehari-hari. Namun di belakang mereka tidak ada lagi hubungan ekonomi dan sosial.

Keluarga, hubungan rumah tangga ditafsirkan dalam istilah moral murni - semuanya tergantung pada kualitas moral orang, tidak ada kepentingan material dan moneter di balik ini. Ostrovsky mencoba menemukan cara untuk menyelesaikan kontradiksi dalam istilah moral, dalam kelahiran kembali karakter secara moral. (Pencerahan moral Gordey Tortsov, bangsawan jiwa Borodkin dan Rusakov). Tirani dibenarkan bukan karena keberadaan modal, hubungan ekonomi, tetapi oleh sifat pribadi seseorang.

Ostrovsky menggambarkan aspek-aspek kehidupan pedagang, di mana, menurut pandangannya, nasional, yang disebut "semangat nasional" terkonsentrasi. Oleh karena itu, ia berfokus pada sisi puitis dan cerah dari kehidupan pedagang, memperkenalkan ritual, motif cerita rakyat, menunjukkan awal "epik rakyat" dari kehidupan para pahlawan hingga merusak kepastian sosial mereka.

Ostrovsky menekankan dalam lakon periode ini kedekatan para pahlawan-pedagangnya dengan rakyat, ikatan sosial dan domestik mereka dengan kaum tani. Mereka mengatakan tentang diri mereka sendiri bahwa mereka adalah orang-orang yang "sederhana", "tidak sopan", bahwa ayah mereka adalah petani.

Dari sisi artistik, lakon-lakon ini jelas lebih lemah dari lakon-lakon sebelumnya. Komposisinya sengaja disederhanakan, karakternya ternyata kurang jelas, dan penyelesaiannya kurang bisa dibenarkan.

Drama pada periode ini dicirikan oleh didaktisisme, secara terbuka kontras dengan prinsip terang dan gelap, karakternya secara tajam dibagi menjadi "baik" dan "jahat", kejahatan dihukum pada akhir. Drama dari "periode Slavophile" dicirikan oleh moralitas terbuka, sentimentalitas, dan peneguhan.

Pada saat yang sama, harus dikatakan bahwa selama periode ini, Ostrovsky, secara umum, tetap pada posisi yang realistis. Menurut Dobrolyubov, "kekuatan perasaan artistik langsung juga tidak dapat meninggalkan pengarang di sini, dan oleh karena itu posisi pribadi dan karakter individu dibedakan oleh kebenaran sejati."

Arti penting dari drama Ostrovsky yang ditulis selama periode ini terletak, pertama-tama, pada kenyataan bahwa drama tersebut terus mencemooh dan mengutuk tirani dalam bentuk apa pun yang diwujudkannya /Lubim Tortsov/. (Jika Bolshov - dengan kasar dan lugas - adalah tipe tiran, maka Rusakov adalah orang yang lembut dan lemah lembut).

Dobrolyubov: "Di Bolshov kami melihat sifat yang kuat, dipengaruhi oleh kehidupan pedagang, di Rusakov menurut kami: tetapi begitulah sifat jujur ​​\u200b\u200bdan lembut muncul bersamanya."

Bolshov: "Apa yang harus saya dan ayah saya lakukan jika saya tidak memberi perintah?"

Rusakov: "Saya tidak akan memberikan untuk orang yang dia cintai, tapi untuk orang yang saya cintai."

Pemuliaan kehidupan patriarki dalam lakon-lakon ini berpadu kontradiktif dengan perumusan isu-isu sosial yang akut, dan keinginan untuk menciptakan citra yang mewujudkan cita-cita nasional (Rusakov, Borodkin), dengan simpati kepada kaum muda yang membawa aspirasi baru, oposisi terhadap segalanya. patriarkal, tua. (Mitya, Lyubov Gordeevna).

Dalam drama ini, keinginan Ostrovsky untuk menemukan awal yang cerah dan positif pada orang biasa diungkapkan.

Dari sinilah muncul tema humanisme rakyat, luasnya sifat orang sederhana, yang diekspresikan dalam kemampuan memandang lingkungan dengan berani dan mandiri serta kemampuan terkadang mengorbankan kepentingan diri sendiri demi kepentingan orang lain.

Tema ini kemudian dibunyikan dalam lakon sentral oleh Ostrovsky seperti "Badai Petir", "Hutan", "Mahar".

Gagasan untuk membuat pertunjukan rakyat - pertunjukan didaktik - tidak asing bagi Ostrovsky ketika ia menciptakan "Kemiskinan bukanlah sifat buruk" dan "Jangan hidup seperti yang Anda inginkan."

Ostrovsky berusaha untuk menyampaikan prinsip-prinsip etis rakyat, dasar estetika hidupnya, untuk membangkitkan tanggapan dari pemirsa demokratis terhadap puisi kehidupan asalnya, zaman kuno nasional.

Ostrovsky dalam hal ini dibimbing oleh keinginan mulia "untuk memberikan inokulasi budaya awal kepada penonton demokratis." Hal lainnya adalah idealisasi kerendahan hati, kerendahan hati, konservatisme.

Penilaian drama Slavophile dalam artikel Chernyshevsky "Kemiskinan bukanlah sifat buruk" dan "Kerajaan Gelap" Dobrolyubov membuat penasaran.

Chernyshevsky menerbitkan artikelnya pada tahun 1854, ketika Ostrovsky dekat dengan Slavophiles, dan ada bahaya Ostrovsky menyimpang dari posisi realistis. Chernyshevsky menyebut drama Ostrovsky "Kemiskinan bukanlah sifat buruk" dan "Jangan duduk di giringmu sendiri" "salah", tetapi selanjutnya berlanjut: "Ostrovsky belum merusak bakatnya yang luar biasa, dia perlu kembali ke arah yang realistis." “Sebenarnya, kekuatan bakat, arah yang salah bahkan menghancurkan bakat terkuat,” Chernyshevsky menyimpulkan.

Artikel Dobrolyubov ditulis pada tahun 1859, ketika Ostrovsky membebaskan dirinya dari pengaruh Slavophile. Tidak ada gunanya mengingat kesalahpahaman sebelumnya, dan Dobrolyubov, membatasi dirinya pada petunjuk yang membosankan tentang skor ini, berfokus pada pengungkapan awal yang realistis dari drama yang sama ini.

Penilaian Chernyshevsky dan Dobrolyubov saling melengkapi dan merupakan contoh prinsip kritik demokrasi revolusioner.

Pada awal tahun 1856, tahap baru dimulai dalam karya Ostrovsky.

Penulis drama mendekati editor Sovremennik. Pemulihan hubungan ini bertepatan dengan periode kebangkitan kekuatan sosial progresif, dengan pematangan situasi revolusioner.

Dia, seolah mengikuti nasehat Nekrasov, kembali ke jalur mempelajari realitas sosial, jalur penciptaan lakon analitis yang di dalamnya diberikan gambaran kehidupan modern.

(Dalam ulasan drama "Jangan Hidup Seperti yang Anda Inginkan," Nekrasov menasihatinya, meninggalkan semua gagasan yang terbentuk sebelumnya, untuk mengikuti jalan yang akan dipimpin oleh bakatnya sendiri: "berikan pengembangan gratis untuk bakat Anda" - jalan dari menggambarkan kehidupan nyata).

Chernyshevsky menekankan "bakat luar biasa, bakat kuat" dari Ostrovsky. Dobrolyubov - "kekuatan bakat artistik" dari penulis naskah.

Selama periode ini, Ostrovsky menciptakan drama penting seperti "Murid", "Tempat yang Menguntungkan", trilogi tentang Balzaminov dan, terakhir, selama periode situasi revolusioner - "Badai Petir".

Periode karya Ostrovsky ini ditandai, pertama-tama, oleh perluasan ruang lingkup fenomena kehidupan, perluasan topik.

Pertama, dalam bidang penelitiannya, yang meliputi tuan tanah, lingkungan budak, Ostrovsky menunjukkan bahwa pemilik tanah Ulanbekova ("Murid") mengolok-olok korbannya sama kejamnya dengan pedagang yang buta huruf dan bodoh.

Ostrovsky menunjukkan bahwa perjuangan yang sama antara yang kaya dan yang miskin, yang lebih tua dan yang lebih muda, terjadi di lingkungan bangsawan pemilik tanah, serta di lingkungan pedagang.

Selain itu, pada periode yang sama, Ostrovsky mengangkat topik filistinisme. Ostrovsky adalah penulis Rusia pertama yang memperhatikan dan secara artistik menemukan filistinisme sebagai kelompok sosial.

Penulis drama menemukan dalam filistinisme yang mendominasi dan membayangi semua kepentingan lain yang tertarik pada materi tersebut, yang kemudian didefinisikan Gorky sebagai "rasa kepemilikan yang berkembang buruk".

Dalam trilogi tentang Balzaminov ("Tidur meriah - sebelum makan malam", "Anjing Anda sendiri menggigit, jangan mengganggu orang lain", "Apa yang Anda lakukan, Anda akan menemukan") / 1857-1861 /, Ostrovsky mencela hal- cara hidup borjuis, dengan mentalitasnya, keterbatasannya, kekasarannya, keserakahannya, mimpi-mimpinya yang menggelikan.

Dalam trilogi tentang Balzaminov, tidak hanya ketidaktahuan atau kesempitan yang terungkap, tetapi semacam kemalangan intelektual, inferioritas seorang pedagang. Citra dibangun di atas pertentangan dari inferioritas mental, ketidakberartian moral - dan kepuasan diri, kepercayaan pada hak seseorang.

Dalam trilogi ini terdapat unsur vaudeville, badut, fitur komedi eksternal. Tapi komedi internal berlaku di dalamnya, karena sosok Balzaminov secara internal lucu.

Ostrovsky menunjukkan bahwa alam filistin adalah alam gelap yang sama dari kevulgaran yang tidak dapat ditembus, kebiadaban, yang diarahkan pada satu tujuan - keuntungan.

Drama berikutnya - "Tempat yang Menguntungkan" - bersaksi tentang kembalinya Ostrovsky ke jalur dramaturgi "moral dan menuduh". Pada periode yang sama, Ostrovsky adalah penemu kerajaan gelap lainnya - kerajaan pejabat, birokrasi kerajaan.

Selama tahun-tahun penghapusan perbudakan, kecaman terhadap tatanan birokrasi memiliki makna politik yang khusus. Birokrasi adalah ekspresi paling lengkap dari sistem otokratis-feodal. Itu mewujudkan esensi otokrasi eksploitatif-predator. Bukan lagi kesewenang-wenangan domestik, tetapi pelanggaran kepentingan bersama atas nama hukum. Sehubungan dengan lakon inilah Dobrolyubov memperluas konsep "tirani", memahaminya sebagai otokrasi pada umumnya.

"Tempat yang Menguntungkan" mengingatkan komedi N. Gogol "Inspektur Jenderal" dalam hal masalah. Tetapi jika di Inspektur Jenderal para pejabat yang melakukan pelanggaran hukum merasa bersalah dan takut akan pembalasan, para pejabat Ostrovsky dijiwai dengan kesadaran akan kebenaran dan impunitas mereka. Suap, pelecehan, tampaknya bagi mereka dan orang lain adalah norma.

Ostrovsky menekankan bahwa distorsi semua norma moral dalam masyarakat adalah hukum, dan hukum itu sendiri adalah sesuatu yang ilusi. Baik pejabat maupun orang yang bergantung pada mereka tahu bahwa hukum selalu berpihak pada mereka yang berkuasa.

Jadi, pejabat - untuk pertama kalinya dalam literatur - Ostrovsky ditampilkan sebagai semacam pedagang hukum. (Pejabat dapat mengubah hukum sesuai keinginannya).

Seorang pahlawan baru juga datang ke drama Ostrovsky - seorang pejabat muda Zhadov, yang baru saja lulus dari universitas. Konflik antara perwakilan dari formasi lama dan Zhadov memperoleh kekuatan kontradiksi yang tidak dapat didamaikan:

a / Ostrovsky berhasil menunjukkan kegagalan ilusi tentang pejabat yang jujur ​​sebagai kekuatan yang mampu menghentikan penyalahgunaan pemerintahan.

b/ melawan "Yusovisme" atau kompromi, pengkhianatan cita-cita - Zhadov tidak punya pilihan lain.

Ostrovsky mencela sistem itu, kondisi kehidupan yang memunculkan penerima suap. Signifikansi progresif dari komedi terletak pada kenyataan bahwa di dalamnya penyangkalan dunia lama yang tidak dapat didamaikan dan "Yusovisme" bergabung dengan pencarian moralitas baru.

Zhadov adalah orang yang lemah, dia tidak tahan melawan, dia juga bertanya " tempat yang menguntungkan».

Chernyshevsky percaya bahwa drama itu akan menjadi lebih kuat jika diakhiri dengan babak keempat, yaitu, dengan teriakan putus asa Zhadov: "Ayo pergi ke paman untuk meminta pekerjaan yang menguntungkan!" Di urutan kelima, Zhadov dihadapkan pada jurang yang hampir menghancurkannya secara moral. Dan, meskipun akhir dari Vyshimirsky tidak khas, ada unsur kebetulan dalam keselamatan Zhadov, kata-katanya, keyakinannya bahwa "di suatu tempat ada orang lain yang lebih gigih, layak" yang tidak akan berkompromi, tidak akan berdamai, tidak akan menyerah, bicarakan prospek pengembangan lebih lanjut dari hubungan sosial baru. Ostrovsky meramalkan kebangkitan sosial yang akan datang.

Pesatnya perkembangan realisme psikologis, yang kita amati pada paruh kedua abad ke-19, juga terwujud dalam dramaturgi. Rahasia tulisan dramatis Ostrovsky tidak terletak pada karakteristik satu dimensi tipe manusia, tetapi dalam keinginan untuk menciptakan karakter manusia totok, kontradiksi dan perjuangan internal yang berfungsi sebagai pendorong yang kuat untuk gerakan dramatis. G.A. Tovstonogov berbicara dengan baik tentang fitur cara kreatif Ostrovsky ini, merujuk, khususnya, pada Glumov dari komedi Enough Simplicity for Every Wise Man, jauh dari karakter ideal: “Mengapa Glumov menawan, meskipun dia melakukan sejumlah perbuatan keji? dia tidak simpatik kepada kita, maka tidak ada kinerja Yang membuatnya menawan adalah kebencian terhadap dunia ini, dan dalam hati kita membenarkan caranya membalas dendam dengannya.

Ketertarikan pada kepribadian manusia dalam segala keadaannya memaksa para penulis untuk mencari cara untuk mengungkapkannya. Dalam drama, sarana utama tersebut adalah individualisasi gaya bahasa karakter, dan Ostrovsky-lah yang memainkan peran utama dalam pengembangan metode ini. Selain itu, dalam psikologi, Ostrovsky berusaha untuk melangkah lebih jauh, di sepanjang jalan untuk memberikan karakternya kebebasan semaksimal mungkin dalam kerangka niat penulis - hasil dari eksperimen semacam itu adalah citra Katerina dalam The Thunderstorm.

Dalam "Badai Petir" Ostrovsky naik ke citra tabrakan tragis antara perasaan manusia yang hidup dengan kehidupan pembangunan rumah yang mematikan.

Terlepas dari keragaman jenis konflik dramatis yang disajikan dalam karya-karya awal Ostrovsky, puisi dan suasana umumnya ditentukan, pertama-tama, oleh fakta bahwa tirani diberikan di dalamnya sebagai fenomena kehidupan yang alami dan tak terelakkan. Bahkan apa yang disebut lakon "Slavophile", dengan pencarian mereka akan prinsip-prinsip yang cemerlang dan baik, tidak menghancurkan dan tidak melanggar atmosfer tirani yang menindas. Drama "Badai Petir" juga dicirikan oleh pewarnaan umum ini. Dan pada saat yang sama, ada kekuatan dalam dirinya yang dengan tegas menentang rutinitas yang mengerikan dan mematikan - ini adalah elemen rakyat, yang diekspresikan baik dalam karakter rakyat (Katerina, pertama-tama, Kuligin dan bahkan Kudryash), dan dalam sifat Rusia, yang menjadi elemen penting dari aksi dramatis. .

Drama "Badai Petir", yang mengangkat masalah kompleks kehidupan modern dan muncul di media cetak dan di atas panggung tepat pada malam yang disebut "pembebasan" para petani, bersaksi bahwa Ostrovsky bebas dari ilusi apa pun tentang cara-cara sosial. pembangunan di Rusia.

Bahkan sebelum publikasi "Badai Petir" muncul di kancah Rusia. Pertunjukan perdana berlangsung pada 16 November 1859 di Teater Maly. Aktor-aktor hebat terlibat dalam drama itu: S. Vasiliev (Tikhon), P. Sadovsky (Wild), N. Rykalova (Kabanova), L. Nikulina-Kositskaya (Katerina), V. Lensky (Kudryash) dan lainnya. Produksinya disutradarai oleh N. Ostrovsky sendiri. Penayangan perdana sukses besar, dan penampilan selanjutnya penuh kemenangan. Setahun setelah pemutaran perdana The Thunderstorm yang brilian, drama itu dianugerahi penghargaan akademik tertinggi - Hadiah Uvarov Hebat.

Dalam The Thunderstorm, sistem sosial Rusia dikecam dengan tajam, dan kematian tokoh utama diperlihatkan oleh penulis naskah sebagai konsekuensi langsung dari situasi tanpa harapannya di "kerajaan gelap". Konflik di Groz dibangun di atas bentrokan yang tidak dapat didamaikan antara Katerina yang mencintai kebebasan dan dunia yang menakutkan liar dan babi hutan, dengan hukum binatang yang didasarkan pada "kekejaman, kebohongan, ejekan, penghinaan terhadap manusia. Katerina melawan tirani dan ketidakjelasan, hanya dipersenjatai dengan kekuatan perasaannya, kesadaran akan hak untuk hidup, kebahagiaan dan cinta. Menurut ucapan adil Dobrolyubov, dia "merasa memiliki kesempatan untuk memuaskan dahaga alami jiwanya dan tidak bisa lagi diam: dia sangat ingin hidup baru, bahkan jika dia harus mati dalam dorongan ini."

Sejak kecil, Katerina dibesarkan dalam lingkungan aneh yang berkembang dalam mimpi romantis, religiusitas, dan kehausannya akan kebebasan. Ciri-ciri karakter ini selanjutnya menentukan tragedi posisinya. Dibesarkan dalam semangat religius, dia memahami semua "keberdosaan" perasaannya terhadap Boris, tetapi dia tidak dapat menahan ketertarikan alami dan sepenuhnya menyerah pada dorongan ini.

Katerina tidak hanya menentang "konsep moralitas Kabanov". Dia secara terbuka memprotes dogma agama yang tidak dapat diubah yang menegaskan pernikahan gereja yang tidak dapat diganggu gugat dan mengutuk bunuh diri karena bertentangan dengan ajaran Kristen. Mengingat kepenuhan protes Katerina ini, Dobrolyubov menulis: “Inilah kekuatan karakter yang sebenarnya, yang bagaimanapun juga dapat Anda andalkan! Ini adalah ketinggian yang dicapai kehidupan rakyat kita dalam perkembangannya, tetapi sangat sedikit literatur kita yang mampu bangkit, dan tidak ada yang mampu mempertahankannya sebaik Ostrovsky.

Katerina tidak mau menerima situasi mematikan di sekitarnya. "Saya tidak ingin tinggal di sini, jadi saya tidak akan, bahkan jika Anda memotong saya!" katanya kepada Varvara. Dan dia bunuh diri. Karakter Katerina kompleks dan beragam. Kompleksitas ini dibuktikan dengan paling fasih, mungkin, oleh fakta bahwa banyak pemain yang luar biasa, mulai dari karakter dominan yang tampaknya sangat berlawanan dari karakter utama, belum mampu menghabiskannya sampai akhir. berbagai interpretasi mereka tidak sepenuhnya mengungkapkan hal utama dalam karakter Katerina: cintanya, yang dia berikan pada dirinya sendiri dengan kesegeraan sifat muda. Pengalaman hidupnya dapat diabaikan, yang terpenting dalam sifatnya adalah rasa keindahan, persepsi puitis tentang alam dikembangkan. Namun, karakternya diberikan dalam gerak, dalam perkembangan. Satu kontemplasi tentang alam, seperti yang kita ketahui dari drama itu, tidak cukup baginya. Diperlukan bidang penerapan kekuatan spiritual lainnya. Doa, pelayanan, mitos juga merupakan sarana pemuas perasaan puitis tokoh utama.

Dobrolyubov menulis: “Bukan ritual yang menyibukkannya di gereja: dia sama sekali tidak mendengar apa yang mereka nyanyikan dan baca di sana; dia memiliki musik lain di jiwanya, penglihatan lain, baginya kebaktian berakhir tanpa terasa, seolah-olah dalam satu detik. Dia sibuk dengan pepohonan yang digambar dengan aneh pada gambar, dan dia membayangkan seluruh taman di mana semua pohon seperti itu berada, dan semuanya mekar, harum, semuanya penuh dengan nyanyian surgawi. Jika tidak, pada hari yang cerah, dia akan melihat bagaimana “pilar yang begitu terang turun dari kubah, dan asap berjalan di pilar ini, seperti awan,” dan sekarang dia sudah melihat, “seolah-olah malaikat terbang dan bernyanyi di sini pilar." Terkadang dia akan memperkenalkan dirinya - mengapa dia tidak terbang? Dan ketika dia berdiri di atas gunung, dia tertarik untuk terbang seperti itu: seperti ini, dia akan lari, mengangkat tangannya, dan terbang ... ".

Bidang manifestasi kekuatan spiritualnya yang baru namun belum dijelajahi adalah cintanya pada Boris, yang akhirnya menjadi penyebab tragedi itu. "Gairah seorang wanita yang gugup dan penuh gairah dan perjuangan dengan hutang, jatuh, pertobatan, dan penebusan dosa yang berat - semua ini dipenuhi dengan minat dramatis yang paling hidup, dan dilakukan dengan seni dan pengetahuan hati yang luar biasa," I. A. Goncharov dengan tepat mencatat .

Seberapa sering hasrat, kesegeraan sifat Katerina, dikutuk, dan perjuangan spiritualnya yang mendalam dianggap sebagai manifestasi dari kelemahan. Sementara itu, dalam memoar seniman E. B. Piunova-Shmidthof, kami menemukan kisah penasaran Ostrovsky tentang pahlawan wanita: “Katerina,” kata Alexander Nikolayevich kepada saya, “adalah seorang wanita dengan sifat penuh gairah dan karakter yang kuat. Dia membuktikan ini dengan cintanya pada Boris dan bunuh diri. Katerina, meski diliputi oleh lingkungan, pada kesempatan pertama menyerahkan dirinya pada hasratnya, mengatakan sebelumnya: "Apa pun yang terjadi, tapi aku akan melihat Boris!" Di depan gambaran neraka, Katerina tidak mengamuk dan histeris, melainkan hanya dengan wajah dan sosok utuh yang harus menggambarkan ketakutan fana. Dalam adegan perpisahan dengan Boris, Katerina berbicara pelan, seperti pasien, dan hanya kata-kata terakhir: “Temanku! Kesenanganku! Selamat tinggal!" - Dia berbicara sekeras mungkin. Posisi Katherine menjadi putus asa. Anda tidak bisa tinggal di rumah suami Anda ... Tidak ada tempat tujuan. Kepada orang tua? Ya, saat itu mereka akan mengikatnya dan membawanya ke suaminya. Katerina sampai pada kesimpulan bahwa tidak mungkin untuk hidup seperti sebelumnya, dan, dengan kemauan yang kuat, menenggelamkan dirinya sendiri ... ".

“Tanpa takut dituduh berlebihan,” tulis I. A. Goncharov, “Saya dapat dengan jujur ​​​​mengatakan bahwa tidak ada karya seperti drama dalam literatur kami. Dia tidak diragukan lagi menempati dan mungkin akan menempati tempat pertama untuk waktu yang lama dalam keindahan klasik tinggi. Dari sisi mana pun diambil, baik dari sisi rencana penciptaan, atau gerakan dramatis, atau, terakhir, karakter, di mana-mana tercetak kekuatan kreativitas, kehalusan pengamatan, dan keanggunan dekorasi. Dalam The Thunderstorm, menurut Goncharov, "gambaran luas tentang kehidupan dan adat istiadat nasional mereda."

Ostrovsky menganggap Badai Petir sebagai komedi dan kemudian menyebutnya sebagai drama. N. A. Dobrolyubov berbicara dengan sangat hati-hati tentang sifat genre The Thunderstorm. Dia menulis bahwa "hubungan timbal balik antara tirani dan ketiadaan suara membawa konsekuensi yang paling tragis."

KE pertengahan sembilan belas abad, definisi Dobrolyubov tentang "permainan kehidupan" ternyata lebih luas daripada subdivisi tradisional seni drama, yang masih mengalami beban norma klasisistik. Dalam drama Rusia, terjadi proses konvergensi puisi dramatis dengan realitas sehari-hari, yang secara alami memengaruhi sifat genre mereka. Ostrovsky, misalnya, menulis: “Sejarah sastra Rusia memiliki dua cabang yang akhirnya bergabung: satu cabang mencangkok dan merupakan keturunan dari benih asing yang berakar kuat; mulai dari Lomonosov melalui Sumarokov, Karamzin, Batyushkov, Zhukovsky, dan seterusnya. ke Pushkin, di mana dia mulai bertemu dengan yang lain; yang lain - dari Kantemir, melalui komedi Sumarokov, Fonvizin, Kapnist, Griboedov hingga Gogol yang sama; dalam dirinya keduanya menyatu sepenuhnya; dualisme berakhir. Di satu sisi: odes pujian, tragedi Prancis, tiruan dari orang dahulu, kepekaan akhir abad kedelapan belas, romantisme Jerman, sastra muda yang panik; dan di sisi lain: satir, komedi, komedi dan "Jiwa Mati", Rusia, seolah-olah pada saat yang sama, sebagai penulis terbaiknya, menjalani periode demi periode kehidupan sastra asing dan mengangkatnya sendiri menjadi manusia universal makna.

Komedi, dengan demikian, ternyata paling dekat dengan fenomena sehari-hari kehidupan Rusia, dengan sensitif menanggapi segala sesuatu yang mengkhawatirkan publik Rusia, mereproduksi kehidupan dalam manifestasinya yang dramatis dan tragis. Itulah mengapa Dobrolyubov dengan keras kepala berpegang pada definisi "permainan kehidupan", melihat di dalamnya bukan makna genre konvensional melainkan prinsip mereproduksi kehidupan modern dalam drama. Sebenarnya, Ostrovsky berbicara tentang prinsip yang sama: “Banyak aturan bersyarat telah hilang, dan beberapa lagi akan hilang. Sekarang karya dramatis tidak lain adalah kehidupan yang didramatisasi.

A.I. Revyakin dengan tepat mencatat bahwa ciri utama dari tragedi itu - "citra kontradiksi kehidupan yang tidak dapat didamaikan yang menyebabkan kematian protagonis, yang merupakan orang yang luar biasa" - terbukti dalam The Thunderstorm. Penggambaran tragedi rakyat, tentu saja, mengarah pada bentuk-bentuk baru yang konstruktif dari perwujudannya. Ostrovsky berulang kali berbicara menentang cara tradisional yang lembam dalam membangun karya dramatis. Badai petir juga inovatif dalam pengertian ini. Dia berbicara tentang hal ini, bukannya tanpa ironi, dalam sebuah surat kepada Turgenev tertanggal 14 Juni 1874, sebagai tanggapan atas proposal untuk mencetak The Thunderstorm dalam terjemahan bahasa Prancis: “Itu tidak mengganggu pencetakan The Thunderstorm dalam terjemahan bahasa Prancis yang baik, itu dapat terkesan dengan orisinalitasnya; tetapi apakah itu harus dipentaskan - orang dapat memikirkannya. Saya sangat menghargai kemampuan orang Prancis untuk membuat drama dan saya takut menyinggung selera halus mereka dengan ketidakmampuan saya yang mengerikan. Dari sudut pandang Prancis, konstruksi Badai Petir memang jelek, tetapi harus diakui secara umum tidak terlalu koheren. Ketika saya menulis The Thunderstorm, saya terbawa dengan menyelesaikan peran utama dan, dengan kesembronoan yang tak termaafkan, "bereaksi terhadap formulir, dan pada saat yang sama saya sedang terburu-buru untuk mengikuti kinerja manfaat mendiang Vasiliev."

A.I. Alasan Zhuravleva tentang orisinalitas genre "Badai Petir" membuat penasaran: “Masalah interpretasi genre adalah yang terpenting dalam analisis lakon ini. Jika kita beralih ke tradisi kritis-ilmiah dan teatrikal dari interpretasi lakon ini, kita dapat membedakan dua tren yang berlaku. Salah satunya ditentukan oleh pemahaman The Thunderstorm sebagai drama sosial dan rumah tangga, di mana kehidupan sehari-hari menjadi sangat penting. Perhatian sutradara dan, karenanya, penonton, seolah-olah, didistribusikan secara merata di antara semua peserta aksi, setiap orang mendapat perhatian yang sama.

Penafsiran lain ditentukan oleh pengertian "Badai Petir" sebagai tragedi. Zhuravleva percaya bahwa interpretasi semacam itu lebih dalam dan memiliki "dukungan yang lebih besar dalam teks", meskipun interpretasi "Badai Petir" sebagai sebuah drama didasarkan pada definisi genre dari Ostrovsky sendiri. Peneliti dengan tepat mencatat bahwa "definisi ini merupakan penghormatan terhadap tradisi." Memang, seluruh sejarah dramaturgi Rusia sebelumnya tidak memberikan contoh tragedi di mana para pahlawannya adalah individu-individu pribadi, dan bukan tokoh sejarah, bahkan yang legendaris. "Badai Petir" dalam hal ini tetap menjadi fenomena unik. Kunci untuk memahami genre karya dramatis dalam hal ini, ini bukanlah "status sosial" para tokoh, tetapi, di atas segalanya, sifat konfliknya. Jika kita memahami kematian Katerina akibat benturan dengan ibu mertuanya, melihatnya sebagai korban penindasan keluarga, maka skala pahlawan memang terlihat kecil untuk sebuah tragedi. Namun jika melihat bahwa nasib Katerina ditentukan oleh benturan dua era sejarah, maka sifat tragis dari konflik tersebut nampaknya wajar saja.

Ciri khas dari struktur tragis tersebut adalah perasaan katarsis yang dialami penonton selama penghentian. Dengan kematian, pahlawan wanita dibebaskan dari penindasan dan kontradiksi internal yang menyiksanya.

Dengan demikian, drama sosial dari kehidupan kelas pedagang berkembang menjadi sebuah tragedi. Ostrovsky mampu menunjukkan titik balik zaman yang terjadi dalam kesadaran rakyat jelata melalui konflik cinta-sehari-hari. Kebangkitan rasa kepribadian dan sikap baru terhadap dunia, tidak didasarkan pada kemauan individu, ternyata dalam antagonisme yang tidak dapat didamaikan tidak hanya dengan keadaan cara hidup patriarki modern Ostrovsky yang nyata dan dapat diandalkan secara duniawi, tetapi juga dengan gagasan ideal tentang ​​moralitas yang melekat pada pahlawan wanita yang tinggi.

Transformasi drama menjadi tragedi ini juga berkat kemenangan elemen liris dalam The Thunderstorm.

Simbolisme judul lakon itu penting. Pertama-tama, kata "badai" memiliki arti langsung dalam teksnya. Gambar judul dimasukkan oleh penulis naskah dalam pengembangan aksi, berpartisipasi langsung di dalamnya sebagai fenomena alam. Motif badai petir berkembang dalam lakon dari babak pertama hingga babak keempat. Pada saat yang sama, citra badai petir juga diciptakan kembali oleh Ostrovsky sebagai lanskap: awan gelap dipenuhi kelembapan ("seolah-olah awan menggulung menjadi bola"), kami merasakan pengap di udara, kami mendengar guntur, kami membeku sebelum cahaya petir.

Judul lakon juga memiliki makna kiasan. Badai sedang berkecamuk di jiwa Katerina, tercermin dari pergulatan prinsip kreatif dan destruktif, benturan firasat cerah dan suram, perasaan baik dan berdosa. Adegan dengan Grokha tampaknya mendorong aksi drama yang dramatis.

Badai petir dalam lakon itu juga memperoleh makna simbolis, mengungkapkan gagasan dari keseluruhan karya secara keseluruhan. Munculnya orang-orang seperti Katerina dan Kuligin di kerajaan gelap adalah badai petir di Kalinov. Badai petir dalam lakon itu menyampaikan sifat bencana kehidupan, keadaan dunia terbelah dua. Banyak sisi dan keserbagunaan judul lakon menjadi semacam kunci untuk pemahaman yang lebih dalam tentang esensinya.

“Dalam drama Tuan Ostrovsky, yang menyandang nama “Badai Petir,” tulis A. D. Galakhov, “aksi dan suasananya tragis, meskipun banyak tempat menimbulkan tawa.” The Thunderstorm menggabungkan tidak hanya tragis dan komik, tetapi, yang paling penting, epik dan lirik. Semua ini menentukan orisinalitas komposisi lakon. VE Meyerhold menulis dengan sangat baik tentang ini: “Keunikan dari konstruksi Badai Petir adalah itu titik tertinggi ketegangan diberikan oleh Ostrovsky di babak keempat (dan bukan di adegan kedua babak kedua), dan peningkatan naskah tidak bertahap (dari babak kedua hingga ketiga ke keempat), tetapi dengan dorongan, atau lebih tepatnya, dua dorongan; kebangkitan pertama ditunjukkan pada babak kedua, dalam adegan perpisahan Katerina dengan Tikhon (kenaikan itu kuat, tetapi belum terlalu), dan kebangkitan kedua (sangat kuat - ini adalah dorongan paling sensitif) di babak keempat, pada saat pertobatan Katerina.

Di antara dua babak ini (ditetapkan seolah-olah di atas dua bukit yang tidak sama, tetapi menjulang tajam) - babak ketiga (dengan kedua gambar) terletak, seolah-olah, di sebuah lembah.

Sangat mudah untuk melihat bahwa skema internal pembangunan The Thunderstorm, yang diungkapkan secara halus oleh sutradara, ditentukan oleh tahapan perkembangan karakter Katerina, tahapan perkembangannya, perasaannya terhadap Boris.

A. Anastasiev mencatat bahwa lakon Ostrovsky memiliki takdir khususnya sendiri. Selama beberapa dekade, "Badai Petir" tidak meninggalkan panggung teater Rusia, N. A. Nikulina-Kositskaya, S. V. Vasilyev, N. V. Rykalova, G. N. Fedotova, M. N. Ermolova menjadi terkenal karena penampilan peran utama mereka, P. A. Strepetova, O. O. Sadovskaya, A. Koonen, V.N. Pashennaya. Dan pada saat yang sama, "sejarawan teater belum menyaksikan pertunjukan yang integral, harmonis, dan luar biasa." Misteri yang belum terpecahkan dari tragedi besar ini terletak, menurut peneliti, "dalam banyak gagasannya, dalam paduan terkuat dari kebenaran sejarah dan simbolisme puitis yang tak terbantahkan, tanpa syarat, dan konkret, dalam kombinasi organik dari tindakan nyata dan awal liris yang sangat tersembunyi. "

Biasanya, ketika mereka berbicara tentang lirik "Badai Petir", yang mereka maksud, pertama-tama, sistem lirik pandangan dunia dari tokoh utama lakon itu, mereka juga berbicara tentang Volga, yang dalam bentuknya yang paling umum ditentang. cara hidup "gudang" dan yang menyebabkan curahan liris Kuligin . Tetapi penulis naskah tidak dapat - berdasarkan hukum genre - memasukkan Volga, pemandangan Volga yang indah, secara umum, alam ke dalam sistem aksi dramatis. Dia hanya menunjukkan bagaimana alam menjadi elemen integral dari aksi panggung. Alam di sini bukan hanya objek kekaguman dan kekaguman, tetapi juga kriteria utama untuk mengevaluasi segala sesuatu yang ada, memungkinkan Anda untuk melihat alogisme, ketidakwajaran kehidupan modern. “Apakah Ostrovsky menulis Badai Petir? "Badai Petir" tulis Volga! - seru kritikus dan kritikus teater terkenal S. A. Yuryev.

“Setiap pekerja sehari-hari sejati pada saat yang sama adalah seorang yang benar-benar romantis,” kata tokoh teater terkenal A. I. Yuzhin-Sumbatov nanti, mengacu pada Ostrovsky. Romantis dalam arti luas, terkejut dengan kebenaran dan kerasnya hukum alam dan pelanggaran hukum tersebut dalam kehidupan publik. Inilah yang dibahas Ostrovsky di salah satu buku awalnya entri buku harian setelah tiba di tempat Kostroma: “Dan di seberang Volga, tepat di seberang kota, ada dua desa; salah satunya sangat indah, dari mana hutan paling keriting membentang sampai ke Volga, matahari saat matahari terbenam entah bagaimana secara ajaib naik ke dalamnya, dari akarnya, dan melakukan banyak keajaiban.

Berawal dari sketsa lanskap ini, Ostrovsky beralasan:

“Aku lelah melihat ini. Alam - Anda adalah kekasih yang setia, hanya sangat bernafsu; tidak peduli bagaimana kamu mencintaimu, kamu tetap tidak puas; gairah yang tidak terpuaskan mendidih di mata Anda, dan tidak peduli bagaimana Anda bersumpah bahwa Anda tidak dapat memuaskan keinginan Anda, Anda tidak marah, jangan menjauh, tetapi lihatlah segala sesuatu dengan mata penuh gairah Anda, dan mata penuh harapan ini adalah eksekusi dan siksaan bagi seseorang.

Lirik The Thunderstorm, bentuknya begitu spesifik (Ap. Grigoriev dengan halus berkomentar tentangnya: "... seolah-olah bukan seorang penyair, tetapi seluruh orang diciptakan di sini ..."), muncul justru atas dasar kedekatan dunia pahlawan dan penulis.

Pada 1950-an dan 1960-an, orientasi ke awal alam yang sehat menjadi prinsip sosial dan etika tidak hanya Ostrovsky, tetapi semua sastra Rusia: dari Tolstoy dan Nekrasov hingga Chekhov dan Kuprin. Tanpa manifestasi aneh dari suara "penulis" dalam karya-karya dramatis, kita tidak dapat sepenuhnya memahami psikologi "The Poor Bride", dan sifat lirik dalam "Thunderstorm" dan "Dowry", dan puisi dari drama baru. akhir abad ke-19.

Pada akhir 1960-an, karya Ostrovsky berkembang secara tematis. Dia menunjukkan bagaimana yang baru bercampur dengan yang lama: dalam gambaran biasa para pedagangnya, kita melihat kilau dan sekularitas, pendidikan dan perilaku yang "menyenangkan". Mereka bukan lagi orang lalim yang bodoh, tetapi pengakuisisi predator, yang tidak hanya mengepalkan satu keluarga atau kota, tetapi juga seluruh provinsi. Yang berkonflik dengan mereka adalah orang-orang yang paling beragam, lingkaran mereka sangat luas. Dan kesedihan yang menuduh dari drama itu lebih kuat. Yang terbaik dari mereka: "Hati Panas", "Uang Gila", "Hutan", "Serigala dan Domba", "Korban Terakhir", "Mahar", "Bakat dan Pengagum".

Pergeseran karya Ostrovsky periode terakhir terlihat sangat jelas, jika kita bandingkan, misalnya, "Hot Heart" dengan "Thunderstorm". Merchant Kuroslepov adalah seorang pedagang terkemuka di kota, tetapi tidak sekuat Wild, dia agak eksentrik, dia tidak memahami kehidupan dan sibuk dengan mimpinya. Istri keduanya, Matryona, jelas berselingkuh dengan pegawai Narkis. Mereka berdua merampok pemiliknya, dan Narkis sendiri ingin menjadi pedagang. Tidak, "kerajaan gelap" tidak monolitik sekarang. Cara hidup Domostroevsky tidak akan lagi menyelamatkan keinginan sendiri dari walikota Gradoboev. Pesta pora tak terkendali dari pedagang kaya Khlynov adalah simbol dari pembakaran kehidupan, pembusukan, omong kosong: Khlynov memerintahkan jalanan untuk dituangkan dengan sampanye.

Parasha adalah seorang gadis dengan "hati yang panas". Namun jika Katerina dalam The Thunderstorm ternyata menjadi korban dari suami yang bertepuk sebelah tangan dan kekasih yang berkemauan lemah, maka Parasha sadar akan kekuatan spiritualnya yang kuat. Dia juga ingin terbang. Dia mencintai dan mengutuk kelemahan karakter, keraguan kekasihnya: "Pria macam apa ini, cengeng macam apa yang dipaksakan padaku ... Rupanya, aku sendiri yang harus memikirkan kepalaku sendiri."

Dengan ketegangan yang luar biasa, perkembangan cinta Yulia Pavlovna Tugina untuk Dulchin, pemuda yang tidak layak, ditampilkan dalam The Last Victim. Dalam drama Ostrovsky selanjutnya, ada kombinasi situasi penuh aksi dengan deskripsi psikologis mendetail dari karakter utama. Penekanan besar ditempatkan pada perubahan siksaan yang mereka alami, di mana perjuangan pahlawan atau pahlawan wanita dengan dirinya sendiri, dengan perasaan, kesalahan, dan asumsinya sendiri mulai menempati tempat yang luas.

Dalam hal ini, "Mahar" adalah ciri khasnya. Di sini, mungkin, untuk pertama kalinya, penulis berfokus pada perasaan sang pahlawan wanita, yang melarikan diri dari perawatan ibunya dan cara hidup lama. Dalam lakon ini, yang terjadi bukanlah pergulatan antara terang dan gelap, melainkan perjuangan cinta itu sendiri untuk hak dan kebebasannya. Larisa Paratova sendiri lebih menyukai Karandysheva. Orang-orang di sekitarnya dengan sinis melecehkan perasaan Larisa. Ibu yang ingin "menjual" putrinya, seorang "mahar" untuk seorang pria uang, sombong bahwa dia akan menjadi pemilik harta seperti itu, sangat marah. Paratov melecehkannya, menipu harapan terbaiknya dan menganggap cinta Larisa sebagai salah satu kesenangan sesaat. Knurov dan Vozhevatov juga melecehkan, mempermainkan Larisa di antara mereka sendiri.

Orang-orang sinis macam apa, yang siap melakukan pemalsuan, pemerasan, penyuapan untuk tujuan egois, berubah menjadi pemilik tanah di Rusia pasca-reformasi, kita belajar dari lakon "Domba dan Serigala". "Serigala" adalah pemilik tanah Murzavetskaya, pemilik tanah Berkutov, dan "domba" adalah janda kaya muda Kupavina, pria tua berkemauan lemah Lynyaev. Murzavetskaya ingin menikahkan keponakannya yang tidak bermoral dengan Kupavina, "menakut-nakuti" dia dengan tagihan lama mendiang suaminya. Nyatanya, tagihan tersebut dipalsukan oleh pengacara tepercaya, Chugunov, yang sama-sama melayani Kupavina. Berkutov masuk dari St. Petersburg, seorang pemilik tanah - dan seorang pengusaha, lebih keji daripada bajingan lokal. Dia langsung menyadari apa yang terjadi. Kupavina dengan modal besarnya mengambil alih, tanpa membicarakan perasaan. Dengan cekatan "membeo" Murzavetskaya dengan mengungkap pemalsuan, dia segera menyimpulkan aliansi dengannya: penting baginya untuk memenangkan pemungutan suara dalam pemilihan pemimpin bangsawan. Dia benar-benar "serigala" dan, yang lainnya di sebelahnya adalah "domba". Pada saat yang sama, tidak ada pembagian tajam menjadi bajingan dan orang tak berdosa dalam drama itu. Antara "serigala" dan "domba" seolah-olah ada semacam konspirasi keji. Setiap orang berperang satu sama lain dan pada saat yang sama dengan mudah memasang dan menemukan keuntungan bersama.

Salah satu lakon terbaik di seluruh repertoar Ostrovsky, rupanya, adalah lakon Guilty Without Guilt. Ini menggabungkan motif dari banyak karya sebelumnya. Aktris Kruchinina, tokoh utama, seorang wanita dengan budaya spiritual tinggi, mengalami tragedi hidup yang hebat. Dia baik hati dan murah hati serta Kruchinina yang bijaksana berdiri di puncak kebaikan dan penderitaan. Jika Anda suka, dia dan "sinar cahaya" di "kerajaan gelap", dia dan "korban terakhir", dia dan "hati yang panas", dia dan "mahar", di sekelilingnya adalah "pengagum", itu adalah, "serigala" predator, penggerutu uang, dan sinis. Kruchinina, belum berasumsi bahwa Neznamov adalah putranya, mengajarinya dalam hidup, mengungkapkan hatinya yang tidak mengeras: “Saya lebih berpengalaman daripada Anda dan telah hidup lebih banyak di dunia; Saya tahu bahwa pada orang banyak kemuliaan, banyak cinta, tidak mementingkan diri sendiri, terutama pada wanita.

Drama ini adalah panegyric bagi wanita Rusia, pendewaan dari kebangsawanan dan pengorbanan dirinya. Ini adalah pendewaan dari aktor Rusia, yang jiwa aslinya dikenal baik oleh Ostrovsky.

Ostrovsky menulis untuk teater. Inilah kekhasan pemberiannya. Gambar dan gambar kehidupan yang ia ciptakan ditujukan untuk panggung. Itulah mengapa ucapan para tokoh Ostrovsky begitu penting, itulah mengapa karyanya terdengar begitu cemerlang. Pantas saja Innokenty Annensky menyebutnya sebagai "auditor-realis". Tanpa pementasan di atas panggung, karyanya seolah-olah tidak selesai, itulah sebabnya Ostrovsky sangat melarang lakonnya oleh sensor teater. (Komedi "Our People - Let's Settle" diizinkan untuk dipentaskan di teater hanya sepuluh tahun setelah Pogodin berhasil menerbitkannya di majalah.)

Dengan perasaan puas yang tak terselubung, A. N. Ostrovsky menulis pada tanggal 3 November 1878 kepada temannya, artis Teater Alexandrinsky A. F. Burdin: "Mahar" dengan suara bulat diakui sebagai yang terbaik dari semua karya saya.

Ostrovsky menjalani "Mahar", kadang-kadang hanya pada dia, hal keempat puluh, mengarahkan "perhatian dan kekuatannya", ingin "menyelesaikannya" dengan cara yang paling menyeluruh. Pada bulan September 1878, dia menulis kepada salah satu kenalannya: "Saya sedang mengerjakan permainan saya dengan sekuat tenaga; tampaknya hasilnya tidak akan buruk."

Sehari setelah pemutaran perdana, pada 12 November, Ostrovsky dapat mengetahui, dan pasti belajar dari Russkiye Vedomosti, bagaimana dia berhasil "melelahkan seluruh penonton, bahkan penonton yang paling naif." Karena dia - penonton - jelas telah "melampaui" tontonan yang dia tawarkan padanya.

Pada tahun 1970-an, hubungan Ostrovsky dengan kritikus, teater, dan penonton menjadi semakin rumit. Periode ketika dia menikmati pengakuan universal, dimenangkan olehnya di akhir tahun lima puluhan dan awal enam puluhan, digantikan oleh periode lain, yang semakin berkembang di berbagai lingkaran pendinginan terhadap penulis naskah.

Sensor teater lebih parah daripada sensor sastra. Ini bukan kebetulan. Intinya, seni teater itu demokratis, lebih langsung dari sastra, ditujukan kepada masyarakat umum. Ostrovsky dalam "Catatan tentang situasi seni drama di Rusia saat ini" (1881) menulis bahwa "puisi dramatis lebih dekat dengan masyarakat daripada cabang sastra lainnya. Semua karya lain ditulis untuk orang terpelajar, dan drama serta komedi - untuk seluruh rakyat; penulis drama harus selalu mengingat ini, mereka harus jelas dan kuat. Kedekatan dengan orang-orang ini tidak sedikit pun mempermalukan puisi dramatis, tetapi, sebaliknya, menggandakan kekuatannya dan mencegahnya menjadi vulgar dan cerewet." Ostrovsky berbicara dalam "Catatan" -nya tentang bagaimana penonton teater di Rusia berkembang setelah 1861. Ostrovsky menulis tentang penonton baru, tidak berpengalaman dalam seni: “Sastra yang bagus masih membosankan baginya dan tidak bisa dipahami, musik juga, hanya teater yang memberinya kesenangan penuh, di sana dia mengalami semua yang terjadi di atas panggung seperti anak kecil, bersimpati dengan kebaikan. dan mengenali kejahatan, disajikan dengan jelas." Untuk "penonton baru", tulis Ostrovsky, "diperlukan drama yang kuat, komedi besar, menantang, jujur, tawa keras, panas, perasaan tulus." Teaterlah, menurut Ostrovsky, yang berakar pada pertunjukan rakyat, yang memiliki kemampuan untuk mempengaruhi jiwa orang secara langsung dan kuat. Dua setengah dekade kemudian, Alexander Blok, berbicara tentang puisi, akan menulis bahwa esensinya terletak pada kebenaran utama yang "berjalan", pada kemampuan menyampaikannya ke hati pembaca.

Majulah, cerewet yang berduka!

Aktor, kuasai keahliannya,

Untuk dari kebenaran berjalan

Semua orang merasa sakit dan ringan!

("Balagan"; 1906)

Sangat penting bahwa Ostrovsky melekat pada teater, pemikirannya tentang seni teater, tentang posisi teater di Rusia, tentang nasib para aktor - semua ini tercermin dalam dramanya.

Dalam kehidupan Ostrovsky sendiri, teater memainkan peran besar. Dia mengambil bagian dalam produksi dramanya, bekerja dengan aktor, berteman dengan banyak dari mereka, berkorespondensi. Dia berusaha keras untuk membela hak-hak aktor, berusaha untuk membuat sekolah teater di Rusia, repertoarnya sendiri.

Ostrovsky tahu betul kehidupan batin, tersembunyi dari mata penonton, di belakang panggung teater. Dimulai dengan "Hutan" (1871), Ostrovsky mengembangkan tema teater, menciptakan gambar para aktor, menggambarkan nasib mereka - lakon ini diikuti oleh "Komedian abad ke-17" (1873), "Bakat dan Pengagum" (1881 ), "Bersalah Tanpa Rasa Bersalah" ( 1883).

Teater dalam citra Ostrovsky hidup sesuai dengan hukum dunia itu, yang akrab bagi pembaca dan penonton dari lakonnya yang lain. Cara pembentukan nasib seniman ditentukan oleh adat istiadat, hubungan, keadaan kehidupan "umum". Kemampuan Ostrovsky untuk menciptakan kembali gambaran waktu yang akurat dan hidup juga terwujud sepenuhnya dalam lakon tentang para aktor. Ini adalah Moskow pada era Tsar Alexei Mikhailovich ("Komedian abad ke-17"), sebuah kota provinsi yang modern menjadi Ostrovsky ("Bakat dan Pengagum", "Bersalah Tanpa Rasa Bersalah"), sebuah tanah bangsawan ("Hutan").

Dalam kehidupan teater Rusia, yang sangat dikenal Ostrovsky, aktor itu adalah orang yang dipaksakan, yang memiliki banyak ketergantungan. “Kemudian ada waktu untuk favorit, dan semua ketekunan manajerial dari inspektur repertoar terdiri dari instruksi kepada direktur utama untuk berhati-hati saat menyusun repertoar sehingga favorit yang menerima bayaran besar per pertunjukan bermain setiap hari dan, jika memungkinkan , di dua teater,” tulis Ostrovsky dalam “A Note on Draft Rules on Imperial Theatres for Dramatic Works" (1883).

Dalam penggambaran Ostrovsky, para aktornya bisa menjadi hampir pengemis, seperti Neschastlivtsev dan Schastlivtsev di The Forest, dipermalukan, kehilangan wujud manusianya karena mabuk, seperti Robinson di The Dowry, seperti Shmaga di Guilty Without Guilt, seperti Erast Gromilov dalam Bakat dan pengagum", "Kami, para seniman, tempat kami di prasmanan", - kata Shmaga dengan menantang dan ironi jahat.

Teater, kehidupan aktris provinsi di akhir tahun 70-an, pada saat Ostrovsky menulis drama tentang aktor, menunjukkan M.E. Saltykov-Shchedrin dalam novel "Gentlemen Golovlyov". Keponakan Yudushka, Lyubinka dan Anninka menjadi aktris, melarikan diri dari kehidupan Golovlev, tetapi berakhir di kandang Natal. Mereka tidak memiliki bakat, tidak ada pelatihan, mereka tidak belajar akting, tetapi semua ini tidak diperlukan di panggung provinsi. Kehidupan para aktor muncul dalam memoar Anninka sebagai neraka, seperti mimpi buruk: "Ini adalah adegan dengan pemandangan jelaga, tertangkap dan licin karena lembab; di sini dia sendiri berputar di atas panggung, hanya berputar, membayangkan bahwa dia sedang bermain ... Malam yang mabuk dan garang; pemilik tanah yang lewat dengan tergesa-gesa mengeluarkan yang hijau dari dompet kurus mereka; pegangan pedagang menyoraki "aktor" hampir dengan cambuk di tangan mereka. Dan kehidupan di belakang panggung itu jelek, dan apa yang dimainkan di atas panggung itu jelek: "... Dan Duchess of Gerolstein, memukau dengan prajurit berkuda, dan Cleretta Ango, dalam gaun pengantin, dengan belahan di depan hingga ke pinggang , dan Elena yang cantik, dengan celah di depan, belakang dan dari semua sisi ... Tidak ada apa-apa selain tidak tahu malu dan telanjang ... seperti itulah hidup ini!" Kehidupan ini mendorong Lubinka untuk bunuh diri.

Kebetulan antara Shchedrin dan Ostrovsky dalam penggambaran teater provinsi itu wajar - keduanya menulis tentang apa yang mereka ketahui dengan baik, mereka menulis kebenaran. Tapi Shchedrin adalah seorang satiris tanpa ampun, dia terlalu melebih-lebihkan, gambarannya menjadi aneh, sementara Ostrovsky memberikan gambaran objektif tentang kehidupan, "kerajaan gelap" -nya bukannya tanpa harapan - bukan tanpa alasan N. Dobrolyubov menulis tentang "sinar lampu".

Ciri Ostrovsky ini diperhatikan oleh para kritikus bahkan ketika drama pertamanya muncul. "... Kemampuan untuk menggambarkan realitas sebagaimana adanya - "kesetiaan matematis terhadap realitas", tidak adanya pernyataan yang berlebihan ... Semua ini bukanlah ciri khas puisi Gogol; semua ini adalah ciri khas komedi baru," B . Almazov menulis dalam artikel "Mimpi dengan acara komedi. Sudah di zaman kita, kritikus sastra A. Skaftymov dalam karyanya "Belinsky dan dramaturgi A.N. Ostrovsky" mencatat bahwa "perbedaan paling mencolok antara lakon Gogol dan Ostrovsky adalah bahwa Gogol tidak memiliki korban kejahatan, dan Ostrovsky selalu memiliki wakil korban yang menderita... Menggambarkan sifat buruk, Ostrovsky melindungi sesuatu darinya, melindungi seseorang... Dengan demikian, seluruh isi lakon berubah untuk secara tajam mengedepankan legitimasi batin, kebenaran dan puisi kemanusiaan sejati, tertindas dan diusir dalam suasana kepentingan pribadi dan penipuan yang dominan. Pendekatan Ostrovsky untuk menggambarkan realitas, yang berbeda dari pendekatan Gogol, tentu saja dijelaskan oleh orisinalitas bakatnya, sifat "alami" dari seniman, tetapi juga (ini tidak boleh diabaikan) oleh perubahan waktu: peningkatan perhatian pada individu, pada hak-haknya, pengakuan atas nilainya.

DI DAN. Nemirovich-Danchenko dalam bukunya "The Birth of the Theatre" menulis tentang apa yang membuat drama Ostrovsky sangat indah: "suasana kebaikan", "simpati yang jelas dan tegas di pihak yang tersinggung, yang selalu sangat sensitif oleh aula teater ."

Dalam lakon tentang teater dan aktor, Ostrovsky tentunya memiliki citra seorang seniman sejati dan orang yang cantik. Dalam kehidupan nyata, Ostrovsky mengenal banyak orang hebat di dunia teater, sangat menghargai dan menghormati mereka. Peran penting dalam hidupnya dimainkan oleh L. Nikulina-Kositskaya, yang dengan gemilang menampilkan Katerina dalam The Thunderstorm. Ostrovsky berteman dengan artis A. Martynov, dia sangat menghargai N. Rybakov, G. Fedotova, M. Yermolova bermain dalam dramanya; P. Strepetova.

Dalam drama Guilty Without Guilt, aktris Elena Kruchinina berkata: "Saya tahu bahwa orang memiliki banyak kemuliaan, banyak cinta, tidak mementingkan diri sendiri." Dan Otradina-Kruchinina sendiri adalah milik orang-orang yang luar biasa dan mulia, dia adalah seniman yang luar biasa, cerdas, penting, tulus.

"Oh, jangan menangis; itu tidak sebanding dengan air matamu. Kamu adalah merpati putih dalam kawanan benteng hitam, jadi mereka mematukmu. Keputihanmu, kemurnianmu menyinggung mereka," kata Narokov kepada Sasha Negina di Bakat dan Pengagum.

Gambar paling jelas dari aktor mulia yang diciptakan oleh Ostrovsky adalah tragedi Neschastlivtsev di The Forest. Ostrovsky menggambarkan orang yang "hidup", dengan nasib yang sulit, dengan kisah hidup yang menyedihkan. Neschastlivtsev, yang banyak minum, tidak bisa disebut "merpati putih". Tapi dia berubah sepanjang permainan, situasi plot memberinya kesempatan untuk mengungkapkan sepenuhnya fitur terbaik dari sifatnya. Jika pada awalnya perilaku Neschastlivtsev terlihat melalui postur yang melekat pada tragedi provinsial, kecenderungan untuk pelafalan yang sombong (pada saat-saat ini dia konyol); jika, berperan sebagai master, dia menemukan dirinya dalam situasi yang konyol, kemudian, setelah memahami apa yang terjadi di perkebunan Gurmyzhskaya, betapa sampah majikannya, dia mengambil bagian yang bersemangat dalam nasib Aksyusha, menunjukkan kualitas manusia yang luar biasa. Ternyata peran itu pahlawan mulia organik baginya, ini benar-benar perannya - dan tidak hanya di atas panggung, tetapi juga dalam kehidupan.

Dalam pandangannya, seni dan kehidupan saling terkait erat, aktor bukanlah orang munafik, bukan penipu, seninya didasarkan pada perasaan yang tulus, pengalaman yang tulus, seharusnya tidak ada hubungannya dengan kepura-puraan dan kebohongan dalam hidup. Inilah arti dari ucapan yang dilontarkan Gurmyzhskaya dan seluruh rombongannya di Neschastlivtsev: "... Kami adalah seniman, seniman mulia, dan komedian adalah Anda."

Gurmyzhskaya ternyata menjadi pelawak utama dalam pertunjukan kehidupan yang dimainkan di The Forest. Dia memilih untuk dirinya sendiri peran yang menarik dan cantik dari seorang wanita dengan aturan moral yang ketat, seorang dermawan yang mengabdikan dirinya untuk perbuatan baik ("Tuan-tuan, apakah saya hidup untuk diri saya sendiri? Semua yang saya miliki, semua uang saya adalah milik orang miskin. Saya hanya seorang juru tulis dengan uang saya, dan tuan mereka adalah setiap orang miskin, setiap orang yang malang," dia menginspirasi orang-orang di sekitarnya). Tapi semua ini adalah kemunafikan, topeng yang menyembunyikan wajah aslinya. Gurmyzhskaya menipu, berpura-pura baik hati, dia bahkan tidak berpikir untuk melakukan sesuatu untuk orang lain, membantu seseorang: “Mengapa saya menjadi emosional! Gurmyzhskaya tidak hanya memainkan peran yang benar-benar asing baginya, dia juga memaksa orang lain untuk bermain bersamanya, memaksakan pada mereka peran yang seharusnya menampilkannya dalam cahaya yang paling disukai: Neschastlivtsev ditugaskan untuk memainkan peran sebagai keponakan yang bersyukur dan penyayang . Aksyusha - peran pengantin wanita, Bulanov - pengantin pria Aksyusha. Tapi Aksyusha menolak membuat komedi untuknya: "Saya tidak akan menikah dengannya, jadi mengapa komedi ini?" Gurmyzhskaya, tidak lagi menyembunyikan fakta bahwa dia adalah sutradara drama yang sedang dimainkan, dengan kasar menempatkan Aksyusha di tempatnya: "Komedi! Beraninya kamu? Tapi bahkan komedi; aku memberi makan dan mendandanimu, dan aku akan membuatmu bermain komedi."

Komedian Schastlivtsev, yang ternyata lebih tanggap daripada Neschastlivtsev yang tragis, yang pada awalnya menerima penampilan Gurmyzhskaya dengan keyakinan, mengetahui situasi sebenarnya di hadapannya, memberi tahu Neschastlivtsev: “Siswa sekolah menengah itu, tampaknya, lebih pintar; dia berperan sebagai peran yang lebih baik di sini daripada peranmu ... Dia adalah seorang kekasih, dan kamu adalah ... orang bodoh.

Di depan penonton muncul yang asli, tanpa topeng pelindung farisi, Gurmyzhskaya - seorang wanita yang rakus, egois, penipu, dan bejat. Tontonan yang dia mainkan mengejar tujuan yang rendah, keji, dan kotor.

Banyak dari drama Ostrovsky menampilkan "teater" kehidupan yang palsu. Podkhalyuzin dalam drama pertama Ostrovsky "Rakyat Kita - Ayo Selesaikan" memainkan peran sebagai pemilik yang paling berbakti dan setia dari seseorang dan dengan demikian mencapai tujuannya - setelah menipu Bolshov, dia sendiri yang menjadi pemiliknya. Glumov dalam komedi "Enough Stupidity for Every Wise Man" membangun karirnya di atas permainan yang kompleks, dengan memakai satu atau beberapa topeng. Hanya kesempatan yang mencegahnya mencapai tujuannya dalam intrik yang dia mulai. Dalam "Mahar" tidak hanya Robinson, yang menghibur Vozhevatov dan Paratov, tampil sebagai seorang penguasa. Karandyshev yang lucu dan menyedihkan berusaha terlihat penting. Setelah menjadi tunangan Larisa, dia "... mengangkat kepalanya begitu tinggi sehingga dia akan menemukan seseorang. Dan dia memakai kacamata karena suatu alasan, tetapi dia tidak pernah memakainya. Dia membungkuk - hampir tidak mengangguk," kata Vozhevatov. Semua yang dilakukan Karandyshev adalah buatan, semuanya untuk pertunjukan: kuda malang yang dia dapatkan, dan karpet dengan senjata murah di dinding, dan makan malam yang dia atur. Laki-laki Paratov - bijaksana dan tidak berjiwa - memainkan peran sebagai sifat yang panas dan luas tanpa batas.

Teater dalam kehidupan, topeng yang memaksakan lahir dari keinginan untuk menyamar, menyembunyikan sesuatu yang tidak bermoral, memalukan, menyamarkan hitam menjadi putih. Di balik penampilan seperti itu biasanya ada perhitungan, kemunafikan, kepentingan pribadi.

Neznamov dalam lakon "Bersalah Tanpa Rasa Bersalah", menjadi korban intrik yang dimulai Korinkina, dan percaya bahwa Kruchinina hanya berpura-pura menjadi wanita yang baik dan mulia, dengan getir berkata: "Aktris! aktris! jadi mainkan di atas panggung. Mereka membayar uang untuk kepura-puraan yang baik Dan untuk bermain dalam hidup atas hati yang sederhana dan mudah tertipu yang tidak membutuhkan permainan, yang meminta kebenaran... mereka harus dieksekusi untuk ini... kami tidak membutuhkan penipuan! Beri kami kebenaran , kebenaran murni!" Pahlawan lakon di sini mengungkapkan ide yang sangat penting bagi Ostrovsky tentang teater, tentang perannya dalam kehidupan, tentang sifat dan tujuan akting. Ostrovsky mengontraskan komedi dan kemunafikan dalam hidup dengan seni yang penuh kebenaran dan ketulusan di atas panggung. Teater sungguhan, lakon yang diilhami oleh seorang seniman selalu bermoral, membawa kebaikan, mencerahkan seseorang.

Drama Ostrovsky tentang aktor dan teater, yang secara akurat mencerminkan keadaan realitas Rusia pada tahun 1970-an dan 1980-an, mengandung pemikiran tentang seni yang masih hidup hingga saat ini. Ini adalah pemikiran tentang nasib sulit, terkadang tragis dari seorang seniman sejati, yang, menyadari dirinya sendiri, menghabiskan, membakar dirinya sendiri, tentang kebahagiaan yang dia temukan dalam kreativitas, penyerahan diri sepenuhnya, tentang misi luhur seni, yang menegaskan kebaikan dan kemanusiaan. Ostrovsky sendiri mengekspresikan dirinya, mengungkapkan jiwanya dalam lakon yang ia ciptakan, mungkin secara terus terang dalam lakon tentang teater dan aktor. Banyak di dalamnya selaras dengan apa yang ditulis oleh penyair abad kita dalam syair-syair yang indah:

Ketika perasaan mendikte garis

Ini mengirim seorang budak ke panggung,

Dan di sinilah seni berakhir.

Dan tanah dan takdir bernafas.

(B.Pasternak " Oh, aku akan tahu

apa yang terjadi... ").

Seluruh generasi seniman Rusia yang luar biasa tumbuh dalam produksi drama Ostrovsky. Selain Sadovsky, ada juga Martynov, Vasiliev, Strepetov, Yermolov, Massalitinov, Gogolev. Dinding Teater Maly menyaksikan penulis drama hebat itu hidup, dan tradisinya masih berkembang di atas panggung.

Keahlian dramatis Ostrovsky adalah milik dari teater kontemporer, subjek studi intensif. Itu sama sekali tidak ketinggalan zaman, meskipun banyak teknik kuno. Tapi gaya kuno ini persis sama dengan di teater Shakespeare, Moliere, Gogol. Ini adalah berlian tua dan asli. Drama Ostrovsky mengandung kemungkinan tak terbatas untuk penampilan panggung dan pertumbuhan akting.

Kekuatan utama penulis naskah adalah kebenaran yang menguasai segalanya, kedalaman tipifikasi. Dobrolyubov juga mencatat bahwa Ostrovsky tidak hanya menggambarkan tipe pedagang, pemilik tanah, tetapi juga tipe universal. Kami memiliki semua tandanya seni tertinggi yang abadi.

Keaslian dramaturgi Ostrovsky, inovasinya secara khusus terwujud dengan jelas dalam tipifikasi. Jika ide, tema, dan plot mengungkap orisinalitas dan inovasi isi dramaturgi Ostrovsky, maka prinsip tipifikasi karakter sudah berhubungan dengan penggambaran artistiknya, bentuknya.

A. H. Ostrovsky, yang melanjutkan dan mengembangkan tradisi realistis drama Eropa Barat dan Rusia, biasanya tertarik bukan oleh kepribadian yang luar biasa, tetapi oleh karakter sosial biasa yang biasa dengan ciri yang lebih besar atau lebih kecil.

Hampir semua karakter Ostrovsky asli. Pada saat yang sama, individu dalam lakonnya tidak bertentangan dengan sosial.

Mengindividualkan karakternya, penulis naskah menemukan karunia penetrasi terdalam ke dunia psikologis mereka. Banyak episode drama Ostrovsky adalah mahakarya penggambaran realistis psikologi manusia.

“Ostrovsky,” tulis Dobrolyubov dengan benar, “tahu bagaimana melihat ke kedalaman jiwa seseorang, tahu bagaimana membedakan alam dari semua kelainan bentuk dan pertumbuhan yang diterima secara eksternal; itulah sebabnya penindasan eksternal, beratnya seluruh situasi yang menghancurkan seseorang, dirasakan dalam karya-karyanya jauh lebih kuat daripada di banyak cerita, isinya sangat keterlaluan, tetapi sisi eksternal dan resmi dari masalah ini benar-benar mengaburkan batin, sisi manusia. Dobrolyubov mengenali salah satu sifat utama dan terbaik dari bakat Ostrovsky dalam kemampuan untuk "memperhatikan alam, menembus ke dalam jiwa seseorang, menangkap perasaannya, terlepas dari citra hubungan resmi eksternalnya."

Dalam mengerjakan karakter, Ostrovsky terus meningkatkan metode keterampilan psikologisnya, memperluas jangkauan warna yang digunakan, memperumit warna gambar. Dalam karya pertamanya, kita memiliki karakter karakter yang cerah, tetapi kurang lebih satu baris. Karya selanjutnya adalah contoh pengungkapan citra manusia yang lebih mendalam dan rumit.

Dalam dramaturgi Rusia, sekolah Ostrovsky secara alami ditunjuk. Ini termasuk I. F. Gorbunov, A. Krasovsky, A. F. Pisemsky, A. A. Potekhin, I. E. Chernyshev, M. P. Sadovsky, N. Ya Soloviev, P. M. Nevezhin, dan A. Kupchinsky. Belajar dari Ostrovsky, I. F. Gorbunov menciptakan pemandangan indah dari kehidupan pedagang dan kerajinan borjuis kecil. Mengikuti Ostrovsky, A. A. Potekhin mengungkapkan dalam dramanya pemiskinan kaum bangsawan ("Oracle Terbaru"), esensi pemangsa dari kaum borjuasi kaya ("Bersalah"), penyuapan, karirisme birokrasi ("Perada"), keindahan spiritual kaum tani ("Mantel Bulu Domba - jiwa manusia"), munculnya orang-orang baru dari gudang demokrasi ("Potong potongan"). Drama pertama Potekhin, The Judgment of Man Not God, yang muncul pada tahun 1854, mengingatkan pada drama Ostrovsky yang ditulis di bawah pengaruh Slavofilisme. Pada akhir 1950-an dan awal 1960-an, lakon I. E. Chernyshev, seorang seniman Teater Alexandrinsky dan kontributor tetap majalah Iskra, sangat populer di Moskow, St. Lakon-lakon ini, yang ditulis dalam semangat demokrasi-liberal, dengan jelas meniru gaya artistik Ostrovsky, membekas dengan eksklusivitas tokoh-tokoh utamanya, rumusan tajam masalah moral dan rumah tangga. Misalnya, dalam komedi The Bridegroom from the Debt Office (1858) diceritakan tentang seorang lelaki miskin yang mencoba menikahi seorang pemilik tanah yang kaya, dalam komedi Happiness Is Not in Money (1859) digambarkan seorang pedagang pemangsa yang tidak berjiwa, dalam drama Father of the Family (1860) tiran-tuan tanah, dan dalam komedi "Spoiled Life" (1862) menggambarkan seorang pejabat yang sangat jujur, baik hati, istrinya yang naif dan kerudung pengkhianat yang melanggar kebahagiaan mereka.

Di bawah pengaruh Ostrovsky, kemudian, pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20, penulis naskah seperti A.I.Sumbatov-Yuzhin, Vl.I. Nemirovich-Danchenko, S. A. Naidenov, E. P. Karpov, P. P. Gnedich dan banyak lainnya.

Otoritas Ostrovsky yang tak terbantahkan sebagai penulis drama pertama di negara itu diakui oleh semua tokoh sastra progresif. Sangat menghargai dramaturgi Ostrovsky sebagai "nasional", mendengarkan nasihatnya, L. N. Tolstoy mengiriminya drama "The First Distiller" pada tahun 1886. Menyebut Ostrovsky sebagai "bapak dramaturgi Rusia", penulis "War and Peace" memintanya dalam surat pengantar untuk membaca drama tersebut dan mengungkapkan "putusan ayahnya" tentangnya.

Drama Ostrovsky, yang paling progresif dalam dramaturgi paruh kedua abad ke-19, merupakan langkah maju dalam perkembangan seni drama dunia, sebuah bab yang mandiri dan penting.

Pengaruh besar Ostrovsky pada dramaturgi Rusia, Slavia, dan orang lain tidak dapat disangkal. Tetapi karyanya terhubung tidak hanya dengan masa lalu. Itu hidup aktif di masa sekarang. Dengan kontribusinya pada repertoar teater, yang merupakan ekspresi kehidupan saat ini, penulis naskah yang hebat adalah kontemporer kita. Perhatian terhadap pekerjaannya tidak berkurang, melainkan bertambah.

Ostrovsky akan lama menarik hati dan pikiran pemirsa dalam dan luar negeri dengan kesedihan humanistik dan optimis dari ide-idenya, generalisasi yang dalam dan luas dari para pahlawannya, baik dan jahat, sifat universal manusia mereka, keunikan keterampilan dramatis aslinya.