Illustrazioni di Erik Bulatov. E così la politica...

Erik Bulatov, un classico della seconda avanguardia, parla dei suoi genitori e di Sverdlovsk, dell'evacuazione e di come ha iniziato a dipingere, degli insegnanti, Favorsky e Falka, dell'illustrazione del libro e dei principi del suo lavoro.

Eric Bulatov, un classico della Sots Art che vive a Parigi, durante un breve soggiorno a Mosca di Capodanno, ha raccontato a Elena Kalashnikova dei suoi genitori e della sua infanzia, degli insegnanti e della scuola Surikov, di come ha combinato per trent'anni l'illustrazione di libri per bambini con la pittura. “Cosa può sognare un artista che fa ciò che ritiene opportuno, e nel modo che ritiene opportuno?..”

Sei nato a Sverdlovsk il 5 settembre 1933. In un'intervista hai detto: “Per qualche ragione mio padre credeva davvero che sarei diventato un artista. È morto al fronte quando non avevo ancora otto anni. Racconta della tua famiglia.
- Qui è necessario chiarire: mio padre andò al fronte nel 1941, quando avevo meno di otto anni, e morì nel 1944. Era un lavoratore di partito professionista.

- Qual era il suo nome?
- Vladimir Borisovich. Viene da Saratov, poi si è trasferito a Mosca con i suoi genitori. Nel 1918 si iscrisse al partito, subito dopo il ginnasio che frequentò guerra civile che è stata una tragedia per la famiglia. Nel 1937 fu espulso dal partito e tutto andò in arresto. Ma poi mia madre ha fatto una cosa semplice ma molto efficace. Ho affittato una dacia vicino a Mosca e mio padre ha vissuto lì per circa sei mesi.

Non era una figura politica importante, quindi le autorità non avevano bisogno di arrestarlo. C'era un layout per ogni distretto: prendere così tanto, ma se questo non c'è, ne prenderemo un altro. Come hanno reclutato nell'esercito, più o meno lo stesso.

Quando questa campagna finì e mio padre si presentò, non lo toccarono, lo reintegrarono nel partito, ma non tornò al lavoro di partito. Lui aveva istruzione superiore, e andò a lavorare come segretario scientifico nella Grande Enciclopedia Sovietica.

- Perché sei nato a Sverdlovsk?
- Mio padre è andato in viaggio d'affari negli Urali, mia madre incinta è andata con lui, sono nato lì e poi sono tornati.

Mia madre aveva una natura romantica ed era molto attiva. Nato in Polonia, a Bialystok. All'età di quindici anni ha attraversato illegalmente il confine: Russia - libertà, rivoluzione ...

È stata catturata al confine, è tornata, ma alla fine è finita in Russia, non conoscendo la lingua russa, aveva lo yiddish e il polacco. Ma tre anni dopo ha imparato così tanto il russo che ha già lavorato come stenografa. Prima, un anno o due, credo, a Kamenetz-Podolsky, poi a Mosca.

Negli ultimi anni è stata stenografa presso il presidio dell'Ordine degli avvocati di Mosca. La mamma era molto persona dotata e negli anni '20 ha persino superato un esame di recitazione in uno studio cinematografico.

C'era una tale stanza dell'insegnante (non Romm). Ha superato una folle competizione, ma non ha lavorato lì, le è bastato superare la competizione.

Era contraria alla linea generale del partito, contro ogni potere, una tipica coscienza intellettuale. Doveva essere contro suo padre, le loro opinioni erano per molti versi opposte, ma si amavano moltissimo.

Successivamente, la madre ha ristampato testi proibiti: Pasternak, Tsvetaev, Mandelstam ... L'intero dottor Zhivago.

- Ha partecipato a samizdat.
- In samizdat, tutto qui. Ha digitato su una macchina da scrivere testi per lo più artistici, non politici, ma comunque proibiti. Voglio dire, i miei genitori erano molto diversi.

- Quale di loro era più vicino a te?
- Difficile da dire. Ero troppo giovane per scegliere. La mia infanzia felice finì con l'inizio della guerra, l'incubo continuò finché non entrai al liceo artistico. Poi la vita normale è andata avanti.

Per tutto il tempo che posso ricordare, ho disegnato e disegnato bene. Allora era troppo presto per giudicare cosa ne sarebbe potuto derivare. Questo è determinato dall'età di dieci o dodici anni, ma mio padre credeva che sarei diventato un artista.

Cosa erano quei disegni? Ritratti, schizzi dalla natura, paesaggi?..
- Stranamente, alcuni di loro sono rimasti. Fondamentalmente erano composizioni. Ruslan e Rogdai stanno combattendo, battaglie, cavalieri, qualcosa del genere ... Le composizioni erano interessanti. Ma ho disegnato qualcosa.

- Tua madre ha salvato i disegni?
- Probabilmente, non lo so nemmeno. Ho uno di quegli album nel mio studio. L'ho lasciato per sbaglio, non credo fosse conservato appositamente. La maggior parte dei disegni di quel periodo sono scomparsi.

Quando siamo partiti per l'evacuazione, coloro che sono stati trasferiti nel nostro appartamento hanno alimentato la stufa con i libri. Siamo partiti dagli scaffali in basso, dove c'erano i libri ei disegni dei miei figli, e in alto c'erano i libri di Lenin e Marx. Naturalmente, non hanno iniziato con Marx, ed è stato molto difficile arrampicarsi lì ...

- Dove abitavi durante l'evacuazione?
- Siamo andati all'evacuazione insieme all'Art Theatre, perché la sorella di mio padre era sposata con un attore dell'Art Theatre. Abbiamo vissuto come un'unica famiglia. I genitori del padre vivevano con la figlia, prima del matrimonio, e il padre viveva con loro, e poi prese un appartamento. La madre, insieme a loro, è stata evacuata, prima a Saratov, poi a Sverdlovsk.

- Tuo padre è andato in guerra come volontario?
Sì, non appena è iniziata la guerra.

È diventato piuttosto stupido. Prima mia madre mi ha mostrato i miei disegni. artisti diversi anche Korina. Korin e altri hanno detto che non c'era bisogno di mandarmi da nessuna parte, potevano viziarmi lì, qualcosa del genere, in generale, era troppo presto.

La scuola d'arte è accettata dopo la quinta elementare dell'istruzione generale. Non sapevo che esistesse una scuola del genere e l'ho scoperto per caso. In una classe parallela ha studiato il mio coetaneo, che ha anche dipinto, abbiamo gareggiato con lui.

Una volta mi ha detto che stava entrando in una scuola d'arte, c'erano degli esami, ma era sicuro che sarebbe passato. Sono rimasto scioccato nell'apprendere che esiste una scuola del genere, sono corso lì, ma si è rivelato troppo tardi: gli esami erano finiti e ho dovuto aspettare il nuovo anno.

Mi è stato consigliato di prepararmi alla Pioneer House. Per due anni ho studiato in un circolo di disegno con Alexander Mikhailovich Mikhailov, che ricordo con amore e gratitudine.

Un buon insegnante e una persona affascinante, ho poi mantenuto un rapporto con lui. SU l'anno prossimo Ho provato ad entrare nella seconda elementare di una scuola d'arte, ma non ho superato il concorso.

Nel 1947 fui ammesso alla terza elementare. Poi, in qualche modo, da solo, è entrato all'Istituto Surikov, la facoltà di pittura. Dato che mi sono diplomato a scuola con una medaglia, non ho dovuto sostenere gli esami di ammissione.

- E da chi hai imparato?
- Pyotr Dmitrievich Pokarzhevsky aveva un tale professore. Nel primo anno abbiamo avuto un insegnante, poi un altro, ma è successo che dal secondo anno ho studiato con Pyotr Dmitrievich, con il quale ho avuto anche ottimi rapporti.

IN scuola d'arte disegnavamo come matti, lavoravamo dalla mattina alla sera e non pensavamo ad altro. Figli dei privilegiati e persone normali, ma per noi non importava, erano divisi solo in mediocri e talentuosi.

E a Surikovskij c'era un'atmosfera cupa, ammuffita, provinciale, era un periodo difficile - la fine degli anni Quaranta - l'inizio degli anni Cinquanta. Morte di Stalin...

- La lotta al cosmopolitismo.
- Sì, e la distruzione definitiva dell'art.

- Persone interessanti studiato con te?
- Avevo amici della scuola d'arte. Prima di tutto Oleg Vasiliev, con il quale siamo amici da tutta la vita, diverse persone della classe con cui sostengo ancora il più vicino e il più relazioni amichevoli. All'istituto non si sono sviluppati rapporti con nessuno.

Dopo la morte di Stalin, l'atmosfera a Surikovskij iniziò a cambiare abbastanza rapidamente, come in generale nella cultura.

Hai detto che dopo l'istituto sei stato riqualificato, "sviluppando - in gran parte sotto l'influenza di Robert Falk e Vladimir Favorsky - una ferma indipendenza rispetto alla dottrina realista socialista ufficiale". Dicci di più.
- Durante la formazione ci siamo imbattuti in un'arte precedentemente proibita, che non capivo e non sentivo. Falk e Favorsky mi hanno aiutato a capire e padroneggiare il mio mestiere, il che è stato un aiuto inestimabile per me, non potevo ottenerlo all'istituto.

Per spiegare cosa devo a Favorsky e cosa a Falk, ci deve essere una conversazione seria. Ne ho scritto e parlato molto, recentemente è stato pubblicato un libro dei miei articoli teorici “I Live Further”, dove c'è molto su questo argomento.

Volevo diventare un artista serio e vero, quindi ho dovuto riqualificarmi. L'istruzione ricevuta non era sufficiente.

Alla fine dell'istituto, mi sono reso conto che non dovevo dipendere dagli ordini statali, non perché inizialmente sarei diventato un artista antisovietico, io stesso non sapevo che tipo di artista sarei stato, ma per sviluppare liberamente.

Tutti i mezzi di sussistenza erano nelle mani dello stato, non potevano esserci ordini privati. Quindi, nel settore della pittura, era necessario cercare un altro modo per guadagnare denaro, in modo che lasciasse il tempo per il mio lavoro diretto.

E hai iniziato a fare illustrazioni per bambini. So che avevi un programma: sei mesi illustrazione del libro, mezzo anno - immagini.
- Giusto. Tempo leggero, primavera - estate, lasciato per la pittura e buio, autunno - inverno - per i libri. Abbiamo lavorato sui libri insieme a Oleg Vasiliev.

- Perché con lui?
- Oleg e io avevamo una visione ravvicinata, parlavamo tutto il tempo e avevamo bisogno l'uno dell'altro, quindi ci siamo uniti nel lavoro.

- In epoca sovietica, per l'artista, solo l'illustrazione di libri per bambini era un rifugio sicuro?
- Alcuni di loro hanno eseguito lavori decorativi su misura in una pittoresca fabbrica. Ma la maggior parte è andata in un libro per bambini. Era il modo più innocuo di cooperazione con lo stato. Inoltre, di tutti i tipi arti visive era di altissimo livello professionale.

Molti bravi artisti entrò in un libro per bambini negli anni '30, quando iniziò la distruzione della pittura. Pertanto, la cultura e le tradizioni sono state preservate lì.

- Hai avuto qualche esempio nell'illustrazione del libro?
- Certamente. Abbiamo guardato molto, ho un'intera biblioteca di libri per bambini. Il nostro artista preferito era Yuri Vasnetsov. A proposito, uno studente di Malevich. È stato inserito in un libro per bambini. Per il libro russo grande fortuna che tali artisti vi lavorassero, ma per la nostra arte questa è certamente una perdita.

- Cosa ti piace di più di quei tuoi lavori?
- Non lo so nemmeno. Delle fiabe di Perrault, Cenerentola, Wild Swans di Andersen e Grandmother Blizzard dei fratelli Grimm si sono rivelate le migliori. È stato interessante lavorare alla raccolta "Viaggio in una fiaba", che contiene fiabe europee e asiatiche.

- Hai limitato la tua immaginazione nell'illustrazione per bambini o hai sentito qualche pressione?
- Lavorando in una casa editrice, devi accettare determinati requisiti. È come negli scacchi: all'interno delle regole ci sono molte opportunità per l'immaginazione, ma il cavallo si muove così, e la torre così, e non si può fare nulla.

Non torni a quei libri? Non possono diventare una fonte di ispirazione per te? O è una pagina chiusa?
- Sì, questa è una pagina chiusa. Questo non è il lavoro mio e non di Vasiliev, ma un terzo artista di nome Bulatov e Vasiliev, ora semplicemente non esiste.

Quando inizi a lavorare, hai già un'idea in testa, o nasce durante il lavoro, o si trasforma?.. Come succede di solito?
- Di norma, non può essere trasformato. Non ho in testa un'idea, ma un'immagine, devo trovare una forma adeguata per la sua espressione. Questo processo può essere complesso e richiedere molto tempo. A volte ci sono voluti diversi anni e una foto non è stata realizzata per più di dieci anni. Non sembrava l'immagine originale, non riuscivo a capire cosa c'era che non andava.

- Cos'è questo lavoro?
- "Inverno". Un campo innevato bianco e una nuvola nera piuttosto terribile si sta muovendo verso di noi da dietro l'orizzonte. Ho dipinto un quadro, è stato anche esposto e venduto, ma il risultato non mi è piaciuto e ho continuato a pensarci. Tutto finì nel 1997 e iniziò nel 1978.

Quando facevo libri per sei mesi e dipingevo per sei mesi, non sempre avevo il tempo di finire il quadro, ma qui devo passare a un altro lavoro che richiede una coscienza e un'attitudine diverse. Queste transizioni sono sempre state difficili.

- Non potevi tornare a dipingere per un po'?..
- No no.

- Cioè, hanno chiuso la porta all'altra metà della vita, come se l'avessero tagliata?
- Si assolutamente. E ho sviluppato la capacità di conservare questa o quell'immagine nella mia mente. Per sei mesi non avrebbe dovuto cambiare, era necessario tornare nel luogo in cui avevo interrotto il lavoro. Forse questo approccio era peculiare per me, ma sicuramente si è sviluppato grazie a questo modo di lavorare.

- Hai registrato qualcosa per te stesso, partendo per sei mesi per un altro lavoro?
- Per quello?! Tutto è nella foto. Disegnare era scrivere.

Negli ultimi trent'anni il passaggio dalla pittura all'illustrazione e ritorno è sempre stato difficile per te, o ti sei abituato col tempo?
- Sempre, perché un artista dipingeva quadri, un altro faceva illustrazioni. Sei incluso in un diverso principio di pensiero. Abbiamo fatto libri insieme, ma nella pittura sono completamente libero e ho dovuto dimenticare la coscienza che avevo ieri. Quando il nostro lavoro sul libro è finito, Oleg e io siamo saliti nella foresta. Con gli zaini, con una tenda. Andavano per due o tre giorni o una settimana e tornavano con una mente pura come una pagina bianca. Potresti iniziare una nuova vita.

- Hai distrutto il tuo lavoro?
- Certamente. Mi dispiace di non aver distrutto tutti quelli senza successo. Il fatto che l'immagine non abbia successo, di solito capisci quando è finita.

- E molti di questi lavori?
- No, non ne ho molti.

- Quando ti rendi conto che il lavoro è stato un successo?
- Nel momento in cui riconosco l'immagine. Questo opzione perfetta. Ma ci sono momenti in cui il quadro sembra essere finito, ma c'è qualcosa che non va. In questo caso, devi metterlo da parte, dopo un po 'di tempo ci fai delle aggiunte ed è finito.

- Anni dopo, puoi apportare modifiche al tuo lavoro?
- Molto raramente, di solito no. E ora è tanto più impossibile: mi stanno lasciando.

- I dipinti già pronti ti "rilasciano"?
- L'immagine non si lascia andare, se non ha funzionato, qualcosa non è stato espresso in essa. E se ha funzionato, me ne sbarazzerò.

In un'intervista, hai detto che in epoca sovietica gli storici dell'arte non entravano nel tuo laboratorio. Perché pensi? Anche se questa domanda, ovviamente, non fa per te.
- Dovresti chiederglielo. Questo è interessante per me. Come può una persona che si considera decente comportarsi in questo modo? ..

- Hai fatto visita a colleghi a te vicini? Oleg Vasiliev?
- No no. I nostri seminari con Oleg Vasiliev erano nelle vicinanze, e se qualcuno era a uno, allora sicuramente ci sarebbe stato anche l'altro.

- Erano da Kabakov.
- Senza dubbio. Kabakov, Yankilevsky, Steinberg...

Perché non si sono presentati per te?
- Conoscevamo molti storici e critici d'arte, ci siamo incontrati in azienda, abbiamo avuto una bella conversazione, ma nessuno di loro si è mai interessato a quello che facevo. Forse avevano paura, pensavano che fosse una questione politica ed era meglio non farsi coinvolgere, altrimenti ci sarebbero stati guai nel servizio. Penso che mi abbiano cancellato nel senso che questa non è arte, ma politica. Lo hanno spiegato a se stessi, anche se non hanno visto cosa stavo facendo. O forse mi sono inventato una spiegazione da solo.

- “Adesso sono passato dai problemi sociali a quelli esistenziali. Solo non dare la colpa al fatto che me ne sono andato. Perché è avvenuta questa transizione?
- Prima di tutto, probabilmente è una questione di età. In secondo luogo, cerchi di comprendere sia la tua coscienza che il mondo che ti circonda. Guarda oltre l'orizzonte: cosa c'è?.. I miei interessi erano limitati allo spazio sociale, poi mi si è aperto l'orizzonte esistenziale, che comprende gli spazi sociali.

- Le tue mostre si tengono a paesi diversi. Dove il pubblico risponde meglio ai tuoi film?
- Sono stato fortunato negli ultimi anni. Dal 2005 ci sono state molte delle mie mostre e tutte hanno avuto molto successo: le esposizioni sono buone, la reazione del pubblico ... In Germania, Mosca, Parigi, ora a Ginevra. Anche il Museo d'arte moderna di Ginevra ha una retrospettiva, ma non così grande come a Mosca.

- Costruisci tu stesso le tue mostre personali?
- Nella Galleria Tretyakov - sì, ma in Germania, Parigi e Ginevra, tutto è stato fatto senza di me e in qualche modo molto bene. Hanno fatto una bellissima esposizione a Ginevra, completamente diversa da quella che avrei fatto io, ma nettamente migliore. Vedo interesse per le mie opere, attirano l'attenzione della gente. Forse in Russia c'era il massimo interesse per loro ... o forse no. Non mi sento offeso né lì né qui.

- Potresti caratterizzare il tuo pubblico? Sono soprattutto giovani?
Sì, assolutamente, giovani. Sono molto contento che siano interessati e che percepiscano il mio lavoro non come il passato, ma come qualcosa di vivo.

- Dopo l'inaugurazione, vai alle tue mostre?
- Una volta è sufficiente. Poi mi dicono come va. Se la mostra è a Parigi oa Mosca, posso andarci una seconda o terza volta se i miei amici mi chiedono di mostrargliela.

Non sono convinto che non sia necessario andare alla mostra più di una volta, ma dopo la prima volta non mi interessa. Ho visto come pendono le opere, come vengono percepite dal pubblico, grazie, basta, ho altro da fare.

“Per me guardare è lavoro, mi stanco velocemente. Ma la stanchezza può anche essere associata a esperienze molto felici. Puoi dirmi di più su questo?
“Guardare un dipinto è quasi come farlo per me. Per capire l'artista, per apprezzare il suo lavoro, bisogna mettersi nei suoi panni.

Un artista deve essere giudicato dal suo punto di vista. L'individualità di ciascuno è limitata, e se non è limitata, allora questa è una mancanza di individualità, bordi vaghi, questo non è necessario o interessante per nessuno.

Come persona più talentuosa, più evidente è la sua individualità, i limiti. Pertanto, devi capire la sua posizione soggettiva, quindi puoi valutare oggettivamente cosa ha fatto e cosa no. Ci vuole sforzo.

Ci sono artisti che mi sono vicini, puoi studiare il loro lavoro senza troppi sforzi, e ci sono quelli che non sono affatto vicini, la reincarnazione in loro richiede molta attenzione.

Negli anni ho smesso di sprecare energie per chi non mi è vicino, non presumo di giudicarlo, ma non perché lo condanni. Spesso, quando dicono "non capisco", intendono che qui non c'è niente da capire. Quando dico "non capisco", non c'è valutazione negativa.

L'immagine deve essere considerata e smontata come l'architettura. Per me questo è un lavoro importante e serio. Di solito nel museo guardo due o tre, forse quattro quadri, non ne ho abbastanza per di più. Ci vuole circa un'ora e mezza.

- Tre anni fa hai detto che non ci sono così tanti tuoi lavori in Russia. È cambiato qualcosa da allora?
- Sì, i collezionisti russi hanno iniziato ad acquistare le mie opere alle aste, quindi i dipinti di periodi diversi vengono restituiti alla Russia. Le opere più recenti vengono acquisite da collezionisti occidentali, perché lavoro con gallerie tedesche, svizzere, francesi.

Penso che sia comprensibile il motivo per cui sono i russi a comprare cose degli anni '70 e '80. Gli argomenti sociali sollevati in essi dovrebbero essere più chiari e vicini qui.
- Le immagini su argomenti sociali, in cui è stato espresso il tempo, non erano in Russia. Forse hai ragione e lo è davvero.

Nel 2007 hai detto: “In generale, per artista contemporaneo Ho fatto atipicamente poco - circa 150 opere. Questo numero è aumentato da allora?
- Faccio circa tre quadri all'anno. Forse quattro, o cinque, o due, se sei fortunato. Se lavoro a lungo su un'immagine, non ne escono più di due all'anno, ma a volte realizzo facilmente e velocemente diversi lavori. Non ci sono compiti né regole, lavoro solo lentamente.

Secondo te non hai molte opere, il che è atipico per un artista moderno, i tuoi colleghi di solito realizzano opere in serie. Ma hai anche serie.
- Sì. Ma sono nati da soli, non sono stati concepiti come una serie. Un tema aveva diverse varianti soluzioni.

- Se scrivessi un'autodescrizione creativa, quale sarebbe?
- Ho scritto diversi articoli su di me, sono anche nel libro "I live on". Lì guardo il mio lavoro con punti diversi visione. Nel catalogo della mia mostra, che si è tenuta alla Galleria Tretyakov, c'è un articolo "La mia pittura e la produzione dei mass media". Lì provo a parlare su questo argomento. Qualcosa del genere ho provato a scrivere sul lavoro con lo spazio dell'immagine, su ciò che ho fatto per l'immagine in quanto tale. Penso di aver espresso possibilità che prima non venivano utilizzate, che erano passate inosservate o sconosciute.

- E lavorare con la luce?
- La luce è impossibile senza spazio. Negli ultimi anni ho lavorato sempre di più con la luce.

- E come chiameresti i tuoi dipinti principali?
- Le immagini principali erano in ogni fase, le ho chiamate più volte: "Orizzonte", "Gloria al PCUS", "Vado", "Tramonto", "Vivo - vedo", "Come vanno le nuvole - come vanno le cose”, “Volevo oscurarmi , beh, non avevo tempo”, “Punto” ... I dipinti che sono apparsi dopo lo spettacolo nella Galleria Tretyakov sono “Giorno-notte”, “Io vivi ancora” e l'ultima “O”. Per me è molto importante. Ho due immagini che raffigurano immagini di suoni: "A" e "O". Tra le opere principali ci sono anche "Inverno", "Finestra" ...

- Stai sviluppando nuovi temi o stai giocando con ciò con cui hai già lavorato?
- Difficile da dire. Il cerchio dei problemi è impostato e non ne esco per tutta la vita. Ma dire che queste sono solo variazioni su un tema ... Mi sembra solo di avere quadri diversi.

- L'età influisce sulle tue prestazioni, idee? ..
- Certo che lo fa. Ho meno forza, mi stanco molto più velocemente. Non sento la mancanza di idee, l'intensità del lavoro in un certo senso addirittura aumenta. La mia concentrazione di attenzione è ora molto più alta rispetto alla mia giovinezza, quindi posso fare di più in un'ora. L'esperienza aiuta. Sai come controllarti, come reagire a un fallimento che in precedenza avrebbe potuto turbarti per molto tempo. In termini di cambiamenti legati all'età, non sento ancora nulla di catastrofico. Certo, avrei più forza, ma sono ancora in grado di lavorare. Bene, arriva la chiarezza della coscienza.

- tuo vita professionale ha funzionato bene secondo voi?
- Penso di avere molto vita felice. Cosa può sognare un artista che fa ciò che ritiene giusto, e nel modo in cui ritiene giusto?.. Chi non ha problemi materiali e nulla gli interferisce?..

Natasha, mia moglie, mi salva dai problemi quotidiani e da altri che sarebbero dolorosi per me e che probabilmente non potrei affrontare. Probabilmente ho pagato il benessere odierno col fatto che per trent'anni non ho nemmeno pensato di poter mostrare i miei quadri, figuriamoci esporli o venderli.

Intervistato da Elena Kalashnikova

L'artista Eric Bulatov è considerato il fondatore di diversi nuovi stili nell'arte mondiale. Da sotto il suo pennello sono uscite le opere che hanno dato origine ai generi della pop art russa, del fotorealismo, della Sots Art e del concettualismo moscovita. Le opere del maestro sono tra le più quadri costosi nel mondo. Bulatov, sebbene viva in due case: russa e francese, ammette spesso di tornare con piacere in patria per ricaricarsi di ispirazione e nuove idee.

Infanzia e giovinezza

Il futuro artista è nato il 5 settembre 1933 a Sverdlovsk (ora è la città di Ekaterinburg). Il piccolo Eric rimase presto senza padre: morì al fronte nel 1944. La madre del ragazzo era un'immigrata dalla Polonia, lavorava come stenografa. In un'intervista, Bulatov in seguito ammise: suo padre non aveva dubbi che suo figlio sarebbe diventato un artista. E, come si è scoperto in seguito, aveva ragione.

Erik Bulatov non ha avuto dubbi sulla scelta di una professione e, dopo essersi diplomato, è entrato istituto d'arte nome . Nel 1958 si è laureato in un istituto scolastico. I suoi artisti preferiti in quel momento erano e - è stato il loro lavoro a influenzare in gran parte lo stile dei primi lavori di Bulatov.

Nel 1959, il maestro del pennello alle prime armi ottenne un lavoro presso la casa editrice di letteratura per bambini Detgiz, dove Oleg Vasiliev divenne suo collega illustratore, che in seguito, come lo stesso Bulatov, lasciò il paese.

Il loro design di "La sirenetta", "La bella addormentata" e "Cenerentola" delizia ancora grandi e piccini. Dal 1957 Eric Vladimirovich iniziò a organizzare le prime mostre personali. Dello stesso periodo è consuetudine contare il suo lavoro professionale.

Pittura

Una caratteristica distintiva dello stile dell'autore dell'artista è l'armoniosa combinazione del genere dei poster, popolare in epoca sovietica, e della componente pittorica. Gli slogan nei dipinti di Erik Vladimirovich convivono con paesaggi e ritratti. Con questa tecnica, secondo i critici, Bulatov ha sottolineato l'assurdità della realtà circostante, la sua saturazione eccessiva di discorsi roboanti e propaganda.

Tale Sots Art nelle opere di Erik Bulatov era affiancata da dipinti in cui è chiaramente tracciata l'influenza dello stile di Robert Falk. Sfortunatamente, questo periodo della carriera artistica di Bulatov non ha guadagnato molta popolarità tra critici e storici dell'arte. L'artista stesso ammette che Falk ha davvero influenzato il suo sviluppo professionale in molti modi.

A metà degli anni '60, Bulatov ha sperimentato gli stili, combinando tecniche di illustrazione in una tela, pittura ad acquerello così come la grafica. L'artista ha prestato particolare attenzione alle modalità di trasmissione della luce e dello spazio.

Sfortunatamente, le opere di Erik Vladimirovich in URSS caddero sotto l'influenza della censura e poteva solo sognare mostre a tutti gli effetti. Solo nel 1965 e nel 1968 Eric Bulatov riuscì a realizzare mostre a breve termine dei suoi dipinti presso l'Istituto Igor Kurchatov e in un caffè di Mosca chiamato Blue Bird.

Dagli anni '70, il lavoro di Bulatov iniziò a essere dominato da tele di grandi dimensioni, in cui l'autore si rivolgeva a temi e immagini sociali che inondavano i mass media dell'epoca. Nel 1972, l'artista ha dipinto "Horizon" - uno dei più dipinti famosi. In quel momento, il lavoro è stato percepito come una parodia.

Lo stesso periodo della carriera di Erik Vladimirovich è stato segnato da numerose mostre all'estero, che hanno portato il maestro Riconoscimento internazionale: I dipinti di Bulatov hanno viaggiato a Zurigo, Parigi, Venezia e altre città europee, incontrando ovunque il favore degli amanti dell'arte.

A poco a poco, Eric Vladimirovich si guadagnò la reputazione di "artista della perestrojka" e nel 1988 fu persino riconosciuto come il maestro dell'anno dalla Biennale di Venezia. Un anno dopo, Bulatov e la sua famiglia si trasferirono a New York e poi, nel 1992, andarono a Parigi, che divenne la sua seconda casa.

All'inizio degli anni '90, l'artista si è gradualmente allontanato dai temi politici: nell'opera di Bulatov, nuova pagina immagini astratte e immagini grafiche. E dopo qualche tempo, il maestro si interessò alla ceramica, regalando al mondo una serie di dipinti di talento sui piatti.

Nel 2003, Eric Vladimirovich ha organizzato una mostra a Mosca, per la prima volta dopo essersi trasferito. L'esposizione, presentata nella Galleria Tretyakov della capitale, ha ottenuto risposte entusiastiche nella patria del maestro.

Un'altra mostra su larga scala ha avuto luogo dieci anni dopo, quando le opere dell'artista gli hanno conferito il titolo di vincitore del concorso Innovation. E nel 2015 Bulatov è stato invitato all'inaugurazione del Garage Museum, così come del Museo da cui prende il nome. Soprattutto per questo evento, Eric Vladimirovich ha creato la tela "Libertà".

I dipinti di Bulatov portarono gradualmente al maestro la fama di uno degli artisti più costosi e ricercati del nostro tempo. Quadro su tela "Breznev. Soviet Cosmos” è andato fuori dall'asta per 1,6 milioni di dollari, e un certo numero di dipinti a tema sovietico sono costati ai nuovi proprietari 1 milione di dollari ciascuno. SU questo momento maggior parte opere famose i maestri, oltre a quelli elencati, possono essere chiamati tele "Non appoggiarsi", "Gloria al PCUS", "Cielo - ciel".

Vita privata

Eric Bulatov preferisce non condividere i dettagli della sua vita personale. È noto che l'artista ha una moglie. Il nome della moglie del padrone è Natalia.

Secondo Erik Vladimirovich, lo ha sostenuto e lo ha aiutato a creare. L'amata Bulatova ha circondato suo marito con cura e in molti modi l'ha salvata dai pensieri sulle faccende domestiche che potrebbero richiedere tempo alla creatività.

Erik Bulatov ora

Ora Eric Bulatov vive in due case: l'artista, per sua stessa ammissione, si sente bene sia nella sua nativa Russia che in Francia. Nel 2018, Anatoly Malkin ha preparato il film documentario "I Live and See", in cui, sotto forma di intervista, ha rivelato i curiosi dettagli della biografia di Eric Vladimirovich. In questa foto, Bulatov ha ammesso che, a causa dell'età, non era più in grado di dedicare tanto tempo alla creatività come prima, ma era ancora devoto al suo amato lavoro.

Inoltre, i libri di storici dell'arte russi e stranieri sono dedicati al lavoro e alla biografia dell'artista. Le opere di Bulatov possono essere trovate nel Museo Georges Pompidou di Parigi, così come nelle gallerie del New Jersey, Colonia e Basilea. In Russia, i dipinti di Erik Vladimirovich sono presentati nella Galleria Tretyakov, il Museo Russo.

Opere d'arte

• 1972 - "Orizzonte"
• 1975 - "Gloria al PCUS"
• 1977 - Breznev. spazio sovietico"
• 1987 - "Non appoggiarti"
• 1989 - "Perestrojka"
• 2010 - "Cielo - cielo"
• 2011 - "Su - Giù"
• 2015 - "Libertà"

https://www.site/2016-06-15/hudozhnik_erik_bulatov_o_falshi_ideologii_svobode_i_smysle_zhizni

“Ovviamente non siamo migliori degli altri. Abbiamo solo il diritto di esistere su un piano di parità”.

Artista Eric Bulatov - sulla falsità dell'ideologia, della libertà e del significato della vita

Eric Bulatov Alexander Shcherbak/Kommersant

Cosa accadrà all'arte nelle condizioni dell'idealizzazione dell'era sovietica? Come esplorare l'ideologia attraverso la pittura? È possibile essere al di fuori dello spazio sociale aggressivo? Il sito ha parlato con un classico del rapporto tra arte e ideologia pittura moderna Eric Bulatov.

"Non importa quanto sia aggressivo uno spazio sociale, ha dei confini"

Nei tuoi dipinti, la realtà sociale ideologizzata, diventata familiare e naturale in epoca sovietica, ti "stacchi" dalla realtà reale - veramente naturale - e quindi la rendi visibile e ti opponi l'un l'altro. Questa opposizione oggi non ti interessa più, ma quasi tutta la tua vita le è stata dedicata. Perché era così importante per te?

In quale altro modo si potrebbe esprimere la falsità di quella realtà ideologica? Doveva essere rivelato in qualche modo, mostrato separatamente, in modo che una persona potesse improvvisamente vedere la sua vita dall'esterno. Come prendere per mano questa ideologia. Questo problema sociale è passato da tempo in secondo piano per me, perché era collegato vita sovietica. Ma poi - la vita in cui ero immerso, doveva essere espressa in qualche modo, e non come la mia opinione al riguardo, ma sotto forma di realtà reale - così com'era oggettivamente, al di là dei miei desideri.

Lev Melikhov

Eri immerso nella realtà sovietica, ma per comprenderla appieno dovevi in ​​qualche modo elevarti al di sopra di essa, in parole povere, disconnetterti dallo stato di massa di essere zombificato dall'ideologia per guardare ciò che stava accadendo con occhi diversi. In tal caso, a che punto si è verificato questo "arresto"?

Non solo per elevarsi al di sopra della realtà, ma per sporgersi da essa, per essere fuori. La nostra realtà sociale non è tutta la realtà che ci viene data: ha i suoi confini, oltre i quali puoi guardare. Per fare questo, al di fuori dello spazio sociale, è necessario avere un punto d'appoggio. Per me era arte. Ho capito chiaramente che lo spazio dell'arte è al di fuori dello spazio sociale. Sì, il fatto che l'arte serva lo spazio sociale, ne è completamente nutrito - tutto questo è vero, ma comunque il fulcro dell'arte è da qualche parte fuori, e permette di appoggiarsi a qualcosa che ti permetterà di sporgerti da questo spazio e guardalo di lato. Questa è una cosa molto importante, perché non importa quanto sia aggressivo, pericoloso, forte lo spazio sociale, ha ancora dei confini oltre i quali non ha potere, è completamente impotente - lì, infatti, la libertà è possibile.

- Puoi spiegare in dettaglio come hai sfruttato questa opportunità per "appoggiarti contro qualcosa"?

Ho sentito questa possibilità nelle proprietà dell'immagine stessa. Dopo tutto, cos'è un'immagine? Questa è una combinazione di due principi: il piano su cui mettiamo la vernice e lo spazio in cui questo piano è in grado di trasformarsi in qualche modo. Questi due inizi sono infatti direttamente opposti. Ma in qualsiasi pittura classica- come Rembrandt o Tiziano - si uniscono, in una sorta di armonia. Ho pensato che non fosse necessario portare questi due inizi in questo duetto armonioso, al contrario: possono essere opposti l'uno all'altro, perché inizialmente si oppongono già. Questo conflitto sarà il contenuto dell'immagine, che, di fatto, mi ha dato l'opportunità di considerare il problema della libertà e della mancanza di libertà non come materiale letterario, a cui è necessario fare illustrazioni, ma come problema spaziale.

AFP/East News

- Qual è cosa?

Sta nel fatto che lo spazio è libertà, e il divieto dello spazio è illibertà, cioè una prigione. E mi sono sempre opposto l'uno all'altro: "Ingresso" - "Nessun ingresso", "Gloria al PCUS" - e il cielo. Due inizi opposti l'uno all'altro: uno spazio vero, e quello che non ci fa entrare, ma si raffigura come una vacanza, come una sorta di conquista. Ciò ha permesso di esprimere la falsità dell'ideologia. Ha operato in bellezza nobili nozioni: tutto il tempo che parla di libertà, di dignità umana, sul coraggio, sull'onestà; ma in realtà significava denuncia, tradimento, servilismo elementare. Ho cercato di esprimere queste sostituzioni.

Quanto pensi che la produzione ideologica (ad esempio, manifesti con slogan) situata nello spazio urbano abbia influenzato una persona?

Molto, la nostra coscienza era completamente deformata. Se fin dall'infanzia ti viene insegnato che qualcosa deve essere inteso in questo modo, e qualcosa in questo modo, alla fine lo dai per scontato, come qualcosa di familiare e, soprattutto, normale. Allo stesso tempo, sei costantemente di fronte a qualcosa che non corrisponde al tuo vita pratica, inciampa in una bugia, ma la sensazione che tutto ciò sia normalmente preservato. Ho cercato di mostrare come questa normalità sia in realtà anormale.

Perché questo non è stato notato da molti?

Era percepito semplicemente come gli slogan della realtà sovietica. Sì, "Gloria al PCUS" è scritto in giro, il poster è così - e allora? O viceversa - i nostri filosofi dissidenti mi hanno attaccato: come hai potuto scrivere queste terribili parole nel nostro cielo russo? Il significato spaziale nei miei dipinti, di cui ti ho parlato, semplicemente non è stato notato. Le parole stesse sono state lette: "Gloria al PCUS". E altro ancora: cos'altro c'è da vedere, quindi tutto è chiaro. IN caso migliore tutto era percepito come pop art americana, realizzata su materiale sovietico. Così hanno pensato coloro che hanno cercato di trovare una sorta di ironia qui. Ma non c'era ironia. C'era un ritratto diretto di questa realtà. È vero, a quel tempo i miei tentativi di parlare della base spaziale dei miei quadri erano percepiti come un bluff: ho fatto un quadro politico, ma ci prende in giro. Ora è diventato chiaro, vedi, ci è voluto del tempo. Quando nel 2014 si è tenuta la mia mostra al Manezh, ho visto quanti giovani sono venuti, che interesse avevano per quello che stavo facendo. Per me, ovviamente, questo è molto importante: i miei quadri vivono, non sono morti, quindi andava tutto bene, ho preso qualcosa di vivo, il nervo di questa vita.

In una delle interviste dici: “Voglio che le persone non idealizzino in ogni caso l'era sovietica - lo era brutto momento". Nella Russia di oggi, ti trovi di fronte a questa idealizzazione, dato che la maggior parte delle volte vivi a Parigi e vieni a Mosca più volte all'anno?

Purtroppo lo faccio spesso. Qui (a casa a Mosca - ndr) la TV è sempre, ed è ovvio che si sta impiantando l'idealizzazione dell'era sovietica. Sì, e la politica si basa sul fatto che la Russia di oggi è l'erede del sistema sovietico; cosa è successo sfortuna - è crollato Unione Sovietica, ma cosa fare: continueremo le tradizioni sovietiche. È una situazione terribile, ovviamente.

- Perché è terribile?

Questo è un ritorno al sistema sovietico, e il sistema sovietico è la via della morte culturale. Il tempo sovietico è eterogeneo, la natura del potere sovietico è cambiata nel tempo, ma si è manifestata in modo più completo sotto Stalin, è stata la sua "fioritura" - l'anno scorso Stalin. Ero già una persona abbastanza consapevole (all'epoca studiavo all'istituto), quindi conosco questi anni. È stata la morte della cultura. Era tenuta così per la gola. Era la morte assoluta di tutti gli esseri viventi.

- Personalmente, come ha interferito con te in quegli anni?

Sono stato fortunato che Stalin sia morto quando ero ancora al mio primo anno all'istituto. Allora ero un artista informe. E subito dopo la morte di Stalin, ci fu un incredibile sollievo. La vita è appena esplosa. Non sto parlando del fatto che le persone che sono state innocentemente condannate sono tornate. Infine, sono state dette parole giuste su Stalin. Mi si è aperto un intero mondo d'arte, che era proibito, era sconosciuto. All'improvviso ci furono delle mostre, e dentro Museo Pushkin invece dei regali, a Stalin furono mostrati gli impressionisti. Sono iniziate discussioni, controversie: una specie di vita vivente. A quel tempo, nulla mi ha impedito di svilupparmi come artista. In generale, in quel momento non era chiaro in quale direzione sarebbe andato tutto, ma divenne subito chiaro che la politica del partito sarebbe stata di nuovo la stessa, e questa stupida sconfitta dell'arte nel Manezh, organizzata da Krusciov, accadde. È diventato subito chiaro che se voglio davvero essere un artista onesto e serio (allora non mi consideravo un artista, non sentivo la mia indipendenza nell'arte, ma ero influenzato da questo o quell'artista), allora avrei dovuto non dipendono da questo stato. Perché lo stato era l'unico cliente. È vero, quel tempo aveva un vantaggio rispetto a quello di Stalin: sotto Stalin non si trattava di alcuna resistenza, di alcuna possibilità di dissenso: in qualsiasi momento del giorno e della notte potevano entrare in te e scoprire cosa facevi a casa. Ora si è scoperto che puoi fare quello che vuoi a casa, non te lo permetteranno di mostrarlo e, ovviamente, non ti pagheranno per questo, ma sei libero di farlo. Allo stesso tempo, lo stato era l'unico cliente possibile dell'arte, un collezionista, un curatore, e aveva il diritto di ordinare ciò di cui aveva bisogno e pagare solo ciò che veniva fatto nel modo di cui aveva bisogno. E se volevi essere un artista indipendente, dovevi guadagnarti da vivere facendo qualcos'altro. Ho iniziato a fare illustrazioni per bambini. E si è rivelato molto interessante anche per me. Questo è il modo in cui molti artisti lo fanno. E quella fu la salvezza.

- Allo stesso tempo, scrivi i tuoi quadri direttamente "sul tavolo"?

Certo, erano nel mio laboratorio. Ma all'inizio non ci pensavo nemmeno: certo, pensavo di mostrarlo, ma era impossibile, e non mi sognavo nemmeno di venderlo. In qualche modo tutto ha funzionato più tardi.

"Quello che ho fatto, non mi è piaciuto"

- A che punto e come i quadri hanno cominciato a lasciare il tuo studio? Come è stato venduto il primo dipinto?

Ciò è accaduto in un momento piuttosto tardivo, negli anni ottanta. Anche se il primo dipinto è stato venduto all'estero nel 1969. Era il mio autoritratto su sfondo nero con una sagoma bianca. È stato portato fuori ufficiosamente, come di nascosto. Poi, negli anni Ottanta, hanno cominciato a farli uscire apertamente attraverso un salotto per stranieri: lì hanno messo il sigillo “nessun valore artistico” rovescio dipinti e potevano essere esportati senza tasse.

E l'autoritratto è stato dato per soldi? So che hai regalato alcuni dei tuoi quadri quasi gratis, se solo se ne andassero da qui.

Mi hanno pagato con una macchina fotografica. Era una famosa signora molto curiosa a Parigi, il suo nome era Dina Verney. Era la modella di Mayol, ma poi le ha lasciato tutto in eredità, è diventata la sua erede. E, a quanto pare, ha fatto bene gli affari, perché di conseguenza aveva la sua galleria a Parigi e successivamente il Museo Mayol. Comunque, è venuta qui e ha comprato un quadro da me.

- Cioè, ha guardato i laboratori degli artisti a Mosca ed è venuta da te?

SÌ. È successo così che è già stata pubblicata una pubblicazione su di me in Francia. C'era una rivista del genere "L" Art Vivant, altrimenti - "Living Art". È stato pubblicato un numero dedicato all'arte sovietica: teatro, cinema, letteratura e pittura. Come sono arrivato lì è una domanda, perché in generale ero sul a margine dell'underground artistico vita attiva. Tuttavia, in qualche modo conteneva una breve pubblicazione su di me e una riproduzione di questo autoritratto. Questo ha impressionato Dina e, quando è arrivata a Mosca, mi stava cercando proprio. Questo ha cambiato la mia posizione qui: mi hanno prestato attenzione, e poi alla fine degli anni Settanta sempre più stranieri hanno cominciato a venire da me. A questo proposito, qui nell'Unione hanno cominciato a tirarmi, per spaventarmi che sarebbero stati espulsi dall'Unione degli Artisti, e poi il laboratorio sarebbe stato portato via (non mi apparteneva, anche se l'ho costruito con il mio proprio denaro). Pertanto, ero contento se a qualcuno piaceva quello che stavo facendo e almeno regalava i dipinti gratuitamente, se solo se ne andavano da qui. Ho pensato, dove lo metto tutto, se il laboratorio viene portato via, morirà comunque.

- E dal Soviet qualcuno era interessato al tuo lavoro?

No, non ero interessato. È successo così che nel 1988 quasi tutti i miei dipinti erano già all'estero. E poi la mia mostra è stata organizzata alla Kunsthalle di Zurigo da quei dipinti che erano già lì. È stato un momento determinante per me. Con colossale difficoltà, mi hanno comunque lasciato andare all'estero e sono riuscito ad arrivare alla mia mostra. Ha avuto successo, dopo è andata nei musei d'Europa, poi in America. Ho iniziato a ricevere offerte dai galleristi e per la prima volta ho avuto l'opportunità di guadagnarmi da vivere direttamente dal mio lavoro principale (Erik Vladimirovich aveva allora 55 anni - ndr), di cui ho deciso di approfittare: siamo andati con Natasha, mia moglie, a vivere prima in America, e poi lo stesso in Europa. Le cose sono andate molto bene a New York - abbiamo subito guadagnato parecchi soldi (tanto che abbiamo potuto comprare subito un appartamento a Parigi), ma lì Natasha era insopportabile, di conseguenza siamo finiti a Parigi, di cui entrambi erano felici Di. Questo è un posto tranquillo dove puoi lavorare bene e dove ci sono molti artisti di diversi paesi.

Voglio chiarire, ti sei chiesto perché allora in Unione Sovietica nessuno era interessato al tuo lavoro?

Semplicemente non mi piaceva quello che stavo facendo, tuttavia, nessuno ha visto davvero quello che stavo facendo, non c'era quasi nessuno nel mio laboratorio. Quando sono apparse le riproduzioni delle mie opere, si è stabilito un atteggiamento negativo nei loro confronti in un senso diverso. I nostri principali critici d'arte, che hanno combattuto contro l'arte standard sovietica, hanno fatto affidamento nella loro resistenza sull'arte proibita dal sistema sovietico - sulla nostra avanguardia degli anni Venti, su Picasso, su Matisse, e anche in generale su ciò che si faceva in Francia. Era un'estetica modernista - molto bella, certo - ma apparteneva a un'epoca diversa. Perché l'arte esprime sempre il suo tempo e, naturalmente, non esprimeva in alcun modo il tempo sovietico. E quello che faccio è stato percepito da queste persone come un ritorno all'arte sovietica, contro la quale hanno combattuto con tanto coraggio. All'improvviso, per così dire, viene loro mostrato di nuovo qualcosa di sovietico, ma dichiarano che lo è arte Moderna. Ricordo tali accuse. Non hanno visto la natura spaziale del mio lavoro, l'hanno percepita direttamente: "Gloria al PCUS". Sì, voglio anche finire quello di cui ho iniziato a parlare: il sistema sovietico. Dopo Stalin, la sua natura in realtà è rimasta la stessa, si è solo indebolita. E se avesse guadagnato forza, sarebbe tornata ad essere quella che era sotto Stalin. Ma questo sistema stava cadendo a pezzi, perdendo gradualmente terreno, ma ogni volta con una lotta. Prendi la "Bulldozer Exhibition" - per coloro che erano dentro questa situazione, era ovvio.

“Il pensiero che siamo i migliori non è patriottismo”

Cosa pensi stia succedendo con il sistema che esiste oggi? Cerca di apparire forte riferendosi costantemente all'era sovietica, direttamente a Stalin?

Certo, sta cercando di essere forte, ne ha bisogno, è imposto anche dalla situazione della politica estera. Per sua natura, cerca di avvicinarsi il più possibile al design sovietico. Questo è molto pericoloso, prima di tutto ne soffrirà la cultura e anche la coscienza delle persone. Vedi, questo porta al nazionalismo, il che è molto brutto: l'idea che siamo i migliori non è patriottismo. In effetti, ovviamente, non siamo migliori degli altri, abbiamo solo il diritto di esistere tra gli altri su un piano di parità, e questo è molto importante, questo è il nostro compito: dobbiamo fare un lavoro culturale comune con il mondo intero. E questo non significa che dobbiamo opporci e idealizzarci.

Pensi quanto sia facile influenzare le menti delle persone cresciute negli anni Novanta, un po 'prima o un po' dopo - in generale, abbastanza tempo libero e limitarlo?

Non lo so, sembra funzionare. C'è molto punto importante: il nuovo stato sorse non come erede, ma come oppositore del precedente. Si è opposto all'impero che era e ha liberato tutti coloro che volevano ottenere la libertà. E in questo senso, tutto è iniziato molto bene. Ma poi è andato storto, e di conseguenza è arrivato a ciò che sta accadendo ora: le persone vogliono un potere forte, vogliono l'ordine, che in linea di principio è comprensibile ed equo, ma si scopre che l'ordine migliore era sotto il dominio sovietico, specialmente sotto Stalin - c'era già un tale ordine che, in effetti, non si poteva muovere una mano o un piede. Ma non capisco niente di politica. Sento solo propaganda tutto il tempo: sono sempre agitato - sia qui, in Russia, sia là, in Occidente e nella stessa Francia. Al contrario, stanno conducendo una campagna contro la Russia di oggi. E non credo né all'uno né all'altro, perché fin dall'infanzia mi sono rimpinzato di questa propaganda. Ma in realtà non ci sono informazioni, c'è un'istruzione: cosa dovrei pensare di questo e quello - cosa viene da questa parte, cosa viene da quella. Pertanto, non capisco nulla e non presumo di giudicare.

"Ecco cos'è la liberazione"

Nei tuoi ultimi lavori ne parli tu stesso, ti poni domande esistenziali. Una volta che a un certo punto sei passato a loro, significa che il primo problemi sociali che ti ha preoccupato per tutto il tempo lungo periodo tempo, in qualche modo lascia andare. Questo è vero?

Come se l'orizzonte si allontanasse: c'era un orizzonte sociale, e al di fuori di esso c'era uno spazio non soggetto al sociale, ma con un proprio orizzonte esistenziale. E l'età, probabilmente, richiede di capire qualcosa di più fondamentale. Tuttavia, in qualche modo cerco sempre di guardare indietro ed esprimere e la vita di oggi Russo. Ho dipinto i dipinti "Le nuvole stanno crescendo", "Il nostro momento è arrivato" e "Mattina di Mosca". Ci sono altri dipinti che non hai visto, li ho fatti quest'anno, sono stati esposti alla mia ultima mostra a Ginevra. Avevo Chistoprudny Boulevard lì: il mio laboratorio su Chistoprudny Boulevard, alla fine c'è un monumento a Griboedov, e d'inverno la gente cammina lungo il viale e nevica. Tutto sotto la neve è spettrale. Una foto del genere. La vita locale mi attrae ancora, alcune immagini mi perseguitano, ma cosa significano, non mi conosco bene. Forse, il tempo passerà e lo saprò. In generale, non parto dal fatto che so qualcosa. Quello che ti sto dicendo ora, sul Soviet, l'ho saputo in seguito, e quando l'ho fatto non ci ho pensato affatto. È solo che le immagini erano ovvie e sapevo di averle catturate in modo molto accurato.

- Cioè, il significato ideologico di ciò che è stato scritto è stato compreso dopo, dopo un po '?

Sì, ad esempio l'immagine "Red Horizon". L'ho fatto nella Casa della Creatività in Crimea. Lì ho avuto una terribile sciatica. Era febbraio: c'era vento, tempesta. Sono stato curato per la sciatica in clinica: ho dovuto sdraiarmi a pancia in giù - mi hanno riscaldato la schiena con una specie di lampada. Mi sono sdraiato così e ho guardato fuori dalla finestra, e fuori dalla finestra il mare è bellezza. Ma proprio davanti alla finestra, all'altezza dei miei occhi, c'era una trave dipinta di rosso. E lei mi ha irritato terribilmente: mi chiude tutto, non mi lascia andare lì. E quanto sarebbe bello sdraiarsi e guardare il mare. E poi mi ha colpito: stupido, è sicuro che ti mostrano il tuo Propria vita. Quello che vuoi, quello di cui hai bisogno, ti è precluso. È nata questa immagine: "la mia vita" e questa immagine. E solo allora - tutta questa ideologia, tutto può essere spiegato in seguito.

Se parliamo di liberazione dall'ideologia della coscienza attraverso l'arte, puoi descrivere questo processo di liberazione che si verifica in te nel processo di creazione di un'immagine e poi - immagine dopo immagine?

Tutto inizia sempre con una sorta di immagine: la vedo chiaramente e sento molto acutamente il bisogno di materializzare questa immagine. Di norma, quello che disegno subito risulta essere diverso da quello che ho in mente. E qui inizia il lavoro preliminare (per cui lavoro così lentamente): cerco di capire cosa c'è che non va e dove ho sbagliato. Devo trovare un modo per esprimere accuratamente l'immagine immutabile che è fissata nella mia testa. Faccio un disegno con cura - vedo cosa c'è di diverso, ne faccio un altro - vedo che non è questo, ne faccio un terzo e così via. Ad un certo punto, capisco che questo è ciò di cui hai bisogno, sembra. Quindi ottengo il design spaziale principale e posso continuare a lavorarci già su una grande tela. Lì porto l'immagine esattamente all'immagine che ho nella mia testa; quando corrispondono, smetto di lavorare: l'ho preso, l'ho riparato. In questo momento, ottengo la libertà da lui, perché ho separato questa immagine dalla mia coscienza, l'ho trovata e le ho dato un nome - ora vive separatamente da me. Questo è ciò che riguarda la liberazione. E se si è davvero scoperto quello che dovevo fare, allora si aprirà sicuramente l'opportunità di vedere qualcos'altro, sulla base della quale posso fare un'altra foto: è così che si costruisce un certo percorso da solo. Tutte queste immagini riguardano l'era sovietica e, di regola, sono collegate, quindi, alla fine, formano un'unica grande immagine, che chiami ideologia.

"Al tempo di Eltsin, tratto ancora con amore"

IN Centro Eltsin hai riprodotto una versione del dipinto "C'è libertà". Era un ordine specifico per questo dipinto o hai deciso tu cosa fare?

C'era un ordine per fare un'immagine della libertà, e ho proposto una tale soluzione; Ho fatto uno schizzo - mi è piaciuto.

Nella versione originale la parola "Freedom is Freedom is" sull'aereo rompe lo spazio del cielo con la scritta "Freedom". Nella versione per il Centro Eltsin è conservato solo un frammento con il cielo e un'unica "Libertà". Perché? Ripetuti “La libertà esiste”, come slogan, come qualcosa che esiste solo in teoria, si sono rivelati fuori luogo in questo spazio?

La frase “La libertà esiste”, ripetuta all'infinito, è come uno slogan, come una dichiarazione, infatti, è falsa, certo. Tutte queste ripetizioni sono sul piano, sulla superficie dell'immagine, e una parola "Libertà" è uno sfondamento della superficie, attraverso la superficie nello spazio, dove si trova la vera libertà. Questa è l'opposizione della vera libertà e della falsa libertà. Nella foto per il Centro Eltsin, ho piuttosto proceduto dalla foto "Sto camminando", il movimento è importante in essa. Qui, dopotutto, esiste già il primo spazio sociale: questa è la stanza stessa, in cui siamo con te. E il movimento fuori di esso è un'uscita nella profondità, nello spazio. E questo non è un movimento assolutamente libero, perché lungo la strada le nuvole sono come un ostacolo, come una resistenza al movimento. Allo stesso tempo, si ha la sensazione che le lettere siano ancora in grado di attraversare questa barriera.

È questa sensazione che caratterizza il tempo a cui è dedicato il Centro Eltsin? E, se hai girato per gli spazi espositivi, quanto sono precisi questi tempi?

Questa volta per me è una rottura assoluta con il sistema sovietico, l'opposizione ad esso. Questa è la massima libertà sociale possibile. In quel momento, ovviamente, c'era una completa illusione che qualcosa di meraviglioso si stesse aprendo davanti. Quindi nella nostra mente era così: in generale, tutto il male nel mondo è l'ideologia sovietica, e mentre crolla, tutti saranno felici. Si è scoperto che non tutto è così. Ed è questo che volevo esprimere. Quanto a come è stato realizzato il Centro Eltsin, anche se ho guardato, è stato in qualche modo uno scorcio, perché non ci ho pensato, ma solo al mio lavoro. Pertanto, non presumo di dire nulla su di lui. Vorrei che fosse fatto in modo convincente, bene, chiaramente, perché a quel punto lo tratto ancora con amore e lo ricordo con gratitudine.

- E perché "non importa"?

Perché poi sono iniziati subito i problemi, le difficoltà, gli imprevisti e, ovviamente, spiacevoli. E poco dopo c'è stato un rifiuto di quei risultati inizialmente stabiliti, c'è stato un graduale ritiro. Ma non presumo di giudicare: non capisco né l'economia né la politica.

"Questo è il punto: esistiamo per qualcosa"

Abbiamo iniziato a parlare di libertà - per te, qual è la differenza nel comprendere la libertà nel quadro di una società ideologizzata e la libertà in generale - in senso esistenziale?

La libertà è un concetto molto ambiguo, nel senso che può essere fissato a diversi livelli. Per quanto riguarda le libertà sociali in quanto tali - ovviamente, ce ne sono più negli stati democratici che in quelli tirannici, ma nel senso dell'ideologia - sono tutte ideologizzate. Non credo che l'America o l'Europa siano meno ideologiche del sistema sovietico. È solo che esiste un'ideologia diversa: il mercato. E in un certo senso è più pericoloso per la nostra coscienza, perché l'ideologia sovietica era francamente disumana e quindi era facile separarla e vederla, guardarla dall'esterno. E l'ideologia del mercato non è disumana, anzi, offre sempre tante cose necessarie, utili, ben fatte. Ma il fatto è che di conseguenza, ancora una volta, come nell'era sovietica, fin dall'infanzia sei impercettibilmente, ma ostinatamente ispirato che l'acquisizione di queste cose è il significato della tua vita.

Se la coscienza di una persona non fosse offuscata né dall'una né dall'altra ideologia di cui stiamo parlando, allora cosa vero senso la vita dovrebbe essere parlata?

È allora che si può parlare di un senso della vita, quando una persona vive, facendo degli affari che ama, in cui mette la sua anima, e non perché gli affari gli diano soldi o alcune cose materiali benefici, ma perché lui ama questa attività. E non importa cosa sarà: arte, scienza o religione, qualunque cosa. E se una persona vive tutta la sua vita per acquisire il più possibile, questa è una specie di vita vuota, beh, o comunque falsa. E l'uomo esiste per qualcosa. In generale, una persona, non tutte specifiche. Questo è il punto: esistiamo per qualcosa. Non ci adattiamo all'animale, a questo mondo naturale. La nostra coscienza non ci entra - ne sporge ancora, vuole qualcos'altro. Ed è proprio ciò che contraddistingue una persona, ciò che la porta oltre i limiti di ogni armonia terrena, dove tutto è equilibrato, mostra che una persona è fatta per altro.

- Come risponderesti a questa domanda?

Non ci può essere una risposta generale qui. Ma ciò che conta è il ruolo che l'arte gioca in questo. Non può risolvere questo problema, ma lo pone costantemente davanti alla nostra coscienza. Viviamo di fronte a questa domanda, credo.

Infine, qualche parola su Ekaterinburg. A prima vista, hai molti legami con lui: sei nato a Sverdlovsk e sei stato evacuato qui. Ma, in effetti, no, questa città non ti definisce. Sei nato qui solo perché tuo padre è venuto qui in viaggio d'affari da Mosca e tua madre incinta è andata con lui. Poi, durante gli anni della guerra, tu e tua madre siete stati evacuati a Sverdlovsk. Allora eri più grande, uno scolaretto, avevi dei ricordi di quel periodo? E quanto tempo hai impiegato nell'evacuazione?

Ci arrivammo alla fine dell'estate del 1942 e nel febbraio del 1943 tornammo a Mosca - eravamo lì per sei mesi. Purtroppo non ho ricordi della città. Vivevamo in un ostello per dipendenti della Mosca teatro d'arte. C'era mio zio - un attore, i genitori di mio padre - mio nonno e mia nonna e mia madre. In realtà, potevamo andare separatamente con lei quando siamo stati evacuati, ma mia madre ha deciso di andare con tutti gli altri per salvare la famiglia. Vivevamo in questo ostello, ci parlavamo tutti e ricordo che tutto questo è successo da qualche parte nel cortile comune. Pertanto, non ricordo la città stessa e le persone in essa.

Anche se poi sono andato a scuola (ho studiato qui la prima metà dell'anno) e avevo anche dei conoscenti. Inoltre, ho vinto il concorso lì disegno dei bambini e ha ricevuto il suo primo premio. Dovevo prendere un coniglio vivo. La mamma era terribilmente spaventata. C'era un tempo affamato e significava che poteva essere mangiato. Ma come puoi mangiare un coniglio? Chiaramente no. Quindi ha bisogno di essere nutrito in qualche modo. Dove lo mettiamo? Semplicemente non c'era spazio: era una grande stanza dove c'erano dei letti e una specie di lenzuola erano tese tra loro, che separavano una famiglia dall'altra. Quindi non si trattava di un coniglio qui, anche se ovviamente mi piaceva, ma non per mangiarlo. In generale, mia madre ha detto che non potevamo prendere un coniglio e mi hanno dato un altro bonus: un set di pietre semipreziose degli Urali è un regalo meraviglioso. Poi l'ho portato a Mosca e poi l'ho presentato alla scuola dove ho studiato. Quindi ho un tale ricordo di Sverdlovsk.

L'artista russo contemporaneo Erik Bulatov è uno dei più costosi, le cui opere vengono vendute alle aste per milioni di dollari. Un uomo il cui lavoro è stato riconosciuto trent'anni dopo. L'Europa l'ha aperto. Grazie a mostre tenute in gallerie in Svizzera, Germania, Francia, si è iniziato a parlare di lui in Russia. In questo articolo parleremo dei dipinti di Eric Bulatov e delle caratteristiche del suo stile.

Genitori E.V. Bulatov

Eric Bulatov è nato nel 1933 il 5 settembre a Sverdlovsk (ora Ekaterinburg), dove la madre incinta andò con suo padre in viaggio d'affari negli Urali. Padre - Vladimir Borisovich nel 1937 fu espulso dal partito e tutto andò all'arresto. Una madre intraprendente ha affittato una dacia vicino a Mosca e suo padre ha vissuto lì per più di sei mesi. Si sono dimenticati di lui, o meglio, ne hanno preso un altro secondo la ripartizione, l'importante era mettere un segno di spunta che alcuni nemici del popolo erano stati presi. Andò in guerra nel 1941 come volontario e nel 1944 fu ucciso. Bulatov ricorda che suo padre, vedendo i suoi disegni, credeva che sarebbe diventato un artista. Eric Bulatov ha iniziato a scrivere i suoi primi dipinti da bambino.

Mamma dalla Polonia. Era una persona dotata. Ha attraversato il confine dalla Polonia alla Russia senza conoscere una sola parola russa. In due anni imparò così bene il russo che iniziò a lavorare come stenografa. Madre e padre avevano opinioni diverse sulla linea perseguita dal partito. Ma, poiché si amavano, la politica passò in secondo piano.

Istruzione a scuola e Istituto Surikov

Gli studi di Eric iniziarono in una scuola d'arte, che apparteneva all'Istituto Surikov. Ha studiato così bene che alla fine Eric Bulatov ha ricevuto una medaglia, quindi non ha dovuto superare gli esami di ammissione all'università. La situazione all'istituto era difficile, il tempo era difficile: gli anni '50, la morte di Stalin, la lotta contro il cosmopolitismo.

Un'assistenza inestimabile in questo momento fu fornita da Robert Falk e Vladimir Favorsky al giovane Eric Bulatov per ottenere una ferma indipendenza in relazione alla dottrina ufficiale perseguita nel paese. Alla fine dell'istituto, si è capito che un vero artista dovrebbe essere libero e non dipendere dagli ordini statali. Ma per svilupparsi servivano fondi. Gli ordini privati ​​erano fuori discussione. C'era solo un'alternativa: illustrare libri per bambini.

Questo lavoro era per necessità. Il periodo autunno-inverno è stato assegnato ai guadagni, consistenti nella creazione di illustrazioni. Eric Bulatov ha dipinto quadri in primavera e in estate. E in loro c'era quello che sentiva, quello che sentiva.

Bulatov - illustratore di libri per bambini

Per iniziare a lavorare come illustratore, era necessario impararlo, poiché Erik Vladimirovich aveva un'educazione diversa: era un pittore. Nella casa editrice in cui lavorava Bulatov, c'erano alcuni requisiti che dovevano essere soddisfatti. Eric Bulatov, nelle sue interviste, ricorda il suo lavoro in una casa editrice per bambini: “Quando illustri una fiaba, si accende un principio di pensiero completamente diverso: quello di un bambino. Il bambino ha le sue idee su questo o quell'eroe della fiaba. Quando lavori su un'illustrazione, devi mostrare esattamente questo: la visione di un bambino, non la tua. E il lavoro di un artista è una coscienza completamente libera. È nella foto che esprimi la tua visione, percezione, riflesso del mondo.”

Dipinti di Erik Bulatov

Una calligrafia caratteristica, dalla quale si riconoscono i dipinti di Bulatov, è la collisione di un grande testo di poster con una componente paesaggistica presa in prestito dalla stampa. Questa è l'assurdità della realtà che circonda l'artista e l'eccessiva saturazione dei simboli sovietici mostrati nell'immagine. Questo era Erik Bulatov nel tema Sots Art. Il suo primi lavori basato sull'interazione tra pittura e spazio. Ma questa fase del lavoro dell'artista non è stata apprezzata in patria.

Le illusioni sui percorsi che si estendono in lontananza nei dipinti di Eric Bulatov vengono lette come vicoli ciechi. La metafora pittorica raffigurata sulle tele dell'artista è comprensibile per il pubblico. Erik Bulatov ha raffigurato questi blocchi nei dipinti intitolati "Horizon" (muro del tappeto rosso), "Krasikov Street" (stand raffigurante Lenin che cammina), "Live and See" (Cremlino).

Come Erik Bulatov è arrivato a Sots Art

La tendenza della Sots Art nella pittura di Bulatov si è manifestata sullo sfondo della Pop Art americana, che univa lo spazio dell'arte e lo strato della seconda realtà. Bulatov lo ha capito per Popolo sovietico l'ideologia non era altro che la loro realtà. Ha occupato tutto il loro spazio. Ma molti artisti sovietici credeva (grazie alla stessa ideologia) che la sporcizia della vita non dovesse essere mostrata, i creatori dovrebbero vivere in prospettiva. Pertanto, i suoi compagni che lavoravano in Sots Art non condividevano la visione di Bulatov, che cercava di esprimere nei suoi dipinti la coscienza delle persone, formata dall'ideologia sovietica.

Bulatov riuscito ad aggirare le restrizioni del funzionario Arte sovietica, sviluppando uno stile molto personale.I suoi dipinti sono per lo più collezioni iconoclaste in cui immagine e linguaggio sono legati.Nei paesaggi, nei ritratti, nelle vedute di città, usa come ispirazione sia l'iconografia del regime sovietico che le rappresentazioni più tradizionali della natura.scelta dei colori, composizioni geometriche e l'uso di immagini tratte da film, storia dell'arte o pubblicità definiscono il linguaggio visivo di Bulatov.

Come se fosse presa dalla foto della rivista "Spark" nel dipinto di Eric Bulatov "Program Time". Ha ritratto la disperazione e la disperazione di una donna anziana sola che ascolta le notizie in TV. La comunicazione fittizia con una scatola parlante e l'intossicazione ideologica del popolo dell'era sovietica è il tema di questa immagine.

Artista europeo russo

È successo così che Eric Bulatov e sua moglie vivono a Parigi dal 1992. Non è emigrato, ma è andato semplicemente su invito a lavorare. È successo dopo la sua mostra, organizzata dalla gallerista Dina Verni. È stata lei a organizzare il vernissage dei dipinti di Erik Vladimirovich Bulatov, portati fuori dalla Russia da collezionisti privati. Le opere hanno lasciato il Paese legalmente, senza ostacoli, con il sigillo del Ministero della Cultura "Non ha valore artistico". Bulatov ha capito che i dipinti dovevano essere vivificati, dovevano essere venduti, anche se non a caro prezzo. E sono stati esportati dall'Unione Sovietica.

La mostra di Zurigo è stata un successo. Dopo di lei, i galleristi di diversi paesi iniziarono a invitare Bulatov in Germania, Francia e America. I vernissage hanno permesso di smettere di vivere di illustrazioni e dedicarsi interamente alla pittura. Ho deciso di vivere con mia moglie in Francia. Mi è piaciuta molto Parigi con la sua cultura secolare.

Alla domanda sul perché sia ​​​​andato all'estero, Bulatov nelle sue interviste afferma che è stato interessante guardare oltre l'orizzonte. In Unione Sovietica, i suoi interessi erano limitati allo spazio sociale, che ostacola il genuino. In Europa ha scoperto un orizzonte esistenziale che comprende gli spazi sociali.

A proposito di mostre e spettatori

Le mostre di opere di Erik Vladimirovich all'estero si tengono molto più spesso e non in determinate date e festività. I galleristi mostrano abbastanza spesso al pubblico le tele dell'artista. Durante la sua vita all'estero, i dipinti di Eric Bulatov sono stati ripetutamente esposti nelle gallerie. Come afferma lo stesso artista, le sue ultime mostre, a partire dal 2005, riscuotono un discreto successo. Si sono svolti a Parigi, Ginevra, Mosca. L'artista è soddisfatto dell'interesse per le sue opere, inoltre, persone in diversi paesi mostrano un vivo interesse. Bulatov non si sente offeso né all'estero né in Russia.

Il pubblico è la gioventù. Molti scettici lo affermano giovane generazione non serve nulla e non è interessante che l'arte sia finita. No non è vero. I giovani percepiscono le opere non come qualcosa del passato, ma come vive, e questo indica che capiscono l'artista. Dopotutto, devi giudicare il lavoro di un artista dalla sua posizione, per capire la sua individualità. E, secondo lo stesso Erik Vladimirovich, voleva esprimere il tempo.

Sui dipinti dell'artista Erik Bulatov di tempi diversi

Di recente, sempre più dipinti hanno cominciato ad apparire alle aste, portati via dai collezionisti occidentali. Ora sono acquistati da collezionisti russi. Cioè, i dipinti hanno iniziato a tornare in Russia. Si tratta principalmente di opere degli anni '70 e '80. Semplicemente non c'erano immagini con temi sociali di quel tempo in Russia. E i dipinti di Bulatov sono come un monumento a un'epoca passata. Il fatto che queste opere vivano e facciano impressione dice solo che l'artista è stato in grado di esprimere, di catturare quel tempo.

E qui ultimi lavori altri vengono acquistati dai collezionisti in Occidente. Ciò è dovuto al fatto che Eric Bulanov lavora principalmente con gallerie svizzere, tedesche e francesi.

Dono alla Galleria Tretyakov

Una delle sue opere, come dice lo stesso Bulatov, che ha avuto molto duro, l'ha presentata nel giugno 2017 alla Galleria Tretyakov. Il dipinto di Eric Bulatov si chiama "Picture and Spectators".

È di dimensioni impressionanti: due metri per due e mezzo. È stato fatto a lungo e meticolosamente. "L'immagine e gli spettatori" è il frutto delle riflessioni di Bulatov sull'opera di Alexander Ivanov "L'apparizione di Cristo al popolo". Bulatov ha inscritto organicamente visitatori moderni che contemplano i loro antenati nel quadro, epoche e stili collegati, avanguardia connessa e realismo tradizionale.

L'unico posto per un dipinto è la Galleria Tretyakov, così decide l'autore. Dopotutto, è qui che ha trascorso la sua vita. A Galleria Tretyakov ci sono altre tre opere di Eric Bulatov dal suo primo periodo quando lavorava su forme astratte.