Quando è stata dipinta la prima natura morta? Natura morta in pittura: tipologie e descrizione

La natura morta (fr. nature morte - "natura morta") è un genere arti visive, che raffigura gli oggetti intorno a noi che hanno una connessione semantica tra loro. Questo tipo di arte attrae con le sue grandi possibilità visive, che contribuiscono allo sviluppo delle capacità compositive e della costruzione del colore.

La natura morta ci trasmette determinate immagini e simboli del mondo che ci circonda. Ci coinvolge nel mondo della comunicazione degli oggetti, offrendo l'opportunità di essere nel ruolo di interlocutore. vero artista consente allo spettatore di vedere significato segreto oggetti intorno a noi. Preselezionando e costruendo determinati attributi in una determinata composizione, che svolge un compito semantico specifico.

La natura morta ha avuto origine in Europa durante il XVI e il XVII secolo, ma la sua preistoria risale a molto prima. Allo stesso livello di genere quotidiano la natura morta per molto tempo non ha potuto assumere una posizione di primo piano nella pittura. Poiché era considerato impossibile trasmettere le principali idee sociali attraverso questo tipo di pittura. Grazie ai grandi maestri, questo genere è stato riconosciuto come abbastanza capace di trasmettere varie condizioni sociali, influenzando così varie virtù sociali. Con l'aiuto di vari attributi, è stata creata l'una o l'altra immagine, che riflette il significato dell'idea principale. Gli articoli per la casa classificavano lo stato sociale, lo stile di vita del loro proprietario, che era significativo per trasmettere immagini di strati sociali.

Passando alla cronologia della storia dell'arte, si può tracciare la successione dell'ascesa e della caduta di un genere così peculiare come la natura morta.

“La formazione della natura morta come genere pittorico indipendente è dovuta al lavoro degli olandesi e artisti fiamminghi XVII secolo. Il XVII secolo in Europa è contrassegnato come il periodo di massimo splendore della natura morta. Durante questo periodo furono create tutte le principali varietà di nature morte.

Il progressivo sviluppo della natura morta nell'Europa occidentale dipinto XVII secolo può essere ampiamente spiegato dalle peculiarità della situazione culturale e della visione del mondo generale, in particolare, l'ultima diluizione e allo stesso tempo la personificazione reciproca di categorie come materiale e spirituale, individuale e universale. Nella natura morta si affermava artisticamente la più concreta di tutte le specificità di questo mondo - una cosa, un prodotto di un'attività umana molto specifica, allo stesso tempo, queste cose terrene fatte dall'uomo erano dotate di un significato allegorico, emblematico , percepiti come segni di valori immateriali, spirituali, come meditazione personificata sul significato vita umana. Una cosa, avendo perso il suo significato allegorico, cessa di essere un oggetto grande arte. Il genere della natura morta inizia a diventare gradualmente obsoleto.

La sua rinascita avviene tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. Per la sua trama e, in una certa misura, la sterilità semantica, la natura morta in questi decenni burrascosi per lo sviluppo dell'arte risulta essere particolarmente conveniente per la sperimentazione creativa. Una delle più conservatrici, dal punto di vista dell'iconografia, una delle più consolidate dal punto di vista compositivo, la natura morta ha permesso agli artisti di compiere le violazioni più ardite, a volte paradossali, delle leggi del genere, pur rimanendo all'interno Esso. La maggior parte degli esperimenti in quest'area avevano come compito la trama più completa e il disaccoppiamento figurativo delle cose.

Le cose, per così dire, vanno oltre i loro confini, perdono il loro significato personale, cessano di essere uguali a se stesse. O si dissolvono in luce e colore, si disperdono nella radiazione di energie, o si condensano in grumi di materia, formando combinazioni dei volumi più semplici, o si sbriciolano in molti frammenti - e da tutto questo nuovo extra-sostanziale o, al contrario, super-sostanziale le cose si creano sulla tela. Come nei dipinti del XVII secolo, hanno un significato allegorico, ma, a differenza delle nature morte classiche, il ruolo degli elementi primari in questi crittogrammi pittorici è svolto non tanto dagli oggetti stessi quanto dalle loro caratteristiche individuali, essendo le loro qualità saturate con una maggiore tensione semantica.

Nei primi anni del XX secolo, non c'era solo un offuscamento dei confini delle cose all'interno della natura morta, ma anche un significativo offuscamento dei confini del genere stesso. Nelle tele aperte di Matisse, gli oggetti che compongono la natura morta, permeati dai ritmi organici della natura, si fondono con il paesaggio o si trasformano essi stessi in paesaggio, superando la barriera tra il mondo dei vivi e il mondo dell'inanimato . Nei paesaggi cubisti costruiti di Picasso, la natura stessa è oggettivata, acquisisce le caratteristiche di essere fatta, materialità, il paesaggio è paragonato a una natura morta. .

“Anche la natura morta occupava un posto di rilievo nel lavoro degli artisti impressionisti francesi (Manet, Cézanne, Monet, ecc.). Hanno cercato di incarnare le prime nuove impressioni di ciò che hanno visto nelle loro opere. Per le loro nature morte, così come per la pittura degli impressionisti in generale, si caratterizzano per: l'armonia dei colori puri percepiti direttamente in natura, la naturalezza e la vitalità della composizione.

Uno di i migliori artigiani la natura morta era famosa artista francese Chardin, che è riuscito a penetrare vita intima le cose più ordinarie, avvicinale allo spettatore, e questo è ampiamente facilitato dal colore tenue dei suoi dipinti, profondamente pensato e proveniente dall'osservazione della vita, semplicità e naturalezza nella disposizione degli oggetti.

Nelle nature morte di Chardin non ci sono schemi rigidi sviluppati dalla scuola olandese, monotonia in tecniche compositive, la scelta degli oggetti, la tavolozza dei colori. .

In Russia, natura morta genere indipendente dipinto, apparso in inizio XVII I secolo. L'idea di lui era originariamente associata all'immagine dei doni della terra e del mare, il variegato mondo delle cose che circonda una persona. Fino a fine XIX secolo ancora in vita, in contrasto con il ritratto e quadro storico, era visto come un genere "inferiore". Esisteva principalmente come produzione educativa ed era consentito solo in senso limitato come pittura di fiori e frutti.

L'inizio del XX secolo è stato segnato dal fiorire della natura morta russa, che per la prima volta ha ottenuto l'uguaglianza tra gli altri generi. Il desiderio degli artisti di espandere le possibilità del linguaggio pittorico è stato accompagnato da ricerca attiva nel campo del colore, della forma, della composizione. Tutto ciò è particolarmente evidente nella natura morta. Arricchito con nuovi temi, immagini e tecniche artistiche, La natura morta russa si è sviluppata in modo insolitamente rapido: in un decennio e mezzo passa dall'impressionismo alla creazione di forme astratte.

Negli anni '30 e '40 del XX secolo questo sviluppo si è interrotto, ma dalla metà degli anni '50 la natura morta ha conosciuto pittura sovietica una nuova impennata e da quel momento si erge finalmente e saldamente alla pari con altri generi.

Nelle arti visive, una natura morta (dal francese natur morte - "natura morta") è solitamente chiamata l'immagine di oggetti inanimati combinati in un unico gruppo compositivo. Per molti, tedesco o Versione inglese designazioni still life e still leben ( vita tranquilla). In olandese, la designazione di questo genere suona come stilleven, cioè "vita tranquilla", secondo molti artisti e storici dell'arte, questa è l'espressione più accurata dell'essenza del genere, ma tale è la forza della tradizione che “natura morta” è un nome noto e radicato. Una natura morta può avere sia un significato indipendente che essere parte integrale composizioni pittura di genere. La natura morta esprime il rapporto dell'uomo con il mondo che lo circonda. Rivela la comprensione del bello, che è insita nell'artista come uomo del suo tempo.

La natura morta, come genere indipendente, sorse nelle Fiandre e in Olanda a cavallo tra il XVI e il XVII secolo, raggiungendo rapidamente una perfezione straordinaria nel trasferimento di una varietà di oggetti. mondo materiale. Il processo per diventare una natura morta procedeva più o meno allo stesso modo in molti paesi. Europa occidentale. Ma se prendiamo insieme la storia dell'arte, la prima fase nello sviluppo della natura morta si riferisce al periodo paleolitico. Esistono due tecniche principali utilizzate dagli artisti antichi: il naturalismo e l'ornamentale. Quindi queste due correnti iniziano a convergere sempre di più e appare una natura morta "semi-cosciente", un'immagine delle singole parti di un oggetto. Un vero oggetto intero può essere trovato solo nell'età del bronzo. Questa seconda fase nello sviluppo della natura morta riceve il suo massimo splendore nell'arte dell'Egitto. Gli oggetti sono sempre raffigurati isolati l'uno dall'altro. Viene introdotto per la prima volta il motivo di un fiore, il tema delle piante recise. La correlazione delle proporzioni appare nelle opere d'arte dell'Egeo. Gli oggetti sono raffigurati in tre quarti disposti in gruppi. Le tradizioni della pittura egea hanno trovato la loro continuazione in cultura greca. Possiamo giudicare questo genere di belle arti dai vasi. Gli oggetti non sono più sospesi nell'aria, ma hanno i loro " luogo reale"nello spazio: uno scudo appoggiato a un albero, un mantello gettato su un ramo - la cosiddetta natura morta "sospesa". anche in scene scolastiche spesso viene raffigurata una natura morta "musicale". Si può distinguere un altro tipo di natura morta greca: "antica". Gli artisti creano immagini di officine: pezzi di statue, una sega, un martello, tavole da disegno. È quasi impossibile trovare immagini di fiori e animali sui vasi greci.

Nell'arte medievale, a seguito della frammentazione della composizione, della divisione della tela pittorica in registri peculiari, il soggetto diventa un attributo e non un oggetto dell'immagine. Anche l'ornamento continua a svolgere un ruolo importante, particolarmente utilizzato attivamente nelle vetrate delle cattedrali cattoliche. L'arte severa, intensamente ascetica di Bisanzio, creando immagini immortali, monumentali-generalizzate, sublimemente eroiche, utilizzava immagini di singoli oggetti con straordinaria espressività.

Nell'antica pittura di icone russe, anche quei pochi oggetti che l'artista ha introdotto nelle sue opere strettamente canoniche hanno svolto un ruolo importante. Portavano spontaneità, vitalità, a volte sembravano un'espressione aperta di sentimenti in un'opera dedicata a una trama mitologica astratta.

La natura morta ha svolto un ruolo ancora più importante nei dipinti degli artisti del XV-XVI secolo durante il Rinascimento. Il pittore che per primo disegnò molta attenzione sul mondo che lo circonda, ha cercato di indicare il luogo, di determinare il valore di ogni cosa che serve a una persona. Gli articoli per la casa acquisirono la nobiltà e l'orgoglioso significato del loro proprietario, quello che servivano. Su grandi tele, la natura morta occupava solitamente un posto molto modesto: un vaso di vetro con acqua, un elegante vaso d'argento o delicati gigli bianchi su steli sottili spesso rannicchiati nell'angolo del quadro. Tuttavia, nella rappresentazione di queste cose c'era così tanto amore poetico per la natura, il loro significato è così altamente spiritualizzato che qui puoi già vedere tutte le caratteristiche che in seguito determinarono sviluppo indipendente tutto il genere.

Gli oggetti, un elemento materiale, hanno ricevuto un nuovo significato nei dipinti del XVII secolo, nell'era del genere sviluppato della natura morta. In composizioni complesse con una trama letteraria, hanno preso il loro posto insieme ad altri eroi dell'opera. Analizzando le opere di questo periodo, si può vedere quale ruolo importante abbia iniziato a svolgere la natura morta nel quadro. Le cose iniziarono ad apparire in queste opere come le principali caratteri, mostrando ciò che un artista può ottenere dedicando la sua abilità a questo tipo di arte.

Gli oggetti realizzati da mani abili, operose, sapienti portano l'impronta dei pensieri, dei desideri e delle inclinazioni di una persona. Lo servono, lo deliziano, ispirano un legittimo senso di orgoglio. Non c'è da stupirsi che apprendiamo di epoche che sono scomparse da tempo dalla faccia della terra da quei frammenti di piatti, utensili domestici e oggetti rituali che diventano per gli archeologi pagine sparse della storia dell'umanità.

scrutando il mondo, penetrando con mente curiosa nelle sue leggi, svelando gli affascinanti misteri della vita, l'artista lo riflette sempre più pienamente e multilateralmente nella sua arte. Non solo raffigura il mondo che lo circonda, ma trasmette anche la sua comprensione, il suo atteggiamento nei confronti della realtà.

La storia della formazione e dello sviluppo di vari generi di pittura è una testimonianza vivente di un lavoro instancabile coscienza umana sforzandosi di abbracciare l'infinita varietà di attività, di comprenderla esteticamente. Il genere della natura morta era particolarmente pronunciato in Pittura olandese protorinascimentale. Fa ancora parte degli interni, ma allo stesso tempo, l'amore per i dettagli degli artisti crea stupefacenti piccole nature morte: piatti, un tavolo da lavoro, scarpe appoggiate sul pavimento. Tutto questo è raffigurato con lo stesso amore delle figure di persone e santi. In Italia la natura morta emerge dal paesaggio. In futuro, l'oggetto riceve una sorta di attività indipendente, diventa un partecipante all'azione. A partire dal protorinascimento, il mondo oggettivo è diventato sempre più realistico, a volte quasi tangibile. Smette di essere una finzione, ma diventa la vita di tutti i giorni. Nel XVI secolo, gli artisti del Rinascimento settentrionale iniziarono a esporre oggetti, strappandone le coperture (ad esempio, la pelle degli animali).

La natura morta è un genere relativamente giovane. Ha ricevuto un significato indipendente in Europa solo nel XVII secolo. La storia dello sviluppo della natura morta è interessante e istruttiva. La natura morta fiorì in modo particolarmente pieno e vivido nelle Fiandre e nei Paesi Bassi. La natura morta prende finalmente forma come genere pittorico indipendente. La sua comparsa è associata a quegli eventi storici rivoluzionari, a seguito dei quali questi paesi, avendo ottenuto l'indipendenza, all'inizio XVII secolo ha intrapreso la via dello sviluppo borghese. Per l'Europa in quel momento, questo era un fenomeno importante e progressivo. Nuovi orizzonti si aprivano davanti all'arte. Condizioni storiche, nuovo relazioni pubbliche richieste creative dirette e determinate, cambiamenti nella risoluzione dei problemi che il pittore deve affrontare. senza rappresentare direttamente eventi storici, gli artisti hanno dato uno sguardo nuovo al mondo, hanno trovato nuovi valori nell'uomo. La vita si presentava abitualmente davanti a loro con un significato e una pienezza fino ad allora sconosciuti. Erano attratti dalle peculiarità della vita nazionale, natura nativa, cose che conservano l'impronta delle fatiche e dei giorni persone normali. Fu da qui, da un interesse consapevole, approfondito e stimolato per la vita delle persone, che nacquero generi separati e indipendenti di pittura quotidiana, paesaggio e natura morta.

L'arte della natura morta, sviluppatasi nel XVII secolo, determinò le principali qualità di questo genere. Pittura, dedicato al mondo cose, ha parlato delle proprietà di base inerenti agli oggetti che circondano una persona, ha rivelato l'atteggiamento dell'artista e del contemporaneo nei confronti di ciò che è raffigurato, ha espresso la natura e la completezza della conoscenza della realtà. Il pittore ha trasmesso l'esistenza materiale delle cose, il loro volume, peso, consistenza, colore, valore funzionale degli oggetti domestici, la loro connessione vivente con l'attività umana. La bellezza e la perfezione degli utensili domestici erano determinate non solo dalla loro necessità, ma anche dall'abilità del loro creatore. La natura morta dell'era rivoluzionaria della borghesia vittoriosa rifletteva il rispetto dell'artista per le nuove forme vita nazionale compatrioti, rispetto per il lavoro.

Formulato nel 17 ° secolo, i compiti del genere in in termini generali esisteva nella scuola europea fino a metà del diciannovesimo secolo. Tuttavia, ciò non significa che gli artisti non si siano posti nuovi compiti, ripetendo meccanicamente soluzioni già pronte.

Nel corso delle epoche sono cambiati non solo i metodi e i modi di dipingere una natura morta, ma l'esperienza artistica si è accumulata, nel processo di formazione si è sviluppata una visione del mondo più complessa e costantemente arricchente.

natura morta - un genere di belle arti, principalmente pittura da cavalletto, dedicato all'immagine di oggetti inanimati: fiori, frutti, selvaggina morta, pesce, attributi di qualsiasi attività.

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NATURA MORTA

francese nature morte - natura morta), uno dei generi della pittura. Le nature morte raffigurano i doni della natura (frutta, fiori, pesci, selvaggina), così come le cose fatte dalle mani dell'uomo (stoviglie, vasi, orologi, ecc.). A volte oggetti inanimati coesistono con esseri viventi: insetti, uccelli, animali e persone.

Nature morte incluse in composizioni di trama, già presente nella pittura mondo antico(pitture murali a Pompei). C'è una leggenda secondo cui l'antico artista greco Apelle raffigurava l'uva così abilmente che gli uccelli lo scambiarono per uno vero e iniziarono a beccare. Come genere indipendente, la natura morta si sviluppò nel XVII secolo. e poi ha vissuto il suo brillante periodo di massimo splendore nell'opera dei maestri olandesi, fiamminghi e spagnoli.

In Olanda c'erano diverse varietà di nature morte. Gli artisti hanno dipinto "colazioni" e "dolci" in modo tale che sembrava che una persona fosse da qualche parte nelle vicinanze e sarebbe presto tornata. Una pipa fuma sul tavolo, un tovagliolo è stropicciato, il vino in un bicchiere non è finito, un limone è tagliato, il pane è spezzato (P. Klas, V. Kheda, V. Kalf). Popolari erano anche le immagini di utensili da cucina, vasi di fiori e infine “Vanitas” (“vanità delle vanità”), nature morte sul tema della fragilità della vita e delle sue gioie a breve termine, che invitano a ricordare veri valori e prenditi cura della salvezza dell'anima. Gli attributi preferiti di "Vanitas" sono un teschio e un orologio (J. van Strek. "Vanity of vanities"). Le nature morte olandesi, così come le nature morte del XVII secolo in generale, sono caratterizzate dalla presenza di sfumature filosofiche nascoste, complessi simbolismi cristiani o amorosi (il limone era un simbolo di moderazione, il cane era fedeltà, ecc.). tempo, gli artisti hanno ricreato in nature morte con amore ed entusiasmo la diversità del mondo (giochi di sete e velluti, tovaglie di tappeti pesanti, argento scintillante, bacche succose e vino nobile). La composizione delle nature morte è semplice e stabile, soggetta alla diagonale o alla forma di una piramide. In esso è sempre evidenziato l '"eroe" principale, ad esempio un bicchiere, una brocca. I maestri costruiscono sottilmente relazioni tra oggetti, opponendosi o, al contrario, abbinando il loro colore, forma, struttura superficiale. accuratamente scaricato i più piccoli dettagli. Di piccole dimensioni, questi dipinti sono progettati per un attento esame, una lunga contemplazione e la comprensione del loro significato nascosto.

I fiamminghi, al contrario, dipingevano grandi tele, a volte enormi, destinate a decorare le sale del palazzo. Si distinguono per un festoso multicolore, un'abbondanza di oggetti e la complessità della composizione. Tali nature morte erano chiamate "negozi" (J. Feit, F. Snyders). Rappresentavano tavoli disseminati di selvaggina, frutti di mare, pane e accanto a loro c'erano i proprietari che offrivano i loro beni. Il cibo abbondante, come se non si adattasse ai tavoli, pendeva, cadeva direttamente sul pubblico.

Gli artisti spagnoli preferivano limitarsi a un piccolo insieme di oggetti e lavoravano in modo sobrio. combinazione di colori. Piatti, frutti o conchiglie nei dipinti di F. Zurbaran e A. Pereda sono posati con calma sul tavolo. Le loro forme sono semplici e nobili; sono accuratamente modellati con chiaroscuri, quasi tangibili, la composizione è rigorosamente equilibrata (F. Zurbaran. "Natura morta con arance e limoni", 1633; A. Pereda. "Natura morta con orologio").

Nel 18 ° secolo il maestro francese J.-B. S. Chardin. I suoi dipinti, raffiguranti utensili semplici e solidi (ciotole, una pentola di rame), verdure, cibo semplice, sono pieni del respiro della vita, riscaldati dalla poesia del focolare e affermano la bellezza della vita quotidiana. Chardin dipinse anche nature morte allegoriche (Natura morta con attributi delle arti, 1766).

In Russia, le prime nature morte apparvero nel XVIII secolo. in dipinti decorativi sulle pareti di palazzi e dipinti "fittizi", in cui gli oggetti venivano riprodotti in modo così accurato da sembrare reali (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov). Nel 19 ° secolo le tradizioni dell'inganno sono state ripensate. La natura morta sta vivendo un'impennata nella prima metà. 19esimo secolo nelle opere di F. P. Tolstoy, che ripensava le tradizioni dei "trucchi" ("Berries of Red and White Currants", 1818), artisti della scuola veneziana, e I. T. Khrutsky. Negli oggetti di uso quotidiano, gli artisti cercavano di vedere la bellezza e la perfezione.

Alla fine arriva un nuovo periodo di massimo splendore del genere. 19 - prego. Novecento, quando la natura morta diventa laboratorio di esperimenti creativi, mezzo per esprimere l'individualità dell'artista. la natura morta prende luogo significativo nel lavoro dei postimpressionisti - W. Van Gogh, P. Gauguin e, soprattutto, P. Cezanne. La monumentalità della composizione, le linee pungenti, le forme elementari e rigide nei dipinti di Cézanne hanno lo scopo di rivelare la struttura, la base della cosa e richiamare le leggi incrollabili dell'ordine mondiale. L'artista scolpisce la forma con il colore, enfatizzandone la matericità. Allo stesso tempo, l'inafferrabile gioco di colori, in particolare il blu freddo, conferisce alle sue nature morte una sensazione di aria e spaziosità. La linea della natura morta di Cezanne è stata continuata in Russia dai maestri del "Fante di quadri" (I. I. Mashkov, P. P. Konchalovsky e altri), combinandola con le tradizioni del russo arte popolare. Gli artisti della "Blue Rose" (N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin) hanno creato composizioni nostalgiche in stile antico. Le nature morte di K. S. Petrov-Vodkin sono intrise di generalizzazioni filosofiche. Nel 20 ° secolo P. Picasso, A. Matisse, D. Morandi hanno risolto i loro compiti creativi nel genere della natura morta. In Russia, i più grandi maestri di questo genere erano M. S. Saryan, P. V. Kuznetsov, A. M. Gerasimov, V. F. Stozharov e altri.

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Istruzione

La natura morta come genere non si distinse immediatamente, per molto tempo dipinti raffiguranti fiori e oggetti per la casa erano usati come aggiunta di cornice ad altre tele, così come decorazione su ante di mobili. I primi dipinti indipendenti apparvero intorno al XVII secolo. Quindi le immagini degli oggetti iniziarono ad essere usate come allegorie e ogni oggetto aveva un significato simbolico aggiuntivo. Successivamente, la natura morta divenne popolare tra gli artisti, ma fu considerata un genere inferiore.

Esistono diversi tipi di natura morta, una delle prime e più comuni è la natura morta dei fiori, la successiva più popolare è la natura morta della tavola servita. La natura morta simbolica continua ad esistere. un'altra vista che è apparsa relativamente di recente è una natura morta astratta, in questo stile gli oggetti non sono rappresentati in modo realistico, le forme sono abbozzate ei colori sono privi di transizioni fluide.

Se ti piace disegnare, probabilmente hai realizzato molti disegni e dipinti di questo genere. Per disegnare una natura morta, non è necessario dedicare tempo e fatica alla ricerca di oggetti interessanti per disegnare, puoi sempre disegnare buona composizione oggetti sempre a portata di mano. Usa il drappeggio come sfondo, un piccolo pezzo di tessuto va bene. Disponi gli oggetti in modo da ottenere diversi piani, ricorda che gli oggetti grande taglia dovrebbero essere sullo sfondo ed essere quelli più piccoli. Metti un'ulteriore fonte di colore laterale, questo aggiungerà volume agli oggetti. Esercizi regolari con tali produzioni ti permetteranno di affinare le tue capacità di disegno.

Video collegati

Fonti:

• Composizione in natura morta
• Cos'è la natura morta

Bene natura morta nasce molto prima che tu prenda in mano vernice e pennello. Il successo dipende da come scegli gli oggetti che disegnerai e da come li disporrai nello spazio.

Istruzione

Pensa a un tema di natura morta. Certo, puoi mettere tutti gli oggetti sul tavolo contemporaneamente, ma i componenti uniti da una storia, indovinati dalla personalità del loro proprietario, o almeno stilisticamente, sembreranno molto più logici.

Ordina tutti i componenti per forma. È auspicabile che sia vario: trova oggetti alti e bassi, larghi e stretti. Altrimenti, la monotonia delle forme nell'immagine porterà al fatto che tutto si mescolerà in un'unica massa e gli oggetti semplicemente “cadranno fuori” dal campo visivo.

Assicurati che non sia composto da prodotti e cose che non corrispondono a colori. Se trovi difficile determinarlo a occhio, usa la ruota dei colori. Inserisci un triangolo equilatero in esso. I suoi angoli indicheranno tre colori primari che si sposano bene tra loro. Come colori aggiuntivi, puoi prendere sfumature che si trovano ai lati di quelle principali.

Scegli lo sfondo giusto. Puoi stendere una natura morta su un panneggio o su una superficie scoperta. È importante che sia di colore neutro (se le sfumature degli oggetti sono sature) o combinato con l'intera composizione. In ogni caso, lo sfondo non dovrebbe fare la parte del leone nell'attenzione dello spettatore.

In una calda estate di campagna o in una bufera di neve prolungata. Dalla comodità della tua casa, puoi trovare ispirazione in frutti ordinari o fiori insoliti. Il soggetto non cerca di girare la testa, come in un ritratto, e non trasforma le ombre in luce ogni secondo, come in un paesaggio. Questo è ciò che rende il genere della natura morta così bello. E "natura morta" in francese, o "vita tranquilla delle cose" nella versione olandese, ravviva davvero l'interno. Natalia Letnikova presenta le 7 migliori nature morte di artisti russi.

"Viole di bosco e nontiscordardime"

Violette di bosco e nontiscordardime

Il dipinto di Isaac Levitan è come un cielo blu e una nuvola bianca - dal cantante della natura russa. Solo sulla tela non ci sono spazi aperti nativi, ma un mazzo di fiori di campo. Tarassaco, lillà, fiordalisi, immortelle, felci e azalee... Dopo la foresta, il laboratorio dell'artista si è trasformato in "una serra o un negozio di fiori". Levitan amava le nature morte floreali e insegnava ai suoi studenti a vedere sia il colore che le infiorescenze: "È necessario che non odorino di vernice, ma di fiori".

"Mele e foglie"

mele e foglie

Le opere di Ilya Repin hanno messo in risalto organicamente la brillante cornice del Museo Russo. L'artista itinerante ha composto una composizione per il suo studente - Valentin Serov. Si è rivelato così pittoresco che l'insegnante stesso ha preso in mano il pennello. Sei mele di un normale giardino - sgualcite e con "botti", e un mucchio di foglie, coperte colori autunnali, come fonte di ispirazione.

"Mazzo di fiori. Flox»

Mazzo di fiori. Phlox

Dipinto di Ivan Kramskoj. "Una persona di talento non perderà tempo a raffigurare, diciamo, bacini, pesci, ecc. Va bene per le persone che hanno già tutto e abbiamo molto lavoro da fare", ha scritto Kramskoy a Vasnetsov. Eppure il genere della natura morta alla fine della vita famoso ritrattista non è passato per l'attenzione. Un mazzo di phlox in un vaso di vetro è stato presentato alla XII mostra itinerante. Il dipinto è stato acquistato prima dell'apertura del vernissage.

"Natura morta"

Natura morta

Kazimir Malevich sulla strada per il "Quadrato Nero" attraverso l'impressionismo e il cubismo, aggirando il realismo. Un vaso di frutta è il frutto di una ricerca creativa, anche all'interno della cornice di un quadro: spesse linee nere della tecnica cloisonné francese, piatti piatti e frutti voluminosi. Tutti i componenti dell'immagine sono uniti solo dal colore. Particolare per l'artista: luminoso e saturo. Come una sfida ai colori pastello vita reale.

"Aringhe e limone"

Aringhe e limone

Quattro figli e la pittura. Questa combinazione nella vita dell'artista detta inequivocabilmente il genere. Così è successo con Zinaida Serebryakova. Numerose ritratti di famiglia e nature morte, in base alle quali è possibile creare un menu: "Cesto di frutta", "Asparagi e fragole", "Uva", "Pesce su verdure" ... Nelle mani di un vero maestro, "aringa e limone" lo faranno diventare un'opera d'arte. Poesia e semplicità: una spirale di buccia di limone e un pesce privo di fronzoli.

"Natura morta con samovar"

Natura morta con samovar

Uno studente di Serov, Korovin e Vasnetsov, "Jack of Diamonds" - Ilya Mashkov amava rappresentare il mondo che lo circondava, ma in modo più luminoso. Statuette di porcellana e begonie, zucche... Carne, selvaggina - nello spirito dei vecchi maestri e pane di Mosca - schizzi dal mercato di Smolensk della capitale. E secondo la tradizione russa - dove senza samovar. Una natura morta dal regno della vita festosa con frutta e piatti luminosi è completata da un teschio, un promemoria della fragilità della vita.

"Etude con medaglie"

Studio con medaglie

Natura morta in stile sovietico. L'artista del 20 ° secolo Anatoly Nikich-Krilichevsky in una foto ha mostrato l'intera vita della prima campionessa del mondo sovietico nel pattinaggio di velocità - Maria Isakova. Con coppe, ognuna delle quali - anni di allenamento; medaglie che sono state assegnate in un'aspra lotta; lettere e mazzi enormi. Bella immagine per l'artista e una cronaca artistica di successi sportivi. Storia di natura morta.