Definizione di natura morta in pittura. Natura morta in pittura: tipologie e descrizione
natura morta natura morta
(Francese nature morte, italiano natura morta, letteralmente - natura morta; olandese stilleven, tedesco Stilleben, inglese still life, letteralmente - vita tranquilla o immobile), genere arti visive(principalmente pittura da cavalletto), che è dedicata all'immagine delle cose che circondano una persona, collocate, di regola, in un vero ambiente domestico e compositivamente organizzate in un unico gruppo. L'organizzazione speciale del movente (la cosiddetta messa in scena) è una delle componenti principali sistema figurativo genere di natura morta. Oltre agli oggetti inanimati (ad esempio articoli per la casa), la natura morta raffigura oggetti di fauna selvatica, isolati dalle connessioni naturali e quindi trasformati in una cosa: pesci sul tavolo, fiori in un bouquet, ecc. A complemento del motivo principale, l'alambicco la vita può includere l'immagine di persone, animali, uccelli, insetti. L'immagine delle cose in una natura morta ha le sue valore artistico, sebbene nel processo di sviluppo servisse spesso per esprimere contenuti simbolici, risolvere problemi decorativi o fissare con precisione il mondo oggettivo nelle scienze naturali, ecc. Allo stesso tempo, la natura morta può caratterizzare non solo le cose in sé, ma anche lo stato sociale , contenuto e stile di vita di loro proprietario, generano numerose associazioni e analogie sociali.
Motivi di nature morte come dettagli di composizioni si trovano già nell'arte dell'Antico Oriente e dell'antichità, alcuni fenomeni nell'arte medievale dell'Estremo Oriente sono in parte paragonabili alla natura morta (ad esempio, il cosiddetto genere "fiori-uccelli" ), ma la nascita della natura morta come genere indipendente si svolge in epoca moderna, quando nell'opera dei maestri italiani e soprattutto olandesi del Rinascimento si sviluppa l'attenzione al mondo materiale, alla sua immagine concreto-sensuale. La storia della natura morta come genere di pittura da cavalletto, e in particolare la sua tipologia "trompe l" oeil (il cosiddetto intoppo), è aperta dalla "Natura morta" dell'italiano Jacopo de Barbari (1504), che illusionisticamente ricrea accuratamente gli oggetti. metà del XVI- l'inizio del XVII secolo, facilitato dalle inclinazioni scientifico-naturali caratteristiche di quest'epoca, dall'interesse dell'arte per la vita quotidiana e intimità uomo, così come lo sviluppo stesso di metodi per lo sviluppo artistico del mondo (le opere dell'olandese P. Aartsen, il Fleming J. Brueghel Velvet, ecc.).
Il periodo di massimo splendore della natura morta - XVII secolo. La diversità dei suoi tipi e forme in quel momento è associata allo sviluppo delle scuole di pittura realistiche nazionali. In Italia e in Spagna, l'ascesa della natura morta fu notevolmente facilitata dall'opera di Caravaggio e dei suoi seguaci ( cm. Caravaggismo). I temi preferiti della natura morta erano i fiori, gli ortaggi e la frutta, i frutti di mare, gli utensili da cucina, ecc. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, J. Recco, J. B. Ruoppolo, E. Baskenis, ecc.). La natura morta spagnola è caratterizzata da sublime severità e significato speciale dell'immagine delle cose (X. Sanchez Cotan, F. Zurbaran, A. Pereda, ecc.). L'interesse per la quotidianità delle cose, l'intimità, spesso il democratismo delle immagini si manifestavano chiaramente nella natura morta olandese. È caratterizzato da un'attenzione particolare alla trasmissione dell'ambiente luminoso, alla diversa trama dei materiali, alla sottigliezza dei rapporti tonali e alla combinazione di colori - dalla colorazione squisitamente modesta delle "colazioni monocromatiche" di V. Kheda e P. Klas al composizioni intensamente contrastanti e coloristicamente spettacolari di V. Kalf ("dessert"). La natura morta olandese si distingue per l'abbondanza di diversi tipi di questo genere: "pesce" (A. Beyeren), "fiori e frutti" (J. D. de Hem), "gioco battuto" (J. Venike, M. Hondekuter), natura morta allegorica "vanitas "("vanità delle vanità"), ecc. La natura morta fiamminga (principalmente "mercati", "botteghe", "fiori e frutti") si distingue per la sua portata e allo stesso tempo composizioni decorative: questi sono inni alla fertilità e all'abbondanza (F. Snyders, J. Feit) , Nel XVII sec. Si stanno sviluppando anche nature morte tedesche (G. Flegel, K. Paudis) e francesi (L. Bozhen). CON tardo XVII v. nelle nature morte francesi trionfano le tendenze decorative dell'arte di corte (fiori di J. B. Monnoyer e della sua scuola, nature morte di caccia di A. F. Deport e J. B. Oudry). In questo contesto, le opere di uno dei maestri più significativi della natura morta francese - J. B. S. Chardin, contrassegnate da rigore e libertà compositiva, sottigliezza delle soluzioni cromatiche, si distinguono con genuina umanità e democrazia. A metà del XVIII secolo. nel periodo della formazione finale della gerarchia accademica dei generi sorse il termine "nature morte", che rifletteva l'atteggiamento sprezzante nei confronti di questo genere dei sostenitori dell'accademismo, che preferivano i generi la cui area era la "natura vivente" ( genere storico, ritratto, ecc.).
Nel 19 ° secolo il destino della natura morta è stato determinato dai principali maestri della pittura, che hanno lavorato in molti generi e hanno coinvolto la natura morta nella lotta visioni estetiche E idee artistiche(F. Goya in Spagna, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet in Francia). Tra i maestri dell'Ottocento specializzati in questo genere spiccano anche A. Fantin-Latour (Francia) e W. Harnet (USA). La nuova ascesa della natura morta è stata associata all'esibizione dei maestri del post-impressionismo, per i quali il mondo delle cose diventa uno dei temi principali (P. Cezanne, V. van Gogh). Dall'inizio del XX secolo. la natura morta è una sorta di laboratorio creativo di pittura. In Francia, i maestri del fauvismo (A. Matisse e altri) seguono la via dell'accresciuta identificazione delle possibilità emotive e decorativo-espressive del colore e della consistenza, e i rappresentanti del cubismo (J. Braque, P. Picasso, X. Gris e altri), utilizzando le specificità delle possibilità artistiche e analitiche della natura morta, cercano di stabilire nuovi modi di trasmettere spazio e forma. La natura morta attira anche maestri di altre tendenze (A. Kanoldt in Germania, G. Morandi in Italia, S. Lukyan in Romania, B. Kubista ed E. Filla nella Repubblica Ceca, ecc.). Le tendenze sociali nella natura morta del XX secolo sono rappresentate dal lavoro di D. Rivera e D. Siqueiros in Messico, R. Guttuso in Italia.
La natura morta è apparsa nell'arte russa nel XVIII secolo. insieme all'affermazione della pittura secolare, che riflette il pathos cognitivo dell'epoca e il desiderio di trasmettere in modo veritiero e accurato il mondo oggettivo ("trucchi" di G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov, ecc.). L'ulteriore sviluppo della natura morta russa per un tempo considerevole fu episodico. È un po' sorto nella prima metà del XIX secolo. (F. P. Tolstoy, scuola di A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky) è associato al desiderio di vedere la bellezza nel piccolo e nell'ordinario. Nella seconda metà del XIX sec. I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan si sono rivolti alla natura morta di natura abbozzata solo occasionalmente; valore ausiliario della natura morta in sistema artistico Gli Erranti sono seguiti dalla loro idea del ruolo dominante dell'immagine tematica della trama. Il valore indipendente dello studio della natura morta aumenta di fine del XIX e XX secolo. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Il periodo di massimo splendore della natura morta russa cade all'inizio del XX secolo. I suoi migliori esempi includono le opere impressioniste di K. A. Korovin, I. E. Grabar; le opere degli artisti del "Mondo dell'Arte" (A. Ya. Golovin e altri) che giocano sottilmente con il carattere storico e quotidiano delle cose; immagini fortemente decorative di P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu Sudeikin, M. S. Saryan e altri pittori del circolo Blue Rose; luminose nature morte intrise della pienezza dell'essere dei maestri del "Fante di quadri" (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Goncharova). Natura morta sovietica, che si sviluppa in linea con l'arte realismo socialista arricchito di nuovi contenuti. Negli anni 20-30. include e riflessione filosofica modernità in opere affilate nella composizione (K. S. Petrov-Vodkin), e nature morte tematiche "rivoluzionarie" (F. S. Bogorodsky e altri), e tentativi di riconquistare tangibilmente la "cosa" respinta dai cosiddetti non oggettivi attraverso esperimenti sul campo di colore e consistenza (D. P. Shterenberg, N. I. Altman), e una ricreazione a sangue pieno della ricchezza colorata e della diversità del mondo oggettivo (A. M. Gerasimov, Konchalovsky, Mashkov, Kuprin. Lentulov, Saryan, A. A. Osmerkin e altri. ), come così come la ricerca di una sottile armonia cromatica, la poetizzazione del mondo delle cose (V. V. Lebedev, N. A. Tyrsa, ecc.). Negli anni 40-50. PV Kuznetsov, Yu. P. P. Konchalovsky, V. B. Elkonik, V. F. Stozharov, A. Yu Nikich lavorano attivamente nella natura morta. Tra i maestri della natura morta nelle repubbliche dell'Unione, spiccano A. Akopyan in Armenia, T. F. Narimanbekov in Azerbaigian, L. Svemp e L. Endzelina in Lettonia, N. I. Kormashov in Estonia. L'attrazione per la maggiore "oggettività" dell'immagine, l'estetizzazione del mondo delle cose che circondano una persona ha determinato l'interesse per la natura morta dei giovani artisti degli anni '70 e dei primi anni '80. (Ya. G. Anmanis, A. I. Akhaltsev, O. V. Bulgakova, M. V. Leis, ecc.).
V. Kheda. "Colazione con torta di more." 1631. Galleria d'arte. Dresda.
P. Cézanne. "Pesche e Pere" Fine 1880 Museo di Belle Arti intitolato ad A. S. Pushkin. Mosca.
KS Petrov-Vodkin. "Natura morta mattutina". 1918. Museo Russo. Leningrado.
I. I. Mashkov. "Sned Mosca: pane". 1924. Galleria Tretyakov. Mosca.
Fonte: Popolare enciclopedia dell'arte." ed. Campo V.M.; M.: Casa editrice" Enciclopedia sovietica", 1986.)
natura morta(Francese nature morte - natura morta), uno dei generi della pittura. Le nature morte raffigurano i doni della natura (frutta, fiori, pesci, selvaggina), così come le cose fatte dalle mani dell'uomo (stoviglie, vasi, orologi, ecc.). A volte oggetti inanimati coesistono con esseri viventi: insetti, uccelli, animali e persone.
Nature morte incluse in composizioni di trama, già presente nella pittura mondo antico(pitture murali in Pompei). C'è una leggenda secondo cui l'antico artista greco Apelle raffigurava l'uva così abilmente che gli uccelli lo scambiarono per uno vero e iniziarono a beccare. Come genere indipendente, la natura morta si sviluppò nel XVII secolo. e poi ha vissuto il suo brillante periodo di massimo splendore nell'opera dei maestri olandesi, fiamminghi e spagnoli.
In Olanda c'erano diverse varietà di nature morte. Gli artisti hanno dipinto "colazioni" e "dolci" in modo tale che sembrava che una persona fosse da qualche parte nelle vicinanze e sarebbe presto tornata. Una pipa fuma sul tavolo, un tovagliolo è stropicciato, il vino in un bicchiere non è finito, un limone è tagliato, il pane è spezzato (P. Klas, V. Kheda, V. Kalf). Popolari erano anche le immagini di utensili da cucina, vasi di fiori e infine “Vanitas” (“vanità delle vanità”), nature morte sul tema della fragilità della vita e delle sue gioie a breve termine, che invitano a ricordare veri valori e prenditi cura della salvezza dell'anima. Gli attributi preferiti di "Vanitas" sono un teschio e un orologio (J. van Strek. "Vanity of vanities"). Le nature morte olandesi, così come le nature morte del XVII secolo in generale, sono caratterizzate dalla presenza di sfumature filosofiche nascoste, complessi simbolismi cristiani o amorosi (il limone era un simbolo di moderazione, il cane era fedeltà, ecc.). tempo, gli artisti hanno ricreato in nature morte con amore ed entusiasmo la diversità del mondo (giochi di sete e velluti, tovaglie di tappeti pesanti, argento scintillante, bacche succose e vino nobile). La composizione delle nature morte è semplice e stabile, soggetta alla diagonale o alla forma di una piramide. In esso è sempre evidenziato l '"eroe" principale, ad esempio un bicchiere, una brocca. I maestri costruiscono sottilmente relazioni tra oggetti, opponendosi o, al contrario, abbinando il loro colore, forma, struttura superficiale. I più piccoli dettagli sono scritti con cura. Di piccole dimensioni, questi dipinti sono progettati per un attento esame, una lunga contemplazione e la comprensione del loro significato nascosto.
I fiamminghi, al contrario, dipingevano grandi tele, a volte enormi, destinate a decorare le sale del palazzo. Si distinguono per un festoso multicolore, un'abbondanza di oggetti e la complessità della composizione. Tali nature morte erano chiamate "negozi" (J. Feit, F. Snyder). Rappresentavano tavoli disseminati di selvaggina, frutti di mare, pane e accanto a loro c'erano i proprietari che offrivano i loro beni. Il cibo abbondante, come se non si adattasse ai tavoli, pendeva, cadeva direttamente sul pubblico.
artisti spagnoli preferiva limitarsi a un piccolo insieme di capi e lavorava in modo discreto combinazione di colori. Piatti, frutti o conchiglie nei quadri di F. Zurbarana e A. I frontali sono tranquillamente posizionati sul tavolo. Le loro forme sono semplici e nobili; sono accuratamente modellati con chiaroscuri, quasi tangibili, la composizione è rigorosamente equilibrata (F. Zurbaran. "Natura morta con arance e limoni", 1633; A. Pereda. "Natura morta con orologio").
Nel 18 ° secolo il maestro francese J.-B. CON. Chardin. I suoi dipinti, raffiguranti utensili semplici e solidi (ciotole, un serbatoio di rame), verdure, cibo semplice, sono pieni del respiro della vita, riscaldati dalla poesia del focolare e affermano la bellezza della vita quotidiana. Chardin dipinse anche nature morte allegoriche (Natura morta con attributi delle arti, 1766).
In Russia, le prime nature morte apparvero nel XVIII secolo. in dipinti decorativi sulle pareti di palazzi e dipinti "fittizi", in cui gli oggetti venivano riprodotti in modo così accurato da sembrare reali (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov). Nel 19 ° secolo le tradizioni dell'inganno sono state ripensate. La natura morta sta vivendo un aumento del primo piano. 19esimo secolo nell'opera di F.P. Tolstoj, che ripensava le tradizioni dei "trucchi" ("Bacche di ribes rosso e bianco", 1818), artisti scuola veneziana, I. T. Khrutsky. Negli oggetti di uso quotidiano, gli artisti cercavano di vedere la bellezza e la perfezione.
Alla fine arriva un nuovo periodo di massimo splendore del genere. 19 - prego. Novecento, quando la natura morta diventa laboratorio di esperimenti creativi, mezzo per esprimere l'individualità dell'artista. La natura morta occupa un posto significativo nel lavoro dei postimpressionisti - V. vangogh, P. Gauguin e soprattutto p. Cézanne. La monumentalità della composizione, le linee pungenti, le forme elementari e rigide nei dipinti di Cézanne hanno lo scopo di rivelare la struttura, la base della cosa e richiamare le leggi incrollabili dell'ordine mondiale. L'artista scolpisce la forma con il colore, enfatizzandone la matericità. Allo stesso tempo, l'inafferrabile gioco di colori, in particolare il blu freddo, conferisce alle sue nature morte una sensazione di aria e spaziosità. La linea della natura morta di Cezanne è stata continuata in Russia dai maestri " Jack di Quadri"(I.I. Mashkov, P.P. Konchalovsky ecc.), combinandolo con le tradizioni del russo arte popolare. Artisti "Rosa blu"(N.N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin) ha creato composizioni nostalgiche in stile antico. Le generalizzazioni filosofiche permeano le nature morte di K. S. Petrova-Vodkina. Nel 20 ° secolo nel genere della natura morta, P. Picasso, UN. Matisse, D.Morandi. In Russia, i più grandi maestri di questo genere erano M.S. Saryan, P.V. Kuznetsov, A. M. Gerasimov, V. F. Stozharov e altri.
Ruggero Fenton. Frutta. 1860 Graham Clarke. Il fotografo. Oxford, 1997
L'enciclopedia fotografica di Fred e Gloria McDurr definisce la parola "natura morta" come segue: Termine generale per fotografie di oggetti, prodotti e beni inanimati, spesso per uso pubblicitario. Quando piccoli oggetti vengono posizionati sulla superficie di un tavolo, la fotografia di natura morta viene talvolta definita fotografia "table top". Fatta eccezione per l'ultima precisazione, questa definizione corrisponde pienamente a ciò che viene utilizzato in relazione alla pittura. È interessante notare che il termine stesso è apparso molto più tardi dell'immagine e si riferisce all'inizio del XIX secolo. La combinazione francese nature morte (natura morta o mortificata) differisce dall'inglese still life e dal tedesco stilleben (calma, vita tranquilla) non solo nell'ortografia, ma anche nel significato. In Olanda non esisteva un termine unico: ogni specializzazione (colazioni, mazzi di fiori, nature morte di pesci) aveva il suo nome.
Gli oggetti inanimati sono presenti nelle opere d'arte fin dal Paleolitico. In momenti diversi viene loro assegnato il proprio ruolo e significato. Le opere di Hans Holbein, Caravaggio o Jan Vermeer non sono nature morte, ma nelle loro opere gli viene assegnato un posto speciale sia artisticamente che in termini di significato. La natura morta è emersa come genere indipendente solo nel XVII secolo.
La fotografia, che dalla pittura ha mutuato quasi tutti i generi, non ha fatto eccezione per la natura morta. Come dimostra la storia della fotografia, è stata la natura morta quella che si è rivelata la meno rappresentata nell'arte fotografica, anche se questa storia in realtà è iniziata con essa. Tra i primi esperimenti eliografici di Nicephore Niepce c'era una natura morta, composta da una bottiglia, un coltello, un cucchiaio, una scodella e una pagnotta adagiata su un tavolo. Hippolyte Bayard nel 1839 realizzò una composizione da calchi in gesso, Jacques-Louis Daguerre realizzò diverse nature morte con calchi in gesso, piccole sculture, dipinti e frammenti di antichi fregi, Henry Fox Talbot - con conchiglie e fossili. Vale la pena notare che nature morte con attributi d'arte sono state trovate anche nel dipinto di Jean Baptiste Chardin.
I fotografi ripetevano spesso la composizione e utilizzavano gli stessi soggetti degli artisti. L'affermazione di Henry Fox Talbot secondo cui "la scuola di pittura olandese funge da fonte autorevole per la rappresentazione di oggetti della vita quotidiana e quotidiana" non sembra essere passata inosservata, come evidenziato, ad esempio, dalle opere di Roger Fenton, William Lake Prezzo e Drew Diamond. Gli oggetti principali di tali nature morte erano fiori, frutti o selvaggina morta. In Francia, l'opera di Adolphe Braun era simile alla versione fotografica dell'opera di Jean-Baptiste Oudry, un famoso pittore di corte del XIX secolo della caccia reale di Luigi XV.
Le nature morte venivano solitamente girate in interni, ma c'erano delle eccezioni. A causa della scarsa sensibilità alla luce dei primi materiali fotografici, un certo numero di fotografi preferiva lavorare in giardino o in giardino. Veniva utilizzato qualsiasi materiale improvvisato (scale, rastrelli, carriole, secchi, ecc.), che spesso veniva mescolato con oggetti domestici portati, fiori freschi, alberi affiancati a oggetti inanimati. Tali, ad esempio, sono le nature morte di Louis-Remy Robert, Hippolyte Bayard e Richard Jones.
Nature morte fotografiche sul tema della Vanitas (lat. "fantasma", "vanità"), il cui attributo integrale è il teschio, compaiono a metà del XIX secolo, ad esempio, da Louis Jules Duboc-Soleil, e da di tanto in tanto compaiono nel 20° secolo: Alfred Stieglitz, Irvin Penn, Robert Mapplethorpe e altri.
All'inizio del XX secolo, la fotografia era alla ricerca di nuovi modi e oggetti per incarnare il genere della natura morta. Catturare semplicemente gli oggetti disposti insieme non è più sufficiente. Angoli complicati, primi piani, fotogrammi, passione per la forma e la trama dell'oggetto: tutto ciò conferisce un nuovo aspetto al vecchio genere. La gamma di oggetti si amplia: insieme a cose banali di tutti i giorni come forchette o bicchieri, compaiono oggetti industriali (utensili, parti di macchine e macchine utensili). Alfred Renger-Patch, Alexander Rodchenko, Andre Kertets, Edward Steichen, Boris Ignatovich, Arkady Shaikhet, i fotografi del Bauhaus, Edward Weston, William Underhill e altri erano impegnati in ricerche simili.
Il mondo delle cose ordinarie rifiorisce a metà del secolo con le nature morte di Josef Sudek. La morbida luce diffusa conferisce a un normale fiore in un bicchiere un'atmosfera lirico-malinconica.
Nella seconda metà del secolo scorso, la natura morta è sempre più richiesta nel settore pubblicitario. La felice unione di commercio e arte si incarna nelle nature morte di Irwin Pena. Classico, elegante, ironico, ma sempre semplice e sofisticato. Grazie a questo maestro, per la prima volta nel 1944, la copertina di una rivista di moda fu decorata con uno still life fotografico.
Tra i fotografi russi della seconda metà del XX secolo che hanno lavorato in questo genere, un posto speciale appartiene a Boris Smelov. Le sue classiche nature morte della vecchia vita quotidiana di San Pietroburgo si distinguevano per la loro composizione perfetta e la tecnica impeccabile. Joel-Peter Witkin è un maestro insuperabile della natura morta "scioccante". Traduzione dal francese "natura morta" in questo caso riflette accuratamente le passioni dell'autore - varie parti corpo umano da soli ("Torso") o incorniciati da fiori e frutti ("Testa di donna", "Festa dei folli", ecc.).
In termini quantitativi, la natura morta fotografica è molto inferiore ad altri generi, comparendo solo occasionalmente nell'opera di uno o di un altro autore. Sfogliando libri di storia della fotografia e cataloghi di collezioni maggiori musei, la possibilità di trovare una sezione separata dedicata alla natura morta è quasi nulla.
lavoro di laurea
1. La storia dello sviluppo della natura morta
Nelle arti visive, una natura morta (dal francese natur morte - "natura morta") è solitamente chiamata l'immagine di oggetti inanimati combinati in un unico gruppo compositivo. Per molti, tedesco o Versione inglese denominazioni natura morta e ancora leben (vita tranquilla). In olandese, la designazione di questo genere suona come stilleven, cioè "vita tranquilla", secondo molti artisti e storici dell'arte, questa è l'espressione più accurata dell'essenza del genere, ma tale è la forza della tradizione che “natura morta” è un nome noto e radicato. Una natura morta può avere sia un significato indipendente che essere parte integrale composizioni pittura di genere. La natura morta esprime il rapporto dell'uomo con il mondo che lo circonda. Rivela la comprensione del bello, che è insita nell'artista come uomo del suo tempo.
La natura morta, come genere indipendente, sorse nelle Fiandre e in Olanda a cavallo tra il XVI e il XVII secolo, raggiungendo rapidamente una straordinaria perfezione nel trasmettere la diversità degli oggetti del mondo materiale. Il processo per diventare una natura morta procedeva più o meno allo stesso modo in molti paesi. Europa occidentale. Ma se prendiamo insieme la storia dell'arte, la prima fase nello sviluppo della natura morta si riferisce al periodo paleolitico. Esistono due tecniche principali utilizzate dagli artisti antichi: il naturalismo e l'ornamentale. Quindi queste due correnti iniziano a convergere sempre di più e appare una natura morta "semi-cosciente", un'immagine delle singole parti di un oggetto. Un vero oggetto intero può essere trovato solo nell'età del bronzo. Questa seconda fase nello sviluppo della natura morta riceve il suo massimo splendore nell'arte dell'Egitto. Gli oggetti sono sempre raffigurati isolati l'uno dall'altro. Viene introdotto per la prima volta il motivo di un fiore, il tema delle piante recise. La correlazione delle proporzioni appare nelle opere d'arte dell'Egeo. Gli oggetti sono raffigurati in tre quarti disposti in gruppi. Le tradizioni della pittura egea trovarono la loro continuazione nella cultura greca. Possiamo giudicare questo genere di belle arti dai vasi. Gli oggetti non sono più sospesi nell'aria, ma hanno i loro " luogo reale"nello spazio: uno scudo appoggiato a un albero, un mantello gettato su un ramo - la cosiddetta natura morta "sospesa". anche in scene scolastiche spesso viene raffigurata una natura morta "musicale". Si può distinguere un altro tipo di natura morta greca: "antica". Gli artisti creano immagini di officine: pezzi di statue, una sega, un martello, tavole da disegno. È quasi impossibile trovare immagini di fiori e animali sui vasi greci.
Nell'arte medievale, a seguito della frammentazione della composizione, della divisione della tela pittorica in registri peculiari, il soggetto diventa un attributo e non un oggetto dell'immagine. Anche l'ornamento continua a svolgere un ruolo importante, particolarmente utilizzato attivamente nelle vetrate delle cattedrali cattoliche. L'arte severa, intensamente ascetica di Bisanzio, creando immagini immortali, monumentali-generalizzate, sublimemente eroiche, utilizzava immagini di singoli oggetti con straordinaria espressività.
Nell'antica pittura di icone russe, anche quei pochi oggetti che l'artista ha introdotto nelle sue opere strettamente canoniche hanno svolto un ruolo importante. Portavano spontaneità, vitalità, a volte sembravano un'espressione aperta di sentimenti in un'opera dedicata a una trama mitologica astratta.
La natura morta ha svolto un ruolo ancora più importante nei dipinti degli artisti del XV-XVI secolo durante il Rinascimento. Il pittore che per primo disegnò molta attenzione sul mondo che lo circonda, ha cercato di indicare il luogo, di determinare il valore di ogni cosa che serve a una persona. Gli articoli per la casa acquisirono la nobiltà e l'orgoglioso significato del loro proprietario, quello che servivano. Su grandi tele, la natura morta occupava solitamente un posto molto modesto: un vaso di vetro con acqua, un elegante vaso d'argento o delicati gigli bianchi su steli sottili spesso rannicchiati nell'angolo del quadro. Tuttavia, nella rappresentazione di queste cose c'era così tanto amore poetico per la natura, il loro significato è così altamente spiritualizzato che qui puoi già vedere tutte le caratteristiche che in seguito determinarono sviluppo indipendente tutto il genere.
Gli oggetti, un elemento materiale, hanno ricevuto un nuovo significato nei dipinti del XVII secolo, nell'era del genere sviluppato della natura morta. In composizioni complesse con una trama letteraria, hanno preso il loro posto insieme ad altri eroi dell'opera. Analizzando le opere di questo periodo, si può vedere quale ruolo importante abbia iniziato a svolgere la natura morta nel quadro. Le cose iniziarono ad apparire in queste opere come i personaggi principali, mostrando ciò che un artista può ottenere dedicando la sua abilità a questo tipo di arte.
Gli oggetti realizzati da mani abili, operose, sapienti portano l'impronta dei pensieri, dei desideri e delle inclinazioni di una persona. Lo servono, lo deliziano, ispirano un legittimo senso di orgoglio. Non c'è da stupirsi che apprendiamo di epoche che sono scomparse da tempo dalla faccia della terra da quei frammenti di piatti, utensili domestici e oggetti rituali che diventano per gli archeologi pagine sparse della storia dell'umanità.
scrutando il mondo, penetrando con mente curiosa nelle sue leggi, svelando gli affascinanti misteri della vita, l'artista lo riflette sempre più pienamente e multilateralmente nella sua arte. Non solo raffigura il mondo che lo circonda, ma trasmette anche la sua comprensione, il suo atteggiamento nei confronti della realtà.
La storia della formazione e dello sviluppo di vari generi di pittura è una testimonianza vivente di un lavoro instancabile coscienza umana sforzandosi di abbracciare l'infinita varietà di attività, di comprenderla esteticamente. Il genere della natura morta era particolarmente pronunciato in Pittura olandese protorinascimentale. Fa ancora parte degli interni, ma allo stesso tempo, l'amore per i dettagli degli artisti crea stupefacenti piccole nature morte: piatti, un tavolo da lavoro, scarpe appoggiate sul pavimento. Tutto questo è raffigurato con lo stesso amore delle figure di persone e santi. In Italia la natura morta emerge dal paesaggio. In futuro, l'oggetto riceve una sorta di attività indipendente, diventa un partecipante all'azione. A partire dal protorinascimento, il mondo oggettivo è diventato sempre più realistico, a volte quasi tangibile. Smette di essere una finzione, ma diventa la vita di tutti i giorni. Nel XVI secolo, gli artisti del Rinascimento settentrionale iniziarono a esporre oggetti, strappandone le coperture (ad esempio, la pelle degli animali).
La natura morta è un genere relativamente giovane. Ha ricevuto un significato indipendente in Europa solo nel XVII secolo. La storia dello sviluppo della natura morta è interessante e istruttiva. La natura morta fiorì in modo particolarmente pieno e vivido nelle Fiandre e nei Paesi Bassi. La natura morta prende finalmente forma come genere pittorico indipendente. La sua comparsa è legata a quegli eventi storici rivoluzionari, a seguito dei quali questi paesi, ottenuta l'indipendenza, all'inizio del XVII secolo, intrapresero la via dello sviluppo borghese. Per l'Europa in quel momento, questo era un fenomeno importante e progressivo. Nuovi orizzonti si aprivano davanti all'arte. Condizioni storiche, nuove relazioni sociali hanno diretto e determinato esigenze creative, cambiamenti nella risoluzione dei problemi che il pittore deve affrontare. senza rappresentare direttamente eventi storici, gli artisti hanno dato uno sguardo nuovo al mondo, hanno trovato nuovi valori nell'uomo. La vita si presentava abitualmente davanti a loro con un significato e una pienezza fino ad allora sconosciuti. Erano attratti dalle peculiarità della vita nazionale, natura nativa, cose che conservano l'impronta delle fatiche e dei giorni persone normali. Fu da qui, da un consapevole, approfondito, sollecitato interesse per la vita delle persone dal sistema stesso, che nacquero generi separati e indipendenti. quadri domestici, paesaggio, emerse e nature morte.
L'arte della natura morta, sviluppatasi nel XVII secolo, determinò le principali qualità di questo genere. Pittura, dedicato al mondo cose, ha parlato delle proprietà di base inerenti agli oggetti che circondano una persona, ha rivelato l'atteggiamento dell'artista e del contemporaneo nei confronti di ciò che è raffigurato, ha espresso la natura e la completezza della conoscenza della realtà. Il pittore ha trasmesso l'esistenza materiale delle cose, il loro volume, peso, consistenza, colore, valore funzionale degli oggetti domestici, la loro connessione vivente con l'attività umana. La bellezza e la perfezione degli utensili domestici erano determinate non solo dalla loro necessità, ma anche dall'abilità del loro creatore. La natura morta dell'era rivoluzionaria della borghesia vittoriosa rifletteva il rispetto dell'artista per le nuove forme vita nazionale compatrioti, rispetto per il lavoro.
Formulato nel 17 ° secolo, i compiti del genere in in termini generali esisteva nella scuola europea fino a metà del diciannovesimo secolo. Tuttavia, ciò non significa che gli artisti non si siano posti nuovi compiti, ripetendo meccanicamente soluzioni già pronte.
Nel corso delle epoche sono cambiati non solo i metodi e i modi di dipingere una natura morta, ma l'esperienza artistica si è accumulata, nel processo di formazione si è sviluppata una visione del mondo più complessa e costantemente arricchente.
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La natura morta come genere non si distinse immediatamente, per molto tempo dipinti raffiguranti fiori e oggetti per la casa erano usati come aggiunta di cornice ad altre tele, così come decorazione su ante di mobili. I primi dipinti indipendenti apparvero intorno al XVII secolo. Quindi le immagini degli oggetti iniziarono ad essere usate come allegorie e ogni oggetto aveva un significato simbolico aggiuntivo. Successivamente, la natura morta divenne popolare tra gli artisti, ma fu considerata un genere inferiore.
Esistono diversi tipi di natura morta, una delle prime e più comuni è la natura morta dei fiori, la successiva più popolare è la natura morta della tavola servita. La natura morta simbolica continua ad esistere. un'altra vista che è apparsa relativamente di recente è una natura morta astratta, in questo stile gli oggetti non sono rappresentati in modo realistico, le forme sono abbozzate ei colori sono privi di transizioni fluide.
Se ti piace disegnare, probabilmente hai realizzato molti disegni e dipinti di questo genere. Per disegnare una natura morta, non è necessario dedicare tempo e fatica alla ricerca di oggetti interessanti per disegnare, puoi sempre disegnare buona composizione oggetti sempre a portata di mano. Usa il drappeggio come sfondo, un piccolo pezzo di tessuto va bene. Disponi gli oggetti in modo da ottenere diversi piani, ricorda che gli oggetti grande taglia dovrebbero essere sullo sfondo ed essere quelli più piccoli. Metti un'ulteriore fonte di colore laterale, questo aggiungerà volume agli oggetti. Esercizi regolari con tali produzioni ti permetteranno di affinare le tue capacità di disegno.
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Fonti:
- Composizione in natura morta
- Cos'è la natura morta
Bene natura morta nasce molto prima che tu prenda in mano vernice e pennello. Il successo dipende da come scegli gli oggetti che disegnerai e da come li disporrai nello spazio.
Istruzione
Pensa a un tema di natura morta. Certo, puoi mettere tutti gli oggetti sul tavolo contemporaneamente, ma i componenti uniti da una storia, indovinati dalla personalità del loro proprietario, o almeno stilisticamente, sembreranno molto più logici.
Ordina tutti i componenti per forma. È auspicabile che sia vario: trova oggetti alti e bassi, larghi e stretti. Altrimenti, la monotonia delle forme nell'immagine porterà al fatto che tutto si mescolerà in un'unica massa e gli oggetti semplicemente “cadranno fuori” dal campo visivo.
Assicurati che non sia composto da prodotti e cose che non corrispondono a colori. Se trovi difficile determinarlo a occhio, usa la ruota dei colori. Inserisci un triangolo equilatero in esso. I suoi angoli indicheranno tre colori primari che si sposano bene tra loro. Come colori aggiuntivi, puoi prendere sfumature che si trovano ai lati di quelle principali.
Scegli lo sfondo giusto. Puoi stendere una natura morta su un panneggio o su una superficie scoperta. È importante che sia di colore neutro (se le sfumature degli oggetti sono sature) o combinato con l'intera composizione. In ogni caso, lo sfondo non dovrebbe fare la parte del leone nell'attenzione dello spettatore.
Cos'è la natura morta?
La natura morta è un genere di pittura che raffigura la natura inanimata. Il genere ha avuto origine nel XVII secolo.
La natura morta è principalmente sorprendente e interessante perché fa vedere alle persone la bellezza e l'armonia nelle cose quotidiane e noiose che ci circondano tutto il tempo, ma non attirano la nostra attenzione su se stesse.
Il genere non è così semplice come sembra a prima vista: nella maggior parte di questi dipinti, gli artisti usano l'allegoria: cercano di dire alla gente qualcosa di importante attraverso un certo insieme di oggetti, la loro disposizione, i colori scelti, la composizione complessiva, per trasmettere ciò che li preoccupa, per raccontare i loro sentimenti e pensieri.
Nonostante la cupa traduzione "natura morta", le tele sono spesso piene di colori vivaci, deliziano lo spettatore con la loro originalità e stranezza, risvegliano il desiderio di vivere e ammirare il mondo che li circonda, di vederne la bellezza.
Esistono molti tipi e sottospecie di natura morta, ad esempio trama tematica, creativa, educativa e creativa, educativa. Sono inoltre suddivisi in base ai colori utilizzati, illuminazione, colore, tempo di esecuzione, luogo, ecc.
I fondatori della natura morta come genere indipendente furono gli olandesi e artisti fiamminghi. Inizialmente, i dipinti apparivano in uso religioso. Anche nell'era dell'origine del genere, si diffusero dipinti di natura cupa con un profondo significato filosofico e toni scuri, al centro della composizione, che erano teschi, candele e alcuni altri attributi. Poi, sviluppandosi gradualmente, il genere ha assorbito sempre più nuove direzioni e più e più volte è diventato sempre più diffuso in tutti gli ambienti della società. Fiori, libri, frutta e verdura, frutti di mare, piatti e altri articoli per la casa: tutto si riflette nell'arte. Alcuni dei più famosi pittori di nature morte furono Ambrosius Baschart, Miguel Parra, Jan Brueghel, Joseph Launer, Severin Rosen, Edward Ladell, Jan Davids de Heem, Willem van Aelst, Cornelis Briese.
Cézanne, Paolo. Natura morta con melograno e pere. 1885-1890 
Cézanne, Paolo. Natura morta con mele e arance. 1895-1900
In Russia, il genere è nato all'inizio del XVIII secolo, ma nessuno era seriamente impegnato in questo, era considerato un genere "inferiore". All'inizio del XX secolo, la pittura di nature morte raggiunse il suo apice; gli artisti hanno creato i loro capolavori, si sono posti nuovi compiti e hanno raggiunto livelli indicibili di maestria, hanno utilizzato tecniche insolite, selezionato nuove immagini. La natura morta russa, a differenza di quella occidentale, non si è sviluppata gradualmente, ma a un ritmo accelerato. Creando in questo genere, artisti russi come K. Petrov-Vodkin, I. Levitan, I.F. Khrutsky, V. Nesterenko, I.E. Grabar, M. Saryan, A. Osmerkin, P.P. Konchalovsky, S.E. Zakharov, S.I. Osipov e molti altri.
I. Levitano 
I. Levitano
Nella pittura moderna, la natura morta sta subendo una nuova impennata e ora occupa saldamente un posto a tutti gli effetti tra gli altri generi di belle arti. Ora è una delle direzioni più ricercate nella pittura. Avendo un numero enorme di opportunità di autorealizzazione nella creatività, gli artisti dipingono un'ampia varietà di nature morte. E gli spettatori, a loro volta, acquistano dipinti, decorano i loro interni con loro, ravvivano la loro casa e le portano conforto e gioia. I musei vengono costantemente riforniti di nature morte, sempre più nuove mostre si stanno aprendo in varie città e paesi, a cui arrivano folle di spettatori interessati all'arte. Diversi secoli dopo, dopo aver superato un lungo percorso di sviluppo a tutti gli effetti, la natura morta è ancora rilevante e non ha perso il suo significato nella pittura mondiale.
