인상주의의 개념과 그 기원의 역사. 학교 백과 사전 인상파 운동이 처음으로 나타났습니다.

인상주의(인상주의, 프렌치 인상 - 인상)은 1860년대 프랑스에서 시작된 회화의 한 방향이다. 19세기 예술의 발전을 크게 결정했습니다. 이 경향의 중심 인물은 Cezanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir 및 Sisley였으며 각각의 발전에 대한 기여는 독특합니다. 인상파는 고전주의, 낭만주의 및 학계의 관습에 반대하고 일상 현실의 아름다움, 단순하고 민주적 인 동기를 주장하고 이미지의 생생한 진정성을 달성했으며 특정 순간에 눈이 보는 것의 "인상"을 포착하려고 노력했습니다.

인상파의 가장 전형적인 주제는 풍경이지만, 그들은 또한 그들의 작업에서 다른 많은 주제를 다루었습니다. 예를 들어 드가는 인종, 발레리나, 빨래방을 묘사한 반면 르누아르는 매력적인 여성과 어린이를 묘사했습니다. 야외에서 만들어진 인상주의적 풍경에서 단순하고 일상적인 모티프는 종종 그림에 축제의 느낌을 가져다주는 모든 곳에 스며드는 무빙 라이트에 의해 변형됩니다. 구성과 공간을 구성하는 인상파의 일부 방법에서는 일본 조각과 부분적으로 사진의 영향이 눈에 띕니다. 인상파는 최초의 다면적인 그림을 만들었습니다. 일상 생활현대 도시는 풍경의 독창성과 그곳에 거주하는 사람들의 모습, 삶의 방식, 일, 오락을 포착했습니다.

인상파는 예리한 것을 만지려고하지 않았습니다. 사회적 문제, 철학 또는 창의력에 충격, 주변 일상 생활의 인상을 다양한 방식으로 표현하는 데에만 집중합니다. "순간을 보고" 기분을 반영하기 위한 노력으로.

이름 " 인상주의" 모네의 그림 "인상. 떠오르는 태양"(1872; 이 그림은 1985년 파리의 마르모탕 박물관에서 도난당했으며 현재 인터폴 명단에 올라 있습니다.)

1876년에서 1886년 사이에 7회 이상의 인상파 전시회가 열렸습니다. 후자의 끝에서 Monet만이 인상주의의 이상을 계속 엄격하게 따랐습니다. "인상파"는 프랑스 인상주의의 영향을 받아 그림을 그린 프랑스 이외 지역의 예술가(예: 영국인 F. W. Steer)라고도 불립니다.

인상파 예술가

유명한 인상파 그림:

에드가 드가

클로드 모네

IMPRESSIONISM (프랑스 impressio-n-nisme, 인상 - vpe-chat-le-tion에서) - is-kus-st-ve의 on-right-le-tion (삶의 모든 것의 pre-zh-de -pi-si ) 19세기의 다음 3분의 1에서 20세기의 1분기.

Rise-nick-but-ve-nie ter-mi-in 최초의 you-stav-coy 프랑스 hu-doge-no-kov-edi-but-mouse-len-ni-kov(“Ano- nim-noe coo-pe-ra-tiv-noe community-of-st-vo hu-doge-ni-kov ...”), 1874년 파리의 아틀리에 G. Na-da-ra에서 통과되었습니다. K. Mo-ne이 제시 한 그림 중 하나 ( "Vpe-chat-le-nie. Sunrise", 1873 년 봄 Gav-re의 on-pi-sa-na, 현재 - Musee Mar에는 없음) -mot-tan, Paris) yes-la-water cri-ti-ku L. Le-roy 잡지 "Le Charivari"에서 개요 기사 "You-stav-ka-im-press-sio-ni- 스토브”. action-st-vi-tel-no-sti에 대한 spo-so-ba-예술적 지식의 의미에서 Sa-mo-word "vpe-chat-le-nie"는 -sya 및 이전 버전을 충족합니다. 이 in-nya-ti -em은 시인 Ch. T. Russo, Sh.F. Do-bi-ny (이미 1860 년대에 "학교 vpe-chat-le-ny 학교장"의 cri-ti-ka na-zy-va-la), E. Mane. 내 생각에 Mono는 L.E. Bu-den, A. Guy-au-men, E. De-gas, G. Kai-bott, M. Cassette, B. Mo-ri-zo, C. Pis-sar-ro, O. Renu- ar, A. Sis-ley, P. Se-zann, P. Gauguin 등

live-wee-si의 인상주의 역사에 대한 조건은 다음 기간으로 분류될 수 있습니다. 인종적 색채와 새로운 예술을 위한 투쟁 - 1870년대("계급-시-체-인상주의" 시대); na-chi-nayu-shche-go-sya kri-zi-sa (1880년대); 늦은 - 1890년대부터 1920년대까지. 인상주의의 노바션은 시력의 광학 및 생리학 분야에서 발견할 준비가 되어 있을 것입니다. 업투풀톤 분야의 De-lac-rua의 예술, bar-bi-zone 학교의 Pei-zazh-noy live-in-pee-sue K. Ko-ro와 ma-te-ditch, pho-to-graphics 영역의 us-pe-ha-mi. E. Mane (1860 년대 말부터), 젊은 hu-dozh-ni-kov에 큰 영향을 미치는 eye-manager shim ( 인상파 전시회, Man 자신이 그들에게 경의를 표했습니다-Sio-ni-stic ma-not-re 쓰기), 영국 예술에 대한 친숙 함 (W. Turner, R. Bo-n-ton, J. Con-stable) 1870-1871년(K. Mo-ne 및 K. Pis-sar-ro의 Lon-do-not에서 사전 by-va-niya 동안) 및 ev-ro-pei-tsami의 "발견" 일본 미술 19세기 중반세기. 분위기와 자연 환경의 상태에 대한 "즉각적인 정맥"을 포착하려는 욕구는 이미 소위 조명이 켜진 크리에이티브 체스트 베 마스터 도랑에서 알 수 있습니다. pre-dim-press-sio-niz-ma (E. Bu-den, J. Jon-gkind, F. Basil), 인상주의의 틀 안에서만 이러한 장치는 전체 예술 시스템으로 변형되었습니다. va-tel 이전에 가장 bole-after-before-va-tel-하지만이 시스템-the-we-we를 우리의 창의적인 가슴 ve K. Mo-ne에 유지하십시오. 다른 유럽 (러시아 포함) 및 미국 hu-doge-ni-kov-im-press-sio-ni-stov의 작품에서 인상주의의 다양한 기술 on-ho-di- 각각의 경우에 없음- second-ri-mo-in-di-vi-du-al-ny inter-pre-ta-tion.

Im-press-sio-ni-sta는 all-to-theo-re-ti-zi-ro-va-nia의 no-ka-mi에 대한 prin-qi-pi-al-ny-mi가 될 것입니다. 인상주의 이론은 20세기 초에야 생겨났으며, 그것은 이 니아의 거장들의 예술적 발견, 이해할 수 없는 다른 마우스-레-니에 내재된 인상주의에 기반을 두고 있었습니다. 인상주의의 근간에는 세계를 일종의 "움직이는 물질"(B.A. Zer-nov)로 보는 비전통적 관점이 있었습니다. - 이동성 및 from-men-chi-insti, 즉 임의의 상황, 움직임, 자연 상태의 "instantly-ven-no-sti"로 전 세계를 비행합니다. Im-press-sio-ni-stam은 sfor-mu-li-ro-van-noe E. Zo-la in-no-ma-nie pro-of-ve-de-niya 예술에 "코너의 the world-ro-building, see-den-no-go through temp-pe-ra-ment”(즉, 주관적인 pre-lom-le-nii hu-dozh -Nika에서); 그들은 "mic-ro-kos-me"one-nothing-no-go about-from-ve-de-niya not-ras-tor-zhi-muyu 연결 at-ro -dy에서 ot-ra-zit에 노력했습니다. 및 che-lo-ve-ka, in-di-vi-duu-ma 및 ok-ru-zhayu-schey 환경.

회화의 인상주의

프랑스 인상파 co-ver-sha-moose가 여러 on-right-le-ni-yah에서 live-in-pee-si의 aka-de-micic can-no-news 개발: all-to- ro-da, te-ra-tour-no-sti, "plot-no-sti", mo-ra-li-zi-ro-vania, own- st-ven-nyh sa-lon-no -mu is-kus-st-vu of that time-me-ni, from-is-kov from-vle-chen-noy "ra-fa-elevsky" 후기 프랑스 계급의 아름다움-si-cis-ma(J.O.D. 앵그르와 그의 애프터-비포-바-테-리), 낭만주의 예술의 -no-sti와 pa-fo-sa, 그리고 for-ost-ryon-no-go so-chi- al-no-go real-liz-ma G. Kur-be. 드문 예외를 위해 인상주의 예술은 대략 ra-sche-하지만 현재까지: 그것은 pre-ob-la-da-yut the-we-go-ro-yes, "cha-st-noy" 생활(일상,휴식,오락), 전원풍경의 아름다움. 인상주의는 장르의 ie-rar-chia와 port-re-tom, port-re-ta with landscape 또는 in-ter-e-rum 등의 특별한 ci-fi-ke ra에 대한 모든 전통적인 아이디어를 파괴했습니다. ), 성 우물과 같은 누구에 의해 전체 잃어버린 구조-tu-re ob-ra-call에 대해. 인상주의의 life-in-pee-si에서 다음은 fragment-men-ta on-tu-ry, word-but see로 car-ty-ny를 위한 것입니다. -den-no-go in the window-no (또는 예, op-re-de-lenyu E. Deha에 따르면 "오줌-잘-zhe-well을 통해 under-look-ren-no-go") ). 사진 im-press-sio-ni-stov ha-rak-ter-na 프레임의 "주어진 것이 없음", 이미지-브라-동일- niya (from-day-st-vie-central-system-te-we-re-call 및 static, single-st-ven-noy 관점), 일반적이지 않은 품질 bi-rai-my ra -코스, 구성 축의 변위, -me-tov 및 fi-gur ra-my car-ti-ny 이전의 구성 요소의 "자유 보장" 섹션.

100 yan-하지만 변화하는 sya의 life-in-pee-si에서 pe-chat-flying을 위해 노력합니다 (os-ve-sch-niya의 to-vi-si-mo-sti로 인해) 아름다운 raz-no -ob-ra-zie vi-di-mo-go mi-ra with-ve-lo im-press-sio-n-stov (ex-key-chen-em E. De-ha용) co-lo-ri-istic re-form-me - from-ka-zu에서 복잡한(혼합) 뉴스로, 시간 -lo-nium을 순수한 스펙트럼 색상으로, 별도의 번짐이 있는 캔버스에, 일부는 선택해야 합니다. -ti- che-ski mix-shi-va-sya 시청자-te-la의 눈에. 인상주의의 life-in-pee-si의 색상은 그에게 이전 av-to-no-miya, from-de-le- pre-me-ta의 niya, light-of-the-rows의 yav-la-et-sya but-si-te-lem, pro-no-za-vayu-shchih 모든 것을 같은 방식으로 -tion. Ple-ner pre-la-ha-et-light-to-the-no, color-to-out-of-no-necks 및 re-re-ho-dov의 그라데이션의 미묘함, 조심스럽게 raz-ra-bot -ku sis-te-we va-le-ditch.

인상주의의 오줌싸개에서 조형적 온차라의 os-lab-le-tion은 모의 형태로 빛과 어둠을 연출하는 pro-ti-in-staging에 대한 거부와 연결된다. -ob-ra-zuyu-go fak-to-ra. 빛이 되고 있지만 전체 이미지 구조의 가장 중요한 구성 요소 인 인상파의 삶의 거의 주요 "영웅"입니다. 밝은 태양빛은 색의 소리를 증폭시키지 않지만, 당신은 빛을 발산하여 그림자에서 벗어나게 합니다. Te-no ut-ra-chi-va-yut not-about-no-tsae-bridge and black-but-that, being-but-blooming color-us and transparent-us; 그림자에서 색상은 te-rya-ems light-si-lu이며 스펙트럼의 전체 전체 then-on-mi-ho-lod-ny 부분으로 풍부합니다. zhi-vo-pi-si im-press-sio-ni-stov에서 1870년대 이후 Na-chi-naya는 거의 windows-cha-tel-이지만 from-gna-na ah-ro-ma-ti-che-sky 색상 (검은색, 회색 및 열린 흰색), ko-lo-rit ple-ner-nyh 그림 os-no-van on co-pos-tav-le-ni-yah 따뜻하고 차가운 스펙트럼 색상, 그들은 “ pro-country-st- ven-no-go "color-ta - 물, no-ba, ob-la-kov, tu-ma-na, air-du-ha, in -lu-tea-chewing ok-ra-sku는 races-se-yan-no-go 및 from-ra-wives-no-go sun-no-no-go light로 인해 발생합니다. Us-lie-non-live-in-writing-no-th-language, os-ve-shche-tion 및 color- vyh ref-leks-owls의 re-re-da-che 효과에 주의를 기울이십시오. -yes de-ma-te-ria-li-za-tion of the subject-met-no-go world-ra, ut-ra-them to them no-sti, mutually-pro-nick-but-ve-niyu iso-bra-zhe-niya의 요소. pr-ro-de에서 작업하는 과정에서 발견 된 이러한 트릭, 우리는 곧 풍경뿐만 아니라 -noy live-in-pee-si에서 pol-zo-vat-sya를 사용하기 시작했습니다. 유사한 sys-te-mu time-ra-ba-you-val E. De-ga, from-ri-tsav-shi 일반적으로 not-about-ho-di-bridge of ra-bo-you on Ple-ne- 답장.

인상주의의 또 다른 노바션 - 전통적인 per-spec-ty-you의 after-before-va-tel-naya "재비전", 비운동 no-go 및 uni-kal-no-go의 거부 center-tra project-tion, pro-ti-vo-re-cha-sche-go es-te-st-ven-no-mu (bi-fo-kal -no-mu 및 from-part of the sphere-ri) -che-sko-mu) pro-country-st-va에 대한 인식; 10-den-tion to for-tu-she-you-va-tion of depth-be-us, strength-le-tion of two-dimensionality; 어떤 경우에는 ak-so-no-met-rii의 사용, 급격히 강화된 direct-my direct-bo-cri-vo-li -ne-noy per-spec-ty-you, later-turning- P. Se-zan-n의 tiv-she-sya를 완전한 시스템-te-mu "per-chain-tiv-noy "per-spec-ti-you로. 유럽 ​​예술의 인간 중심적 개념(인간은 세계 건설의 중심이 아니라 그의 시간 -ti-tsa)에 대한 인상주의의 연속적인 거부는 상당한 정도로 일본 미술과 com-po-zi-tion의 모든 요소의 equal-but-pra-vii에 등장했으며, 주 이미지와 2도 펜노이 de-ta-li와 거의 절반 수준까지 동일합니다. "glos-sche -niya "메인 이미지의 drink-for-we-bo-bo-re-drink, drink-for-mother for a slip-of-the-tu-ma-on 연기; 일반적으로 윤리적 용어로 not-dos-ka-zan-no-sti 및 "silence-cha-ny"입니다.

"single moving-ma-ter-riyu" es-te-st-ven-하지만 ve-lo im-press-sio-ni -stov와 함께-pe-chat-letting을 위해 노력합니다. 일본 gra-vu-ra) 이미지-브라-제-니야 및 fi-si-ruyu-shchih-bo di-na-와 동일한 pre-me에 전념하는 방식으로 시리즈 및 작업 주기 생성 mi-ku 이미지 (im-bra-zhe-tion "that-po-lei", "in-kza-loving "by K. Mo-net, "dancers" by E. Degas, 파리대로의 많은 사람들 등 ), 상호 연결에서 더 변화하는 효과-you os-ve-shche-tion 및 color-no-sti, 이동 im-ma-te-ri-al -noy 빛의 구절 ( "100 ha se-na", "소-보리" 모네). 그러한 세리(또는 순환) 라스크리바의 각각의 라봇은 이미지 브라제모고의 일종의 측면이며, 그들의 코인 쿠업성은 일반적인 for-the-thought-la hu-doge-no-ka의 pre-de-lah에서 전체 lo-st-ny, syn-the-tic 이미지를 만듭니다.

On-cha-lu, 인상주의는 대부분의 평론가와 대중에게 맹렬한 거부감을 불러일으켰습니다. eye-for-li E. Zo-la, S. Mal-lar-me, J.K. Gyu-is-mans, cri-ti-ki T. Du-re, E. Du-ran-ti, G. Geoff-froy, collec-cio-ne-ry P. Du-ran-Ryu-el, G. Kaibotte, J.B. 포어와 V. 쇼케. 시로코고 그들-프레스-시오-니-스타에 대한 인식은 인상주의가 마지막 국면에 접어든 1890년대에 이르러서야 도달하지 못했다. 늦은 인상주의 on-ras-ta-ni-em de-ko-ra-tiv-nyh ten-den-tions (근대 시대의 예술에 공통), 모든 것이 고통입니다 -shay iso-shren-no -tin-kov 및 to-full 톤의 co-lo-ristic 게임의 styu, 특이한 color-vi-de-no-eat (1890 년대 후반의 drink-for-zhi E. De-gas)가있는 무리에서 , K. Mon-ne의 "pla-ku-chih 버드 나무"시리즈, O. Re-noy -ra 등의 후기 생애 저술), ak-tsen-ti-ro-va-ni-em sa- mo-tsen-no-sti in-di-vi-du-al-noy hu-artistic ma-ne-ry, “lich -but-st-no-go "스타일.

이 몇 년 동안 예술에서 새로운 방향이 이미 승인되었지만 인상주의 혁신의 영향은 어떤 식 으로든 re is-py-ta-li 많은 hu-doge-ni-ki of French sa-lon-no- go art, post-im-press-sio-niz-ma 및 초기 유럽의 avant-gar-dis-ma. 따라서 색상의 광학적 혼합 원리는 neo-im-press-sio-niz-ma(di-visio-niz-ma) 이론의 기초를 형성했습니다. co-che-ta-nii에서 "순수한 색상"을 사용한 라이프 라이팅, 색상의 암시적 기능(그에게 감정과 암시의 힘 제공) -na V. Van Go-gom, P. Go-ge-nom, mas-te-ra-mi fo-vis-ma 및 "na-bi" 그룹 및 ab-st-rak-tsio-niz -엄마.

동시에 프랑스의 pre-de-la-mi 뒤에서 인상주의의 영향은 개별 기술의-im-st-in-va-nii에서 나타났습니다 (ef-fek-you ple-ne -riz- ma, you-light-le-ne-pa-lit-ry, es-kiz-nost 및 life-in-pis-noy ma-ne-ry의 자유), in a-ra-schenii to the modern te -ma-ti-ke - creation-che-st-ve hu-dozh-ni-kov Ve-li-ko-bri-ta-nii (W. Sikkert, W. Steer), Ger -mania (M. Lie-ber-man, L. Ko-rint, M. Sle-vogt), 이탈리아(J. De Nit-tis), Nor-ve-gie(F. Tau-lov), 폴란드(L. Vy-chul- kovsky), 미국 (M. Cassett, M. Pre-der-gast, T. Robin-son, J.S. Sard-zhent, J. G. Tu-ok-t-men) 및 기타. 러시아에서는 1880 년대 말부터 I.E. 의 야외에서 인상주의의 영향이 느껴졌습니다. Re-pi-na, V.A. Se-ro-va, I.I. Le-vi-ta-na, V.D. Po-le-no-va, N.N. Dub-bow-th; K.A. Ko-ro-wee-na, I.E. Gra-ba-rya; "im-press-sio-ni-st-sky" pe-ri-od can-but you-de-poor는 러시아 아방가르드의 미래 거장들에게 같은 방식으로 쏟아집니다(K.S Ma-le-vi-cha, M.F. La-rio-no-va, A.D. Dre-vi-na).

“인상주의”라는 용어는 1880-1910년대의 조각에도 적용됩니다. (re-re-re-da-che 순간적인 정맥 이동, 형태의 흐름, on-ro-chi-taya plastic not-over-ver-shen-nost,mutually-mo-de-st- vie sculpt-tu-ry with light); O. Ro-de-na와 E. De-ga(프랑스), M. Rosco(이탈리아), P.P. Tru-bets-ko-go 및 A.S. Go-lub-ki-noy (러시아).

예술의 여파로 삶 속 회화 노인상주의의 프로그래밍 원칙은 다른 예술 예술에 다시 앉기 시작했습니다: muse -ku, li-te-ra-tu-ru, te-atr, ho-reo-gra-fia, ki-no, fo-to-is-kus-st-vo. 그들과 관련하여 "인상주의"라는 용어의 적용은 정확히 조건부이며 os-pa-ri -va-et-sya 부분입니다. .

음악의 인상주의

음악의 인상주의에서 삶의 인상주의의 직접적인 유추를 나타내지 않고 그와 공동 파다 크로노 로기 체 스키를하지 않는 사람 (음악 인상주의 인종의 시간 - 1890 -1900s), 일반적으로 그들은 choo from-men-chi-out-of-tunings, 미묘한 심리적-nu-an-owls, ty-go-te-nie를 윤리적 조경 프로그램 no-sti에 연결합니다(표시용 포함). 파도 소리, 물 위의 빛의 눈부심, 바람, 구름 라코프 등), 작곡가의 높은 in-te-res to bro-howl 및 조화로운 화려 함. But-vis-on-artistic 수단은 구식 예술(zhi-vo-pi-si style-la ro-ko-ko, 프랑스 클랜-ve-si-ni-stov의 mu-zy-ki).

음악적 인상주의의 사전 형식 - zd-not-go F. Lista의 sound-to-pi-si에서 A.P. Bo-ro-de-na, E. Griga, N.A. Rome-ko-go-Kor-sa-ko-va, svo-bo-de go-lo-so-ve-de-niya 및 element-hiy-noy im-pro-vi-for-qi-on-no- sti M.P. Mu-sorg-sko-go. 인상주의는 K. De-bus-si의 작품에서 모든 것을 사전에 프랑스 음악에서 고전적인 표현으로 발견했습니다. M. Ra-ve-la, P. Du-ka, F. Schmitt, J. J. Ro-zhe-Du-ka-sa의 음악에 등장한 악마. 뮤지컬 인상주의 unas-le-do-val 많은 특히-ben-no-sti 후기 ro-man-tiz-ma 및 국가 음악 학교 XIX 세기. 동시에 폭풍우가 치는 pa-te-tik, rel-ef-no-mu te-ma-tiz-mu, 긴장된 cha-go-te-ni-yam hro-ma-ti -che-ski us-loose- 후기 ro-man-ti-kov(특히 ben-no R. Vag-ne-ra)의 nyon-noy to-nal-noy gar-mo-nii im-press-sio -ni-sta pro-ti-vo- pos-ta-vi-emo-tsio-nal-restraint, 간결함 및 men-chi-vost-100-yang-but-vari-and-rue-my mo-ti-vov, dia-to의 인지할 수 없는 여부 -no-ku, 대칭 프렛의 모드 범위(전체 -but-in-go 포함), 투명한 사실 투루. 여러면에서 인상주의의 생성-che-st-in-com-po-zi-to-ditch 모두-ha-ti-lo 음악의 표현 매체, 특히 ben-no sphere -ru gar-mo-nii, dos- tig-shey 큰 uton-chen-no-sti. ar-hai-for-qi-her la-do-vo th mouse-le-tion과 인상주의와 조화를 이루는 Us-false-non-ac-kor-do-vy complexes-owls co-che-ta-et-sya ; rit-we는 ost-ro-ha-rak-ter-ny 시간 아래 불안정합니다. new- howl os-no-ve element-men-tov mod-distant gar-mo-nii ras-shi-rya-et-sya la-do-va sphere-ra, in or-ke-st-ditch-ke pre-ob -la-da-yut 순수한 음색. 특히-부유 신선도 mu-zy-ke 프랑스 인상파 ob-ra-sche-nie가 song-sen-no-tan-tse-val-ny 장르인지, na-ro-dov Vos-something -ka의 음악 언어 요소에 붙어 있는지 여부 , Is-pa-nii, 초기 형태의 재즈의 sti-li-for-tion. 프랑스의 pre-de-la-mi를 위해, 음악적 인상주의의 원리, orig-gi-nal-but raz-vi-va-li M. de Fa-lya in Is-pa-nii, O. Res-pi -gi, from-cha-ty A. Ka-zel-la 및 J.F. 이탈리아의 Ma-lip-e-ro, Ve-li-ko-bri-ta-nii의 F. Di-li-us 및 S. Scott, 폴란드의 K. Shi-ma-nov-sky, A.K. Lyadov, N.N. Che-rep-nin(Che-rep-nin 참조), from-part-ty I.F. 러시아의 스트라빈스키.

문학의 인상주의

Li-te-ra-tu-re의 au-to-nome-no-go-right-le-niya로서 인상주의의 Su-shche-st-in-va-ing-긴 토론의 주제 이것. 문학적 인상주의는 on-to-ra-liz-mom과 함께 드물게 boo-o-zhde-st-in-la-et-xia가 아니거나 pro-me-zhu- 정확한 yav-le- ni-em me-zh-du on-tu-ra-liz-mom 및 sim-liz-mom, sim-liz- mom에 더 가까운지 여부. 자립적인 문학적 방향으로서 인상주의는 대부분 프랑스어로 you-de-la-et-xia이며 오스트리아(소위 비엔나 mo-turf) 시대의 문학입니다. 사. 그들은 그들에 대해 똑같이 말합니다-press-sio-ni-stich-no-sti as sti-le-howl 특히-ben-no-sti, with-su-schey to 많은 pi-sa-te-lyam 2 th XIX의 절반- 20세기 초. 문학적 인상주의는 이론적 프로그램을 만들지는 않았지만 프랑스 im-press-sio-ni-sts, muen-chen-sko-go 및 ven-sko-go se-ces-sio-nov의 영향을 받았습니다. , fi-lo-so-fii time-me-ni A. Berg-so-na, psi-ho-logi U. James-sa (a-so-so-s-on-niya의 아이디어 ), uh-pi-ri-ok-ri-ti-cis-ma E. Ma-ha, psi-ho-ana-li-za Z. Frey -예. 문학의 인상주의에서 그들은 일반적으로 기포 보드 협회의 원칙에 따라 일련의 이미지를 구성하는 제안 없음 sti에 중점을 둡니다. chi-ta-te-lu not-op-re-de-len-noe "mu-zy-kal-noe" in tune -ing에 영감을 주어 him-gi-vayu-she를 서정적 pe-re의 세계로 끌어들입니다. -zhi-va-niy av-to-ra-es-te-ta-ge-do-ni-hundred, co-zero-tsa -te-la mi-ra 그의 백 얀 노이 from-men-chi -in-sti.

시에서 im-press-sio-ni-stic-ness는 os-lab-le-nii의 운율 및 의미론적 단어 of one-st-va stroki에서 나타납니다. 소위 you-svo-bo-g-de-nie sti-ha), pre-heaven-re-same-ni re-gu-lyar-no-stu 리듬마 및 정확한 riff-my (최대 ver-lib-re의 riff-we에서 half-but-from-ka-za로), with-hot-li-vy an-jamb-ma-nah(프랑스의 P. Ver-len, A. Rem-bo) , 독일의 D. von Li-li-en-kron, 오스트리아의 G. von Hoff-mann-steel, R. M. Ril-ke, 러시아의 K. D. Balmont, I.F. An-nensky 등); in pro-se - 일반적으로 작은 형태(단편, 약하게 관련된 ko-vye for-pi-si, es-sei-static on-bro-juice의 순환), demon-plot-no-sti, use-zo -va-nii word-weight-but-about-raz-nyh leit-mo-ti-vov, de-ko-ra-tiv-no-sty style (J.K. Hu-is-mans, M. Proust, A. Gide 프랑스의 P. Altenberg, 영국의 O. Wilde, 이탈리아의 G. D'Annunzio, 노르웨이의 K. Gam-sun, 러시아의 A. Be-ly 등). cri-ti-ke의 Im-press-sio-ni-stic-ness는 격언과 함께 장르-ra-mi "etyu-da", "si-lu-this", "pro-fi-la"와 연결됩니다. , subject-ek-tiv-no-vku-so-you-mi ha-rak-te-ri-sti-ka-mi (A. 프랑스, ​​R. de Gour-mon, 프랑스의 A. de Re-nier, D.S. Merezhkov-sky, Y.I. Ai-khen-wald, M.A. 러시아의 Kuz-min).

드라마투르기의 인상주의

소개

예술의 현상으로서의 인상주의

회화의 인상주의

아티스트 - 인상파

3.1 클로드 모네

3.2 에드가 드가

3.3 알프레드 시슬리

3.4 카미유 피사로

결론

서지 목록

소개

이 에세이는 예술의 인상주의-회화에 전념합니다.

인상주의는 현대 미술의 전체 발전을 크게 결정한 유럽 미술에서 가장 밝고 가장 중요한 현상 중 하나입니다. 현재 당시에는 인정받지 못하던 인상파 화가들의 작품이 높은 평가를 받고 있으며 그들의 예술적 가치는 부인할 수 없다. 선택한 주제의 관련성은 모든 현대인이 예술의 스타일을 이해하고 개발의 주요 이정표를 알아야 할 필요성으로 설명됩니다.

내가 이 주제를 선택한 이유는 인상주의가 예술 작품을 통합적이고 기념비적인 것으로 바꾸는 일종의 예술 혁명이었기 때문입니다. 인상주의는 창작자의 개성, 세계에 대한 자신의 비전을 전면에 내세우고 정치적, 종교적 주제, 학문적 법률을 배경으로 밀어 붙였습니다. 음모와 도덕성이 아니라 감정과 인상이 작용했다는 것이 흥미 롭습니다. 주연인상파의 작품에서.

인상파(fr. 인상주의, 에서 인상-인상)-프랑스에서 시작되어 전 세계로 퍼진 19 세기 후반 ~ 20 세기 초반의 예술 경향으로 대표자들이 가장 자연스럽고 공정하게 포착하려고했습니다. 현실 세계이동성과 가변성에서 덧없는 인상을 전달합니다. 일반적으로 "인상주의"라는 용어는 그림의 방향을 의미하지만 그 아이디어는 문학과 음악에서도 구체화되었습니다.

"인상주의"라는 용어는 가벼운 손잡지 "Le Charivari"의 비평가 Louis Leroy는 Claude Monet의이 그림의 이름을 기반으로 Les Misérables "인상파 전시회"의 살롱에 대한 feuilleton이라는 제목을 붙였습니다.

오귀스트 르누아르 얕은 수영장, 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕

태생

르네상스 시대의 화가들 베네치아 학교밝은 색상과 중간 톤을 사용하여 살아있는 현실을 전달하려고 노력했습니다. 스페인 사람들은 그들의 경험을 이용했는데, 이것은 El Greco, Velazquez, Goya와 같은 예술가들이 가장 분명하게 표현했으며, 그의 작품은 나중에 Manet과 Renoir에 심각한 영향을 미쳤습니다.

동시에 루벤스는 투명한 중간 음영을 사용하여 채색된 캔버스의 그림자를 만듭니다. Delacroix에 따르면 Rubens는 미묘하고 세련된 톤의 빛과 더 따뜻하고 채도가 높은 색상의 그림자를 표시하여 명암 효과를 전달했습니다. 루벤스는 나중에 인상파 그림의 주요 원칙 중 하나가 될 검은색을 사용하지 않았습니다.

Édouard Manet은 날카로운 선으로 그림을 그리고 밝은 색상과 검은색의 대비를 좋아했던 네덜란드 예술가 Frans Hals의 영향을 받았습니다.

그림이 인상주의로 넘어가는 과정도 영국 화가들이 준비했다. 프랑스-프로이센 전쟁(1870-1871) 동안 Claude Monet, Sisley 및 Pissarro는 위대한 풍경화가 Constable, Bonington 및 Turner를 공부하기 위해 런던으로 여행했습니다. 후자에 관해서는 이미 그의 후기 작품에서 세계의 실제 이미지와의 연결이 어떻게 사라지고 개인의 인상 전달로의 철수가 눈에 띕니다.

Eugène Delacroix는 강한 영향을 미쳤습니다. 그는 이미 조명의 영향으로 얻은 지역 색상과 색상을 구별했으며, 1832년 북아프리카 또는 1835년 Etretat에서 그린 수채화, 특히 "The Sea at Dieppe"(1835) 그림은 우리에게 그를 인상파의 선구자로 말하는 것.

혁신가들에게 영향을 준 마지막 요소는 일본 미술이었습니다. 1854년 이후 파리에서 열린 전시회 덕분에 젊은 예술가들은 우타마로, 호쿠사이, 히로시게와 같은 일본 판화의 거장들을 발견했습니다. 지금까지 유럽 미술에서 알려지지 않은 특별한 종이에 이미지 배열-기울기가있는 변위 된 구성 또는 구성, 형태의 도식적 이전, 예술적 합성에 대한 성향은 인상파와 그 추종자들의 호의를 얻었습니다. .

이야기

에드가 드가, 블루 댄서, 1897, 푸쉬킨 박물관 im. 푸쉬킨, 모스크바

인상파에 대한 탐색의 시작은 1860년대로 거슬러 올라갑니다. 당시 젊은 예술가들은 학업의 수단과 목표에 더 이상 만족하지 않았고, 그 결과 각자 독립적으로 자신의 스타일을 개발할 다른 방법을 모색했습니다. 1863년 에두아르 마네(Edouard Manet)는 "거절된 자들의 살롱(Salon of the Rejected)"에 그림 "잔디 위의 오찬"을 전시하고 게르부아(Guerbois) 카페에서 미래의 새로운 운동의 모든 창시자들이 참석한 시인과 예술가들의 모임에서 적극적으로 연설했습니다. 덕분에 그는 현대 미술의 주요 수호자가되었습니다.

1864년 외젠 부댕은 모네를 옹플뢰르로 초대하여 가을 내내 그곳에서 선생님이 파스텔과 수채화로 스케치를 그리는 것을 지켜보았고 친구 욘카인드는 진동하는 선으로 작품에 물감을 칠했습니다. 그들이 그에게 야외에서 일하고 밝은 색으로 글을 쓰는 법을 가르친 곳이 바로 여기였습니다.

1871년, 프랑스-프로이센 전쟁 중에 모네와 피사로는 런던으로 떠나 그곳에서 인상파의 선구자인 윌리엄 터너의 작품을 알게 됩니다.

클로드 모네. 인상. 해돋이. 1872년, 파리 마르모탕 모네 미술관.

이름의 등장

인상파의 첫 번째 중요한 전시회는 1874년 4월 15일부터 5월 15일까지 사진작가 나다르의 스튜디오에서 열렸습니다. 총 30명의 작가, 총 165점의 작품이 출품되었습니다. 캔버스 모네 - “인상. 떠오르는 태양" ( 인상, 솔레이유 레반트), 현재 1872년에 작성된 파리의 Musée Marmottin에서 "인상파"라는 용어를 탄생시켰습니다. 그의 경멸. 도전에서 예술가들은이 별명을 받아 들였고 나중에 뿌리를 내리고 원래의 부정적인 의미를 잃고 적극적으로 사용되었습니다.

"인상주의"라는 이름은 적어도 예술 그룹의 지리적 위치에 대한 표시가있는 "바르비종 학교"라는 이름과 달리 다소 비어 있습니다. 그들의 기술과 수단은 완전히 "인상주의적"이지만(휘슬러, 에두아르 마네, 유진 부댕 등), 첫 인상파의 원에 공식적으로 포함되지 않은 일부 예술가들에게는 훨씬 덜 명확합니다. 인상파는 19세기 훨씬 이전에 알려져 있었고 Titian과 Velasquez가 그 시대의 지배적인 사상을 깨뜨리지 않고 (부분적으로, 제한적으로) 사용했습니다.

또 다른 기사 (Emile Cardon 작성)와 "The Rebel Exhibition"이라는 또 다른 제목이 절대적으로 반대하고 비난했습니다. 수년 동안 지배했던 예술가 (인상파)에 대한 부르주아 대중의 반대 태도와 비판을 정확하게 재현 한 것이 바로 그것입니다. 인상파 화가들은 즉시 부도덕, 반항적인 분위기, 존경받지 못한다는 비난을 받았습니다. 안에 현재 Camille Pissarro, Alfred Sisley의 풍경, Edgar Degas의 일상 장면, Monet과 Renoir의 정물화에서 무엇이 부도덕한지 명확하지 않기 때문에 이것은 놀라운 일입니다.

수십 년이 지났습니다. 그리고 새로운 세대의 예술가들은 형식의 진정한 붕괴와 내용의 빈곤에 직면하게 될 것입니다. 그런 다음 비평가와 대중 모두 비난받는 인상파-현실 주의자, 그리고 조금 후에 프랑스 예술의 고전을 보았습니다.

예술의 현상으로서의 인상주의

인상주의는 19세기 후반 프랑스 예술에서 가장 눈에 띄고 흥미로운 경향 중 하나였으며, 다양한 현대적 경향의 출현에 자극을 준 잡색과 대조를 특징으로 하는 매우 어려운 환경에서 태어났습니다. 짧은 기간에도 불구하고 인상주의는 프랑스뿐만 아니라 미국, 독일 (M. Lieberman), 벨기에, 이탈리아, 영국과 같은 다른 국가의 예술에도 상당한 영향을 미쳤습니다. 러시아에서는 K. Balmont, Andrei Bely, Stravinsky, K. Korovin (인상파에 가장 가까운 미학), 초기 V. Serov 및 I. Grabar가 인상주의의 영향을 경험했습니다. 인상주의는 19세기의 마지막 주요 예술 운동이었다. 프랑스 19세세기, 현대와 현대의 예술 사이의 경계를 닦습니다.

M. Aplatov에 따르면 “순수한 인상주의는 아마도 존재하지 않았을 것입니다. 인상주의는 학설이 아니며 정식화된 형식을 가질 수 없었습니다...프랑스 인상파 화가들은 다양한 정도로 그 특징 중 하나를 가지고 있습니다.” 일반적으로 "인상주의"라는 용어는 그림의 방향을 의미하지만 그 아이디어는 예를 들어 음악과 같은 다른 형태의 예술에서 구체화되었습니다.

인상주의는 우선 현실을 관찰하고 인상을 전달하거나 창조하는 예술로 전례없는 세련미에 이르렀으며 줄거리가 중요하지 않은 예술입니다. 이것은 새롭고 주관적인 예술적 현실입니다. 인상파는 주변 세계에 대한 인식과 전시에 대한 자신의 원칙을 제시했습니다. 가치있는 주요 주제 사이의 경계를 지웠습니다. 고급 예술, 및 보조 항목.

인상주의의 중요한 원칙은 전형성에서 벗어나는 것이었다. 일시적인 캐주얼 룩이 예술에 들어 왔고 인상파의 캔버스는대로를 따라 걷고 인생을 즐기는 단순한 행인이 쓴 것 같습니다. 비전의 혁명이었습니다.

인상주의의 미학은 신중한 해석이 필요한 모든 것에서 암호화된 의미를 볼 것을 제안한 후기 낭만주의 회화의 끈질긴 상징주의와 사려깊음뿐만 아니라 고전 예술의 관습으로부터 결정적으로 스스로를 해방하려는 시도로 부분적으로 형성되었습니다. 인상주의는 일상적인 현실의 아름다움을 긍정할 뿐만 아니라 주변 세계의 지각된 가변성, 즉흥적이고 예측할 수 없으며 무작위적인 인상의 자연스러움을 예술적으로 중요하게 만듭니다. 인상파 화가들은 자세히 설명하거나 해석하지 않고 다채로운 분위기를 포착하려고 노력합니다.

예술적 운동으로서 인상주의는 특히 회화에서 빠르게 그 가능성을 소진했습니다. 고전적인 프랑스 인상주의는 너무 편협했고 평생 그 원칙에 충실한 사람은 거의 없었습니다. 인상파 방식의 발전 과정에서 회화적 지각의 주관성은 객관성을 뛰어넘고 한층 더 높은 형식적 수준으로 상승하여 고갱의 상징주의와 반 고흐의 표현주의를 비롯한 후기 인상주의의 모든 흐름에 길을 열어주었다. 그러나 약 20년이라는 짧은 기간에도 불구하고 인상주의는 예술을 근본적으로 다른 수준으로 끌어올려 현대 회화, 음악, 문학, 영화 등 모든 것에 중대한 영향을 미쳤습니다.

인상파는 새로운 주제를 도입했습니다. 성숙한 스타일의 작품은 밝고 자연스러운 활력, 색상의 새로운 예술적 가능성 발견, 새로운 회화 기법의 미학, 작품 자체의 구조로 구별됩니다. 신인상주의와 후기 인상주의에서 더욱 발전된 것은 인상주의에서 발생한 이러한 특징입니다. 현실에 대한 접근 또는 표현 기법 체계로서의 인상주의의 영향은 20세기 초 거의 모든 예술 학교에서 발견되었으며, 이는 추상화에 이르기까지 여러 경향의 발전을 위한 출발점이 되었습니다. 인상주의의 몇 가지 원리 - 순간적인 움직임의 전달, 형태의 유동성 - 다양한 정도 E Degas, Fr.의 1910년대 조각품에 등장했습니다. 로댕, M. Golubkina. 예술적 인상주의는 문학(P. Verlaine), 음악(C. Debussy) 및 연극의 표현 수단을 크게 풍부하게 했습니다.

2. 회화의 인상주의

1874년 봄, 모네, 르누아르, 피사로, 시슬레, 드가, 세잔, 베르트 모리조 등 젊은 화가들이 살롱의 공식 전시를 소홀히 하고 자신들만의 전시회를 열었고, 이후 새로운 방향의 중심 인물이 되었다. 1874년 4월 15일부터 5월 15일까지 파리의 Boulevard des Capucines에 있는 사진작가 Nadar의 스튜디오에서 열렸습니다. 총 30명의 작가, 총 165점의 작품이 출품되었습니다. 그러한 행위는 그 자체로 혁명적이었고 오래된 토대를 깨뜨린 반면, 이 예술가들의 그림은 언뜻보기에 전통에 훨씬 더 적대적으로 보였습니다. 나중에 인정받은 회화의 고전이 대중에게 그들의 성실함뿐만 아니라 그들의 재능을 확신시킬 수 있기까지는 몇 년이 걸렸습니다. 이 매우 다른 모든 예술가들은 예술의 보수주의와 학문주의에 대한 공동 투쟁으로 통합되었습니다. 인상파는 1886년에 마지막으로 8번의 전시회를 열었습니다.

일출을 묘사한 클로드 모네(Claude Monet)의 그림이 등장한 것은 1874년 파리에서 열린 첫 번째 전시회였습니다. 그녀는 주로“인상. 해돋이". 그러나 그 그림 자체는 독특했고, 거의 파악하기 어렵고 변화무쌍한 색과 빛의 유희를 전달했습니다. 이 그림의 이름은 "인상"입니다. 언론인 중 한 사람의 조롱 덕분에 인상주의 (프랑스어 "인상"-인상에서 유래)라는 회화의 전체 경향의 시작을 알 렸습니다.

인상파 화가들은 사물에 대한 즉각적인 인상을 가능한 한 정확하게 표현하기 위해 새로운 회화 방법을 창안했습니다. 그 본질은 주변의 가벼운 공기 환경에서 형태를 시각적으로 용해시키는 순수한 색상의 별도의 스트로크로 물체 표면의 빛, 그림자, 반사의 외부 인상을 전달하는 것이 었습니다.

신뢰성은 개인적인 인식에 희생되었습니다. 인상파는 비전에 따라 하늘을 ​​녹색과 풀을 파란색으로 쓸 수 있었고 정물의 과일은 알아볼 수 없었고 인간의 모습은 모호하고 스케치했습니다. 중요한 것은 무엇을 그리느냐가 아니라 '어떻게'가 중요하다는 것입니다. 사물은 시각적인 문제를 해결하는 계기가 되었다.

인상주의의 창조적 방법의 간결함, 에튜드 특성이 특징적입니다. 결국 짧은 연구만으로도 개별 자연 상태를 정확하게 기록할 수 있었습니다. 이전에는 에튜드에서만 허용되었던 것이 이제는 주요 특징완성된 캔버스. 인상파 예술가들은 그림의 정적 특성을 극복하고 애매한 순간의 모든 매력을 영원히 포착하기 위해 온 힘을 다했습니다. 그들은 관심 있는 것을 더 잘 강조하기 위해 비대칭 구성을 사용하기 시작했습니다. 배우그리고 항목. 구성과 공간에 대한 인상파 구성의 일부 방법에서 나이에 대한 열정의 영향은 유형적입니다. 이전과 같은 고대, 일본 판화(Katsushika Hokusai, Hiroshige, Utamaro와 같은 거장에 의해) 및 부분적으로 사진, 클로즈업 및 새로운 관점.

인상파는 또한 색상을 업데이트하고 어둡고 흙빛 페인트와 광택제를 버리고 순수하고 스펙트럼 색상을 팔레트에서 먼저 혼합하지 않고 캔버스에 적용했습니다. 캔버스의 조건부 "박물관"검은 색은 유색 그림자의 역할을합니다.

기름과 분말 안료로 만든 오래된 손으로 만든 페인트를 대체한 바로 휴대할 수 있는 금속 페인트 튜브의 발명 덕분에 예술가들은 작업실을 떠나 야외에서 작업할 수 있었습니다. 태양의 움직임이 풍경의 조명과 색상을 변경했기 때문에 그들은 매우 빠르게 작업했습니다. 때때로 그들은 튜브에서 직접 캔버스에 페인트를 짜내고 브러시 스트로크 효과로 순수한 반짝이는 색상을 얻습니다. 한 물감을 ​​다른 물감 옆에 살짝 뿌림으로써 그들은 종종 그림의 표면을 거칠게 만들었습니다. 인상파 화가들은 자연의 신선함과 다양한 색채를 그림 속에 담기 위해 복잡한 색조를 순색으로 분해하고 순색의 분리된 획이 눈에 섞이듯 상호침투하는 것이 특징인 회화적 체계를 만들었다. 보색의 법칙에 따라 관찰자에게 색상이 있는 그림자가 인식되고 인식됩니다.

주변 세계를 최대한 빨리 전달하기 위해 노력한 인상파는 미술사에서 처음으로 주로 야외에서 글을 쓰기 시작했으며 거의 ​​대체되는 자연 스케치의 중요성을 높였습니다. 전통적인 유형스튜디오에서 신중하고 천천히 만든 그림. 야외에서 작업하는 바로 그 방법 덕분에 그들이 발견한 도시 풍경을 포함한 풍경은 인상파 예술에서 매우 중요한 위치를 차지했습니다. 그들의 주요 주제는 사람과 사물이 그대로 몰입되는 떨리는 빛, 공기였습니다. 그들의 그림에서 바람, 축축하고 태양열로 따뜻해진 땅을 느낄 수 있었습니다. 그들은 자연의 놀랍도록 풍부한 색상을 보여주고자 했습니다.

인상주의예술에 새로운 주제를 도입했습니다 - 도시의 일상 생활, 거리 풍경그리고 오락. 주제와 줄거리 범위는 매우 넓습니다. 풍경화, 초상화, 다중 형상 구성에서 예술가들은 세상이 끊임없이 변화하는 현상인 개별적인 세부 사항에 들어가지 않고 "첫인상"의 공정성, 힘 및 신선함을 보존하기 위해 노력합니다.

인상주의는 밝고 즉각적인 활력으로 구별됩니다. 캔버스의 개성과 미적 가치, 고의적인 무작위성과 불완전성이 특징입니다. 일반적으로 인상파의 작품은 세계의 관능적 아름다움에 대한 열정과 쾌활함으로 구별됩니다.

인상주의는 70년대에 등장한 예술 운동입니다. XIX 세기 프랑스 회화, 그런 다음 음악, 문학, 연극에서 나타납니다.

회화에서의 인상주의는 1874년 유명한 전시회가 열리기 오래 전에 형성되기 시작했습니다. Edouard Manet은 전통적으로 인상파의 창시자로 간주됩니다. 그는 Titian, Rembrandt, Rubens, Velazquez의 고전 작품에서 큰 영감을 받았습니다. Manet은 불완전함의 효과를 만드는 "진동" 스트로크를 추가하여 이미지에 대한 비전을 캔버스에 표현했습니다. 1863년 마네는 문화계에 큰 스캔들을 일으킨 "올림피아"를 만들었습니다.

언뜻보기에 그림은 전통적인 캐논에 맞춰 만들어졌지만 동시에 이미 혁신적인 트렌드를 담고 있습니다. 약 87개의 리뷰가 다양한 파리 출판물에서 올림피아에 대해 작성되었습니다. 많은 부정적인 비판이 그녀에게 떨어졌습니다. 예술가는 저속함으로 비난 받았습니다. 그리고 호의적이라고 할 수있는 기사는 몇 개뿐입니다.

그의 작품에서 Manet은 얼룩의 효과를 만드는 단일 페인트 레이어를 오버레이하는 기술을 사용했습니다. 그 후 인상파 화가들은 이 물감을 덧씌우는 방법을 그림의 이미지의 기초로 채택했습니다.

인상주의의 독특한 특징은 순수한 색상의 복잡한 모자이크, 피상적 인 장식 획의 도움으로 가벼운 환경을 재현하는 특별한 방식으로 덧없는 인상을 가장 미묘하게 고정시키는 것입니다.

검색을 시작할 때 예술가들이 하늘의 파란색을 결정하는 도구인 청록색 측정기를 사용했다는 것이 궁금합니다. 검은 색은 팔레트에서 제외되었고 다른 색조로 대체되어 그림의 맑은 분위기를 망치지 않았습니다.

인상파는 당대의 최신 과학적 발견에 초점을 맞췄습니다. Chevrel과 Helmholtz의 색 이론은 다음과 같이 요약됩니다. 태양 광선은 구성 색상으로 나뉘고 그에 따라 캔버스에 배치 된 두 개의 페인트는 회화 적 효과를 높이고 페인트가 혼합되면 강도를 잃습니다.

인상주의의 미학은 부분적으로 예술의 고전주의 관습과 후기 낭만주의 그림의 끈질긴 상징주의와 사려 깊음에서 결정적으로 벗어나려는 시도로 구체화되었습니다. . 인상주의는 일상적 현실의 아름다움뿐만 아니라 세상을 시시각각 변하는 광학적 현상으로 묘사하면서 세부 묘사나 해석 없이 다채로운 분위기를 고착화한다고 주장했습니다.

인상파 예술가들은 완전한 외부 공기 시스템을 개발했습니다. 이것의 선구자 문체 기능카미유 코로(Camille Corot)와 존 콘스터블(John Constable)을 대표하는 바르비종파 출신의 풍경화가들이었습니다.

그 일을 수행하다 열린 공간미세한 색상 변화까지 포착할 수 있도록 다른 시간날.

Claude Monet은 같은 주제에 대해 여러 시리즈의 그림을 그렸습니다. 루앙 대성당"(50 개의 그림 시리즈), "Hacks"(15 개의 그림 시리즈), "수련이있는 연못"등 이 시리즈의 주요 지표는 동일한 대상의 이미지에서 빛과 색상의 변화였습니다. 하루 중 다른 시간에 .

인상파의 또 다른 업적은 복잡한 색조가 별도의 획에 의해 전달되는 순수한 색상으로 분해되는 독창적인 회화 시스템의 개발입니다. 아티스트는 팔레트에서 색상을 혼합하지 않았지만 캔버스에 직접 획을 적용하는 것을 선호했습니다. 이 기술은 그림에 특별한 떨림, 가변성 및 안도감을 부여했습니다. 예술가들의 작품은 색과 빛으로 가득 차 있었다.

1874년 4월 15일 파리에서 열린 전시회는 새로운 경향을 일반 대중에게 제시하고 형성한 시기의 결과였다. 박람회는 Boulevard des Capucines에 있는 사진작가 Felix Nadar의 스튜디오에서 진행되었습니다.

인상주의라는 이름은 모네의 그림 '인상'이 전시된 이후에 생겨났습니다. 해돋이". 비평가 L. Leroy는 Sharivari의 리뷰에서 Monet의 작품을 예로 들어 1874년 전시회를 장난스럽게 설명했습니다. 또 다른 비평가 모리스 드니(Maurice Denis)는 인상파 화가들의 개성, 감정, 시가 부족하다고 비난했습니다.

약 30명의 작가들이 첫 전시회에 작품을 선보였습니다. 이는 1886년까지 이어진 전시회와 비교했을 때 가장 많은 숫자였다.

에 대해서는 말할 수 없다 긍정적 인 피드백러시아 사회에서. 러시아 예술가와 민주 비평가, 항상 예리한 관심 예술적인 삶프랑스 - I. V. Kramskoy, I. E. Repin 및 V. V. Stasov - 첫 번째 전시회에서 인상파의 업적을 높이 평가했습니다.

1874년 전시회와 함께 시작된 예술사의 새로운 단계는 혁명적 경향의 갑작스러운 폭발이 아니라 느리고 일관된 발전의 정점이었습니다.

과거의 모든 거장들이 인상주의 원리의 발전에 기여했다는 사실에도 불구하고 현재의 직접적인 뿌리는 역사적 전시회 이전 20년에서 가장 쉽게 찾을 수 있습니다.

살롱 전시회와 병행하여 인상파 전시회가 추진력을 얻고 있습니다. 그들의 작품은 회화의 새로운 경향을 보여주었다. 이것은 살롱 문화와 전시 전통에 대한 비난이었습니다. 미래에 인상파 예술가들은 예술의 새로운 경향을 좋아하는 사람들을 그들의 편으로 끌어들였습니다.

인상주의에 대한 이론적 지식과 공식화는 꽤 늦게 형성되기 시작했습니다. 예술가들은 더 많은 연습과 빛과 색상에 대한 자신의 실험을 선호했습니다. 주로 회화적인 인상주의는 사실주의의 유산을 추적하며 당시 주변 현실 이미지의 반 학문적, 반 살롱 지향 및 설치를 명확하게 표현합니다. 일부 연구자들은 인상주의가 사실주의의 특별한 파생물이 되었다고 지적합니다.

의심 할 여지없이 인상주의 예술에서 오래된 전통의 전환점과 위기의시기에 발생하는 모든 예술 운동에서와 같이 모든 외적 완전성 때문에 다양하고 모순적인 경향이 얽혀있었습니다.

주요 특징은 예술가의 작품의 주제, 수단에 있었다 예술적 표현력. 인상파에 관한 Irina Vladimirova의 책에는 "풍경, 자연, 인상", "도시, 만남과 이별의 장소", "생활 방식으로서의 취미", "사람과 인물", "초상화와 자화상" 등 여러 장으로 구성되어 있습니다. , "정물". 또한 창작의 역사와 각 작품의 위치를 ​​설명합니다.

인상주의의 전성기 동안 예술가들은 객관적인 현실과 인식 사이의 조화로운 균형을 찾았습니다. 예술가들은 모든 빛의 광선, 바람의 움직임, 자연의 변화 가능성을 포착하려고 노력했습니다. 그림의 신선함을 보존하기 위해 인상파는 독창적인 그림 체계를 만들었고, 이는 나중에 예술 발전에 매우 중요한 것으로 밝혀졌습니다. 회화의 일반적인 경향에도 불구하고 각 예술가는 자신의 창작 경로와 회화의 주요 장르를 찾았습니다.

고전 인상주의는 Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frederic Basil, Berthe Morisot, Edgar Degas와 같은 예술가들로 대표됩니다.

인상주의 형성에 대한 일부 예술가의 기여를 고려하십시오.

에두아르 마네(1832-1883)

Manet은 미래의 예술가가 필요한 많은 전문 기술을 습득 한 덕분에 T. Couture에서 첫 번째 그림 수업을 받았습니다. 선생님의 학생들에 대한 적절한 관심 부족으로 Manet은 주인의 아틀리에를 떠나 독학에 종사합니다. 그는 박물관 전시회를 방문하고 그의 창의적인 형성은 옛 거장, 특히 스페인 거장의 영향을 많이 받았습니다.

1860년대에 마네는 그의 예술 스타일의 기본 원리를 보여주는 두 작품을 썼습니다. Valencia의 Lola(1862)와 The Flutist(1866)는 Manet을 색상의 렌더링을 통해 모델의 성격을 드러내는 예술가로 보여줍니다.

붓놀림 기법과 색채에 대한 태도에 대한 그의 생각은 다른 인상파 화가들에게도 받아들여졌다. 1870년대에 마네는 그의 추종자들과 가까워졌고 팔레트에 검은색이 없는 야외에서 작업했습니다. 인상주의의 도래는 마네 자신의 창조적 진화의 결과였습니다. Manet의 가장 인상적인 그림은 In a Boat(1874)와 Claude Monet in a Boat(1874)입니다.

Manet은 또한 다양한 세속 여성, 여배우, 모델, 아름다운 여성의 초상화를 많이 그렸습니다. 각각의 초상화에서 모델의 독특함과 개성이 전달되었습니다.

그의 죽음 직전에 Manet은 그의 걸작 중 하나 인 "Bar Folies-Bergere"(1881-1882)를 씁니다. 이 그림은 초상화, 정물, 국내 장면 등 여러 장르를 한 번에 결합합니다.

N. N. Kalitina는 다음과 같이 썼습니다. 파랑-검정, 푸르스름한 흰색, 노란색 톤으로도 해결됩니다.

클로드 모네(1840-1926)

클로드 모네는 반박의 여지가 없는 고전 인상주의의 창시자이자 지도자였습니다. 그의 그림의 주된 장르는 풍경화였다.

젊었을 때 Monet은 캐리커처와 캐리커처를 좋아했습니다. 그의 작업의 첫 번째 모델은 그의 교사, 동지였습니다. 샘플로 그는 신문과 잡지의 만화를 사용했습니다. 그는 Gustave Coubret의 친구이자 시인이자 캐리커처 작가인 E. Karzh가 Golois의 그림을 복사했습니다.

대학에서 Monet은 Jacques-Francois Hauchard에게 가르쳤습니다. 그러나 예술가를 지원하고 조언을 제공하고 작업을 계속하도록 동기를 부여한 Boudin의 Monet에 대한 영향에 주목하는 것은 공정합니다.

1862년 11월 파리에서 Monet은 Gleyre와 함께 파리에서 공부를 계속했습니다. 덕분에 Monet은 그의 스튜디오에서 Basil, Renoir, Sisley를 만났습니다. 젊은 예술가들은 수업을 거의 듣지 않고 온화한 형태조언을 해주었다.

모네는 이야기가 아닌 아이디어나 주제의 삽화가 아닌 그의 그림을 만들었습니다. 그의 그림은 삶과 마찬가지로 뚜렷한 목표가 없었다. 그는 세부 사항에 초점을 맞추지 않고 세상을 보았고 일부 원칙에 따라 "풍경 비전"(미술사 학자 A. A. Fedorov-Davydov의 용어)에갔습니다. Monet은 캔버스에 장르의 융합 인 플롯리스를 위해 노력했습니다. 그의 혁신을 구현하는 수단은 완성된 그림이 될 스케치였습니다. 모든 스케치는 자연에서 그렸습니다.

그는 초원, 언덕, 꽃, 바위, 정원, 마을 거리, 바다, 해변 등을 그렸고 하루 중 다른 시간에 자연의 이미지로 향했습니다. 종종 그는 같은 장소를 다른 시간에 그렸기 때문에 그의 작품에서 전체 주기를 만들었습니다. 그의 작품의 원리는 그림 속 사물의 이미지가 아니라 정확한 빛의 전달이었다.

다음은 "Argenteuil의 양귀비 필드"(1873), "개구리"(1869), "수련이있는 연못"(1899), "밀 더미"(1891) 등 작가 작품의 몇 가지 예입니다.

피에르 오귀스트 르누아르(1841-1919)

Renoir는 세속 초상화의 뛰어난 거장 중 한 명이며 풍경, 국내 장면, 정물 장르에서 작업했습니다.

그의 작품의 특징은 사람의 성격에 대한 관심, 그의 성격과 영혼의 공개입니다. 그의 캔버스에서 Renoir는 존재의 충만함을 강조하려고 합니다. 예술가는 오락과 휴일에 매료되어 공을 칠하고 움직임과 함께 다양한 캐릭터와 춤을 춥니 다.

최대 주목할만한 작품아티스트 - "배우 Jeanne Samary의 초상화", "Umbrellas", "Bathing in the Seine" 등

Renoir가 그의 음악성으로 구별되었고 어렸을 때 Saint-Eustache 대성당에서 파리의 뛰어난 작곡가이자 교사 Charles Gounod의지도 아래 교회 합창단에서 노래를 불렀다는 것은 흥미 롭습니다. C. Gounod는 소년에게 음악 공부를 강력히 권장했습니다. 그러나 동시에 Renoir는 그의 예술적 재능을 발견했습니다. 13 세부터 그는 이미 도자기 접시를 그리는 방법을 배웠습니다.

음악 수업은 예술가의 성격 형성에 영향을 미쳤습니다. 전선그의 작업은 음악적 주제와 연결되어 있습니다. 그들은 피아노, 기타, 만돌린 연주를 반영했습니다. "기타 레슨", "기타를 든 젊은 스페인 여성", "피아노의 젊은 아가씨", "기타를 연주하는 여성", "피아노 레슨"등의 그림입니다.

장 프레데릭 바질(1841-1870)

그의 예술가 친구들에 따르면 Basil은 가장 유망하고 뛰어난 인상파였습니다.

그의 작품은 밝은 색상과 이미지의 영성이 특징입니다. Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley 및 Claude Monet은 그의 창작 경로에 큰 영향을 미쳤습니다. 초보 화가를 위한 장 프레데릭의 아파트는 일종의 작업실이자 주택이었다.

바질은 주로 야외에서 그렸습니다. 그의 작품의 주된 아이디어는 자연을 배경으로 한 인간의 이미지였습니다. 그림에서 그의 첫 번째 영웅은 그의 예술가 친구였습니다. 많은 인상파 화가들은 그들의 작품에서 서로를 그리는 것을 매우 좋아했습니다.

Frédéric Bazille은 그의 작품에서 사실적인 인상주의의 과정을 표시했습니다. 그의 가장 유명한 그림인 Family Reunion(1867)은 자서전입니다. 작가는 가족 구성원을 묘사합니다. 이 작품은 살롱에 출품되어 대중의 호평을 받았습니다.

1870년에 작가는 프로이센-프랑스 전쟁에서 사망했습니다. 작가가 죽은 후 그의 예술가 친구들은 그의 캔버스도 전시된 세 번째 인상파 전시회를 조직했습니다.

카미유 피사로(1830-1903)

카미유 피사로(Camille Pissarro)는 주요 대표 C. Monet 이후의 풍경화가. 그의 작품은 인상파 전시회에 지속적으로 전시되었습니다. 그의 작품에서 Pissarro는 경작된 들판을 묘사하는 것을 선호했습니다. 농민 생활그리고 노동. 그의 그림은 형태의 구조와 구성의 명확성으로 구별됩니다.

나중에 작가는 도시 주제에 대한 그림과 그림을 그리기 시작했습니다. N. N. Kalitina는 그녀의 저서에서 다음과 같이 말합니다.

Georges-Pierre Seurat의 영향으로 예술가는 점묘법을 채택했습니다. 이 기술은 마치 점을 찍는 것처럼 각 획을 개별적으로 부과하는 것과 관련이 있습니다. 그러나이 분야의 창의적인 전망은 실현되지 않았고 Pissarro는 인상주의로 돌아갔습니다.

Pissarro의 가장 유명한 그림은 Boulevard Montmartre입니다. 오후에는 맑음”, “파리의 오페라 패시지”, “광장 프랑스 연극 in Paris', 'Pontoise의 정원', 'Harvest', 'Haymaking' 등

알프레드 시슬리(1839-1899)

Alfred Sisley의 그림의 주요 장르는 풍경이었습니다. 그의 초기 작품 K. Corot의 영향을 주로 볼 수 있다. 점차 C. Monet, J. F. Basil, P. O. Renoir와의 공동 작업 과정에서 그의 작품에 밝은 색상이 나타나기 시작합니다.

작가는 빛의 유희, 대기 상태의 변화에 ​​매료된다. Sisley는 하루 중 다른 시간에 캡처하여 같은 풍경을 여러 번 언급했습니다. 작가는 작품에서 시시각각 변하는 물과 하늘의 이미지를 우선시했다. 작가는 색상의 도움으로 완벽을 달성했으며 그의 작품의 각 음영에는 일종의 상징이 있습니다.

그의 작품 중 가장 유명한 작품 : "Country Alley"(1864), "Frost in Louveciennes"(1873), "View of Montmartre from the Flower Island"(1869), "Early Snow in Louveciennes"(1872), "The Bridge" Argenteuil에서"(1872).

에드가 드가(1834-1917)

Edgar Degas는 School of Fine Arts에서 공부하면서 창작 활동을 시작한 아티스트입니다. 그는 예술가들에게 영감을 받았습니다. 이탈리아 르네상스일반적으로 그의 작업에 영향을 미쳤습니다. 처음에 Degas는 다음과 같이 썼습니다. 역사적인 그림, 예를 들어, “스파르타 소녀는 스파르타 소년에게 시합을 신청합니다. (1860). 그의 그림의 주요 장르는 초상화입니다. 그의 작품에서 작가는 고전적인 전통에 의존합니다. 그는 시대에 대한 예리한 감각이 돋보이는 작품을 만듭니다.

그의 동료들과 달리 Degas는 인상주의에 내재된 삶과 사물에 대한 즐겁고 개방적인 견해를 공유하지 않습니다. 작가는 예술의 비판적 전통인 운명에 대한 연민에 더 가깝다. 일반 사람, 사람들의 영혼을 보는 능력, 그들의 내면 세계, 불일치, 비극.

드가에게 인물을 둘러싼 사물과 내부는 초상화를 만드는 데 중요한 역할을 한다. 다음은 "오케스트라와 함께하는 Desiree Dio"(1868-1869), " 여성 초상화"(1868),"모빌리 커플 "(1867) 및 기타.

Degas의 작품에서 초상화의 원리는 그의 작품 전반에 걸쳐 추적될 수 있습니다. 창의적인 방법. 1870년대에 작가는 그의 작품에서 프랑스, ​​특히 파리의 사회를 전면에 내세운다. 예술가의 이익을 위해 - 움직이는 도시 생활. “움직임은 그에게 삶의 가장 중요한 표현 중 하나였으며 그것을 전달하는 예술의 능력은 가장 중요한 정복이었습니다. 현대 회화”,-N.N을 씁니다. 칼리티나.

이 기간 동안 "스타"(1878), "페르난도 서커스의 미스 롤라", "엡솜 경주" 등과 같은 그림이 만들어졌습니다.

Degas의 새로운 창의력은 발레에 대한 그의 관심입니다. 그는 발레리나의 백스테이지 생활을 보여주고 그들의 이야기를 들려줍니다. 힘든 일그리고 힘든 훈련. 그러나 그럼에도 불구하고 작가는 이미지 전송에서 경쾌함과 가벼움을 찾습니다.

Degas의 발레 그림 시리즈에서는 각광에서 인공 조명을 전송하는 분야의 업적을 볼 수 있으며 예술가의 색채 재능에 대해 이야기합니다. 가장 유명한 그림은 "Blue Dancers"(1897), "Dance Class"(1874), "Dancer with a Bouquet"(1877), "Dancers in Pink"(1885) 등입니다.

시력이 나빠져 말년에 드가는 조각에 손을 댄다. 같은 발레리나, 여성, 말이 그의 대상이됩니다. 조각에서 드가는 움직임을 전달하려 하고, 조각을 감상하기 위해서는 다양한 각도에서 고찰해야 한다.

인상주의(impressionnisme)는 19세기 말 프랑스에서 나타나 전 세계로 퍼진 화풍이다. 인상주의의 바로 그 아이디어는 그 이름에 있습니다. 인상 - 인상. 지쳐버린 아티스트들 전통 기술그들의 의견으로는 세상의 모든 아름다움과 생동감을 전달하지 못한 학술 회화는 "사진"관점이 아닌 가장 접근하기 쉬운 형태로 표현되어야하는 완전히 새로운 기술과 묘사 방법을 사용하기 시작했지만 정확히 그들이 본 것의 인상. 그의 그림에서 인상파 예술가는 획의 특성과 색상 팔레트분위기, 더위 또는 추위를 전달하려고 노력합니다. 강풍또는 평화로운 침묵, 안개가 자욱한 비오는 아침 또는 밝고 화창한 오후, 그리고 그들이 본 것에서 얻은 개인적인 경험.

인상주의는 감정, 감정 및 덧없는 인상의 세계입니다. 여기서 평가되는 것은 외부의 사실감이나 자연 스러움이 아니라 표현 된 감각의 사실감, 그림의 내부 상태, 분위기, 깊이입니다. 처음에는 주어진 스타일거세게 비판받았다. 최초의 인상파 그림은 파리의 Salon des Les Misérables에 전시되었으며, 파리의 공식 Art Salon에서 거부된 예술가들의 작품이 전시되었습니다. 처음으로 "인상파"라는 용어는 예술가 전시회에 대한 잡지 "Le Charivari"에 비난적인 리뷰를 쓴 비평가 Louis Leroy가 사용했습니다. 용어의 기초로 그는 Claude Monet“Impression. 떠오르는 태양". 그는 모든 예술가를 인상파라고 불렀는데, 대략적으로 "인상파"로 번역될 수 있습니다. 처음에는 그림이 실제로 비판을 받았지만 곧 예술의 새로운 방향에 대한 팬들이 살롱에 오기 시작했고 장르 자체가 추방자에서 인정받는 것으로 바뀌 었습니다.

주목해야 할 점은 예술가들이 XIX 후반프랑스에서 수세기 동안 그들은 처음부터가 아닌 새로운 스타일을 내놓았습니다. 그들은 르네상스 예술가를 포함하여 과거 화가들의 기술을 기초로 삼았습니다. El Greco, Velazquez, Goya, Rubens, Turner 등과 같은 화가들은 인상주의가 출현하기 오래 전에 다양한 중간 톤의 도움으로 그림의 분위기, 자연의 생동감, 날씨의 특별한 표현력을 전달하려고 노력했습니다. , 밝거나 그 반대의 경우 추상적 인 것처럼 보이는 둔한 획. 그들의 그림에서 그들은 그것을 아주 드물게 사용했기 때문에 특이한 기법이 보는 사람에게 분명하지 않았습니다. 반면에 인상파는 이러한 묘사 방법을 작품의 기초로 삼기로 결정했습니다.

인상파 작품의 또 다른 특징은 일종의 표면적 일상성이지만 놀라운 깊이를 담고 있다는 점이다. 그들은 깊은 철학적 주제, 신화적 또는 종교적 과제, 역사적, 중요한 사건들. 이 방향의 예술가들의 그림은 본질적으로 단순하고 일상적입니다. 풍경, 정물, 거리를 걷거나 일상적인 일을하는 사람들 등. 사람을 산만하게하는 과도한 주제가없는 순간, 그들이 보는 것에서 감정과 감정이 전면에 등장합니다. 또한 적어도 존재 초기에 인상파는 빈곤, 전쟁, 비극, 고통 등과 같은 "무거운"주제를 묘사하지 않았습니다. 인상파 그림은 가장 밝고 밝은 색상, 부드러운 명암, 부드러운 대비가 많은 가장 긍정적이고 즐거운 작품입니다. 인상주의는 유쾌한 인상, 삶의 기쁨, 매 순간의 아름다움, 즐거움, 순수함, 성실함입니다.

가장 유명한 인상파는 Claude Monet, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro 등과 같은 위대한 예술가였습니다.

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