세계 피아니스트의 평가. 현대 피아니스트: 우리 시대 최고의 피아니스트 목록, 작품
KGKP "Shemonaikha 지역의 Akimat 예술 학교"
연구 프로젝트
위대한 피아니스트 - 연주자
19세기, 20세기, 21세기
의해서 준비되었다:타유르스키흐 다리아 5등급
포드파티로프 데니스 3학년
팀 리더:
예술 학교 교사
Dobzhanskaya Yu.B.
G. 셰모나이카, 2016.
소개 ..................................................................2
XIX 세기 ..................................................................................3
XX 세기 ..................................................................................13
XXI 세기 ..................................................................24
결론…………………………………………………..............
... "피아노 - 그것은 모든 것의 시작이자 끝이며, 악기가 아니라 삶의 방식이며, 그 의미는 음악을 위한 음악이 아니라 피아노를 위한 음악입니다."
헤럴드 숀버그
피아니스트– 이것 음악가, 뮤지컬 작품의 피아노 연주 전문.
훌륭한 피아니스트. 훌륭한 피아니스트가 되려면 어떻게 해야 합니까? 항상 수고가 많습니다. 그리고 그것은 모두 어린 시절부터 시작됩니다. 많은 피아니스트와 작곡가가 4세 또는 3세에 음악을 연주하기 시작했습니다.그런 다음 손바닥의 "넓은"모양이 형성되면 나중에 능숙하게 플레이하는 데 도움이됩니다.
피아노 음악의 발전 시대에 따라 때때로 피아니스트에게 정반대의 요구 사항이 제시되었습니다. 또한 음악가의 직업은 필연적으로 작곡가의 직업과 교차한다. 대부분의 피아니스트들은 스스로 피아노 곡을 작곡합니다. 그리고 드문 거장만이 다른 사람들의 멜로디를 독점적으로 연주함으로써 유명해졌습니다.
어쨌든 다른 음악가와 마찬가지로 피아니스트가 자신이 연주하는 음악에 녹아들 수 있도록 성실하고 감정적인 것이 중요합니다. 
피아노 음악의 역사는 꽤 흥미롭습니다. 거기에는 여러 단계가 있으며 각 단계에는 고유한 전통이 있습니다. 종종 그 시대의 대포는 악기를 능숙하게 연주한 한 명의 작곡가(거의 여러 명이 설정)에 의해 설정되었습니다(처음에는 하프시코드, 나중에는 피아노). 
따라서 피아니즘 역사에서 세 시대를 강조하면서 가장 유명한 작곡가 인 Mozart, Liszt 및 Rachmaninov의 이름을 따서 명명되었습니다. 역사가들의 전통적인 용어로는 각각 고전주의 시대, 낭만주의 시대, 초기 모더니즘 시대였습니다.
그들 각각은 수세기 동안 위대한 작곡가로 남았지만, 동시에 고전주의, 낭만주의 및 초기 모더니즘과 같은 피아니즘의 주요 경향을 결정하기도 했습니다. 동시에 다른 위대한 피아니스트들이 그들 각각과 동시에 행동했습니다. 그들 중 일부는 훌륭한 작곡가이기도 했습니다. 그들은 Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Johann Brahms, Frederic Chopin, Charles Valentin Alkan, Robert Schumann 등이었습니다.
피아노 과학의 역사 속으로 여행을 떠나면 흥미로운 것들을 많이 배울 수 있습니다. 예를 들어, 다른 시대, 다른 시대에 피아노 연주의 핵심 전통은 하프시코드 연주에 능통한 한 명 또는 여러 명의 위대한 작곡가에 의해 결정되었고 나중에 피아노의 출현과 함께 뛰어난 피아니스트가 되었습니다.
많은 유명한 피아니스트들이 역사를 통틀어 청취자와 음악 애호가를 즐겁게 하고 기쁘게 해왔습니다. 피아노는 다재다능함과 기분 좋은 소리로 인해 발명 이후 가장 인기 있는 악기 중 하나가 되었습니다. 역사는 위대한 피아니스트의 여러 이름을 보존했지만 가장 유명한 피아니스트 연주자에 대한 리뷰는 매우 주관적이며 그러한 연주자의 이름을 하나의 목록에 맞추기가 어렵습니다.
그러나 세계적 명성과 인정의 정상에 오를 수 있었던 피아니스트가 여전히 있습니다.
XIX세기
19세기 후반에 새로운 악기가 음악 생활에 들어왔습니다. 피아노.이 "피아노와 포르테가 있는 하프시코드"의 발명가는 파도바의 대가였습니다.
바르톨로메오 크리스토포리.
점차 개선되는 피아노는 음악 연습에서 지배적 인 위치를 차지했습니다. 해머 액션이 있는 악기는 다양한 강도의 소리를 추출하고 점진적으로 적용할 수 있게 했습니다. 진전그리고점차 약음. 피아노의 이러한 특성은 소리의 정서적 표현력, 움직임의 전달 및 사람들을 흥분시키는 이미지, 생각 및 감정의 개발에 대한 욕구와 일치했습니다.
피아노의 출현과 연주 연습에 도입되면서 새로운 대표자가 탄생했습니다.
19 세기피아노의 기술 및 표현 수단의 경계를 크게 확장한 뛰어난 작곡가들의 은하계 전체를 제시했습니다. 가장 큰 도시, 음악 및 공연 문화의 유럽 중심지, 주요 피아노 학교, 이것:
런던(Muzio Clementi, Johann Baptist Cramer, John Field);
비엔나(Ludwig van Beethoven, Johann Nepomuk Hummel, Karl Czerny, Ignaz Moscheles, Sigismund Thalberg 등);
파리지앵,나중에 알려진 프랑스 국민(Friedrich Kalkbrenner, Henri Hertz, Antoine Francois Marmontel, Louis Diemer 등);
독일 사람(Carl Maria Weber, Ludwig Berger, Felix Mendelssohn-Bartholdy, Robert Schumann, Hans Bülow 등);
러시아인(Alexander Dubuk, Mikhail Glinka, Anton 및 Nikolai Rubinstein 등).
19세기 공연 스타일
피아노 기술 발전의 역사는 문화와 스타일의 역사입니다. 18-19세기 피아니스트의 필수 기술 중 즉흥 연주는 피아니스트가 아직 작곡가와 분리되지 않았으며 다른 사람의 음악을 연주하는 경우 규칙은 매우 자유롭고 개별적으로 창의적인 것으로 간주되었습니다. 악보를 다루는 과정에서 채색과 변주 관행이 있었는데, 이는 현재 무효로 간주됩니다.
19세기 거장들의 문체는 우리가 그것을 100% 맛도 없고 용납할 수 없다고 생각할 정도로 경영진의 고의로 가득 차 있었습니다.
피아노 음악과 피아니스트 문화의 발전에 있어 두드러진 역할은 런던과 비엔나 학교.
런던 학교의 설립자는 유명한 거장, 작곡가 및 교사였습니다.
무지오 클레멘티(Muzio Clementi, 1752 -1832)
무지오 클레멘티 그의 학생들은 영국식 피아노를 연주했는데, 이 악기는 건반이 매우 타이트했기 때문에 소리가 훌륭하고 명확하고 강한 건반 입력이 필요했습니다. 거장 요한 슈타인이 설계하고 모차르트가 애용한 비엔나 피아노는 강하지는 않지만 선율이 더 풍부하고 건반이 비교적 가볍습니다. 따라서 영국에서 가장 큰 피아노 회사 중 하나의 이사이자 공동 소유주가 된 Clementi는 영국 악기의 개선을 달성하여 더 큰 선율을 제공하고 키보드를 가볍게 했습니다. 이것의 원동력은 1781년 비엔나에서 클레멘티와 모차르트 사이의 개인적인 만남이었는데, 그곳에서 작곡가와 피아니스트로서의 그들의 원래 경쟁은 오스트리아 황제의 궁정에서 열렸습니다. Clementi는 Mozart의 연주와 그의 "피아노 노래"의 충만함에 깊은 인상을 받았습니다.
무지오 클레멘티 -수많은 피아노 작품의 저자이자 가장 큰 교사는 자신의 피아노 연주 학교를 만들었습니다. 그는 피아노 역사상 최초의 교육적인 기술 연습과 연습곡의 저자였으며 그의 방법론적 원리에 대한 아이디어를 제공했습니다.
Clementi 자신과 그의 학생 (I. Kramer, D. Field-가장 재능있는 학생 중 한 명인 E. Brekr)-19 세기 초의 주요 거장-뛰어난 손가락 기술로 구별되었습니다. Clementi는 그의 학생들과 함께 완전한 "콘서트" 사운드와 릴리프 관점을 사용하여 악기를 해석하는 새로운 방법의 개발에 초점을 맞춘 진보적인 기술을 만들었습니다. M. Clementi의 교육학 작업 "Parnassus로의 단계 또는 피아노 연주 예술, 엄격하고 우아한 스타일의 100가지 연습으로 구현됨." 이 작품은 피아니스트 기술 교육을 위한 기본 학교이며, 다양한 콘텐츠와 수행 작업의 양에 놀라움을 금치 못하는 100개의 연습이 있습니다. 런던 학교의 많은 대표자들은 작곡에 핑거 패시지, 더블 노트, 옥타브, 코드 구성, 리허설 및 소리의 탁월함과 다양성을 제공하는 기타 기술을 사용하여 피아니즘 분야에서 대담한 혁신가였습니다.
Clementi 학교는 피아노 교육학의 특정 전통을 탄생시켰습니다.
많은 시간의 기술 연습의 원칙;
고정된 손으로 "고립된" 망치 모양의 손가락으로 연주;
리듬 및 대비 역학의 심각도.
창립자 비엔나 학교하이든, 모차르트, 베토벤과 같은 위대한 피아니스트 작곡가들이 있었습니다.
진보적 인 피아노 교육학의 저명한 대표자는 매우 유명했습니다.
칼(카렐) 체르니(1791-1857)
Czerny의 "Theoretical and Practical Piano School"은 Hummel의 "Manual"과 공통점이 많습니다. 연주 기술, 개발 방법 및 피아니스트에게 필요한 기술 습득 방법에 대해 자세히 말하면서 그는 작업의 세 번째 부분에서 이 모든 것이 "예술의 진정한 목표를 달성하기 위한 수단일 뿐"이라고 강조합니다. 의심 할 여지없이 영혼을 공연과 정신에 담아 청중의 감정과 생각에 영향을 미치는 것입니다.
19세기의 교육 방법은 많은 시간의 훈련을 통해 손가락의 힘과 유창함을 개발하려는 욕구에 기반한 순전히 기술적인 작업으로 축소되었다고 결론지어야 합니다. 이와 함께 19세기 전반기에는 높은 기교를 이룬 클레멘티(Clementi), 아담(Adam), 체르니(Czerny), 필드(Field) 등 뛰어난 스승들의 제자를 중심으로 가장 재능 있는 연주자들이 과감하게 새로운 피아노 연주 기법을 개발하여 악기의 소리, 밝기, 복잡한 악절의 광채. 그들의 작품의 질감에서 특히 중요한 것은 화음 구성, 옥타브, 이중 음표, 리허설, 손 전환 기술 및 손 전체의 참여가 필요한 기타 효과였습니다.
19세기 파리 중심이다 음악 문화, 거장 기술. 파리 피아노 연주 학교의 창시자로 간주됩니다. 작곡가, 피아니스트, 교사
프리드리히 칼크브레너(1785-1849)
그의 작품 "손잡이로 피아노를 가르치는 방법"(1830)에서 다양한 유형의 기술(미세, 근육 스트레칭 등) 개발을 위한 기술 장치의 사용이 입증되었습니다. 특징 이 유형의 학교 - 권위 주의적 교육학 커뮤니티설치. 교육은 악기에 대한 올바른 적합성을 개발하고 가장 간단한 운동 기술 공식을 마스터하는 것으로 시작되었으며 훨씬 후에 학생들은 음악 작품을 배우기 시작했습니다.
기교에 대한 열망은 수업 속도를 강요하고 기계적 운동을 남용하여 직업병을 일으키고 청각 통제력을 감소 시켰습니다.
독일 19세기 이 나라의 낭만적 인 미학에 대한 문학 비평 및 교육학 활동의 영향은 중요합니다.
로베르트 슈만(1810-1856)
중요한 장소 Robert Schumann의 작품에서는 유행하는 거장과 근본적으로 다른 새로운 유형의 진정한 예술가 인 음악가 형성에 대한 질문 개발이 이루어졌습니다. 작곡가는 이것이 음악 문화를 키우는 가장 효과적인 수단 중 하나라고 생각합니다.
음악 교육학의 문제는 Paganini op. Z의 변덕에 관한 Etudes 서문에서 R. Schumann "음악가를위한 집과 삶의 규칙", "청소년을위한 앨범 보충"의 작품에서 다루어집니다. 주요 음악 및 교육학 문제는 다음과 같습니다: 윤리 및 미학 교육의 상호 작용 , 모든 교육의 기초를 형성하는 깊고 다양한 지식 습득, 진지한 예술 원칙의 공식화 및 살롱 방향 및 열정에 대한 비판 "기술을 위한 기술" 작곡과 공연 예술; 딜레타티즘과의 투쟁. 
슈만의 음악적, 교육적 관점은 진보된 현대 기술. 작곡가의 피아노 음악은 오늘날까지도 모든 수준의 커리큘럼에서 활발히 사용되고 있습니다.
위대한 작곡가이자 거장 폴란드 피아니스트에 대해 말하지 않는 것은 불가능합니다.
프리데리케 쇼팽(1810-1849)
19세기 전반에 Frederic Chopin은 피아노만을 위해 작곡한 최초의 작곡가가 되었습니다. 쇼팽은 영재였을 때 수년 동안 많은 학생과 피아노 연주자를 기쁘게 해 온 아름답고 복잡한 피아노 작품을 많이 작곡했습니다. 쇼팽은 빠르게 파리를 정복했습니다. 그는 독특하고 이색적인 퍼포먼스로 단숨에 관객들을 강타했다. 당시 파리는 전 세계의 음악가들로 넘쳐났습니다. Virtuoso 피아니스트가 가장 인기가있었습니다. 기술적인 완성도와 광채로 두각을 나타낸 이 게임은 관객들을 놀라게 했다. 그래서 쇼팽의 첫 콘서트 공연이 그토록 선명한 대조를 이뤘다. 동시대 회고록에 따르면 그의 공연은 놀랍도록 영적이고 시적이었습니다. 유명한 헝가리 음악가 프란츠 리스트의 기억은 쇼팽의 첫 번째 콘서트에 대해 보존되었습니다. 화려한 경력을 시작한 피아니스트 겸 작곡가: “플레이엘 홀에서 그의 첫 공연을 기억합니다. 그의 예술 분야에서의 행복한 혁신과 함께 시적 감정의 발전에 새로운 국면을 열었습니다. 쇼팽은 모차르트와 베토벤이 비엔나를 정복한 것처럼 파리를 정복했습니다. 리스트처럼 그는 세계 최고의 피아니스트로 인정받았다.
헝가리 작곡가, 피아니스트, 지휘자, 교사
프란츠 리스트(1811-1886)
F. Chopin과 동갑이자 친구. Ferenc의 피아노 선생님은 K. Czerny였습니다.
아홉 살 때부터 콘서트에서 연주하면서 Liszt는 처음으로 거장 피아니스트로 유명해졌습니다.
1823-1835년. 그는 파리에서 살면서 콘서트를 열었고, 그곳에서 교육학 및 작곡 활동도 개발했습니다. 여기에서 음악가는 G. Berlioz, F. Chopin, J. Sand 및 기타 저명한 예술 및 문학 인물을 만나 친한 친구가되었습니다.
1835-1839년. 리스트는 스위스와 이탈리아를 여행했고 이 기간 동안 피아니스트로서의 기술을 완성했습니다.
그의 작곡 작업에서 Liszt는 주로 음악과 시와 같은 여러 예술의 합성에 대한 아이디어를 제시했습니다. 따라서 주요 원칙은 프로그래밍입니다 (음악은 특정 플롯이나 이미지로 구성됨). 이탈리아 여행과 그림을 알게 된 결과 이탈리아의 거장~가 되었다 피아노 사이클"방랑의 세월"과 판타지 소나타 "단테를 읽은 후".
프란츠 리스트는 콘서트 피아노 음악의 발전에도 큰 공헌을 했습니다.
19세기 러시아의 음악문화. 일종의 "타임머신"인 것 같습니다. 100년 동안 러시아는 국립 작곡가 학교의 순조롭고 점진적인 발전을 비교할 수 없는 3세기의 길을 통과했습니다. 주요 국가서유럽. 그리고 그 당시 러시아 작곡가들은 진정한 의미에서 축적 된 풍부한 민속 예술을 마스터하고 아름답고 완벽한 형태로 민속 사상을 되살려 냈습니다. 고전 음악.
18 세기 말-19 세기 초. 러시아의 음악 교육학이 첫 걸음을 내딛고 있습니다. 러시아 피아노 학교가 형성되고 있습니다. 외국의 교수법을 적극적으로 개발함과 동시에 국립 피아니즘 학교를 만들고자하는 고급 러시아 교사의 열망.
서유럽과 달리 러시아는 16세기부터 하프시코드가 알려져 있었지만 고도로 발달된 클라비어 문화를 알지 못했습니다. 러시아 청취자들은 오로지 성악, 러시아에 존재하는 건반 악기는 노래와 춤을 반주하는 데 사용되었습니다. XVIII 세기 말에만. clavier 연주 학습에 대한 관심 증가. Daniel Gottlieb Türk의 "Clavier School"에서 발췌한 Simon Lelein의 Clavier School이 러시아어로 출판되었습니다. 
19세기 초 빈센조 만프레디니(Vincenzo Manfredini)의 "모든 음악 교육을 위한 화성 및 선율의 규칙"이라는 논문이 출판되었습니다. 이와 함께 19세기 전반에 외국 음악가들의 다양한 피아노 학교가 러시아어로 출판되었다: M. Clementi의 피아노 학교(1816), D. Steibelt의 완전한 실용 피아노 학교(1830), F Günten(1838) 등 .
19 세기 전반의 저명한 음악가 교사 중. I. Prach, John Field, Adolf Henselt, A. Gercke, Alexander Villuan이었습니다.
이 기간 동안 러시아 작가 학교도 러시아에서 졸업했으며, 그 편집자는 러시아 음악가를 교육하는 작업에 더 가까운 교습 도구를 가져 오려고했습니다. I. Prach의 "School"레퍼토리 (체코, 실명 Jan Bohumir, 생년월일 미상, 1818 년 사망, 상트 페테르부르크에서 다양한 교육 기관의 음악 교사로 오랫동안 일한 작곡가) 포함 , 예를 들어 러시아 작가의 많은 작품.
원래 가이드에서 I. 프라차"Complete School for Piano..."(1806)는 러시아 공연 문화의 특성을 고려했습니다. 아이들의 음악 교육에 대한 질문이 제기되었습니다. Prach는 피아노 교육학의 발전에 크게 기여했습니다. 다양한 실행 방법을 결정하는 방법론적 지침을 기반으로 이론적 조항을 구체화합니다. (하모닉 형상, 아르페지오 및 화음, 깨진 옥타브 등) 특정 기술이나 움직임을 보여주는 예.
활동 J. 필드음악가이자 교사로서 러시아 피아노 교육학에서 매우 중요했습니다. 그는 M. Glinka, A. Verstovsky, A. Gurilev, A. Gerke 등과 같은 유명한 음악가들의 은하계를 키웠습니다. 물론 Field의 학교는 매우 중요했습니다. 그는 최고의 피아노 학교의 설립자로 간주될 수 있습니다. 20-30대. 19 세기 그의 연구에서 Field는 표현의 표현력, 각 음표 소리의 선조 마무리, 작업 내용의 공개와 같은 예술적 목표에 기술 작업을 종속시키려고했습니다.
A. 헨젤트그리고A. 게르케
그들은 일반 교육 기관과 St. Petersburg Conservatory에서 가르쳤습니다. 그들의 교육 방법은 다음과 같은 러시아 피아노 학교의 진보적인 방향을 반영했습니다. 광범위한 레퍼토리 사용을 기반으로 한 지평 개발, 학생의 독립성을 교육하려는 욕구. 그들은 "훈련", "드릴링"방법에 대한 열렬한 반대자였습니다.
A. 빌루안진보적인 교육자였다. 그의 역사적 역할그가 아이 A. Rubinstein의 음악적 재능을 풀고 그의 발달에 올바른 방향을 제시했다는 사실에 있습니다. Villuan의 교육 방법의 가장 좋은 측면은 그의 실용적인 활동, 그의 "학교"(1863)에 반영되었습니다. 그가 발견한 소리 추출 방법인 피아노에서 "노래"는 가장 강력한 방법 중 하나가 되었습니다. 예술적 수단 A. 루빈스타인의 게임. "학교"는 피아니스트의 기술 교육 및 음악 교육과 관련된 많은 양의 지식을 다룹니다. 특히 가치있는 것은 오늘날에도 그 중요성을 잃지 않는 합리적인 기술이 사용되는 레가토 개발에 대한 멜로디 깊은 피아노 사운드 달성에 대한 Villuan의 견해입니다.
러시아 혁명 이전 및 혁명 이후 예술의 역사에서 주도적 인 역할은 다음과 같습니다. 상트페테르부르크와 모스크바 음악원 
국내 최대의 음악 문화 중심지. 두 음악원의 활동은 긴밀한 접촉으로 발전했으며, 이는 작업의 공통성뿐만 아니라 상트 페테르부르크 음악원의 학생들이 모스크바에서 자주 일했고 Muscovites가 상트 페테르부르크의 교사가되었다는 사실에 의해 결정되었습니다. 온실.
그래서 P. I. Tchaikovsky는 St. Petersburg Conservatory를 졸업하고 모스크바 음악원의 첫 번째 교수 중 한 명이되었습니다. L. Nikolaev (모스크바 음악원의 V. Safonov 학생)-나중에 레닌 그라드 피아노 학교의 주요 대표자 중 한 명; Nikolaev의 학생 V. Sofronitsky와 M. Yudina는 몇 년 동안 모스크바에서 일했습니다.
상트페테르부르크와 모스크바 음악원 설립자, 형제
안톤과 니콜라이 루빈스타인,
음악원을 지도하는 동안 그들은 젊은 음악가 훈련을 위한 근본적인 토대를 마련했습니다. 그들의 제자 (A. Siloti, E. Sauer - Nikolai의 학생; G. Cross, S. Poznanskaya, S. Drukker, I. Hoffman - Anton의 학생)는 세계 음악계. 
Rubinstein 형제의 노력을 통해 러시아 피아노 교육학은 19 세기 후반에 습득했습니다. 큰 명성과 국제적 인정. 러시아가 피아노 연주를 배우는 첫 번째 장소 중 하나를 차지했다는 사실은 그들에게 빚지고 있습니다.
19세기 서유럽과 러시아의 선진 음악가 교사들은 학생에게 영향을 미치는 합리적이고 독창적인 방법을 찾고 있었다고 결론지을 수 있습니다. 그들은 기술 작업을 합리화하는 효과적인 방법을 찾고 있었습니다. clavier 음악 제작의 전통과 피아니스트의 연주 기술 형성 과정의 본질, 19 세기 방법론에 대해 지난 세기에 발전된 아이디어를 창의적으로 사용합니다. 피아니스트 장치의 총체적 사용이라는 편리한 연주 원칙을 정당화했습니다. 19세기에 에튜드와 연습문제에 대한 방대한 데이터베이스가 만들어졌으며 오늘날까지도 피아노 교육에 없어서는 안 될 필수 요소로 남아 있습니다. 
분석 음악적 소재인간 손의 구조적 특징과 관련된 핑거링 원리, 자연스러운 게임 동작을 찾고자 하는 욕구에 제작자가 내재되어 있음을 보여줍니다.
그러나 19세기라는 점에 주목해야 한다. 음악 교육학 및 교육에 뛰어난 유망한 아이디어 시스템을 제공했으며 무엇보다도 그의 창의적인 개성의 신속한 개발을 통해 잘 교육받은 음악가를 교육하려는 열망을 제공했습니다.
더블 엑스세기
20 세기 - 피아노 예술의 전성기. 이 시기는 유난히 재능 있고 뛰어난 피아니스트가 풍부합니다.
20세기 초 유명해졌다. 호프만그리고 코르토, 슈나벨그리고 Paderevsky.그리고 자연스럽게 와 함께. 라흐마니노프,은 시대의 천재, 새로운 시대피아노 음악뿐만 아니라 일반적으로 세계 문화에서도 마찬가지입니다.
20세기 후반은 다음과 같은 유명한 피아니스트의 시대입니다. 스뱌토슬라프 리히터, 에밀 길렐스, 블라디미르 호로비츠, 아서 루빈스타인, 빌헬름 켐프목록은 계속됩니다…
20세기 공연 스타일
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이는 음악적 텍스트에 대한 깊은 이해와 작곡가의 의도가 정확히 전달되고 작품에 내재된 예술적 이미지를 사실적으로 해석하기 위한 기반으로 음악의 스타일과 본질을 이해하고자 하는 바람이다.
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19세기 말~20세기 초 -세계 예술 문화의 역사에서 매우 다사 다난 한시기. 사회권을 위한 투쟁에 점점 더 적극적으로 뛰어드는 대중의 민주주의 문화와 부르주아 엘리트 문화의 대립은 극도로 격화되었다.
주요 아티스트이 시대의 진화 위기의 특징을 인식 새로운 음악: I.F. 스트라빈스키는 "우리는 인간 존재의 기반이 흔들리는 시대에 살고 있다"고 주장했다. 현대인가치와 안정감을 잃습니다 .... 정신 자체가 병들었기 때문에 우리 시대의 음악, 특히 그것이 창조하는 것, 그것이 진실이라고 생각하는 것은 병적 부족의 징후를 수반합니다. 다른 주요 뮤지션들의 입에서 비슷한 고백이 한 번 이상 들릴 수 있습니다.
그러나 시대의 위기 영향에도 불구하고 음악은 새로운 경지에 도달했습니다. 피아노 교육학은 많은 흥미로운 작품으로 풍성해졌습니다. 출판 된 작품 작가의 관심은 학생들의 예술적 숙달 문제로 향했습니다.
뛰어난 피아니스트 교사 G. 노이하우스, G. 호프만, I. 코간성공적인 학생 학습을 위한 개발된 방법.
하인리히 구스타보비치 노이하우스(1888-1964) - 피아니스트, 교사, 음악 작가. 가장 큰 소비에트 피아노 학교의 설립자. 그가 쓴 모든 글에는 예술, 피아노 음악, 연주에 대한 열정적인 사랑이 담겨 있습니다.
우리에게 가장 흥미로운 것은 "On the Art of Piano Playing"이라는 책입니다.
이 책은 비유적 언어, 많은 작곡가, 연주자 및 교사에 대한 판단으로 가득 차 있습니다. 그것은 모든 피아니스트와 관련된 새로운 문제와 질문을 제기합니다. 자신의 창작 경로에 대한 기억에 전념하는 음악 자서전의 성격을 가진 많은 페이지가 있습니다. 그러나 이 즉흥 연주에서는 피아노 예술에 대한 작가의 견해와 교사의 과제가 분명히 드러납니다. 그의 작품에서 Neuhaus는 예술적 이미지, 리듬, 사운드, 기술 작업, 운지법 및 페달링, 교사와 학생의 작업, 음악가의 콘서트 활동에 대해 씁니다.
주로 레시피를 제공하는 소위 "교과서" 방법론- "어려운 규칙"이 사실이고 입증된 경우에도 항상 초기의 단순화된 방법론일 뿐이며 지속적으로 개발이 필요함을 보여줍니다. , 실제 생활, 추가 또는 자신이 말했듯이 "변증 법적 변형"에 직면했을 때 설명. 그는 교육학 작업에서 "코칭 방법"과 "동일한 작품의 끝없는 빨기"에 대해 "디렉팅은 학생과 함께 모든 것을 할 수 있다"는 잘못된 입장에 대해 날카롭게 그리고 기질적으로 반대합니다. 그는 일반적인 음악 연주 문제뿐만 아니라 더 좁은 범위의 기술적 문제까지 변증법적으로 해결하려고 합니다.
노이하우스는 교사의 역할을 정의하면서 교사는 피아노 교사가 아니라 음악 교사가 되기 위해 노력해야 한다고 생각합니다.
Neuhaus는 그의 교육학 작업에서 "음악적"과 "기술적"의 관계에 특별한 관심을 기울였습니다. 따라서 그는 주로 음악 자체의 경로에서 학생의 정신에 영향을 미치는 영역에서 학생 움직임의 기술적 불확실성, 뻣뻣함을 극복하려고 노력했습니다. 그는 학생들에게 '어려운 곳'에서 일하는 방법을 추천할 때도 비슷하게 행동했다. 그의 의견으로는 "어려움", "복잡함", "익숙하지 않은"모든 것은 가능하면 더 "쉬운", "단순한", "친숙한"으로 축소되어야합니다. 동시에 그는 난이도를 높이는 방법을 포기하지 말 것을 강력히 권고했습니다. 이 방법의 도움으로 플레이어는 해당 기술, 그 경험을 습득하여 문제를 완전히 해결할 수 있기 때문입니다. 
마지막으로 Neuhaus는 학생을 음악에 더 가깝게 만들고 보여주고 있는 작품의 내용을 그에게 보여주고 생생한 시적 방식으로 그에게 영감을 줄 뿐만 아니라 형식에 대한 자세한 분석을 제공하기 위해 모든 방법을 시도했습니다. 작업의 구조 - 멜로디, 하모니, 리듬, 폴리포니, 텍스처 - 한마디로 학생에게 음악의 패턴과 구현 방법을 공개합니다.
말하자면 율 노이하우스는 연주 과정을 구성하는 가장 중요한 요소 중 하나로 피아니스트가 형식적인 측면에서 어떤 주요 작품도 만족스럽게 연주할 수 없는 "오래 생각하는" 능력인 "전체 감각"의 중요성을 강조합니다. .
저자는 과소 평가를 고려 소리 (소리 듣기 부족) 및 과대 평가, 즉 "관능적 인 아름다움을 음미합니다." 이런 질문을 던지면서 노이하우스는 소리의 아름다움에 대한 개념을 새로운 방식으로 정의합니다. 즉, 스타일과 내용에 얽매이지 않는 추상적인 개념이 아니라 연주되는 음악의 스타일과 본질에 대한 이해에서 도출됩니다.
동시에 그는 하나의 음악 작품과 '음악적 자신감'이 피아노 기교를 마스터하는 문제를 해결하지 못한다고 강조한다. 느리고 강한 게임까지 신체 훈련도 필요합니다. "이러한 작업에서 다음 규칙을 준수해야 합니다. 손에서 어깨 관절까지 팔 전체가 완전히 자유롭고 어디에서나 "동결"되지 않고 고정되지 않았는지 확인하고 완전한 평온을 유지하고 엄격하게 "필요한" 움직임만 사용하면서 "강화"하지 않고 잠재적인(!) 유연성을 잃지 않습니다.
당신의 관점을 결정 운지법, Neuhaus는 최고의 운지법은 이 음악의 의미를 더 정확하게 전달할 수 있게 해주는 운지법이라고 썼습니다. 작가의 정신, 성격 및 음악 스타일과 관련된 운지법은 가장 아름답고 심미적으로 정당하다고 말합니다.
유사한 방식으로 Neuhaus는 문제를 정의합니다. 페달링. 그는 구문의 일부 섹션이 시인의 언어에 따라 페달을 밟는 방법에 대한 일반적인 규칙은 예술적 페달링에 있다고 올바르게 말합니다. 본질적으로 그의 의견으로는 올바른 페달이 없습니다. 예술적 페달은 사운드 이미지와 분리할 수 없습니다. 이러한 생각은 저자가 다양한 페달링 방법에 어떤 중요성을 부여했는지 분명한 여러 가지 흥미로운 예를 통해 책에서 뒷받침됩니다.
네이가우스는 피아니스트의 기교를 음악에 대한 이해와 예술적 열망과 유기적으로 연결된 어떤 것으로 간주했다고 말할 수밖에 없다. 사실 이것은 일반적으로 소비에트 공연 학교, 특히 S. Richter, E. Gilels, J. Zak 및 기타 많은 뛰어난 피아니스트와 같은 뛰어난 연주자를 교육 한 Neuhaus 학교의 기초입니다.
기사와 책은 소비에트 피아노 학교에 독특한 기여를 했습니다.
그레고리 미하일로비치 코간 (1901-1979)
"At the gates of mastery"라는 책에서 저자는 피아니스트 작업의 성공을 위한 심리적 전제 조건에 대해 이야기합니다. 이 작업에서 그는 "세 가지 주요 링크"를 식별합니다. 목표에 대한 명확한 비전, 이 목표에 초점을 맞추고 이를 달성하려는 지속적인 의지입니다. 그는 이 결론이 새로운 것이 아니며 피아니스트뿐만 아니라 모든 예술 분야와 인간 노동 활동에 적용된다는 점을 올바르게 지적합니다.
책의 서문에서 그는 수업의 성공을 위해 필요한 조건 인 그의 작업에서 올바른 심리적 조정의 역할에 대해 피아니스트 정신의 중요성에 대해 이야기합니다. 이 주제는 연기자뿐만 아니라 학생의 정신 형성과 심리적 적응에 많은 영향을 미치는 교사에게도 큰 관심이 있습니다.
Kogan은 피아니스트의 작업에서 성공을 결정하는 목표, 의지, 주의력, 집중력, 자제력, 상상력 및 기타 요소에 대해 말하면서 잉태되고 사랑받는 음악적 이미지를 이상적으로 표현하려는 열정적 인 욕구의 필요성을 추가합니다. 형태. 그는 공연 전과 공연 중 연주자의 '창의적 평온함'과 설렘에 특별한 관심을 기울인다.
한 작품에 대한 피아니스트 작업의 다양한 단계를 고려하여 Kogan은 이 과정의 세 단계를 자세히 설명합니다. 1) 감상과 미리보기, 2) 조각조각 배우기, 3) 최종단계인 작품의 '조립'.
Kogan은 프레이징, 핑거링, 기술적 재편성 및 어려움의 정신적 표현에 대한 질문에 대해 특히 자세히 설명했습니다. 거의 그가 분석한 모든 것은 부조니의 피아니스트 원리에 기초하고 있습니다.
이 책에는 공연 예술의 일부 측면에 대한 분석도 포함되어 있습니다. 체계적인 문헌상대적으로 적은 관심을 받았다. 예를 들어, 여기에는 다양한 에피소드의 구두 하위 텍스트에 대한 질문이 포함됩니다. 피아노 작품, "보조 억양 가이드" 역할을 할 수있어 "호흡의 자연스러운 분포, 개별 억양의 설득력있는 "발음"을 쉽게 찾을 수 있습니다.
Kogan의 교육적 유산을 연구한 결과, Kogan의 작품은 주로 근본적인 방법론적 지침피아노 공연 예술의 현대 소련 피아니스트 학교.
금세기 초 가장 위대한 피아니스트 중 한 명, 20세기 공연 예술의 영광
조셉 호프만(1876-1957)
순회 음악가의 전통을 문명화 된 형태로 보존하는 현상 인 여행 예술가의 운명은 오랫동안 Hoffmann의 많은 것이되었습니다. Hoffmann도 교육 활동에 참여했지만 공연만큼 밝지는 않았습니다.
Hoffmann은 연구 기간을 매우 중요하게 생각했습니다. 교사의 필요성, 그를 신뢰해야 할 요구 사항, 연기자 형성에 대한 그의 중요성-이것이 Hoffmann의 책 페이지에 반복적으로 나타나는 동기입니다. Hoffmann 자신은 그의 교사들과 함께 운이 좋았습니다. 그들은 유명한 피아니스트이자 작곡가 인 Moritz Moszkowski (훌륭한 거장 연구 및 살롱 작품의 저자)와 Hoffmann의 창의적인 삶에서 주요 사건 중 하나가 된 유명한 Anton Rubinstein이었습니다.
Hoffmann의 삶에서 그의 창조적 운명, 사고 방식, 삶의 방식에 근본적인 영향을 미친 또 다른 중요한 사건은 미국으로의 이주 (그리고 나중에 미국 시민권 채택)였습니다. 따라서-삶에 대한 냉정하고 실용적인 전망, 창의적 문제를 포함한 모든 것에 대한 사업 적 접근 방식; 이 순전히 미국적인 실용성은 책과 기사에서 모두 눈에 띕니다.
1914년 그의 저서 Piano Playing Answers to Questions About Piano Playing에서 Hoffmann이 좋은 피아노 연주에 기여하는 일반적인 원칙을 설명했다는 것은 중요합니다. 그는 오전 수업의 장점을 강조한다. 그는 한 시간 이상 공부하지 말고 연속으로 최대 두 시간을 공부하라고 조언합니다. 모든 것은 신체 조건에 달려 있습니다. 그는 또한 공부하는 작품의 시간과 순서를 바꾸라고 조언한다. 피아니스트의 관심은 그가 훌륭하게 이해한 피아노 연주의 "기술"에 대한 토론에 집중됩니다. Hoffman은 악기가 없는 작업(음표가 있든 없든)을 중요하게 생각합니다.
특히 중요한 것은 "정신적 기술"에 대한 Hoffmann의 생각입니다. 형식과 질감의 분석으로 연극 분석을 시작해야 할 필요성입니다. 또한 구문 분석 과정에서 각 구절은 "피아노에서 테스트하기 전에 정신적으로 완벽하게 준비되어야 합니다."
Hoffmann은 스타일의 많은 특징에서 매우 현대적입니다. 그것은 실용성으로 우리에게 가깝습니다. 모든 것이 본질적으로 불필요한 것은 아닙니다.
은시대의 천재, 위대한 피아니스트, 작곡가, 지휘자
세르게이 라흐마니노프(1873-1943)
5세부터 체계적으로 음악 공부 시작 나이. 1882년 세르게이는 상트페테르부르크에 입성했다.온실. 1885년에 그는 모스크바로 이주하여 모스크바 음악원의 학생이 되었으며, 그곳에서 먼저 유명한 피아니스트이자 교사인 N. S. Zverev(그의 학생은 러시아 작곡가이자 피아니스트인 Alexander Nikolaevich Skryabin이기도 함)와 1888년부터 피아니스트와 지휘자 Alexander Ilyich Siloti (피아노); 작곡가, 피아니스트 및 지휘자 Anton Stepanovich Arensky (작곡, 악기, 하모니); 작곡가, 피아니스트, 뮤지컬 및 공인 Sergei Ivanovich Taneyev (엄격한 작문의 대위법).
라흐마니노프는 19세기와 20세기 전환기의 가장 위대한 음악가 중 한 명입니다. 그의 예술은 삶의 진실성, 민주적 지향, 진정성 및 예술적 표현의 정서적 완전성으로 구별됩니다. 라흐마니노프는 클래식 음악, 특히 러시아 최고의 전통을 따랐습니다. 그는 러시아 자연의 감미로운 가수였습니다.
화해할 수 없는 항의와 조용한 사색의 열정적인 충동, 떨리는 경계심과 강한 의지, 우울한 비극과 열광적인 찬송가가 그의 작곡에 밀접하게 공존한다. Rachmaninov의 음악은 지칠 줄 모르는 선율과 부성 다성음의 풍부함을 가지고 러시아 민요 소스와 Znamenny 성가의 일부 기능을 흡수했습니다. 원래 기초 중 하나 음악 스타일 Rachmaninov - 리듬 에너지와 멜로디 호흡의 폭과 자유의 유기적 조합. 조국을 주제로 한 성숙한 창의성라흐마니노프. 피아니스트로서의 Rachmaninov의 이름은 F. Liszt 및 A. G. Rubinstein의 이름과 동등합니다. 경이로운 기술, 선율의 깊이있는 음색, 유연하고 오만한 리듬이 라흐마니노프의 연주에 완전히 순종했습니다.
피아니스트 라흐마니노프의 명성은 충분히 컸고 곧 진정한 전설이 되었습니다. 자신의 음악에 대한 그의 해석과 낭만적인 작곡가인 Fryderyk Chopin, Robert Schumann, Franz Liszt의 작품은 특별한 성공을 거두었습니다. 라흐마니노프의 도시와 국가를 떠돌아다니는 비르투오소 피스트로서의 콘서트 활동은 거의 25년 동안 중단 없이 계속되었습니다.
우연의 일치로 미국으로 이주한 그는 이곳에서 외국 공연자와 함께 한 놀라운 성공을 거두었습니다. 청중은 라흐마니노프의 높은 연주 실력뿐만 아니라 그의 연주 방식과 뛰어난 음악가의 화려한 본성이 숨겨져있는 외적인 금욕주의에 매료되었습니다. "그런 식으로 자신의 감정을 표현할 수있는 사람은 우선 완벽하게 마스터하는 법을 배워야합니다. 마스터가 되려면 ..."-리뷰 중 하나에 작성되었습니다.
라흐마니노프 연주의 축음기 녹음은 그의 경이로운 기술, 형태 감각, 세부 사항에 대한 예외적으로 책임감 있는 태도에 대한 아이디어를 제공합니다. Rachmaninov의 피아니즘은 Vladimir Vladimirovich Sofronitsky, Vladimir Samoilovich Horowitz, Svyatoslav Teofilovich Richter, Emil Grigorievich Gilels와 같은 뛰어난 피아노 연주 마스터에게 영향을 미쳤습니다.
미국 피아니스트 - 우크라이나계 유대인 출신의 거장, 20세기 최고의 피아니스트 중 한 명
블라디미르 사모일로비치 호로비츠
(1903-1989)
1928년 미국에서 러시아 출생. 낭만적 인 공연 스타일을 대표합니다 (F. Liszt의 작품, 자신의 필사본, Fryderyk Chopin, 러시아 작곡가 등 포함).
Vladimir Horowitz는 키예프 음악 대학에서 V. Pukhalsky, S. V. Tarnovsky 및 F. M. Blumenfeld와 함께 공부했으며 1913년 9월에 키예프 음악원으로 전환되었습니다. 1920 년 졸업 후 V. Horowitz는 체육관 졸업 증명서가 없었기 때문에 졸업장을받지 못했습니다. 그는 1920년 Kharkov에서 첫 단독 콘서트를 열었습니다(그러나 기록된 첫 공개 콘서트는 1921년 12월 키예프에서 열렸습니다). 그런 다음 그는 젊은 Odessan-바이올리니스트 Natan Milshtein과 함께 러시아의 여러 도시에서 콘서트를 열었습니다. 그는 국가의 어려운 경제 상황으로 인해 돈보다 빵으로 더 자주 지불했습니다.
1922년부터 러시아, 우크라이나, 조지아, 아르메니아의 도시에서 콘서트를 개최한 Horowitz는 방대한 양의 레퍼토리를 축적해 왔습니다. 예를 들어, 3개월(1924년 11월 - 1925년 1월) 동안 그는 20개의 콘서트로 구성된 유명한 "Leningrad 시리즈"에서 150개 이상의 곡을 연주했습니다. 피아니스트로서의 초기 성공에도 불구하고 Horowitz는 작곡가가 되고 싶다고 주장했지만 1917년 혁명 동안 모든 재산을 잃은 가족을 돕기 위해 피아니스트로서의 경력을 선택했습니다. "혁명의 아이들"(Lunacharsky가 그의 기사 중 하나에서 그들을 불렀던 것처럼)의 성공은 압도적이었습니다. 이 젊은 음악가들의 찬사 클럽이 많은 도시에서 생겨났습니다.
1925년 9월, 블라디미르 호로비츠는 독일로 떠날 기회를 얻었습니다(공식적으로 그는 유학을 떠났습니다). 떠나기 전에 그는 레닌그라드에서 P. I. 차이콥스키의 협주곡 1번을 배우고 연주했다. 이 작품 덕분에 그는 유럽에서 유명해졌습니다. 이 협주곡은 피아니스트의 삶에서 "치명적인"역할을했습니다. 매번 유럽과 미국 국가에서 승리를 거둔 Horowitz는 정확히 P. I. 차이코프스키의 첫 번째 협주곡을 연주했습니다. 피아니스트를 따라 밀슈타인도 1925년 12월 독일로 떠났다. 유럽에서 두 음악가는 뛰어난 거장으로 빠르게 명성을 얻었습니다. Horowitz는 소련 당국에 의해 1927년 제1회 쇼팽 국제 콩쿠르에서 우크라이나 대표로 선발되었지만 피아니스트는 서구에 머물기로 결정했고 따라서 콩쿠르에 참가하지 않았습니다. 1940년까지 그는 유럽의 거의 모든 국가에서 콘서트와 함께 여행했으며 모든 곳에서 놀라운 성공을 거두었습니다. 파리에서 V. Horowitz가 공연을 하고 있을 때 헌병이 소집되어 청중을 진정시켰고 청중은 황홀경에 빠져 의자를 부수었습니다. 1928년 블라디미르 호로비츠는 뉴욕의 카네기 홀에서 훌륭하게 공연했으며 미국의 여러 도시를 순회하며 큰 성공을 거두었습니다.
독일에 뿌리를 둔 러시아 피아니스트
스뱌토슬라프 테오필로비치 리히터
(1915 – 1997)
그는 어린 시절과 청소년기를 오데사에서 보냈으며 그곳에서 비엔나에서 교육받은 피아니스트이자 오르간 연주자 인 아버지와 함께 공부했으며 오페라 하우스에서 반주자로 일했습니다. 그는 1934년에 첫 콘서트를 열었습니다. 22세에 공식적으로 독학으로 모스크바 음악원에 입학하여 하인리히 노이가우스에게 사사했습니다. 1940년 그는 프로코피예프의 소나타 6번을 연주하면서 모스크바에서 처음으로 공개석상에 모습을 드러냈다. 이후 그의 7번과 9번 소나타(후자는 리히터에게 헌정됨)의 첫 번째 연주자가 되었습니다. 1945년에 그는 All-Union 공연 음악가 대회에서 우승했습니다.
전문 분야의 첫 단계부터 그는 뛰어난 규모의 거장이자 음악가로 인식되었습니다.
몇 세대에 걸쳐 소비에트와 러시아 음악가와 음악 애호가들에게 리히터는 뛰어난 피아니스트일 뿐만 아니라 최고의 예술적, 도덕적 권위를 지닌 현대 보편적 음악가이자 교육자의 의인화이기도 했습니다. 활동적인 삶의 말년까지 확장된 리히터의 방대한 레퍼토리에는 바흐의 평균율 클라비에와 헨델의 모음곡부터 거슈윈의 협주곡, 베베른의 변주곡, 스트라빈스키의 악장에 이르기까지 다양한 시대의 음악이 포함되어 있습니다.
모든 레퍼토리 영역에서 Richter는 음악 텍스트에 대한 접근 방식의 절대적인 객관성(작가의 지시에 대한 신중한 준수, 세부 사항에 대한 자신감 있는 제어, 수사적 과장 방지)과 비정상적으로 높은 극적인 톤 및 해석의 영적 집중.
예술에 대한 리히터의 고조된 책임감과 자신을 포기하는 능력은 앙상블 연주에 대한 각별한 집념에서 드러났다. 리히터의 경력 초기에 그의 주요 앙상블 파트너는 피아니스트 Anatoly Vedernikov, Neuhaus의 학생, 가수 Nina Dorliak(소프라노, Richter의 아내), 바이올리니스트 Galina Barinova, 첼리스트 Daniil Shafran, Mstislav Rostropovich(그들의 완벽한 진정한 고전적 콜라보레이션 – 모두 베토벤의 첼로 소나타). 1966년에 Richter와 David Oistrakh의 공동체가 시작되었습니다. 1969년 그들은 쇼스타코비치의 바이올린 소나타를 초연했습니다. Richter는 Quartet의 빈번한 파트너였습니다. 보로딘과 기꺼이 음악가들과 협력 젊은 세대, Oleg Kagan, Elizaveta Leonskaya, Natalia Gutman, Yuri Bashmet, Zoltan Kochis, 피아니스트 Vasily Lobanov 및 Andrey Gavrilov를 포함합니다. 솔로이스트이자 앙상블 연주자로서의 리히터의 예술은 수많은 스튜디오 및 라이브 녹음에서 불멸의 존재로 남아 있습니다.
소련 피아니스트, 소련 인민 예술가
에밀 그리고리예비치 길렐스(1916-1985)
Emil은 5세 반에 피아노를 연주하기 시작했으며 그의 첫 번째 교사는 Yakov Tkach였습니다. 빠르게 상당한 성공을 거둔 Gilels는 1929년 5월 Liszt, Chopin, Scarlatti 및 기타 작곡가의 작품을 연주하면서 처음으로 대중 앞에 모습을 드러냈습니다. 1930년에 Gilels는 Odessa Institute of Music(현재의 Odessa Conservatory)에 입학했습니다.
그리고 이듬해에 그는 전 우크라이나 피아노 콩쿠르에서 우승했고, 1년 후에는 그의 연주에 찬사를 보낸 아서 루빈스타인을 만났습니다.
명성은 1933년 제1회 All-Union Performing Musicians 콩쿠르에서 우승한 후 소련 전역에서 수많은 콘서트가 이어졌습니다. 1935년 오데사 음악원을 졸업한 후 길렐스는 모스크바 음악원 대학원에 하인리히 노이하우스의 반으로 입학했다.
1930년대 후반에 피아니스트는 주요 국제적 성공을 거두었습니다. 그는 비엔나(1936)에서 열린 국제 콩쿠르에서 2위를 차지했으며 Jacob Flier에게만 패했고 2년 후 그는 그로부터 복수하여 이사야 콩쿠르에서 우승했습니다. 플라이어가 3위에 머물렀던 브뤼셀. 모스크바로 돌아온 Gilels는 Neuhaus의 조수로 음악원에서 가르치기 시작했습니다.
전쟁 기간 동안 Gilels는 군사 후원 활동에 참여했으며 1943 년 가을 포위 된 레닌 그라드에서 콘서트를 열었고 전쟁이 끝난 후 활발한 콘서트 및 교육 활동으로 돌아 왔습니다. 그는 여동생인 바이올리니스트 Elizaveta Gilels 및 Yakov Zak과 자주 공연했습니다. 1950년] 그는 Leonid Kogan(바이올린)과 Mstislav Rostropovich(첼로)와 함께 피아노 트리오를 결성했고, 1945년에 처음으로 해외에서 콘서트를 열었고(그렇게 허용된 최초의 소련 음악가 중 한 명이 됨) 이탈리아, 스위스, 프랑스 및 스칸디나비아 국가. 1954년에 그는 파리의 플레이엘 홀에서 공연한 최초의 소련 음악가였습니다. 1955년에 피아니스트는 소련 음악가 최초로 미국에서 콘서트를 열어 유진 오만디가 지휘하는 필라델피아 오케스트라와 차이콥스키의 피아노 협주곡 1번과 라흐마니노프의 협주곡 3번을 연주했고 곧 카네기 홀에서 독주회를 열었습니다. 대성공. 1960년대와 1970년대에 Gilels는 세계에서 가장 인기 있는 소비에트 음악가 중 한 명으로 1년에 약 9개월 동안 콘서트와 해외 투어를 했습니다.
요약하면, 소비에트 피아니즘의 가장 저명한 대표자들의 방법론적 원칙과 책은 피아노 연주와 교육학에 대한 접근 방식의 모든 개성에 대해 이 음악가들의 견해가 공통점이 많다는 것을 보여준다는 점에 주목하고 싶습니다. 이는 음악적 텍스트에 대한 깊은 이해와 작곡가의 의도가 정확히 전달되고 작품에 내재된 예술적 이미지를 사실적으로 해석하기 위한 기반으로 음악의 스타일과 본질을 이해하고자 하는 바람이다.
이와 관련하여 전형적인 진술 중 하나입니다. G. G. 노이하우스: "우리는 모두 같은 것에 대해 이야기하지만 다른 단어로 이야기합니다." 이것은 일반적이며 훌륭한 피아니스트와 뛰어난 교사를 키운 소련 피아니스트 학교의 원칙을 결정합니다.
XXI세기
21세기 공연 스타일
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21세기 초에도 음악 공연의 두 가지 주요 영역인 초월적 기교와 해석의 의미가 계속해서 존재합니다. 20세기 말에 이들 지역은 점점 더 밀집되어 서로 분리되었습니다. 그러나 피아니스트가 공연 예술의 한 흐름과 다른 흐름 모두에 동시에 봉사할 수 있게 되면서 새로운 현상이 일어났습니다.
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공연 전통은 다음의 영향을 받습니다. 전체 경쟁, 이 경우 음악 작품의 뛰어난 경쟁 수준은 콘서트 무대를 포함하여 따라야 하는 점점 더 친숙한 패턴이 됩니다.
녹음의 이상과 연주의 경쟁 수준은 콘서트 전통에 영향을 미치기 때문에 피아노 연주의 질을 크게 높여야 했습니다. 앙코르뿐만 아니라 프로그램의 각 작품은 공연 예술의 걸작 수준으로 울려야 합니다. 사운드 엔지니어링과 여러 공연 옵션의 컴퓨터 편집 덕분에 스튜디오에서 가능했던 것이 바로 지금, 여기 무대에서 일어나야 합니다.
국제 대회와 축제는 피아노 예술의 세계화에 기여합니다.
우리는 P.I. 차이코프스키 콩쿠르 이후에 그들의 이름을 가장 자주 배웁니다. 이 대회는 Van Cliburn, Vladimir Ashkenazy, Vladimir Krainev, Mikhail Pletnev, Boris Berezovsky, Nikolai Lugansky, Egeny Kissin, Denis Matsuev, Zhania Aubakirova와 같은 피아니스트들에게 명성을 안겨주었습니다.
러시아인의 마음을 사로잡은 미국 피아니스트
차이코프스키 국제 콩쿠르 첫 우승(1958)
반 클라이번(1934-2013)
미국 피아니스트 Van Cliburn(일명 Harvey Levan Clyburn)은 아마도 우리나라에서 가장 사랑받는 외국 음악가일 것입니다. Van Cliburn의 연주 기술을 처음으로 높이 평가한 것은 러시아 대중이었고 그가 세계적으로 유명한 음악가가 된 것은 러시아를 방문한 후였습니다.
그는 18세에 첫 피아노 레슨을 받았다. 삼 년그의 어머니에게. Cliburn이 여섯 살이었을 때 가족은 텍사스로 이사했고 그곳에서 그는 열세 살에 대회에서 우승했고 곧 Carnegie Hall에서 데뷔했습니다.
1951년에 그는 로지나 레비나(Rosina Levina)의 반으로 줄리아드 음대에 입학했고, 앞으로 몇 년 동안 권위 있는 미국 및 국제 콩쿠르에서 많은 상을 받았습니다.
Cliburn의 이름은 1958년 모스크바에서 열린 제1회 차이코프스키 국제 콩쿠르에서 놀라운 우승을 차지한 후 세계적인 명성을 얻었습니다. 젊은 피아니스트는 배심원단과 대중의 공감을 얻었습니다. 냉전이 한창이던 시기에 일어난 일이라는 점을 감안하면 더욱 놀라운 일이었다. 고국으로 돌아온 Cliburn은 열광적인 환대를 받았습니다. 음악가는 소련에 대한 사랑과 존경심으로 가득 차 있었고 대회가 끝난 후 그는 콘서트와 함께 반복적으로 왔습니다.
Van Cliburn은 고국과 해외를 순회했습니다. 그는 왕족과 국가 원수, 모든 미국 대통령과 대화했습니다. 그는 플래티넘 앨범의 소유자 인 클래식 음악의 첫 연주자가되었습니다. 그의 차이코프스키 피아노 협주곡 1번 연주는 백만 부 이상이 판매되었습니다.
Van Cliburn Piano Competition은 1962년부터 텍사스주 포트워스에서 개최되었습니다.
블라디미르 브세볼로도비치 크라이네프
(1944-2011)
Vladimir Krainev의 음악적 재능은 그가 5세에 입학한 Kharkov의 중등 전문 음악 학교에서 나타났습니다. 2년 후 큰 무대에서 그의 첫 공연이 열렸습니다. 오케스트라와 함께 그는 하이든의 협주곡과 베토벤의 협주곡 1번을 연주했습니다.
Kharkov 교사의 지원으로 Krainev는 Moscow Central에 입사했습니다. 음악 학교온실에서 Anaida Sumbatyan 클래스의 차이코프스키. 1962년 음악원에 들어갔다. 차이콥스키는 하인리히 노이하우스의 반에서 사사했으며 사후에 그의 아들 스타니슬라프 노이하우스와 사사했으며 1969년에 대학원도 마쳤다.
1960년대 초 블라디미르 크라이네프는 리즈(영국, 1963)와 리스본(포르투갈, 1964)에서 열린 주요 국제 대회에서 주요 상을 수상하면서 세계적으로 인정을 받았습니다. 리즈에서 공연을 마친 후 젊은 피아니스트는 미국 여행 초대를 받았습니다. 1970년 그는 P.I. 모스크바의 차이콥스키.
1966년부터 블라디미르 크라이네프는 모스크바 주립 필하모닉의 솔리스트로 활동하고 있습니다. 1987년부터 - 모스크바 음악원 교수. 1992년부터 - 하노버(독일) 음악 및 연극 고등 학교 교수.
Vladimir Krainev는 Gennady Rozhdestvensky, Carlo Maria Giulini, Kurt Masur, Yuri Temirkanov, Vladimir Spivakov, Dmitry Kitayenko, Saulius Sondeckis와 같은 뛰어난 지휘자들과 함께 유럽과 미국을 광범위하게 순회했습니다.
Krainev는 우크라이나의 "Vladimir Krainev Invites" 페스티벌과 그의 이름을 딴 Kharkov에서 젊은 피아니스트를 위한 국제 콩쿠르(1992년 이후)의 주최자였습니다.
1994년 피아니스트는 젊은 피아니스트를 위한 국제 자선 재단을 설립했습니다. 재단은 미래의 전문 음악가들에게 도움과 지원을 제공하고, 러시아와 해외에서 그들의 창의성을 위한 조건을 만들고, 젊은 음악가들을 위한 투어와 콘서트를 조직하고, 문화 예술 교육 기관을 지원했습니다.
유명한 지휘자이자 피아니스트, RSFSR의 People's Artist, 1990년부터 1999년까지 그리고 2003년부터 현재까지 러시아 국립 오케스트라의 창립자이자 지도자. 1978년 차이코프스키 콩쿠르에서 금메달을, 2004년 그래미상을 수상했다.
미하일 바실리예비치 플레트네프는1957년
Pletnev는 어린 시절을 Saratov와 Kazan에서 보냈고 7 살 때부터 피아노 수업에서 Kazan Conservatory의 음악 학교에 다니기 시작했습니다. 13세부터 모스크바 차이콥스키 음악원 중앙음악학교에서 공부했다. 1973년 16세의 플레트네프는 파리에서 열린 국제 청소년 콩쿠르에서 그랑프리를 수상했고 이듬해 모스크바 음악원에 입학하여 Yakov Flier와 Lev Vlasenko 교수 밑에서 공부했습니다.
1977년 플레트네프는 레닌그라드에서 열린 올 유니온 피아노 콩쿠르에서 1위를 했고, 1978년 모스크바 국제 차이코프스키 콩쿠르에서 금메달과 1위를 차지했다. 1979 년 Pletnev는 음악원을 졸업하고 1981 년 대학원 과정을 마친 후 Vlasenko의 조수가 된 후 나중에 자신의 피아노 수업에서 가르치기 시작했습니다.
1981년 국가 콘서트의 독주자가 된 Pletnev는 거장 피아니스트로 명성을 얻었으며 언론은 차이코프스키의 작품에 대한 그의 해석뿐만 아니라 바흐, 베토벤, 라흐마니노프 및 기타 작곡가의 공연도 언급했습니다. Pletnev는 Vladimir Ashkenazy, Alexander Vedernikov, Mstislav Rostropovich, Valery Gergiev, Rudolf Barshai와 같은 유명한 지휘자와 London Symphony 및 Los Angeles Philharmonic을 포함한 세계에서 가장 유명한 심포니 오케스트라와 협력했습니다.
1980년 지휘자로 데뷔한 플레트네프는 10년 후인 1990년에 외국 기부금을 들여 독립 러시아 국립 심포니 오케스트라(후에 러시아 국립 심포니 오케스트라, RNO로 명칭 변경)를 창단했으며 1999년까지 예술적 이사, 수석 지휘자 및 회장 기금. 2008년 플레트네프는 이탈리아 스위스 심포니 오케스트라(Orchestra della Svizzera italiana)의 객원 지휘자가 되었습니다. 2006년에 Pletnev는 지원 기금을 만들었습니다. 국가 문화. 2006년부터 2010년까지 플레트네프는 러시아 문화 예술 연맹 회장 산하 위원회 위원이었으며 2007년부터 2009년까지 유네스코 러시아 연맹 위원회 위원이었습니다.
카자흐 피아니스트, Kurmangazy Kazakh National Conservatory의 교사, 교수 및 총장,
카자흐스탄 인민 예술가, 국제 대회 수상자, 교수
Zhaniya Yakhiyaevna Aubakirova는 1957년에 태어났습니다.
Alma-Ata 주립 음악원 졸업. Kurmangazy, 모스크바 국립 음악원. P. I. Tchaikovsky 및 대학원 연구 (L. N. Vlasenko 교수와 함께).
1979년부터 - 국가 콘서트마스터 학술 극장오페라와 발레 A.A의 이름을 딴 모스크바 국립 음악원의 Abai와 조교 P. I. 차이코프스키. 1981 - Alma-Ata State Conservatory의 특별 피아노 부서장, 부교수, 선임 교사. Kurmangazy. 1983년부터 그녀는 Kazakh State Philharmonic의 솔리스트였습니다. 잠불라. 1993년 이후 - 이름을 딴 알마티 국립 음악원 교수. Kurmangazy. 1994 - "Zhania Aubakirova 작가 학교"가 설립되어 현대적인 교육 방법과 기술을 연구합니다. 1997년부터 - Kurmangazy의 이름을 딴 카자흐 국립 음악원 총장. 그녀의 지도 아래 음악원은 미국 최고의 음악 대학이자 공화국의 문화 및 교육 중심지가 되었으며 2001년에는 국가 지위를 받았습니다.
1998 - Zhania Aubakirova의 주도로 Classics 음악 에이전시가 조직되어 프랑스에서 Kazakh Seasons를 성공적으로 개최하고 18개국 이상에서 콘서트를 조직했으며 30개 이상의 CD를 녹음하고 카자흐스탄 연주자에 대한 20개 이상의 뮤지컬 영화를 녹음했습니다. 2009년 - 11월에 카자흐 국립 음악원의 학생 심포니 오케스트라가 이름을 따서 명명되었습니다. Kurmangazy는 5개의 투어를 만들었습니다. 주요 도시미국: 로스앤젤레스, 샌프란시스코, 워싱턴 DC, 보스턴, 뉴욕. 젊은 음악가들은 총재 인 카자흐스탄 인민 예술가 Zhania Aubakirova와 함께 세계에서 가장 유명한 홀인 케네디 센터와 카네기 홀에서 공연했습니다.
유명한 오케스트라와 함께하는 Zhania Aubakirova의 단독 콘서트 및 공연은 세계 음악 클래식 및 카자흐 작곡가의 작품을 홍보하며 프랑스, 영국, 독일, 일본, 러시아, 폴란드, 이탈리아, 미국, 이스라엘에서 가장 큰 콘서트 홀인 카자흐스탄에서 정기적으로 개최됩니다. 그리스, 헝가리. 그레이트 홀모스크바 차이코프스키 음악원과 상트페테르부르크 필하모닉, 모스크바 음악원.
뛰어난 현대 피아니스트
보리스 베레조프스키1969년생
그는 뛰어난 피아니스트 Eliso Virsaladze의 수업으로 모스크바 음악원에 입학합니다. 얼마 후 Berezovsky는 전통적인 레퍼토리 만 연주되는 Eliso Virsaladze 수업에서 "비좁은"상태가되어 Alexander Sats로부터 개인 레슨을 받기 시작합니다. Sats는 Boris Berezovsky에게 러시아 클래식 음악의 새로운 지평을 열었습니다. 그와 함께 Berezovsky는 Medtner, 많은 Rachmaninoff 및 기타 많은 것을 연주하기 시작합니다. 그러나 Boris Berezovsky는 모스크바 음악원에서 공부를 마치지 못했고 기말 시험에서 차이코프스키 콩쿠르에 참가했다는 이유로 퇴학당했습니다. 그러나이 상황은 그가 우리 시대의 가장 거장이자 인기있는 연기자가되는 것을 막지 못했습니다.
10년 이상 동안 보리스 베레조프스키는 BBC 오케스트라, 런던 및 뉴욕 필하모닉 오케스트라, 뉴 재패니즈 필하모닉 오케스트라, 버밍엄 및 필라델피아 심포니 오케스트라 등 세계에서 가장 유명한 오케스트라와 함께 연주했습니다. Berezovsky는 다양한 실내악 축제에 지속적으로 참여하고 있으며 그의 단독 콘서트베를린과 뉴욕, 암스테르담과 런던에서들을 수 있습니다. 영어와 프랑스어에 능통합니다.
피아니스트는 상당히 광범위한 음반을 가지고 있습니다. 그의 콘서트의 최신 녹음은 비평가들로부터 가장 높은 평가를 받았습니다. 독일 녹음 협회 상 높은 상보리스 베레조프스키가 해석한 라흐마니노프의 소나타. Ravel의 작품 녹음은 Le Monde de la Musique, Diapason, BBC Music Magazine, Independent의 클래식 차트에 올랐습니다.
보리스 베레조프스키는 제9회 차이콥스키 국제 콩쿠르에서 금메달을 딴 '신 리히터'라 불리며, 투명한 피아니시모와 풍부한 스펙트럼의 다이내믹한 음색을 지닌 베레조프스키의 사운드는 동세대 피아니스트들 사이에서 가장 완벽하다고 인정받고 있다. . 오늘날 러시아의 주요 콘서트 무대에서 Boris Berezovsky를 점점 더 많이 들을 수 있습니다.
영감을 받은 지능적인 연주자 중 한 명인 러시아인 피아니스트 , 선생님, 솔리스트 모스크바 주립 필하모닉 , 러시아 인민 예술가
니콜라일리보́ 에이즈초원́ 엔스키 에서 태어났다1972년
그의 연주는 중앙 음악 학교와 모스크바 음악원이 제공할 수 있는 최고의 모든 것을 흡수했습니다.
훌륭한 연주 기술을 소유한 이 영감받은 해석가는 이제 소재에 대한 창의적인 접근에 대한 보기 드문 재능을 갖게 되었습니다. " Mozart의, 지친 관중이 완전히 다른 화신으로 멜로디를 연주 한 수천 번을 재발견하도록 가치있는 자료를 연주합니다.
이제 러시아에는 높은 수준을 보여줄 수있는 많은 전문가가 있습니다. 그러나 저명한 동료보다 결코 열등하지 않은 Lugansky는 러시아 음악에서 독특한 현상으로 남아 있습니다.
다양한 방식으로 클래식을 연주할 수 있습니다. 프랑스어, 독일어, 이탈리아어 등 각 학교는 고유한 사운드의 높은 작업에 대한 자체 솔루션을 제공합니다.
그러나 진정한 거장 피아니스트는 천재의 증거인 "자신의 고전을 창조"합니다. 그의 음악 경력이 시작될 때 Nikolai Lugansky는 "Richter의 피아니스트"라고 불렸고 Alfred Cortot와도 비교되었습니다.
Nikolai Lugansky는 러시아 음악에서 독특한 현상으로 남아 있습니다.
유명한 러시아 피아니스트, 클래식 음악가
예브게니 이그리예비치 키신 1971년생
6세에 그네신 음악 학교에 입학했다. 최초이자 유일한 교사는 Anna Pavlovna Kantor입니다.
처음에는 어린 신동으로서 Zhenya Kissin이라는 이름으로 공연했습니다. 10세 때 모차르트 협주곡 20번을 오케스트라와 처음으로 연주했다. 1년 후, 그는 첫 단독 콘서트를 열었습니다. 1984년(12세) 모스크바 음악원 대강당에서 쇼팽의 피아노 협주곡 1번과 2번을 연주했다.
1985년 Evgeny Kissin은 처음으로 콘서트와 함께 해외로 나갔고 1987년 베를린 페스티벌에서 서유럽에 데뷔했습니다. 1988년 그는 베를린 필하모닉 오케스트라의 신년 콘서트에서 헤르베르트 폰 카라얀과 함께 차이코프스키 협주곡 1번을 연주했습니다.
1990년 9월 키신은 뉴욕과 쇼팽 협주곡 1번, 2번을 연주하며 미국 데뷔를 했다. 필하모닉 오케스트라주빈 메타 감독. 일주일 후 음악가는 Carnegie Hall에서 단독 콘서트를 엽니다. 1992년 2월, 키신은 뉴욕에서 열린 그래미 시상식에 참석하여 약 10억 6천만 명의 시청자에게 TV로 방송했습니다. 1997년 8월, 그는 런던 앨버트 홀에서 열린 프롬스 페스티벌에서 리사이틀을 가졌습니다.
Kissin은 유럽, 미국 및 아시아에서 집중적인 콘서트 활동을 수행하며 끊임없는 풀 하우스를 수집합니다. Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazy, Daniel Barenboim, Valery Gergiev, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, James Levine, Lorin Maazel, Ricardo Muti, Seiji Ozawa, Mstislav Rostropovich, Evgeny Svetlanov, Yuri Temirkanov와 같은 지휘자들과 함께 세계 최고의 오케스트라와 협연했습니다. , Georg Solti 및 Maris Jansons; Kissin의 실내악 파트너로는 Martha Argerich, Yuri Bashmet, Natalia Gutman, Thomas Quasthoff, Gidon Kremer, Alexander Knyazev, James Levine, Misha Maisky, Isaac Stern 등이 있습니다.
Yevgeny Kissin은 또한 이디시어와 러시아어로 시 낭독을 제공합니다. E. Kisin "Af di keyboard fun yidisher poem"(유대인 시의 열쇠에 관하여)이 연주한 이디시어로 된 현대 시 작품을 녹음한 CD가 2010년에 발매되었습니다. Kissin 자신에 따르면 그는 어린 시절부터 강한 유대인 정체성을 가지고 있으며 개인 웹 사이트에 친 이스라엘 자료를 게시했습니다.
러시아 피아니스트, 공인, 러시아 인민 예술가
Denis Leonidovich Matsuev는 1975년에 태어났습니다.
Denis Matsuev는 고향인 이르쿠츠크에서 어린 시절을 보냈습니다. 에서 태어난 창의적인 가족, 가진 소년 초기음악을 하고 있었다. 먼저 그는 도시에 갔다 일반 교육 학교 V. V. Mayakovsky의 이름을 딴 11 번과 동시에 지역 미술 학교에 다니기 시작했습니다. 16세에 Denis Matsuev는 Irkutsk Musical College에 입학했습니다. 그러나 그는 자신의 재능에 더 철저한 삭감이 필요하다는 것을 금방 깨달았습니다. 가족 평의회에서 수도로 이사하기로 결정했습니다. 부모는 재능있는 아들이 매우 성공적인 창조적 전기를 가질 수 있음을 이해했습니다. Denis Matsuev는 1990년에 모스크바로 이사했습니다.
1991년에 그는 "New Names"라는 International Public Charitable Foundation의 수상자가 되었습니다. 이러한 상황 덕분에 그는 이미 젊었을 때 콘서트 공연으로 세계 40여 개국을 방문했습니다. 가장 중요한 사람들은 영국 여왕, 교황 등 그의 거장 게임을 듣기 위해 왔습니다. 1993년 Denis Matsuev는 모스크바 국립 음악원에 입학했습니다. 동시에 그는 Denis의 후원자 인 Svyatoslav Belz의 감독하에 열린 New Names 공공 기금 프로그램에서 공연했습니다. 1995년 모스크바 주립 필하모닉의 솔리스트로 받아들여졌다. 이를 통해 Denis Leonidovich는 콘서트 활동의 범위를 확장할 수 있었습니다.
표트르 일리치 차이콥스키의 이름을 딴 제11회 국제 콩쿠르 우승과 함께 음악가는 세계적 명성. 이 운명적인 사건은 1998년 그의 전기를 장식했습니다. Denis Matsuev는 세계에서 가장 유명한 피아니스트 중 한 명이 되었습니다. 그의 거장 공연은 세계에 큰 반향을 일으켰습니다. 아티스트는 가장 권위있는 행사에 초대되기 시작했습니다. 예를 들어, 그는 소치 올림픽 폐막식에서 공연했습니다.
2004년부터 Denis Matsuev는 매년 자신의 개인 구독을 발표하고 있습니다. 그 안에서 음악가와 함께 러시아와 해외 최고의 심포니 오케스트라가 공연합니다.
그는 조국을 위해 많은 일을 합니다. 사람들에게 음악에 대한 사랑을 심어주기 위해 아티스트는 모든 종류의 축제와 대회를 조직합니다. 또한 그는 러시아의 모든 주민들이 높은 예술을 접하고 최고의 음악 작품의 화려한 공연을들을 수 있도록 러시아의 여러 지역에서 그들을 개최하기 위해 노력합니다.
결론적으로 21세기 피아노 예술 발전의 주요 방향과 경향을 정리한다. 피아노 예술의 기교와 의미 있는 영역에서 발전에 수반되는 다음과 같은 요소가 발견됩니다: 녹음의 품질과 미학에 대한 집중, 음색 활용의 표현력 증가, 고뇌와 소리의 음색 분야에서 기회의 확장 , 템포의 둔화 및 평균 동적 성능 수준의 감소, 질감의 다성음화. 이러한 요소들은 공연의 내용적 측면에서 깊이의 성장과 현대적 갱신에 기여한다. 이와 함께 그동안 감상하지 못했던 예술성이 높은 새로운 작품들의 발굴로 피아노 연주회 레퍼토리도 업데이트되고 있다.
그럼에도 불구하고 21세기 피아노 예술 발전의 주요 경향은 억양의 일반화와 의미입니다.
이 공연 피아니스트 목록은 피아노가 거의 무한한 영감을 준다는 것을 보여줍니다. 300년 동안 피아노 연주자들은 청취자들을 즐겁게 해 왔고 음악 세계에서 자신의 업적에 영감을 주었습니다.
그 뮤지션이 어느 시대에 속하든 그의 재능은 그를 위대하게 만들었을 뿐만 아니라 그의 음악에 대한 완전한 해체!!!
추신이 문제에 대한 문헌을 연구한 결과 피아노 학교가 형성되는 순간부터 우리 시대까지의 발전은 스승의 성격의 영적 다재다능함 때문이라는 결론에 도달했으며 교육학적 검색은 창의적 기반이었으며 실제로 창의성에 대한 인센티브. 진보적 계몽주의 음악가들은 그들이 예술에서 가치 있다고 생각하는 모든 것을 지원했습니다. 높은 시민 이상, 창의성의 선교적 목적.
훌륭한 공연 음악가와 교사에 대한 생각은 항상 공연 과제에 대한 아이디어에 해당하는 교육 원칙의 개발로 향했습니다. 이것은 악기 연주에 전념하는 과학 작품의 내용을 크게 결정했습니다.
clavierism 시대의 고대 논문은 음악 작곡, 즉흥 연주 기술 및 음악 작곡 편곡, 악기 앉기, 운지법 및 게임 규칙에 대해 이야기했습니다. 이 모든 것은 피아노 이전 시대에 작곡가가 연주자였으며 청중에게 자신의 작품과 즉흥 연주의 숙달을 알렸다는 사실로 설명됩니다. 그 당시 연주자 통역사 (음악 작곡가는 아님)의 직업은 아직 음악가의 창작 활동의 특별한 형태로 분류되지 않았습니다. 19세기가 되어서야 콘서트 무대의 새로운 악기인 피아노의 지배와 게임의 기교에 대한 열정과 함께 연주하는 방법을 가르치는 음악가, 작곡가, 연주자 및 교사가 점진적으로 차별화되었습니다. 이 악기.
내용도 많이 바뀌었습니다. 과학 작품음악 예술에서. 교수법에 관한 다양한 연구, 교과서 및 작업에서 음악적 창의성, 연주 및 교수법과 관련된 모든 문제는 더 이상 고려되지 않았습니다. 각 작업의 주제는 음악학의 별도 영역이었습니다. 피아노 예술에 관한 책의 저자는 주로 피아노 기술을 마스터하는 문제에 관심이 있었고 대부분의 체계적인 작업과 매뉴얼이 이러한 주제에 전념했습니다. 따라서 수년 동안 피아노 연주에 대한 이론적 작업은 거장 기법을 달성할 수 있도록 하는 합리적인 연주 기법을 확립하는 문제로 축소되었습니다. 19 세기 말과 20 세기에야 뛰어난 음악가들이 공연 예술의 예술적 문제로 눈을 돌려 음악 작품의 스타일과 내용을 이해하고 해석하는 작업을 결정했습니다. 이러한 작업은 피아노 연주 기술에 대한 질문과도 연결되었습니다. 교사의 가장 중요한 목표는 공연 예술이 기교의 시연이 아니라 예술 작품의 가장 깊은 의미를 생생하고 비유적인 표현 형식으로 전달할 수 있는 능력을 갖춘 음악가를 교육하는 것이었습니다.
세계 유일의 최고의 현대 피아니스트를 인정하는 것은 불가능한 일입니다. 각 평론가와 청취자에게 다양한 마스터가 아이돌이 될 것입니다. 그리고 이것이 인류의 힘입니다. 세상에는 합당하고 재능 있는 피아니스트가 상당히 많이 있습니다.
아그레리치 마르타 아처리치
피아니스트는 1941년 아르헨티나 부에노스아이레스에서 태어났다. 그녀는 3살 때부터 악기를 연주하기 시작했고 8살 때 공개적으로 데뷔하여 모차르트의 협주곡을 직접 연주했습니다.
미래의 거장 스타는 20세기의 가장 뛰어난 클래식 피아니스트 중 한 명인 Friedrich Gould, Arturo Ashkenazy, Stefan Michelangeli와 같은 교사들과 함께 공부했습니다.
1957년부터 Argerich는 경쟁 활동에 참여하기 시작했고 첫 우승을 차지했습니다. 큰 승리: 제네바 피아노 콩쿠르, 부조니 국제 콩쿠르 1위
그러나 진정한 놀라운 성공은 24세의 나이에 바르샤바에서 열린 국제 쇼팽 대회에서 우승할 수 있었던 순간 마르타에게 찾아왔습니다.
2005년에는 작곡가 프로코피예프와 라벨의 실내악 연주로 그래미 최고상을 수상했고, 2006년에는 베토벤의 오케스트라 협연으로 그래미상을 수상했다.
또한 2005년에 피아니스트는 일본 제국상을 수상했습니다.
그녀의 열렬한 게임과 놀라운 기술 데이터는 그녀가 러시아 작곡가 Rachmaninov와 Prokofiev의 작품을 훌륭하게 연주하는 데 도움을 주어 누구도 무관심하게 만들 수 없습니다.
러시아에서 가장 유명한 현대 피아니스트 중 한 명은 음악가 Evgeniy Igorevich Kisin입니다.
그는 1971년 10월 10일 모스크바에서 태어나 6세 때 Gnessin Music School에 입학했습니다. Kantor Anna Pavlovna는 평생 동안 그의 첫 번째이자 유일한 교사가되었습니다.
1985년부터 키신은 해외에서 자신의 재능을 발휘하기 시작했다. 1987년 서유럽에서 데뷔했다.
3년 만에 미국을 제패해 뉴욕 필하모닉 오케스트라와 쇼팽 협주곡 1번, 2번을 연주하고 일주일 뒤 솔로 형식으로 공연한다.
가장 뛰어난 현대 러시아 거장 피아니스트 중 또 다른 사람은 유명한 Denis Matsuev입니다.
Denis는 1975년 이르쿠츠크에서 음악가 집안에서 태어났습니다. 어릴 때부터 부모는 아이에게 예술을 가르쳤습니다. 소년의 첫 번째 선생님은 그의 할머니 Vera Rammul이었습니다.
1993년에 Matsuev는 모스크바 국립 음악원에 들어갔고 2년 후 모스크바 국립 필하모닉의 솔리스트가 되었습니다.
그는 불과 23세의 나이인 1998년 차이코프스키 국제 콩쿠르에서 우승하면서 세계적인 명성을 얻었습니다.
그는 러시아 피아노 학교의 전통과 연주에 대한 그의 혁신적인 접근 방식을 결합하는 것을 선호합니다.
2004년부터 국내외 유수 오케스트라를 초청해 협연하는 '솔로이스트 데니스 마추예프'라는 일련의 콘서트를 개최하고 있다.
크리스티안 짐머만
Christian Zimmerman(1956년 출생)은 폴란드 출신의 유명한 현대 피아니스트입니다. 그는 악기 연주자일 뿐만 아니라 지휘자이기도 합니다.
그의 초기 음악 수업은 아마추어 피아니스트인 아버지가 가르쳤습니다. 그런 다음 Christian은 개인 형식으로 Andrzej Jasinski 교사와 함께 공부를 계속 한 다음 Katowice Conservatory로 옮겼습니다.
그는 6세에 첫 연주를 시작했고 1975년에는 쇼팽 피아노 콩쿠르에서 우승하며 역사상 최연소 우승자가 되었습니다. 내년에 그는 유명한 폴란드 피아니스트 Artur Rubinstein과 함께 피아노 기술을 연마했습니다.
Christian Zimmermann은 쇼팽 작품의 천재 연주자로 간주됩니다. 그의 음반에는 Ravel, Beethoven, Brahms 및 물론 그의 주요 우상인 Chopin의 모든 피아노 협주곡 녹음과 Liszt, Strauss 및 Respiha 작곡의 녹음이 포함됩니다.
1996년부터 그는 Basel Academy of Music에서 가르쳤습니다. 아카데미 상 Kiji와 Leonie Sonning을 수상했습니다.
1999년에 그는 폴란드 페스티벌 오케스트라를 창설했습니다.
Wang Yujia는 피아노 예술의 중국 대표입니다. 그녀는 그녀의 거장과 엄청나게 빠른 게임 덕분에 명성을 얻었으며 "Flying Fingers"라는 가명을 받았습니다.
중국 현대 피아니스트의 발상지는 베이징에서 음악가 가족과 함께 어린 시절을 보냈습니다. 6세에 키보드 시험을 시작했고 1년 후 수도의 중앙 음악원에 입학했습니다. 그녀는 11살에 캐나다에서 공부하기 위해 등록했고 3년 후 마침내 더 많은 교육을 받기 위해 외국으로 이사했습니다.
1998년에는 에틀링겐 시에서 열린 젊은 피아니스트를 위한 국제 콩쿠르에서 상을 받았고, 2001년에는 위에서 언급한 상 외에도 심사위원단이 50만 엔의 20세 미만 피아니스트를 위한 상을 Van에게 수여했습니다. (루블 300,000).
피아니스트는 또한 러시아 작곡가들의 성공으로 연주합니다. 그녀는 라흐마니노프의 두 번째 및 세 번째 협주곡과 프로코피예프의 두 번째 협주곡을 가지고 있습니다.
Fazıl Say는 1970년에 태어난 터키 현대 피아니스트이자 작곡가입니다. 그는 앙카라 음악원에서 공부한 다음 독일 도시인 베를린과 뒤셀도르프에서 공부했습니다.
그의 피아노 활동 외에도 그의 작곡가 자질은 주목할 가치가 있습니다. 1987 년 피아니스트의 작곡 "Black Hymns"는 도시 750 주년을 기념하여 연주되었습니다.
2006년 비엔나에서 그의 발레 "파타라"의 초연이 열렸는데, 모차르트의 주제를 바탕으로 작곡되었지만 이미 피아노 소나타입니다.
두 명의 작곡가가 세이의 연주 피아노 레퍼토리에서 중요한 위치를 차지하고 있습니다. 바로 뮤지컬 거물 바흐와 모차르트입니다. 콘서트에서 그는 클래식 작곡을 자신의 작품으로 번갈아 가며 사용합니다.
2000년에 그는 두 대의 피아노를 위한 발레 "봄의 제전"을 녹음하는 위험을 무릅쓰고 두 부분을 모두 자신의 손으로 연주하는 특이한 실험을 했습니다.
2013년에 그는 이슬람 주제와 관련된 소셜 네트워크에 대한 발언으로 형사 사건에 휘말렸습니다. 이스탄불 법원은 음악가의 말이 무슬림 신앙에 반하는 것이라고 결론을 내리고 Fazil Say에게 10년의 집행유예를 선고했습니다.
같은 해 작곡가는 재심을 신청했고 9월에 다시 판결이 확정됐다.
다른
한 기사에서 모든 현대 피아니스트에 대해 이야기하는 것은 불가능합니다. 따라서 오늘날 클래식 음악계에서 중요한 이름을 가진 사람들을 나열해 보겠습니다.
- 이스라엘의 다니엘 바렌보임;
- 중국에서 온 Yundi Li;
- 러시아로부터;
- 미국의 Murray Perahia;
- 일본의 우치다 미츠코;
- 러시아 및 기타 많은 마스터에서.
모든 클래식 음악 애호가는 자신이 가장 좋아하는 이름을 지정할 수 있습니다.
Alfred Brendel은 어린 신동이 아니었고 그의 부모는 음악과 아무 관련이 없었습니다. 그의 경력은 별다른 소란 없이 시작되었고 천천히 발전했습니다. 아마도 이것이 그의 장수의 비결일까요? 올해 초에 Brendel은 77세가 되었지만 그의 콘서트 일정에는 때때로 한 달에 8-10회 공연이 포함됩니다.
6월 30일 마린스키 극장 콘서트 홀에서 알프레드 브렌델의 단독 공연이 발표되었습니다. 이번 콘서트의 피아니스트 공식 홈페이지를 찾을 수 없었다. 그러나 다가오는 11월 14일에 열리는 모스크바 콘서트 날짜가 있습니다. 그러나 Gergiev는 불용성 문제를 해결하는 능력으로 구별됩니다.
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즉석 평가에서 1 위를 차지한 또 다른 경쟁자는 Grigory Sokolov입니다. 적어도 그것이 상트 페테르부르크에서 말하는 것입니다. 원칙적으로 Sokolov는 1 년에 한 번 고향에 와서 상트 페테르부르크 필 하모닉 그레이트 홀에서 콘서트를 열며 (마지막은 올해 3 월) 모스크바를 정기적으로 무시합니다. 이번 여름 소콜로프는 이탈리아, 독일, 스위스, 오스트리아, 프랑스, 포르투갈, 폴란드에서 경기를 펼칩니다. 이 프로그램에는 모차르트의 소나타와 쇼팽의 전주곡이 포함되어 있습니다. Sokolov가 8 월에 도착할 Krakow와 Warsaw는 러시아로가는 가장 가까운 경로가 될 것입니다.
Martha Argerich를 여성 중 최고의 피아니스트라고 부를 가치가 있습니다. 누군가는 확실히 반대 할 것입니다. 변덕스러운 칠레 팬들은 피아니스트의 갑작스러운 기분 변화나 잦은 콘서트 취소에도 당황하지 않는다. 콘서트는 예정돼 있지만 장담할 수 없다는 말은 그녀에게 딱이다.
Martha Argerich는 이번 6월 평소와 같이 자신의 음악 축제가 열리는 스위스 도시 루가노에서 보낼 예정입니다. 프로그램과 참가자는 변경되지만 한 가지는 변하지 않습니다. 매일 저녁 Argerich 자신이 작품 중 하나의 공연에 참여합니다. 7월에 Argerich는 키프로스, 독일, 스위스 등 유럽에서도 공연합니다.
캐나다인 Marc-André Hamelin은 종종 Glen Gould의 상속인으로 언급됩니다. Gould는 은둔자였고, Hamelin은 활발하게 여행을 다니고 있으며, Gould는 수학적으로 계산된 Bach 해석으로 유명하고, Hamelin은 낭만적인 거장 스타일의 귀환을 의미합니다.
모스크바에서 Marc-André Hamelin은 Maurizio Pollini와 같은 시즌 티켓으로 최근 올해 3월까지 공연했습니다. 6월, Hamelin은 유럽을 순회합니다. 그의 일정에는 코펜하겐과 본에서의 단독 콘서트와 노르웨이의 페스티벌 공연이 포함되어 있습니다.
누군가 Mikhail Pletnev가 피아노를 연주하는 것을 본다면 즉시 통신사에 알리십시오. 그러면 당신은 세계적인 센세이션의 작가가 될 것입니다. 러시아 최고의 피아니스트 중 한 명이 공연 경력을 끝낸 이유는 평범한 마음으로는 이해할 수 없습니다. 그의 마지막 콘서트는 평소처럼 웅장했습니다. 오늘날 Pletnev의 이름은 지휘자로서만 포스터에서 찾을 수 있습니다. 그러나 우리는 여전히 희망할 것입니다.
그의 나이를 넘어 선구자 동점을 맺은 진지한 소년-이것은 개척자도 그 소년도 오랫동안 언급되지 않았지만 Yevgeny Kissin이 여전히 기억되는 방식입니다. 오늘날 그는 세계에서 가장 유명한 클래식 음악가 중 한 명입니다. Pollini가 한때 가장 뛰어난 신세대 음악가라고 불렀던 것은 바로 그 사람이었습니다. 그의 기술은 훌륭하지만 종종 차갑습니다. 마치 음악가가 어린 시절을 잃고 매우 중요한 것을 찾을 수 없었던 것처럼 말입니다.
6월에 Evgeny Kissin은 Kremerata Baltica 오케스트라와 함께 스위스, 오스트리아, 독일을 순회하며 Mozart의 20번째 및 27번째 협주곡을 연주합니다. 다음 투어는 10월로 예정되어 있습니다. 프랑크푸르트, 뮌헨, 파리, 런던에서 Kissin은 Dmitry Hvorostovsky와 동행합니다.
Arkady Volodos는 근본적으로 경쟁을 거부하는 오늘날 피아니즘의 "화난 젊은이" 중 하나입니다. 그는 세계의 진정한 시민입니다. 그는 상트 페테르부르크에서 태어나 고향에서 공부 한 다음 모스크바, 파리, 마드리드에서 공부했습니다. 첫째, 소니가 발표 한 젊은 피아니스트의 녹음이 모스크바에 왔고 그 다음에야 그 자신이 나타났습니다. 수도에서 그의 연례 콘서트가 규칙이 된 것 같습니다.
Arkady Volodos는 6월 파리에서 공연을 시작했으며, 여름에는 Salzburg, Rheingau, Bad Kissingen, Oslo, 폴란드의 작은 마을인 Dushniki에서 전통 쇼팽 페스티벌을 들을 수 있습니다.
Ivo Pogorelich는 국제 대회에서 우승했지만 그의 패배는 그를 세계적인 명성으로 이끌었습니다. 1980년에 유고슬라비아 출신의 피아니스트는 바르샤바에서 열린 쇼팽 콩쿠르 3라운드에 참가할 수 없었습니다. 결과적으로 Martha Argerich는 배심원 단을 떠났고 젊은 피아니스트에게 명성이 떨어졌습니다.
1999년에 Pogorelich는 공연을 중단했습니다. 그 이유는 피아니스트가 필라델피아와 런던에서 불만을 품은 청취자들에 의해 방해를 받았기 때문이라고 합니다. 다른 버전에 따르면 음악가의 우울증의 원인은 아내의 죽음이었습니다. Pogorelich는 최근 콘서트 무대로 돌아 왔지만 공연은 거의 없습니다.
목록의 마지막 위치는 채우기가 가장 어렵습니다. 결국, 폴란드 태생의 Christian Zimmerman, 미국의 Murray Peraia, 일본의 Mitsuko Ushida, 한국의 Kun Wu Pek 또는 중국의 Lang Lang 등 훌륭한 피아니스트들이 여전히 많이 남아 있습니다. Vladimir Ashkenazy와 Daniel Barenboim은 경력을 계속합니다. 모든 음악 애호가는 자신이 가장 좋아하는 이름을 지정할 것입니다. 따라서 상위 10위 중 한 곳은 비워 두십시오.
1. 제이미 컬럼(Jamie Cullum) 인기 - 195만 | 1979년 8월 20일 출생 | 대 브리튼 섬그의 카리스마와 재즈 피아니스트이자 보컬리스트의 최고 실력으로 유명합니다. 기본적으로 그는 "연주자", 즉 우선 콘서트에서 공연하는 사람으로 제시됩니다. 다양한 간행물에서 올해 최고의 재즈 연주자로 여러 차례 인정받았습니다. 그리고 내가 가장 좋아하는 뮤지션 :)
그가 가장 좋아하는 "트릭" 중 하나는 피아노에 발을 올려놓고 거기에서 노래하고, 피아노의 리듬을 탭하고, 모든 것을 비트박스로 믹싱하는 것입니다. 그는 주로 스타일의 음악을 쓰고 연주합니다. 팝 재즈, 예를 들어 Rihanna의 노래 (Rihanna) "Please Don"t Stop The Music "과 같이 30 년대 노래와 최근 노래의 훌륭하고 독창적 인 커버를 재생합니다. 또한 많은 녹음을 찾을 수 있습니다. 재즈 스탠다드예를 들어 그의 공연에서 "I"ve Got You Under My Skin "또는"Devil May Care ".
플래티넘 앨범 제이미 컬럼"Twentysomething"은 2003년에 역사상 가장 많이 팔린 영국 재즈 앨범이 되었습니다. 최신 앨범 "The Pursuit"와 "Momentum"(그런데 몇 달 전 그의 월드 투어 중 런던에서이 앨범 발표회에 참석했습니다)은 클래식 재즈보다 팝 음악에 더 끌립니다. 그가 혼자 연주할 때 사용하는 펑키한 리프뿐만 아니라 그의 모든 즉흥 연주의 멜로디와 완성도에 주목하십시오.
2. 키스 자렛 (Keith Jarrett) 인기 - 355만 | 1945년 5월 8일 출생 | 미국 Keith는 우리 시대 최고의 재즈 피아니스트이자 즉흥 연주자 중 한 명일 뿐만 아니라 클래식 피아노 레퍼토리 연주자로도 유명합니다. 그는 또한 작곡가이기도 합니다. 이미 7세에 첫 콘서트를 열어 자신의 작곡 2곡을 연주했고 17세에는 전적으로 자신의 작품으로 구성된 콘서트를 열었습니다.
Keith Jarrett의 재즈 즉흥 연주는 가장 잘 알려진 것 중 하나입니다. 그의 멜로디는 유기적이고 성실하며 게임 중에 "징징"할 가치가 있습니다 (그는 일반적으로 백업을 위해 마이크도 장착되어 있습니다). 가장 감정적 인 순간을 실행하는 동안 그는 일어나 감동적으로 흔들립니다. 젊었을 때 그는 Miles Davis와 함께 아프로 이발을했습니다. 많은 국제 재즈 상을 수상했습니다.
3. 빌 에반스(Bill Evans)인기도 - 9,770만 | 1929년 8월 16일 출생 | 미국 20세기 가장 중요한 재즈 뮤지션 중 한 명. 그는 재즈 발전에 지대한 공헌을 했다. 그의 하모니와 솔로는 극한까지 정교하지만 동시에 쉽게 인식되고 들을 수 있습니다. 30개 이상의 그래미 후보 및 7개 수상. 그는 사후에 상 중 하나를 받았습니다.
이 재즈 연주자는 재즈 명성의 판테온에 포함되어 있습니다. 그의 예술의 천재. 연주할 때 악기와 하나가 된 느낌이다. 뭐라고 해야 할까요? 직접 보고 들어보세요.
4. 허비 핸콕(Herbie Hancock) 인기 - 479만 | 1940년 4월 12일 출생 | 미국허비 - 재즈 피아니스트, 오늘날 그는 우리 시대의 가장 영향력 있는 재즈 피아니스트로 간주됩니다. 그는 14개의 그래미 상을 받았으며 45개 이상의 스튜디오 앨범을 녹음했으며 신디사이저와 키타(키타 또는 "콤", 기타 형태의 신디사이저)를 사용하는 것으로 유명합니다.
이 피아니스트는 솔로 연주 중에 신디사이저를 사용한 최초의 피아니스트 중 한 명입니다. 그의 피아노 리프는 너무 펌핑되어 그들 중 일부는 헤비급 권투 선수의 링에 들어가는 동안 동기 부여 음악으로 듣는 것이 바람직합니다. Herbie가 연주하는 스타일은 퓨전, 록, 소울의 요소가 있는 재즈입니다. 포스트 밥의 창시자 중 한 명으로 간주됩니다. 그는 Miles Davis, Marcus Miller와 함께 연주했으며 실제로 Herbie Hancock이 공동 프로젝트를 수행하지 않은 세계적인 음악가를 지명하기는 어렵습니다. 음악가는 너무 다양해서 언뜻보기에 그의 녹음 중 많은 부분이 일종의 실험가와 낭만적 인 피아니스트가 연주하는 것처럼 보입니다. 나는 모든 음악가들에게 그의 작품을 주의 깊게 연구하라고 조언합니다. 한때 나는 60년대부터 그의 모든 앨범을 다운로드하고 그의 전체를 추적했습니다. 음악 경력. 이 접근 방식을 통해 매우 유익하고 흥미로운 음악가 작업의 진화를 볼 수 있습니다. 듣는 동안 그가 신디사이저에서 어떤 이상한 소리를 선택하는지 주목하십시오. 저에게 Herbie는 제가 가장 좋아하는 키보드 연주자 중 한 명입니다.
5. 레이 찰스(Ray Charles) 인기 - 1억 7천만 | 1930년 10월 23일 출생 | 2010년 사망 | 미국역사상 가장 유명하고 중요한 음악가 중 한 명입니다. 17개의 그래미 어워드 수상작. 창의성의 주요 영역은 소울, R "n B, 재즈입니다. 7 살짜리 소년이었던 그는 눈이 멀었고 평생 보지 못했습니다. 피아노를 부르고 연주하는 콘서트를 10,000 회 이상 열었습니다. . 전설적인 남자.
비명, 신음, 감탄, 웃음을 음악으로 바꾸고 리드미컬한 재즈 피아노와 눈에 띄는 몸짓으로 모든 것을 강조하는 비범한 보컬 파트 연주 방식을 소유한 Ray Charles는 20세기 음악에서 가장 중요한 인물 중 한 명입니다. 70개가 넘는 앨범의 저자. 다중 악기 연주자인 Ray는 여전히 다른 악기보다 피아노를 선호합니다. 그의 파트는 너무 사려 깊고 유기적이어서 하나의 음표를 제거하거나 추가하는 것이 불가능해 보입니다. 다음 중 하나로 정당하게 간주됩니다. 최고의 재즈 피아니스트 및 보컬리스트지난 세기.
6 밥 제임스인기도 - 4억 4,700만 | 1939년 12월 25일 출생 | 미국이 컬렉션의 가장 인기 있는 피아니스트. Fourplay 그룹의 멤버이자 그래미상을 2번 수상했습니다. 작곡가, 피아니스트, 편곡가, 음악 프로듀서. 역사상 가장 유명한 재즈 뮤지션 중 한 명.
그의 음악은 매우 다양해서 그의 작품을 공부하는 데 몇 주만 투자할 가치가 있습니다.
7. 칙코리아(칙코리아) 인기 - 238만 | 1941년 12월 6일 출생 | 미국클래식 및 라틴 아메리카 재즈 모티프의 천재성. 그래미를 포함한 많은 국제 상을 수상했습니다. 뮤지션들 사이에서 Chick Corey의 작곡은 매우 진지하고 연주하기 어려운 것으로 간주됩니다. 많은 사람들이 그의 음악을 최고의 수학이라고 부릅니다. 그는 넓고 화려한 셔츠를 좋아합니다.
Chick Corey의 음악을 위해 영적으로나 지적으로 준비해야 합니다. 그의 멜로디는 선율적이고 때로는 극적이며 처음에는 인식하기 어렵습니다. 게임 중에 그는 다른 음악가가 연주할 때 종종 귀를 자르는 비표준 간격(예: 초)을 사용합니다. 그러나 Chick이 악기를 연주 할 때 그의 음악은 멜로디, 복잡성 및 동시에 놀라운 "경쾌함"으로 너무나 매력적이어서 청취자는 단순히 모든 것을 잊고 위대한 피아니스트의 손을 따라 일종의 트랜스에 들어갑니다.
8. 노라 존스(Norah Jones)인기 - 700만 | 1979년 3월 30일 출생 | 미국부드럽고 동시에 매우 진지한 재즈 피아니스트이자 보컬리스트, 배우. 그는 자신의 노래를 연주하고 기억에 남는 목소리를 가지고 있습니다.
이 가수이자 피아니스트는 겉보기에는 연약한 소녀이지만 내면에는 진정한 재즈 연주자의 단단한 핵심이 있습니다. 공연 중 그녀의 귀여운 얼굴에 주목하세요. 나는 그녀의 콘서트를 들으면서 그림을 그리고 생각하는 것을 좋아합니다.
추신 Norah Jones를 좋아한다면 Ketie Melua도 좋아할 것 같아요. 그녀도 소울풀한 가수예요.
9. 베이시 백작인기 - 241만 | 1904년 8월 21일 출생 | 미국빅 밴드 리더, 거장 피아니스트, 오르간 연주자. 그는 스윙과 블루스의 발전에 지대한 공헌을 했습니다. 그는 오케스트라의 음악가들이 자유롭게 즉흥적으로 연주할 수 있도록 허용했는데, 이는 그의 오케스트라의 중요한 트럼프 카드 중 하나였습니다.
이 60년대 재즈 오케스트라를 듣고 그 당시의 재즈에 빠져보세요.
10. 오스카 피터슨(Oscar Peterson) 인기 - 1,850만 | 1925년 8월 15일 출생 | 2007년 사망 | 캐나다오스카 피터슨은 세계 재즈의 전설입니다. 거장 피아니스트, 작곡가 및 교사인 그는 Ella Fitzgerald 및 Louis Armstrong과 같은 세계 재즈 전설과 함께 연주했습니다. 도시 광장 중 하나는 토론토의 Peterson의 이름을 따서 명명되었습니다.
경이로운 연주 속도, 독창적인 비밥 악절, 하모닉 코드, 거대한 손가락 및 몸통 크기는 Oscar Peterson을 세계 재즈에서 가장 기억에 남는 인물 중 하나로 만듭니다. 현대 스무드 재즈 뮤지션들로부터 "워터 노트"가 필요하지 않고 한 음을 연주하는 것으로 충분하며 필요한 곳에서 올바르게 선택하여 연주하면 뮤지컬 걸작으로 충분하다는 말을 자주 듣습니다. 오스카 피터슨(Oscar Peterson)의 경우 1초에 10~15개의 음표가 연주되지만 오스카처럼 연주되는 것도 당연합니다. 뮤지컬 걸작. 수많은 재즈 출판물은 여전히 오스카 피터슨이 - 최고의 재즈 피아니스트 20 세기.
11. 레니 트리스타노(Lenny Tristano)인기 - 349,000 | 1919년 3월 19일 출생 | 미국유명한 맹인 피아니스트는 재즈 음악의 발전에 크게 기여했습니다. 많은 상을 수상한 Charlie Parker와 함께 녹음했으며 다양한 잡지에서 올해 최고의 피아니스트로 여러 차례 선정되었습니다. 그의 인생이 끝날 무렵 그는 전적으로 음악 교육에 집중했습니다.
안타깝게도 Lenny Tristano의 콘서트는 찾기가 쉽지 않지만 그의 연주를 듣고 나면 그의 팬이 될 것입니다. 뛰어난 사운드와 더불어 그의 연주의 아름다움에도 감탄했습니다. 예, 아름다움입니다! 연주하는 동안 그의 긴 손가락을 보세요. 그들은 건반 위에서 춤추는 생물과 같습니다!
12. 미셸 페트루치아니인기 - 142만 | 1962년 12월 28일 출생 | 프랑스유명한 재즈 피아니스트. 그의 음반에는 30개 이상의 앨범이 포함되어 있습니다. 선천적 질병으로 37세에 세상을 떠났다.
나는 그의 즉흥 연주를 좋아합니다. 매 순간 성장하고 하모니에서 심각한 편차가 있는 활기찬 악절로 발전합니다.
13 브라이언 컬버트슨 인기 - 166만 | 1973년 12월 1일 출생 | 미국최고의 부드러운 재즈 피아니스트 중 한 명으로 트롬본도 연주합니다. 수많은 상을 수상했으며 13개 이상의 앨범을 작곡했습니다.
솔직히 말해서 몇 년 전 그의 펑크 레코드를 듣고서야 그의 작업을 다시 생각할 수 있었습니다. 그전까지는 스무드 재즈 스타일로만 들었고, 높은 연주 수준에도 불구하고 재즈 사운드가 좀 상업적이라는 생각이 들었다. 나중에 나는 이 재즈 피아니스트를 더 잘 알게 되었고 그의 여러 콘서트와 앨범을 더 주의 깊게 들었습니다. So Good과 Back In The Day의 구성과 피아니스트가 가볍고 부드러운 멜로디를 펑키하고 공격적인 악절과 혼합하는 방식은 Brian Culbertson이 오늘날 최고의 재즈 피아니스트 중 한 명이라는 강한 인상을 남겼습니다. 그의 밴드가 얼마나 잘 연주하는지 아래 녹음에서 주목하십시오. 나는 이 비디오를 수십 번 들었고 매번 편곡과 솔로에서 새로운 것을 발견했다. 그건 그렇고, 이 재즈 피아니스트는 거의 항상 청중을 향해 서서 연주합니다.
14. Thelonius 수도사 (Thelonius 수도사)인기 - 195만 | 1917년 10월 10일 출생 | 미국비밥의 창시자, 작곡가, 피아니스트 중 한 명. 매우 독창적 인 플레이 스타일을 가지고 있습니다. 이 음악가가 없었다면 현대 재즈는 탄생하지 못했을 것입니다. 한때 그는 아방가르드, 원시주의자, 새로운 실험적 재즈 경향의 창시자로 간주되었습니다.
그의 손가락에주의하십시오-구부러지지 않는 것 같습니다! 그의 음표를 들어보면 언뜻 이해할 수 없는 음정이 매우 풍부함에도 불구하고 그가 이끄는 명확한 멜로디를 추적할 수 있습니다. 이 피아니스트는 저에게 큰 영향을 미쳤습니다. 그건 그렇고, 그는 모자를 쓰고 노는 것을 좋아했는데 멋져 보입니다.
15. 다이애나 크롤(Diana Krall)인기 - 340만 | 1964년 11월 16일 출생 | 캐나다현대 재즈 음악의 원조로 인정받는 전문 재즈 피아니스트. 그녀는 주로 3개의 그래미상을 수상한 클래식 재즈를 연주하며, 여러 해 동안 최고의 재즈 연주자로 인정받았습니다.
이 재즈 연주자는 뮤지컬 가족에서 태어나고 자랐으며 부모님과 할머니는 음악가였으며 물론 어린 시절부터 Diana는 음악, 특히 재즈에 대한 사랑을 받았습니다. 그녀의 목소리에는 열정이 있습니다. 들어보세요. 내 말을 이해하게 될 것입니다.
한 기사의 틀 내에서 현대 재즈 피아노의 모든 중요한 인물에 대해 말하는 것이 불가능하기 때문에 이 선택이 완전하다고 주장하지 않는다는 점을 다시 한 번 언급하고 싶습니다. 그럼에도 불구하고 주요 악센트를 배치하기를 바랍니다.
댓글에 적어주세요, 어떤 다른 주제에 대해 이러한 입문 검토를 수행해야 합니까? 이 검토 형식이 적합합니까?
뮤지컬 작품의 피아노 연주 전문.
흥미로운 사실은 피아니스트라는 직업에 있어서 3-4세 정도의 아주 어린 나이에 음악을 연주하기 시작하는 것이 특히 중요하다는 것입니다. 그런 다음 손바닥의 "넓은"모양이 형성되어 앞으로 능숙하게 플레이하는 데 도움이됩니다.
피아노 음악의 발전 시대에 따라 때때로 피아니스트에게 정반대의 요구 사항이 제시되었습니다. 또한 음악가의 직업은 필연적으로 교차합니다. 대부분의 피아니스트들은 스스로 피아노 곡을 작곡합니다. 그리고 드문 거장만이 다른 사람들의 멜로디를 독점적으로 연주함으로써 유명해졌습니다.
어쨌든 다른 음악가와 마찬가지로 피아니스트가 자신이 연주하는 음악에 녹아들 수 있도록 성실하고 감정적인 것이 중요합니다. 유명한 Harold Schonberg에 따르면 음악 평론가, 그것은 단순한 악기가 아니라 삶의 방식입니다. 피아니스트의 삶의 의미는 단지 음악이 아니라 피아노를 위한 음악이라는 의미입니다.
모차르트, 리스트, 라흐마니노프 - 피아노 예술의 고전
피아노 음악의 역사는 꽤 흥미롭습니다. 거기에는 여러 단계가 있으며 각 단계에는 고유한 전통이 있습니다. 종종 그 시대의 대포는 악기를 능숙하게 연주한 한 사람(거의 여러 명)이 설정했습니다(처음에는 하프시코드, 나중에는 피아노).
따라서 피아니즘 역사의 세 시대를 강조하면서 가장 유명한 작곡가 인 Mozart, Liszt 및 Rachmaninoff의 이름을 따서 명명되었습니다. 역사가들의 전통적인 용어로는 각각 고전주의 시대, 낭만주의 시대, 초기 모더니즘 시대였습니다.
18세기와 19세기의 주목할만한 피아니스트
이 시기마다 다른 피아니스트들도 활동했는데, 그들 중 다수는 동시에 음악 작품의 작곡가였으며 피아노 음악의 역사에 지울 수 없는 족적을 남겼습니다. 이들은 3개의 "비엔나 고전" 슈베르트와 베토벤 중 2개, 독일인 브람스와 슈만, 폴 쇼팽과 프랑스인 찰스 발렌틴 알칸입니다.
요하네스 브람스
이 기간 동안 피아니스트는 주로 즉흥 연주를 할 수 있어야 했습니다. 피아니스트라는 직업은 작곡과 밀접한 관련이 있었다. 그리고 다른 사람의 작품을 공연할 때도 자신의 자유로운 해석, 자유로운 해석이 옳다고 여겼다. 오늘날 그러한 공연은 무미건조하고 잘못되었으며 심지어 무능한 것으로 간주될 것입니다.
20세기와 21세기의 주목할만한 피아니스트
20세기는 피아노 예술의 전성기입니다. 이 시기는 유난히 재능 있고 뛰어난 피아니스트가 풍부합니다.
20세기 초에 Hoffmann과 Cortot, Schnabel과 Paderewski가 유명해졌습니다. 물론 피아노 음악뿐만 아니라 세계 문화 전반에 새로운 시대를 열었던 실버 에이지의 천재 라흐마니노프.
20세기 후반은 Svyatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff…
스뱌토슬라프 리히터
그런 21세기 초에 그들의 음악적 창조성을 계속 뛰어난 피아니스트 1958년에 국제 차이코프스키 콩쿠르의 첫 수상자가 된 미국인 Van Cliburn처럼. 가장 인기있는 팝 피아니스트 인 Vladimir Ashkenazy는 다음 해에 같은 대회에서 우승 한 뮤지션을 언급 할 가치가 있습니다.
