세계 극장의 발레단 이름. 발레의 간략한 역사
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유명한 러시아 발레. 탑 5
고전 발레는 성숙한 르네상스 시대에 이탈리아에서 태어나 프랑스로 "이동"한 놀라운 예술 형식으로, 무용 아카데미의 설립과 많은 운동의 성문화를 포함하여 발전의 장점은 루이 14세가 소유했습니다. . 프랑스는 러시아를 포함한 모든 유럽 국가에 연극 무용 예술을 수출했습니다. 19세기 중반, 유럽 발레의 수도는 더 이상 낭만주의의 명작 라 실피드와 지젤을 전 세계에 선사한 파리가 아니라 상트페테르부르크였습니다. 위대한 안무가 Marius Petipa가 거의 60 년 동안 일한 곳은 북부 수도에서 고전 무용 시스템의 창시자이자 여전히 무대를 떠나지 않는 걸작의 저자입니다. 10월 혁명 이후 그들은 발레를 근대성의 배에서 떨어뜨리고 싶었지만 간신히 그것을 방어했습니다. 소비에트 시간상당한 수의 걸작이 탄생했습니다. 국내 최고의 발레 5편을 연대순으로 소개합니다.
"돈 키호테"
발레 돈키호테의 한 장면. Marius Petipa의 첫 작품 중 하나
L.F. 의 발레 초연. 볼쇼이 극장의 Minkus "Don Quixote". 1869년 건축가 Albert Kavos의 앨범에서
발레 돈키호테의 한 장면. Kitri - Lyubov Roslavleva (가운데). A.A. 고르스키. 모스크바, 볼쇼이 극장. 1900년
L. Minkus의 음악, M. Petipa의 대본. 첫 작품: 모스크바, 볼쇼이 극장, 1869, M. Petipa의 안무. 후속 작품: St. Petersburg, Mariinsky Theatre, 1871, M. Petipa의 안무; 모스크바, 볼쇼이 극장, 1900, 상트페테르부르크, 마린스키 극장, 1902, 모스크바, 볼쇼이 극장, 1906, 모두 A. Gorsky의 안무.
발레 "돈키호테"는 삶과 환희로 가득 찬 연극 공연으로 성인을 결코 지치게하지 않고 부모가 자녀를 즐겁게 데려가는 영원한 춤의 축제입니다. 영웅의 이름으로 불렸지만 유명한 소설세르반테스는 그의 에피소드 중 하나인 "콰이테리아와 바실리오의 결혼식"에서 퇴출당했으며, 부자와 결혼하기를 원했던 여주인공의 완고한 아버지의 반대에도 불구하고 결국 사랑이 승리하는 젊은 영웅들의 모험에 대해 이야기합니다. 가마슈.
그래서 돈키호테는 그것과 거의 관련이 없습니다. 공연 내내 키가 크고 마른 예술가가 Sancho Panza를 연기하는 키가 작고 배불뚝이의 동료와 함께 무대 주위를 서성이며 때때로 Petipa와 Gorsky가 작곡한 아름다운 춤을 보는 것을 어렵게 만듭니다. 본질적으로 발레는 모든 발레단의 모든 아티스트가 할 일이 있는 고전적이고 독특한 춤을 기념하는 의상을 입은 콘서트입니다.
발레의 첫 번째 제작은 모스크바에서 이루어졌으며 Petipa는 때때로 마린스키 극장의 화려한 극단과 비교할 수없는 지역 극단의 수준을 높이기 위해 여행했습니다. 그러나 모스크바에서는 숨 쉬기가 더 쉬웠으므로 안무가는 본질적으로 멋진 세월맑은 나라에서 보낸 청춘.
발레는 성공적이었고 2년 후 Petipa는 그것을 재작업이 필요한 상트페테르부르크로 옮겼습니다. 그곳에서 특징적인 춤은 순수한 고전보다 훨씬 덜 흥미로웠다. Petipa는 "Don Quixote"를 5 막으로 확장하고 "백인 막", 소위 "Dream of Don Quixote"를 작곡했습니다. "꿈"에 나오는 큐피드의 수는 52개에 이르렀습니다...
Don Quixote는 Konstantin Stanislavsky의 아이디어를 좋아하고 오래된 발레를 더 논리적이고 극적으로 설득력있게 만들고 싶었던 모스크바 안무가 Alexander Gorsky의 재 작업으로 우리에게 왔습니다. Gorsky는 Petipa의 대칭 구성을 파괴하고 "Dream"장면에서 tutus를 취소하고 스페인 무용수를 위해 거무스름한 화장을 사용하도록 주장했습니다. Petipa는 그를 "돼지"라고 불렀지 만 이미 Gorsky의 첫 번째 변경에서 발레는 볼쇼이 극장 무대에서 225 번 공연되었습니다.
"백조의 호수"
첫 공연 풍경. 큰 극장. 모스크바. 1877년
발레의 한 장면 백조의 호수» P.I. 차이코프스키(안무가 마리우스 프티파와 레프 이바노프). 1895년
P. Tchaikovsky의 음악, V. Begichev 및 V. Geltser의 대본. 첫 작품: 모스크바, 볼쇼이 극장, 1877년, V. Reisinger의 안무. 후속 작품: St. Petersburg, Mariinsky Theatre, 1895, 안무: M. Petipa, L. Ivanov.
모두가 좋아하는 발레로 1895년에 상연된 클래식 버전이 실제로는 모스크바 볼쇼이 극장에서 18년 전에 탄생했습니다. 아직 세계적 명성을 얻지 못한 차이코프스키의 악보는 일종의 "말없는 노래"집이었고 당시에는 너무 복잡해 보였습니다. 발레는 40번 정도 하고 망각에 빠졌다.
차이코프스키가 죽은 후 백조의 호수는 마린스키 극장에서 상연되었고 이후의 모든 발레 작품은 이 버전을 기반으로 하여 고전이 되었습니다. 행동에는 매우 명확성과 논리가 부여되었습니다. 발레는 사악한 천재 Rothbart의 의지에 의해 백조로 변한 아름다운 Odette 공주의 운명에 대해 Rothbart가 그녀와 사랑에 빠진 Siegfried 왕자를 속인 방법에 대해 이야기했습니다. 그의 딸 Odile의 매력과 영웅의 죽음에 의지합니다. 차이콥스키의 악보는 지휘자 리카르도 드리고에 의해 약 3분의 1 정도 줄어 재편성되었다. Petipa는 1 막과 3 막의 안무를, 2 막과 4 막의 안무는 Lev Ivanov를 만들었습니다. 이 분리는 두 뛰어난 안무가의 소명과 이상적으로 일치했으며, 두 번째 안무가는 첫 번째 안무가의 그늘에서 살고 죽어야 했습니다. Petipa는 클래식 발레의 아버지이자 완벽하게 조화로운 작곡의 창시자이자 여성 요정, 여성 장난감의 가수입니다. Ivanov는 음악에 대한 유난히 민감한 감각을 가진 혁신적인 안무가입니다. Odette-Odile의 역할은 "밀라노 발레리나의 여왕"인 Pierina Legnani가 담당했으며, 그녀는 최초의 Raymonda이자 32 푸에트의 발명가이기도 합니다.
발레에 대해 아무것도 모르실 수도 있지만 백조의 호수는 모두에게 알려져 있습니다. 지난 몇 년 동안 소련, 노인 지도자들이 자주 교체되었을 때 발레 주인공의 "백인"듀엣의 진심 어린 멜로디와 TV 화면에서 터지는 날개 팔이 슬픈 사건을 예고했습니다. 일본인은 백조의 호수를 너무 좋아해서 어떤 극단이 공연하든 아침과 저녁에 볼 준비가 되어 있습니다. 러시아, 특히 모스크바에 많은 순회 공연단은 Lebedinoy 없이는 할 수 없습니다.
"호두 까는 기구"
발레 호두까기 인형의 한 장면. 첫 무대. Marianna - Lydia Rubtsova, Clara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasily Stukolkin. 마린스키 오페라 하우스. 1892년
발레 호두까기 인형의 한 장면. 첫 무대. 마린스키 오페라 하우스. 1892년
P. Tchaikovsky의 음악, M. Petipa의 대본. 첫 작품: 상트페테르부르크, 마린스키 극장, 1892, 안무 L. Ivanov.
책과 웹사이트에서 호두까기 인형이 클래식 발레의 아버지인 마리우스 페티파에 의해 무대에 올랐다는 잘못된 정보가 여전히 떠돌고 있습니다. 실제로 Petipa는 대본 만 썼고 발레의 첫 번째 제작은 그의 부하 Lev Ivanov가 수행했습니다. 불가능한 작업이 Ivanov의 몫에 떨어졌습니다. 이탈리아 게스트 공연자의 필수 참여로 당시 유행하는 발레 광상 스타일로 만든 대본은 Petipa의 지시에 따라 작성되었지만 차이코프스키의 음악과 명백히 모순되었습니다. 훌륭한 느낌, 극적인 풍부함 및 복잡한 교향곡 개발로 구별되었습니다. 또한 발레의여 주인공은 10 대 소녀 였고 발레리나 스타는 마지막 pas de deux (아다지오-느린 부분, 변형-솔로 댄스 및 코다로 구성된 파트너와의 듀엣)만을 위해 준비되었습니다. (거장 피날레)). 첫 번째 무언극 행위가 주로 판토마임 행위 인 The Nutcracker의 첫 번째 프로덕션은 두 번째 행위 인 전환 행위와 크게 달랐으며 그다지 성공적이지 않았으며 비평가들은 눈송이의 왈츠 (64 명의 댄서가 참여함)와 Pas de 만 언급했습니다. 오로라가 네 명의 신사와 춤을 추는 이바노프의 잠자는 숲속의 미녀의 장미와 함께하는 아다지오에서 영감을 얻은 당의정 요정과 백일해의 왕자의 듀스.
그러나 차이코프스키 음악의 깊숙이 파고들 수 있었던 20세기에 <호두까기 인형>은 진정으로 환상적인 미래를 향하고 있었다. 소련, 유럽 국가 및 미국에서 수많은 발레 공연이 있습니다. 러시아에서는 Leningrad State Academic Opera and Ballet Theatre (현재 상트 페테르부르크의 Mariinsky Theatre)의 Vasily Vainonen과 모스크바 볼쇼이 극장의 Yuri Grigorovich의 작품이 특히 인기가 있습니다.
"로미오와 줄리엣"
발레 로미오와 줄리엣. Juliet - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergeev. 1939년
셰익스피어의 로미오와 줄리엣에서 줄리엣으로 패트릭 캠베플 부인. 1895년
로미오와 줄리엣의 피날레. 1940년
S. Prokofiev의 음악, S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky의 대본. 첫 번째 작품: Brno, Opera and Ballet Theatre, 1938, V. Psota의 안무. 후속 작품: Leningrad, State Academic Opera and Ballet Theatre. S. Kirov, 1940, L. Lavrovsky의 안무.
잘 알려진 러시아어 번역에서 셰익스피어의 문구가 다음과 같다면 "세상에 로미오와 줄리엣의 이야기보다 더 슬픈 이야기는 없다", 그런 다음 그들은이 음모에 쓰여진 위대한 Sergei Prokofiev의 발레에 대해 말했습니다. "세상에서 프로코피예프의 발레 음악보다 더 슬픈 이야기는 없다". 아름다움, 풍부한 색상 및 표현력이 정말 놀랍습니다. 등장 당시 "로미오와 줄리엣"의 악보는 너무 복잡하고 발레에 적합하지 않은 것 같았습니다. 발레 댄서들은 단순히 그녀에게 춤을 추기를 거부했습니다.
Prokofiev는 1934년에 악보를 썼고 원래는 극장용이 아니라 유명한 Leningrad Academic Choreographic School이 200주년을 기념하기 위해 만들었습니다. 이 프로젝트는 1934년 레닌그라드에서 세르게이 키로프가 살해되면서 실행되지 못했으며, 제2 수도의 주요 뮤지컬 극장에서 변화가 일어났습니다. 모스크바 볼쇼이 극장에서 로미오와 줄리엣을 상연하려는 계획도 결실을 맺지 못했습니다. 1938 년 브르노의 한 극장에서 시사회가 열렸고 불과 2 년 후 프로코피예프의 발레가 마침내 작가의 고향 인 당시 키로프 극장에서 상연되었습니다.
안무가 레오니드 라브로브스키는 소련 당국의 극찬을 받은 '드람발레' 장르(1930-50년대 발레의 특징적인 안무 드라마 형식)의 틀 내에서 세심하게 조각된 대중 장면과 정교하게 조각된 장면으로 인상적이고 흥미진진한 광경을 연출했습니다. 캐릭터의 심리적 특성을 정의했습니다. 그의 처분에는 Juliet의 역할에서 타의 추종을 불허하는 가장 세련된 발레리나 배우 Galina Ulanova가있었습니다.
Prokofiev의 점수는 서양 안무가들에게 빠르게 높이 평가되었습니다. 발레의 첫 번째 버전은 이미 1940년대에 등장했습니다. 그들의 창조자는 Birgit Kuhlberg (Stockholm, 1944)와 Margarita Froman (Zagreb, 1949)이었습니다. "로미오와 줄리엣"의 유명한 작품은 Frederick Ashton(1955년 코펜하겐), John Cranko(1958년 밀라노), Kenneth MacMillan(1965년 런던), John Neumeier(1971년 프랑크푸르트, 1973년 함부르크)에 속합니다.I. Moiseev, 1958, Y. Grigorovich의 안무, 1968.
"Spartacus"가 없으면 "소비에트 발레"의 개념은 생각할 수 없습니다. 이것은 시대의 상징 인 진정한 히트작입니다. 소비에트 시대 Marius Petipa와 모스크바 및 상트 페테르부르크의 제국 극장에서 물려받은 전통적인 고전 발레와는 완전히 다른 다른 주제와 이미지를 개발했습니다. 전래 동화해피 엔딩으로 보관되었고 영웅적인 이야기로 대체되었습니다.
이미 1941년에 소련의 주요 작곡가 중 한 명인 아람 하차투리안(Aram Khachaturian)은 볼쇼이 극장에서 열릴 기념비적이고 영웅적인 공연을 위해 음악을 작곡하겠다는 의사를 밝혔습니다. 주제는 스파르타쿠스가 이끄는 노예 봉기 인 고대 로마 역사의 에피소드였습니다. Khachaturian은 아르메니아, 그루지야, 러시아 모티프를 사용하여 아름다운 멜로디와 불 같은 리듬으로 가득한 다채로운 악보를 만들었습니다. 프로덕션은 Igor Moiseev가 상연했습니다.
그의 작품이 관객들에게 나오기까지 수년이 걸렸고, 볼쇼이 극장이 아닌 극장에 등장했다. 키로프. 안무가 레오니드 야콥슨(Leonid Yakobson)은 샌들을 신은 발레리나와 자유로운 플라스티크를 사용하여 포인트 댄스를 포함한 클래식 발레의 전통적인 속성을 버리고 놀랍고 혁신적인 공연을 만들었습니다.
그러나 발레 "Spartacus"는 1968 년 안무가 Yuri Grigorovich의 손에 히트작이자 시대의 상징이되었습니다. Grigorovich는 완벽하게 구성된 드라마 투르 기, 주인공 캐릭터의 미묘한 묘사, 군중 장면의 능숙한 연출, 서정적 아다지오의 순수함과 아름다움으로 시청자에게 깊은 인상을 남겼습니다. 그는 자신의 작품을 "발레단과 함께하는 4명의 솔로이스트를 위한 공연"(발레단 - 대량 댄스 에피소드에 참여하는 아티스트)이라고 불렀습니다. Vladimir Vasiliev는 Spartacus, Crassus - Maris Liepa, Phrygia - Ekaterina Maksimova 및 Aegina - Nina Timofeeva의 역할을 수행했습니다. 카드 드 발레는 주로 남성이었고, 이는 발레 "스파르타쿠스"를 종류 중 하나로 만듭니다.
Yakobson과 Grigorovich의 잘 알려진 Spartacus 읽기 외에도 약 20 개의 발레 작품이 더 있습니다. 그중에는 프라하 발레단의 Jiri Blazek, 부다페스트 발레단의 Laszlo Serega(1968), Arena di Verona(1999)의 Jüri Vamos, 비엔나 국립 오페라 발레단의 Renato Zanella(2002), Natalia Kasatkina 및 Vladimir의 버전이 있습니다. 그들이 감독하는 State Academic Theatre의 Vassilev 모스크바 클래식 발레 (2002).
세계적으로 유명한 극장 공연 티켓은 미리 예약해야 합니다. 이 어트랙션이 전 세계의 극장 관람객을 끌어들이는 방법과 티켓이 얼마인지 알아보십시오. 최고의 극장평화.
물론 이 목록에는 분명히 볼쇼이 극장이나 마린스키 극장이 없지만 우리는 러시아에서 가장 유명한 극장에 대해 별도의 기사를 쓰기로 결정했습니다.
세계에서 가장 유명한 극장
유럽의 수도에서는 삶이 한창입니다. 파리, 런던, 밀라노-패셔니 스타와 카메라를 든 관광객이 이곳에 모여 듭니다. 지식인 - 건축, 연극, 오페라, 발레 및 음악 감정가도 기뻐할 것입니다.코벤트 가든 극장
런던영국의 수도는 역사가 있는 극장이 풍부합니다. 셰익스피어의 연극이 처음으로 상연된 곳은 런던 글로브의 무대였습니다. 그러나 두 번의 재건축에서 살아남은 글로브가 오늘날에도 여전히 운영되고 있지만, 로열 발레단과 로열 오페라의 본거지인 코벤트 가든의 로열 오페라 하우스는 런던에서 가장 유명한 극장의 지위를 가지고 있습니다.
현대적인 건물은 이미 세 번째입니다. 1732년에 이 극장은 William Congreve의 연극을 바탕으로 한 "Secular Customs"의 제작을 보러 온 관중들에게 처음으로 문을 열었습니다. 76년 후, 코벤트 가든 건물은 화재로 소실되었습니다. 회복하는 데 9개월이 걸렸다. 재개장한 극장은 맥베스로 관객들을 즐겁게 했다. 1856년에 극장은 다시 불타버렸지만 2년 후 우리가 지금 볼 수 있는 것처럼 잿더미 속에서 다시 태어났습니다.
대규모 재건 1990년 극장을 열었다. 이제 4층 홀은 2268명의 방문객을 수용합니다. Covent Garden Theatre의 티켓 가격은 £15에서 £135입니다.
그랜드 오페라
파리파리에서 가장 유명한 극장은 그랜드 오페라(Grand Opera)입니다. 1669년 루이 14세는 시인 피에르 페랭(Pierre Perrin)과 작곡가 로베르 캄버(Robert Kamber)에게 오페라 하우스 설립을 "진행"했습니다. 수세기 동안 극장은 이름과 위치를 여러 번 변경하여 1862년 건축가 Charles Garnier가 1875년에 지은 Charles Garnier가 설계한 건물인 파리 IX 구에 위치하게 되었습니다.
극장의 외관은 고급 스럽습니다. 4 개의 조각 (드라마, 음악,시 및 춤의 의인화)과 7 개의 아치로 장식되어 있습니다. 건물은 장엄한 빛나는 돔으로 장식되어 있습니다.
그랜드 오페라의 무대는 독일, 이탈리아, 프랑스 작곡가. Stravinsky의 오페라 "Mavra"의 초연이 이곳에서 열렸습니다. 현재 이름은 Palais Garnier이며 아마도 세계에서 가장 많이 방문한 극장일 것입니다.
정맥오스트리아는 하이든, 모차르트, 베토벤 등 많은 고전의 발상지입니다. 그의 음악은 비엔나 클래식 음악 학교의 기반이 되었습니다. 그래서인지 비엔나 오페라는 세계에서 가장 유명한 오페라 하우스라고 자신있게 부를 수 있습니다.
오페라 하우스는 1869년에 지어졌습니다. 오프닝은 Mozart의 오페라 Don Giovanni로 표시되었습니다.
극장 건물은 매우 일반적인 네오 르네상스 스타일로 지어 졌기 때문에 반복적으로 무자비한 비판을 받았습니다. 건물의 외관은 비엔나 주민들에게 지루하고 눈에 띄지 않는 것처럼 보였습니다.
두번째 세계 대전극장은 부분적으로 파괴되었지만 1955년 베토벤의 오페라 피델리오와 함께 엄숙하게 다시 문을 열었습니다. 공연 횟수 면에서 다른 어떤 오페라 하우스도 비엔나 오페라와 비교할 수 없습니다. 1년에 285일 동안 약 60개의 오페라가 Ringstrasse에 있는 이 건물에서 상연됩니다. 매년 사순절 첫째 날 일주일 전에 유네스코가 보호하는 무형문화유산 목록에 등재된 행사인 비엔나 무도회가 이곳에서 열립니다.
라 스칼라
밀라노>현대 오페라가 탄생한 것은 르네상스 시대 이탈리아였습니다. 1776년 밀라노 건축가 주세페 피에르마리니(Giuseppe Piermarini)는 파괴된 산타 루치아 델라 스칼라(Santa Lucia della Scala) 교회 부지에 있는 땅을 좋아했습니다. 그 위에 오페라 하우스를 짓기로 결정했고 결국 "조상"으로부터 이름을 받았습니다.
지하 기초를 건설하는 동안 그들은 고대 로마 배우 Pylades의 이미지가있는 대리석 슬래브를 발견했으며 건축업자는 위에서 기호로 가져갔습니다.
La Scala의 첫 번째 오페라는 작곡가 Antonio Salieri의 Recognized Europe이었습니다. 이 벽에서 Gavazzeni Gianandrea, Arturo Toscanini 및 Riccardo Muti의 오케스트라가 처음 소리를 냈습니다.
오늘날 La Scala는 세계에서 가장 유명한 극장 중 하나에서 정당하게 읽습니다. 밀라노에 도착한 관광객들이 가장 먼저 살펴보는 곳은 밀라노 대성당 다음이다.
극장이 마지막으로 재건된 것은 2000년대 초였습니다. 개관은 2004년에 이루어졌으며, 개조된 무대에서는 살리에리의 오페라 Renewed Europe이 다시 상영되었다.
카탈루냐 음악 궁전
바르셀로나(이전에 비해) 다소 젊은 극장인 바르셀로나의 카탈루냐 음악 궁전은 1908년 음악 애호가들에게 문을 열었습니다. 바르셀로나는 가우디의 스페인 아르누보를 좋아하기 때문에 같은 스타일로 국가의 메인 콘서트 홀을 짓기로 결정했습니다. 여기에서는 파도와 나선이 직선보다 우세합니다.
궁전의 외관은 스페인에서 유럽과 아랍 문화가 다른 어느 곳보다 밀접하게 얽혀 있음을 상기시켜줍니다.
하지만 주요 특징 콘서트홀- 그 조명. 빛은 완전히 자연 스럽습니다. 카탈로니아 음악 궁전의 돔은 컬러 유리 모자이크로 만들어져 있습니다. 굴절된 태양 광선은 형언할 수 없는 효과를 만들어냅니다!
시드니 오페라 하우스
시드니시드니 오페라 하우스는 세계에서 가장 많이 방문한 곳은 아닐지 모르지만 확실히 가장 잘 알려져 있고 특이한 극장입니다. 하얀 돛 모양의 벽은 세계의 현대 불가사의 중 하나가 되었습니다.
개장식은 1973년 10월 엘리자베스 2세 여왕이 참석한 가운데 열렸습니다.
모두가 시드니 극장의 외부 모습을 알고 있습니다. 이제 내부 모습을 확인하십시오. 미래주의와 고딕의 유쾌한 조합입니다!
건물의 총 면적은 2헥타르를 초과합니다. 건물 안에는 시드니 호주 오페라의 "본부"이기 때문에 거의 천 개의 방이 있습니다. 심포니 오케스트라, 국립 발레단 및 시드니 극단.
극장의 조명은 에너지를 소비하는데, 이는 호주의 작은 마을의 전기 소비량과 상당히 비슷합니다.
가부키자
도쿄우리는 유럽 극장에 대해 많이 알고 있지만 동양의 극장은 어떻습니까? 특히 일본인의 특징은 무엇입니까? 연극 문화?
일본 고전 연극은 연극, 음악, 무용, 시를 무대에서 결합합니다. 공연의 풍경은 배우들의 가면과 기모노에 대해 말할 수 없을 정도로 복잡하지 않습니다. 공연의 의미는 일본 문화에 익숙하지 않고 신화, 문학 및 역사에 대한 많은 미묘한 언급을 이해할 수 없는 준비되지 않은 시청자에게는 깨지기 힘든 견과입니다.
그럼에도 불구하고 Tokyo Kabuki-za 극장은 일본인뿐만 아니라 관광객들에게도 사랑 받고 있습니다. 홀의 1964 석 중 일반적으로 비어있는 곳은 없습니다. 티켓 가격은 15,000엔(약 8,000루블)부터 시작하며, 추가 요금을 내면 무슨 일이 일어나고 있는지 자세히 설명하는 오디오 가이드를 구입할 수 있습니다.
라디오시티 뮤직홀
뉴욕1932년 맨해튼 중심부에 지어진 라디오 시티 뮤직홀은 뉴요커들이 가장 좋아하는 엔터테인먼트 장소 중 하나가 되었습니다. 연극, 뮤지컬, 공연 재즈 오케스트라, 신선한 영화 시사회-이 모든 것을 여기에서 볼 수 있습니다. 시대는 변했지만 20세기 브로드웨이 뮤지컬의 시크함과 화려함은 여전히 미국인과 관광객 모두를 사로잡을 것입니다.
특히 전통 크리스마스 뮤지컬이 인기다.
라디오 시티는 한 번에 6,000명을 수용할 수 있기 때문에 라디오 시티의 무대에서는 그래미 뮤직 어워드와 같은 국가 행사가 자주 열립니다.
라디오시티 홀의 자랑은 파이프 4410개의 거대한 오르간이다.
셈퍼 오페라
드레스덴그녀는 건축가 Gottfried Semper를 기리기 위해 Dresden National Opera 또는 Semperoper입니다. 장엄한 네오르네상스 양식 건물은 1841년 4월 12일에 처음 방문객을 맞이했습니다. 이 무대에서 들리는 첫 번째 작품은 괴테의 연극 Iphigenia in Tauris였습니다. 그 후 Richard Wagner의 많은 오페라 초연이 이곳에서 열렸습니다.
copypaster가 2007년 8월 15일 수요일 - 01:11에 제출함
발레는 다소 젊은 예술입니다. 춤은 고대부터 인간의 삶을 장식해 왔지만 400년이 조금 넘었습니다.
발레는 르네상스 시대에 북부 이탈리아에서 태어났습니다. 이탈리아 왕자들은 춤이 중요한 자리를 차지하는 웅장한 궁전 축제를 좋아했습니다. 시골의 춤은 궁녀와 신사에게 적합하지 않았습니다. 그들이 춤을 추는 홀처럼 그들의 예복은 조직화되지 않은 움직임을 허용하지 않았습니다. 특별 교사-댄스 마스터-궁정 댄스에서 일을 정리하려고했습니다. 그들은 사전에 귀족들과 함께 춤의 개별 인물과 동작을 연습하고 무용수 그룹을 이끌었습니다. 점차적으로 춤은 점점 더 연극적으로 변했습니다."발레"라는 용어는 16 세기 말에 나타났습니다 (이탈리아 발레토에서 춤까지). 그런데 그것은 공연을 의미하는 것이 아니라 어떤 분위기를 전달하는 댄스 에피소드 일뿐입니다. 이러한 "발레"는 일반적으로 캐릭터의 거의 연결된 "출력"으로 구성됩니다. 대부분의 경우 영웅입니다. 그리스 신화. 이러한 "출력"후 일반적인 춤인 "큰 발레"가 시작되었습니다.
최초의 발레 공연은 1581년 이탈리아 안무가 Baltazarini di Belgiojoso가 프랑스에서 공연한 Queen's Comedy Ballet이었습니다. 프랑스에서 그랬다. 추가 개발발레. 처음에는 가장 무도회 발레 였고 무용 에피소드가 보컬 아리아와시 낭송으로 대체 된 기사도적이고 환상적인 음모에 대한 화려한 멜로 드라마 발레였습니다. 놀라지 마세요. 그 당시 발레는 단순한 댄스 공연이 아니었습니다.
루이 14세의 통치 기간 동안 궁정 발레 공연은 특별한 화려함에 도달했습니다. Louis 자신은 발레 참여를 좋아했으며 "밤의 발레"에서 태양 역할을 한 후 "The Sun King"이라는 유명한 별명을 얻었습니다.
1661년에 그는 13명의 주요 무용 대가를 포함하는 왕립 음악 및 무용 아카데미를 설립했습니다. 그들의 의무는 춤 전통을 보존하는 것이었다. 아카데미의 책임자인 왕실 무용 교사 피에르 보샹(Pierre Beauchamp)은 고전 무용의 다섯 가지 기본 자세를 확인했습니다.
곧 파리 오페라가 열렸으며 그 안무가는 같은 Beauchamp였습니다. 그의 지도력 아래 발레단이 결성되었습니다. 처음에는 남자로만 구성되었습니다. 여성들은 1681년에야 파리 오페라 무대에 등장했습니다.
극장은 작곡가 Lully의 오페라 발레와 극작가 Molière의 코미디 발레를 상연했습니다. 처음에는 궁중들이 참여했고 공연은 궁전 공연과 거의 다르지 않았습니다. 이미 언급한 느린 미뉴에트, 가보트, 파반이 춤을 추었습니다. 마스크, 두꺼운 드레스, 하이힐은 여성들이 복잡한 동작을 수행하기 어렵게 만들었습니다. 따라서 남성의 춤은 더 큰 우아함과 우아함으로 구별되었습니다.
18세기 중반에 이르러 발레는 유럽에서 큰 인기를 얻었습니다. 유럽의 모든 귀족 궁정은 프랑스 왕실의 사치를 모방하려고 했습니다. 오페라 하우스가 도시에 문을 열었습니다. 수많은 댄서와 댄스 교사가 쉽게 일자리를 찾았습니다.
패션 여성에게 곧 영향을 받음 발레 의상훨씬 가볍고 자유로워졌고 그 아래에서 신체 라인이 추측되었습니다. 댄서들은 발 뒤꿈치가있는 신발을 버리고 가벼운 발 뒤꿈치가없는 신발로 교체했습니다. 남성용 의상도 덜 번거로워졌습니다. 무릎에 꽉 끼는 바지와 스타킹으로 댄서의 모습을 볼 수있었습니다.
각각의 혁신은 춤을 더 의미있게 만들었고 춤 기술을 더 높였습니다. 점차적으로 발레는 오페라에서 분리되어 독립 예술로 변모했습니다.
프랑스 발레 학교는 우아함과 가소성으로 유명했지만 공연의 냉정함과 형식이 특징이었습니다. 따라서 안무가와 예술가들은 다른 표현 수단을 찾고 있었다.
18 세기 말에 예술의 새로운 경향 인 발레에 강한 영향을 미쳤던 낭만주의가 탄생했습니다. 로맨틱 발레에서 무용수는 포인트 슈즈를 신고 섰습니다. Maria Taglioni는 이것을 처음으로 수행하여 발레에 대한 이전 아이디어를 완전히 바 꾸었습니다. 발레 "La Sylphide"에서 그녀는 연약한 생물로 나타났습니다. 하계. 성공은 놀라웠습니다.
이때 멋진 발레가 많이 등장했지만 안타깝게도 로맨틱 발레가 마지막 전성기였습니다. 댄스 아트서쪽에서. 두 번째부터 XIX의 절반이전의 의미를 잃은 세기 발레는 오페라의 부속물이되었습니다. 1930년대에야 러시아 발레의 영향으로 유럽에서 이 예술 형식의 부활이 시작되었습니다.
러시아에서는 첫 번째 발레 공연인 "오르페우스와 에우리디체의 발레"가 1673년 2월 8일 차르 알렉세이 미하일로비치의 궁정에서 상연되었습니다. 의식 및 느린 춤은 우아한 자세, 인사 및 동작의 변경으로 구성되며 노래와 연설이 번갈아 가며 나타납니다. 아니요 중요한 역할그는 무대 댄스 개발에 참여하지 않았습니다. 독특함과 참신함으로 매료 된 것은 또 다른 왕실의 "재미"였습니다.
불과 25년 후, 표트르 1세의 개혁 덕분에 음악과 춤이 러시아 사회의 삶에 들어왔습니다. 의무 무용 훈련이 귀족 학교에 도입되었습니다. 법정에서는 해외에서 제대한 악사들이 연주를 시작했고, 오페라 아티스트그리고 발레단.
1738년 러시아 최초의 발레학교가 문을 열었고, 3년 뒤 궁중 하인 12명의 소년 소녀 12명이 러시아 최초의 전문 무용수가 되었다. 처음에 그들은 외국 마스터의 발레에서 figurants (발레 무용단이라고 불림)로, 나중에는 주요 부분에서 공연했습니다. 그 당시 뛰어난 댄서 Timofey Bublikov는 상트 페테르부르크뿐만 아니라 비엔나에서도 빛났습니다.
19세기 초 러시아 발레 예술은 창조적 성숙기에 도달했습니다. 러시아 무용수들은 춤에 표현력과 영성을 더했습니다. 이것을 매우 정확하게 느끼는 A. S. Pushkin은 그의 동시대 Avdotya Istomina의 춤을 "영혼으로 가득 찬 비행"이라고 불렀습니다.
당시 발레는 다른 유형의 연극 예술 중에서 특권적인 위치를 차지했습니다. 당국은 국가 보조금을 제공하면서 그것에 큰 관심을 기울였습니다. 모스크바와 상트 페테르부르크 발레단은 시설이 잘 갖추어 진 극장에서 공연했으며 연극 학교 졸업생은 매년 댄서, 음악가 및 장식가 직원을 보충했습니다.
아서 세인트 레온
우리 발레 극장의 역사에서 러시아 발레 발전에 중요한 역할을 한 외국 거장들의 이름을 자주 접하게 됩니다. 우선 이들은 Charles Didelot, Arthur Saint-Leon 및 Marius Petipa입니다. 그들은 러시아 발레 학교 설립을 도왔습니다. 그러나 재능있는 러시아 예술가들은 또한 교사의 재능을 드러내는 것을 가능하게했습니다. 이것은 변함없이 유럽 최대의 안무가들을 모스크바와 상트페테르부르크로 끌어들였습니다. 세계 어느 곳에서도 러시아처럼 크고 재능 있고 잘 훈련된 극단을 만날 수 없었습니다.
19세기 중반 러시아 문학과 예술에 사실주의가 찾아왔다. 안무가들은 열광했지만 소용이 없었고 사실적인 공연을 만들려고 노력했습니다. 그들은 발레가 조건부 예술이고 발레의 사실주의가 회화 및 문학의 사실주의와 크게 다르다는 점을 고려하지 않았습니다. 발레 예술의 위기가 시작되었습니다.
위대한 러시아 작곡가 P. 차이코프스키가 처음으로 발레 음악을 작곡하면서 러시아 발레 역사의 새로운 무대가 시작되었습니다. 백조의 호수였습니다. 그 전에는 발레 음악이 진지하게 받아들여지지 않았습니다. 그녀는 고려되었다 열등한 견해음악적 창의성, 춤에 대한 반주.
차이콥스키 덕분에 발레 음악은 오페라, 교향곡. 이전에는 음악이 전적으로 춤에 의존했다면 이제 춤은 음악에 복종해야 했습니다. 새로운 표현 수단과 공연을 만드는 새로운 접근 방식이 필요했습니다.
러시아 발레의 추가 발전은 무언극의 구식 기술을 버리고 발레 공연에서 현대 연출 기술을 사용한 모스크바 안무가 A. Gorsky의 이름과 관련이 있습니다. 기부 큰 중요성공연의 그림 같은 디자인으로 최고의 아티스트를 끌어 들였습니다.
그러나 발레 예술의 진정한 개혁가는 전통적 구성에 반기를 든 미하일 포킨이다. 발레 공연. 그는 공연의 주제, 음악, 행동이 일어나는 시대에 따라 매번 다른 춤 동작, 다른 춤 패턴이 필요하다고 주장했다. 발레 "Egyptian Nights"를 연출할 때 Fokine은 V. Bryusov의시와 고대 이집트 그림에서 영감을 얻었으며 발레 "Petrushka"의 이미지는 A. Blok의시에서 영감을 받았습니다. 발레 Daphnis와 Chloe에서 그는 포인트 댄스를 포기하고 자유롭고 조형적인 움직임으로 골동품 프레스코를 되살 렸습니다. 그의 '쇼피니아나'는 로맨틱 발레의 분위기를 되살렸다. Fokin은 "발레의 재미, 춤, 이해할 수 있고 말하는 언어에서 발레 드라마를 만드는 꿈"이라고 썼습니다. 그리고 그는 성공했습니다.
안나 파블로바
1908 년 파리에서 러시아 발레 댄서의 연례 공연이 시작되었으며 연극 인물 S. P. Diaghilev가 조직했습니다. 러시아 출신 무용수 이름-Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Adolf Bolm-이 전 세계에 알려졌습니다. 그러나이 행의 첫 번째는 비교할 수없는 Anna Pavlova의 이름입니다.
Pavlova-서정적이고 연약하며 길쭉한 바디 라인, 거대한 눈-로맨틱 발레리나를 묘사 한 판화. 그녀의여 주인공은 조화 롭고 영적인 삶이나 성취되지 않은 것에 대한 갈망과 슬픔에 대한 순전히 러시아의 꿈을 전달했습니다. 위대한 발레리나 파블로바가 만든 죽어가는 백조는 20세기 초 러시아 발레의 시적 상징입니다.
그때 러시아 예술가들의 기술의 영향으로 서양 발레가 흔들리고 두 번째 바람을 맞았습니다.
1917년 10월 혁명 이후 발레 극장의 많은 인물들이 러시아를 떠났지만 그럼에도 불구하고 러시아 발레 학교는 살아남았습니다. 새로운 삶을 향한 운동의 파토스, 혁명적 주제, 그리고 가장 중요한 것은 창의적인 실험의 범위가 발레 마스터들에게 영감을 주었습니다. 그들의 임무는 안무 예술을 사람들에게 더 가까이 다가가도록 하고, 그것을 더 활기차고 접근 가능하게 만드는 것이었습니다.
이것이 드라마틱 발레 장르가 생겨난 방법입니다. 이들은 일반적으로 유명한 플롯을 기반으로 한 공연이었습니다. 문학 작품, 극적인 공연의 법칙에 따라 지어졌습니다. 그 내용은 판토마임과 화보 댄스의 도움으로 제시되었습니다. 20세기 중반 극적 발레는 위기에 처했다. 안무가들은 무대 효과의 도움으로 공연의 광경을 강화하면서이 발레 장르를 보존하려고 시도했지만 아쉽게도 헛된 것입니다.
1950년대 후반에 전환점이 찾아왔다. 잊혀진 장르를 되살린 신세대 안무가와 무용수들 - 단막 발레, 발레 교향곡, 안무 미니어처. 그리고 1970년대 이후 오페라와 발레 극장과는 별개로 독립 발레단이 생겨났다. 그들의 수는 지속적으로 증가하고 있으며 그중에는 프리 댄스 및 현대 무용 스튜디오가 있습니다.
16세기에 그것은 먼 길을 왔고 우리 시대에는 전 세계적으로 인기를 얻었습니다. 매년 그 수가 증가하고 있는 수많은 발레 학교와 극단은 고전적이면서도 현대적입니다.
그러나 수십 개의 유명한 쇼 발레가 있고 실제로 다른 댄스 앙상블과 기술 수준 만 다르다면 오랜 역사를 가진 국립 발레 극장을 손가락으로 셀 수 있습니다.
러시아 발레: 볼쇼이 극장과 마린스키 극장
러시아 발레는 세계 최고 중 하나이기 때문에 당신과 나는 자랑스러워 할 것이 있습니다. 백조의 호수, 호두까기 인형, 20세기 초 우리나라에 등장한 유명한 조형 발레단은 러시아를 이 예술의 두 번째 고향으로 만들었고 우리 극장에 전 세계에서 온 감사한 관객들의 끝없는 흐름을 제공했습니다.
오늘날 볼쇼이 극장과 마린스키 극장의 극단은 날마다 기술이 향상되는 최고 타이틀을 놓고 경쟁합니다. 두 극단의 무용수들은 바가노바(A.Ya. Vaganova)의 이름을 딴 상트페테르부르크 아카데미(St. Petersburg Academy)의 학생들 중에서 선발되며, 훈련 첫날부터 모든 학생들은 언젠가 국가의 메인 무대에서 솔로 파트를 공연하는 것을 꿈꿉니다. .
프랑스 발레: 그랜드 오페라
300년 동안 공연에 대한 태도가 변하지 않고 오직 고전적인 아카데믹 댄스만이 존재하고 나머지는 모두 예술에 대한 범죄로 간주되는 세계 발레의 요람은 세계 모든 무용수들의 궁극적인 꿈입니다.
매년 멤버십은 우주 비행사조차도 꿈도 꾸지 못한 수많은 선택, 경쟁 및 테스트를 거친 세 명의 댄서로 보충됩니다. 파리 오페라 티켓은 저렴하지 않으며 가장 부유 한 예술 감정가 만이 구매할 수 있지만 프랑스 인 외에도 클래식 발레를 꿈꾸는 모든 유럽인이 이곳에 오기 때문에 매 공연마다 홀이 가득 차 있습니다.
미국: 아메리칸 발레 시어터
"The Black Swan"의 개봉 이후 큰 인기를 얻은 American Ballet Theatre는 러시아 볼쇼이 극장의 솔리스트가 설립했습니다.
자체 학교가 있는 발레단은 외부 무용수를 고용하지 않으며 독특한 러시아계 미국인 스타일을 가지고 있습니다. 작품은 유명한 호두까기 인형과 같은 고전적인 이야기와 공존하며 새로운 댄스 방향. 많은 발레 감정가들은 ABT가 대포를 잊었다 고 주장하지만이 극장의 인기는 해마다 커지고 있습니다.
영국: 버밍엄 로열 발레단
여왕이 직접 큐레이팅한 런던 발레단은 무용수 수는 적지만 참가자 선정과 레퍼토리의 엄격함이 특징입니다. 여기서 당신은 현대적인 트렌드와 장르 편차를 만나지 않을 것입니다. 아마도 그렇기 때문에 가혹한 전통을 견디지 못하고 많은 사람들이 젊은 별이 발레단은 그를 떠나 자신의 극단을 만들기 시작합니다.
왕실 발레 공연에 가기가 쉽지 않고 세계에서 가장 고귀하고 부유 한 사람들 만이 영광을 누리고 있지만 3 개월에 한 번씩 입구가 열린 자선의 밤이 이곳에서 조직됩니다.
오스트리아 발레: 비엔나 오페라
비엔나 오페라의 역사는 150년의 역사를 가지고 있으며, 이번에는 러시아 무용수들이 극단의 첫 솔리스트였습니다. 제2차 세계대전 전까지 열리지 않았던 연례 무도회로 유명한 비엔나 오페라 하우스는 오스트리아에서 가장 많은 사람들이 방문하는 명소입니다. 사람들은 재능있는 무용수를 존경하기 위해 이곳에 와서 무대에서 동포들을 보며 자랑스럽게 모국어로 말합니다.
여기에서 티켓을 얻는 것은 매우 쉽습니다. 거대한 홀과 리셀러가 없기 때문에 발레 당일에 할 수 있습니다. 유일한 예외는 시사회와 시즌 개막 일입니다.
따라서 가장 재능 있는 무용수들이 공연하는 클래식 발레를 보고 싶다면 이 극장 중 한 곳으로 가서 고대 예술을 감상하세요.
대 브리튼 섬. 1910년대와 1920년대 디아길레프와 안나 파블로바 극단의 런던 순회공연 이전에 영국에서는 발레가 주로 개인 공연으로 소개되었다. 유명한 발레리나 예를 들어 덴마크 Adeline Genet (1878-1970)과 같은 뮤직홀 무대에서. 영국 발레는 Diaghilev에서 일했던 두 명의 여성, 즉 폴란드 출신의 Marie Rambert(1888-1982)와 아일랜드에서 태어나 런던에서 훈련을 받은 Ninette de Valois(b. 1898)가 탄생했습니다. 음악가의 학생이자 리듬 체조 시스템의 창시자 인 Rambert Emile Jacques-Dalcroze는 리듬 측면에서 매우 어려운 Stravinsky의 The Rite of Spring 악보 작업을해야 할 때 Nijinsky를 돕기 위해 Diaghilev의 초대를 받았습니다. . 몇 년 동안 그녀는 러시아 발레단의 발레단에서 춤을 추다가 영국으로 돌아와 1920년에 자신의 학교를 열었습니다. 그녀의 학생들은 런던의 Nottinhill Gate에 위치한 작은 Mercury Theatre에서 처음에는 Marie Rambert Dancers라고 불렸고 발레 클럽의 일원으로 공연했습니다. 안무가 Frederick Ashton과 Anthony Tudor를 포함하여 많은 유명한 영국 예술가들이 경력을 시작한 것은 Rambert에서였습니다. 둘 다 성인이 되어 춤을 추기 시작했지만 곧 Rambert 's에서 작은 발레를 시작했습니다. 1930년대에 영국의 젊은 무용수 세대 전체가 그들의 프로덕션에서 성장했습니다. Diaghilev의 극단에서도 춤을 추던 De Valois는 그를 떠난 후 곧 Sadler 's Wells Theatre의 일부가 된 런던에 학교를 열었고 1931 년 Vic Wells Ballet은 학생들로 구성되었습니다. 1948년에는 "Sadler's Wells Balle"로 명명되었습니다. Ashton은 Ninette de Valois와 협력하여 de Valois, Margot Fontaine(1919-1991), Beryl Gray(b. 1927), Robert Helpman(1909-1986), Moira Shearer가 훈련한 젊은 예술가들의 재능을 조명하는 발레를 만들었습니다. (b. 1926). 그들의 참여로 향후 40년 동안 특히 영국식 발레 공연 및 공연이 개발되었으며 기교, 드라마 및 순수한 고전적 서정성을 특징으로 합니다. Ashton의 작품에는 유머가 가득한 작품(Facade, 1931, William Walton 음악; Vain Precaution, 1960, 음악 Ferdinand Herold, 편곡: John Lunchbury)과 비극(Ondine, 1958, 음악 H.W. Henze, A Month in the the Country, 1976, F. Chopin의 음악), 줄거리 없음(Symphonic Variations, 1946, S. Frank의 음악; Monotony 1 및 Monotony 2, 1965, 1966, 음악 E. Satie) 및 내러티브(Cinderella, 1948, Prokofiev의 음악; Dream, 1964, Lanchbury 처리 과정에서 F. Mendelssohn의 음악). Ashton은 문학 작품을 기반으로 기꺼이 발레를 만들었습니다. 예를 들어 그의 꿈은 셰익스피어의 연극 A Midsummer Night 's Dream을 기반으로하고 A Moon in the Country는 같은 이름의 Turgenev의 연극을 기반으로합니다. Ashton의 뮤즈는 Margot Fonteyn으로 그의 안무 실험과 동시에 발레리나로서의 재능이 발전했습니다. 그는 1963년에 그녀를 위해 마지막 발레를 만들었습니다. 이것은 Marguerite and Armand입니다(Alexander Dumas 아들의 Lady with Camellias와 F. Liszt의 음악을 기반으로 함). 이때 이미 40 세가 넘은 Fonteyn은 소련에서 이주한 댄서 Rudolf Nureyev의 사람에서 새로운 파트너를 찾는 두 번째 단계의 청소년을 경험했습니다. Ashton은 가장 뛰어난 재능에 영감을 받았습니다. 다른 공연자: Lynn Seymour (b. 1939) 또는 Christopher Gable (1940-1998)의 드라마 특성, 화려한 기술과 동시에 감성, Anthony Dowell (b. 1943)과 Antoniet Sibley (b. 1939)의 듀엣에서 나타납니다. 불행하게도 Ashton이 사망한 후(1988) 그의 작품은 Balanchine 또는 Tudor 발레가 미국에서 보존되는 것과 같은 주의를 기울여 보존되지 않습니다. 1930년대에 Ninette de Valois는 레퍼토리를 풍부하게 하고 예술가들에게 마스터할 수 있는 기회를 제공하기 위해 러시아에서 이주한 Mariinsky Theatre Nikolai Sergeev(1876-1951)의 감독을 19세기 고전 발레를 상연하도록 초청했습니다. 이전에 익숙하지 않은 춤 형식. 1956년까지 Sadler's Wells Ballet은 Royal Ballet이 되었고 Covent Garden의 Royal Opera House에서 공연했습니다. 1960년대와 1970년대 그의 레퍼토리에서 고전 작품 Frederick Ashton의 작품, Kenneth Macmillan의 극적인 발레가 등장했습니다. 그의 공연은 밑줄 친 드라마로 유명하며 곡예 단계와 강렬한 감정의 표현 역할을하는 지원으로 가득 차 있습니다. Macmillan의 가장 성공적인 공연은 많은 국가에서 상연되는 다막 Romeo and Juliet (Prokofiev 음악, 1965) 및 Manon (1974, J. Massenet 음악, Leighton Lucas 편곡)이었습니다. 1963년부터 로열 발레단을 지휘했던 Ashton은 de Valois가 떠난 후 1970년에 은퇴했으며 1977년까지 회사는 Macmillan, 그 다음에는 Norman Morris(b. 무용수이자 안무가인 Martha Graham(1894-1991)) 밑에서 일했습니다. 1986년 Ashton과 함께 일했던 댄서 Dowell이 회사의 대표를 맡았고 Macmillan은 1992년 사망할 때까지 회사의 안무가 중 한 명으로 남았습니다. 그는 David Bintley(b. 1957)로 대체되었습니다. 때로는 극적이며 때로는 무의미하고 스타일과 장르가 매우 다양합니다. Dowell은 Balanchine과 Robbins의 작품뿐만 아니라 W. Forsyth와 극단의 일부 무용수들의 작품을 레퍼토리에 도입했습니다. 그는 러시아, 프랑스, 미국의 댄서들을 손님으로 초대했지만 동시에 자신의 예술가들에게 관심을 기울였습니다. 그 아래 Darcy Bussel (b. 1969) Viviana Durante (b. 1967)의 재능이 번성했습니다. Ashton의 유산에 대한 관심 부족을 지적하는 비판에 대해 Dowell은 1994-1995 시즌 동안 Royal Ballet Festival을 조직했습니다. 1940년대와 1940년대에 걸쳐 Balle Rambert 극단은 계속해서 새로운 발레를 상연했으며, 소규모 출연진을 위해 고안된 오리지널 클래식 발레를 레퍼토리에 유지했습니다. 1966년에는 극단을 개편하여 전통공연을 완전히 버리고 현대무용 형식의 작품만을 남겼다. 1987년에는 주로 미국 안무가 머스 커닝햄(b. 1919)의 스타일에 영향을 받은 리처드 올스턴(b. 1948)이 리더가 되었다. 1994년에 이 자리는 극단의 전 리드 댄서이자 안무가였던 크리스토퍼 브루스(b. 1945)가 맡았습니다. 다른 영국 회사로는 디아길레프의 전 무용수 알리시아 마르코바와 안톤 돌린(1904-1983)이 1949년에 설립한 회사의 직계 전신인 영국 국립 발레단이 있습니다. 1984년 극단을 이끌었던 Dane Peter Schaufus(b. 1949)는 이때까지 거의 잊혀졌던 애쉬튼의 발레 로미오와 줄리엣을 부활시켰다. 1990년 Ivan Nagy가 극단의 리더가 되었습니다. 로열발레단항상 두 번째로 작은 기동 부대를 유지했습니다. 그녀는 1990년대에 버밍엄에 정착했으며 현재는 버밍엄 로열 발레단으로 알려져 있습니다.
소비에트 러시아 및 기타 국가.러시아에서 발레는 제1차 세계대전 이후 소비에트 통치하에서 그 중요성을 잃지 않았습니다. 주립 극장오페라와 발레, GOTOB, 1934년부터 - S.M. Kirov의 이름) 극장. 1920년대는 발레 공연의 형식과 내용 모두에서 강렬한 실험의 시기였습니다. 정치 및 사회적 주제에 대한 Proletkult의 작품도 있으며 모스크바에는 Kasyan Goleizovsky (1892-1970)의 작품이 있으며 Petrograd (1924에서 Leningrad로 개명)에는 Fyodor Lopukhov (1886-1973)의 다양한 작품이 있습니다. The Universe (1922)를 베토벤 교향곡 4번의 음악에 맞춰보세요. 1927년 바실리 티코미로프(Vasily Tikhomirov, 1876-1956)와 레프 라쉬칠린(Lev Lashchilin, 1888-1955)이 모스크바에서 상연한 R.M. 숭고한 열정을 주제로 한 퍼포먼스와 영웅적인 행위, 특별히 쓰여진 음악은 본질적으로 교향곡입니다. 1932년 Vasily Vainonen(1901-1964)의 The Flames of Paris, 1934년 Rostislav Zakharov(1907-1984)의 The Fountain of Bakhchisaray와 같은 발레 - 둘 다 Boris Asafiev의 음악, 1939년 Laurencia(Alexander Crane의 음악) ) Vakhtang Chabukiani (1910-1992 ) 및 1940 년 Leonid Lavrovsky (1905-1967)의 Romeo and Juliet (Prokofiev의 음악)은 주요 극단 인 극장뿐만 아니라 다음과 같은 미적 원칙의 예가 될 수 있습니다. . Leningrad의 S.M. Kirov와 모스크바의 Bolshoi Theatre - 또한 전국에서 일한 약 50 개의 극장. 1920년대의 개별적인 발견물은 보존되었지만 소비에트 정치 이데올로기를 지향하는 공연이 우세했으며, 높이뛰기, 곡예 리프트를 동시에 개발하면서 움직임과 유연성(팔과 허리의 특징)의 공연에서 캔틸레버가 특징인 공연 방식이 특징입니다. (예를 들어 신사의 한쪽 팔을 높이 들어 올리는 것)과 빠른 회전으로 소련 발레에 특별한 극적인 표현을 제공했습니다. 이 스타일의 발전에 기여한 교사 중 한 명은 Agrippina Vaganova(1879-1951)였습니다. Mariinsky Theatre의 전 무용수였던 그녀는 공연 경력이 끝날 때부터 가르치기 시작했습니다. Leningrad Choreographic School의 교사가 된 Vaganova는 고전 무용 프로그램과 교과서를 개발하고 학생들이 거장 기술로 과거의 위대한 낭만적 인 발레와 새로운 소련 발레를 모두 공연 할 수 있도록 준비했습니다. 동유럽뿐만 아니라 소련 전역에서 Vaganova 시스템이 훈련의 기초로 사용되었습니다. 관중 서유럽그리고 미국은 1950년대 중반까지 극장의 발레단이 등장하기 전까지 소련 발레에 대해 거의 낯설었습니다. Kirov와 Bolshoi Theatre는 처음으로 서부 여행을 떠났습니다. 그에 대한 관심은 지젤과 줄리엣의 감정을 관통하는 서정으로 전달한 볼쇼이 발레리나 갈리나 울라노바(1910-1998)와 그녀의 뛰어난 기교를 뽐낸 마야 플리세츠카야(b. 1925)의 놀라운 기술을 불러일으켰다. 백조의 호수의 오데트-오딜. 볼쇼이 극장이 소비에트 스타일의 가장 화려한 특징을 구현한 반면, 키로프 극장 무용수의 고전적 순수성은 나탈리아 두딘스카야(b. 1912)와 콘스탄틴 세르게예프(1910-1992)와 같은 예술가들에게서 표현되었습니다. Petipa 전통의 부활. 큰 성공을 거두었습니다. 다음 세대예술가: 볼쇼이 극장의 Ekaterina Maksimova(b. 1939), Vladimir Vasiliev(b. 1940), Natalya Bessmertnova(b. 1941) 및 Vyacheslav Gordeev(b. 1948), Irina Kolpakova(b. 1933), Alla Sizova(b. . 1939) 및 Kirov Theatre의 Yuri Solovyov (1940-1977). 1961년 키로프 극장의 수석 무용수 중 한 명인 누레예프는 극단이 프랑스를 순회하는 동안 서부에 머물렀다. 같은 극장의 다른 두 명의 저명한 예술가 인 Natalia Makarova와 Mikhail Baryshnikov도 같은 작업을 수행했습니다 (Makarova-1970 년 런던, Baryshnikov-1974 년 캐나다). 1980년대 소련에서 예술에 대한 행정적, 정치적 압박이 완화되자 극장의 발레단을 지휘했던 올레그 비노그라도프(b. 1937). 1977년부터 Kirov는 Balanchine, Tudor, Maurice Béjart(b. 1927) 및 Robbins의 발레를 레퍼토리에 소개하기 시작했습니다. 1964년부터 볼쇼이 발레단을 이끌었던 Yuri Grigorovich(b. 1927)는 혁신에 덜 취약했습니다. 그의 초기 작품인 Stone Flower(Prokofiev 음악, 1957)와 Spartacus(A.I. Khachaturian 음악, 1968)는 전형적인 작품입니다. 소비에트 공연. Grigorovich는 화려한 효과에 의존하고 정력적으로 움직이는 많은 댄서를 자신있게 관리하며 널리 사용합니다. 포크 댄스영웅적인 이야기를 선호합니다. 수년 동안 볼쇼이 극장 무대는 거의 독점적으로 그리고로비치의 발레나 백조의 호수와 같은 오래된 연극을 각색한 작품을 선보였습니다. 1980년대 말에는 볼쇼이 극장의 Irek Mukhamedov(b. 1960)와 Nina Ananiashvili(b. 1963), 극장의 Altynai Asylmuratova(b. 1961)와 Farukh Ruzimatov(b. 1963)가 등장했습니다. 키로프는 서부의 주요 발레단과 함께 공연할 수 있는 허가를 받은 후 이 그룹의 일원이 되었습니다. Vinogradov와 Grigorovich조차도 1991 년 소련 붕괴 이후 극장에 대한 국가 자금이 크게 감소한 러시아 밖에서 자신의 재능을 보여줄 기회를 찾기 시작했습니다. 1995 년 Grigorovich는 볼쇼이 발레단의 감독으로 Vladimir Vasiliev로 교체되었습니다. 상트 페테르부르크의 다른 극단은 Maly Theatre of Opera and Ballet의 발레단입니다. M. P. Mussorgsky(1991년까지 Maly Opera and Ballet 극장이라고 불림), 안무가 Boris Eifman(b. 1946)이 이끄는 St. Petersburg "Boris Eifman Ballet Theatre", Leonid Yakobson이 만든 안무 미니어처 극단( 1904-1975), 극장에서 일했습니다. 그의 작품은 서양에서 유명해졌습니다. 모스크바 극단 뮤지컬 극장그들을. K.S. Stanislavsky 및 Vl.I. Nemirovich-Danchenko, 클래식 발레 극장. Evgeny Panfilov (b. 1956)가 Perm에서 만든 극단 "Experiment"는 주목할 가치가 있습니다. 소련의 붕괴와 뒤이은 경제 위기는 그때까지 국가의 후한 보조금을 받던 발레단에 막대한 어려움을 안겨주었다. 많은 무용수와 교사들이 미국, 영국, 독일 및 기타 서방 국가에 정착하기 위해 나라를 떠났습니다. 냉전 시대에 많은 국가들이 동유럽의, 소련 블록의 일부였던 는 무용수 훈련과 무대 공연 모두에서 소련 원칙을 따랐습니다. 국경이 열렸을 때 이들 국가, 특히 헝가리와 폴란드 출신의 많은 예술가들이 그들에게 온 서양 극단의 안무 성과에 합류하여 자국을 떠나 여행을 시작했습니다.
프랑스. 20세기 초 프랑스 발레 위기 상황이었다. 특히 Diaghilev 극단에서 파리 오페라에 초청 된 러시아 예술가들은 훨씬 강했습니다. 프랑스 공연자. 디아길레프 사후 그의 극단의 수석무용수였던 세르게이 리파르(Sergei Lifar, 1905-1986)는 한때 우크라이나에서 프랑스로 건너온 적이 있으며 파리오페라발레단을 이끌고 1929-1945년, 1947-1958년에 이 자리에 머물렀다. . 그의 지도력 아래 뛰어난 무용수, 특히 지젤 역으로 유명해진 멋진 서정적 발레리나 Yvette Chauvire(b. 1917)가 성장했습니다. 안무 분야에서 가장 흥미로운 실험은 특히 Roland Petit과 Maurice Béjart가 파리 오페라 밖에서 수행했습니다. Petit(b. 1924)은 1944년 오페라를 떠나 "Ballet des Champs-Elysées"를 만들었고, 그곳에서 젊고 역동적인 댄서를 위한 발레 Youth and Death(1946, J.S. Bach의 음악에 맞춰)를 공연했습니다. 장 바빌레(1923). 그런 다음 극단 "파리의 발레"를 위해 그는 그의 가장 유명하고 긴 수명프로덕션 - Rene (Zizi) Jeanmer (b. 1924)와 함께 Carmen (1949, J. Bizet 음악). Petit의 연극 감각은 그가 다양한 장르에서 작업하고 상업 행사에 참여할 수 있게 해주었습니다. 1972-1998년 그는 " 국립발레단세련되고 날카로운 연극 공연을 많이 선보인 마르세유 ". Lifar에 이어 파리 오페라단은 그런 사람이 하나씩 이끌었습니다. 유명한 거장 Harald Lander(1905-1971), Georges Skibin(1920-1981), Violetta Verdi 및 Rosella Hightower(b. 1920)처럼. 레퍼토리는 Petit and Béjart, Balanchine, Robbins, Grigorovich, Glenn Tetley, 미국 현대 무용 Paul Taylor (b. 1930) 및 Merce Cunningham 대표의 작품으로 풍성해졌습니다. 1983년 루돌프 누레예프가 수장으로 임명되었습니다. 그는 Sylvie Guillaume(b. 1965), Isabelle Guerin(b. 1961)과 같은 발레리나의 개발에 각별한 관심을 기울였고, 고전을 유지하면서 다양한 방향의 안무 작업을 시도할 수 있는 기회를 회사에 제공했습니다. Nureyev (1989)가 떠난 후 "스타"라는 칭호를 가졌던 전직 댄서였던 Patrick Dupont (b. 1959)가 이제 리더로 극단에 돌아 왔습니다. 1970년대와 1980년대에 프랑스 지방 극단은 국가의 지원을 받기 시작했고 국제적인 명성을 얻었다. 특히 주목할만한 것은 Jean Paul Gravier의 지시에 따라 18 세기 공연의 여러 재구성을 신중하게 기반으로 한 "Ballet of the Rhine Departments"회사입니다. 역사 연구스웨덴 안무가 Ivo Kramer (b. 1921), 특히 발레 Dauberval의 Vain Precaution과 Medea와 Jason Noverre (Jean Joseph Rodolphe의 음악)가 맡았습니다. Ballet de Lyon Opera는 Magy Marin(b. 1947)이 안무한 양식화된 드라마틱 댄스 공연을 선보입니다.
덴마크.덴마크의 발레는 침체된 상태에서 20세기에 접어들었다. 여기에서 Hans Beck 덕분에 August Bournonville의 유산은 보존되었지만 주도권이 부족하여 코펜하겐의 Royal Ballet 개발이 중단되었습니다. 그의 활동의 일부 부흥은 1932-1951년에 Beck의 학생인 Harald Lander(Lanner)가 극단을 이끌었을 때 이루어졌습니다. Lander는 가능한 경우 Bournonville의 작품을 원래 버전으로 유지했지만 자신의 발레도 상연했습니다. 그중 가장 유명한 것은 Etudes (1948, Knudoge Risager가 편곡 한 K. Czerny의 음악에 맞춰)입니다. 수업을 무대로 가져와 연극화했습니다. 1951년 Lander는 Vaganova 시스템에 대해 당시 서양에서 가장 권위 있는 전문가인 Vera Volkova(1904-1975)를 극단의 예술 컨설턴트로 임명했습니다. 그녀의 노력을 통해 덴마크 무용수들은 새로운 기술, 작품 공연에서 그들에게 새로운 기회를 열었습니다. 다른 스타일. 극단은 고립에서 벗어나 유럽, 러시아, 아메리카 대륙을 순회했습니다. Bournonville 스타일에 내재 된 우아함과 즐거운 애니메이션은 덴마크 무용수, 특히 Eric Brun의 공연을 구별하는 춤의 브라 부라와 마찬가지로 가장 호의적 인 인상을 남겼습니다. 남성 댄서의 훈련은 덴마크 학교의 주요 성과 중 하나로 인정되었습니다. 1960년대와 1970년대에는 발레의 역사에 대한 관심이 비정상적으로 증가했고, 살아남은 낭만주의 발레 작품의 가장 확실한 사례로 부르농빌 공연이 연구되기 시작하면서 1979년 덴마크 왕립발레단이 부르농빌 발레 페스티벌을 개최하게 되었고, 1992. Lander 이후 팀은 Flemming Flindt(b. 1936), Henning Kronshtam(b. 1934), Frank Andersen(b. 1954) 등 많은 아티스트의 지도 아래 작업했습니다. 1994년에 극단은 Peter Schaufus가, 1996-1999년에는 영국 여성 Maina Gielgud(b. 1945)가 감독했습니다. Royal Danish Ballet의 레퍼토리는 외국 안무가의 작업으로 점차 확장되었으며 동시에 Bournonville의 발레가 레퍼토리에 포함되기 시작했습니다. 댄스 그룹세계적인. 1982년 캐나다 국립발레단은 전체 발레 나폴리(Niels Wilhelm Gade, Edward Mats Ebbe Helsted, Holger Simon Paulli 및 Hans Christian Lumby의 음악)를 상연했으며, 1985년에는 미국 솔트레이크시티(유타)의 Balle West에서 공연했습니다. 브루스 마크스와 토니 랜더가 감독을 맡은 .
독일. 20세기 전반기에 독일에서 가장 중요한 현상은 여기에서 "표현적"이라는 이름 인 Ausdruckstanz를받은 프리 댄스의 발전이었습니다. 제2차 세계 대전 이후 FRG와 GDR 정부는 발레단 지원에 많은 관심을 기울였습니다. 서독의 모든 주요 도시에서 오페라에 참여하면서 공연을 펼치는 오페라 하우스에서 독립 발레 그룹이 만들어졌습니다. 영국의 존 크랑코(1927-1973)는 영국 극단 "Sadler's Wells Theatre Balle"에서 다수의 공연을 펼쳤고 1961년 슈투트가르트 발레단을 이끌고 자신의 다막 공연으로 광범위한 레퍼토리를 형성했습니다. 각색 된 춤이 풍부한 스타일의 소련 발레를 연상시키는 존경심 . 이것은 로미오와 줄리엣(Prokofiev 음악, 1962)입니다. Onegin(1965, 차이코프스키 음악, K. Kh. Stolze 편곡) 및 The Taming of the Shrew(1969, A. Scarlatti 음악, K.H. Stolze 편곡) 브라질 출신의 훌륭한 댄서 Marcia Heide(b. 1939)와 그녀의 파트너인 American Richard Craghan(b. 1944)의 참여에 의존했습니다. 극단은 곧 세계적인 명성을 얻었습니다. Cranko의시기 적절한 죽음 이후, Cranko를 기리기 위해 오르간에서 발레 솔로를 상연 한 Glen Tetley가 이끌었습니다 (Voluntaries, 1973, 음악 F. Poulenc). Cranko의 주요 성과 중 하나는 젊은 안무가들이 실험할 수 있는 창의적인 워크샵이었습니다. 미국인 William Forsythe와 John Neumeier(b. 1942), 체코의 Jiri Kilian(b. 1947)이 이곳에서 일하기 시작했습니다. 그들 모두는 최고의 안무가가되었습니다. 발레 극장이후 수십 년 동안 유럽. 노이마이어는 1973년 함부르크에서 발레를 맡았고 말러, 스트라빈스키, 바흐의 음악을 사용한 종교적, 철학적 주제에 대한 자신의 클래식 공연과 독창적인 작품을 통해 그곳에서 풍부한 레퍼토리를 만들었습니다. 성 베드로를 위한 그의 발레 열정 매튜(1981)는 4시간 동안 진행되었습니다. Forsythe는 Cranko가 사망하기 직전에 슈투트가르트 발레단에 합류하여 1984년 프랑크푸르트 발레단의 수장으로 초대될 때까지 무대 공연을 하면서 이곳에서 춤을 췄습니다. 현대 문학의 일반적인 아이디어에 영향을 받아 Forsyth는 이를 발레에 적용했습니다. 그의 안무에는 포스트모던 시대의 문학과 구별되는 동일한 파편화가 존재하고, 춤에 언어적 구절이 자주 포함되며, 다른 예술 형식과 관련된 기법이 사용된다. 춤의 기술은 극도의 에너지, 자연 균형을 위반하는 것을 기반으로 하며 그 목표는 순간의 낭만적인 관계를 전달하는 것입니다. 최고 전압. 발레 Love Songs (1979, 민속 음악)와 In the Middle, 다소 고상한 (Leslie Stuck과 Tom Wilems의 음악)은 Nureyev의 초청으로 Forsythe가 상연했습니다. 파리 오페라 1988년. Forsyth는 기꺼이 그의 작품에서 일렉트로닉 뮤직소외와 막연한 불안의 분위기 조성에 기여한 네덜란드인 Tom Willems.
네덜란드.제2차 세계대전 이전 네덜란드에서 독일 프리댄스의 영향력이 가장 컸다. 전쟁이 끝난 후 발레에 대한 관객의 관심이 높아져 네덜란드 암스테르담에서 극단 "네덜란드 국립발레단"이 결성되었습니다. 1959년에 이 극단을 떠난 많은 무용수와 안무가들이 네덜란드 헤이그에 정착하여 현대 안무. 두 극단은 종종 예술가와 공연을 교환했습니다. 네덜란드 국립발레단의 예술감독인 Hans van Manen(b. 1932)과 Rudy van Dantzig(b. 1933)는 Glen Tetley와 함께 네덜란드 발레단의 레퍼토리를 구성하였다. 댄스 극장". Tetley의 작업의 중심에는 다양한 영향이 있습니다. 이들은 Chania Holm (1898-1992), Martha Graham, Jerome Robbins, American Balle Theatre입니다. 발레, 그리고 현대 무용의 특징인 과도한 신체와 단호하게 표현하는 손, 그러나 고전 무용에서 발전된 점프와 스키드를 사용하지 않습니다. van Dantzig와 van Manen의 발레는 혼합되어 있다는 점에서 Tetley의 발레와 유사합니다. 1965년, Jan Berman의 음악)은 전 세계의 많은 발레단에서 공연되었습니다. 사람들과 관련이 있고 작곡가의 음악을 선호하는 주제 중부 유럽. Kilian은 전임자의 혼합 스타일에 새로운 특성을 추가했습니다. 바닥에 누워서 수행되는 광범위한 동작 사용, 극적인 조각 효과, 하이 리프트 및 스핀입니다. L. Janacek의 음악으로 제작되어 많은 국가에서 공연된 그의 발레 The Return to a Foreign Land(1974 및 1975 - 2판)와 Sinfonietta(1978)는 댄서들에게 댄스 패턴이 구축될 때 열리는 가능성을 보여줍니다. 서로 가까이. 문화에 관심 호주 원주민, 안무가는 1983년 발레 The Haunted Place(Stamping Ground, Carlos Chavez 음악)와 Sleep Time(Dreamtime, 음악 Takemitsu)을 만들었습니다. 1990년대 초 Kilian은 다른 극단인 "Netherlands Theatre 3"과 함께 주요 극단에 합류했습니다. Niels Kriste(b. 1946)의 지휘 아래 로테르담에 기반을 둔 Scapino Ballet은 현대적인 작품으로 주목을 받은 또 다른 네덜란드 발레단입니다.
전 세계 발레 예술. 20세기 중반으로 발레의 역할이 증가하고 일부 지역을 포함하여 아메리카, 유럽, 아시아의 거의 모든 국가에서 극단이 만들어지기 시작했습니다. 중앙 아시아 아프리카, 호주와 뉴질랜드. 발레는 스페인, 중국, 일본, 소아시아와 같이 고유한 춤 전통이 풍부한 국가에서도 자리를 잡았습니다. 전후 프랑스에서 자란 모리스 베자르는 1960년 브뤼셀에서 20세기 발레단을 창단했습니다. 이 극단과 "Mudra"라는 매우 특이한 학교는 발레 예술을 홍보하고 심리학과 현대 철학적 아이디어를 기반으로 댄스 드라마를 시연하는 목표를 가졌습니다. 가능한 한 많은 관중이 볼 수 있도록 많은 공연이 경기장에서 열렸습니다. Béjart는 "발레는 여성이다"라는 Balanchine의 자주 인용되는 주장을 반박하고 남성 무용수에게 초점을 맞췄습니다. 당파를 묘사하는 남자. 그럼에도 불구하고 결혼 후 일시적으로 뉴욕 극단을 떠난 Balanchine의 수석 발레리나 Susan Farrell은 그의 극단에서 5년 동안 춤을 췄다. 1987년, 20세기 발레단이 일했던 브뤼셀의 테아트르 드 라 모네(Théâtre de la Monnaie) 관장인 제라르 모르티에(Gerard Mortier)는 베자르에게 비용을 줄이고 극단 구성을 줄일 것을 제안했습니다. 이러한 요구 사항에 동의하지 않은 Bejart는 작업을 계속할 수 있는 다른 장소를 찾기 시작했습니다. 유럽의 여러 나라에서 그에게 수많은 제의가 왔고 그는 스위스의 로잔을 선택했습니다. 이제 그의 극단은 "Béjart 's Ballet"이라고 불립니다. 20세기의 마지막 수십 년 동안 이탈리아의 발레리나 Carla Fracci, Alessandra Ferri(b. 1963), 영국 왕립발레단의 수석 무용수인 Viviana Durante는 이탈리아 이외의 지역에서 큰 성공을 거두었지만 그들의 고향에는 그들이 신청할 가치가 있는 극장이 없었습니다. 그들의 재능. 그럼에도 불구하고 민족 무용의 전통이 어떤 혁신보다 더 강한 스페인에서는 고전 발레에 전념하는 현지 안무가 인 Nacho Duato (b. 1957)가 등장했습니다. 그는 Ballet Lirico Nacional을 이끌고 있습니다. 네덜란드 무용단 출신의 무용수 두아토가 킬리안의 외팔보와 맹렬한 열정이 어우러진 안무를 선보인다. 1920년대에 스웨덴 임프레사리오 Rolf de Mare(1898-1964)는 Jean Berlin(1893-1930)이 안무한 스웨덴 발레단을 파리에 설립했습니다. 이 그룹은 대담한 실험을 했으며 1920년부터 1925년까지 몇 년 동안 디아길레프의 러시아 발레단과 경쟁했습니다. 1773년부터 스톡홀름의 왕립 오페라 건물에 위치한 스웨덴 왕립 발레단은 1950년부터 1953년까지 안토니 튜더가 지휘했습니다. 1950년 Birgit Kulberg(b. 1908) Freken Julia(Thure Rangström의 음악)가 이곳에서 초연되었으며 여전히 전 세계 많은 극단에서 공연되고 있습니다. 1963년에 다시 Royal Ballet에 초청된 Tudor는 Echo of the Trumpets(Bohuslav Martinu의 음악에 맞추어)를 상연했습니다. Kurt Jooss, Martha Graham과 함께 공부한 Birgit Kulberg는 1967년 자신의 극단을 결성하여 고전 안무와 현대 무용을 하나의 공연으로 결합하는 실험을 했습니다. 1990년부터 Kulberg balle를 이끌고 있는 그녀의 아들 Mats Ek(b. 1945)는 발레 Giselle과 Swan Lake의 완전히 새로운 작품을 공연했는데, 이는 발레 Giselle과 Swan Lake의 전통적인 작품과 전혀 닮지 않았습니다. 20세기에 세 개의 중요한 캐나다 극단이 생겨났습니다. 1938년에 Winnipeg Ballet Club이라는 이름으로 설립되어 1949년까지 전문 극단이 된 Royal Winnipeg Ballet; 1951년 토론토에서 만들어진 "캐나다 국립 발레단"; 1957년 몬트리올에서 활동을 시작한 Great Canadian Ballet. 캐나다 국립 발레단은 Celia Franca(b. 1921)가 설립했으며, 그는 영국 무용단인 Balle Rambert와 Sadler's Wells Ballet과 함께 공연했습니다. Sadler의 Wells Balle의 경험을 바탕으로 그녀는 19세기의 고전 발레를 상연하는 것으로 시작했습니다. Franca는 그녀가 Alexander Grant(b. 1925)로 교체된 1974년까지 극단을 지휘했습니다. Reid Anderson(b. 1949)은 1994년부터 1996년까지 극단의 리더였으며 1996년에는 James Kudelka(b. 1955)가 이 직책에 임명되었습니다. 발레는 쿠바에서 빠르게 발전했습니다. 미국에서 가장 유명한 발레리나 중 한 명인 알리시아 알론소는 1959년 피델 카스트로 혁명 이후 고향으로 돌아와 극단 "쿠바 국립 발레단"을 창단했습니다. Alonso 자신의 무대 생활은 매우 길었고 그녀는 60 세가 넘었을 때만 공연을 중단했습니다. 많은 위대한 무용수와 안무가, 특히 Nijinska와 Balanchine이 부에노스아이레스에서 각기 다른 시기에 활동했습니다. '아메리칸 발레 티에트르'의 주역이 된 아르헨티나인 훌리오 보카와 팔로마 에레라(b. 1975)는 부에노스아이레스에서 무용 공부를 시작했다. 1917년 혁명 이후 많은 러시아 무용수들이 아시아 국경을 통해 러시아를 떠났다. 그들 중 일부는 일시적 또는 영구적으로 중국에 정착했습니다. 제2차 세계대전 이후 소련의 교사와 안무가들이 중국에서 활동했습니다. 중국의 시대에 문화혁명 1960년 소련의 영향력은 약해졌고 Red Women's Battalion이나 The Gray-haired Girl(둘 다 1964년)과 같은 국가적 작품이 만들어지기 시작했습니다. 이 공연은 발레의 서정성을 타락으로 부정하는 방향의 예이며, 그들의 주목할만한 특징은 발레단이 손가락으로 수행하는 대량 무용의 철제 규율과 명확성입니다. 1970년대와 1980년대에 외국의 영향력이 커지면서 많은 중국 도시에서 새로운 발레단이 등장했습니다. 그들은 또한 다른 많은 아시아 국가의 주요 도시에서 만들어집니다.
결론. 20세기 말까지 발레 예술이 직면한 문제는 점점 더 명확해졌습니다. 1980년대에 Balanchine, Ashton 및 Tudor가 사망하고(1980년대에) Robbins가 왕성한 활동, 창의적인 진공이있었습니다. 20세기 말에 활동하던 대부분의 젊은 안무가들은 고전무용의 자원을 개발하는 데 별로 관심이 없었다. 그들은 고전무용이 고갈된 것처럼 보이고, 현대무용은 신체능력을 드러내는 독창성이 결여된 등 서로 다른 춤체계의 혼합을 선호했다. 현대 생활의 본질을 구성하는 것을 전달하기 위해 안무가들은 생각을 강조하듯 손가락 기법을 사용하지만 전통적인 손의 움직임(포르 드 브라)은 무시합니다. 지원의 기술은 파트너 간의 일종의 상호 작용으로 축소되었습니다. 여성이 바닥을 가로 질러 끌려 가고, 던지고, 원을 그리지 만 거의 지원하거나 함께 춤을 추지 않습니다. 대부분의 극단은 19세기의 고전을 포함하도록 레퍼토리를 구축합니다. (Sylphide, Giselle, Swan Lake, Sleeping Beauty), 20 세기 거장의 가장 유명한 발레. (Fokine, Balanchine, Robbins, Tudor 및 Ashton), Macmillan, Cranko, Tetley 및 Kilian의 인기 작품과 Forsyth, Duato, James Koudelka와 같은 차세대 안무가의 작품. 동시에 무용수들은 다음과 같이 더 나은 훈련을 받습니다. 더 많은 지식을 가진 교사가 있습니다. 상대적으로 새로운 댄스 의학 분야는 댄서들에게 부상을 예방하는 기술을 제공했습니다. 댄서들에게 음악을 소개하는 데 문제가 있습니다. 널리 퍼진 대중 음악은 스타일의 다양성을 알지 못합니다. 많은 국가에서 음악적 문해력을 가르치는 수준이 낮고 무대 댄스, 음반이 지속적으로 사용됩니다. 이 모든 것이 댄서들 사이의 음악성 개발을 방해합니다. 새로운 현상 최근 몇십 년발레 대회가 시작되었으며 첫 번째 대회는 1964 년 바르나 (불가리아)에서 열렸습니다. 그들은 상을받을뿐만 아니라 가장 권위있는 조직을 대표하는 심사 위원들에게 자신을 보여줄 기회도 얻습니다. 점차 더 많은 대회가 열렸으며, 다른 나라에서 적어도 10개는 열렸습니다. 일부는 장학금을 함께 제공합니다. 안무가의 필요성과 관련하여 안무가 경쟁도 일어났다.
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