세계에서 가장 독특하고 충격적인 아티스트. 유명한 예술가의 가장 특이한 그림: 세계에서 가장 이상한 그림 20개의 사진과 설명

중에 고귀한 작품눈을 즐겁게 하고 원인만 제공하는 예술 긍정적인 감정, 온화하고 이상하고 충격적인 캔버스가 있습니다. 전 세계적으로 붓에 속하는 20점의 그림을 여러분의 관심에 소개합니다. 유명한 예술가당신을 두렵게 만드는...

"문제에 정신을 잃다"

오스트리아 화가 오토 랍(Otto Rapp)이 1973년에 그린 그림. 썩어가는 모습을 그렸다 인간의 머리, 살점 조각이있는 새장을 착용하십시오.

"정지된 살아있는 흑인"

William Blake가 만든 이 소름끼치는 작품은 갈고리가 갈비뼈에 꿰어 교수대에 매달린 흑인 노예를 묘사합니다. 이 작품은 그러한 잔인한 학살의 목격자 인 네덜란드 군인 Steadman의 이야기를 기반으로합니다.

"지옥의 단테와 버질"

Adolphe William Bouguereau의 그림은 Dante의 Inferno에서 저주받은 두 영혼 사이의 전투에 관한 짧은 장면에서 영감을 받았습니다.

"지옥"

그림 "지옥" 독일 예술가 1485년에 쓰여진 Hans Memling은 당시 가장 끔찍한 예술 창작물 중 하나입니다. 그녀는 사람들을 미덕으로 밀어붙여야 했다. Memling은 "지옥에는 구원이 없다"라는 캡션을 추가하여 장면의 끔찍한 효과를 높였습니다.

"대홍룡과 바다괴수"

13세기 영국의 유명한 시인이자 예술가인 윌리엄 블레이크(William Blake)는 통찰력 있는 순간에 요한계시록에 나오는 큰 붉은 용을 묘사한 일련의 수채화를 그렸습니다. 붉은 용은 악마의 화신이었습니다.

"워터 스피릿"

아티스트 Alfred Kubin이 고려됩니다. 가장 큰 대표상징주의와 표현주의로 그의 어두운 상징적 환상으로 유명합니다. <물의 정령>은 바다 앞에서 인간의 무력함을 그린 작품 중 하나다.

"네크로놈 IV"

저명한 아티스트 Hans Rudolf Giger의 이 무시무시한 창조물은 영화 Alien에서 영감을 받았습니다. Giger는 악몽에 시달렸고 그의 모든 그림은 이러한 환상에서 영감을 받았습니다.

"플레잉 마르시아스"

시대의 예술가가 만든 이탈리아 르네상스 Titian의 그림 "The Flaying of Marsyas"는 현재 국립 박물관체코의 Kroměříž에서. 예술 작품의 한 장면을 묘사한다. 그리스 신화, satyr Marsyas가 감히 Apollo 신에게 도전했다는 이유로 가죽이 벗겨지는 곳.

"성 안토니오의 유혹"

Matthias Grunewald는 르네상스 시대에 살았지만 중세의 종교적 장면을 묘사했습니다. 성 안토니오는 광야에서 기도하는 동안 신앙의 시련을 겪었다고 합니다. 전설에 따르면 그는 동굴에서 악마에게 살해당한 다음 부활하여 그들을 파괴했습니다. 이 그림은 성 안토니오가 악마의 공격을 받는 모습을 묘사하고 있습니다.

"잘린 머리"

제일 주목할만한 작품 Théodore Géricault는 낭만적인 스타일로 그려진 거대한 그림인 메두사의 뗏목입니다. Gericault는 낭만주의로 이동하여 고전주의의 경계를 허물고자 했습니다. 이 그림들은 첫 단계그의 창의력. 그의 작업을 위해 그는 영안실과 실험실에서 찾은 실제 팔다리와 머리를 사용했습니다.

"비명"

이것 유명한 그림노르웨이 표현주의 화가 에드바르트 뭉크는 고요한 저녁 산책에서 피처럼 붉게 물드는 태양을 목격하면서 영감을 받았습니다.

"마라의 죽음"

Jean-Paul Marat는 리더 중 한 명이었습니다. 프랑스 혁명. 피부병을 앓던 그는 대부분의 시간을 화장실에서 보내며 녹음 작업을 했다. 그곳에서 그는 Charlotte Corday에게 살해당했습니다. 마라의 죽음은 여러 번 묘사되었지만 특히 잔인한 것은 에드바르트 뭉크의 작품입니다.

"가면의 정물화"

Emil Nolde는 초기 표현주의 화가 중 한 사람이었지만 그의 명성은 Munch와 같은 다른 사람들에 의해 가려졌습니다. Nolde는 마스크를 연구한 후 이 그림을 그렸습니다. 베를린 박물관. 평생 동안 그는 다른 문화에 매료되었으며 이 작업도 예외는 아닙니다.

"갤러게이트 라드"

이 그림은 어둡고 사회적으로 사실적인 그림을 전문으로 하는 스코틀랜드 작가 Ken Currie의 자화상에 지나지 않습니다. Curry가 가장 좋아하는 주제는 스코틀랜드 노동자 계급의 단조로운 도시 생활입니다.

"아들을 잡아먹는 사투르누스"

가장 유명하고 불길한 작품 중 하나 스페인 예술가 Francisco Goya는 1820-1823년에 그의 집 벽에 그렸습니다. 줄거리는 그리스 신화그의 자녀 중 한 명에게 전복되어 출생 직후 먹 을까 봐 두려워했던 타이탄 크로노스 (로마-토성)에 대해.

"홀로페르네스를 죽이는 유디트"

Holofernes의 처형은 Donatello, Sandro Botticelli, Giorgione, Gentileschi, Lucas Cranach the Elder 및 기타 많은 위대한 예술가들에 의해 묘사되었습니다. ~에 카라바조의 그림, 1599년에 쓰여진 이 이야기의 가장 극적인 순간인 참수를 묘사합니다.

"악몽"

스위스 화가 하인리히 푸젤리(Heinrich Fuseli)의 그림은 1782년 런던 왕립 아카데미 연례 전시회에서 처음 공개되어 방문객과 비평가 모두에게 충격을 주었습니다.

"무고한 자들의 학살"

두 개의 그림으로 구성된 Peter Paul Rubens의 이 뛰어난 예술 작품은 1612년에 제작되었으며 유명한 루벤스의 작품에 영향을 받은 것으로 여겨집니다. 이탈리아 예술가카라바조.

"Innocent X Velasquez의 초상 연구"

20세기의 가장 영향력 있는 예술가 중 한 명인 Francis Bacon의 이 무시무시한 이미지는 의역에 근거합니다. 유명한 초상화디에고 벨라스케스의 교황 인노첸시오 10세. 고통스럽게 일그러진 얼굴에 피로 얼룩진 교황은 자세히 보면 왕좌인 금속 관형 구조에 앉아 있는 것으로 묘사됩니다.

"지상의 기쁨의 정원"

이것은 Hieronymus Bosch의 가장 유명하고 무서운 삼부작입니다. 현재까지 이 그림에 대한 많은 해석이 있지만 그 중 어느 것도 확정적으로 확인된 것은 없습니다. 아마도 보쉬의 작품은 에덴동산, 세속적 쾌락의 동산, 일생 동안 지은 대죄에 대해 겪어야 할 형벌을 상징할 것입니다.

일부 예술 작품은 시청자의 머리를 어이없고 놀랍게 때리는 것 같습니다. 그들 중 일부는 당신을 생각으로 끌어들이고 의미론적 층, 비밀 상징을 찾습니다. 일부 그림은 비밀과 신비로운 신비로 덮여 있으며 일부는 엄청난 가격으로 놀라움을 금치 못합니다.

"이상함"은 매우 주관적인 용어이며 모든 사람은 다른 많은 예술 작품에서 눈에 띄는 자신만의 놀라운 그림을 가지고 있습니다.

에드바르드 뭉크 "절규"

1893년, 골판지, 유채, 템페라, 파스텔. 91×73.5cm

국립 미술관, 오슬로

The Scream은 획기적인 표현주의 행사로 간주되며 가장 유명한 행사 중 하나입니다. 유명한 그림세상에.
“저는 두 친구와 함께 길을 걷고 있었습니다. 해가 지고 있었습니다. 갑자기 하늘이 피처럼 붉게 물들었습니다. 저는 지쳐서 멈춰 서서 울타리에 기대어 있었습니다. 도시-내 친구들은 계속되었고 나는 자연을 꿰뚫는 끝없는 비명을 느끼며 흥분에 떨며 서있었습니다.”라고 그림의 역사에 대해 Edvard Munch가 말했습니다.
묘사 된 내용에 대한 두 가지 해석이 있습니다. 공포에 사로 잡혀 조용히 비명을 지르며 손을 귀에 대는 것은 영웅 자신입니다. 또는 영웅은 주변에서 들리는 세상과 자연의 외침에 귀를 닫습니다. Munch는 The Scream의 4 가지 버전을 썼고, 이 그림은 예술가가 겪은 조울증 정신병의 열매라는 버전이 있습니다. 클리닉에서 치료를 받은 후 Munch는 캔버스 작업으로 돌아오지 않았습니다.

폴 고갱 "우리는 어디에서 왔는가? 우리는 누구입니까? 우리 어디로 가는거야?"

1897-1898, 캔버스에 유채. 139.1×374.6cm

박물관 미술, 보스턴

후기 인상파 폴 고갱의 심오한 철학적 그림은 그가 파리에서 도망친 타히티에서 그에 의해 쓰여졌습니다. 작업이 끝날 무렵 그는 "이 캔버스가 이전의 모든 캔버스보다 우월할뿐만 아니라 더 낫거나 비슷한 것을 만들지 않을 것이라고 믿기 때문에"자살까지하고 싶었습니다. 그는 5년을 더 살았고 그렇게 되었습니다.
Gauguin 자신의 지시에 따라 그림은 오른쪽에서 왼쪽으로 읽어야합니다. 세 가지 주요 그림 그룹은 제목에 제기 된 질문을 보여줍니다. 아이를 가진 세 명의 여성은 삶의 시작을 나타냅니다. 중간 그룹매일의 성숙함을 상징합니다. 작가에 따르면 마지막 그룹에서 "죽음에 다가가는 노파는 화해하고 생각에 빠진 것 같다", 그녀의 발에는 "이상한 하얀 새가 ... 말의 무익함을 나타냅니다."

파블로 피카소 "게르니카"

1937년, 캔버스에 유채. 349×776cm

레이나 소피아 미술관, 마드리드

1937년 피카소가 그린 거대한 프레스코화 "게르니카"는 게르니카 시에 대한 루프트바페 자원병 부대의 습격에 대해 알려줍니다. 그 결과 6천 번째 도시가 완전히 파괴되었습니다. 그림은 한 달 만에 그렸습니다. 그림 작업 첫날 Picasso는 10-12 시간 동안 작업했으며 이미 첫 번째 스케치에서 볼 수있었습니다. 주요 아이디어. 이것은 다음 중 하나입니다. 최고의 삽화파시즘의 악몽, 인간의 잔인함과 슬픔.
<게르니카>는 죽음, 폭력, 잔학행위, 고통, 무력감의 장면을 직접적인 원인을 특정하지 않고 제시하지만, 그것들은 명백하다. 1940년에 파블로 피카소가 파리의 게슈타포에 소환되었다고 합니다. 대화는 즉시 그림으로 바뀌었습니다. "네가 했니?" "아니, 네가 해냈어."

얀 반 에이크 <아르놀피니의 초상>

1434년, 목판에 유채. 81.8×59.7cm

런던 내셔널 갤러리, 런던

Giovanni di Nicolao Arnolfini와 그의 아내의 초상화는 가장 유명한 것 중 하나입니다. 복잡한 작업북부 르네상스 회화의 서양 학교.
유명한 그림은 기호, 우화 및 다양한 참조로 완전하고 완전하게 채워져 있습니다. "Jan van Eyck was here"라는 서명까지 예술 작품이 아니라 실제 사건을 확인하는 역사적 문서로 바뀌 었습니다. 아티스트가 참석했습니다.
러시아에서 최근 몇 년이 사진은 블라디미르 푸틴과 Arnolfini의 초상화 유사성으로 인해 큰 인기를 얻었습니다.

미하일 브루벨 "앉은 악마"

1890년, 캔버스에 유채. 114×211cm

트레차코프 갤러리, 모스크바

Mikhail Vrubel의 그림은 악마의 이미지로 놀라움을 금치 못합니다. 슬픈 장발 남자는 그가 어떻게 보여야 하는지에 대한 보편적인 생각과 전혀 다릅니다 악마. 예술가는 자신의 가장 유명한 그림에 대해 다음과 같이 말했습니다. 이것은 인간 정신의 힘, 내부 투쟁, 의심의 이미지입니다. 비극적으로 손을 움켜 쥐고 악마는 꽃으로 둘러싸인 거리를 향한 슬프고 큰 눈으로 앉아 있습니다. 구성은 마치 프레임의 상단 및 하단 가로대 사이에 끼인 것처럼 악마의 모습의 제약을 강조합니다.

Vasily Vereshchagin "전쟁의 신격화"

1871년, 캔버스에 유채. 127×197cm

국립 Tretyakov 갤러리, 모스크바

Vereshchagin은 러시아의 주요 전투 화가 중 한 명이지만 전쟁과 전투를 사랑했기 때문에 그린 것이 아닙니다. 반대로 그는 전쟁에 대한 부정적인 태도를 사람들에게 전하려고 노력했습니다. 한때 Vereshchagin은 감정의 열기 속에서 이렇게 외쳤습니다. 전투 그림나는 쓰지 않을 것입니다-그게 다입니다! 나는 내가 쓴 글을 마음에 너무 가깝게 받아들이고 모든 부상자와 사망자의 슬픔을 (문자 그대로) 외칩니다. 아마도이 느낌표의 결과는 들판, 까마귀, 인간 두개골 산을 묘사하는 끔찍하고 요염한 그림 "The Apotheosis of War"였을 것입니다.
그림은 너무 깊고 감정적으로 쓰여서이 더미에 누워있는 모든 두개골 뒤에는 사람들과 그들의 운명, 더 이상이 사람들을 볼 수없는 사람들의 운명이 보이기 시작합니다. Vereshchagin 자신은 슬픈 풍자로 캔버스를 "정물"이라고 불렀습니다. "죽은 자연"을 묘사합니다.
노란색을 포함한 그림의 모든 세부 사항은 죽음과 황폐화를 상징합니다. 맑고 푸른 하늘은 그림의 죽음을 강조합니다. "전쟁의 신격화"에 대한 생각은 세이버의 흉터와 두개골의 총알 구멍으로도 표현됩니다.

그랜트 우드 "아메리칸 고딕"

1930년, 석유. 74×62cm

시카고 아트 인스티튜트, 시카고

« 미국 고딕"- 20세기 미국 미술에서 가장 잘 알려진 이미지 중 하나이자 20세기와 21세기의 가장 유명한 예술적 밈.
우울한 아버지와 딸이있는 그림은 묘사 된 사람들의 엄격함, 청교도주의 및 역행을 나타내는 세부 사항으로 넘쳐납니다. 화난 얼굴, 그림 중앙의 쇠스랑, 1930년대 기준으로도 낡은 옷, 노출된 팔꿈치, 쇠스랑 모양을 반복하는 농부 옷의 솔기, 따라서 누구에게나 다가오는 위협 잠식하는 자. 이 모든 세부 사항은 끝없이 볼 수 있으며 불편 함을 유발할 수 있습니다.
흥미롭게도 시카고 아트 인스티튜트의 경쟁 심사 위원들은 "고딕"을 "유머러스 한 발렌타인"으로 인식했고 아이오와 사람들은 우드를 그렇게 불쾌한 빛으로 묘사 한 것에 대해 몹시 화를 냈습니다.

르네 마그리트 "연인"

1928, 캔버스에 유채

그림 "연인"( "연인")은 두 가지 버전으로 존재합니다. 하나는 흰 천으로 머리를 감싼 남자와 여자가 ​​키스하고 다른 하나는 보는 사람을 "본다". 그림은 놀라움과 매혹적입니다. 얼굴 없는 두 인물로 마그리트는 사랑의 실명에 대한 생각을 전했습니다. 모든 의미에서 실명에 대해 : 연인은 누구도 보지 못하고 우리는 그들의 진정한 얼굴을 보지 않으며 게다가 연인은 서로에게도 미스터리입니다. 그러나 이렇게 명확해 보이는 것 때문에 우리는 여전히 마그리트 애호가들을 계속 바라보고 생각합니다.
거의 모든 Magritte의 그림은 존재의 본질에 대한 질문을 제기하기 때문에 완전히 풀 수 없는 퍼즐입니다. Magritte는 우리가 일반적으로 눈치 채지 못하는 숨겨진 미스터리에 대해 보이는 것의 속임수에 대해 항상 이야기합니다.

마르크 샤갈 "걷다"

1917, 캔버스에 유채

국립 트레차코프 갤러리

그의 그림에서 보통 극도로 진지한 Marc Chagall은 우화와 사랑으로 가득 찬 자신의 행복에 대한 유쾌한 선언문을 썼습니다. "Walk"는 아내 벨라와 함께 찍은 자화상입니다. 사랑하는 사람은 하늘로 치솟아 비행기에 끌려가는 듯한 표정을 짓고, 땅바닥에 위태롭게 서 있는 샤갈은 그녀를 신발 끝으로만 어루만지듯 만진다. 샤갈은 다른 손에 젖꼭지가 있습니다. 그는 행복하고 손에 가슴이 있고 (아마도 그의 그림) 하늘에는 학이 있습니다.

히에로니무스 보쉬 "지상의 기쁨의 정원"

1500~1510, 목판에 유채. 389×220cm

프라도, 스페인

"The Garden of Earthly Delights"-중앙 부분의 주제에서 이름을 얻은 Hieronymus Bosch의 가장 유명한 삼부작은 풍만함의 죄에 전념합니다. 현재까지 그림에 대한 사용 가능한 해석 중 어느 것도 유일한 사실로 인식되지 않았습니다.
지속적인 매력과 동시에 삼부작의 기묘함은 작가가 많은 세부 사항을 통해 주요 아이디어를 표현하는 방식에 있습니다. 그림은 투명한 인물, 환상적인 구조, 환각이 된 괴물, 지옥 같은 현실의 캐리커처로 가득 차 있으며 그가 탐색하고 극도로 예리한 표정으로 바라보고 있습니다. 일부 과학자들은 허영심의 프리즘과 지상 사랑의 이미지를 통해 인간 삶의 이미지를 삼부작에서보고 싶었고 다른 과학자들은 풍만함의 승리를보고 싶었습니다. 그러나 개별 인물이 해석되는 순진함과 약간의 분리, 교회 당국의이 작업에 대한 호의적 인 태도는 육체적 쾌락의 미화가 그 내용이 될 수 있는지 의심하게 만듭니다.

구스타프 클림트 "여자의 세 시대"

1905년, 캔버스에 유채. 180×180cm

국립 미술관 현대 미술, 로마

'여자삼시세끼'는 유쾌하면서도 슬프다. 그 안에는 부주의, 평화, 절망이라는 세 가지 인물로 여성의 삶의 이야기가 쓰여 있습니다. 젊은 여성은 생명의 장식으로 유기적으로 짜여져 있고 노파는 그로부터 눈에 띕니다. 젊은 여성의 양식화된 이미지와 노파의 자연주의적 이미지의 대비는 상징적 의미: 삶의 첫 번째 단계는 무한한 가능성과 변형을 가져오며, 마지막 단계는 끊임없는 불변성과 현실과의 갈등을 가져옵니다.
캔버스는 놓지 않고 영혼 속으로 들어가 작가의 메시지의 깊이와 삶의 깊이와 필연성에 대해 생각하게 만듭니다.

에곤 쉴레 "가족"

1918년, 캔버스에 유채. 152.5×162.5cm

벨베데레 갤러리, 비엔나

Schiele는 Klimt의 학생 이었지만 우수한 학생과 마찬가지로 스승을 따라하지 않고 새로운 것을 찾고있었습니다. Schiele는 Gustav Klimt보다 훨씬 더 비극적이고 이상하며 무섭습니다. 그의 작품에는 음란물, 다양한 변태, 자연주의, 그리고 동시에 고통스러운 절망이라고 할 수있는 것이 많이 있습니다.
"가족"- 그의 최신작, 이것이 그의 가장 이상해 보이지 않는 사진이라는 사실에도 불구하고 절망이 절대적인 것으로 옮겨집니다. 그는 임신한 아내 에디스가 스페인 독감으로 사망한 후 죽기 직전에 그 그림을 그렸습니다. 그는 Edith가 태어난 지 불과 3일 만에 28세의 나이로 그녀와 자신, 그리고 태어나지 않은 아이를 그렸습니다.

프리다 칼로 "두 명의 프리다"

힘든 인생 이야기 멕시코 예술가 Frida Kahlo는 Salma Hayek과 함께한 영화 "Frida"의 개봉 이후 널리 알려졌습니다. 주연. Kahlo는 주로 자화상을 그렸으며 "혼자 있는 시간이 많고 내가 가장 잘 아는 대상이기 때문에 나 자신을 그립니다."라고 간단하게 설명했습니다.
Frida Kahlo는 어떤 자화상에서도 웃지 않습니다. 진지하고 슬픈 얼굴, 융합 된 두꺼운 눈썹, 단단히 압축 된 입술 위에 약간 눈에 띄는 콧수염. 그녀의 그림에 대한 아이디어는 세부 사항, 배경, Frida 옆에 나타나는 인물에 암호화되어 있습니다. Kahlo의 상징주의는 국가 전통에 기반을 두고 있으며 히스패닉 이전 시대의 인도 신화와 밀접하게 연결되어 있습니다.
중 하나에서 최고의 사진- "Two Fridas" - 그녀는 남성적이고 여자 같은, 단일 순환 시스템으로 연결되어 무결성을 보여줍니다.

클로드 모네 워털루 다리. 안개 효과»

1899년, 캔버스에 유채

주 암자, 상트 페테르부르크

가까운 거리에서 그림을 볼 때 보는 사람은 두꺼운 유화가 자주 적용되는 캔버스 외에는 아무것도 보이지 않습니다. 작품의 모든 마법은 우리가 점차 캔버스에서 더 먼 거리로 멀어지기 시작할 때 드러납니다. 먼저 이해할 수 없는 반원이 우리 앞에 나타나기 시작하여 그림의 중앙을 통과한 다음 배의 윤곽이 선명하게 보이고 약 2미터의 거리를 이동한 후 모든 연결 작업이 날카롭게 그려져 일렬로 늘어서 있습니다. 우리 앞에 논리적 사슬.

잭슨 폴록 "넘버 5, 1948"

1948, 섬유판, 기름. 240×120cm

이 그림의 묘한 점은 바닥에 펼쳐진 섬유판 조각 위에 물감을 붓고 그린 미국 추상표현주의의 선구자의 캔버스가 가장 아름답다는 점이다. 비싼 사진세상에. 2006년 소더비 경매에서 그들은 1억 4천만 달러를 지불했습니다. 영화 제작자이자 수집가인 David Giffen은 그것을 멕시코 금융가인 David Martinez에게 팔았습니다.
“저는 이젤, 팔레트, 브러시와 같은 아티스트의 일반적인 도구에서 계속 멀어지고 있습니다. 나는 막대기, 삽, 칼, 붓는 페인트 또는 페인트와 모래 또는 깨진 유리 등의 혼합물을 선호합니다. 내가 그림 안에 있을 때 나는 내가 무엇을 하고 있는지 의식하지 못한다. 이해는 나중에 옵니다. 그림에는 생명이 있기 때문에 이미지가 바뀌거나 망가질 염려가 없습니다. 나는 단지 그녀가 밖에 나가는 것을 돕고 있을 뿐입니다. 하지만 그림과의 접촉이 끊어지면 더럽고 지저분해집니다. 그렇지 않다면 이것은 순수한 조화, 받아들이고 주는 것의 용이성입니다.

호안 미로 "배설물 더미 앞의 남녀"

1935, 구리, 유채, 23×32cm

Joan Miro 재단, 스페인

좋은 제목입니다. 그리고 누가 이 그림이 내전의 공포에 대해 말해줄 것이라고 생각했을까요?
이 그림은 1935년 10월 15일에서 22일 사이의 주에 구리판에 그려졌습니다. Miro에 따르면 이것은 비극을 묘사하려는 시도의 결과입니다. 내전스페인에서. Miro는 이것이 불안한 기간에 대한 사진이라고 말했습니다. 이 그림은 남자와 여자가 ​​서로의 팔을 뻗지만 움직이지 않는 모습을 묘사하고 있습니다. 커진 생식기와 불길한 색은 "혐오감과 혐오스러운 성욕으로 가득 차있다"고 묘사되었습니다.

야첵 예르카 "침식"

폴란드의 네오 초현실주의자는 그의 작품으로 전 세계적으로 알려져 있습니다. 놀라운 사진들현실이 결합되어 새로운 것을 창조합니다. 그의 극도로 디테일하고 어느 정도 감동적인 작품을 하나씩 고려하는 것은 어렵지만 이것이 우리 자료의 형식이며 우리는 그의 상상력과 기술을 설명하기 위해 하나를 선택해야 했습니다. 읽을 것을 권장합니다.

빌 스톤햄 "손이 그를 저항하다"

물론 이 작품은 세계미술의 걸작에 손꼽힐 수는 없지만, 기이한 것은 사실이다.
소년, 인형, 손바닥이 유리에 눌린 그림 주변에는 전설이 있습니다. "이 그림 때문에 그들은 죽는다"에서 "그 안에 있는 아이들은 살아있다"로. 그림은 정말 오싹 해 보여 정신이 약한 사람들에게 많은 두려움과 추측을 불러 일으 킵니다.
반면에 작가는 그림이 다섯 살 때의 자신을 묘사하고 있으며, 문은 두 사람 사이의 구분선을 표현한 것이라고 확신했습니다. 현실 세계그리고 꿈의 세계, 그리고 인형은 이 세계를 통해 소년을 안내할 수 있는 안내자입니다. 손은 대안적인 삶이나 가능성을 나타냅니다.
이 그림은 2000년 2월 이베이에 "귀신이 나타났다"는 뒷이야기와 함께 판매 목록에 올랐을 때 악명을 얻었습니다. "Hands Resist Him"은 Kim Smith가 1,025달러에 구입한 후 소름 끼치는 이야기그림을 태워달라고 요구합니다.

세상은 가득하다 창의적인 사람들그리고 매일 수백 개의 새로운 그림이 있고 새로운 노래가 쓰여집니다. 물론 예술의 세계에는 약간의 실수가 있지만 숨이 막힐 정도로 진짜 거장들의 걸작이 있습니다! 오늘 그들의 작업을 보여드리겠습니다.

연필 증강 현실

사진 작가 Ben Heine은 연필 드로잉과 사진이 혼합된 프로젝트를 계속 진행했습니다. 먼저 종이에 연필로 프리핸드 스케치를 합니다. 그런 다음 그는 실제 물체의 배경에서 그림을 촬영하고 Photoshop에서 결과 이미지를 다듬어 대비와 채도를 추가합니다. 결과는 마술입니다!

삽화: Alisa Makarova

알리사 마카로바 - 재능있는 예술가상트페테르부르크 출신. 대부분의 이미지가 컴퓨터로 만들어지는 시대에 우리 동포들의 전통회화에 대한 관심은 존중받고 있습니다. 그녀의 최근 프로젝트 중 하나는 매력적인 불 같은 붉은 여우를 보여주는 삼부작 "Vulpes Vulpes"입니다. 뷰티, 그 이상!

미세 조각

목재 예술가 Paul Rodin과 Valerie Lou는 "Moth"라는 제목의 새로운 인그레이빙 제작을 발표했습니다. 힘든 작업저자의 우아한 장인 정신은 가장 완고한 회의론자조차도 무관심하지 않습니다. 이 판화는 11월 7일 브루클린에서 열리는 다가오는 전시회에 전시될 예정입니다.

볼펜 드로잉

아마도 강의에서 적어도 한 번은 선생님의 말을 적는 대신 모두 공책에 다양한 그림을 그렸습니다. 이 학생들 중에 예술가 사라 에스테제(Sarah Esteje)가 있었는지는 알려지지 않았습니다. 하지만 볼펜으로 그린 ​​그림이 인상적이라는 사실은 부인할 수 없는 사실! Sarah는 정말 흥미로운 것을 만들기 위해 특별한 재료가 전혀 필요하지 않다는 것을 방금 증명했습니다.

Artem Chebokha의 초현실적 세계

러시아 아티스트 Artem Chebokha가 만듭니다. 놀라운 세계바다와 하늘, 끝없는 조화만이 있는 곳. 그의 신작을 위해 작가는 미지의 장소를 여행하는 방랑자와 구름 파도를 맴도는 고래와 같은 매우 시적인 이미지를 선택했습니다. 이 주인의 환상 비행은 단순히 무한합니다.

스팟 초상화

누군가는 획기법을 생각하고, 누군가는 빛과 그림자의 대비를 생각하는데, 작가 파블로 후라도 루이즈는 점으로 그린다! 작가는 신인상주의 시대의 작가들에게 여전히 내재되어 있던 점묘법 장르의 아이디어를 발전시켜 자신의 작품을 만들었습니다. 자기 스타일세부 사항이 절대적으로 모든 것입니다. 결과적으로 종이에 수천 번의 터치가 생성됩니다. 사실적인 초상화당신이보고 싶은.

디스켓의 사진

급행열차가 지나가는 속도로 많은 물건과 기술이 구식이 되어가는 시대에 불필요한 쓰레기를 치워야 하는 경우가 많습니다. 그러나 결과적으로 모든 것이 그렇게 슬픈 것은 아니며 오래된 물건을 매우 균일하게 만들 수 있습니다. 현대 작품미술. 영국 예술가 Nick Gentry는 친구들로부터 네모난 플로피 디스크를 수집하고 페인트 한 병을 가져다가 그 위에 멋진 초상화를 그렸습니다. 그것은 매우 멋졌다!

리얼리즘과 초현실주의의 경계에서

베를린의 예술가 Harding Meyer는 초상화를 그리는 것을 좋아하지만 또 다른 초현실주의자가 되지 않기 위해 현실과 초현실주의 직전에 일련의 초상화를 실험하고 만들었습니다. 이 작품들은 통찰력을 제공합니다 인간의 얼굴"마른 초상화" 그 이상으로 그 기초 인 이미지를 강조합니다. 이러한 검색 결과 하딩의 작품은 11월 7일 작가의 작품을 전시할 뮌헨 현대미술관에서 주목받았다.

iPad에서 핑거 페인팅

많은 현대 예술가그림을 만들기 위해 재료를 실험했지만 일본인 Seikou Yamaoka (Seikou Yamaoka)는 그의 Ipad를 캔버스로 삼아 모든 것을 능가했습니다. 그는 단순히 ArtStudio 응용 프로그램을 설치하고 그림을 그리는 것뿐만 아니라 가장 많은 것을 재현하기 시작했습니다. 유명한 걸작미술. 더욱이 그는 특별한 브러시가 아니라 예술의 세계에서 멀리 떨어진 사람들에게도 존경받는 그의 손가락으로 이것을합니다.

"나무" 그림

잉크에서 차에 이르기까지 모든 것을 사용하여 목공 예술가 Mandy Tsung은 열정과 에너지로 가득 찬 진정으로 매혹적인 그림을 만들었습니다. 메인 테마로 그녀는 여성의 신비한 이미지와 현대 세계에서의 위치를 ​​선택했습니다.

극사실주의

극사실주의 예술가들의 작품을 찾을 때마다, 당신은 무의식적으로 스스로에게 질문을 던집니다. 그들 각각은 이것에 대한 자신의 대답을 가지고 있으며 때로는 다소 모순적인 철학을 가지고 있습니다. 그러나 아티스트 Dino Tomik은 "저는 가족을 매우 사랑합니다. "라고 솔직하게 말합니다. 밤낮으로 그는 친척의 초상화에서 하나의 세부 사항을 놓치지 않으려 고 그림을 그렸습니다. 그러한 그림 하나는 그에게 적어도 70시간의 작업이 걸렸습니다. 부모가 기뻐했다고 말하는 것은 아무 말도 하지 않는다는 뜻입니다.

군인 초상화

10월 18일 런던 갤러리 오페라 갤러리에서 "Ways of Seeing"이라는 Joe Black(조 블랙)의 작품 전시회가 열렸습니다. 그의 그림을 만들기 위해 작가는 페인트뿐만 아니라 볼트, 배지 등 가장 특이한 재료도 사용했습니다. 하지만 주재료는.... 장난감 병정들! 가장 많이 흥미로운 전시회박람회에는 Barack Obama, Margaret Thatcher 및 Mao Zedong의 초상화가 포함됩니다.

관능적 인 오일 초상화

한국 작가 Lee Rim (이림)은 며칠 전만해도 그다지 유명하지 않았지만 그녀의 새로운 그림 "Girls in Paint"는 미술계에서 폭 넓은 반응과 반향을 불러 일으켰습니다. 리는 이렇게 말합니다. 메인 테마내 작업은 인간의 감정과 심리적 상태입니다. 우리는 서로 다른 환경에 살고 있지만, 어느 순간 사물을 보면 같은 느낌을 받습니다." 그래서 그런지 그녀의 작품을 보며 그녀를 이해하고 싶고, 그녀의 생각을 느끼고 싶다.

사실주의를 고려하지 않는다면 그림은 항상 이상했고 앞으로도 그럴 것입니다. 새로운 형식과 표현 수단을 찾는 은유적. 그러나 여러 이상한 사진남들보다 낯선.

일부 예술 작품은 시청자의 머리를 어이없고 놀랍게 때리는 것 같습니다. 그들 중 일부는 당신을 생각으로 끌어들이고 의미론적 층, 비밀 상징을 찾습니다. 일부 그림은 비밀과 신비로운 신비로 덮여 있으며 일부 그림은 엄청난 가격에 놀라움을 금치 못합니다.

"이상함"은 다소 주관적인 개념이라는 것이 분명하며 모든 사람에게 다른 여러 예술 작품에서 눈에 띄는 놀라운 그림이 있습니다. 예를 들어 살바도르 달리의 작품은 의도적으로 이 자료의 형식에 속하고 가장 먼저 떠오르는 이 선택에 포함되지 않습니다.

살바도르 달리

"자기 순결의 뿔로 남색하는 젊은 처녀"

1954년

에드바르드 뭉크 "절규"
1893년, 골판지, 유채, 템페라, 파스텔. 91x73.5cm
국립 미술관, 오슬로

The Scream은 획기적인 표현주의 행사이자 세계에서 가장 유명한 그림 중 하나로 간주됩니다.

"저는 두 친구와 함께 길을 걷고 있었습니다. 해가 지고 있었습니다. 갑자기 하늘이 피처럼 붉게 물들었습니다. 저는 지쳐서 멈춰 서서 울타리에 기대어 있었습니다. 도시 - 내 친구들은 계속되었고, 나는 자연을 꿰뚫는 끝없는 외침을 느끼며 흥분에 떨며 서 있었습니다." 에드바르트 뭉크가 그림의 역사에 대해 말했습니다.

묘사 된 내용에 대한 두 가지 해석이 있습니다. 공포에 사로 잡혀 조용히 비명을 지르며 손을 귀에 대는 것은 영웅 자신입니다. 또는 영웅은 주변에서 들리는 세상과 자연의 외침에 귀를 닫습니다. Munch는 "The Scream"의 4 가지 버전을 썼으며이 그림은 예술가가 겪은 조울증 정신병의 열매라는 버전이 있습니다. 클리닉에서 치료를 받은 후 Munch는 캔버스 작업으로 돌아오지 않았습니다.

폴 고갱 "우리는 어디에서 왔는가? 우리는 누구인가? 어디로 가는가?"
1897-1898, 캔버스에 유채. 139.1x374.6cm
미술관, 보스턴

후기 인상파 폴 고갱의 심오한 철학적 그림은 그가 파리에서 도망친 타히티에서 그에 의해 쓰여졌습니다. 작업이 끝날 무렵 그는 "이 캔버스가 이전의 모든 캔버스보다 우월할뿐만 아니라 더 낫거나 비슷한 것을 만들지 않을 것이라고 믿기 때문에"자살까지하고 싶었습니다. 그는 5년을 더 살았고 그렇게 되었습니다.

Gauguin 자신의 지시에 따라 그림은 오른쪽에서 왼쪽으로 읽어야합니다. 세 가지 주요 그림 그룹은 제목에 제기 된 질문을 보여줍니다. 아이를 가진 세 명의 여성은 삶의 시작을 나타냅니다. 중간 그룹은 일상적인 성숙함을 상징합니다. 작가에 따르면 마지막 그룹에서 "죽음에 다가가는 노파는 화해하고 생각에 빠진 것 같다", 그녀의 발에는 "이상한 흰 새가 ... 말의 무익함을 나타냅니다."

파블로 피카소 "게르니카"
1937년, 캔버스에 유채. 349x776cm
레이나 소피아 미술관, 마드리드

1937년 피카소가 그린 거대한 프레스코화 "게르니카"는 게르니카 시에 대한 루프트바페 자원병 부대의 습격에 대해 알려줍니다. 그 결과 6천 번째 도시가 완전히 파괴되었습니다. 그림은 한 달 만에 그렸습니다. 그림 작업 첫날 Picasso는 10-12 시간 동안 작업했으며 이미 첫 번째 스케치에서 주요 아이디어를 볼 수있었습니다. 이것은 파시즘의 악몽과 인간의 잔인 함과 슬픔을 가장 잘 보여주는 것 중 하나입니다.

"게르니카"는 죽음, 폭력, 잔인성, 고통, 무력감의 장면을 즉각적인 원인을 지정하지 않고 제시하지만 명백합니다. 1940년에 파블로 피카소가 파리의 게슈타포에 소환되었다고 합니다. 대화는 즉시 그림으로 바뀌었습니다. "네가 했니?" - "아니, 해냈어."

얀 반 에이크 <아르놀피니의 초상>
1434년, 목판에 유채. 81.8x59.7cm
런던 내셔널 갤러리, 런던

아마도 Giovanni di Nicolao Arnolfini와 그의 아내의 초상화는 북부 르네상스 회화의 서양 학교에서 가장 복잡한 작품 중 하나입니다.

유명한 그림은 기호, 우화 및 다양한 참조로 완전히 채워져 있습니다. "Jan van Eyck was here"라는 서명까지 예술 작품이 아니라 참석 한 실제 사건을 확인하는 역사적 문서로 바뀌 었습니다. 아티스트에 의해.

최근 몇 년 동안 러시아에서는 Arnolfini와 Vladimir Putin의 초상 유사성으로 인해 사진이 큰 인기를 얻었습니다.

미하일 브루벨 "앉은 악마"
1890년, 캔버스에 유채. 114x211cm
Tretyakov 갤러리, 모스크바

Mikhail Vrubel의 그림은 악마의 이미지로 놀라움을 금치 못합니다. 슬픈 장발 남자는 악령이 어떻게 생겼는지에 대한 보편적인 생각과 전혀 다릅니다. 예술가는 자신의 가장 유명한 그림에 대해 다음과 같이 말했습니다.

이것은 인간 정신의 힘, 내부 투쟁, 의심의 이미지입니다. 비극적으로 손을 움켜 쥐고 악마는 꽃으로 둘러싸인 거리를 향한 슬프고 큰 눈으로 앉아 있습니다. 구성은 마치 프레임의 상단 및 하단 가로대 사이에 끼인 것처럼 악마의 모습의 제약을 강조합니다.

Vasily Vereshchagin "전쟁의 신격화"
1871년, 캔버스에 유채. 127x197cm
국립 Tretyakov 갤러리, 모스크바

Vereshchagin은 러시아의 주요 전투 화가 중 한 명이지만 전쟁과 전투를 사랑했기 때문에 그린 것이 아닙니다. 반대로 그는 전쟁에 대한 부정적인 태도를 사람들에게 전하려고 노력했습니다. 감정의 열기 속에서 Vereshchagin은 "전투 사진을 더 이상 쓰지 않을 것입니다. 충분합니다! 내가 쓴 글을 마음에 너무 가깝게 받아들이고 (문자 그대로) 모든 부상자와 사망자의 슬픔을 외칩니다." 아마도이 느낌표의 결과는 들판, 까마귀, 인간 두개골 산을 묘사하는 끔찍하고 요염한 그림 "전쟁의 신격화"였을 것입니다.

그림은 너무 깊고 감정적으로 쓰여서이 더미에 누워있는 모든 두개골 뒤에는 사람들과 그들의 운명, 더 이상이 사람들을 볼 수없는 사람들의 운명이 보이기 시작합니다. Vereshchagin 자신은 캔버스 "정물"이라고 불리는 슬픈 풍자로 "죽은 자연"을 묘사합니다.

노란색을 포함한 그림의 모든 세부 사항은 죽음과 황폐화를 상징합니다. 맑고 푸른 하늘은 그림의 죽음을 강조합니다. "전쟁의 신격화"에 대한 생각은 세이버의 흉터와 두개골의 총알 구멍으로도 표현됩니다.

그랜트 우드 "아메리칸 고딕"
1930년, 석유. 74x62cm
시카고 아트 인스티튜트, 시카고

"아메리칸 고딕"은 20세기 미국 예술에서 가장 잘 알려진 이미지 중 하나이며 20세기와 21세기의 가장 유명한 예술적 밈입니다.

우울한 아버지와 딸이있는 그림은 묘사 된 사람들의 엄격함, 청교도주의 및 역행을 나타내는 세부 사항으로 넘쳐납니다. 화난 얼굴, 그림 중앙의 쇠스랑, 1930년대 기준으로도 낡은 옷, 노출된 팔꿈치, 쇠스랑 모양을 반복하는 농부 옷의 솔기, 따라서 누구에게나 다가오는 위협 잠식하는 자. 이 모든 세부 사항은 끝없이 볼 수 있으며 불편 함을 유발할 수 있습니다.

흥미롭게도 시카고 아트 인스티튜트의 경쟁 심사 위원들은 "고딕"을 "유머러스 한 발렌타인"으로 인식했고 아이오와 사람들은 우드를 그렇게 불쾌한 빛으로 묘사 한 것에 대해 몹시 화를 냈습니다.

르네 마그리트 "연인"
1928, 캔버스에 유채

그림 "연인"( "연인")은 두 가지 버전으로 존재합니다. 하나는 흰 천으로 머리를 감싼 남자와 여자가 ​​키스하고 다른 하나는 보는 사람을 "보고"있습니다. 그림은 놀라움과 매혹적입니다. 얼굴 없는 두 인물로 마그리트는 사랑의 실명에 대한 생각을 전했습니다. 모든 의미에서 실명에 대해 : 연인은 누구도 보지 못하고 우리는 그들의 진정한 얼굴을 보지 않으며 게다가 연인은 서로에게도 미스터리입니다. 그러나 이렇게 명확해 보이는 것 때문에 우리는 여전히 마그리트 애호가들을 계속 바라보고 생각합니다.

거의 모든 Magritte의 그림은 존재의 본질에 대한 질문을 제기하기 때문에 완전히 풀 수 없는 퍼즐입니다. Magritte는 우리가 일반적으로 눈치 채지 못하는 숨겨진 미스터리에 대해 보이는 것의 속임수에 대해 항상 이야기합니다.

마르크 샤갈 "걷다"
1917, 캔버스에 유채
국립 트레차코프 갤러리

그의 그림에서 보통 극도로 진지한 Marc Chagall은 우화와 사랑으로 가득 찬 자신의 행복에 대한 유쾌한 선언문을 썼습니다.

"Walk"는 아내 벨라와 함께 찍은 자화상입니다. 사랑하는 사람은 하늘로 치솟아 비행기에 끌려가는 듯한 표정을 짓고, 땅바닥에 위태롭게 서 있는 샤갈은 그녀를 신발 끝으로만 어루만지듯 만진다. 샤갈은 다른 손에 젖꼭지가 있습니다. 그는 행복하고 손에 가슴이 있고 (아마도 그의 그림) 하늘에는 학이 있습니다.

히에로니무스 보쉬 "지상의 기쁨의 정원"
1500~1510, 목판에 유채. 389x220cm
프라도, 스페인

"The Garden of Earthly Delights"-중앙 부분의 주제에서 이름을 얻은 Hieronymus Bosch의 가장 유명한 삼부작은 풍만함의 죄에 전념합니다. 현재까지 그림에 대한 사용 가능한 해석 중 어느 것도 유일한 사실로 인식되지 않았습니다.

지속적인 매력과 동시에 삼부작의 기묘함은 작가가 많은 세부 사항을 통해 주요 아이디어를 표현하는 방식에 있습니다. 그림은 투명한 인물, 환상적인 구조, 환각이 된 괴물, 지옥 같은 현실의 캐리커처로 가득 차 있으며 그가 탐색하고 극도로 예리한 표정으로 바라보고 있습니다.

일부 과학자들은 허영심의 프리즘과 지상 사랑의 이미지를 통해 인간 삶의 이미지를 삼부작에서보고 싶었고 다른 과학자들은 풍만함의 승리를보고 싶었습니다. 그러나 개별 인물이 해석되는 순진함과 약간의 분리, 교회 당국의이 작업에 대한 호의적 인 태도는 육체적 쾌락의 미화가 그 내용이 될 수 있는지 의심하게 만듭니다.

구스타프 클림트 "여자의 세 시대"
1905년, 캔버스에 유채. 180x180cm
국립현대미술관, 로마

'여자삼시세끼'는 유쾌하면서도 슬프다. 그 안에는 부주의, 평화, 절망이라는 세 가지 인물로 여성의 삶의 이야기가 쓰여 있습니다. 젊은 여성은 삶의 장식으로 유기적으로 짜여져 있고 노파는 그녀에게서 두드러집니다. 젊은 여성의 양식화된 이미지와 노파의 자연주의적 이미지 사이의 대조는 상징적 의미를 갖습니다. 삶의 첫 번째 단계는 무한한 가능성과 변형을 가져오고, 마지막 단계는 변하지 않는 불변성과 현실과의 갈등입니다.

캔버스는 놓지 않고 영혼 속으로 들어가 작가의 메시지의 깊이와 삶의 깊이와 필연성에 대해 생각하게 만듭니다.

에곤 쉴레 "가족"
1918년, 캔버스에 유채. 152.5x162.5cm
벨베데레 갤러리, 비엔나

Schiele는 Klimt의 학생 이었지만 우수한 학생과 마찬가지로 스승을 따라하지 않고 새로운 것을 찾고있었습니다. Schiele는 Gustav Klimt보다 훨씬 더 비극적이고 이상하며 무섭습니다. 그의 작품에는 음란물, 다양한 변태, 자연주의, 그리고 동시에 고통스러운 절망이라고 할 수있는 것이 많이 있습니다.

"가족"은 그의 가장 이상하지 않은 사진 임에도 불구하고 절망이 절대적인 그의 최신작입니다. 그는 임신한 아내 에디스가 스페인 독감으로 사망한 후 죽기 직전에 그 그림을 그렸습니다. 그는 Edith가 태어난 지 불과 3일 만에 28세의 나이로 그녀와 자신, 그리고 태어나지 않은 아이를 그렸습니다.

프리다 칼로 "두 명의 프리다"
1939

멕시코 예술가 Frida Kahlo의 힘든 삶에 대한 이야기는 Salma Hayek이 주연을 맡은 영화 "Frida"가 개봉 된 후 널리 알려졌습니다. Kahlo는 주로 자화상을 그렸으며 "혼자 있는 시간이 많고 내가 가장 잘 아는 대상이기 때문에 나 자신을 그립니다.

Frida Kahlo는 어떤 자화상에서도 웃지 않습니다. 진지하고 슬픈 얼굴, 융합 된 두꺼운 눈썹, 단단히 압축 된 입술 위에 약간 눈에 띄는 콧수염. 그녀의 그림에 대한 아이디어는 세부 사항, 배경, Frida 옆에 나타나는 인물에 암호화되어 있습니다. Kahlo의 상징주의는 국가 전통에 기반을 두고 있으며 히스패닉 이전 시대의 인도 신화와 밀접하게 연결되어 있습니다.

최고의 그림 중 하나 인 "Two Fridas"에서 그녀는 단일 순환계로 연결된 남성적 및 여성적 원칙을 표현하여 그녀의 무결성을 보여주었습니다. Frida에 대한 자세한 내용은 여기 아름다운 흥미로운 게시물을 참조하세요.

클로드 모네 "워털루 다리. 안개 효과"
1899년, 캔버스에 유채
주립 에르미타주 박물관, 상트페테르부르크

가까운 거리에서 그림을 볼 때 보는 사람은 두꺼운 유화가 자주 적용되는 캔버스 외에는 아무것도 보이지 않습니다. 작품의 모든 마법은 우리가 점차 캔버스에서 더 먼 거리로 멀어지기 시작할 때 드러납니다.

먼저 이해할 수 없는 반원이 우리 앞에 나타나기 시작하여 그림의 중앙을 통과한 다음 배의 윤곽이 선명하게 보이고 약 2미터의 거리를 이동한 후 모든 연결 작업이 날카롭게 그려져 일렬로 늘어서 있습니다. 우리 앞에 논리적 사슬.

잭슨 폴록 "넘버 5, 1948"
1948, 섬유판, 기름. 240x120cm

이 그림의 이상한 점은 바닥에 깔아놓은 섬유판 위에 물감을 부어 그린 미국 추상표현주의 대표의 캔버스가 세상에서 가장 비싼 그림이라는 점이다. 2006년 소더비 경매에서 그들은 1억 4천만 달러를 지불했습니다. 영화 제작자이자 수집가인 David Giffen은 그것을 멕시코 금융가인 David Martinez에게 팔았습니다.

"나는 이젤, 팔레트, 붓과 같은 예술가의 일반적인 도구에서 계속 멀어지고 있습니다. 나는 막대기, 국자, 칼, 흐르는 페인트 또는 모래, 깨진 유리 등의 페인트 혼합물을 선호합니다. 언제 나는 그림 안에 있어 내가 무엇을 하는지 깨닫지 못합니다. 이해는 나중에 옵니다. 나는 이미지가 바뀌거나 파괴될 염려가 없습니다. 사진과의 접촉이 끊어지면 더럽고 지저분 해집니다 그렇지 않다면 이것이 순수한 조화, 당신이 받고주는 방식의 용이성입니다.

호안 미로 "배설물 더미 앞의 남녀"
1935, 구리, 유채, 23x32cm
Joan Miro 재단, 스페인

좋은 제목입니다. 그리고 누가 이 그림이 내전의 공포에 대해 말해줄 것이라고 생각했을까요? 이 그림은 1935년 10월 15일에서 22일 사이의 주에 구리판에 그려졌습니다.

Miro에 따르면 이것은 스페인 내전의 비극을 묘사하려는 시도의 결과입니다. Miro는 이것이 불안한 기간에 대한 사진이라고 말했습니다.

이 그림은 남자와 여자가 ​​서로의 팔을 뻗지만 움직이지 않는 모습을 묘사하고 있습니다. 커진 성기와 불길한 색은 "혐오감과 역겨운 성행위로 가득 차있다"고 묘사되었습니다.

야첵 예르카 "침식"

폴란드의 신초현실주의자는 현실이 모여 새로운 것을 창조하는 그의 놀라운 그림으로 전 세계적으로 유명합니다.

빌 스톤햄 "손이 그를 저항하다"
1972

물론 이 작품이 세계미술의 걸작이라 보기는 어렵지만 기이한 것은 사실이다.

소년, 인형, 손바닥이 유리에 눌린 그림 주변에는 전설이 있습니다. "이 그림 때문에 그들은 죽는다"에서 "그 안에 있는 아이들은 살아있다"로. 그림은 정말 오싹 해 보여 정신이 약한 사람들에게 많은 두려움과 추측을 불러 일으 킵니다.

작가는 그림이 5살 때의 자신을 묘사하고 있으며, 문은 현실과 꿈의 세계를 구분하는 경계선이며, 인형은 이 세계를 통해 소년을 안내할 수 있는 안내자라고 확신했다. 손은 대안적인 삶이나 가능성을 나타냅니다.

이 그림은 2000년 2월 이베이에 "귀신이 나타났다"는 뒷이야기와 함께 판매 목록에 올랐을 때 악명을 얻었습니다.

"Hands Resist Him"은 Kim Smith가 $1,025에 구입한 후 환각이 어떻게 나타나는지에 대한 소름 끼치는 이야기가 담긴 편지로 넘쳐났습니다.