드뷔시 최고의 작품. Claude Debussy : 작곡가의 짧은 전기, 인생사, 독창성 및 최고의 작품

Chappe Claude Chappe Claude(1763년 12월 25일, Brulon, Sarthe Department, - 1805년 1월 23일, 파리), 프랑스 기계공, 광학 전신의 발명가. 1793년에 그는 전신 기술자라는 칭호를 받았습니다. 1794년에 그는 그의 형제들과 함께 파리와 파리 사이에 최초의 광학 전신선을 건설했습니다.

바그너와 드뷔시 이것이 바로 상징주의자들이 "성찬 집행자의 후광 속에 있는 신성한 리차드 바그너"를 그렇게 강한 열정으로 맞이한 이유입니다. 그의 오만하고 완전한 지배력은 언어 예술과 조형 예술의 거장들의 질투심 많은 꿈을 키웠습니다.

Jean-Claude Killy(1943년생) 프랑스의 알파인스키 선수. Xwinter 챔피언 올림픽 게임 1968년 프랑스 그르노블에서 훌륭한 스키 선수가 되는 방법을 묻는 질문에 Jean-Claude Killy는 이렇게 대답했습니다.

Claude Debussy (Debussy, Claude) 음악원의 한 교사가 젊은 Debussy에게 물었습니다. 모든 규정에 어긋난다"고 말했다. Debussy는 눈 하나 깜짝하지 않고 대답했습니다. “저에게는 작곡가로서 규칙이 없습니다. 내가 원하는 것은 규칙입니다.” 그리고 나중에

나는 새로운 현실을 찾으려고 노력하고 있습니다... 바보들은 그것을 인상주의라고 부릅니다.
다. 드뷔시

프랑스 작곡가 드뷔시는 종종 20세기 음악의 아버지로 불린다. 그는 모든 소리, 화음, 음조가 새로운 방식으로 들릴 수 있고 마치 소리 자체를 즐기는 것처럼 더 자유롭고 다채로운 삶을 살 수 있음을 보여주었습니다. Debussy는 회화적 인상주의와 관련이 있습니다. 파악하기 어렵고 유동적으로 움직이는 순간의 자급자족적인 탁월함, 풍경에 대한 사랑, 공간의 경쾌한 떨림. Debussy가 음악에서 인상주의의 주요 대표자로 간주되는 것은 우연이 아닙니다. 그러나 그는 인상파 예술가들보다 더 멀리 떨어져 있고 전통적인 형식에서 벗어나 그의 음악은 C. Monet, O. Renoir 또는 C. Pissarro의 그림보다 훨씬 더 깊은 우리 세기로 향합니다.

Debussy는 음악이 자연스러움, 끝없는 가변성 및 형태의 다양성에서 자연과 같다고 믿었습니다. , 분위기를 재현하고 리드미컬하게 엄청난 맥동을 전달합니다. 자연과 음악은 모두 Debussy에게 미스터리로 느껴지며 무엇보다도 탄생의 미스터리, 변덕스러운 우연의 게임의 예상치 못한 독특한 디자인으로 느껴집니다. 따라서 모든 종류의 이론적 진부한 표현과 레이블에 대한 작곡가의 회의적이고 아이러니 한 태도는 예술적 창의성, 예술의 살아있는 현실을 무의식적으로 도식화합니다.

Debussy는 9 살 때 음악을 공부하기 시작했으며 이미 1872 년에 파리 음악원 주니어 부서에 입학했습니다. 이미 음악원 시절에 그의 생각의 틀에 얽매이지 않아 하모니 교사와 충돌했습니다. 반면 초보 연주자는 E. Guiraud(작곡)와 A. Mapmontel(피아노) 수업에서 진정한 만족을 얻었다.

1881 년 하우스 피아니스트 인 Debussy는 러시아 박애주 의자 N. von Meck (P. Tchaikovsky의 절친한 친구)과 함께 유럽 여행을 떠났고 그녀의 초청으로 러시아를 두 번 방문했습니다 (1881, 1882). 따라서 Debussy는 자신의 스타일 형성에 큰 영향을 준 러시아 음악에 대한 친분을 시작했습니다. “러시아인들은 우리에게 부조리한 구속에서 벗어나도록 새로운 자극을 줄 것입니다. 그들은 ... 광활한 들판이 내려다 보이는 창을 열었습니다. Debussy는 음색의 광채와 미묘한 묘사, N. Rimsky-Korsakov 음악의 그림 같은 그림, A. Borodin 하모니의 신선함에 매료되었습니다. 그는 M. Mussorgsky를 자신이 가장 좋아하는 작곡가라고 불렀습니다. 그는 독특하고 무리한 기술이나 시들지 않는 규칙 없이 그의 예술 덕분에 독특하게 남을 것입니다. 러시아 혁신가의 음성 억양의 유연성, Debussy의 말에 따르면 미리 확립 된 "행정"의 자유는 형식이 자체 방식으로 구현되었습니다. 프랑스 작곡가그의 음악에서 없어서는 안될 부분이되었습니다. “가서 보리스의 말을 들어라. 그것은 전체 Pelléas를 포함합니다.”Debussy는 그의 오페라 음악 언어의 기원에 대해 말한 적이 있습니다.

1884년 음악원을 졸업한 드뷔시는 빌라 메디치(Villa Medici)에서 로마에서 4년간 개선할 수 있는 권리를 부여하는 로마 대상(Grand Prize of Rome)을 위한 대회에 참가합니다. 이탈리아에서 보낸 몇 년 동안(1885-87) 드뷔시는 합창 음악르네상스 (J. Palestrina, O. Lasso)와 먼 과거 (러시아 음악의 독창성뿐만 아니라)는 신선한 흐름을 가져와 조화로운 생각을 업데이트했습니다. 보고를 위해 파리로 보내진 교향곡 작품 ( "Zuleima", "Spring")은 보수적 인 "음악적 운명의 거장"을 기쁘게하지 않았습니다.

일정보다 일찍 파리로 돌아온 Debussy는 S. Mallarme이 이끄는 상징주의 시인 집단에 더 가까이 다가갑니다. 상징주의시의 음악성, 영혼의 삶과 자연 세계 사이의 신비한 연결 찾기, 상호 해체-이 모든 것이 Debussy를 매우 매료 시켰고 그의 미학을 크게 형성했습니다. 작곡가의 초기 작품 중 가장 독창적이고 완벽한 것이 P. Verdun, P. Bourget, P. Louis 및 C. Baudelaire의 말에 대한 로맨스라는 것은 우연이 아닙니다. 그들 중 일부 ( "Wonderful Evening", "Mandolin")는 음악원에서 공부하는 동안 작성되었습니다. 최초의 성숙한 관현악 작품인 전주곡 "목신의 오후"(1894)는 상징주의 시의 이미지에서 영감을 받았습니다. Mallarmé의 eclogue에 대한 이 음악적 삽화에서 Debussy의 독특하고 미묘한 뉘앙스가 있는 오케스트라 스타일이 발전했습니다.

상징주의의 영향은 Debussy의 유일한 오페라 Pelléas et Mélisande(1892-1902)에서 가장 잘 느껴졌습니다. 산문 텍스트 M. Maeterlinck의 드라마. 이것은 작곡가에 따르면, 문자"그들은 논쟁하지 않고 자신의 삶과 운명을 견뎌냅니다." 여기에서 Debussy는 Tristan과 Isolde의 저자 인 R. Wagner와 창의적으로 논쟁하며 어린 시절에 Wagner의 오페라를 매우 좋아했고 그것을 마음으로 알고 있었음에도 불구하고 자신의 Tristan을 쓰고 싶었습니다. Wagnerian 음악의 열린 열정 대신에 암시와 상징으로 가득 찬 세련된 사운드 게임의 표현이 있습니다. “음악은 표현할 수 없는 것을 위해 존재합니다. 나는 그녀가 황혼에서 나와 잠시 후에 황혼으로 돌아 가기를 바랍니다. 그녀는 항상 겸손합니다.”라고 Debussy는 썼습니다.

피아노 음악이 없는 드뷔시를 상상하는 것은 불가능합니다. 작곡가 자신은 재능있는 피아니스트였습니다 (지휘자이기도 함). 프랑스 피아니스트 M. Long은 "그는 거의 항상 반음으로 연주했지만 선명도는 없었지만 쇼팽이 연주한 것과 같은 충만함과 밀도가 있었습니다."라고 회상했습니다. 쇼팽의 경쾌함, 피아노 천 소리의 공간성에서 드뷔시가 색채 탐색에서 반발했습니다. 그러나 다른 출처가 있었습니다. Debussy 음악의 감정적 톤의 억제, 균일 성은 예기치 않게 고대 낭만주의 이전 음악, 특히 로코코 시대의 프랑스 하프시 코드 연주자 (F. Couperin, J. F. Rameau)에 더 가까워졌습니다. "베르가마스코 모음곡"과 피아노 모음곡(전주곡, 미뉴에트, 파스피에르, 사라방드, 토카타)의 고대 장르는 신고전주의의 독특한 "인상주의적" 버전을 나타냅니다. Debussy는 양식화에 전혀 의존하지 않고 자신의 이미지를 만듭니다. 초기 음악, 오히려 그녀의 "초상화"보다 그녀의 인상.

작곡가가 가장 좋아하는 장르는 일련의 다양한 그림과 같은 프로그램 모음곡(오케스트라와 피아노)으로, 정적인 풍경이 빠르게 움직이고 종종 댄스 리듬으로 시작됩니다. 오케스트라 Nocturnes (1899), The Sea (1905) 및 Images (1912)의 모음곡이 있습니다. 피아노의 경우 "Prints", Debussy가 딸에게 바친 "Images", "Children 's Corner"노트 2 개가 생성됩니다. Prints에서 작곡가는 처음으로 가장 많은 음악 세계에 익숙해 지려고 노력합니다. 다른 문화그리고 사람들: 동양("탑"), 스페인("그레나다의 저녁")의 소리 이미지와 움직임으로 가득 찬 풍경, 프랑스 민요("빗속의 정원")와 함께 빛과 그림자의 놀이가 다채롭게 설정됩니다. 서로 떨어져.

모음곡 "바다"는 "새벽부터 정오까지 바다에서", "파도의 놀이", "바다와 바람의 대화"의 세 부분으로 구성됩니다. 바다의 이미지는 항상 작곡가들의 관심을 끌었습니다. 다양한 방향그리고 국립학교. 서유럽 작곡가의 "해양" 주제에 대한 프로그래밍 교향곡 작품의 수많은 예를 인용할 수 있습니다(멘델스존의 서곡 "Fingal's Cave", Wagner의 "The Flying Dutchman"의 교향곡 에피소드 등). 그러나 바다의 이미지는 러시아 음악, 특히 Rimsky-Korsakov에서 가장 생생하고 완벽하게 실현되었습니다 (교향곡 Sadko, 같은 이름의 오페라, Scheherazade 모음곡, 오페라 The Tale of 차르 살탄),

Rimsky-Korsakov의 오케스트라 작품과 달리 Debussy는 그의 작품에서 플롯이 아니라 그림 및 색채 작업만 설정합니다. 그는 바다의 빛 효과와 색상의 변화를 음악을 통해 전달하고자 합니다. 다른 시간낮, 바다의 다른 상태 - 조용하고 동요하며 폭풍우. 바다 그림에 대한 작곡가의 인식에는 채색에 황혼의 신비를 줄 수있는 동기가 전혀 없습니다. Debussy는 밝은 햇빛, 완전한 색상이 지배합니다. 작곡가는 대담하게 매력을 느끼고 댄스 리듬, 그리고 부조 음악 이미지를 전달하는 넓은 서사시 그림.

첫 번째 부분에서는 새벽에 천천히 잔잔하게 깨어나는 바다, 나른하게 구르는 파도, 그 위에 비치는 첫 햇살의 눈부신 모습이 펼쳐진다. 이 악장의 오케스트라 시작은 특히 다채롭습니다. 팀파니의 "바스락 거리는"배경, 두 개의 하프의 "드립"옥타브 및 높은 음역의 "냉동"트레몰로 바이올린, 오보에의 짧은 멜로디 프레이즈 파도에 비치는 태양의 섬광처럼 나타납니다. 댄스 리듬의 등장은 완전한 평화와 몽환적인 사색의 매력을 깨뜨리지 않는다.

작업의 가장 역동적인 부분은 세 번째인 "바다와 바람의 대화"입니다. 1부를 연상시키는 초반부 잔잔한 바다의 꼼짝 않고 얼어붙은 영상부터 폭풍의 영상이 펼쳐진다. Debussy는 멜로디 리듬, 다이내믹, 특히 오케스트라와 같은 역동적이고 강렬한 개발을 위해 모든 음악적 수단을 사용합니다.

무브먼트가 시작될 때 더블베이스가있는 첼로와 두 개의 오보에가 음소거 된 배경에 대해 대화 형태로 발생하는 간단한 모티프가 들립니다. 베이스 드럼, 팀파니와 톰 타마. 오케스트라의 새로운 그룹의 점진적인 연결과 음의 균일한 증가 외에도 Debussy는 여기에서 리듬 개발의 원칙을 사용합니다. 점점 더 많은 새로운 댄스 리듬을 도입하고 여러 리듬의 유연한 조합으로 작업의 구조를 포화시킵니다. 패턴.

전체 구성의 끝은 바다 요소의 환희뿐만 아니라 바다, 태양에 대한 열렬한 찬송가로 인식됩니다.

많이 비유적 체계오케스트레이션의 원리 인 "Sea"는 Debussy의 가장 중요하고 독창적 인 작품 중 하나 인 교향곡 "Iberia"의 등장을 준비했습니다. 그것은 스페인 사람들의 삶, 그들의 노래와 춤 문화와 가장 밀접한 관련이 있습니다. 900년대에 Debussy는 스페인과 관련된 주제인 "An Evening in Grenada", 전주곡 "Gate of the Alhambra", "The Interrupted Serenade"로 여러 번 전환했습니다. 그러나 "Iberia"는 스페인 민속 음악의 지칠 줄 모르는 봄에서 그린 작곡가들의 최고의 작품 중 하나입니다 ( "Aragonese Jota"와 "Nights in Madrid"의 Glinka, "Spanish Capriccio"의 Rimsky-Korsakov, "Carmen"의 Bizet, 스페인 작곡가 de Falla와 Albeniz는 말할 것도없고 " Bolero"와 트리오의 라벨).

"이베리아"는 "스페인의 거리와 도로에서", "밤의 향기", "휴일의 아침"의 세 부분으로 구성됩니다. 두 번째 부분은 작곡가의 미묘한 회화주의로 "작성"된 스페인 밤의 특별하고 매운 향기, 깜박이고 사라지는 이미지의 빠른 변화로 Debussy가 가장 좋아하는 자연 그림을 공개합니다. 그림을 그리는 첫 번째와 세 번째 부분 민속 생활스페인. 특히 화려한 3부는 다양한 스페인 노래와 춤 선율이 대거 등장해 서로의 빠른 변화로 다채로운 음악의 생동감 넘치는 그림을 만들어낸다. 공휴일. 스페인의 가장 위대한 작곡가인 데 파야는 이베리아에 대해 이렇게 말했습니다. 안달루시아 밤의 매혹적인 마법, 기타리스트와 반두리스트의 "갱"의 화음 소리에 맞춰 춤추는 축제 군중의 활기 ... -이 모든 것이 공중에서 회오리 바람에 휩싸여 지금 다가오고 있습니다. 그런 다음 멀어지고 끊임없이 깨어있는 우리의 상상력은 풍부한 뉘앙스와 함께 강렬하게 표현되는 음악의 강력한 미덕에 의해 눈이 멀었습니다.

Debussy의 삶의 마지막 10년은 1차 세계대전이 발발할 때까지 끊임없는 창작 활동과 공연 활동으로 특징지어집니다. 지휘자로서 오스트리아-헝가리로의 콘서트 여행은 해외에서 작곡가의 명성을 얻었습니다. 그는 특히 1913년에 러시아에서 따뜻한 환영을 받았습니다. 상트페테르부르크와 모스크바에서의 콘서트는 큰 성공을 거두었습니다. 많은 러시아 음악가들과 Debussy의 개인적인 접촉은 러시아 음악 문화에 대한 그의 애착을 더욱 강화했습니다.

전쟁이 시작되자 드뷔시는 애국심을 갖게 되었습니다. 인쇄된 성명서에서 그는 자신을 "클로드 드뷔시 - 프랑스 음악가». 전선이 해의 작품은 애국적인 주제인 "Heroic Lullaby", 노래 "Christmas of Homeless Children"에서 영감을 받았습니다. 두 대의 피아노를 위한 모음곡

Debussy는 각 코드와 키의 사운드를 새로운 방식으로 전달하는 능력으로 인해 종종 20세기 음악의 아버지라고 불립니다. 음악적 재능 Debussy는 너무 광범위해서 자신이 뛰어난 연주자, 지휘자 및 음악 평론가임을 증명할 수 있었습니다.

Claude Debussy는 Saint-Germain-en-Laye라는 작은 마을에서 태어났습니다. 어린 시절부터 Claude는 큰 것을 보여주기 시작했습니다. 음악적 능력. 그의 첫 번째 스승은 그의 시어머니였습니다. 유명한 시인 P. Verlaine Antoinette-Flora Mote는 자신을 쇼팽의 제자라고 불렀습니다.그녀의 지도 아래 소년은 놀라운 성공을 거두었고 11세에 파리 음악원에 등록했습니다. 몇 년 동안 학생 Debussy는 파트 타임으로 일했습니다. 하계피아니스트 N. Von Meck에서 자녀에게 음악을 가르쳤습니다. 덕분에 그는 러시아를 방문했고 Mighty Handful 작곡가의 작품을 편곡했습니다.

11 년간의 연구가 끝날 무렵 Claude는 성경 이야기에 쓰여진 칸타타 "The Prodigal Son"이라는 논문 작업을 발표했습니다. 그는 나중에 그녀를 위해 Great Roman Prize를 수상했습니다. Debussy는 Villa Medici에서 이탈리아의 수상자로 다음 몇 년을 보냈습니다. 계약 조건에 따르면 그는 음악적 창의성, 그러나 작곡가는 깊은 내부 모순으로 끊임없이 괴로워했습니다. 학문적 전통의 후드 아래에 있는 Claude는 자신의 음악적 언어그리고 스타일. 이로 인해 수많은 갈등과 교사와의 분쟁이 발생했습니다.

1894년에 Claude는 The Afternoon of a Faun을 썼습니다. 이 전주곡 대형 오케스트라신화적인 음모를 바탕으로 작성된 S. Malarme의시를 바탕으로 만들어졌습니다. 이 음악은 S. Diaghilev에게 영감을 주어 Nezhinsky가 안무한 발레를 상연했습니다. 이전 작업을 완료하지 않고 Debussy는 세 개의 "Nocturnes"를 쓰기 시작했습니다. 심포니 오케스트라. 그들은 1900년 12월 파리에서 초연되었고, "Clouds"와 "Celebrations" 두 부분이 공연되었고, "Sirens"라는 세 번째 "Nocturne"은 1년 후에 발표되었습니다.

Debussy는 "Clouds"가 천천히 떠 다니는 구름과 함께 움직이지 않는 하늘의 이미지를 의인화했다고 설명했습니다. 'Celebrations'에서는 밝은 빛의 섬광과 함께 춤추는 분위기의 리듬을 보여줬고, 'Sirens'에서는 달빛이 비치는 파도 사이로 신비한 사이렌의 노랫소리가 웃음으로 가득 차 사라지고 사라지는 바다의 이미지를 표현했다. . 이 작품에서 생생한 이미지를 음악으로 구현하고자 하는 작가의 열망이 여실히 드러났다. “음악은 자연과 가장 가까운 예술일 뿐입니다”, 드뷔시는 주장했다.

19세기의 90년대에 작곡가는 유일하게 완성된 오페라인 Pellas et Mélisande를 만들었습니다. 1902년 파리에서 상영되었고 비평가들은 다소 부정적인 평가를 내렸지만 대중들에게 좋은 성공을 거두었습니다. 저자는 음악의 심리적 세련미와 영감을 받은 시를 성공적으로 결합하여 음악적 표현을 위한 새로운 분위기를 설정할 수 있었습니다. 1903 년에 작가가 합성을 시도한 악보 "Prints"가 등장했습니다. 음악 스타일세계의 다양한 문화.

20세기 초는 드뷔시의 작업에서 가장 결실을 맺은 시기였습니다. 그는 점차 상징주의의 포로를 벗어나 일상의 장면과 뮤지컬 초상화. 1903-1905년에 Claude는 그의 교향곡 중 가장 큰 작품인 The Sea를 썼습니다. 그는 거대한 물의 요소를 관찰하면서 받은 깊은 개인적 인상을 바탕으로 이 작품을 쓰기로 결정했습니다. 또한 그는 인상파 화가와 일본 목판화의 거장 호쿠사이의 영향을 다시 받았습니다. " 바다가 날 잘 대해줬어».

대규모 에세이는 세 부분으로 구성됩니다. 첫 번째 "바다의 새벽부터 정오까지"는 천천히 시작되고 나무 악기가 서로를 부르기 시작하고 바다 파도의 움직임이 나타납니다. 또한 "Play of the Waves"에서는 오케스트라 효과와 종소리로 강조되는 무지개 빛깔의 분위기가 보존됩니다. "바람과 바다의 대화"의 세 번째 부분에서 바다는 완전히 다른 방식으로 표시됩니다. 폭풍우가 치고 강력하며 그 모습은 우울하고 불안한 분위기를 나타내는 극적인 이미지로 보완됩니다.

Debussy라는 이름은 피아노 음악과 뗄 수 없는 관계입니다. 그는 아름다운 작곡을 했을 뿐만 아니라 뛰어난 피아니스트였으며 지휘자로서도 활동했습니다. 피아니스트 M.롱은 드뷔시의 연주를 쇼팽의 스타일과 비교해 연주의 부드러움은 물론 음의 충만함과 밀도를 짐작케 했다.

국가와의 강력한 연결을 찾으려고 노력했습니다. 음악적 기원. 이것은 일련의 피아노 작품 "Gardens in the Rain", "Evening in Granada", "Island of Joy"로 확인되었습니다.

20세기의 시작은 새로운 비전통적 수단에 대한 탐색으로 표시되었습니다. 음악적 표현력. 많은 작가들은 고전적이고 낭만적인 형식이 소진되었다고 확신했습니다. 새로운 수단을 발견하려는 시도로 작곡가들은 점점 더 비유럽 음악의 기원으로 눈을 돌리기 시작했습니다. 끌리는 장르 중 세심한 주의 Debussy는 재즈로 밝혀졌습니다. 그의 제출로 이 음악적 방향이 올드 월드에서 매우 인기를 얻었습니다.

시작에도 불구하고 심각한 병, 이번에는 Debussy의 가장 활발한 작곡 및 연주 활동으로 기억됩니다. 그는 유럽과 러시아를 순회하는 콘서트 투어에 참여했습니다.

1908년 Claude Debussig는 그의 딸에게 이 모음곡을 바쳤습니다."어린이 코너". 이 작품에서 그는 장난감 코끼리, 인형, 작은 양치기와 같은 인식 가능한 이미지를 사용하여 어린이의 눈을 통해 음악의 도움으로 세상을 표현하려고 했습니다. 1910년과 1913년에 Debussy의 비 유적 세계가 청취자에게 완전히 공개되는 전주곡 노트가 만들어졌습니다. "Delphian Dancers"에서 그는 고대 사원의 엄격함과 의식적인 이교도 관능미의 독특한 조합을 발견했으며 "Sunken Cathedral"에서는 오래된 전설의 모티프가 분명히 울려 퍼집니다.

전주곡에서 Debussy는 그의 전주곡을 제시합니다. 음악 세계간결하고 집중된 형태로 일반화하고 이전의 시각적-음악적 대응 시스템을 사용하여 여러 측면에서 작별 인사를합니다. 그리고 그의 생애의 마지막 5 년 동안 그의 음악은 더욱 복잡해지고 장르의 지평을 넓히고 일종의 긴장하고 변덕스러운 아이러니가 느껴지기 시작합니다. 무대 장르에 대한 관심 증가. 이들은 발레 ( "Kamma", "Games", 1912 년 V. Nijinsky와 S. Diaghilev 극단, 1913 년 어린이를위한 인형극 "A Box with Toys"), 이탈리아 미스터리의 음악 미래학자 G. d'Annunzio "성 세바스찬의 순교"(1911). 발레리나 Ida Rubinshtein, 안무가 M. Fokin, 아티스트 L. Bakst가 미스터리 제작에 참여했습니다.

제 1 차 세계 대전 중에 작가의 창작 활동이 쇠퇴하기 시작했고 깊은 애국심에 휩싸였습니다. 그는 전쟁의 엄청난 파괴에도 불구하고 아름다움을 미화하는 임무를 스스로 설정했습니다. 이 주제는 "Ode to France", "Heroic Lullaby", "Christmas of Homeless Children" 등 여러 작품에서 추적할 수 있습니다.

Claude는 그 나라에서 일어나는 모든 일에 극도로 우울했습니다. 전쟁, 피, 파괴의 공포는 깊은 영적 불안을 불러일으켰습니다. 1915년 작곡가를 강타한 중병은 현실에 대한 어려운 인식을 심화시켰고, 마지막 날까지 드뷔시는 음악에 충실했고 창의적인 탐구를 멈추지 않았다. 작곡가는 1918년 3월 26일 독일군의 도시 폭격 중에 파리에서 사망했습니다.