바이올린과 비올라의 차이점. A부터 Z까지의 음악 백과 사전 바이올린과 비올라의 차이점은 무엇입니까

알토(영어 및 이탈리아어 비올라, 프랑스어 알토, 독일어 Bratsche) 또는 바이올린 비올라-바이올린과 동일한 장치의 현악기이지만 다소 크기 때문에 낮은 음역에서 소리가납니다. 비올라 현은 바이올린 아래 5도, 첼로 위의 옥타브 - c, g, d1, a1 (to, 작은 옥타브의 염, re, 첫 번째 옥타브의 la)로 조정됩니다. 가장 일반적인 범위는 c(작은 옥타브까지)에서 e3(세 번째 옥타브의 mi)까지이며, 솔로 작업에서는 더 높은 사운드를 사용할 수 있습니다. 음표는 알토 및 고음 음자리표로 작성됩니다.

이야기

비올라는 오늘날 현존하는 가장 오래된 휘어진 악기로 간주됩니다. 출현 시간은 XV-XVI 세기의 전환기에 기인합니다. 비올라는 우리가 보던 것과 정확히 같은 모양을 가진 최초의 악기였습니다. 안토니오 스트라디바리가 디자인했습니다.

Viola da braccio(이탈리아어: viola da braccio) 또는 손을 위한 비올라는 비올라의 조상으로 간주됩니다. 이 비올라는 현재의 바이올린이나 비올라와 같이 무릎이나 무릎 사이에 끼는 비올라 다 감바(이탈리아어: viola da gamba)와 달리 왼쪽 어깨에 걸었습니다. 시간이 지남에 따라 악기의 이탈리아어 이름은 예를 들어 영어 또는 Bratsche(왜곡된 braccio)로 입력되는 비올라로 축소되었으며 독일어 및 유사한 언어로 수정되었습니다.

현대 비올라의 디자인은 크기를 제외하고 바이올린과 거의 동일합니다. 비올라는 바이올린처럼 크기 구분이 없으며 비올라의 크기는 밀리미터 단위로 측정됩니다. 350mm(바이올린 전체보다 작음)부터 425mm까지의 비올라가 있습니다. 악기 크기의 선택은 연주자의 손 길이에 따라 다릅니다.

전체 바이올린 계열 중에서 비올라는 크기와 소리면에서 비올라에 가장 가깝기 때문에 순식간에 오케스트라의 중간 성부로 자리 잡고 조화롭게 어우러졌습니다. 따라서 비올라는 나가는 비올라 계열과 신흥 비올라 사이의 일종의 다리였습니다. 바이올린 악기.

하나의 방대한 4행시에는 많은 이름이 포함되어 있으며, 그의 손은 악기들 사이에서 독특한 걸작을 만들어 냈습니다. 이 거장의 작품은 모든 음악가의 꿈입니다. 그러나 오늘 우리는 주인에 대해 이야기하지 않을 것입니다. 오늘 우리는 현악기에 대해 이야기 할 것입니다. 바이올린, 첼로, 비올라, 더블베이스 및 활의 차이점.

현대 어린이들은 휴대 전화가 어떻게 구별되는지 알고 있지만 바이올린 분류는 어떤지 알고 있습니다. 모든 것을 아는 Google조차도 난관에 처할 수 있습니다. 글쎄, 바이올린 제작자의 사이트는 이 안타까운 누락을 만회하려고 노력할 것입니다.

따라서 여러 유형의 구부러진 악기가 있습니다.

위대한 거장들이 용도에 따라 악기를 나누었다는 사실을 알고 계셨나요? 예를 들어, 모두와 모두를 위한 바이올린 또는 "질량"아이디어는 좋은 소리를 내는 것이었지만 그러한 바이올린을 생산할 때 목재 선택과 세심한 솜씨에 많은 관심을 기울이지 않았습니다. 부품과 사운드의 최종 마운트 품질에 대해 말할 필요가 없습니다. 거의 항상 그러한 악기를 구입한 후에는 바이올린 제작자를 방문합니다. 대량 생산되는 활의 생산에는 다른 유형의 목재가 사용되었습니다. 자작 나무, 서어 나무속, 저렴한 마호가니 품종, 지속되는 플라스틱. 대량 생산된 활에 인조모를 삽입하기도 했다.

다음은 음질과 그에 따른 제작 품질 측면에서 오케스트라 연주를 위한 바이올린. 그러한 바이올린의 목소리는 앙상블에서 눈에 띄지 않도록 부드럽고 전체 사운드에서 길을 잃지 않도록 강도와 색상이 충분히 표준이어야합니다. 이 두 가지 유형의 바이올린의 경우 마스터는 바닥, 측면, 목 및 스탠드 제조를 위해 메이플을 사용했습니다. 특수 블랭크인 스프루스는 전통적으로 메이플과 잘 어울려서 공명판을 만들었습니다. 검은색으로 칠해진 흑단 또는 더 저렴한 견목이 테일피스와 튜닝 페그에 사용되었습니다. 악기 본체의 목재는 질감과 색상에 따라 선택하여 단색으로 바니시하거나 고급 바니시로 앤티크 리터칭을 했습니다. 오케스트라 활에 대한 요구 사항도 다소 달랐습니다. 이러한 활은 각각 다양한 스트로크로 연주해야 했으며, 제작 과정에서 연주 특성에 더 적합한 나무가 사용되었습니다. 예를 들어, 브라질 나무.

다음은 온다 솔로 및 앙상블 연주를 위한 바이올린과 첼로. 여기에서 소리는 특별한 장소에 주어졌고 그들은 오랫동안 세심하게 작업했습니다. 이러한 도구는 다음에 유용합니다. 챔버 오케스트라, 사중주 및 다양한 종류의 앙상블, 각 개별 악기의 소리가 심포니 오케스트라보다 더 눈에 띕니다. 솔로 카테고리의 활은 페르남부코로 만들어집니다. 이것은 남미에서 자라는 특별한 종류의 나무입니다. 역사적으로 페르남부코는 솔로 활을 만드는 최고의 선택이었습니다.

그리고 이 카테고리의 마지막은 바이올린 "예술적"이름이 이미 그 자체로 말하는 곳. 유니크한 음색과 독특한 음색을 지닌 콘서트 바이올린입니다. 모습그리고 마스터의 특별하고 절묘한 발견. 처음 두 범주의 악기에서 나무의 아름다움이 역할을 하지 않는다면 "솔로"와 "예술적"에 대해 마스터는 단순한 것 이상을 찾았습니다. 적당한 나무, 그러나 또한 밝은 질감. 그리고 넥, 테일피스 및 튜닝 페그는 고품질 흑단, 자단, 회양목으로 만들어졌습니다. 콘서트용 활에도 특별한 요구 사항이 있습니다. 현대 재료에 대한 흥미롭고 주목할만한 실험이 있지만 대부분 fernambuco로 만들어집니다. 탄소처럼.

요약하면 바이올린과 첼로는 사용 목적에 따라 분류할 수도 있습니다.

* 대량의;

* 오케스트라;

* 솔로;

* 예술적.

매끄럽고 눈에 띄지 않게 두 번째 분류 지점 인 크기에 접근했습니다.

바이올린 연주를 배운 적이 있는 사람이라면 누구나 크기에 대해 알고 있으며 당사 웹사이트에서 "크기별" 바이올린 선택 방법에 대한 별도의 기사를 찾을 수 있습니다. 그러나 바이올린과 첼로의 크기는 다음과 같습니다.

* 1/32

* 1/16

* 1/8

* 1/4

* 1/2

* 3/4

* 4/4

크기는 학생과 연주자의 개별 데이터에 초점을 맞춘 지표입니다. 따라서이 스케일은 너무 크지 만 ... 1/10과 7/8의 두 가지 크기가 더 있다는 것을 아는 사람은 거의 없습니다. 각 크기는 일치하는 길이의 활과 함께 제공됩니다.

크기에 따른 비올라의 구분은 약간 다릅니다. 비올라는 상대적으로 젊은 악기이며 마침내 19세기에야 비로소 형성되었습니다. 비올라는 주로 청소년과 성인이 연주하지만 바이올린과 같은 몸체 길이에 알토 조율이 있는 3/4 크기의 훈련용 비올라도 있습니다. 전체 비올라는 38에서 45 사이이며 그 이상입니다. 굽이 없는 하부 데크의 길이를 측정합니다. 가장 일반적인 도구는 40-41cm이며 때로는 크기가 인치로 표시됩니다.

더블베이스는 어린 이용을 포함하여 다양한 크기로 제공됩니다. 이상하게도 성인 음악가가 연주하는 가장 일반적인 더블베이스 크기는 3/4입니다. 4/4 더블 베이스는 주로 오케스트라에서 연주됩니다. 더블베이스가 가지고 있다는 것을 아는 것도 불필요하지 않을 것입니다. 다른 순서. 솔로와 오케스트라. 그리고 문자열의 수: 4와 5.

모든 악기, 특히 바이올린은 다른 손새로운 소리. 평범한 음악가의 손에 있는 좋은 악기도 멈출 수 있습니다. 반대로 재능 있는 바이올리니스트와 첼리스트는 가장 단순하고 뿌리 없는 악기에서 아름다운 소리를 뽑아낼 수 있습니다. 이것은 소리 마법의 마법 논리와 연기자 재능의 독창성을 가지고 있습니다. 그러나 이것은 모든 스승이 호흡할 때마다, 만질 때마다 자신의 악기에 넣는 비밀입니다.

알토- 현악기과에 속하는 악기. 겉으로는 바이올린과 매우 유사하지만 크기가 다릅니다. 비올라는 바이올린보다 훨씬 크고 길고 넓습니다.

다음 차이점은 소리의 크기와 관련이 있습니다. 알토 시스템은 바이올린보다 1/5 낮습니다. 악기의 소리와 사람의 목소리를 비교한다면 바이올린은 소프라노, 여성 목소리, 비올라는 콘트랄토, 가장 낮은 여성 목소리, 나른하고 가슴이 풍부하며 표현력이 풍부합니다.

대체 작동 방식

비올라 자체는 다른 종의 나무로 만들어졌습니다.

• 형태로 구멍이 뚫린 제품 전면(상판) 라틴 문자"f"는 가문비 나무로 만들어졌습니다.
• 뒷면, 뒷면, 측면 및 측면은 단풍나무로 만들어집니다. 컵 받침은 또한 현이 놓이는 특수 부분 인 단풍 나무로 만들어집니다. 데크와 쉘은 목재를 부식으로부터 보호하는 특수 유성 바니시로 덮여 있습니다.
• 내구성이 뛰어난 검은 색 흑단 나무에서 지판이 잘립니다. 음악가가 손가락으로 현을 누르는 직사각형 보드입니다. 같은 나무가 줄의 장력을 담당하는 못-못을 만드는 데 사용됩니다.

비올라의 작동 원리는 관련 바이올린, 첼로 및 더블베이스와 유사합니다.

활은 소리를 추출하는 역할을 합니다. 즉, 흰 말총이 그 위에 뻗어 있는 지팡이입니다.

게임 중에 공연 음악가는 오른손에 활을 잡고 왼쪽 어깨에 몸통을 잡고 현을 따라 활을 움직입니다. 활이 마찰하는 순간 소리가 생긴다.

활을 만드는 데 사용되는 각 머리카락에는 비늘이 있습니다. 현과 접촉할 때 현이 진동하게 합니다. 그 진동은 악기의 몸체인 벨 역할을 하는 "사운드 박스"에 전달됩니다. 사운드는 상단 데크에 조각된 구멍에서 나옵니다.

알토 사운드는 예를 들어 바이올린만큼 강력하지 않으므로 솔로 연주에는 거의 사용되지 않습니다. 그러나, 클래식 뮤지컬 그룹, 와 같은:

• 바이올린 2대, 비올라, 첼로로 구성된 4중주,
• 바이올린과 함께 4-6명의 비올라 연주자 그룹을 포함하는 오케스트라,
• 비올라 그룹이 12명에서 14명으로 구성된 심포니 오케스트라.

비올라의 종류

현 활을 구별하는 주요 기준은 나이입니다. 전통적으로 그들은 고대와 현대로 나뉩니다.

50년 이상 전에 만들어진 골동품은 수년 동안 사용하면서 획득한 소리로 높이 평가됩니다. 케이스 상태가 좋은 오래된 샘플은 비싸고 매년 가격이 상승합니다.

최신 제품은 내구성과 신뢰성이 중요합니다. 두 경우 모두 도구가 시간이 지남에 따라 "동작"하는 방식을 예측하는 것은 불가능합니다.

비올라는 크기가 다르며 연주자의 팔 길이에 따라 선택됩니다.

크기는 인치 단위이며 알토 크기 범위는 11에서 시작하여 17.5인치에서 끝납니다.

신체적 편안함 외에도 샘플이 재현할 수 있는 사운드가 주역입니다.

"공진기 상자"인 본체의 크기는 바이올린보다 1/5 낮은 시스템과 일치하지 않습니다. 결과적으로 "비음"음색을 가진 표본이 있습니다. 다행스럽게도 그러한 악기의 비율은 적고 액세서리를 사용하여 사운드를 업그레이드할 수 있습니다.

비올라를 선택하는 방법

비올라를 선택할 때 다음 사항에 주의해야 합니다.

• 모습. 케이스에 균열 및 패치가 없어야 하며 약간의 마모는 허용되며 사운드에 영향을 미치지 않아야 합니다.
• 게임의 크기와 편안함. 접촉하는 동안 손이 피곤해서는 안되며 모든 현에서 소리가 균일해야하며 가장 낮은 현에서 가장 높은 현으로의 사운드 전환이 부드럽고 눈에 띄지 않아야합니다.

오늘 만든 카피를 선택했다면 사운드가 변경될 수 있다는 점을 고려해야 합니다. 더 자주 더 밝고 풍부 해집니다. 이를 위해 악기를 "연주"하고 정기적으로 높은 음량으로 운동해야합니다.

수십, 수백년 전에 만들어진 고본을 고를 때는 나무의 마모도를 고려해야 한다.

오래된 비올라는 조심스럽게 작동해야 하며 습도 수준을 모니터링하고 약간의 기계적 손상을 피해야 합니다.

"어떤 비올라가 더 좋습니까?"라는 질문에 대한 답입니다. 존재하지 않는다. 음악가의 손에 있는 악기는 그의 두 번째 목소리입니다. 목소리는 밝거나 나른하고 서정적이거나 도발적일 수 있습니다. 두 번째 목소리를 선택할 때 많은 시간을 할애하고 탐색하고 이야기하는 것이 좋습니다.

두 명의 다른 음악가의 손에 있는 동일한 비올라가 음색과 색상이 다르게 들립니다. 육체적으로나 정신적으로나 쉽고 즐겁게 플레이할 수 있는 카피를 선택해야 합니다.

부속품

Alto 액세서리에는 다음이 포함됩니다.

• 절하다,
• 로진,
• 문자열,
• 문자열 홀더,
• 못,
• 서다,
• 턱받침
• 어깨 다리,
• 사례.

절하다- 이것이 없으면 특별한 알토 사운드가 불가능한 구성 요소입니다. 어떤 경우에도 바이올린 활로 악기를 연주해서는 안됩니다. 비올라 활은 더 길고 무겁고 강하며 이러한 속성 덕분에 소리가 더욱 표현력 있고 깊어집니다.

전통적으로 활은 마호가니인 페르남부코로 만들어집니다. 이러한 유형의 목재는 충분한 탄성과 강도를 가지고 있어 변형에 대한 저항성을 보장하기 때문입니다.

요즘은 고강도 현대소재인 케블라 섬유로 만든 활이 인기를 끌고 있다.

Kevlar의 장점은 나무 활이 자랑할 수 없는 온도 및 습도 변화에 대한 저항력에 있습니다. 활은 백마털로 완성한다.

활을 선택할 때 리드의 균일성에주의를 기울이는 것이 좋으며 강한 처짐이 없어야하며 탄력성이 있어야합니다. 리드는 현과 접촉 할 때 "튀어 나와야"합니다.

로진- 활과 현을 접착하는 특수 기술로 만든 레진 조각입니다. 로진이 없으면 악기 소리가 나지 않으며 그 결과 소리는 물질의 밀도에 따라 달라집니다. 로진의 질감이 촘촘할수록 더 단단해집니다. 소리가 더 단단하고 밝아집니다.

비올라 연주에는 중간 밀도의 로진이 사용됩니다. 중요한 요소로진 선택 - 신선도.

신선하고 갓 만든 로진은 타이트한 보우 컨택트를 보장합니다.

오래되고 말린 로진은 접착력이 낮고 소리에 영향을 주어 불쾌한 쉭쉭거리는 배음을 더합니다.

문자열악기의 소리를 색칠하는 역할을 합니다.

구별하다:

• 금속,
• 인조,
• 정맥.

금속은 밝고 경쾌한 소리를 내며 내마모성이 향상되었습니다. 이점 금속 현그들의 저렴한 가격, 단점은 음량과 깊이가없는 소리입니다.

합성 섬유는 나일론이나 펄론으로 만들어지며 덜 자주 Kevlar로 만들어집니다. 합성 현은 전 세계 음악가들에게 인기가 있습니다.

금속에 비해 마모되기 쉬우나 다채롭고 풍부한 소리를 냅니다.

단점 중 - 다소 높은 가격과 짧은 작동 기간.

정맥은 유기 기원이며 동물 정맥으로 만들어집니다. 그들은에만 적합합니다 고대 악기온도와 습도 변화에 매우 민감합니다. Guinted 현은 가능한 모든 유형보다 빨리 마모되기 때문에 인기가 없지만 비용이 가장 많이 듭니다.

테일피스그 이름은 그 기능을 설명합니다 - 문자열 고정.

두 가지 유형이 있습니다.

1. 탄소 섬유,
2. 검은 나무로 만든 흑단.

특수 기계로 완성 미세 조정, 추가 노력 없이 시스템을 조정할 수 있습니다. 비올라의 경우 중요한 점- 기계가 없을 때 음악가는 튜닝 페그를 사용하여 시스템을 수정해야 하며 주어진 악기의 크기는 불편하고 문제가 됩니다.

테일 피스를 만드는 재료는 제품의 소리에 거의 영향을 미치지 않으며 선택시 기계의 편의성과 잠재적 구매자에게 적합한 가격에 중점을 두어야합니다.

콜키현 홀더 반대쪽 악기의 다른 쪽 끝에 현을 고정하고 장력을 담당합니다. 튜닝 페그는 흑단으로 만들어졌으며 그들이 하는 주된 일은 장력을 유지하는 것입니다.

시간이 지남에 따라 페그가 삽입되는 구멍이 넓어집니다. 구입 한 제품의 페그가 몸 깊숙이 "익사"한 경우 잘못된 순간에 현 장력이 약해지지 않도록 교체해야합니다. 기성품 페그는 바이올린 제작자가 악기에 "맞춤"합니다.

서다- 현이 있는 특별한 부분. 지판과 현 사이의 거리는 스탠드에 따라 달라지며 결과적으로 연주의 편의성이 달라집니다.

높은 양력으로 연주자는 지판에 현을 누르기 위해 더 많은 신체적 노력이 필요합니다. 현이 프렛보드에 닿기 때문에 낮은 위치는 연주 시 배음으로 이어집니다. 스탠드의 높이는 바이올린 메이커에 의해 수정 가능합니다.

스탠드가 공명 데크와 접촉하여 사운드에 영향을 미친다는 점은 주목할 가치가 있습니다.

향판이 얇은 경우(빈티지 제품의 경우) 향판에 가해지는 부하를 줄이기 위해 얇은 스탠드를 선택하는 것이 좋습니다. 현대적인 디자인넓은 스탠드가 장착되어 있어 도구가 "작동"하는 데 도움이 됩니다.

턱받침귀하의 사본에서 편안한 게임을 위해 필요합니다. 이 액세서리는 턱 받침으로, 턱 받침의 기능은 악기에 대한 머리의 압력을 완화하고 목의 근육 긴장을 줄이는 것입니다.

제대로 장착된 턱받침은 바이올리니스트와 비올리스트에게 일반적으로 나타나는 목의 굳은 살을 피하는 데 도움이 됩니다. 턱받침은 흑단과 탄소 섬유로 만들어졌습니다. 그들은 다른 모양을 가지고 있습니다 - 원형과 타원형, 다른 크기다른 신체 유형에 대해.

피부에 닿는 편안함에 중점을 두고 "피팅이 있는" 턱받침을 선택해야 합니다.

최신 탄소 섬유 턱받침에는 저자극성 코팅이 되어 있어 민감한 피부에 좋은 솔루션입니다.

어깨 다리또는 브리지는 악기를 눈높이에 유지하고 어깨를 편안하게 유지하는 데 도움이 됩니다. 몸에 닿는 다리의 표면은 원칙적으로 어깨 모양을 반복하고 폼 인서트로 완성됩니다. 다리는 특수 고무 발을 사용하여 비올라 표면에 부착됩니다.

어깨 브릿지는 목의 길이에 따라 선택됩니다. 길이가 길수록 브릿지 높이를 더 많이 조정해야 합니다. 브릿지를 잘못 선택하면 어깨 통증이 발생하므로 연주자에게 이 액세서리는 매우 중요합니다.

가능한 모든 옵션을 시도하고 악기를 잡는 것이 편안하고 자유로워지는 옵션에서 멈추는 것이 좋습니다.

케이스 또는 케이스비올라를 휴대하고 비올라로부터 보호하는 수단입니다. 환경. 케이스는 폼, 플라스틱, 탄소 섬유 및 Kevlar로 덮개를 씌운 합판으로 만들어집니다.

내구성이 뛰어난 소재로 제작된 견고한 케이스는 극한의 날씨로부터 악기를 보호하고 추락 시 손상을 방지합니다.

기후와 이송 범위를 고려하여 사례를 선택하는 것이 좋습니다.

가정용 보관에는 저렴한 합판 케이스가 적합합니다. 여행의 경우 손상에 강한 내구성있는 탄소 케이스를 선택하는 것이 좋습니다.

대안의 장단점

비올라 전공은 비올라를 가진 학생들이 다니는 음악 학교의 수업이 아닙니다. 어린 시절. 비올라 연주 기술을 마스터한 음악가는 바이올린을 배우는 것으로 여정을 시작하며, 마스터한 후에야 비올라로 전환됩니다.

비올라 연주에 가장 적합한 것은 다음과 같은 젊은 음악가입니다.

• 크고 긴 팔,
• 큰 손바닥과 길고 강한 손가락.

비올라 연주자 중 남성이 양적으로 우세하지만 음악 단체에서도 여성을 흔히 볼 수 있다.

남녀 연주자 사이에서 악기의 인기는 다양한 크기와 관련이 있습니다. 크기는 작고 "여성"이고 더 큰 "남성"입니다.

비올라 연주 기술, 기술 및 스트로크는 바이올린과 동일합니다. 그러나 연주자는 왼손 엄지로 악기를 잡아야 하기 때문에(바이올리니스트의 경우 이 손가락은 그러한 기능을 수행하지 않음) 비올리스트의 기교는 바이올리니스트의 기교보다 열등합니다.

소리의 문화와 그 철학적 시작이 대두되며, 연주자는 .

이러한 기능을 기반으로 다음과 같은 이점을 구분할 수 있습니다.

• 여성과 남성 모두를 위한 다양한 사이즈;
• 비올라는 연주 기술이 고도의 기교로 구별되지 않기 때문에 나중에 선택하여 성공할 수 있는 전문 분야입니다.
• 비올라는 그다지 흔한 전문 분야가 아니므로 대부분의 음악 그룹에서 수요가 많습니다.

다음을 포함하여 도구의 일부 불쾌한 기능을 무시하지 마십시오.

• 무거운 무게 - 게임 기술의 매일 운동은 왼쪽 어깨에 불편 함을 유발합니다.
• 연주 방법을 배우기로 결정한 후에는 우선 바이올린을 마스터해야 합니다. 이것 없이는 비올리스트가 될 수 없습니다.

착취

목재는 추락에 반응하여 부스러기와 균열이 발생하는 깨지기 쉬운 재료이므로 도구를 추락 및 손상으로부터 보호해야 합니다. 케이스가 손상되면 사운드에 영향을 미치고 값비싼 수리가 필요합니다.

도장 작업에 주의하십시오. 악기에 송진 가루가 남아 있으면 바니시가 손상될 수 있으므로 연주 후 매번 악기를 닦아야 합니다.

표면은 알코올 기반 제품에 노출되지 않도록 보호해야합니다. 제조에 사용되는 바니시는 알코올에 용해됩니다. 데크는 특별히 고안된 제품으로 청소해야 하며 음반 매장에서 쉽게 찾을 수 있습니다.

시간이 지남에 따라 옻칠 코팅에 작업 흔적이 남고 도구와 손이 닿는 부분에서 옻칠이 지워집니다. 나무를 보호하지 않은 상태로 두지 마십시오. 나무가 변형될 수 있습니다.

보호 코팅이 문질러진 부분은 바이올린 제작자가 다시 바니시 처리해야 합니다.

습도는 모든 것에 큰 영향을 미칩니다. 목제품. 집에서는 난방 장치 근처와 습도가 높은 방에 현악기를 보관할 수 없습니다.

직사광선은 금기입니다. 전문 음악가는 습도 측정 장치인 습도계를 사용합니다. 표준은 40-60%입니다.

습도가 낮으면 데크가 말라서 균열이 생길 수 있습니다. 습도가 높으면 껍질에 문제가 있습니다. 껍질이 벗겨집니다.

가능한 오작동

전문 음악가들이 직면하는 일반적인 문제는 상단 현 A와 D의 오작동입니다. 그들은 더 얇은 섬유로 만들어졌으며 손가락과 자주 접촉하는 곳에서 빠르게 해어집니다. 운 좋게도 그들은 스스로 교체하기 쉽습니다.

교체 할 때 동시에 오래된 줄을 제거해서는 안됩니다. 이 조작은 데크를 올바른 장력으로 유지하는 파티션 인 달링을 떨어 뜨립니다. 제거된 것을 즉시 새 것으로 교체하여 하나씩 제거해야 합니다.

합성 현을 설치하기 전에 브릿지와 지판에 있는 홈에 윤활유를 바르십시오. 부드러운 연필. 이렇게 하면 합성 섬유의 주름을 방지하고 제품 수명을 연장할 수 있습니다.

현 교체는 연주자가 악기에 해를 끼치지 않고 스스로 연주하는 유일한 작업입니다.

음악가가 직면하는 다음 문제는 균열의 발생입니다. 조심스럽게 작동하더라도 나무 캔버스의 무결성이 보장되지는 않습니다. 균열이 발생하면 독립적 인 조치를 취해서는 안됩니다. 악기의 균열은 특수 접착제를 사용하여 바이올린 제작자가 "치유"합니다.

활도 유지 관리가 필요합니다. 머리카락을 덮고 있는 비늘은 시간이 지남에 따라 마모되고 활은 로진에도 불구하고 현에 확실하게 접촉하지 않습니다. 이것은 마스터에서 활의 머리카락을 교체하여 제거됩니다.

스스로 머리카락을 바꾸는 것은 불가능합니다. 재료 작업에는 경험과 기술이 필요합니다. 머리카락은 특수 기술을 사용하여 늘어나고 열처리됩니다.

부적절한 행동은 지팡이를 망칠 수 있고 그녀는 - 필수적인 부분절하다.

스트링 홀더를 고정하는 루프가 끊어지는 경우가 있습니다. 루프의 고뇌와 현의 장력이 급격히 약해지고 몸에 가해지는 하중으로 사랑이 떨어집니다. 다른 알토 액세서리와 마찬가지로 루프를 직접 구입할 수 있습니다. 그리고 마스터만이 결함 부품을 올바르게 설치할 수 있습니다.

비올라와 같은 복잡한 장치를 작동하는 동안 많은 오작동이 발생할 수 있습니다. 손상을 방지하고 서비스 수명을 연장하려면 무자격자에게 수리를 맡기거나 직접 문제를 해결해서는 안 됩니다.

비올라 프로듀서

비올라 및 기타 가족의 예를 제조 및 판매하는 전문 워크샵과 아틀리에가 많이 있습니다. 현악기. 주문에 따라 도구를 만드는 독립 장인도 있습니다.

현대 외에도 음악 세계 17, 18, 19세기의 골동품 샘플이 모든 곳에서 사용됩니다.

다음은 비올라 제조와 관련된 가장 인기있는 현대 아틀리에입니다.

• 이탈리아 아틀리에 Scrollavezza&Zanre Master,
• 프랑스 아틀리에 Aubert Lutherie. 공식 사이트는 없지만 Codamusic.ru 링크에서 제조업체에 대한 정보를 얻을 수 있습니다.

  "직접"또는 개인 작업장에서 제품을 구매하면 보증을 받을 수 없습니다. 전문점 또는 공식 공방에서 구매한 특정 제품에 대해 발행됩니다. 보통 5년입니다.

  보증은 제조상의 결함에 적용되며 도구가 거의 전적으로 수작업으로 제작된다는 점을 감안할 때 이 비율은 극히 적습니다.

  부적절한 작동으로 인한 기계적 손상 및 제품의 건전한 특성은 보증 서비스에 포함되지 않습니다.

  다양한 종류의 박리 및 균열인 가능한 오작동은 제조 후 7-10년 이내에 발생합니다. 따라서 도구를 구입할 때 다음에 발생하는 일에 대해 전적으로 책임을 져야 합니다.

  따라서 국가와 제조업체가 이차적으로 중요하기 때문에 관심 있는 제품의 선택과 그 소리에 특별한 주의를 기울여야 합니다.

  
  

비올라는 약간 슬프고 조용한 철학자의 악기입니다. Alt는 항상 다른 악기를 도울 준비가 되어 있지만 결코 자신에게 관심을 끌려고 하지 않습니다. 알베르트 라비냑(1846-1916)

현대 오케스트라의 가장 불행한 악기는 오랫동안확실히 대체. 비올라는 바이올린 계열의 현악기로 크기가 바이올린보다 약간 큽니다. 이 악기의 초기 예는 다음에 속합니다. 16세기. 뛰어난 이탈리아 거장 A. Stradivari는 최고의 비올라 디자인을 개발하는 데 큰 역할을 했습니다. 이 악기는 바이올린보다 5분의 1 낮은 C-sol-re-la로 조율된 4개의 현을 가지고 있습니다. 처음에는 모든 비올라 현이 가닥으로 만들어졌지만 현재는 현의 중심부가 가닥과 강철로 만들어지고 그 위에 금속 브레이드로 덮여 있습니다. 바이올린과 비교할 때 비올라는 덜 움직이는 악기이며 둔탁하고 둔하지만 부드럽고 표현력이 풍부한 음색을 가지고 있습니다. 고대부터 비올라는 현악 4중주와 심포니 오케스트라에서 전체 사운드 하모니에서 중간 정도의 선율적으로 "중립적인" 목소리를 채우기 위해 사용되어 왔으며 따라서 일반적으로 가장 덜 발달된 악기 수준으로 유지되었습니다. 그러한 이상한 현상의 원인은 한편으로는 작곡가 자신이 중간 목소리를 개발하기 위해 노력하지 않았고 다른 한편으로는 그가 소유 한 비올라의 자연스러운 특성을 알아 차리고 싶지 않았기 때문입니다.

개별 악기의 관현악적 가능성을 밝히고 그 수단을 잘 발전시킨 베토벤도 예술적 표현력, 그의 사중주에서 알토를 하위 목소리 수준으로 유지했습니다. 당연히 심포니 오케스트라의 동등한 구성원으로서 비올라에 대한 작곡가의 그러한 태도는 음악가 자신의 비올라에 대한 똑같이 무관심한 태도를 불러 일으켰습니다. 이 악기가 빈약하다는 점을 고려하여 아무도 비올라 연주를 배우고 싶어하지 않았고 오케스트라에서는 두 번째 바이올린의 일부를 극복하지 못한 불행하고 다소 평범한 바이올리니스트들이 비올라 연주자가되었습니다. 한마디로 비올리스트는 이미 단순한 부분을 단호하게 극복 할 수없는 바이올리니스트 패자로 간주되었으며 깨달은 음악가의 눈에 악기 자체는 존경받지 못했습니다. 그런 일화가 있습니다. 지휘자가 사막을 걷고 있는데 갑자기 그는 비올리스트가 모래 위에 서서 신성하게 연주하는 것을 봅니다. 지휘자는 무서웠습니다. 그리고 그는 이렇게 생각합니다. “글쎄요, 그럴 수 없습니다. 신이시여, 신기루에 불과합니다."

비올라에 대한 그러한 무시적인 태도가 그에게 합당한 것인가? 당연히 아니지. 이 도구에는 풍부한 가능성이 포함되어 있어 단 한 번의 대담하고 단호한 조치가 필요했습니다. 그리고이 방향의 첫 번째 비정상적인 단계는 첫 번째와 두 번째 바이올린없이 전체 오페라 "Uthal"을 썼고 비올라가 주요 부분과 가장 높은 부분을 연주하도록 지시 한 Etienne Mayul (1763-1817)의 대담한 경험이었습니다. 문자열. 그리고 28년 후인 1834년에 비올라의 열렬한 팬이자 위대한 감정가였던 Hector Barlioz는 다음과 같이 썼습니다. 큰 교향곡그가 비올라를 의뢰한 "이탈리아의 해롤드" 메인 파티. 전설에 따르면: Paganini의 연주에 기뻐한 Barlioz는 그를 위해 이 뛰어난 솔로를 의도했지만 Paganini 자신은 결코 콘서트에서 연주하지 못했습니다. Ernesto-Camillo Sivori (1815-1894)의 "Padel Concerts"와 Joseph-Lambert Massart (1811-1892)의 "Conservatory Concerts"에서 처음 연주되었습니다.

비올라는 바이올린과 첼로의 중간 위치를 차지하지만 첼로보다는 바이올린에 가깝다. 따라서 소리의 특성상 비올라가 첼로에 가깝다고 생각하는 사람들은 첼로보다 한 옥타브 높게 제작되었기 때문에 착각하고 있는 것이다. 비올라는 그 구조, 현 조율 및 연주 기술은 물론 다른 어떤 것보다 바이올린에 속합니다. 구부러진 악기. 소수에게 비올라 더 많은 바이올린, 정확히 같은 방식으로 게임 중에 개최되며 바이올린보다 완전 5 분의 1 아래에 위치한 4 개의 현에는 3 개의 공통 현이있어 완전히 동일하게 들립니다. 어떤 이유로 일상 생활에서 비올라가 약간 비음하고 약간 둔하게 들린다는 의견이 확립되었습니다. 비올라가 정말 바이올린과 같다면 바이올린이 전혀 가지고 있지 않은 "특성"을 어디서 얻었습니까?

사실 정확하고 정확한 계산에 따라 생성 된 실제 비올라는 "실패한"바이올리니스트에게 완전히 접근 할 수없는 악기로 판명 되었기 때문에 당시 오케스트라에서 사용되지 않았습니다. 최근에 연주해야 했던 부득이한 상황 바이올린을 비올라로 바꾸십시오. 따라서 두 번째 바이올린에서 추방 된이 모든 "바이올리니스트"가 새롭고 다소 복잡한 악기에 대한 깊은 숙달에 시간과 노력을 낭비하지 않고 일반적으로 "어떻게 든"자신의 성취를 선호하는 것은 매우 자연스러운 일입니다. 사건 세부 사항에 들어 가지 않도록 의무. 이러한 상황 덕분에 바이올린 제작자들은 "새로운 상황"에 매우 빠르게 적응했고, 거의 쓸모가 없었던 "실패한 바이올리니스트"의 손만큼 비올라의 크기를 줄이는 것을 자유 의지로 결정했습니다. 비올라가 요구되었습니다. 따라서 악기의 크기에 차이가 있었고 아주 최근까지 거의 7가지 종류가 있었습니다. 그래서 바이올린 제작자들은 문제를 아주 간단하게 해결했지만, 또한 단순히 악기를 "손상"시켜 작은 비올라가 가질 수 없는 고유한 특성을 박탈했습니다.

동시에 이런 방식으로 리메이크된 악기는 원래의 비올라가 가지지 못한 새로운 특성을 갖게 되었습니다. 이러한 새로 발견된 특성은 비올라의 실제 크기를 되살리려는 끈질긴 시도에 대해 듣고 싶지 않은 음악가들에게 크게 호소했습니다. 이러한 불일치는 운명의 변덕 스러움이 비올리스트로 바뀌고 악기 변경이 연주자에게 어떤 결과도 수반하지 않는 모든 바이올리니스트가 작은 크기의 비올라를 사용할 수있게했기 때문에 발생했습니다. 작은 크기의 비올라는 그러한 특징적인 "비음"을 얻었습니다. 이러한 정서가 얼마나 강했는지는 파리 음악원이 alt-undersized를 그들의 수업에서 받아들였을 뿐만 아니라 이미 언급된 7가지 품종 중 중간이 일반적으로 최고의 도구. Justice는 음악과 공연의 지평을 넓히기 위해 알토를 연구하는 바이올리니스트의 손에서 항상 작은 크기의 알토가 계속해서 "의무적인 비올라" 역할을 한다는 것을 인정할 것을 요구합니다. "정품 비올라"는 이 악기에 전적으로 헌신하는 비올리스트만이 자신의 직접적이고 유일한 "직업"으로 사용합니다. 이러한 의미에서 "비올라 반"은 독립적인 악기로서 1920년부터 러시아 음악원에 존재했으며, 따라서 현대 오케스트라의 이 놀라운 목소리에 대한 젊은 음악가들의 큰 헌신에 기여했습니다.

그러나 이것은 비올라 연주 예술의 진정한 감정가를 만족시키지 못했습니다. 그리고 이미 19세기 전반에 프랑스 바이올린 제작자 Jean-Baptiste Vuillaume(1798-1875)은 비정상적으로 강하고 완전한 음색을 가진 새로운 유형의 비올라를 만들었습니다. 그는 그 악기에 콘트랄토라는 이름을 붙였지만 정당한 인정을 받지 못한 채 자신의 악기를 박물관으로 옮겼습니다. 그러한 실패는 진정한 비올라의 열렬한 옹호자들을 크게 화나게하지 않았습니다. 더 운이 좋은 사람은 독일인 Harman Ritter(1849-1926)로, 비올라의 정확한 치수를 복원하고 비올라 알타("알토 비올라")라는 이름을 붙였습니다. 이 악기는 William이 만든 콘트랄토처럼 풍부하고 육즙이 넘치며 배음이 없는 소리를 냅니다. 이런 종류의 비올라가 일반적으로 사용되었으며, 이 변형의 특징은 이 악기를 연주하는 학생이 충분히 크고 강한 손을 가지고 비올라에 전념해야 한다는 것입니다. 손이 닿지 않는 어떤 이유로 그를 위해 밖으로.

Paganini, Sivori, Vieuxtan (1820-1881) 및 Alar (1815-1888)와 같은 위대한 바이올리니스트들은 4 중주에서 비올라 부분을 연주하는 것을 매우 좋아했으며 전혀 부끄럽지 않은 것으로 알려져 있습니다. 또한 Vieuxtan은 Paolo Magini (1581-1628)의 멋진 비올라의 소유자였으며 그의 콘서트에서 자주 연주했습니다. 연대기 중 하나는 바이올리니스트 Alesandro Rolla (1757-1841) 인 Paganini의 옛 교사가 뛰어난 기술로 비올라를 소유했으며 이는 항상 그의 청취자를 기쁘게했다고 말합니다. 오케스트라에서 비올라는 한 번 이상 침해를 계속 받았지만 오랫동안 합당한 자리를 차지했습니다. "오케스트라의 탄생" 당시 비올라가 매우 겸손한 임무를 수행하고 다소 보이지 않았다면 바흐와 헨델의 다성 음악에서 비올라는 제 2 바이올린과 동등한 권리를 가지며 그와 동등한 임무를 수행했습니다. 18세기 중반에 "나폴리 학교" 작곡가들의 영향으로 오케스트라에서 비올라의 중요성이 점차 떨어지고 주로 두 번째 바이올린이 연주하는 중간 성부의 지원으로 전환됩니다. 이러한 상황에서 비올라는 종종 작동하지 않으며 작곡가는 점점 더 자주 저음을 증폭하도록 맡깁니다. 한때 저자는 viola col basso라는 단어로 비올라의 실제 의무를 표시하는 데 어려움을 겪었고 다른 경우에는 비올라의 행동이 이미 스스로 암시한다고 믿고 "관습"에 의존했습니다. 이 마지막 경우에서 비올라는 항상 첼로를 두 배로 만들었고 낮은 목소리는 한 번에 세 옥타브 소리를 냈습니다. 비올라 연주의 이러한 사례는 Gluck뿐만 아니라 Haydn과 Mozart에서도 찾을 수 있습니다. Glinka 및 Tchaikovsky와 같은 일부 러시아 작곡가에서는 옥타브 단위로 설정된 가장 낮은 하모니 보이스로 더블베이스와 함께 비올라를 주도하는 예를 찾을 수 있습니다. 그러나이 비올라의 사용은 책임있는 솔로를 위해 첼로를 분리하려는 욕구에서 비롯된 것이지 잠시 동안 비어있을 수있는 비올라를 "고착"하려는 욕구가 아닙니다. 이 경우 알토는 낮은 성부의 의무를 명예롭게 수행했지만 더블베이스와의 큰 소리 차이로 인해 대부분의 경우 몇 마디만으로 만족했습니다.

우리가 비올라 독주 파트를 만나는 최초의 작품 중 하나는 1779년에 쓰여졌다." 심포니 콘서트» 작곡가가 비올라와 바이올린을 동등한 파트너로 간주한 모차르트. 베토벤을 시작으로 비올라는 관현악단에서 실제로 권리가 차지했어야 할 중요성을 획득했습니다. 그 이후로 알토 파트는 종종 두 개의 성부로 분리되어 진정한 다성음을 사용할 수 있게 되었습니다. 비올라에 대한 이러한 해석의 첫 번째 사례는 모차르트의 솔 마이너 교향곡의 맨 처음에서, 두 번째 사례는 베토벤 교향곡 9번 피날레의 "Adagio ma non troppo"에서 쉽게 만날 수 있습니다. 가장 책임감 있는 목소리를 비올라 독주에게 맡기고 싶다면, 다른 모든 비올라를 바이올린에 반주로 부착해야 하는 자연스러운 필요성이 생겼습니다. Weber의 Magic Shooter 3막의 "The Song of Ankhen"에서 그러한 경우가 발생합니다. 그러나 현대 오케스트라에서 이미 언급한 것을 제외하고 리하르트 바그너 이전의 비올라는 여전히 다소 낮은 발전 단계에 있었습니다. 처음으로 그는 매우 복잡한 파티에 비올라를 할당했으며, 그러한 사례 중 하나는 오페라 탄호이저에 대한 그의 "서곡"에서 발생합니다. "비너스의 동굴".

그 이후로 오케스트라에서 비올라 파트의 복잡성과 충만감은 지속적으로 증가했으며 이제 비올라의 "기술"은 오케스트라의 다른 모든 악기와 동일한 수준입니다. Alts는 종종 놀라운 침투력으로 수행하는 상당히 책임있는 솔로 파트를 맡기기 시작했습니다. 때로는 비올라 부분이 하나의 악기로 연주되고 나머지 비올라가 함께 연주됩니다. 때때로 전체 비올라 공동체는 그들에게 맡겨진 멜로디 패턴을 연주하고 나서 놀라울 정도로 아름다운 소리를 냅니다. 때때로 마지막으로 알토는 많은 목소리로 시작되는 "중간 목소리"의 지휘를 맡습니다. 비올라의 부드러움과 성실함은 종종 음소거를 사용하여 향상되는데, 이는 악기의 울림을 약간 억제함으로써 많은 매력과 진정한 매력을 부여합니다.

비올라는 특히 현악 오케스트라에서 가장 가까운 이웃과 잘 결합됩니다. 때때로 비올라가 첼로에 합류하고 그러한 조합의 음파가 놀라운 표현력을 얻습니다. 차이코프스키가 이 악기들의 조합을 다성곡 연주에 의뢰했을 때 두 번 사용한 것이 바로 이 기법이었습니다. 교회 찬송가 1812년 서곡의 맨 처음 부분과 반대로 다섯 번째 장면의 시작 부분에서 수녀들의 장례식 노래 스페이드의 여왕, 겨울 날씨의 소리를 통해 Herman은 장례 행렬을 상상합니다. 그러나이 작곡가는 완고한 끈기로 참을 수없는 같은 오페라의 네 번째 그림의 첫 페이지의 단조로운 패턴을 비올라에 맡길 때 절대적으로 놀랍고 억압 적이며 지루하고 오싹한 비올라의 울림을 얻습니다. 신비한 공포는 차이코프스키가 The Countess 's Room의 음악을 맡기는 음소거로 분리 된 현의 울림으로 가득 차 있습니다.

그러나 이러한 "우울한"작업이 항상 비올라의 몫에 해당하는 것은 아닙니다. 대조적으로, 알토는 의무를 수행할 때 매우 투명하게 들립니다. 낮은 목소리조용한 첼로와 더블베이스의 하모니. 비올라가 전체 메인베이스 라인에 맡겨진 발레 호두 까기 인형의 유쾌한 "소개"에 놀라운 신선함이 스며 들었습니다.

현대 오케스트라에서 비올라의 역할은 이미 끝이 없다. 그는 훨씬 더 복잡한 작업을 맡은 실내악에서 다소 다르게 들립니다. 다음을 제외한 "챔버 앙상블" 악기로서 현악 사중주 5 중주, 비올라는 거의 사용되지 않았지만 관통했습니다. 이 모든 작품을 나열할 필요는 없습니다. 비올라에 특별한 관심을 기울인 작곡가들 중에는 모차르트, 베토벤, 슈만과 같은 이름이 있다는 것을 기억하는 것으로 충분합니다. 더 후기 작곡가 Anton Rubinstein(1829-1894), Claude Debussy(1862-1918), A. K. Glazunov, 그리고 비올라를 위한 작품이 큰 명성을 얻은 현대적이고 여전히 살아있는 Sergey Vasilenko와 Vladimir Kryukov(1902-)를 언급하는 것은 공평합니다. Vadim Borisovsky (1900-)에 의해 자주 처형됩니다.

그래서 현대의 비올라는 크기가 커진 바이올린이다. 과거에는 이미 언급한 바와 같이 이러한 비율이 무조건 계산에서 요구하는 만큼 크지 않았습니다. 오래된 비올라는 "공명 상자"의 부풀어 오른 부분과 크기의 부정확성 덕분에 특유의 비음과 흐릿한 소리로 구별되었습니다. 반대로 "볼륨 권리"로 복원 된 현대 비올라는 충만하고 장엄하며 육즙이 많고 밝고 결코 "비강"으로 들리지 않습니다. 이 경우 그는 "소형" 비올라의 특징인 다소 거칠고 흐릿한 소리의 모든 특징을 잃었을 뿐만 아니라 작은 손을 가진 어떤 연주자도 그것을 사용할 수 없을 것입니다. 오래된 "축소된" 비올라는 과거의 것이 되고, 복원된 "보통" 비올라는 현대의 교향악단에서 더 확고한 자리를 차지하기 위해 고집스럽게 노력하고 있습니다. 그러나 Justice는 이 "다시 태어난" 비올라도 여러 크기로 존재한다고 말해야 합니다. "이상적인" 비올라의 음질 특성 면에서 서로 매우 비슷하지만 극단적인 값에서만 상당히 다릅니다. 연주자들이 자신의 데이터에 가장 잘 맞는 다양한 비올라를 오케스트라에서 사용할 수 있게 해주는 것은 성공적인 것 이상으로 "크기 차이"의 속성입니다. 따라서 바이올린과 마찬가지로 비올라는 4개의 현이 5도에 조율되어 있고 바이올린보다 5도 아래에서 소리가 납니다. 비올라의 세 개의 높은 현은 바이올린의 세 개의 낮은 현과 정확히 일치하고 바이올린의 극단 현에 할당된 이름은 비올라에 정확히 보존됩니다. 비올라에 대한 음표는 세 번째 줄의 알토 또는 Do 키에 기록되며, 다른 경우에는 맨 위에 추가 줄이 너무 많이 생기는 것을 방지하기 위해 솔 키에 기록됩니다.

오케스트라에서 비올라의 스트링 튜닝은 매우 드물게 사용되며 Do 스트링이 큰 옥타브의 Si로 튜닝될 때 "바스크"와 관련해서만 사용됩니다.

얼마 전까지만 해도 비올라의 현대 음량은 3옥타브로 결정되었습니다. 이제는 어느 정도 확장되었으며, 고조파를 제외하고 세 번째 옥타브 파까지 올릴 수 있습니다. 이 소리는 추출하기 어렵지만 상당히 만족스러운 소리입니다. 오케스트라에서 이 단계는 이제 더 끈질기고 더 자주 나타납니다. 심포니 오케스트라에서 비올라 볼륨의 이러한 "극단적 단계"는 거의 사용되지 않습니다. 그들의 서비스는 일반적으로 저자가 비올라의 음향을 최고로 유지하기를 원하거나 그러한 조치에 의지해야 할 때 사용됩니다.

바이올린과 비슷한 장치가 있습니다. 그러나 약간 더 크기 때문에 소리의 음역이 더 낮습니다. 비올라 현은 특별한 방식으로 조율됩니다. 그들은 바이올린보다 5분의 1 낮고 첼로보다 한 옥타브 높습니다. 비올라에 대한 음표는 고음 및 비올라 음자리표로 작성됩니다.

발생 이력

비올라 악기는 기존 활 악기 중 가장 오래된 것으로 간주됩니다. 그 기원은 15~16세기로 거슬러 올라간다. 이 도구는 처음으로 일반적인 오늘형태. 안토니오 스트라디바리가 디자인했습니다. 손을 위한 비올은 비올라의 조상으로 간주됩니다. 이 악기는 왼쪽 어깨에 고정되었습니다. 가장 가까운 친척 인 비올라 다 감바가 무릎을 꿇었다는 점을 언급해야합니다. 악기의 이탈리아어 이름은 시간이 지남에 따라 비올라로 단축되었습니다. 이런 형태로 보존되었다. 영어. Bratsche는 독일어와 비슷합니다. 비올라 악기는 밀리미터 단위로 측정됩니다. 350~425mm의 표본이 있습니다. 크기 선택은 연주자의 손 길이에 따라 다릅니다. 바이올린 계열 중에서 크기와 소리 면에서 비올라에 가장 근접한 것은 비올라였다. 따라서 그는 다음과 같이 오케스트라에 빠르게 등장했습니다. 중간 목소리, 그는 매우 조화롭게 교향곡에 합류했습니다. 따라서 비올라는 사라져가는 비올라와 당시 등장하던 바이올린의 가교 역할을 했다.

게임 기술

비올라 - 바이올린에 내재된 것과는 다른 특수성을 요구하는 악기. 차이점은 소리가 생성되는 방식에 있습니다. 큰 크기와 상당한 손가락 스트레칭이 필요하기 때문에 더 제한적인 연주 기술입니다. 비올라의 음색은 무광택이고 두껍고 바이올린에 비해 덜 밝으며 낮은 음역은 벨벳 같고 높은 음역은 다소 비음입니다. 악기 본체의 치수가 시스템과 일치하지 않습니다. 이것이 특이한 음색을 만드는 것입니다. 길이 46~47센티미터로 악기의 길이는 38~43센티미터로 클래식에 가까운 큰 사이즈의 비올라가 주로 연주된다. 솔로 아티스트. 그들은 소유 강한 팔, 뿐만 아니라 개발된 기술. 독주 악기로서 비올라는 비교적 드물게 사용됩니다. 여기서 요점은 작은 레퍼토리입니다. 그러나 비교적 최근에는 Yuri Kramarov, Kim Kashkashyan과 같은 훌륭한 비올리스트가 많이 등장했습니다.이 악기의 주요 범위는 여전히 현과 심포니 오케스트라. 여기서 솔로 에피소드는 비올라와 미들 보이스 전용입니다. 이 악기는 현악 사중주의 필수 단원입니다. 다른 곳에서 사용할 수 있습니다. 챔버 구성. 예를 들어 피아노 5중주 또는 4중주 또는 현악 삼중주입니다. 전통적으로 그들은 어린 시절부터 비올리스트가 된 것이 아니라 비교적 성숙한 나이에 이 악기로 전환했습니다. 원칙적으로 음악 학교 졸업 후 음악원이나 대학에 입학하는 동안. 대부분의 경우 바이올리니스트는 큰 체격, 넓은 진동 및 큰 손으로 비올라로 전환합니다. 몇몇 위대한 음악가들은 두 개의 악기를 결합했습니다. 예를 들어 David Oistrakh와 Niccolo Paganini가 있습니다.

유명한 음악가

비올라 악기는 Yuri Abramovich Bashmet이 선택했습니다. 그 외 유명한 음악가우리의 영웅을 선호하는 사람은 Vladimir Romanovich Bakaleinikov, Rudolf Borisovich Barshai, Igor Isaakovich Boguslavsky, Vadim Vasilyevich Borisovsky, Fedor Serafimovich Druzhinin, Yuri Markovich Kramarov, Tertis Lionel, Maurice Vieux, Maxim Rysanov, Kim Kashkashyan, Paul Hindemith, Tabea입니다. Zimmerman, Dmitry Vissarionovich Shebalin, William Primrose, Mikhail Benediktovich Kugel.

삽화

W. A. ​​Mozart의 "Concert Symphony", Niccolo Paganini의 "Sonata", B. Bartok, Hindemith, William Walton, E. Denisov, A. Schnittke, G. F. Telemann, A. I. Golovina. clavier와의 조합은 M. I. Glinka, D. D. Shostakovich, Brahms, Schumann, Nikolai Roslavets, A. Khovaness의 작품에서 발견됩니다. Max Reger, Moses Weinberg, Ernst Ksheneck, Sebastian Bach의 작품에서 솔로를들을 수 있습니다 Adolphe Adam의 발레 "Giselle"은 우리 영웅 없이는 할 수 없었습니다. 소리도 난다 교향시리하르트 슈트라우스 "돈키호테". 발레 Leo Delibes "Coppelia"는 그것 없이는하지 않았습니다. Janacek의 오페라 The Makropulos Affair도 기억해야 합니다. Boris Asafiev의 발레 The Fountain of Bakhchisarai에서도 들립니다.

다른 원리

근본적으로 다른 비올라도 있습니다. 이를 althorn이라고 부르는 것이 일반적입니다. 그것은 관하여구리에 대해 악기. 색스혼과에 속합니다. 범위 - A - es 2. 표현력이 떨어지고 둔탁한 사운드로 인해 브라스 밴드에만 사용 범위가 제한됩니다. 일반적으로 중간 목소리가 할당됩니다.