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이상적인 도시의 창조는 무엇입니까? 르네상스 시대 도시의 모습

이상적인 도시의 창조는 다양한 나라와 시대의 과학자와 건축가들을 괴롭혔지만, 그러한 도시를 설계하려는 최초의 시도는 르네상스 시대에 일어났습니다. 과학자들은 파라오와 로마 황제의 궁정에서 일했지만, 그의 작업은 모든 것이 계층 구조에 명확하게 복종할 뿐만 아니라 통치자 모두에게 살기 편한 일종의 이상적인 정착지를 만드는 것을 목표로 했습니다. 그리고 단순한 장인. 적어도 Akhetaten, Mohenjodaro 또는 Stasicrates가 Alexander the Great에게 제안한 환상적인 프로젝트를 기억하십시오. 이에 따라 그는 그의 팔에 도시가 있는 아토스 산의 사령관 동상을 조각하겠다고 제안했습니다. 유일한 문제는 이러한 정착지가 종이에 남아 있거나 파괴되었다는 것입니다. 이상적인 도시를 디자인한다는 생각은 건축가뿐만 아니라 많은 예술가들에게도 떠올랐다. Piero della Francesca, Giorgio Vasari, Luciano Laurana 및 기타 많은 사람들이 이에 참여했다는 언급이 있습니다.

피에로 델라 프란체스코는 주로 예술에 관한 논문의 저자로 동시대 사람들에게 알려졌습니다. 그 중 "주판에 관한 논문", "회화의 관점", "다섯 개의 정규 기관"이라는 세 가지만이 우리에게 전해졌습니다. 모든 것이 수학적 계산의 대상이 되고 명확한 대칭 구조를 약속하는 이상적인 도시를 만드는 문제를 처음 제기한 사람은 바로 그 사람이었습니다. 이러한 이유로 많은 학자들은 피에로의 이미지를 "이상적인 도시의 풍경"으로 여겼는데, 이는 르네상스의 원칙에 완벽하게 들어맞습니다.

Leon Battista Alberti는 이러한 대규모 프로젝트의 구현에 가장 근접했습니다. 사실, 그는 자신의 아이디어를 완전히 실현하지는 못했지만 많은 그림과 메모를 남겼으며 그에 따라 Leon이 달성하지 못한 것을 다른 예술가가 미래에 달성할 수 있었습니다. 특히 Bernardo Rosselino는 그의 많은 프로젝트의 집행자로 활동했습니다. 그러나 레온은 글을 쓰는 것뿐만 아니라 자신이 지은 많은 건물의 예를 통해서도 자신의 원칙을 구현했습니다. 기본적으로 이들은 귀족 가족을 위해 설계된 수많은 궁전입니다. 건축가는 자신의 논문 On Architecture에서 이상적인 도시에 대한 자신의 예를 공개합니다. 과학자는 생애가 끝날 때까지 이 작품을 썼습니다. 이 책은 사후에 출판되었으며, 건축의 문제를 폭로한 최초의 인쇄본이 되었습니다. Leon에 따르면 이상적인 도시는 사람의 모든 요구를 반영하고 모든 인간적 요구에 응답해야 했습니다. 그리고 이것은 우연이 아닙니다. 철학적 사고르네상스 시대에는 인간중심적 인본주의가 있었습니다. 도시는 계층적 원칙이나 고용 유형에 따라 구역으로 나누어져야 합니다. 중앙의 메인 광장에는 도시 권력이 집중되는 건물과 주요 대성당, 귀족 가문과 도시 관리자의 집이 있습니다. 외곽에는 상인과 장인의 집이 더 가까웠고 가난한 사람들은 바로 국경에 살았습니다. 건축가에 따르면 이러한 건물 배치는 부자의 집과 가난한 시민의 집이 분리되기 때문에 다양한 사회 불안의 출현에 장애물이었습니다. 또 다른 중요한 계획 원칙은 통치자와 성직자 모두가 이 도시에서 편안하게 살 수 있도록 모든 범주의 시민의 요구를 충족해야 한다는 것입니다. 학교와 도서관부터 시장과 온천탕에 이르기까지 모든 건물을 포함할 예정이었습니다. 그러한 건물에 대한 대중의 접근성 또한 중요합니다. 이상적인 도시의 윤리적, 사회적 원칙을 모두 무시하더라도 외부적이고 예술적 가치는 남습니다. 배치는 규칙적이어야 했으며, 그에 따라 도시는 직선 도로를 통해 명확한 구역으로 나누어졌습니다. 일반적으로 모든 건축 구조는 종속되어야 합니다. 기하학적 모양그리고 선을 따라 그렸습니다. 정사각형은 원형이거나 직사각형이었습니다. 이러한 원칙에 따라 로마, 제노바, 나폴리와 같은 오래된 도시에서는 오래된 중세 거리를 부분적으로 철거하고 새로운 넓은 구역을 건설했습니다.

일부 논문에서는 사람들의 여가에 대해 비슷한 언급이 발견되었습니다. 주로 소년들에 관한 것입니다. 도시에서는 청소년들이 노는 것을 방해 없이 관찰할 수 있는 성인의 지속적인 감독하에 놀이터와 교차로를 건설하는 것이 제안되었습니다. 이러한 예방조치는 젊은이들의 신중함을 교육하는 것을 목표로 했습니다.

르네상스 문화는 여러 면에서 이상적인 도시의 구조에 대한 더 깊은 성찰을 위한 자료를 제공했습니다. 특히 인본주의자들에게는 더욱 그랬다. 그들의 세계관에 따르면 모든 것은 사람의 편안한 존재를 위해 창조되어야합니다. 이 모든 조건이 충족되면 사람은 사회적 평화와 영적 행복을 얻게 됩니다. 그러므로 그러한
사회는 선험적으로 전쟁이나 폭동을 가질 수 없습니다. 인류는 존재 내내 그러한 결과를 향해 나아가 왔습니다. 적어도 Thomas More의 유명한 "Utopia"나 George Orwell의 "1984"를 기억해보십시오. 이런 종류의 작품은 기능적 특징뿐만 아니라 이 지역에 살았던 공동체의 관계, 질서, 구조에 대한 생각에도 영향을 미쳤습니다. 소재지, 반드시 도시는 아니지만 어쩌면 세계일 수도 있습니다. 그러나 이러한 기초는 15세기에 확립되었으므로 르네상스 시대의 과학자들은 당시의 포괄적인 교육을 받은 사람들이었다고 안전하게 말할 수 있습니다.

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연방 철도 운송청

시베리아 사람 주립대학교의사소통 수단

"철학"학과

르네상스의 예술적 이미지

수필

"문화학" 분야에서

헤드 디자인

교수 학생 gr. D-111

Bystrova A.N. ___________ Kamyshova E.V.

(서명) (서명)

08.12.2012

(검사일) (검사 제출일)

2012년

소개

르네상스는 유럽 문화 발전 역사상 가장 밝은시기 중 하나로 간주됩니다. 부흥은 전체라고 말할 수 있습니다 문화시대중세에서 새로운 시대로 전환하는 과정에서 문화적 격변(전환점, 전환)이 일어났습니다. 근본적인 변화는 신화의 근절과 관련이 있습니다.

르네상스 (fr. Renaissance, "Renaissance")라는 용어의 유래에도 불구하고 고대의 부흥은 없었고 그럴 수도 없었습니다. 인간은 과거로 돌아갈 수 없다. 르네상스는 고대의 교훈을 활용하여 혁신을 도입했습니다. 그는 모든 고대 장르를 되살린 것이 아니라 그의 시대와 문화의 열망의 특징인 장르만을 되살렸습니다. 르네상스는 고대에 대한 새로운 해석과 기독교에 대한 새로운 해석을 결합했습니다.

선택한 주제의 관련성은 현대 시대와 르네상스 사이의 연결에 기인합니다. 이것은 무엇보다도 가치 체계, 존재하는 모든 것에 대한 평가 및 이와 관련하여 혁명입니다.

작품의 주요 목적은 고려중인 시대의 가장 위대한 인물들의 세계관에서 일어난 근본적인 변화를 보여주는 것입니다.

1. 르네상스 문화

XIII-XVI 수세기는 경제, 정치, 문화에 있어서 큰 변화의 시기였습니다. 도시의 급속한 성장과 공예의 발전, 그리고 이후 제조업 생산으로의 전환은 중세 유럽의 모습을 변화시켰습니다.

도시가 전면에 나타났습니다. 얼마 지나지 않아 중세 세계의 가장 강력한 세력인 제국과 교황권은 심각한 위기에 빠졌습니다. 안에 XVI 세기, 독일 국가의 쇠퇴하는 신성 로마 제국은 처음 두 번의 반봉건 혁명, 즉 독일의 대농민 전쟁과 네덜란드 봉기의 현장이 되었습니다.

시대의 과도기적 성격, 삶의 모든 영역에서 일어나는 중세 경로로부터의 해방 과정, 동시에 자본주의 관계의 아직 저개발 상태는 특징에 영향을 미칠 수밖에 없습니다. 예술 문화그리고 당시의 미학적 사고.

A. V. Stepanov에 따르면 사회 생활의 모든 변화에는 자연 과학과 정확한 과학의 번영, 자국어 문학, 시각 예술. 이탈리아 도시에서 시작된 이 갱신은 이후 다른 유럽 국가를 사로잡았습니다. 저자는 인쇄술의 출현 이후 문학과 문학의 보급을 위한 전례 없는 기회가 열렸다고 믿습니다. 과학 작품, 그리고 국가 간의 보다 정기적이고 긴밀한 의사소통은 새로운 예술 경향의 침투에 기여했습니다.

이것은 중세 시대가 새로운 추세 이전에 물러났다는 것을 의미하지 않았습니다. 전통적인 아이디어가 대중 의식 속에 보존되었습니다. 교회는 중세의 수단인 종교 재판을 사용하여 새로운 사상에 저항했습니다. 인간의 자유에 대한 생각은 계급으로 나누어진 사회에서도 계속 존재했습니다. 농민의 봉건적 의존 형태는 완전히 사라지지 않았으며 일부 국가 (독일, 중부 유럽)에서는 농노제로 복귀했습니다. 봉건제도는 상당한 활력을 보여주었다. 각 유럽 국가는 자신의 방식으로, 자신의 방식으로 생활했습니다. 연대순 틀. 자본주의 오랫동안도시와 시골 모두에서 생산의 일부만을 다루는 삶의 방식으로 존재했습니다. 그러나 가부장적 중세의 느림은 과거로 사라지기 시작했습니다.

이러한 획기적인 발전에는 위대한 지리적 발견이 큰 역할을 했습니다. 예를 들어 1492년. H. 콜럼버스는 인도로 가는 길을 찾아 대서양을 건너 바하마 근처에 상륙하여 신대륙인 아메리카를 발견했습니다. 1498년 아프리카를 일주한 스페인 여행자 바스코 다 가마(Vasco da Gama)는 그의 배를 인도 해안으로 성공적으로 가져왔습니다. 와 함께 XVI V. 유럽인들은 이전에는 가장 모호한 생각만 가지고 있던 중국과 일본으로 침투하고 있습니다. 1510년부터 아메리카 정복이 시작된다. 안에 XVII V. 호주가 발견되었습니다. 지구의 모양에 대한 생각이 바뀌었습니다. 세계 여행 F. Magellan은 공 모양이라는 추측을 확인했습니다.

지상의 모든 것에 대한 경멸은 이제 현실 세계, 인간, 자연의 아름다움과 위대함에 대한 의식에 대한 열렬한 관심으로 대체되었으며, 이는 르네상스의 문화적 기념물을 분석함으로써 입증될 수 있습니다. 중세 시대에는 논쟁의 여지가 없었던 과학에 대한 신학의 우월성은 진리의 가장 높은 척도가 되는 인간 정신의 무한한 가능성에 대한 믿음으로 인해 흔들립니다. 신이 아닌 인간에 대한 관심을 강조하면서 새로운 세속 지식인의 대표자들은 스스로를 인본주의자라고 불렀으며, 이 단어는 "스튜디아 휴마니타니스 ”, 이는 인간 본성과 그의 영적 세계와 관련된 모든 것에 대한 연구를 의미합니다.

르네상스의 작품과 예술에 있어서 무한한 자유를 지닌 존재라는 사상은 창의적인 가능성. 이는 르네상스 미학의 인간중심주의와 아름답고, 숭고하고, 영웅적인 것에 대한 이해와 관련이 있습니다. 아름다운 예술적이고 창의적인 인간 성격의 원리는 르네상스 이론가들에 의해 모든 종류의 비율, 대칭 및 원근감을 수학적으로 계산하려는 시도와 결합되었습니다.

미적이며 예술적 사고이 시대의 감각은 처음으로 인간의 인식과 감각에 의존합니다. 실제 그림평화. 여기서는 종교적, 도덕적 해석에 관계없이 삶의 감각에 대한 주관주의-개인주의적 갈증도 눈에 띕니다. 그러나 후자는 원칙적으로 부정되지 않습니다. 르네상스의 미학은 예술의 초점을 자연의 모방에 두었습니다. 그러나 우선 여기에는 자연이 아니라 그의 창작 활동에서 신에 비유되는 예술가가 있습니다.

E. Chamberlin은 즐거움을 예술 작품 인식의 가장 중요한 원칙 중 하나로 간주합니다. 왜냐하면 이는 이전 미학 이론의 학문적 "학습"과는 대조적으로 중요한 민주적 추세를 나타내기 때문입니다.

르네상스의 미학적 사상은 중세의 신적 인격에 반대되는 인간 개인의 절대화 사상뿐만 아니라, 절대적인 자기 긍정에 기초한 그러한 개인주의의 한계에 대한 인식도 담고 있다. 개인. 그러므로 W. 셰익스피어, M. 세르반테스, 미켈란젤로 등의 작품에서 발견되는 비극의 모티브는 고대 중세의 절대성에서 벗어났으나 역사적 상황으로 인해 아직 새로운 것을 발견하지 못한 문화의 모순적 성격이다. 믿을 수 있는 기초.

예술과 과학의 연결은 다음 중 하나입니다. 특징문화. 예술가들은 과학에 대한 지원을 구했고 종종 과학의 발전을 자극했습니다. 르네상스는 예술가 과학자의 출현으로 표시되며 그중 1위는 Leonardo da Vinci에 속합니다.

따라서 르네상스의 임무 중 하나는 인간이 신성한 아름다움으로 가득 찬 세계를 이해하는 것입니다. 세상은 사람을 끌어당깁니다. 왜냐하면 그가 하나님에 의해 영화되었기 때문입니다. 그러나 르네상스 시대에는 사람이 자신의 존재의 비극을 느끼는 또 다른 경향이있었습니다.

2. 거장의 작품에 나타난 세계와 인간의 모습르네상스

"르네상스"(프랑스 용어 "르네상스"의 번역)라는 용어는 새로운 문화와 고대의 연결을 나타냅니다. 그 시대에 동양, 특히 비잔티움과의 친분의 결과 십자군유럽인들은 고대 인본주의 사본, 고대 미술 및 건축물의 다양한 기념물에 대해 알게되었습니다. 이 모든 고대 유물은 부분적으로 이탈리아로 운송되어 수집되고 연구되었습니다. 그러나 이탈리아 자체에도 고대 로마 기념물이 많이 있었으며 이탈리아 도시 지식인 대표자들이 신중하게 연구하기 시작했습니다. 이탈리아 사회에서는 고전 고대 언어, 고대 철학, 역사 및 문학에 대한 깊은 관심이 생겼습니다. 피렌체 시는 이 운동에서 특히 중요한 역할을 했습니다. 피렌체에서는 새로운 문화의 뛰어난 인물들이 많이 배출되었습니다.

경제적 의미에서 한때 가장 활발하게 창조되었던 고대 이데올로기를 사용하여 고대 도시인 새로운 부르주아지는 그것을 자신의 방식으로 처리하여 이전에 만연했던 봉건주의 세계관과는 완전히 반대되는 새로운 세계관을 공식화했습니다. 새로운 이탈리아 문화의 두 번째 이름인 인본주의가 이를 증명합니다.

인본주의 문화는 중세 이데올로기의 경우처럼 신성하고 초자연적인 것이 아니라 인간 자신(인간-인간)을 관심의 중심에 두었습니다. 금욕주의는 더 이상 인본주의적 세계관에서 자리를 잡지 못했습니다. 인간의 몸, 그 열정과 필요는 억압하거나 고문해야 하는 "죄악"으로 간주되지 않고 그 자체로 목적으로, 삶에서 가장 중요한 것으로 간주되었습니다. 지상의 존재는 유일한 실제 존재로 인식되었습니다. 자연과 인간에 대한 지식은 과학의 본질로 선언되었습니다. 중세 학자와 신비주의자의 세계관을 지배했던 비관적 동기와는 달리, 르네상스 사람들의 세계관과 분위기에는 낙관적 동기가 우세했습니다. 그들은 인간, 인류의 미래, 인간 이성과 깨달음의 승리에 대한 믿음이 특징이었습니다. 모든 종류의 저명한 시인과 작가, 학자, 예술가들이 이 위대한 새로운 지적 운동에 참여했습니다. 이탈리아의 영광은 Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Raphael, Titian과 같은 훌륭한 예술가들이 가져 왔습니다.

르네상스의 의심할 여지 없는 성취는 기하학적으로 정확한 그림의 구성이었습니다. 작가는 자신이 개발한 기술을 사용하여 이미지를 구축했습니다. 당시 화가들에게 있어서 가장 중요한 것은 사물의 비율을 관찰하는 것이었습니다. 자연조차도 수학적 속임수에 빠졌습니다.

즉, 르네상스 시대의 예술가들은 자연을 배경으로 한 사람의 정확한 이미지를 전달하려고 노력했습니다. 어떤 종류의 캔버스에 보이는 이미지를 재현하는 현대적인 방법과 비교하면 후속 조정이 적용된 사진은 르네상스 예술가들이 무엇을 위해 노력했는지 이해하는 데 도움이 될 것입니다.

르네상스 화가들은 자연의 결점을 바로잡을 권리가 있다고 믿었습니다. 즉, 사람의 얼굴 특징이 추악한 경우 예술가는 얼굴이 달콤하고 매력적이도록 수정했습니다.

묘사 성경 이야기, 르네상스 예술가들은 동시에 사용하면 사람의 지상 표현을 더 명확하게 묘사 할 수 있음을 분명히하려고 노력했습니다. 성경 이야기. 당시 예술가들의 작품에 대해 알기 시작하면 타락, 유혹, 지옥 또는 천국이 무엇인지 이해할 수 있습니다. 마돈나의 동일한 이미지는 우리에게 여성의 아름다움을 전달하고 지상의 인간 사랑에 대한 이해도 전달합니다.

따라서 르네상스 예술에서 세계와 인간에 대한 과학적, 예술적 이해의 길은 밀접하게 얽혀 있습니다. 그인지 적 의미는 숭고한 시적 아름다움과 불가분의 관계가 있었고 자연 스러움을 추구하면서 사소한 일상 생활로 내려 가지 않았습니다. 예술은 보편적인 영적 필요가 되었습니다.

결론

따라서 르네상스 또는 르네상스는 예술과 과학의 엄청난 상승으로 표시되는 인류 삶의 시대입니다. 르네상스는 인간을 삶의 최고의 가치로 선포했습니다.

예술에서 메인 테마무한한 정신적, 창조적 가능성을 가진 사람이 되었습니다.르네상스 예술은 뉴 에이지 유럽 문화의 토대를 마련했으며 모든 주요 예술 유형을 근본적으로 변화시켰습니다.

건축에서는 새로운 유형의 공공 건물이 개발되었습니다.그림은 선형과 공중 관점인체의 해부학과 비율에 대한 지식.지상의 콘텐츠는 예술 작품의 전통적인 종교적 주제에 침투했습니다. 고대 신화, 역사, 일상 장면, 풍경, 초상화에 대한 관심이 높아졌습니다. 그림이 있었다, 그림이 있었다 유성 페인트. 예술가의 창의적인 개성이 예술에서 1위를 차지했습니다.

르네상스 예술에서 세계와 인간에 대한 과학적, 예술적 이해의 길은 밀접하게 얽혀있었습니다.예술은 보편적인 영적 필요가 되었습니다.

의심할 여지없이 르네상스는 인류 역사상 가장 아름다운 시대 중 하나입니다.

서지

쿠스토디에바 T.K. XIII-XVI 세기 르네상스의 이탈리아 예술 (에세이 가이드) / Т.К. KUSTODIEVA, 미술, 1985. 318 P.
르네상스 문화 속의 사랑과 아름다움의 이미지 / L.M. BRAGINA, M., 2008. 309 P.
스테파노프 A.V. 르네상스의 예술. 이탈리아 XIV-XV 세기 / A.V. STEPANOV, M., 2007. 610P.
스테파노프 A.V. 르네상스의 예술. 네덜란드, 독일, 프랑스, 스페인, 영국 / A.V. 스테파노프, AZBUKA-CLASSICS, 2009. 640 P.
CHAMBERLIN E. 르네상스 시대. 생활, 종교, 문화 / E. CHAMBERLIN, CENTERPOLYGRAPH, 2006. 240 P.

소개

새로운 세계관, 새로운 것으로의 부흥 예술 스타일 14세기 말 이탈리아에서 시작됐다. 최초의 도시 계획 아이디어는 도시를 미리 정해진 계획에 따른 건축적 통일체로 표현했습니다. 이러한 사상의 영향으로 이탈리아 도시에는 좁고 구불구불한 중세의 골목 대신 큰 건물이 세워진 직선적이고 넓은 거리가 나타나기 시작했습니다.

르네상스 시대의 광장 배치와 건축 양식은 15~16세기에 구체화되었습니다. 로마와 다른 주요 이탈리아 도시에서.

이 기간 동안 도시 계획의 새로운 원칙을 사용하여 여러 도시가 이곳에서 재건되었습니다. 대부분의 경우 그러한 도시의 궁전은 중앙 광장에 위치했으며 때로는 3빔 구성의 시작을 나타냅니다.

르네상스 도시는 사회 변화의 영향으로 점차 새로운 특징을 획득했습니다. 그러나 토지의 사유화와 기술의 낙후로 인해 구도시에서 신도시로의 신속한 이동은 불가능하였다. 르네상스의 모든 기간 동안 도시 계획가의 주요 노력은 도심, 즉 광장과 가장 가까운 구역의 개발에 집중되었습니다. XVIII 세기 군주제 국가의 전성기 동안. 도시 중앙 광장의 앙상블은 주요 장식으로 매우 중요했습니다. 도시 광장은 대부분 기하학적으로 정확한 윤곽을 가지고 있었습니다.

고대 그리스와 로마 광장의 건축물이 기둥과 현관으로 특징 지어졌다면 르네상스 시대의 광장에서는 아케이드가 전체 광장 시스템의 개발과 동시에 발전하는 새로운 요소가되었습니다.

대부분의 중세 도시에는 장식용 녹지가 없었습니다. 과수원은 수도원 정원에서 재배되었습니다. 마을 사람들의 과수원이나 포도원은 도시 요새 뒤에있었습니다. 18세기 파리에서. 골목, 잘린 녹지, 꽃밭 파티가 나타납니다. 그러나 궁전과 성의 공원은 개인 소유였습니다. 대부분의 유럽 도시의 공공 정원은 18세기 말에야 나타납니다.

본질적으로 중세 시대의 수역은 도시 발전에 장애물이었으며 지역을 나누었고 좁은 실제 목적으로 사용되었습니다. 18세기 이후 강은 도시의 연결 요소와 유리한 조건에서 구성 축으로 사용되기 시작했습니다. 생생한 예는 상트페테르부르크의 네바 강과 네브카 강을 현명하게 도시 계획적으로 활용한 것입니다. 교량 건설과 제방 건설은 도시 계획에서 이러한 방향을 통합했습니다.

중세 시대에 도시의 스카이라인은 주로 시청, 교회, 공공 건물의 뾰족한 첨탑으로 정의되었습니다. 도시의 실루엣은 많은 작은 수직선과 몇 개의 지배적인 수직선으로 정의되었습니다. 도시의 실루엣에 대한 새로운 예술적 이해와 관련하여 높은 중세 지붕이 점차 제거되고 다락방과 난간이 있는 지붕으로 르네상스 건물이 완성되었습니다.

건물의 규모가 증가하고 새로운 유형의 덮개로 인해 도시의 실루엣은 도시 파노라마에서 지배적인 역할을 맡은 매끄러운 윤곽의 돔에 의해 부드러워졌습니다. 그들의 변화는 정원과 공원의 영향을 크게 받았는데, 그 나무들은 주로 건물을 가리고 있었습니다.

르네상스 건축가들은 도시 계획에서 엄격한 표현 수단, 즉 조화로운 비율, 사람을 둘러싼 건축 환경의 척도인 사람의 규모를 사용했습니다.

중세 형태의 종교, 도덕 및 법에 맞서 신흥 이탈리아 부르주아지의 이념적 투쟁은 광범위한 진보적 운동, 즉 인본주의로 이어졌습니다. 인본주의는 시민 생활을 긍정하는 원칙, 즉 인간의 성격을 영적 제약으로부터 해방시키려는 열망, 세계와 인간 자신에 대한 지식에 대한 갈증, 그리고 그 결과 세속적 형태에 대한 갈망에 기반을 두고 있습니다. 공공 생활, 자연의 법칙과 아름다움에 대한 지식, 인간의 전반적으로 조화로운 개선에 대한 열망. 이러한 세계관의 변화는 예술, 문학, 철학, 과학 등 영적 삶의 모든 영역에서 혁명을 가져왔습니다. 그들의 활동에서 인문주의자들은 고대의 이상에 크게 의존했으며 종종 아이디어뿐만 아니라 형태 자체도 되살리고 표현의 수단골동품 작품. 이와 관련하여 XV-XVI 세기 이탈리아의 문화 운동. 르네상스 또는 부활이라고 불리는

인본주의적인 세계관은 개인의 발전을 자극하고 공공 생활에서 그 중요성을 높였습니다. 거장의 개별 스타일은 예술과 건축의 발전에 점점 더 많은 역할을 했습니다. 인본주의 문화는 브루넬레스코, 레오나르도 다빈치, 브라만테, 라파엘로, 미켈란젤로, 팔라디오 등과 같은 뛰어난 건축가, 조각가, 예술가로 구성된 은하계 전체를 제시했습니다.

창출하기 위해 노력하고 있습니다. 완벽한 이미지인간"은 세계의 예술적 발전 방법에 대한 탐구와 결합하여 빠르게 발전하는 과학과 예술의 긴밀한 결합을 기반으로 한 일종의 르네상스 인지적 현실주의로 이어졌습니다. 건축에서는 완전하고 완전한 구성을 기반으로 한 "이상적인" 형태의 건물을 찾는 것이 건축을 정의하는 추세 중 하나가 되었습니다. 새로운 유형의 토목 및 종교 건물의 개발과 함께 건축 사고의 발전이 진행되고 있으며 현대 경험, 특히 역사적, 무엇보다도 고대 경험의 이론적 일반화가 시급히 필요합니다.

이탈리아 르네상스의 세 시기

이탈리아의 르네상스 건축은 초기, 전성기, 후기의 세 가지 주요 기간으로 나뉩니다. 건축 센터 초기 르네상스주요 도시인 피렌체가 있는 토스카나였습니다. 이 시기는 2분기부터 15세기 중반까지이다. 건축 르네상스의 시작은 피렌체 대성당 위에 돔 건설이 시작된 1420 년으로 간주됩니다. 거대한 중심적 형태를 탄생시킨 건축 성과는 일종의 뉴에이지 건축의 상징이 되었다.

1. 초기 르네상스 시대

건축의 초기 르네상스는 무엇보다도 유명한 건축가이자 엔지니어인 Filippo가 만든 건물의 형태가 특징입니다. 브루넬레스코(15세기 전반). 특히 피렌체의 고아원에서는 뾰족한 아치 대신 가벼운 반원형을 사용했다. 고딕 건축의 특징인 늑골 금고는 수정된 상자 금고라는 새로운 디자인으로 바뀌기 시작했습니다. 그러나 아치의 란셋 형태는 16세기 중반까지 계속 사용되었습니다.

브루넬레스코의 뛰어난 건물 중 하나는 피렌체에 있는 산타 마리아 델 피오레 대성당의 거대한 돔으로, 14세기 이후 미완성 상태로 남아 있었습니다.

건축가가 만든 대형 돔 형태에서는 고딕 양식의 란셋아치의 울림이 눈에 띈다. 이 대성당의 돔 폭은 42m로 넓습니다. 벽돌로 만든 돔의 둥근 천장은 철판으로 덮인 통나무의 팔각형 바닥 위에 놓여 있습니다. 언덕 위의 대성당의 성공적인 위치와 높은 높이(115m) 덕분에 상부, 특히 돔은 피렌체의 건축 파노라마에 엄숙함과 독창성을 부여합니다.

토목 건축은 이탈리아 르네상스 건축에서 중요한 위치를 차지했습니다. 여기에는 주로 주택 외에도 의식 리셉션을 위한 대규모 도시 궁전(팔라조)이 포함됩니다. 대리석 클래딩과 조각품의 도움으로 거친 로마네스크 양식과 고딕 양식의 옷을 점차적으로 벗어던 중세 궁전은 쾌활한 모습을 얻었습니다.

르네상스 정면의 특징은 기둥으로 분리된 거대한 아치형 창문 개구부, 돌로 된 1층의 녹슨 부분, 상부 슬래브, 대형 투영 처마 장식 및 세밀하게 추적된 세부 사항입니다. 엄격한 외관과 달리 조명이 잘 된 내부의 건축물은 쾌활한 성격을 가지고 있습니다.

초기 르네상스 궁전의 정면 장식에는 녹슨이 자주 사용되었습니다. 녹방지용 돌은 일반적으로 깔끔하게 잘라진 경계 경로와 함께 가공되지 않은(깨진) 전면을 가지고 있습니다. 층수가 증가함에 따라 녹방지 현상이 감소하였다. 나중에 소박한 장식은 밑창 처리와 건물 모서리에서만 보존되었습니다.

XV 세기에. 이탈리아 건축가들은 종종 코린트 식 순서를 사용했습니다. 종종 한 건물에 여러 주문을 결합하는 경우가 있었습니다. 낮은 층의 경우 Doric 주문, 위쪽 층의 경우 대문자 구성, 비율과 패턴이 이오니아 유형에 가깝습니다.

15세기 중반의 궁전 건축의 예 중 하나입니다. 피렌체에서는 건축가 Michelozzo di Bartolomeo의 프로젝트에 따라 1444-1452년에 피렌체의 통치자인 Cosimo Medici의 명령에 따라 지어진 3층짜리 Medici-Ricardi 궁전이 봉사할 수 있습니다. 메디치 궁전의 외관 계획에 따르면 나중에 다른 도시에 수백 개의 궁전이 지어졌습니다.

궁전 구성의 추가 발전은 궁전입니다 루첼라이 피렌체에서 1446~1451년에 건설됨 레온 바티스타 알베르티(1404~1472)가 디자인했습니다. 고대 로마 콜로세움과 마찬가지로 외관은 낮은 층의 가장 단순한 도리아식 순서에서 위쪽의 더 미묘하고 풍부한 코린트식 순서로 전환되는 순서에 따라 바닥으로 나뉩니다.

Palazzo Medici-Riccardi에서 벽을 소박하게 처리하여 건물을 위쪽으로 밝게 하는 느낌은 위쪽으로 밝아지는 계층형 주문 시스템의 형태로 표현됩니다. 동시에, 큰 크라운 처마 장식은 상위층의 높이가 아니라 건물 전체의 높이와 관련이 있으므로 구성이 완전성과 정적 특성을 획득했습니다. 외관의 개발 과정에서 전통적인 모티프는 여전히 보존됩니다. 중세 형태의 창문에서 나온 이중 아치형 창문, 벽의 녹슨, 구름의 일반적인 기념비 등.

파치 예배당 (1430-1443) - 수도원 안뜰에 위치한 돔형 건물. 정면의 구성에서는 돛이 달린 돔이 지배하는 홀의 볼륨과 함께 질서에 의해 해부된 내부 구조가 표시되었습니다. 축을 따라 아치로 절단되고 잘게 절단된 다락방으로 완성된 열주는 로지아 내부 벽의 카르텔화된 기둥과 아치형 천장의 돌출된 아치 관절과 일치합니다.

주문의 일치와 로지아와 제단의 작은 돔의 반복은 유기적인 연결인테리어가 있는 정면. 내부의 벽은 평면으로 분할되어 있지만 컬러 기둥으로 강조되어 있으며, 아치형 천장의 분할이 계속되어 건축 공간의 논리, 구조 시스템에 대한 아이디어를 제공합니다. 입체적으로 전개되는 순서는 주요 부분의 통일성과 종속성을 강조합니다. 시각적인 "프레임워크"는 또한 내부에서 돔을 해부하는 것을 특징으로 하는데, 이는 고딕 신경 금고의 구조를 다소 연상시킵니다. 그러나 질서 형태의 조화와 구조 구조의 명확성, 균형 및 인간과의 동일성은 중세 시대의 원칙에 대한 새로운 건축 이상이 승리했음을 나타냅니다.

Brunellesco 및 Michelozzo da Bartolomeo와 함께 주로 토스카나 및 북부 이탈리아와 관련된 작업을 한 다른 거장(Rosselino, Benedetto da Maiano 등)도 새로운 건축 개발에 중요한 역할을 했습니다. Palazzo Ruccellai 외에도 여러 개의 대형 구조물(산타 마리아 노벨라 교회의 정면, 만투아의 산탄드레아 교회 등)을 지은 Alberti가 이 기간을 완성합니다.

2. 전성기 르네상스 시대

전성기 르네상스 시대는 15세기 말부터 16세기 전반까지를 가리킨다. 이때까지 주요 무역로가 지중해에서 대서양으로 이동함에 따라 이탈리아는 잘 알려진 경제 쇠퇴와 산업 생산 감소를 경험하고 있었습니다. 종종 부르주아지는 토지를 사서 고리대금업자와 지주로 변했습니다. 부르주아지의 봉건화 과정은 문화의 일반적인 귀족화를 동반하며 무게 중심은 공작, 왕자, 교황과 같은 귀족의 궁정으로 이전됩니다. 로마는 문화의 중심지가 됩니다. 교황은 종종 인문주의적인 귀족 대표자들로부터 선출됩니다. 로마에서는 거대한 건축 공사가 진행 중입니다. 자신의 위신을 높이기 위해 교황청이 착수한 이 사업에서 인본주의 공동체는 고대 로마의 위대함과 함께 이탈리아 전체의 위대함을 되살리는 경험을 보았습니다. 1503년에 왕위에 오른 궁정에서. 교황 율리우스 2세의 인문주의자는 브라만테, 라파엘로, 미켈란젤로, 안토니오 다 상갈로 등 가장 저명한 건축가들의 작품이었습니다.

이 시기의 건축에서는 르네상스의 주요 특징과 경향이 완성되어 표현됩니다. 가장 완벽한 중심 구성이 만들어집니다. 도시 궁전의 유형이 마침내 구체화되고 있으며, 이 기간 동안 개인 건물뿐만 아니라 공공 건물의 특징을 획득하여 특정 지역에서는 많은 후속 공공 건물의 원형이 됩니다. 특성을 극복하다 초기르네상스 대조 (궁전 외관과 안뜰의 건축 적 특성 사이. 고대 기념물에 대한보다 체계적이고 고고학 적으로 정확한 지식의 영향으로 주문 구성이 더욱 엄격 해졌습니다. 이오니아 및 코린트 식 주문과 함께 더 단순하고 기념비적입니다. 주문은 널리 사용됩니다 - Roman Doric과 Tuscan, 기둥에 정교하게 디자인 된 아케이드는 더 기념비적 인 주문 아케이드로 이어집니다. 일반적으로 전성기 르네상스의 구성은 더 큰 의미, 엄격함 및 기념비성을 얻습니다. 일반 도시를 만드는 문제 앙상블은 실제 기반으로 이루어집니다. 컨트리 빌라는 통합 건축 단지로 건설되고 있습니다.

이 시기의 가장 중요한 건축가는 Donato d'Angelo Bramante(1444-1514)였습니다. 브라만테의 작품인 Cancelleria 건물 뛰어난 궁전 건물 중 하나인 로마의 (교황청)은 아케이드로 둘러싸인 직사각형 안뜰이 있는 거대한 평행육면체입니다. 정면의 조화로운 구성은 Palazzo Ruccellai에 규정된 원칙을 발전시키지만 전체적인 리듬 구조는 더욱 복잡하고 엄숙한 이미지를 만들어냅니다. 지하로 처리된 1층은 가벼운 상판으로 대비를 강화했다. 큰 개구부와 이를 프레임하는 판금으로 인해 리드미컬하게 배열된 플라스틱 액센트가 구성에서 매우 중요해졌습니다. 수평 관절의 리듬이 더욱 명확해졌습니다.

브라만테의 종교 건물 중 템피에토(Tempietto)라고 불리는 몬트리오의 산 피에트로 수도원 안뜰에 작은 예배당이 눈에 띕니다. (1502) - 계획상 원형 아케이드로 둘러싸여 있어야 하는 다소 비좁은 안뜰 내부에 위치한 건물입니다.

예배당은 로마 도리아 양식의 열주로 둘러싸인 돔형 원형 홀입니다. 건물은 완벽한 비율로 구별되며 순서는 엄격하고 건설적으로 해석됩니다. 선형-평면 벽 개발이 우세한 초기 르네상스의 중심 건물(파치 예배당)과 비교할 때 템피에토의 볼륨은 플라스틱입니다. 질서 있는 가소성은 구성의 구조적 무결성에 해당합니다. 원형 홀의 모놀리식 코어와 열주, 벽의 매끄러움과 깊은 벽감 및 기둥의 가소성 사이의 대조는 구성의 표현력, 완전한 조화 및 완전성을 강조합니다. 작은 크기에도 불구하고 템피에토는 기념비적인 느낌을 줍니다. 이미 브라만테의 동시대 사람들은 이 건물을 건축의 걸작 중 하나로 인정했습니다.

브라만테는 1505년부터 교황 율리우스 2세 궁정의 수석 건축가로 일했다. 바티칸 재건을 위해 노력합니다. 다양한 층에 위치한 장엄한 의식용 건물과 엄숙한 안뜰이 단일 축에 종속되어 구상되었으며 벨베데레의 장엄한 엑세드라에 의해 폐쇄되었습니다. 본질적으로 최초의 웅장한 디자인 인 르네상스 앙상블이 훌륭하게 사용되었습니다. 작곡 기법고대 로마 포럼. 교황 거주지브라만테 프로젝트도 채택된 건축을 위해 로마의 또 다른 웅장한 건물인 베드로 대성당과 연결될 예정이었습니다. 중심 구성의 완벽 함과 Peter Bramante 대성당 프로젝트의 장대 한 범위는이 작품을 르네상스 건축 발전의 정점으로 간주 할 이유를 제공합니다. 그러나이 프로젝트는 현물로 실현될 운명이 아니 었습니다. 브라만테의 생애 동안 대성당 건설이 시작되었으며 건축가가 사망 한 지 32 년 후인 1546 년부터 미켈란젤로로 이전되었습니다.

위대한 예술가이자 건축가인 라파엘 산티(Raphael Santi)는 바티칸의 유명한 로지아를 건축하고 칠한 브라만테(Bramante)와 함께 성 베드로 대성당 설계 경쟁뿐만 아니라 바티칸 건물의 건축 및 회화에도 참여했습니다. 그의 이름("라파엘의 로지아")뿐만 아니라 로마 내부와 외부 모두에서 다수의 주목할만한 건축물(로마의 빌라 마다마(Villa Madama) 건축과 그림, 피렌체의 판돌피니 궁전 등)도 있습니다.

Bramante의 최고의 학생 중 한 명인 건축가 Antonio da Sangallo Jr.는 로마의 Palazzo Farnese 프로젝트를 소유하고 있습니다. , 어느 정도 르네상스 궁전의 진화를 완료했습니다.

외관 개발에는 전통적인 녹슬림과 수직 관절이 없습니다. 매끄럽고 벽돌로 칠해진 벽 표면에는 전체 정면을 따라 이어지는 넓은 수평 벨트가 명확하게 돋보입니다. 마치 기대어있는 것처럼 골동품 "edicule"형태의 양각 건축가가있는 창문이 있습니다. 1층의 창문은 피렌체 궁전과 달리 위층의 창문과 크기가 동일합니다. 건물은 초기 르네상스 궁전에 여전히 내재되어 있던 요새의 고립에서 해방되었습니다. 안뜰이 기둥 위의 밝은 아치형 회랑으로 둘러싸여 있던 15세기 궁전과 달리 이곳에는 반기둥이 있는 기념비적인 질서 아케이드가 나타납니다. 갤러리의 질서는 다소 무겁고 엄숙함과 대표성의 특징을 갖고 있다. 마당과 거리 사이의 좁은 통로는 열린 '현관'으로 대체되어 앞마당의 전망을 드러낸다.

3. 후기르네상스

르네상스 후기는 일반적으로 16세기 중반과 말을 말한다. 이때 이탈리아에서는 경기 침체가 계속되었습니다. 봉건 귀족과 교회 가톨릭 조직의 역할이 증가했습니다. 종교 개혁과 모든 반종교적 정신의 발현에 맞서 싸우기 위해 종교 재판소가 설립되었습니다. 이러한 상황에서 인본주의자들은 박해를 경험하기 시작했습니다. 종교 재판이 쫓는 그들 중 상당 부분은 이탈리아 북부 도시, 특히 종교 반개혁의 영향력이 그다지 강하지 않은 독립 공화국의 권리를 여전히 유지하고 있는 베니스로 이주했습니다. 이와 관련하여 그동안 후기 르네상스가장 눈에 띄는 것은 로마와 베네치아의 두 학교였습니다. 반개혁의 이념적 압력이 건축 발전에 큰 영향을 미쳤던 로마에서는 전성기 르네상스 원칙의 발전과 함께 고전에서 벗어나 더 복잡한 구성, 더 큰 장식성, 위반을 향한 경향이 있습니다. 형태, 규모 및 구조의 명확성. 베니스에서는 건축에 새로운 경향이 부분적으로 침투했음에도 불구하고 건축 구성의 고전적 기초가 더욱 보존되었습니다.

로마 학파의 저명한 대표자는 위대한 미켈란젤로 부오나로티(1475-1564)였습니다. 그의 건축 작품에서는 이 시대의 특징인 형태에 대한 새로운 이해의 토대가 마련되었으며, 이는 뛰어난 표현력, 역동성 및 조형적 표현력으로 구별됩니다. 로마와 피렌체에서 진행된 그의 작업은 인본주의의 전반적인 위기를 표현할 수 있는 이미지에 대한 탐구와 당시 사회 진보계가 임박한 반동 세력 앞에서 경험했던 내면의 불안을 특히 강력하게 반영했습니다. 뛰어난 조각가이자 화가인 미켈란젤로는 그의 영웅들의 내면의 힘과 해결되지 않은 갈등을 예술로 표현할 수 있는 밝은 플라스틱 수단을 찾을 수 있었습니다. 마음의 평화, 전투에서 엄청난 노력. 건축적 창의성에서 이는 형태의 가소성과 강렬한 역동성을 강조하는 것과 일치합니다. 미켈란젤로의 주문은 종종 구조적 중요성을 잃어 벽을 장식하는 수단으로 바뀌고 규모와 가소성으로 사람을 놀라게하는 확대 된 덩어리를 만듭니다. 르네상스 시대에 익숙했던 건축 원리를 과감히 깨뜨린 미켈란젤로는 어느 정도 창시자였다. 창의적인 방식, 이후 이탈리아 바로크 건축물에서 선택되었습니다. 건축 작업미켈란젤로는 로마에 있는 베드로 대성당의 브라만테 사후 완공을 언급하고 있다. 브라만테의 계획에 가까운 중심 계획을 기초로 삼은 미켈란젤로는 해석에 새로운 특징을 도입했습니다. 그는 계획을 단순화하고 내부 공간을 일반화했으며 지지대와 벽을 더 거대하게 만들고 서쪽에서 엄숙한 열주가 있는 현관을 추가했습니다. 정면. 3차원 구성에서 브라만테 프로젝트의 공간의 차분한 균형과 종속성은 메인 돔과 언더돔 공간의 강조된 지배력으로 해석됩니다. 정면의 구성에서 명확성과 단순성은 더 복잡하고 큰 플라스틱 형태로 대체되었으며 벽은 큰 선반과 기둥으로 분리되었습니다. 강력한 엔타블러처와 높은 다락방을 갖춘 코린트식 질서; 기둥 사이, 창문 개구부, 벽감 및 다양한 장식 요소 (처마 장식, 코벨, 샌드릭, 조각상 등)가 그대로 교각에 압착되어 벽에 거의 조각적인 가소성을 부여합니다.

메디치 예배당의 구성 피렌체의 산 로렌조 교회 (1520), 미켈란젤로가 만든 인테리어와 조각품이 하나의 전체로 합쳐졌습니다. 조각과 건축 형태는 내면의 긴장감과 드라마로 가득 차 있습니다. 그들의 날카로운 감정 표현은 구조적 기반을 압도하며, 질서는 작가의 일반적인 조각 개념의 요소로 해석됩니다.

후기 르네상스의 뛰어난 로마 건축가 중 한 명인 Vignola는 "건축의 다섯 가지 질서의 규칙"이라는 논문의 저자이기도 합니다. 그의 작품 중 가장 중요한 것은 카프라롤라 성과 교황 율리우스 2세의 별장이다. . 르네상스 시대에 빌라 유형은 중요한 발전기능적 내용의 변화와 관련이 있습니다. XV 세기 초에도. 그것은 종종 성벽으로 둘러싸인 시골 사유지였으며 때로는 방어 타워도 있었습니다. XV 세기 말까지. 빌라는 16세기부터 부유한 시민(피렌체 근처의 빌라 메디치)을 위한 시골 휴식처가 되었습니다. 이곳은 종종 대규모 봉건 영주와 고위 성직자들의 거주지가 됩니다. 빌라는 친밀감을 잃고 주변 자연에 개방된 정면 정면 축 구조의 성격을 갖습니다.

교황 율리우스 2세의 별장은 이러한 유형의 예입니다. 외부 윤곽의 엄격한 축 및 직사각형 구성은 산허리 아래 선반으로 내려와 어려운 게임개방형, 반개방형, 폐쇄형 공간에 위치 다양한 레벨. 이 구성은 고대 로마 포럼과 바티칸 궁정의 영향을 받았습니다.

후기 르네상스 베네치아 학파의 뛰어난 거장은 산소비노(Sansovino)였는데, 그는 베네치아에 산 마르코 도서관(1536년 착공)을 건축했는데, 이는 베네치아 센터의 주목할만한 앙상블의 중요한 구성 요소이며, 가장 밝은 대표르네상스의 고전 학교 - 건축가 Palladio.

Andrea Palladio (1508-1580)의 활동은 주로 베니스에서 멀지 않은 비첸차시에서 진행되었으며 그곳에서 그는 궁전 건물과 빌라를 지었고 베니스에서는 주로 교회 건물을지었습니다. 여러 건물에서 그의 작업은 후기 르네상스의 반고전적 경향에 대한 반응이었습니다. 고전 원리의 순수성을 보존하려는 노력의 일환으로 Palladio는 고대 유산을 연구하는 과정에서 얻은 풍부한 경험에 의존합니다. 그는 질서의 형태뿐만 아니라 고대 건물의 전체 요소와 유형까지도 부활시키려고 노력하고 있습니다. 구조적으로 진실한 현관문은 그의 많은 작품의 주요 주제가 됩니다.

빌라 로톤다에서 , 비첸차(Vicenza) 근처에 건설된(1551년에 시작), 주인은 구성의 탁월한 무결성과 조화를 달성했습니다. 언덕에 위치하여 멀리서도 명확하게 보이는 빌라의 4개 정면은 사방에 현관이 있으며 돔과 함께 명확한 중심 구성을 형성합니다.

중앙에는 현관 아래로 출구가 이어지는 둥근 돔형 홀이 있습니다. 넓은 현관 계단이 건물과 건물을 연결합니다. 주변 자연. 중심 구성은 구성의 절대적인 완전성, 형태의 명확성과 기하학적성, 개별 부분과 전체의 조화로운 연결, 건물과 자연의 유기적 융합에 대한 르네상스 건축가의 일반적인 열망을 반영합니다.

그러나 이 "이상적인" 구성 계획은 단일하게 유지되었습니다. 수많은 빌라를 실제로 건설하는 과정에서 Palladio는 메인 볼륨과 단층 주문 갤러리로 구성되어 부동산 서비스와 소통하고 빌라 정면 앞마당을 조직합니다. 나중에 영지 궁전 건설에 수많은 추종자를 갖게 된 것은 바로 이러한 시골집 계획이었습니다.

시골 별장을 자유롭게 개발하는 것과는 대조적으로 Palladio의 도시 궁전은 일반적으로 대규모의 기념비적인 주요 외관을 갖춘 소박하고 간결한 구성을 가지고 있습니다. 건축가는 대규모 주문을 널리 사용하며 이를 일종의 "기둥-벽" 시스템으로 해석합니다. 눈에 띄는 예는 궁전입니다 카피타니오 (1576), 벽은 강력하고 느슨한 엔타블러처를 갖춘 대규모 복합 질서의 기둥으로 처리됩니다. 상부구조(다락바닥) 형태로 확장된 상부층은 건물의 완성도와 기념비성을 부여하였으며,

Palladio는 또한 그의 도시 궁전에서 명령이 있는 2층 정면 분할과 높은 시골풍 지하실에 배치된 명령을 널리 사용했습니다. 이 기술은 Bramante가 처음 사용하고 나중에 고전주의 건축에서 널리 사용되었습니다.

결론

현대 건축은 자신만의 문체적 표현의 형태를 모색할 때 역사적 유산을 활용한다는 사실을 숨기지 않습니다. 그녀는 과거에 가장 큰 문체적 순수성을 달성했던 이론적 개념과 형성 원리를 자주 언급합니다. 때로는 20세기 이전에 살았던 모든 것이 새로운 형태로 돌아와서 빠르게 다시 반복되는 것처럼 보이기도 합니다.

건축에서 사람이 중요하게 생각하는 것의 대부분은 물체의 개별 부분에 대한 세심한 분석이 아니라 종합적이고 통합적인 이미지, 감정적 인식 영역에 호소합니다. 이는 건축이 예술이거나 어떤 경우에도 예술의 요소를 포함한다는 것을 의미합니다.

건축을 예술의 어머니라 부르기도 하는데, 이는 회화와 조각이 오랫동안 건축과 유기적으로 연결되어 발전해 왔다는 뜻이다. 건축가와 예술가는 늘 작품에 있어서 공통점이 많았고, 때로는 한 사람으로서도 잘 어울릴 때도 있었다. 고대 그리스 조각가 Phidias는 파르테논의 창시자 중 한 명으로 간주됩니다. 피렌체의 주요 대성당인 산타 마리아 델 피오레의 우아한 종탑은 위대한 화가 조토의 "그림에 따라" 지어졌습니다. 건축가, 조각가, 화가로서 모두 뛰어난 미켈란젤로. Raphael은 건축 분야에서도 성공적으로 활동했습니다. 그들의 동시대 화가인 조르조 바사리(Giorgio Vasari)는 피렌체에 우피치 거리를 건설했습니다. 예술가와 건축가의 재능의 이러한 종합은 르네상스의 거물들 사이에서 발견되었을 뿐만 아니라 새로운 시대를 열었습니다. 응용 예술가 영국인 William Morris와 벨기에 Van de Velde는 현대 건축 발전에 큰 공헌을했습니다. 코르뷔지에는 재능 있는 화가였고 알렉산더 베스닌은 뛰어난 연극 예술가였습니다. 소련 예술가 K. Malevich와 L. Lissitzky는 건축 양식을 흥미롭게 실험했으며 그들의 동료이자 동시대인 Vladimir Tatlin이 저자가 되었습니다. 전설적인 프로젝트 111 인터내셔널 타워. 소련 궁전의 유명한 프로젝트의 저자인 건축가 B. Iofan은 뛰어난 소련 예술가 Vera Mukhina와 함께 "노동자와 집단 농장 소녀" 조각품의 공동 저자로 정당하게 간주됩니다.

그래픽 표현과 3차원 레이아웃은 건축가가 자신의 결정을 추구하고 방어하는 주요 수단입니다. 열리는 선형 관점르네상스 시대에 건축의 공간 개념에 적극적으로 영향을 미쳤습니다. 결국 선형적 원근법의 이해는 지역, 계단, 건물 등을 하나의 공간 구성으로 연결하게 되었고, 이후 거인의 등장으로 이어졌다. 건축 앙상블바로크적이고 높은 고전주의. 수년 후, 입체파 예술가들의 실험은 건축 형태 창조의 발전에 큰 영향을 미쳤습니다. 그들은 다양한 관점에서 대상을 묘사하고, 여러 이미지를 겹쳐서 3차원 인식을 달성하고, 4차원인 시간을 도입하여 공간 인식의 가능성을 확장하려고 했습니다. 이러한 3차원적 인식은 공간에 자유롭게 위치한 볼륨과 평면의 복잡한 플레이로 정면의 평면 스크린과 반대되는 현대 건축에 대한 형식적 탐색의 출발점이 되었습니다.

조각과 회화는 건축으로부터 즉시 독립하지 못했습니다. 처음에는 건축 구조의 요소에 불과했습니다. 그림이 벽이나 성상화에서 분리되는 데는 100년 이상이 걸렸습니다. 르네상스가 끝날 무렵, 피렌체의 시뇨리아 광장에는 마치 정면과 완전히 부서지는 것을 두려워하는 것처럼 조각품이 여전히 건물 주변에 소심하게 붐비고 있습니다. 미켈란젤로가 먼저다 승마 동상로마 카피톨리누스 광장 중앙에 있다. 때는 1546년이다. 그 이후로 기념물, 기념비 조각품은 도시 공간을 구성하는 구성의 독립적인 요소에 대한 권리를 획득합니다. 사실, 조각 형태는 한동안 건축 구조의 벽에 계속해서 남아 있지만 "이전 사치품"의 마지막 흔적은 점차 사라지고 있습니다.

코르뷔지에는 특유의 확신을 가지고 현대 건축의 이러한 구성을 확인합니다. “나는 조각이나 그림을 장식으로 인식하지 않습니다. 나는 음악과 연극이 당신에게 영향을 미치는 것과 같은 방식으로 둘 다 시청자에게 깊은 감정을 불러일으킬 수 있다는 것을 인정합니다. 그것은 모두 작품의 질에 달려 있지만 나는 확실히 장식에 반대합니다. 반면에 건축 작품, 특히 그것이 세워진 플랫폼을 살펴보면 건물 자체와 그 주변의 특정 장소가 말하자면 핵심이 되는 강렬한 수학적 장소라는 것을 알 수 있습니다. 작업과 환경의 비율에 따라. 이곳은 가장 강도가 높은 장소이며, 수영장, 돌 블록, 동상 등 건축가의 명확한 목적이 실현될 수 있는 곳입니다. 이곳에서는 전달될 연설, 예술가의 연설, 플라스틱 연설에 대한 모든 조건이 결합되어 있다고 말할 수 있습니다.

오늘날의 관련성에도 불구하고 이상적인 도시를 만드는 문제는 먼 르네상스 시대 (XIV-XVI 세기)에 특히 심각했습니다. 이 주제는 인간중심주의 철학의 프리즘을 통해 이 시대 도시 계획 기술의 주요 주제가 되었습니다. 행복, 사랑, 사치, 위안, 편리함을 원하는 사람은 자신의 생각과 아이디어를 가지고 그 시대의 척도가 되고, 바로 이 사람을 대문자로 노래하도록 부름받은 부활한 고대 정신의 상징이 됩니다. 그는 르네상스의 창의적인 사고를 도시 형성 문제에 대한 독특하고 때로는 유토피아적인, 건축학적, 철학적 해결책을 찾는 방향으로 옮깁니다. 후자는 새로운 역할을 시작하며, 사람의 전체 삶이 지나가는 자연과 다른 폐쇄되고 상호 연결된 전체 공간으로 인식됩니다.

이 공간에서는 사람의 신체적, 미학적 요구와 욕구가 충분히 고려되어야 하며, 편안함과 안전과 같은 도시에서의 인간 체류 측면도 충분히 고려되어야 합니다. 새로운 총기무방비 상태의 중세 석조 요새를 만들었습니다. 예를 들어, 이는 도시 주변을 따라 흙으로 된 요새가 있는 벽의 모양을 미리 결정하고 도시 요새의 기괴한 별 모양 선을 결정한 것 같습니다. 생활하기에 가장 편리하고 안전한 도시인 "이상적인 도시"에 대한 일반적인 부흥주의 아이디어가 형성되고 있습니다. 한마디로, 그러한 추세는 현대 건축가에게 낯선 것이 아니지만, 르네상스는 창조자의 마음 속에 새로운 개척지, 새로운 생명의 숨결을 표시하여 미지의 특정 요소를 확립했습니다. 초기의 기준, 표준 및 고정관념은 오늘날 이상적인 도시를 찾는 과정에서 그 결과를 느끼게 됩니다.

이 맥락의 첫 번째 연구는 Julius Caesar 군대의 건축가이자 엔지니어인 Mark Vitruvius(기원전 1세기 후반)에 의해 수행되었습니다. Vitruvius는 그의 논문 Ten Books on Architecture에서 황금 평균의 문제를 제기했습니다. 이론과 실제 사이에서 그는 미학의 기본 개념, 건물과 사람의 비례성을 설명했으며 역사상 처음으로 건물의 음악 음향 문제를 조사했습니다.

Vitruvius 자신은 이상적인 도시의 이미지를 남기지 않았지만 이것은 종종 언급되는 것처럼 르네상스 자체가 시작된 많은 연구자들과 그의 아이디어의 후계자들에 의해 수행되었습니다.

그러나 이상적인 도시에 대한 논쟁, 그 개념은 고대 그리스 철학자들의 논문에서 비롯되었습니다. 따라서 잠시 동안 우리가 고려하는 것보다 다소 이른 시대, 즉 고대로 돌아갈 가치가 있습니다.

Sfortsinda - 전형적인 주택 아치. Filarete(레오나르도 다 빈치의 그림)

고대 그리스의 수도 아테네에 도시 국가를 건설하는 수백 년 된 과정은 고대의 가장 큰 두 철학자 플라톤(기원전 428~348년)과 아리스토텔레스(기원전 384~322년)의 저서에 요약되어 있습니다.

따라서 당시 귀족 집단과 관련된 이상주의 철학자 플라톤은 엄격하게 규제되는 국가 시스템을 고수했으며 왕과 집정관이 통치하는 신화적인 국가 아틀란티스의 이야기를 소유 한 것도 아무것도 아닙니다. . 플라톤의 해석에서 아틀란티스는 그의 작품 "국가"와 "법률"에서 논의한 이상적인 도시 국가의 역사적 원형이었습니다.

르네상스로 돌아가서, 인류 역사상 최초의 도시 계획 이론가인 레온 바티스타 알베르티(Leon Batista Alberti)에 대해 이야기해 봅시다. 그는 장소 선택부터 내부 구조까지 "도시를 만드는 방법"을 자세히 설명합니다. . 알베르티는 “아름다움은 속한 부분으로 통합된 모든 부분의 엄격하고 비례적인 조화이며, 그 어떤 것도 더하거나 빼거나 변경할 수 없이 악화되지 않는 것입니다.”라고 썼습니다. 실제로 알베르티는 고대의 비례감과 새로운 시대의 합리주의적 시작을 연결하면서 르네상스 도시 앙상블의 기본 원칙을 최초로 선포한 사람입니다. 건물 높이와 전면 공간의 주어진 비율(1:3 ~ 1:6), 주 건물과 보조 건물의 건축 규모의 일관성, 구성의 균형 및 빈 공간 불협화음 대조 - 이것이 르네상스 도시 계획가의 미학적 원칙입니다.

Alberti는 그의 논문 "건축에 관한 10권의 책"에서 합리적인 계획과 건물, 거리, 광장의 모습이 아름다운 이상적인 도시를 그립니다. 개인의 전체 생활 환경은 개인, 가족, 사회 전체의 요구를 충족하는 방식으로 여기에 배열됩니다.

베르나르도 감바렐리(로셀리노)는 이미 존재하는 아이디어를 이어받아 이상적인 도시의 비전 개발에 기여하고, 그 결과 남아있는 많은 프로젝트의 요소들을 통합해 오늘날까지 실제로 존재하는 피엔차(1459)라는 도시를 탄생시켰다. 종이에나 창의적으로 창작자의 의도를 표현합니다. 이 도시는 코르시냐노의 중세 정착지가 직선 거리와 규칙적인 배치를 갖춘 이상적인 르네상스 도시로 변모한 분명한 예입니다.

Antonio di Pietro Averlino (Filarete) (c. 1400 - c. 1469)는 그의 논문에서 이상적인 도시 스포르진다에 대한 아이디어를 제공합니다.

도시는 계획상 팔각형 별이었으며, 한 변이 3.5km인 두 개의 동일한 정사각형이 45° 각도로 교차하여 형성되었습니다. 별의 선반에는 8개의 둥근 탑이 있었고 "주머니"에는 8개의 성문이 있었습니다. 문과 탑은 방사형 거리로 중앙과 연결되었으며, 그 중 일부는 운송 채널이었습니다. 도시의 중앙 부분, 언덕 위에는 계획상 직사각형의 중앙 광장이 있었고, 짧은 쪽에는 왕자의 궁전과 도시 대성당이 위치하고 긴 쪽에는 사법 및 도시 기관이 있었습니다. .

광장 중앙에는 연못과 망루가 있었다. 다른 두 곳은 도시의 가장 저명한 주민들의 집과 함께 중앙 광장에 인접했습니다. 방사형 거리와 순환 거리의 교차점에 16개의 광장이 더 위치했습니다. 8개의 쇼핑 광장과 8개의 교구 센터 및 교회용 광장이 있었습니다.

피엔차는 "이상적인" 계획의 원칙을 구현한 이탈리아에서 유일하게 실현된 도시가 아니었습니다. 그 당시 이탈리아 자체는 지금 우리가 알고 있는 것처럼 통일된 국가가 아니었고, 여러 개의 독립된 공화국과 공국으로 구성되어 있었습니다. 그러한 각 지역의 우두머리에는 귀족 가문이 있었습니다. 물론 모든 통치자는 자신의 주에 교육받고 진보적인 르네상스 인물로 간주될 수 있는 "이상적인" 도시의 모델을 갖고 싶어했습니다. 따라서 1492에서 D Este 왕조의 대표 인 Duke Ercole I은 그의 공국의 주요 도시 중 하나 인 Ferrara를 재건하기로 결정했습니다.

구조 조정은 건축가 Biagio Rossetti에게 맡겨졌습니다. 그는 그의 거의 모든 작품에서 나타나는 혁신에 대한 사랑뿐만 아니라 폭 넓은 견해로 구별되었습니다. 그는 도시의 오래된 배치를 철저히 연구하고 흥미로운 해결책을 찾았습니다. 그 전에 건축가가 오래된 건물을 철거하거나 처음부터 건설했다면 Biagio는 오래된 건물 위에 새로운 도시를 건설하기로 결정했습니다. 그리하여 그는 곧은 거리와 르네상스 도시의 개념을 동시에 구현했다. 열린 공간중세 도시의 완전성과 자급자족을 강조했습니다. 건축가의 주요 혁신은 공간의 다른 사용이었습니다. 그는 열린 광장과 넓은 거리를 제안하는 일반 도시 계획의 모든 법률을 준수하지 않았습니다. 대신, 도시의 중세 부분이 그대로 남아 있기 때문에 Biagio는 반대 방향으로 플레이합니다. 그는 주요 도로와 좁은 거리, 어두운 막다른 골목이 있는 밝은 광장, 일반 주민들의 낮은 집이 있는 큰 공작 주택을 번갈아 가며 사용합니다. 더욱이 이러한 요소는 서로 전혀 모순되지 않습니다. 역방향 원근법은 직선 원근법과 결합되고 주행 선과 증가하는 볼륨은 서로 모순되지 않습니다.

베네치아의 학자이자 건축학자인 다니엘레 바르바로(1514-1570)는 비트루비우스의 논문 연구에 평생을 바쳤고, 그 결과 "다니엘레 바르바로의 해설이 포함된 비트루비우스 건축에 관한 10권의 책"이라는 제목의 책이 탄생했습니다. 이 책에서 고대 건축에 대한 태도는 작가 자신뿐만 아니라 16세기 대부분의 건축가에게도 반영되었습니다. Daniele Barbaro는 평생 동안 논문을 철저히 연구하고 Vetruvius의 아이디어와 그의 비전을 보완하는 개념을 반영하는 이상적인 도시의 계획을 재현하려고 노력했습니다.

조금 더 일찍, 르네상스 건축가인 체사레 세사리노(Cesare Cesarino)는 1521년에 이상적인 도시에 대한 이론적 도표를 포함하여 수많은 삽화와 함께 건축 10권에 대한 자신의 논평을 출판했습니다.

XVI 세기의 많은 이론가들 중. 안드레아 팔라디오(1508-1580)는 특별한 위치를 차지했습니다. 1570년에 출판된 그의 논문 Four Books on Architecture(이탈리아어: Quattro Libri deHArchitettura)에서 Palladio는 도시에 대한 특별한 부분을 선택하지 않았지만 그의 전체 작업은 본질적으로 이 특정 주제에 전념했습니다. 그는 “도시는 일종의 큰 집일 뿐이고, 반대로 집은 일종의 작은 도시일 뿐이다”라고 말했다.

주거용 건물과 도시 사이에 등호를 표시함으로써 Palladio는 도시 유기체의 완전성과 공간 요소의 상호 연결성을 강조했습니다. 그는 도시 유기체의 완전성과 공간 요소의 관계에 대해 성찰합니다. 그는 도시 앙상블에 대해 다음과 같이 썼습니다. "아름다움은 아름다운 형태와 전체와 부분, 부분과 전체, 부분과 전체의 대응의 결과입니다." 논문에서 눈에 띄는 위치는 건물 내부, 크기 및 비율입니다. 팔라디오는 거리의 외부 공간과 주택, 안뜰의 내부 공간을 유기적으로 연결하려고 노력하고 있습니다.

XVI 세기 말. 도시를 포위하는 동안 폭발성 포탄을 갖춘 포병 무기가 사용되기 시작했습니다. 이로 인해 도시 계획자들은 도시 요새화의 성격을 재고하게 되었습니다. 요새 벽과 탑은 흙으로 된 요새로 대체되었으며, 이는 도시 경계를 넘어 전진하여 적의 공격을 격퇴하고 도시에 접근하는 적에게 측면 사격을 가할 수 있었습니다. 이를 바탕으로 이제부터 강력한 방어 센터에서 도시의 주요 입구로 바뀌는 성문을 보호할 필요가 없었습니다. 다양한 기괴한 별 모양 형태의 이러한 혁신은 프로젝트에 반영됩니다. 이상적인 도시부오나유토 로리니, 안토니오 루피치니, 프란체스코 디 조지 마티니, 지롤라모 마기, 조반니 벨루치, 프라 조콘도, 프란체스코 데 마르키, 다니엘 스펙클, 자크 페레, 알브레히트 뒤러, 비첸초 스카모치, 조지 바사리 주니어 등등

그리고 요새화 된 도시 Palmanova는 르네상스 요새 건축의 정점으로 간주 될 수 있습니다. 그 계획은 건축가 Vicenzo Scamozzi의 계획에 따라 9개의 별 모양을 가지며 거리가 방사형으로 뻗어 있습니다. 중앙에 위치한 광장. 도시의 영토는 12개의 요새로 둘러싸여 있었고, 각 요새는 이웃 요새를 보호하는 방식으로 계획되었으며, 4개의 성문이 있었고, 거기에서 두 개의 주요 거리가 직각으로 교차했습니다. 그들의 교차점에는 궁전, 대성당, 대학 및 도시 기관이 내려다 보이는 중앙 광장이 있었습니다. 중앙 광장을 중심으로 서쪽과 동쪽으로 두 개의 교역 광장이 인접해 있었고, 북쪽에는 교역 광장이, 남쪽에는 건초와 장작 거래를 위한 광장이 있었습니다. 도시의 영토는 강을 가로질러 있었고, 그 주변에는 8개의 교구 교회가 있었습니다. 도시의 레이아웃은 규칙적이었습니다. 요새는 해자로 둘러싸여있었습니다.

르네상스 시대의 공학적 환경에서는 구성, 조화, 아름다움, 비례에 대한 질문이 부지런히 연구되었습니다. 이러한 이상적인 건축물에서 도시 계획은 합리주의, 기하학적 명확성, 중심 구성, 전체와 부분의 조화를 특징으로 합니다. 그리고 마지막으로 르네상스 건축이 다른 시대의 건축과 구별되는 것은 이 모든 건축의 기초, 중심에 서 있는 인물이다. 더 많은 이름과 도시 이름이 예가 될 수 있습니다. 건축가 Luciano Laurana가 Duke Federico da Montefeltro, Terradel Sole("태양의 도시"), Lombardy의 Vigevano, 발레타(수도 몰타). 후자의 경우, 이 장엄한 성벽 도시는 마르삼세트(Marsamxett)와 그랜드 하버(Grand Harbour)라는 두 개의 깊은 항구 사이에 솟아 있는 시베라스 산(Mount Sciberras) 반도의 물이 없고 가파른 절벽에서 성장했습니다. 1566년에 설립된 발레타는 인상적인 요새, 요새, 대성당과 함께 놀라울 정도로 짧은 시간인 15년 만에 완전히 건설되었습니다.

르네상스의 일반적인 아이디어, 개념은 17세기 전환기를 훨씬 넘어 흘러 폭풍우처럼 쏟아져 나와 다음 세대의 건축가와 공학계 인사들을 포용했습니다.

많은 현대 건축 프로젝트의 예조차도 르네상스의 영향을 보여줍니다. 르네상스는 수세기 동안 인류에 대한 생각과 인간의 안락함의 우선권을 잃지 않았습니다. 단순함, 편리함, 다양한 장치를 통해 주민을 위한 도시의 '접근성'은 많은 작품에서 찾아볼 수 있으며, 각자의 방식으로 이를 따라가는 건축가와 연구자들은 그럼에도 불구하고 이미 포장도로를 밟고 있다. 르네상스의 거장들이 포장했습니다.

이 기사는 아름다운 르네상스 시대부터 우리에게 시작된 "이상적인 도시"의 모든 예와는 거리가 먼 것으로 간주되었습니다. 일부에서는 민간인의 편리함과 인체 공학에 중점을 두고 다른 일부에서는 강조합니다. 방어 작전의 최대 효율성; 그러나 모든 예에서 우리는 개선에 대한 지칠 줄 모르는 갈망을 관찰하고 결과 달성을 위해 사람의 편리함과 편안함을 향한 자신감 있는 발걸음을 봅니다. 아이디어, 개념, 어느 정도 르네상스의 열망은 17세기 전환기를 훨씬 넘어 흘러 폭풍우처럼 쏟아져 나와 다음 세대의 건축가와 공학계 인사들을 포용했습니다.

그리고 현대 건축가의 예는 르네상스 인물의 개념이 다소 수정되었지만 도시 계획 프로젝트에서 인류에 대한 아이디어와 인간 안락의 우선권을 잃지 않은 영향을 분명히 보여줍니다. 모든 종류의 가변 장치에서 거주자를 위한 도시의 단순성, 편리성, "접근성"은 다른 많은 작업에서 찾을 수 있으며 구현되었으며 결코 종이에 남아 있지 않습니다. 그럼에도 불구하고 건축가와 연구원은 각자 자신의 길을 따라 인간 영혼의 재생, 재생이라는 아이디어의 불멸의 적절하고 매혹적인 빛을 따라 르네상스의 거장들이 이미 포장한 포장 도로를 하나가 되어 걸었습니다. , 그리고 이 방향의 주요 단계는 먼 XIV 세기에 취해졌습니다.

인간, 특히 현대의 실용적인 관점에서 볼 때 모든 유토피아와 불가능성에 대한 이상적인 르네상스 도시의 개념은 그 화려 함에서 완전히 멈추지 않거나 적어도 부분적으로 요소가 주기적으로 작품에 스며 듭니다. 어려운 창조적 기술에서 완벽을 위해 그다지 노력하지 않는 낭만적 인 건축가, 양피지와 원근감보다 더 복잡하고 예측할 수없는 환경에서 완벽에 얼마나 많은지, 인간의 영혼과 의식의 도달 할 수없는 완벽에 이르기까지.

팔마노바 - 대성당

르네상스의 역사는 아직도 이 시기를 르네상스라고 부른다. 르네상스는 문화로 변화되어 뉴에이지 문화의 선구자가 되었다. 그리고 르네상스는 XVI-XVII 세기에 끝났습니다. 각 주마다 고유한 시작 날짜와 종료 날짜가 있기 때문입니다.

몇 가지 일반 정보

르네상스의 대표자는 프란체스코 페트라르카와 조반니 보카치오이다. 그들은 솔직하고 공통된 언어로 고상한 이미지와 생각을 표현하기 시작한 최초의 시인이되었습니다. 이 혁신은 큰 호응을 얻었고 다른 나라로 퍼졌습니다.

르네상스와 예술

르네상스의 특징은 인체가 이 시대 예술가들에게 주된 영감의 원천이자 연구 대상이 되었다는 점이다. 따라서 조각과 회화의 현실과의 유사성이 강조되었습니다. 르네상스 시대 예술의 주요 특징으로는 광채, 세련된 붓놀림, 그림자와 빛의 유희, 작업 과정의 철저함, 복잡한 구성 등이 있습니다. 르네상스 예술가들에게는 성경과 신화의 이미지가 주요한 이미지였습니다.

특정 캔버스에 나타난 그의 이미지와 실제 인물의 유사성은 너무 가까워서 가상의 인물이 살아있는 것처럼 보였습니다. 20세기 예술에 대해서는 이렇게 말할 수 없다.

르네상스(주요 추세는 위에 간략하게 설명되어 있음)는 인체를 끝없는 시작으로 인식했습니다. 과학자와 예술가들은 개인의 신체를 연구함으로써 정기적으로 기술과 지식을 향상시켰습니다. 그 당시에는 사람이 하나님의 모양과 형상대로 창조되었다는 것이 널리 퍼져 있었습니다. 이 진술은 신체적 완전성을 반영합니다. 르네상스 예술의 주요하고 중요한 대상은 신이었습니다.

인체의 자연과 아름다움

르네상스 예술은 자연에 큰 관심을 기울였습니다. 풍경의 특징적인 요소는 다양하고 무성한 초목이었습니다. 하얀 구름을 꿰뚫는 태양광선에 의해 꿰뚫린 청청색 하늘은 솟아오르는 생물들의 장엄한 배경이었다. 르네상스 미술은 인체의 아름다움을 존경했습니다. 이 특징은 근육과 신체의 세련된 요소에서 나타났습니다. 어려운 포즈, 표정 및 몸짓, 잘 조화되고 명확한 색상 팔레트는 르네상스 시대 조각가와 조각가의 작품의 특징입니다. 여기에는 Titian, Leonardo da Vinci, Rembrandt 등이 포함됩니다.