Japonijos menas žiūrėti į tolį. AmataiGirl
Himeji yra viena iš seniausių Japonijos pilių.
Japonijos senovės menas
Japonijos kultūra formavosi ir vystėsi ypatingomis gamtinėmis ir istorinėmis sąlygomis. Japonija yra keturiose didelėse ir daugelyje mažų salų, kurias skalauja jūros. Būdama pačiame rytų pakraštyje, ji patyrė periodiškai didėjančią, paskui vėl blėstančią tokių žemyninių kultūrų kaip Kinija ir Korėja įtaką. Sąveikos su išoriniu pasauliu laikotarpius Japonijos istorijoje pakeitė ilgus šimtmečius trukusi kultūrinė izoliacija (laikotarpiai nuo 10 iki 14 ir nuo XVII iki XIX a. vidurio). Pastaroji aplinkybė prisidėjo prie daugelio unikalių savybių išsivystymo ir įtvirtinimo Japonijos kultūra apskritai ir ypač menas. Pažintis su Vakarų kultūra vyko XVI amžiuje, kai jau buvo susiformavę pagrindiniai pirminės Japonijos civilizacijos bruožai. Iki 1854 m. Japonija prekiavo su Kinija ir Olandija tik per vieną uostą.
Iš senovės Japonijos salų gyventojų – medžiotojų ir žvejų – atkeliavo po archeologinių kasinėjimų atrasti akmeniniai kirviai, harpūnai, strėlių antgaliai ir rankomis išdrožti keraminiai indai, kurie gavo pavadinimą dėl ant jų įspausto „Jomon“ rašto, kuris reiškia „virvės pėdsakas“. Todėl neolito kultūra Japonijoje dar vadinama Džomonu. Iš Sibiro, Polinezijos, vėliau iš Korėjos ir Kinijos atvykę naujakuriai stovėjo skirtinguose lygmenyse kultūrinis vystymasis. Tai paaiškina, kad kai kuriuose kultūriniuose sluoksniuose randama ir neolito, ir bronzos amžiaus paminklų. Japonų kalba yra artima Altajaus grupės kalboms. Kai dėl kontaktų su kinų kultūros oi, japonai susipažino su kinų hieroglifų raštu, pasirodė labai sunku pritaikyti kinų hieroglifus žodinei japonų kalbai perteikti.
Pradinis japonų kultūros laikotarpis, apie kurį išliko patikimų duomenų, vadinamas kofunų (piliakalnių) - kapinynų, kurių antžeminė dalis buvo būdingos formos molinis piliakalnis - apskritimo ir trapecijos derinys, epocha. primenanti rakto skylutę, kuri simbolizavo žemės ir vandens sąjungą. Jie buvo nemažo dydžio, juos supo dvigubas griovys su vandeniu, virš piliakalnio augo žolė, o vidiniu piliakalnio perimetru buvo tuščiavidurės molinės žmonių, gyvūnų figūros, valčių ir namų maketai nuo 30 cm iki vieno pusantro metro aukščio. Jie buvo vadinami „haniwa“. Laidojimo kameros viduje buvo karstai su mirusiais bajorų atstovais, kur buvo dedami ritualiniai daiktai: veidrodis, dotaku varpas, kurio skambesys turėjo atbaidyti piktąsias dvasias ir pritraukti dievus – žemės dirbtuvių globėjus. Jamato karalių laidotuvėse visada buvo tokie ritualiniai galios simboliai kaip nefrito pakabukai ir kardai. Jamato klano karaliams išaukštinti buvo nustatyta istorijos pradžia, nustatyta dievų hierarchija, išskirta dievybė Amaterasu („Švyti iš dangaus“), kuri perdavė valdžią. Japonijos salos Yamato klano karaliai. Pavadinimas „Nippon“ arba „Nihon“, reiškiantis „tekančios saulės žemę“, atsirado VII a. 608 metais prasidėjo kelionės mokytis į Kiniją, kurios tęsėsi daugiau nei du šimtmečius.
Dotaku – ritualiniai bronziniai varpai – į viršų susiaurinti cilindrai, kurių viršuje yra plačios kilpos su garbanotomis briaunomis, kurių sienos suskirstytos į kvadratus, užpildytus grafiniais vaizdais
Įvairūs japonų įsitikinimai, turintys daug primityvaus animizmo ir fetišizmo bruožų, atsispindi šintoizme. Šintoizmas („dievų kelias“) savo esme atspindi japonų idėjas apie visuotinį gamtos dvasingumą. Nesuskaičiuojama daugybė vadinamųjų "kami" (dvasių) egzistuoja tiek stebuklinguose kraštovaizdžio objektuose, kaip Bivos ežeras ir Fudžio kalnas, tiek žmonių sukurtuose objektuose - karduose, veidrodžiuose, kurie yra apdovanoti tuo. magiškų savybių. Šintoizmo šventovė išsiskyrė medinės konstrukcijos paprastumu: ant polių buvo įrengtas vienos salės kambarys, iš visų pusių apsuptas veranda. Šintoizmo šventovės vidus buvo blankus ir tuščias. Tikintieji į šventyklą neįėjo.
Paraiškas laikotarpis (645–794 m. po Kr.)
Nara – pirmosios sostinės ir tuo metu vienintelio Japonijos miesto pavadinimas. Tai buvo Japonijos valstybingumo įsitvirtinimo, budizmo įvedimo ir budizmo meno paminklų – šventyklų, pagodų, įvairių budistų dievybių statulos – kūrimo metas. Budizmas šiuo laikotarpiu buvo ne tiek žmonių tikėjimas, kiek teismo politikos tąsa. Didžiulį vaidmenį rūmuose suvaidino įvairios budizmo sektos, didėjo budistų vienuolynų žemės valdos, didelę įtaką dvare turėjo vienuoliai. Atsiranda budistų vienuolynai, tai medinių pastatų grupės, išsidėsčiusios stačiakampėje sienomis apjuostoje teritorijoje. Ypač svarbi buvo plati alėja, vedanti į priekinius vartus, aikštė priešais šventyklą ir iš tolo matoma daugiapakopė pagoda. Medinės šventyklos buvo nudažytos raudonu laku, iškeltos ant akmeninių pamatų, turėjo plačius lenktus dvigubus stogus – irimoya.
Tarp ankstyvųjų budistų šventyklų yra Asukadera, Horyuji, pastaroji buvo pradėta statyti 607 m., tuo metu valdančiojo sosto įpėdinio princo Shotoku Taishi nurodymu. Vienuolyną sudarė 53 pastatai, išsidėstę 90 tūkstančių kvadratinių metrų plote. Šventyklos fasadas atsuktas į pietus, pagrindiniai pastatai išsidėstę šiaurės – pietų ašyje, sakralinė zona – šiaurinėje, buvo salė pamokslams – kodo, kondo ir penkių pakopų pagoda. Horyuji buvo 265 statulos, pagrindinis skulptūrinis vaizdas buvo Šakjamunio trejybė, kurią reprezentavo tikėjimo pradininko skulptūra, kurią lydėjo dvi bodhisatvos. 8 amžiuje prie didelių vienuolynų jau veikė skulptorių dirbtuvės. Išplito bodhisatvos Kanono kultas, kurio pavadinimas buvo sanskrito vardo Avalokitešvara (Dėmesio pasaulio garsams) vertimas. Užuojauta gyvoms būtybėms pripildyta bodhisatva gali klausytis kenčiančiųjų garsų, kad ir kur jie būtų. Avalokitešvaros kultas atsirado šiaurės vakarų Indijoje ir išplito į Kiniją. Lotoso Sutroje buvo pasakyta, kad bodhisatva įgavo tų būtybių, kurios jį šaukiasi, pavidalą. Japonijoje paplitus Kanonos kultui atsirado daugybė jos atvaizdų – šventoji Kanonas padeda pragare, Kanonas su arklio galva skleidžia gailestingumą galvijams, piktosios dvasios – asurai išgelbėjami tūkstančiais. -ginkluotas Kannonas, Kannonas su žvejybos mišku gelbsti žmones.
Heiano laikotarpis (794–1185 m.)
794 m. valstybės sostinė buvo perkelta į Heiano miestą (dabar Kiotas). Heiano laikotarpiu klestėjo sudėtinga teismo kultūra. Buvo sukurtas japoniškas skiemens – kana (jap. – pasiskolintas hieroglifas). Iš pradžių šį raštą naudojo tik moterys, o oficialus raštas ir toliau buvo kiniškas. Per X a. moterų raštas pradėtas naudoti privačioje praktikoje. XI amžiuje. prasidėjo japonų klasikinės literatūros klestėjimas, ryškus to pavyzdys – dvaro damos Murasaki Shikibu sukurtas romanas „Genji Monogatari“.
Heiano mene pagrindinę vietą užima budistiniai iš Kinijos atkeliavusių ezoterinių sektų Tendai ir Shingon atvaizdai, mokę, kad visos gyvos būtybės turi Budos esmę. Lavindamas dvasią ir kūną, vykdydamas įžadus, kiekvienas gali kelių atgimimų procese įgyti Budos esmę. Šių sektų šventyklos buvo pastatytos ant kalnų viršūnių ir uolėtų atbrailų, koplyčios jose buvo padalintos į dvi dalis. Viduje, kur buvo šventasis paveikslas, paprasti tikintieji nebuvo įleidžiami.
Heiano era – tai prabangos metas valdantiesiems ratams. Šiuo metu susiformavo shindeno būstų tipas. Sienos ir šilto klimato sąlygos nebuvo kapitalis ir neturėjo pamatinės vertės. Juos būtų galima labai nesunkiai išardyti, pakeisti patvaresniais šaltam orui arba iš viso nuimti šiltu oru. Langų taip pat nebuvo. Vietoj stiklo virš grotelių rėmo buvo ištemptas baltas popierius, leidžiantis į kambarį blankią išsklaidytą šviesą. Platus stogo karnizas apsaugojo sienas nuo drėgmės ir saulės spindulių. interjeras, be nuolatinių baldų, turėjo stumdomas pertvaras, kurių dėka buvo galima pagal pageidavimą sukurti arba salę, arba keletą nedidelių izoliuotų kambarių, grindys dengtos tokio pat dydžio šiaudiniais kilimėliais - tatamiais (180 x 90). cm).
Heiano laikotarpiu iš Kinijos buvo atvežti konfucianizmo ir budizmo tekstai. Dažnai juos puošdavo vaizdais. Iš pradžių japonų menininkai kopijuodavo kinų „įžymias vietas“, tačiau pradedant nuo 10 a. atsigręžti į peizažų ir papročių įvaizdį Gimtoji šalis. Sukurta „Yamato-e“ tapyba, kuri skyrėsi nuo kinų tapybos temomis iš japonų poezijos, apsakymų, romanų ar liaudies legendos. Paveikslas gavo savo pavadinimą iš Jamato regiono – pietvakarinės Honšiu salos dalies, kurioje susiformavo Japonijos valstybingumas, pavadinimo.
Vaizdas dažnai vaizdavo iliustracijų slinktį su atitinkamu tekstu, kuris buvo paimtas ranka ir sukamas iš dešinės į kairę, skaitant atitinkamą skyrių, buvo svarstoma po jos esanti iliustracija.
Yamato-e tapyba pasiekė aukščiausią tašką vėlyvuoju Heiano laikotarpiu. Tuo metu pasirodė profesionalūs menininkai, kurie piešė paveikslus pasaulietinėmis temomis ekranuose, slankiojančias pertvaras (shoji) ir ritinius - emakimono. Seniausias iš ritinių yra Genji Monogatari. Emakimano ritiniai buvo paveikslėliai-pasakos. Iki šių dienų išliko garsiojo Murasaki Shikibu romano „Genji-monogatari-emaki“ ritinys, kuriame ryškiomis spalvomis vaizduojamas dykinėjantis aristokratijos gyvenimas, tai kaligrafijos, literatūros ir tapybos sintezė. Išlikusiuose 19-oje iš 54 romano skyrių iliustracijose nėra vieno siužeto ir per veiksmą. Dauguma vaizduojamų scenų vyksta interjeruose, viskas, kas matoma, rodoma iš viršaus, nėra vieno nykstančio linijų taško, didelio masto figūrų ir architektūros atitikimas, visų veikėjų veidai vienodi, skiriasi tik šukuosenos ir drabužiai. . Pagrindinis menininko dėmesio objektas – visiems gerai žinomų romane vykstančių įvykių emocinio turinio perteikimas. Pagrindinės technikos yra erdvės konstravimas ir spalvų galimybių panaudojimas. Norint perteikti vidinę veikėjų būseną ir kiekvienos scenos atmosferą, menininkui svarbu, kokiu kampu apatinio slinkties krašto atžvilgiu yra nukreiptos įstrižinės linijos, žyminčios arba konstrukcijų sijas, arba karnizus. užuolaidų arba verandos krašto. Priklausomai nuo emocinės įtampos laipsnio, šis kampas svyruoja nuo 30 iki 54 laipsnių.
Bodhisattva – Kanonas Kinijoje, Korėjoje ir Japonijoje pasirodo daugiausia moteriškos formos, rankose su ąsočiu, gluosnio šakele ir laso.
Aristokratų namuose nebuvo pertvarų, ant ekranų ir užuolaidų geriausi menininkai nutapytos yamato-e nuotraukos. Yamato-e paveikslai buvo vieningi su literatūros kūriniai, kurie taip pat buvo dedami ant ekranų ir užuolaidų. X-XIII amžių poezijos antologijose. 9–10 amžių ekranuose parašytos eilutės nėra neįprastos. Daugiausia tokių eilėraščių yra antologijoje „Sui-shu“. Kaip poezija buvo apie keturis metų laikus, taip buvo ir tapyba ekranams. Kartu su liaudies dainomis susiformavo tam tikra poetinių formulių sistema, kuri vėliau tapo japonų klasikinės poetikos pagrindu. Taigi, pavasario ženklas buvo miglota migla, gluosnis, vasaros ženklas - gegutė, cikados, rudens - raudoni klevo lapai, elnias, mėnulis, žiemos - sniegas ir slyvų žiedai.
Kiotas yra senovės Japonijos perlas.
Homonimų gausa kalboje leido eilėms suteikti daug reikšmių. Temos ir siužetai leido per detalę ar užuominą itin glausta poetine forma (31 skiemuo tankoje) išreikšti visų emocinių būsenų atspalvių įvairovę. Vyko laipsniškas perėjimas nuo ekranų su tekstais prie ekranų be teksto. Taip susiformavo tikrosios vaizdinio žanro poskyriai – shiki-e („keturių metų laikų nuotraukos“) ir mei-se-e(„Žymių vietų nuotraukos“).
Tokių paveikslų kompozicija neatitiko nė vienos kinų tapybos kategorijos. Didžiausia gamtos ir žmogaus sintezė taps būdinga įvairiems japonų meno žanrams.
Kamakuros laikotarpis (1185-1333) ir Muromachi laikotarpis (1333-1568)
XII amžiaus pabaigoje sostinė vėl buvo perkelta, valdžią šalyje dėl kruvinos pilietinės nesantaikos užgrobė Minamoto klanas, kurio galva perkėlė sostinę į savo gyvenvietę Kamakura, kurios pavadinimas tapo kitas Japonijos istorijos etapas. Šalyje į valdžią atėjo samurajų karinė klasė, iš kurios kilo ir šogunai – tikrieji kariniai Japonijos valdovai, Naroje likęs imperatorius išlaikė tik vardinius valdžios atributus. Rafinuota samurajų teismo kultūra pirmenybę teikė paprastumui. Dzen sektos vienuolynuose pagodų nebebuvo, šventyklos priminė kaimo trobesius. Nuo XIII amžiaus pabaigos. veikiamas panteistinių Zen sektos idėjų, kraštovaizdis pradėjo įkūnyti budistų dievybių buvimo bet kuriuose kraštovaizdžio objektuose idėją. Kamakuros vienuolynuose susiformavo Minsko patriarcho portretų ikonografija: sėdima ir rami poza su pabrėžta veido savybe, hipnotizuojančia žvilgsnio galia. Dzen sektos įtakoje skulptūra nustumiama į antrą planą, tapyba, ypač peizažo tapyba, išreiškia šio laikmečio žmonių požiūrį.
Muromachi laikotarpis prasideda nuo 1333 m. įvykių, kai Honšiu salos pietryčių regionų feodalai užėmė ir sudegino Kamakura, grąžindami sostinę Heianui. Tai buvo vidinių nesutarimų ir feodalinių klanų karų metas. Į bėdų laiką vedė dzen sektos šalininkų mokymas, kad pasiekus vienybę su gamta galima susitaikyti su gyvenimo sunkumais ir pasiekti vienybę su pasauliu. Pirmoji vieta Japonijos menas veikiant dzen mokymui, kad Budos „kūnas“ yra gamta, kraštovaizdžio tapyba išryškėja. XII amžiaus antroje pusėje. tapyba juodu rašalu į Japoniją prasiskverbė iš Kinijos. Japonai, kurie daugiausia praktikavo tokį tapybą, buvo zen sektos nariai. Jie sukūrė naują stilių, paaiškinantį naująjį tikėjimą (shigaku – tapybos ir poezijos derinys). XV ir XVI a - didžiausio tapybos tušu klestėjimo metas, kurio pagrindinis meistras buvo Sesshu Toyo (1420-1506). Lygiagrečiai su šiuo stiliumi egzistavo ir yamato-e stilius.
Pokyčiai socialiniuose politiniuose santykiuose, kurie iškėlė karinę klasę, lėmė ir atsiradimą XVI a. architektūrinis stilius"sein". Anksčiau buvęs vienas namo tūris dabar padalintas stumdomų durų (shoji), stumdomų pertvarų (fusuma) pagalba. Patalpose atsirado speciali vieta užsiėmimams - lentyna knygoms ir langas su plačia palange ir niša (tokonoma), kurioje buvo statoma įnoringos formos puokštė ar akmuo ir pakabintas vertikalus ritinys.
XVI amžiuje. Japonijos architektūros istorijoje arbatos paviljonai atsiranda dėl būtinybės teisingai atlikti arbatos ceremoniją. Arbatą į Japoniją Kamakuros laikotarpiu kaip gėrimą atvežė budistų vienuoliai. Arbatos ritualas (cha-no-yu) buvo įvestas dzen vienuolio Muratos Shuko iniciatyva ir jam įgyvendinti reikėjo specialaus metodo. Taip ir atsitiko naujo tipo architektūrinė struktūra - chashitsu (arbatos ceremonijos paviljonas), savo konstruktyviu pagrindu buvo netoli gyvenamojo pastato, o pagal savo funkciją - prie budistų šventyklos. Arbatos paviljono atramos buvo medinės, lubos apdailintos bambuku arba nendrėmis. Namelio viduje, išklotos kilimėliais, 1,5 ar 2 tatamiais adobe sienomis, nedideliais įvairaus lygio langeliais, tokonoma niša su kabančiu vienspalviu peizažu ir gėle vazoje, buvo židinys, lentyna indams.
Muromachi laikotarpiu klestėjo sodininkystės menas. Japoniški sodai yra skirtingi. Maži sodai dažniausiai yra prie šventyklų arba siejami su tradiciniais namais, jie skirti apžiūrėti. Dideli kraštovaizdžio sodai suprojektuoti taip, kad juos būtų galima suvokti iš vidaus.
Kondo – (jap. auksinė salė) – pagrindinė šventykla Budistinis kompleksas su ikonomis, statulomis, sienų tapyba
Zen šventyklos sodas buvo pastatytas pagal vienspalvio kraštovaizdžio slinkties principą. Vietoj popieriaus lapo menininkas panaudojo ežero platybes ar akmenukais nuklotą pakylą, o vietoj dėmių ir tirščių nuoplovų – akmenų, samanų, medžių ir krūmų lapijos. Pamažu iš sodo dingo gėlės, jas pakeitė samanos ir krūmai, vietoj tiltelių pradėti naudoti akmenys. Kai kurie sodai buvo kraštovaizdžio, kalvoti (tsukiyama). Tsukiyama sodai buvo natūralių elementų, tokių kaip uolos, samanos, medžiai, tvenkiniai, derinys su privalomu paviljonu ant kranto. Seniausias kraštovaizdžio sodas yra Kiote ir priklauso Sohoji vienuolynui. Sausi sodai buvo vadinami „hiraniva“, t.y. butas. Hiraniva yra „filosofinis“ sodas, nes jis reikalavo iš žiūrovo išvystytos vaizduotės. Hiranivos sodas „buvo paliktas iš akmenų, smėlio, akmenukų. Iš trijų pusių jį juosiančia siena uždarytas sodas buvo skirtas tik apmąstymams. XV amžiaus pabaigoje. sukūrė vieną garsiausių Ryoanji vienuolyno sausų sodų. Jį sudaro 15 akmenų, esančių ant stačiakampio žvyro ploto. Daitokujų vienuolyno hiranivos sode, sukurtame 1509 m., gamtą reprezentuoja akmenų ir akmenukų kompozicijos. Viena iš sodo dalių buvo vadinama „tuštumos vandenynu“ ir susideda iš dviejų žemų akmenukų kalvų stačiakampio ploto viduryje. Sodai galėtų vienas kitą papildyti.
XV amžiaus pabaigoje. susikūrė dekoratyvinės tapybos Kano teismo mokykla. Mokyklos įkūrėjas Kano Masanobu (1434-1530) kilęs iš karinės klasės, tapo pripažintu teismo profesionaliu menininku. Jo peizažai turėjo tik priekinį planą, visa kita buvo padengta miglota migla. Vieno konkretaus įvaizdžio dalyko pabrėžimas taptų būdingas Kano mokyklai. Pagrindinę vietą Kano mokyklos menininkų kūryboje užėmė dekoratyvinė sienų tapyba ir ekranai su žanrine tapyba. Sienų tapyba tapo pagrindiniu sintezės su architektūrine forma komponentu ir priemone, įtakojančia vaizdinę architektūrinės erdvės prasmę. Savo ruožtu architektūrinės formos bruožai reikalavo tam tikrų stilistinių paveikslų savybių, todėl pamažu formavosi naujas stilistinis kanonas, kuris japonų tapyboje išliko iki XIX a.
Shinden yra gyvenamojo namo tipas. Stačiakampio plano, vienos salės pagrindinis pastatas, pietiniu fasadu nukreiptas į aikštę ir įrėmintas galerijomis iš rytų ir vakarų
Momoyama laikotarpis (1X73-1614)
Ir šį kartą baigėsi feodalinių karų era, valdžia šalyje atiteko nuosekliems kariniams diktatoriams – Odai Nobunagai, Toyotomi Hideyoshi ir Iyaesu Tokugawai. Tai buvo miestų augimo, kultūros sekuliarizacijos ir demokratėjimo, naujų vertybinių orientacijų skverbimosi laikas. Kultinė architektūra prarado savo ankstesnę reikšmę. Naujieji Japonijos valdovai paskelbė savo valdžią statydami grandiozines pilis, kurių statybą lėmė šaunamųjų ginklų atsiradimas Japonijoje ir atitinkamai pasikeitusi kovos ir gynybos taktika. Pilis tapo iš esmės nauju Japonijos architektūros tipu. Asimetriškai išsidėsčiusi pilies teritorija, apsupta griovio ir sargybos bei kampinių bokštų, apėmė centrinę aikštę ir daugybę kiemų bei kambarių, požeminių pastogių ir perėjų. Gyvenamosios patalpos buvo pilies teritorijoje esančiame mediniame pastate su griežta vidinės erdvės hierarchija, atspindinčia socialinę hierarchiją. Pilių interjeruose, paskendusiuose prieblandoje, labiausiai tiko dekoratyvinė sienų tapyba, grandiozinio dydžio, alsuojanti ryškiomis spalvomis auksiniame fone.
Kano Eitoku (1543-1590). Naujo stiliaus freskomis, skirtos kariniams diktatoriams šlovinti, kūrėjas. Pirmiausia jis sukūrė vientisos kompozicijos principą ant didelių horizontalių paviršių, didindamas formas, atsisakydamas smulkios dalys perteikti ne tik siluetus, bet ir jų formų dinamiką. Eitoku pasižymi noru padidinti paveikslo plokštumą, sustiprinti jo dekoratyvines savybes. Taigi tuščią erdvę simbolizuojančiose vietose yra dėmių su aukso miltelių priemaiša. Kompozicijos erdvė atsiskleidė ne gilumoje, o išilgai žvilgsnio.
1576 m. ant Bivos ežero kranto iškilo iki šiol nežinoma pilis su milžinišku septynių aukštų bokštu, turėjusiu pademonstruoti diktatoriaus Odos Nobunagos galią. Pilies bruožas buvo ne tik oficialių, bet ir privačių rūmų buvimas. Pagrindinės kambarių dekoracijos buvo sienų tapyba, kurią užsakė Kano Eitoku, trejus metus dirbęs su gausiu asistentų būriu. Kano Eitoku, kurį diktatorius skubino vykdyti įsakymą, storu šepečiu iš ryžių šiaudų ėmė didinti formas, pasitelkdamas lakonišką meninę kalbą. Pagrindinę vietą užėmė medžių, gėlių, paukščių ir gyvūnų vaizdas. Spalvų gama buvo ryški, nebuvo spalvinių niuansų.
Į valdžią atėjus Tokugavos šogunams pasikeitus socialinei situacijai šalyje buvo uždrausta statyti pilis.
XVII amžiaus pirmojo trečdalio menininkų kūryboje. pradeda imti nauji bruožai. Tapyboje labiau išryškėjo subalansuotų, ramių kompozicijų troškimas, ornamentinių formų augimas, domėjimasis Heiano epochos kultūra ir yamato-e kūryba. Išskirtinis šių laikų Kano mokyklos bruožas – ornamentalumas ir padidėjęs dekoratyvumas. Kai XVII amžiaus antrajame ketvirtyje. buvo uždrausta statyti pilis, širma tapo pagrindine dekoratyvinės tapybos forma. Kano Eitoku monumentalumas paliko dekoratyvinę tapybą. Menas įgavo asmeninį koloritą, kuris turėjo įtakos jo stilistinėms savybėms. dekoratyvinis tapyba XVII V. dažniausiai įkvėptas klasikinės literatūros herojų ir temų, atspindinčių gentinės aristokratijos interesų spektrą ir besiformuojančio buržuazinio elito taksą. Dekoratyvinė tapyba sukurta senojoje sostinėje – Kiote.
Ogata Korin tapo naujų meno vartotojų – miesto gyventojų, pirklių ir amatininkų – skonio atstove. naujas atstovas Kano mokyklos.
Emakimano yra horizontalus ritinys, pagamintas iš popieriaus arba šilko, įklijuotas ant pagrindo, įrėminto brokato apvadu, kurio gale yra medinis volelis.
Ogata Korin (1658-1716) gyveno kaip turtingas grėblys, nuolat lankydamas „linksmuosius rajonus“. Tik po griuvėsių, susidūręs su didžiuliu poreikiu užsidirbti pragyvenimui, jis pradėjo dažyti audinius ir tapyti. Ogata Korin užsiėmė ir keramika, ir laku, dažė kimono ir vėduokles. Kaip
meistras, jis pradėjo pažindamas tradicinė tapyba ir jos metodai. Korinas visada siekė kompaktiškumo, formų balanso, ryškus bruožas kūrybinė maniera – sutelkti dėmesį į kelių siužetinių motyvų plėtojimą, jų kartojimą ir variavimą. Ogatos Korin kūryboje pirmą kartą pasirodė darbas iš gyvenimo. Ekrano paveiksle „Raudonbalta slyvų medis“ Korino perimtas siužetinis motyvas grįžta į klasikinę poeziją su ankstyvo pavasario ir bundančios gamtos vaizdais. Abiejose upelio pusėse auksiniame fone užrašyti žydintys medžiai: stambus, storu lenktu kamienu ir beveik vertikaliai kylančiomis šakomis, raudona slyva ir kita, kurią rodo tik kamieno papėdė ir smarkiai išlenktas, tarsi nukritęs į vandenį, todėl staiga šovė į šaką, išmargintą baltomis gėlėmis.
Kano Eitoku vanagas ant pušies. Ekranas. Detalė iš XVI amžiaus pabaigos.
Ogata Kenzan (1663-1743), skirtingai nei jo vyresnysis brolis Ogata Korinas, nuo jaunystės domėjosi dvasinėmis vertybėmis, buvo dzenbudizmo pasekėjas, mokėjo kinų ir japonų kalbas. klasikinė literatūra, teatras Noh, arbatos ritualas. Ninnaji šventyklai priklausančioje teritorijoje Kenzanas gavo leidimą statyti savo keramikos krosnį, gaminusią 13 metų iki 1712 m. Jis nesiekė pelningumo, vadovavosi idėja kurti itin meniškus gaminius. . Pirmą kartą tūrinėje tapyboje jis panaudojo tradicines tapybos tušu technikas. Kenzanas pradėjo naudoti spalvas, rašė ant drėgnos skeveldros, akytas molis sugėrė dažus, kaip popierius dažant tušu. Kaip ir jo didysis šiuolaikinis poetas Basho, populiarų žemąjį haiku žanrą pavertęs apreiškimu, Ogata Kenzan parodė, kad paprastos keraminės lėkštės, puodeliai, vazos gali būti ir utilitariniai objektai, ir kartu poetiniai meno šedevrai.
Edo laikotarpis (1614–1868)
1615 m. samurajus buvo perkeltas iš Kioto į Edą. Didėjo pirklių, pirklių ir lupikininkų klasės, susitelkusios Maroje, Kiote ir Osakoje, svarba. Šių atstovams socialines grupes pasižymėjo pasaulietiniu gyvenimo suvokimu, siekiu išsivaduoti iš feodalinės moralės įtakos. Pirmą kartą menas kreipiasi į kasdienio gyvenimo temas, įskaitant vadinamųjų gyvenimą. smagios apylinkės – arbatos namų pasaulis, Kabuki teatras, sumo imtynininkai. Medžio raižinių atsiradimas buvo siejamas su kultūros demokratizavimu, nes raižiniams būdinga apyvarta, pigumas ir prieinamumas. Po to buitinė tapyba graviūra tapo žinoma kaip ukiyo-e (pažodžiui – mirtingasis kintantis pasaulis).
Graviruočių gamyba įgavo platų spektrą. Ankstyvasis ukiyo-e grafikos vystymosi laikotarpis siejamas su Hasikawa Moronobu (1618-1694) vardu, kuris vaizdavo nesudėtingas scenas iš arbatos namų gyventojų, amatininkų gyvenimo, derindamas skirtingu laiku įvykius, nesusijusius su kiekvienu. kita, ant vienos graviūros. Raivų fonas liko baltas, linijos aiškios. Pamažu plėtėsi graviūrų temų spektras, gilėjo domėjimasis ne tik išoriniu, bet ir vidiniu veikėjų pasauliu. Japoniška graviūra 1780-1790 m. įžengia į klestėjimo laiką. Suzuki Haranobu (1725-1770) pirmą kartą pradėjo atskleisti vidinis pasaulis herojai tokiose graviūrose kaip „Gražuolės skinančios slyvos šakelę“, „Įsimylėjėliai apsnigtame sode“. Jis pirmasis panaudojo ridenimo techniką, kuri sukuria perėjimą nuo tamsaus prie šviesaus tono, varijuoja linijų storį ir tekstūrą. Jam niekada nerūpėjo tikros spalvos, jūra jo graviūrose rausva, dangus smėlingas, žolė mėlyna, viskas priklauso nuo bendro emocinė nuotaika scenos. Vienas geriausių jo kūrinių „Lovers Playing the Same Shamisen“ buvo įkvėptas japonų patarlės „Jei muzika skatina meilę, žaisk“.
Tokonoma - niša arbatos namų interjere
Kitagawa Utamaro (1753-1806) - puikus ukiyo-e meistras. Jo kūryba prasidėjo nuo albumų „Vabzdžių knyga“, „Kriauklių dainos“. Savo pusilgiuose, iki biusto vaizduojamuose moterų portretuose Utamaro pirmą kartą panaudojo žėručio pudrą, kuri sukuria žvilgantį foną. Tobulo grožio Utamaro su grakščia forma ir prigludusi galva,
plonas kaklas, maža burna, trumpi juodi antakiai. Seriale „Dešimt moteriški personažai"ir" Moterų dienos ir valandos ", jis siekė nustatyti skirtingus moterų išvaizdos ir charakterio tipus. 90-ųjų pabaigoje. Utamaro nagrinėja motinystės temą tokiose graviūrose kaip „Motina su vaiku“ ir „Kamuolio žaidimas“, tuo pat metu kuria triptiku ir poliptiku istorinėmis temomis, griebiamasi netiesioginio įvardijimo (šalies herojai vaizduojami kaip gražuolės). Teshusai Shyaraku sukūrė kabuki teatro aktorių ir sumo imtynininkų portretų seriją. Jis atsisakė visuotinai priimtų tradicijų, groteską pavertęs pagrindine technika. Trečiasis ukiyo-e spaudinių kūrimo laikotarpis patenka į 1800–1868 m. Tuo metu olandų ir vokiečių ofortų įtaka japonų menui išaugo. Menininkų dinastijos Utagavos kūrybai, individualumo paieškų atmetimas, formalios elegancijos troškimas tapo personažais. Kraštovaizdžio žanro suklestėjimas graviūroje siejamas su Katsushika Hokusai (1760-1849) vardu. Hokusai studijavo senovės ir šiuolaikinį japonų meną, išmanė Kinijos meną, susipažino su europietiška graviūra. Iki beveik 50 metų Hokusai dirbo tradicine ukiyo-e menininkų maniera. Tik Mangos albumuose (eskizų knygoje), kurių pirmasis tomas buvo išleistas 1812 m., Hokusai rado savo meno sritį. Dabar jis piešė kasdienes scenas, peizažus, minias.
Japonijos kraštovaizdžio sodai
Būdamas 70 metų Hokusai sukūrė savo seriją „36 Fudžio kalno vaizdai“, ant kiekvienos graviūros menininkas vaizduoja Fudžio kalną. Žanro temos derinimas su kraštovaizdžiu – Hokusų bruožas. Kitaip nei senovės peizažistai, Hokusai žemę rodo iš apačios. Tuo pačiu metu jis kuria serialus „Kelionė per šalies krioklius“, „Tiltai“, „Didelės gėlės“, „100 Fudži vaizdų“. Hokusai galėjo perteikti dalykus netikėtu kampu. 100 Fuji vaizdų graviūrose kalnai arba išnyra iš nakties tamsos, kaip regėjimas, arba matomi už bambuko stiebų, arba atsispindi ežere. Hokusai pasekėjas Ando Hiroshige (1797-1858) gamtą piešė daug tikroviškiau. Pagal profesiją upių agentas daug keliavo po šalį, kurdamas savo serialus „53 Tokaido stotys“, „8 Omi ežero vaizdai“, „69 Kishikaido vaizdai“. Hiroshige menas artėja prie Europos tapybos, užbaigdamas du šimtus metų trukusį ukiyo-e graviravimo klestėjimą.
ArtelinoKatsushika Hokusai (1760–1849) Didžioji banga prie Kanagavos yra vienas garsiausių spaudinių ir pirmasis serijos „Trisdešimt šeši Fuji vaizdai“ lapas. 1830-ųjų pradžioje Katsushika Hokusai, užsakytas Eijudo leidyklos, pradėjo kurti 46 lapų seriją (36 pagrindiniai ir 10 papildomų), o Didžioji banga prie Kanagavos buvo graviūra, kuri atidaro visą seriją.
Tokios graviūrų kolekcijos to meto miestiečiams pasitarnavo kaip savotiška „virtuali kelionė“, patogus ir nebrangus būdas patenkinti smalsumą. „Fuji“ tipo spaudiniai kainuoja apie 20 mėnesių – maždaug tiek pat, kiek dviguba porcija makaronų to meto japonų užkandinėje. Tačiau pasisekimas buvo toks didelis, kad iki 1838 m. Hokusų lakštų kaina išaugo iki beveik 50 mėn., o po meistro mirties vien „Wave“ iš naujų lentų buvo perspausdinta daugiau nei 1000 kartų.
Keista, bet nepaisant nurodytos visos serijos temos, Fuji filme „Bangoje“ atrodo antraeilis vaidmuo. Pagrindinis „personažas“ šioje graviūroje – banga, o pirmame plane skleidžiasi dramatiška vyro kovos su stichijomis scena. Putplasčio keteros kraštai atrodo kaip susukti fantastiško pikto demono pirštai, o žmonių figūrų beveidiškumas ir neveiklumas valtyse neleidžia abejoti, kas bus šios kovos nugalėtojas. Tačiau ne ši akistata yra konfliktas, kuris sukuria graviūros siužetą.
Sustabdęs akimirką, po kurios trenkiasi laivai, Hokusai leidžia žiūrovui akimirkai pamatyti Fudži pilko dangaus fone, tamsėjantį horizonto link. Nors japonų gravieriai jau buvo susipažinę su Europos linijinių ir oro perspektyva, jie nejautė šios technikos poreikio. Tamsus fonas, taip pat ilga akies kelionė iš priekinio plano su valtimis per bangos judėjimą į Fuji įtikina akį, kad šventąjį kalną nuo mūsų skiria jūros platybės.
Fudžis kyla toli nuo kranto kaip stabilumo ir pastovumo simbolis, priešingai nei audringi elementai. Priešybių vienybė ir tarpusavio priklausomybė grindžia kosminės tvarkos ir absoliučios harmonijos idėją Tolimųjų Rytų pasaulėžiūroje, ir būtent jos tapo pagrindine graviūros „Didžioji banga prie Kanagavos“, kuri pradėjo seriją, tema. Katsushika Hokusai.
Kitagawa Utamaro „Grožis Nanivaya Okita“, 1795–1796 m.
Čikagos meno institutas
Kitagawa Utamaro (1753-1806) pagrįstai gali būti vadinama moteriško grožio dainininke japonų spaudiniuose. ukiyo-e: jis sukūrė daugybę kanoninių japonų grožybių vaizdų ( bijinga) – arbatos namų ir garsiojo pramogų kvartalo Yoshiwara gyventojai Japonijos sostinėje Edo Edo — Tokijo pavadinimas iki 1868 m..
„Bijinga“ graviūroje viskas ne visai taip, kaip atrodo šiuolaikiniam žiūrovui. Gausiai apsirengusios kilmingos damos, kaip taisyklė, vertėsi gėdingu amatu ir priklausė žemesniajai klasei, o graviūros su gražuolių portretais turėjo atvirai reklaminę funkciją. Tuo pačiu metu graviūra nesuteikė supratimo apie mergaitės išvaizdą, ir nors Okita iš Nanivaya arbatos namų prie Asakusa šventyklos buvo laikoma pirmąja Edo gražuole, jos veidas graviūroje yra visiškai neturintis individualumo.
Nuo 10 amžiaus moterų įvaizdžiai Japonijos mene buvo pavaldūs minimalizmo kanonui. „Linijos akis, kabliukas-nosis“ – priėmimas hikime-kagihana leido menininkui tik nurodyti, kad pavaizduota tam tikra moteris: tradicinėje japonų kultūroje fizinio grožio klausimas dažnai buvo nutylėtas. Kilmingos kilmės moteryse daug labiau buvo vertinamas „širdies grožis“ ir išsilavinimas, o linksmų kvartalų gyventojai stengėsi visame kame mėgdžioti aukščiausius pavyzdžius. Pasak Utamaro, Okita buvo tikrai graži.
Lapas „Gražuolė Nanivaya Okita“ buvo išspausdintas 1795–1796 metais serijoje „Įžymios gražuolės, panašios į šešis nemirtingus poetus“, kurioje kiekvieną gražuolę atitiko vienas iš IX amžiaus rašytojų. Ant lapo su Okitos portretu viršutiniame kairiajame kampe yra Arivaros no Narihiros (825-880), vieno labiausiai gerbiamų Japonijos poetų, kuriam tradiciškai priskiriamas romanas Ise Monogatari, atvaizdas. Šis kilnus didikas ir genialus poetas taip pat išgarsėjo savo meilės reikalais, kai kurie iš jų ir buvo romano pagrindas.
Šis lapas yra savotiškas šios technikos panaudojimas mitate(palyginimai) japoniška graviūra. Autoritetingo „prototipo“ savybės perkeliamos į vaizduojamą gražuolę, o elegantiška kurtizanė, giedru veidu svečią vaišinanti arbatos puodelį, žiūrovo jau skaitoma kaip poezijoje ir meilės poelgiuose išmananti dama. Palyginimas su Arivara no Narihira tikrai buvo jos pranašumo tarp Edo gražuolių pripažinimas.
Tuo pačiu metu Utamaro sukuria stebėtinai lyrišką įvaizdį. Subalansuodamas tamsias ir šviesias lapo dėmes ir melodingomis, elegantiškomis linijomis išryškindamas formą, jis sukuria tikrai tobulą grakštumo ir harmonijos įvaizdį. „Reklama“ atsitraukia, o Utamaro užfiksuotas grožis išlieka nesenstantis.
Ogatos Korin ekranas „Irises“, 1710 m
Wikimedia Commons / Nezu muziejus, Tokijas
Porą šešių skydelių rainelės ekranų – dabar nacionalinis Japonijos lobis – sukūrė Ogata Korin (1658–1716) apie 1710 m. Nishi Hongan-ji šventyklai Kiote.
Nuo XVI amžiaus tapyba ant sienų plokščių ir popierinių ekranų Japonijoje tapo vienu iš pirmaujančių dekoratyvinio meno žanrų, o Rinpa meno mokyklos įkūrėja Ogata Korin buvo viena didžiausių jos meistrų.
Japoniško interjero ekranai vaidino svarbų vaidmenį. Erdvios rūmų patalpos struktūriškai niekuo nesiskyrė nuo paprasto japono būstų: jose beveik nebuvo vidinių sienų, erdvė buvo zonuota sulankstomais ekranais. Šiek tiek daugiau nei pusantro metro aukščio ekranai buvo sukurti taip, kad japonų tradicijos visose klasėse gyventų ant grindų. Japonijoje aukštos kėdės ir stalai nebuvo naudojami iki XIX amžiaus, o ekrano aukštis, taip pat jo paveikslo kompozicija yra skirti sėdinčio ant kelių vaizdui. Būtent šiuo požiūriu atsiranda nuostabus efektas: vilkdalgiai tarsi supa sėdintį žmogų – ir žmogus gali jaustis ant upės kranto, gėlių apsuptyje.
Irisai nudažyti nekontūrine maniera – beveik impresionistiniai, platūs tamsiai mėlynos, alyvinės ir violetinės temperos potėpiai perteikia sodrų šios gėlės didingumą. Vaizdingą efektą sustiprina blankus aukso blizgesys, prieš kurį pavaizduoti vilkdalgiai. Širmose pavaizduotos tik gėlės, tačiau jų kampinė augimo linija leidžia manyti, kad gėlės vingiuoja upės vaga arba medinių tiltelių zigzagais. Japonams būtų natūralu matyti ekrane trūkstamą tiltą, specialų „tiltą iš aštuonių lentų“ ( yatsuhashi klausykite)), klasikinėje japonų literatūroje siejami su vilkdalgiais. Romane „Ise Monogatari“ (IX a.) aprašoma liūdna iš sostinės išvaryto herojaus kelionė. Su palyda apsigyvenęs pailsėti ant upės kranto prie Yatsuhashi tilto, herojus, matydamas vilkdalgius, prisimena savo mylimąją ir kuria eilėraščius:
mano mylimasis drabužiais
Gražu ten, sostinėje,
Meilė liko...
Ir galvoju su ilgesiu kiek
Aš toli nuo jos... Vertė N.I. Konradas.
„Taigi jis susilankstė ir visi liejo ašaras ant džiovintų ryžių, kad jie išsipūtė nuo drėgmės“, – priduria istorijos autorė ir lyrinė herojė Arivara no Narihira.
Išsilavinusiam japonui ryšys tarp vilkdalgių prie tilto ir Ise monogatari, vilkdalgių ir išsiskyrusios meilės temos buvo aiškus, o Ogata Korin vengia daugiažodiškumo ir iliustratyvumo. Dekoratyvinės tapybos pagalba jis sukuria tik idealią erdvę, pripildytą šviesos, spalvų ir literatūrinių konotacijų.
Kinkakuji auksinis paviljonas, Kiotas, 1397 m
Jevgenas Pogoryelovas / flickr.com, 2006 m
Auksinė šventykla yra vienas iš Japonijos simbolių, kuri, kaip ironiška, buvo šlovinama labiau dėl sunaikinimo, o ne dėl pastatymo. 1950 m. psichiškai nestabilus Rokuonji vienuolyno, kuriam priklauso šis pastatas, vienuolis padegė tvenkinį, stovėjusį ant jo paviršiaus.
paviljonas Per gaisrą 1950 m. šventykla buvo beveik sunaikinta. Restauravimo darbai Kinkaku-ji buvo pradėti 1955 m., iki 1987 m. buvo baigta rekonstrukcija, tačiau visiškai prarastos vidaus apdailos restauravimas tęsėsi iki 2003 m.. Tikrieji jo poelgio motyvai liko neaiškūs, tačiau rašytojo Yukio Mishimos interpretacijoje kaltas nepasiekiamas, kone mistiškas šios šventyklos grožis. Iš tiesų, kelis šimtmečius Kinkakuji buvo laikomas Japonijos grožio įsikūnijimu.
1394 m. Šogunas Ashikaga Yoshimitsu (1358–1408), savo valiai pajungęs beveik visą Japoniją, oficialiai išėjo į pensiją ir apsigyveno specialiai pastatytoje viloje Kioto šiaurėje. Trijų aukštų pastatas ant dirbtinio Kyokoti ežero („ežeras-veidrodis“) atliko savotiško atsiskyrėlio, nuošalaus poilsio, skaitymo ir maldos paviljono, vaidmenį. Jame buvo šoguno paveikslų kolekcija, biblioteka ir budistų relikvijų kolekcija. Įsikūręs ant vandens netoli kranto, Kinkakuji su krantu susisiekė tik valtimis ir buvo tokia pati sala kaip dirbtinės salos su akmenimis ir pušimis, išsibarsčiusiomis aplink Kyokoti. „Dangaus salos“ idėja buvo pasiskolinta iš kinų mitologijos, kurioje Penglai sala, nemirtingųjų sala, tarnavo kaip dangaus buveinės įvaizdis. Paviljono atspindys vandenyje jau kelia budistines asociacijas su idėjomis apie mirtingojo pasaulio iliuziškumą, o tai tik blyškus budistinės tiesos pasaulio spindesio atspindys.
Nors visi šie mitologiniai atspalviai yra spekuliatyvūs, paviljono vieta suteikia jam nuostabią harmoniją ir harmoniją. Atspindys paslepia pastato pritūpimą, todėl jis aukštesnis ir lieknesnis; tuo pačiu paviljono aukštis leidžia jį matyti iš bet kurio tvenkinio kranto, visada tamsiame žalumos fone.
Tačiau iki galo neaišku, kiek auksinis buvo šis paviljonas originali forma. Tikriausiai, valdant Ashikaga Yoshimitsu, jis tikrai buvo padengtas aukso lapais ir apsauginis sluoksnis lakas. Bet jei tikėti XIX amžiaus – XX amžiaus pradžios ir Yukio Mishima nuotraukomis, tai iki XX amžiaus vidurio auksas buvo beveik nulukštentas ir jo liekanos buvo matomos tik viršutinėje pastato pakopoje. Šiuo metu jis labiau palietė sielą nykimo žavesiu, laiko pėdsakais, nenumaldomais net iki gražiausių dalykų. Šis melancholiškas žavesys atitiko estetinį principą sabi labai gerbiamas japonų kultūroje.
Vienaip ar kitaip, šio pastato spindesys buvo visai ne auksinis. Išskirtinis Kinkakuji formų griežtumas ir nepriekaištinga harmonija su kraštovaizdžiu daro jį vienu iš Japonijos architektūros šedevrų.
Karatsu stiliaus dubuo „Iris“, XVI-XVII a
Diane Martineau /pinterest.com/Metropoliteno meno muziejus, Niujorkas
Žodis meibutsu- daiktas su pavadinimu. Iš tikrųjų išliko tik šios taurės pavadinimas, nes nebuvo išsaugotas nei tikslus jos sukūrimo laikas ir vieta, nei meistro vardas. Nepaisant to, jis įtrauktas į Japonijos nacionalinių lobių sąrašą ir yra vienas ryškiausių nacionalinio stiliaus keramikos pavyzdžių.
XVI amžiaus pabaigoje arbatos ceremonija cha-no-yu atsisakė įmantrių Kiniškas porcelianas ir keramika su brangias medžiagas primenančiomis glazūromis. Jų įspūdingas grožis arbatos meistrams atrodė pernelyg dirbtinis ir atviras. Tobuli ir brangūs daiktai – dubenys, vandens indai ir arbatos puodeliai – neatitiko beveik asketiškų dzenbudizmo dvasinių kanonų, kurių dvasia vystėsi arbatos ceremonija. Tikra arbatos veiksmo revoliucija buvo kreipimasis į japonų keramiką, daug paprastesnę ir menkesnę tuo metu, kai Japonijos dirbtuvėse dar tik buvo pradėtos įvaldyti žemyninės keramikos technologijos.
Iris dubenėlio forma yra paprasta ir netaisyklinga. Nedidelis sienų išlinkimas, visame kūne matomi puodžiaus įdubimai suteikia dubeniui kone naivaus lengvumo. Molio skeveldra padengta šviesia glazūra su plyšių tinklu – craquelure. Priekinėje pusėje, kuri kreipiasi į svečią arbatos ceremonijos metu, po glazūra pritaikytas rainelės vaizdas: piešinys naivus, bet atliktas energingu teptuku, tiksliai, tarsi vienu judesiu, dzen dvasia. kaligrafija. Atrodo, kad ir forma, ir dekoras galėjo būti pagaminti spontaniškai ir nenaudojant specialių jėgų.
Šis spontaniškumas atspindi idealą wabi- paprastumas ir meniškumas, sukeliantis dvasinės laisvės ir harmonijos jausmą. Bet kuris asmuo ar net negyvas objektas japonų dzenbudizmo pasekėjų požiūriu turi nušvitusią Budos prigimtį, o adepto pastangos yra nukreiptos į šią prigimtį savyje ir jį supančiame pasaulyje. Arbatos ceremonijoje naudojami daiktai, nepaisant visų savo nerangumo, turėjo sukelti gilų tiesos išgyvenimą, kiekvienos akimirkos aktualumą, priversti pažvelgti į pačias įprasčiausias formas ir pamatyti jose tikrąjį grožį.
Kontrastas grubiai dubenėlio tekstūrai ir jo paprastumas yra restauravimas smulkiu nuskeltu aukso laku (ši technika vadinama kintsugi). Restauravimas buvo atliktas XVIII amžiuje ir parodo, su kokia pagarba japonų arbatos meistrai elgėsi su arbatos ceremonijos indais. Taigi arbatos ceremonija suteikia dalyviams „būdą“ atrasti tikrąjį daiktų grožį, pavyzdžiui, Iris dubenį. Neakivaizdiškumas, slaptumas tapo estetinės wabi sampratos pagrindu ir svarbia japonų pasaulėžiūros dalimi.
Vienuolio Gandzino portretas, Nara, 763 m
Toshodaji, 2015 m
VIII amžiuje skulptūra tapo pagrindine epochos – Naros eros (710-794) meninės raiškos forma, siejama su Japonijos valstybingumo formavimu ir budizmo stiprėjimu. Japonijos meistrai jau įveikė pameistrystės ir aklo kontinentinių technikų bei įvaizdžių imitavimo etapą ir pradėjo laisvai bei ryškiai reikšti savo laikmečio dvasią skulptūroje. Budizmo autoriteto plitimas ir augimas lėmė budizmo skulptūrinio portreto atsiradimą.
Vienas iš šio žanro šedevrų – Gandzino portretas, sukurtas 763 m. Beveik natūralaus dydžio skulptūra, pagaminta sauso lako technika (ant medinio karkaso, padengto audiniu) pagaminta lako sluoksnius, buvo tikroviškai nutapyta, o šventyklos prieblandoje Ganjinas sėdėjo meditacijos poza „kaip. jei gyvas“. Šis gyvenimiškumas buvo pagrindinė tokių portretų kultinė funkcija: mokytojas visada turėjo būti tarp Naros miesto Todaiji vienuolyno sienų ir dalyvauti svarbiausiose dieviškosiose pamaldose.
Vėliau, XI–XIII a., skulptūriniai portretai pasiekė beveik negailestingą iliuzionizmą, vaizduojantį garbingų mokytojų senatvinę negalią, įdubusias burnas, suglebusius skruostus ir gilias raukšles. Šiuose portretuose į budizmo šalininkus žvelgiama gyvomis akimis, inkrustuotais kalnų krištolu ir medžiu. Bet Gandzino veidas atrodo neryškus, jame nėra aiškių kontūrų ir aiškių formų. Pusiau užmerktų ir neinkrustuotų akių vokai atrodo patinę; įtempta burna ir gilios nosies-labso raukšlės išreiškia įprastą atsargumą, o ne meditacijos susikaupimą.
Visi šie bruožai atskleidžia dramatišką šio vienuolio biografiją, nuostabaus asketizmo ir tragedijų istoriją. Ganjinas, Kinijos budistų vienuolis, buvo pakviestas į Japoniją didžiausio Naros vienuolyno Todaiji pašventinimo ceremonijai. Laivą užgrobė piratai, ugnyje dingo neįkainojamos ritinėliai ir budistų skulptūros, skirtos tolimai Japonijos šventyklai, Ganjinas apdegė veidą ir prarado regėjimą. Tačiau jis nepaliko noro pamokslauti tolimuose civilizacijos pakraščiuose – būtent kaip Japoniją tuo metu suvokė žemynas.
Dar keli bandymai perplaukti jūrą baigėsi taip pat nesėkmingai ir tik penktuoju bandymu jau vidutinio amžiaus, aklas ir liguistas Ganjinas pasiekia Japonijos sostinę Narą.
Japonijoje Ganjinas neilgai dėstė budizmo įstatymus: dramatiški jo gyvenimo įvykiai pakenkė jo sveikatai. Tačiau jo autoritetas buvo toks didelis, kad tikriausiai dar prieš mirtį buvo nuspręsta sukurti jo skulptūrą. Be jokios abejonės, menininkai-vienuoliai siekė, kad skulptūra būtų kuo labiau panaši į modelį. Tačiau tai nebuvo padaryta siekiant išsaugoti išvaizdažmogaus, bet tam, kad užfiksuotų jo individualią dvasinę patirtį, tą sunkų kelią, kurį nuėjo Ganjinas ir į kurį kvietė budizmo mokymas.
Daibutsu – Didysis Buda Todaiji šventykloje, Nara, VIII amžiaus vidurys
Todd/flickr.com
8 amžiaus viduryje Japonija kentėjo nuo stichinių nelaimių ir epidemijų, o įtakingos Fujiwara šeimos intrigos ir jų keliamas maištas privertė imperatorių Šomu bėgti iš sostinės Naros miesto. Tremtyje jis prisiekė eiti budizmo mokymų keliu ir 743 m. įsakė pradėti statyti pagrindinę šalies šventyklą ir išlieti kolosalų. bronzinė statula Buda Vairochana (Buddha Great Sun arba All Illuminating Light). Ši dievybė buvo laikoma visuotiniu budizmo mokymo pradininko Budos Šakjamunio įsikūnijimu ir turėjo tapti imperatoriaus bei visos šalies apsaugos garantu neramumų ir maišto laikotarpiu.
Darbai pradėti 745 m. ir buvo sukurti pagal milžinišką Budos statulą Longmeno urvo šventyklose netoli Kinijos sostinės Luojango. Naroje esanti statula, kaip ir bet kuris Budos atvaizdas, turėjo rodyti „didžiuosius ir mažus Budos ženklus“. Šis ikonografinis kanonas apėmė pailgas ausų spenelius, primenančias tai, kad Buda Šakjamunis buvo kilęs iš kunigaikščių šeimos ir nuo vaikystės nešiojo sunkius auskarus, paaukštintą viršugalvį (ushnisha), tašką kaktoje (urną).
Statulos aukštis – 16 metrų, veido plotis – 5 metrai, ištiesto delno ilgis – 3,7 metro, urna – didesnė už žmogaus galvą. Statyboms prireikė 444 tonų vario, 82 tonų alavo ir didžiulio kiekio aukso, kurio paieškos buvo specialiai imtasi šalies šiaurėje. Aplink statulą buvo pastatyta salė Daibutsuden, skirta apsaugoti šventovę. Savo mažoje erdvėje visą erdvę užpildo šiek tiek pasilenkusi sėdinti Budos figūra, iliustruojanti vieną pagrindinių budizmo postulatų – idėją, kad dievybė yra visur esanti ir viską persmelkianti, ji apkabina ir užpildo viską. Transcendentinė veido ramybė ir dievybės rankos gestas (mudra, apsaugos suteikimo gestas) papildo ramios Budos didybės ir galios jausmą.
Tačiau šiandien išlikę tik keli originalios statulos fragmentai: gaisrai ir karai statulą padarė milžinišką žalą XII–XVI a., o šiuolaikinė statula daugiausia yra XVIII a. Restauruojant XVIII a., bronzinė figūra nebebuvo dengta auksu. Imperatoriaus Šomu budistinis uolumas VIII amžiuje praktiškai ištuštino iždą ir nukraujavo jau taip sukrėstą šalį, o vėlesni valdovai nebegalėjo sau leisti tokių besaikių išlaidų.
Nepaisant to, Daibutsu reikšmė slypi ne aukse ir net ne patikimame autentikoje - pati tokio grandiozinio budizmo mokymo įkūnijimo idėja yra paminklas erai, kai japonai. monumentalus menas patyrė tikrą žydėjimą, išsivadavo nuo aklo žemyninių modelių kopijavimo ir pasiekė vientisumo bei išraiškingumo, kurie vėliau buvo prarasti.
Japonija? Kaip tai išsivystė? Į šiuos ir kitus klausimus atsakysime straipsnyje. Japonijos kultūra susiformavo kaip istorinio judėjimo, prasidėjusio japonams persikėlus iš žemyno į salyną ir gimus Džomono laikotarpio civilizacijai, rezultatas.
Dabartiniam šios tautos šviesumui didelę įtaką padarė Europa, Azija (ypač Korėja ir Kinija) ir Šiaurės Amerika. Vienas iš Japonijos kultūros požymių – ilga jos raida visiškos valstybės izoliacijos (sakoku politikos) eroje nuo visų kitų šalių valdant Tokugavos šogunatui, kuri tęsėsi iki XIX amžiaus vidurio – pradžios. Meiji era.
Įtaka
Kaip vystėsi Japonijos meninė kultūra? Civilizacijai didelę įtaką darė izoliuota regioninė šalies padėtis, klimatiniai ir geografiniai ypatumai, taip pat gamtos reiškiniai (taifūnai ir dažni žemės drebėjimai). Tai išreiškė nepaprastas gyventojų požiūris į gamtą kaip į gyvą būtybę. funkcija nacionalinis charakteris Japonų kalba – tai gebėjimas grožėtis dabartiniu visatos grožiu, kuris išreiškiamas daugelyje meno rūšių mažoje šalyje.
Japonijos meninė kultūra buvo sukurta budizmo, šintoizmo ir konfucianizmo įtakoje. Tos pačios tendencijos turėjo įtakos tolesnei jos raidai.
senovės laikai
Sutikite, Japonijos meninė kultūra yra nuostabi. Šintoizmo šaknys siekia senovės. Budizmas, nors ir atsirado prieš mūsų erą, pradėjo plisti tik nuo V a. Heiano laikotarpis (VIII–XII a.) laikomas auksine Japonijos valstybingumo era. Tuo pačiu laikotarpiu vaizdinga šios šalies kultūra pasiekė aukščiausią tašką.
Konfucianizmas atsirado XIII a. Šiame etape Konfucijaus ir budizmo filosofija buvo atskirta.
Hieroglifai
Japonijos meninės kultūros įvaizdis įkūnytas unikalioje versijoje, kuri vadinama Šioje šalyje taip pat labai išvystytas kaligrafijos menas, kuris, pasak legendos, kilo iš dangiškų dieviškų vaizdų. Būtent jie įkvėpė raštui gyvybės, todėl gyventojai yra malonūs kiekvienam rašybos ženklui.
Sklando gandai, kad japonų kultūrą davė hieroglifai, nes iš jų atsirado užrašus supantys vaizdai. Kiek vėliau pradėtas pastebėti stiprus tapybos ir poezijos elementų derinys viename kūrinyje.
Išstudijavę japonišką ritinį pamatysite, kad kūrinyje yra dviejų rūšių simbolių. Tai rašto ženklai – antspaudai, eilėraščiai, kolofenas, taip pat vaizdingi. Tuo pačiu metu Kabuki teatras įgijo didelį populiarumą. Kitoks teatro tipas - Bet - daugiausia renkasi kariškiai. jų griežtumas ir žiaurumas turėjo didelę įtaką Nr.
Tapyba
Meninę kultūrą tyrinėjo daug specialistų. Didžiulį vaidmenį jo formavime suvaidino kaiga tapyba, kuri japoniškai reiškia piešimą arba tapybą. Šis menas laikomas seniausia valstybės tapybos rūšimi, kurią lemia daugybė sprendimų ir formų.
Joje ypatingą vietą užima gamta, kuri lemia sakralinį principą. Tapybos skirstymas į sumi-e ir yamato-e egzistuoja nuo X amžiaus. Pirmasis stilius išsivystė arčiau XIV a. Tai savotiška monochrominė akvarelė. Yamato-e yra horizontaliai sulankstyti ritinėliai, kurie dažniausiai naudojami literatūros kūrinių dekoravimui.
Kiek vėliau, XVII amžiuje, šalyje atsirado spauda ant planšetinių kompiuterių – ukiyo-e. Meistrai vaizdavo peizažus, geišas, žinomus Kabuki teatro aktorius. Šis tapybos tipas XVIII amžiuje padarė didelę įtaką Europos menui. Atsirandanti tendencija buvo pavadinta „japonizmu“. Viduramžiais Japonijos kultūra peržengė šalies sienas – ji pradėta naudoti kuriant stilingus ir madingus interjerus visame pasaulyje.
Kaligrafija
Oi, kokia graži Japonijos meninė kultūra! Harmonijos su gamta suvokimas matomas kiekviename jos segmente. Kas yra šiuolaikinė japonų kaligrafija? Jis vadinamas shodo („pranešimų būdas“). Kaligrafija, kaip ir rašymas, yra privaloma disciplina. Mokslininkai nustatė, kad šis menas atsirado kartu su kinų raštu.
Beje, senovėje apie žmogaus kultūrą buvo sprendžiama pagal jo kaligrafijos lygį. Šiandien yra daugybė rašymo stilių, kuriuos plėtoja budistų vienuoliai.
Skulptūra
Kaip atsirado japonų kultūra? Mes kiek įmanoma išsamiau išnagrinėsime šios žmogaus gyvenimo srities raidą ir tipus. Skulptūra yra seniausia meno rūšis Japonijoje. Senovėje šios šalies žmonės iš keramikos gamindavo stabų figūrėles, indus. Tada žmonės ant kapų pradėjo montuoti chanivo statulas, sukurtas iš kepto molio.
Skulptūrinio amato raida šiuolaikinėje Japonijos kultūroje siejama su budizmo plitimu valstybėje. Vienu seniausių Japonijos paminklų atstovų laikoma Budos Amitabhos statula, pagaminta iš medžio, pastatyta Zenko-ji šventykloje.
Skulptūros labai dažnai būdavo daromos iš sijų, tačiau atrodė itin sodriai: meistrai jas padengdavo laku, auksu, ryškiomis spalvomis.
Origami
Ar jums patinka Japonijos meninė kultūra? Supratimas apie harmoniją su gamta suteiks nepamirštamų įspūdžių. būdingas bruožas Japonijos kultūra tapo nuostabiais origami („sulankstyto popieriaus“) gaminiais. Šis įgūdis kilęs iš Kinijos, kur iš tikrųjų buvo išrastas pergamentas.
Iš pradžių „lankstytas popierius“ buvo naudojamas religinėse apeigose. Šio meno galėjo mokytis tik aukštesnioji klasė. Tačiau po Antrojo pasaulinio karo origami paliko didikų namus ir rado savo gerbėjų visoje Žemėje.
Ikebana
Kiekvienas turėtų žinoti, kokia yra Rytų šalių meninė kultūra. Japonija į jos plėtrą investavo daug darbo. Kitas šios kultūros komponentas nuostabi šalis yra ikebana („gyvos gėlės“, „naujas gėlių gyvenimas“). Japonai yra estetikos ir paprastumo gerbėjai. Būtent šios dvi savybės yra investuojamos į darbus. Vaizdų rafinuotumas pasiekiamas naudingai naudojant natūralų augmenijos grožį. Ikebana, kaip ir origami, taip pat buvo religinės ceremonijos dalis.
Miniatiūros
Tikriausiai daugelis jau suprato, kad Senovės Kinijos ir Japonijos meninė kultūra yra glaudžiai susipynusi. O kas yra bonsai? Tai unikalus japonų įgūdis išauginti beveik tikslią miniatiūrinę tikro medžio kopiją.
Japonijoje taip pat įprasta gaminti netsuke – mažas skulptūrėles, kurios yra savotiškas raktų pakabukas. Dažnai tokios figūrėlės tokios talpos būdavo tvirtinamos prie japonų drabužių, kurie neturėjo kišenių. Jie ne tik papuošė jį, bet ir tarnavo kaip originali atsvara. Raktų pakabukai buvo gaminami rakto, maišelio, pinto krepšelio pavidalu.
Tapybos istorija
Senovės Japonijos meninė kultūra domina daugelį žmonių. Tapyba šioje šalyje atsirado Japonijos paleolito laikotarpiu ir vystėsi taip:
- Yamato laikotarpis. Asukos ir Kofuno laikais (IV–VII a.), kartu su hieroglifų įvedimu, kiniško stiliaus valstybės režimo sukūrimu ir budizmo populiarėjimu, į Japoniją iš Kinijos buvo atvežta daug meno kūrinių. Po to Tekančios saulės šalyje pradėti atgaminti kiniško stiliaus paveikslai.
- Naros laikas. VI ir VII a. Budizmas Japonijoje toliau vystėsi. Šiuo atžvilgiu pradėjo klestėti religinė tapyba, kuria buvo puošiama daugybė aristokratijos statytų šventyklų. Apskritai Naros epochoje indėlis į skulptūros ir meno raidą buvo didesnis nei tapyboje. Ankstyvieji šio ciklo paveikslai apima freskas ant Horyu-ji šventyklos vidaus sienų Naros prefektūroje, vaizduojančias Šakjamunio Budos gyvenimą.
- Heiano era. Japonų tapyboje, pradedant nuo 10 amžiaus, išskiriama yamato-e tendencija, apie kurią rašėme aukščiau. Tokie paveikslai yra horizontalūs ritinėliai, naudojami knygoms iliustruoti.
- Muromachi era. XIV amžiuje pasirodė Supi-e stilius (vienspalvė akvarelė), o XVII amžiaus pirmoje pusėje. dailininkai ant lentų pradėjo spausdinti graviūras – ukiyo-e.
- Azuchi-Momoyama eros tapyba ryškiai kontrastuoja su Muromachi laikotarpio tapyba. Ji turi polichrominį stilių su daugybe sidabro ir. Šiuo laikotarpiu mėgavosi dideliu prestižu ir šlove. švietimo įstaiga Kano. Jos įkūrėjas buvo Kano Eitoku, kuris nudažė lubas ir stumdomas duris į atskirus kambarius. Tokie piešiniai puošė karinės aukštuomenės pilis ir rūmus.
- Maiji era. Nuo antrojo pusė XIX amžiuje menas suskilo į konkuruojančius tradicinius ir europietiškus stilius. Maiji eros metu Japonija patyrė didelių socialinių ir politinių pokyčių per valdžios organizuotą modernizacijos ir europeizacijos procesą. Jauni, perspektyvūs menininkai buvo išsiųsti studijuoti į užsienį, o užsienio menininkai atvyko į Japoniją kurti mokyklinių meno programų. Kad ir kaip būtų, po pirminio smalsumo Vakarų meno stiliumi bangos švytuoklė svyravo atgal ir japonų tradicinis stilius atgimė. 1880 m. Vakarų meno praktika buvo uždrausta oficialiose parodose ir buvo smarkiai kritikuojama.
Poezija
Senovės Japonijos meninė kultūra vis dar tiriama. Jo bruožas – universalumas, šiek tiek sintetika, nes susiformavo veikiant įvairioms religijoms. Yra žinoma, kad japonų klasikinė poezija atsirado iš kasdienio gyvenimo, veikė jame ir šis jos žemiškumas tam tikru mastu buvo išsaugotas tradicinėse šių dienų poezijos formose – trijų eilučių haiku ir penkių eilučių tankoje, kurios išsiskiria ryškiu masinis charakteris. Beje, kaip tik ši savybė išskiria juos nuo „laisvosios eilės“, traukiančios į elitizmą, atsiradusios Japonijoje XX amžiaus pradžioje Europos poezijos įtakoje.
Ar pastebėjote, kad Japonijos meninės kultūros raidos etapai yra daugialypiai? Ypatingą vaidmenį šios šalies visuomenėje atliko poezija. Vienas žinomiausių žanrų yra haiku, jį suprasti galima tik susipažinus su jo istorija.
Pirmą kartą jis pasirodė Heiano eroje, buvo panašus į renga stilių, kuris buvo savotiška išeitis poetams, norintiems pailsėti nuo apgalvotų wah eilių. Haikai tapo savarankišku žanru XVI amžiuje, kai renga tapo pernelyg rimta ir haiku rėmėsi šnekamoji kalba ir vis dar buvo juokingas.
Žinoma, Japonijos meninė kultūra trumpai aprašyta daugelyje kūrinių, tačiau pabandysime apie tai pakalbėti plačiau. Yra žinoma, kad viduramžiais vienas garsiausių japonų literatūros žanrų buvo tanka („lakoniška daina“). Daugeliu atvejų tai yra penkių eilučių, susidedanti iš strofų poros su fiksuotu skiemenų skaičiumi: 5-7-5 skiemenys trijose pirmojo posmo eilutėse ir 7-7 dviejose antrojo posmo eilutėse. Kalbant apie turinį, tankoje naudojama tokia schema: pirmasis posmas atspindi konkretų natūralų vaizdą, o antrasis atspindi žmogaus jausmą, kuris atkartoja šį vaizdą:
- Tolimuose kalnuose
Ilgauodegių fazanų snūduriavimas -
Šią ilgą, ilgą naktį
Ar galiu miegoti vienas? ( Kakinomoto no Hitovaro, VIII amžiaus pradžia, išvertė Sanovičius.)
Japonų dramaturgija
Daugelis teigia, kad Kinijos ir Japonijos meninė kultūra užburia. Ar tau patinka scenos menai? Tradicinė Tekančios saulės šalies dramaturgija skirstoma į joruri (lėlių teatras), Noh teatro dramaturgiją (kyogen ir yokyoku), kabuki teatrą ir shingeki. Šio meno papročiai apima penkis pagrindinius teatro žanrus: kyogen no, bugaku, kabuki ir bunraku. Visos šios penkios tradicijos gyvuoja ir šiandien. Nepaisant didžiulių skirtumų, juos sieja bendri estetiniai principai, kuriais grindžiamas japonų menas. Beje, Japonijos dramaturgija atsirado scenoje Nr.
Kabuki teatras pasirodė XVII amžiuje ir pasiekė savo apogėjų XVIII amžiaus pabaigoje. Šiuolaikinėje Kabuki scenoje išsaugoma per nurodytą laikotarpį susiformavusi spektaklių forma. Šio teatro pastatymai, priešingai nei No scenos, orientuotos į siaurą antikinio meno gerbėjų ratą, yra skirti masinei publikai. Kabuki įgūdžių šaknys kyla iš komikų pasirodymų – mažų farsų atlikėjų, scenų, kurias sudarė šokiai ir dainavimas. Teatriniai Kabuki įgūdžiai absorbavo joruri elementus ir Nr.
Kabuki teatro atsiradimas siejamas su budistų šventovės O-Kuni darbuotojo Kiote (1603 m.) vardu. O-Kuni scenoje koncertavo su religiniais šokiais, tarp kurių buvo ir Nembutsu-odori liaudies šokių judesiai. Jos pasirodymai buvo įsiterpę į komiškas pjeses. Šiame etape kūriniai buvo vadinami yujo-kabuki (kurtizanių kabuki), o-kuni-kabuki arba onna-kabuki (damų kabuki).
Graviruotės
Praėjusiame amžiuje europiečiai, o vėliau ir rusai, susidūrė su japonų meno reiškiniu per graviūrą. Tuo tarpu Tekančios saulės šalyje piešti ant medžio iš pradžių apskritai nebuvo laikomas įgūdžiu, nors turėjo visas masinės kultūros savybes – pigumą, prieinamumą, tiražą. Ukiyo-e žinovai sugebėjo pasiekti aukščiausią suprantamumą ir paprastumą tiek įkūnydami siužetus, tiek pasirinkdami.
Ukiyo-e buvo speciali meno mokykla, todėl ji sugebėjo iškelti daugybę puikių meistrų. Taigi Hisikawa Moronobu (1618-1694) vardas siejamas su pradine siužetinės graviūros raidos faze. XVIII amžiaus viduryje sukūrė Suzuki Harunobu, pirmasis daugiaspalvės graviūros žinovas. Pagrindiniai jo kūrybos motyvai buvo lyrinės scenos, kuriose dėmesys buvo skiriamas ne veiksmui, o nuotaikų ir jausmų perteikimui: meilei, švelnumui, liūdesiui. Kaip ir išskirtinis senovinis Heiano eros menas, ukiyo-e virtuozai atnaujintoje miesto aplinkoje atgaivino nepaprastą išskirtinio moterų grožio kultą.
Skirtumas tik tas, kad vietoj išdidžių Heiano aristokratų spaudiniuose buvo pavaizduotos grakščios geišos iš Edo pramogų rajonų. Dailininkas Utamaro (1753-1806) – ko gero, unikalus tapybos istorijoje profesionalo pavyzdys, savo kūrybą visiškai atsidavęs damų vaizdavimui įvairiomis pozomis ir suknelėmis, įvairiomis gyvenimo aplinkybėmis. Vienas geriausių jo darbų – graviūra „Geiša Osama“, saugoma Maskvoje, Puškino tapybos muziejuje. Menininkė neįprastai subtiliai perteikė gesto ir nuotaikos vienovę, veido išraiškas.
Manga ir anime
Daugelis menininkų bando studijuoti Japonijos tapybą. Kas yra anime (japoniška animacija)? Ji skiriasi nuo kitų animacijos žanrų tuo, kad yra labiau pritaikyta suaugusiam žiūrovui. Čia yra dvigubas skirstymas į stilius, kad būtų galima vienareikšmiškai tikslinė auditorija. Sugniuždymo matas yra filmo žiūrovo lytis, amžius ar psichologinis portretas. Labai dažnai anime yra japoniškų manga komiksų ekranizacija, kuri taip pat sulaukė didžiulės šlovės.
Pagrindinė mangos dalis skirta suaugusiam žiūrovui. 2002 metų duomenimis, apie 20% visos Japonijos knygų rinkos buvo užėmę manga komiksai.
Japonija mums artima geografiškai, tačiau, nepaisant to, ilgą laiką išliko nesuprantama ir neprieinama visam pasauliui. Šiandien apie šią šalį žinome daug. Ilga savanoriška izoliacija lėmė tai, kad jos kultūra visiškai skiriasi nuo kitų valstybių kultūrų.
Turi labai turtingą istoriją; jos tradicija yra plati, o unikali Japonijos padėtis pasaulyje daro didelę įtaką dominuojantiems japonų menininkų stiliams ir technikoms. Žinomas faktas Tai, kad Japonija šimtmečius buvo gana izoliuota, lėmė ne tik geografija, bet ir dominuojantis japonų kultūrinis polinkis į izoliaciją, paženklinusią šalies istoriją. Per šimtmečius, kuriuos galėtume vadinti „Japonijos civilizacija“, kultūra ir menas vystėsi atskirai nuo likusio pasaulio. Ir tai netgi pastebima japonų tapybos praktikoje. Pavyzdžiui, Nihonga paveikslai yra vieni iš Japonijos tapybos praktikos pagrindinių. Jis paremtas daugiau nei tūkstančio metų tradicija, o paveikslai dažniausiai kuriami teptukais ant jūsų (japoniško popieriaus) arba egina (šilko).
Tačiau japonų menas ir tapyba buvo paveikti užsienio meninės praktikos. Pirma, tai buvo kinų menas XVI amžiuje ir kinų tapyba bei kinų meno tradicijos, kurios buvo ypač įtakingos keliais atžvilgiais. Nuo XVII amžiaus japonų tapybai įtakos turėjo ir Vakarų tradicijos. Visų pirma, prieškariniu laikotarpiu, kuris truko 1868–1945 m., Japonijos tapyba buvo paveikta impresionizmo ir Europos romantizmo. Tuo pat metu naujiems Europos meno judėjimams didelę įtaką darė ir japonai meninės technikos. Meno istorijoje ši įtaka vadinama „japonizmu“, ypač reikšminga impresionistams, kubistams ir su modernizmu siejamiems menininkams.
Ilgą japonų tapybos istoriją galima vertinti kaip kelių tradicijų, kurios sukuria pripažintos japonų estetikos dalis, sintezę. Visų pirma, budizmo menas ir tapybos metodai bei religinė tapyba paliko reikšmingą pėdsaką japonų tapybos estetikoje; Peizažų tapyba vandens rašalu pagal kinų literatūros tapybos tradiciją yra dar vienas svarbus elementas, pripažintas daugelyje garsių japonų paveikslų; gyvūnų ir augalų, ypač paukščių ir gėlių, tapyba yra tai, kas dažniausiai siejama su japonų kompozicijomis, kaip ir peizažai bei scenos iš Kasdienybė. Galiausiai, senovės idėjos apie grožį iš senovės Japonijos filosofijos ir kultūros turėjo didelę įtaką japonų tapybai. Wabi, reiškiantis trumpalaikį ir atšiaurų grožį, sabi (natūralios patinos ir senėjimo grožis) ir yugen (gili grakštumas ir subtilumas) vis dar įtakoja idealus japonų tapybos praktikoje.
Galiausiai, jei sutelksime dėmesį į dešimties garsiausių Japonijos šedevrų, turime paminėti ukiyo-e, kuris yra vienas populiariausių meno žanrų Japonijoje, nors ir priklauso estampai. Ji dominavo japonų mene XVII–XIX amžiuje, o šiam žanrui priklausantys menininkai kūrė medžio raižinius ir paveikslus tokiomis temomis kaip gražios merginos, kabuki aktoriai ir sumo imtynininkai, taip pat istorijos ir liaudies pasakų scenas, kelionių scenas ir peizažus, augaliją. ir fauna ir net erotika.
Visada sunku sudaryti sąrašą geriausios nuotraukos iš menines tradicijas. Daugelis nuostabių kūrinių bus neįtraukti; tačiau šiame sąraše yra dešimt labiausiai atpažįstamų japonų paveikslų pasaulyje. Šiame straipsnyje bus pristatomi tik paveikslai, sukurti nuo XIX amžiaus iki šių dienų.
Japonijos tapyba turi nepaprastai turtingą istoriją. Per šimtmečius japonų menininkai sukūrė daugybę unikalių technikų ir stilių, kurie yra vertingiausias Japonijos indėlis į meno pasaulį. Viena iš šių technikų yra sumi-e. Sumi-e pažodžiui reiškia „piešimas tušu“, derinant kaligrafiją ir tapybą tušu, sukuriant retą teptuku tapytų kompozicijų grožį. Šis grožis paradoksalus – senovinis, bet modernus, paprastas, bet sudėtingas, drąsus, tačiau nuosaikus, neabejotinai atspindintis dvasinį meno pagrindą dzenbudizme. Budistų kunigai šeštajame amžiuje iš Kinijos į Japoniją atvežė kieto rašalo bloką ir bambukinį teptuką, o per pastaruosius 14 amžių Japonija išplėtojo turtingą tapybos tušu paveldą.
Slinkite žemyn ir pamatysite 10 japonų tapybos šedevrų
1. Katsushika Hokusai "Žvejo žmonos svajonė"
Vienas iš labiausiai atpažįstamų japonų paveikslų yra „Žvejo žmonos sapnas“. Jį 1814 metais nutapė garsus dailininkas Hokusai. Pagal griežtus apibrėžimus, šis nuostabus Hokusai kūrinys negali būti laikomas paveikslu, nes tai yra ukiyo-e medžio raižinys iš Jaunų pušų (Kinoe no Komatsu), kuri yra trijų tomų šunga knyga. Kompozicijoje vaizduojamas jaunas ama naras, seksualiai susipynęs su aštuonkojų pora. Šis vaizdas turėjo didelę įtaką XIX ir XX a. Darbas paveikė vėlesnius menininkus, tokius kaip Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf ir Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka „Abe no Nakamaro rašo nostalgišką eilėraštį žiūrėdamas į mėnulį“
Tessai Tomioka yra garsaus japonų menininko ir kaligrafo pseudonimas. Jis laikomas paskutiniu didžiausiu menininku pagal Bunjing tradiciją ir vienu pirmųjų pagrindinių Nihonga stiliaus menininkų. Bunjinga buvo japonų tapybos mokykla, klestėjusi vėlyvuoju Edo laikotarpiu tarp menininkų, kurie save laikė literatais ar intelektualais. Kiekvienas iš šių menininkų, įskaitant Tessaia, sukūrė savo stilių ir techniką, tačiau jie visi buvo dideli Kinijos meno ir kultūros gerbėjai.
3. Fujishima Takeji „Saulėtekis virš Rytų jūros“
Fujishima Takeji buvo japonų menininkas, žinomas dėl savo darbų plėtojant romantizmą ir impresionizmą jogos (vakarietiško stiliaus) meno judėjime XIX amžiaus pabaigoje ir XX amžiaus pradžioje. 1905 m. jis išvyko į Prancūziją, kur jį paveikė to meto prancūzų judėjimai, ypač impresionizmas, kaip matyti iš jo 1932 m. paveikslo Saulėtekis virš Rytų jūros.
4. Kitagawa Utamaro „Dešimt moterų veidų tipų, dominuojančių gražuolių kolekcija“
Kitagawa Utamaro buvo žymus japonų menininkas, gimęs 1753 m. ir miręs 1806 m. Jis iki šiol geriausiai žinomas dėl serialo „Dešimt moterų veidų tipų“. Valdančių gražuolių rinkinys, temos Didi meilė Klasikinė poezija“ (kartais vadinama „Įsimylėjusiomis moterimis“, kurioje yra atskiros graviūros „Nuoga meilė“ ir „Sąmoninga meilė“). Jis yra vienas reikšmingiausių menininkų, priklausančių ukiyo-e medžio raižinių žanrui.
5. Kawanabe Kyosai "Tigras"
Kawanabe Kyosai buvo vienas garsiausių Edo laikotarpio japonų menininkų. Jo meną paveikė Tohaku, XVI a. Kano tapytojas, vienintelis savo dienų tapytojas, tapęs ekranus tik rašalu subtiliame aukso miltelių fone. Nors Kyosai yra žinomas kaip karikatūristas, jis yra parašęs daugumą garsūs paveikslai Japonijos istorijoje XIX menas amžiaus. „Tigras“ – vienas iš tų paveikslų, kuriuos kurdami Kyosai panaudojo akvarelę ir tušą.
6. Hiroshi Yoshida Fuji iš Kawaguchi ežero
Hiroshi Yoshida yra žinomas kaip viena iš pagrindinių Shin-Hanga stiliaus figūrų (Shin-Hanga yra meno judėjimas Japonijoje XX a. pradžioje, Taisho ir Showa laikotarpiais, kuris atgijo tradicinis menas ukiyo-e, įsitvirtinusi Edo ir Meiji laikotarpiu (XVII – XIX a.)). Jis buvo apmokytas Vakarų aliejinės tapybos tradicijos, kuri buvo priimta Japonijoje Meiji laikotarpiu.
7. Takashi Murakami „727“
Takashi Murakami yra bene populiariausias šių laikų japonų menininkas. Jo darbai dideliuose aukcionuose parduodami už astronomines kainas, o jo darbai jau įkvepia naujas menininkų kartas ne tik Japonijoje, bet ir už jos ribų. Murakami menas apima daugybę laikmenų ir paprastai apibūdinamas kaip itin plokščias. Jo darbai yra žinomi dėl savo spalvų naudojimo, įtraukiant Japonijos tradicinės ir populiariosios kultūros motyvus. Jo paveikslų turinys dažnai apibūdinamas kaip „mielas“, „psichodelinis“ ar „satyrinis“.
8. Yayoi Kusama „Moliūgas“
Yaoi Kusama taip pat yra vienas garsiausių japonų menininkų. Ji dirba įvairiomis terpėmis, įskaitant tapybą, koliažą, skulptūrą, performanso meną, aplinkos meną ir instaliaciją, kurių dauguma demonstruoja jos teminį susidomėjimą psichodelinėmis spalvomis, pasikartojimais ir raštais. Viena garsiausių šio puikaus menininko serijų yra Moliūgų serija. Ryškiai geltonos spalvos taškuotas įprastas moliūgas pavaizduotas prieš tinklelį. Visi tokie elementai kartu sudaro vizualinę kalbą, kuri yra neabejotina menininko stiliumi, kuri buvo sukurta ir patobulinta per dešimtmečius kruopštaus kūrimo ir atkūrimo.
9. Tenmyoya Hisashi „Japoniška dvasia Nr. 14“
Tenmyoya Hisashi yra šiuolaikinis japonų menininkas, žinomas dėl savo neo-nihonga paveikslų. Jis dalyvavo atgaivinant senąją japonų tapybos tradiciją, kuri yra visiškai priešinga šiuolaikinei japonų tapybai. 2000 m. jis taip pat sukūrė savo naują stilių butouha, kuris per savo paveikslus demonstruoja tvirtą požiūrį į autoritetingą meno sistemą. „Japoniška dvasia Nr. 14“ buvo sukurta kaip „BASARA“ meninės schemos dalis, kuri Japonijos kultūroje aiškinama kaip maištingas žemesnės aristokratijos elgesys kariaujančių valstybių laikotarpiu, siekiant atimti iš valdžios galimybę siekti idealo. gyvenimo būdą rengdamiesi sodriais ir prabangiais drabužiais bei elgdamiesi laisvai.valia, kuri neatitiko jų socialinio sluoksnio.
10. Katsushika Hokusai „Didžioji banga nuo Kanagavos“
Galiausiai, Didžioji banga prie Kanagavos yra turbūt labiausiai atpažįstama japonų tapyba kada nors parašyta. Tai tikrai labiausiai garsus darbas Japonijoje sukurtas menas. Jame pavaizduotos didžiulės bangos, keliančios grėsmę valtims prie Kanagavos prefektūros krantų. Nors kartais klaidingai suprantama kaip cunamis, banga, kaip rodo paveikslo pavadinimas, greičiausiai tiesiog turi anomaliai aukštą aukštį. Paveikslas padarytas pagal ukiyo-e tradiciją.
Nuo: , 18346 peržiūros
Japonija yra mažiausia šalis Tolimuosiuose Rytuose – 372 tūkstančiai kvadratinių kilometrų. Tačiau Japonijos indėlis į pasaulio kultūros istoriją yra ne mažesnis nei didžiųjų senovės valstybių indėlis.
Šios senovės šalies meno ištakos siekia VIII tūkstantmetį prieš Kristų. Tačiau reikšmingiausias etapas visose jos meninio gyvenimo srityse buvo laikotarpis, prasidėjęs VI–VII mūsų eros amžiuje. ir tęsėsi iki XIX amžiaus vidurio. Japonijos meno raida vyko netolygiai, tačiau jame nebuvo per daug staigių pokyčių ar staigių nuosmukių.
Japonijos menas vystėsi ypatingomis gamtinėmis ir istorinėmis sąlygomis. Japonija yra keturiose didelėse salose (Honshu, Hokkaido, Kyushu ir Shioku) ir daugelyje mažesnių. Ilgą laiką ji buvo neįveikiama ir nepažino išorinių karų. Japonijos artumas žemynui senovėje turėjo įtakos ryšių su Kinija ir Korėja užmezgimui. Tai paspartino japonų meno raidą.
Japonijos viduramžių menas išaugo Korėjos ir Kinijos kultūrų įtakoje. Japonija perėmė kinų raštą ir kinų pasaulėžiūros bruožus. Budizmas tapo valstybine Japonijos religija. Tačiau japonai kinų idėjas laužė savaip ir pritaikė jas savo gyvenimo būdui.
Japoniškas namas, japoniškas interjeras
Japoniškas namas yra toks pat aiškus ir paprastas viduje, kaip ir išorėje. Jis buvo nuolat švarus. Grindys, nupoliruotos iki blizgesio, buvo padengtos šviesiais šiaudiniais kilimėliais – tatamiu, padalijančiais patalpą į lygius stačiakampius. Prie slenksčio buvo nuimti batai, daiktai laikomi spintose, virtuvė atskirta nuo gyvenamųjų patalpų. Kambariuose, kaip taisyklė, nebuvo nuolatinių daiktų. Pagal poreikį juos atveždavo ir išveždavo. Tačiau kiekvienas daiktas tuščiame kambaryje, ar tai būtų gėlė vazoje, paveikslas ar lakuotas staliukas, patraukė dėmesį ir įgavo ypatingo išraiškingumo.
Visos meno rūšys yra susijusios su namo, šventyklos, rūmų ar pilies erdvės dizainu viduramžių Japonijoje. Kiekvienas tarnavo kaip kito papildymas. Pavyzdžiui, meistriškai parinkta puokštė papildė ir iškėlė peizažo tapyboje perteikiamą nuotaiką.
Dekoratyvinio meno gaminiuose buvo jaučiamas toks pats nepriekaištingas tikslumas, toks pat medžiagos pojūtis, kaip ir japoniško namo apdailoje. Ne be reikalo arbatos ceremonijose kaip didžiausias brangakmenis buvo naudojami rankų darbo indai. Minkštas ir nelygus indas išlaikė pirštų pėdsakus, lipdančius šlapią molį. Rožinės-perlamutrinės, turkio-alyvinės ar pilkai mėlynos glazūros nebuvo patrauklios, tačiau jautėsi pačios gamtos spindesys, su kurio gyvybe asocijuojasi kiekvienas japonų meno objektas.
Japoniška keramika
Neglazūruoti, rankomis lipdyti ir žemoje temperatūroje išdegti moliniai indai priminė kitų senovės tautų keramiką. Tačiau jie jau turėjo bruožų, būdingų tik japonų kultūrai. Įvairių formų ąsočių ir indų raštai atspindėjo idėjas apie uraganų, jūrų ir ugnimi alsuojančių kalnų stichijas. Šių gaminių fantaziją, regis, paskatino pati gamta.
Masyvūs, beveik metro aukščio ąsočiai su prilipusiu išgaubtų molio ryšulių raštu primena arba vingiuojančius kriaukles, arba išsišakojusius koralinius rifus, arba dumblių raizginius, arba dantytus ugnikalnių kraštus. Šios didingos ir monumentalios vazos bei dubenys tarnavo ne tik buitiniams, bet ir ritualiniams tikslams. Tačiau I tūkstantmečio prieš Kristų viduryje. pradėti naudoti bronziniai dirbiniai, o keraminiai indai prarado ritualinę paskirtį.
Šalia keramikos atsirado nauji meninių amatų gaminiai – ginklai, papuošalai, bronziniai varpai ir veidrodžiai.
Japoniški namų apyvokos daiktai
IX–XII mūsų eros amžiuje Japonijos aristokratijos skoniai atsiskleidė dekoratyviniame mene. Lygūs, drėgmei atsparūs lakuoti dirbiniai, pabarstyti aukso ir sidabro milteliais, lengvi ir elegantiški, tarsi nušviečiantys japoniškų kambarių prieblandą, sudarė didžiulį kasdienių daiktų asortimentą. Lakas buvo naudojamas kuriant dubenis ir karstus, skrynias ir stalus, muzikos instrumentus. Kiekviena šventyklos ir kasdienybės smulkmena – sidabriniai stalo įrankiai maistui, vazos gėlėms, raštuotas popierius raidėms, išsiuvinėti diržai – atskleidė japonų poetišką ir emocingą požiūrį į pasaulį.
Japonijos tapyba
Vystantis monumentaliajai rūmų architektūrai, kur kas suaktyvėjo dvaro mokyklos tapytojų veikla. Menininkams teko nudažyti didelius ne tik sienų paviršius, bet ir daugkartinio popieriaus lankstymo ekranus, kurie atliko ir paveikslų, ir nešiojamų pertvarų patalpoje vaidmenį. Talentingų meistrų kūrybinio būdo bruožas buvo didelės, įvairiaspalvės kraštovaizdžio detalės parinkimas didžiulėje sieninės plokštės ar ekrano plokštumoje.
Gėlių, žolelių, medžių ir paukščių kompozicijos, atliekamos Kano Eitoku auksu spindinčiame fone su storomis ir sultingomis dėmėmis, apibendrino idėjas apie visatos galią ir spindesį. Kano mokyklos atstovai kartu su gamtos motyvais įtraukė į paveikslus ir naujus dalykus, atspindinčius XVI amžiaus Japonijos miesto gyvenimą ir gyvenimą.
Rūmų ekranuose buvo ir vienspalvių peizažų. Tačiau jie turi puikų dekoratyvinį efektą. Tokį ekraną nutapė Sesshu pasekėjas Hasegawa Tohaku (1539-1610). Baltą matinį jo paviršių tapytojas interpretuoja kaip tirštą rūko šydą, iš kurio tarsi vizijos staiga išnyra senų pušų siluetai. Vos keliomis ryškiomis rašalo dėmėmis Tohaku sukuria poetišką rudens miško paveikslą.
Vienspalviai kraštovaizdžio ritiniai savo švelniu grožiu neprilygo rūmų kamerų stiliui. Tačiau jie išlaikė savo reikšmę kaip nepakeičiama chashitsu arbatos paviljono dalis, skirta dvasiniam susikaupimui ir ramybei.
Japonijos meistrų meno kūriniai ne tik išlieka ištikimi senoviniams stiliams, bet ir visada savyje turi kažką naujo, ko neturi joks kitas meno kūrinys. Japonų mene nėra vietos klišėms ir šablonams. Jame, kaip ir gamtoje, nėra dviejų visiškai vienodų kūrinių. Ir net dabar Japonijos meistrų meno kūriniai negali būti supainioti su kitų šalių meno kūriniais. Japonų mene laikas sulėtėjo, bet nesustojo. Japonijos mene senovės laikų tradicijos išliko iki šių dienų.
