hjem › Drivstoffsystem › Innholdet i begrepet stilleben. Term og konsept i kunst

Innholdet i begrepet stilleben. Term og konsept i kunst

Hva er stilleben?

Stilleben er en sjanger av maleri som skildrer livløs natur. Sjangeren oppsto på 1600-tallet.

Stilleben er først og fremst overraskende og interessant fordi det får folk til å se skjønnhet og harmoni i hverdagslige, kjedelige ting som omgir oss hele tiden, men som ikke trekker vår oppmerksomhet mot seg selv.

Sjangeren er ikke så enkel som den ser ut ved første øyekast: i de fleste av disse maleriene bruker kunstnere allegori - de prøver å fortelle folk noe viktig gjennom et bestemt sett med objekter, deres arrangement, valgte farger, den generelle komposisjonen, for å formidle hva bekymrer dem, for å fortelle om deres følelser og tanker.

Til tross for den dystre oversettelsen "død natur", lerreter er ofte fulle av lyse farger, gleder betrakteren med sin originalitet og særhet, vekker ønsket om å leve og beundre verden rundt dem, for å se skjønnheten i den.

Det er mange typer og underarter av stilleben, for eksempel plottematisk, kreativ, pedagogisk og kreativ, pedagogisk. De er også delt inn etter fargene som brukes, belysning, farge, ytelsestid, plassering osv.

Grunnleggerne av stilleben som en selvstendig sjanger var nederlenderne og flamske kunstnere. Opprinnelig dukket maleriene opp i religiøs bruk. Også i epoken med opprinnelsen til sjangeren ble malerier av en dyster natur med en dyp filosofisk betydning og mørke toner, i midten av komposisjonen, som var hodeskaller, stearinlys og noen andre attributter, utbredt. Så, gradvis utviklet, tok sjangeren flere og flere nye retninger og ble igjen og igjen mer og mer utbredt i alle samfunnskretser. Blomster, bøker, grønnsaker og frukt, sjømat, retter og andre husholdningsartikler - alt gjenspeiles i kunst. En av de mest kjente artister Stilleben var Ambrosius Baschart, Miguel Parra, Jan Brueghel, Joseph Launer, Severin Rosen, Edward Ladell, Jan Davids de Heem, Willem van Aelst, Cornelis Brize.

Cezanne, Paul. Stilleben med granateple og pærer. 1885-1890
Cezanne, Paul. Stilleben med epler og appelsiner. 1895-1900

I Russland oppsto sjangeren på begynnelsen av 1700-tallet, men ingen var seriøst engasjert i dette, det ble ansett som en "lavere" sjanger. På begynnelsen av 1900-tallet nådde stillebenmaleriet sitt høydepunkt; kunstnere skapte sine mesterverk, satte seg nye oppgaver og nådde ufattelige høyder i mestring, brukte uvanlige teknikker, valgte nye bilder. Russisk stilleben, i motsetning til det vestlige, utviklet seg ikke gradvis, men i et akselerert tempo. Skaper i denne sjangeren, slike russiske artister som K. Petrov-Vodkin, I. Levitan, I.F. Khrutsky, V. Nesterenko, I.E. Grabar, M. Saryan, A. Osmerkin, P.P. Konchalovsky, S.E. Zakharov, S.I. Osipov og mange andre.

I. Levitan I. Levitan

I moderne maleri gjennomgår stilleben et nytt oppsving og inntar nå en fullverdig plass blant andre sjangere. visuell kunst. Nå er det en av de mest ettertraktede retningene innen maleri. Med et stort antall muligheter for selvrealisering i kreativitet, maler kunstnere et bredt utvalg av stilleben. Og seerne kjøper på sin side malerier, dekorerer interiøret med dem, liver opp hjemmet og bringer komfort og glede til det. Museene fylles stadig på med stilleben, flere og flere nye utstillinger åpner i ulike byer og land, dit mengder av kunstinteresserte tilskuere kommer. Flere århundrer senere, etter å ha passert en lang fullverdig utviklingsvei, er stilleben fortsatt relevant og har ikke mistet sin betydning i verdensmaleriet.

Stilleben i maleri - bilder av statiske livløse gjenstander kombinert til et enkelt ensemble. Et stilleben kan presenteres som et selvstendig lerret, men noen ganger blir det en del av komposisjonen av en sjangerscene eller et helt maleri.

Hva er stilleben?

Et slikt maleri kommer til uttrykk i en persons subjektive holdning til verden. Dette viser mesterens iboende forståelse av skjønnhet, som blir legemliggjørelsen offentlige verdier og tidens estetiske ideal. Stilleben i maleriet forvandlet seg gradvis til en egen betydelig sjanger. Denne prosessen tok mer enn hundre år, og hver nye generasjon kunstnere forsto lerreter og farger i henhold til tidens trender.

Stillebens rolle i komposisjonen av et maleri er aldri begrenset til enkel informasjon, et tilfeldig tillegg til hovedinnholdet. Avhengig av historiske forhold og sosiale krav kan gjenstander ta mer eller mindre aktiv del i å skape en komposisjon eller et hotellbilde, og tilsløre et eller annet mål. Stilleben i maleriet uavhengig sjanger designet for å på en pålitelig måte formidle skjønnheten til ting som omgir en person hver dag.

Noen ganger får en enkelt detalj eller et element plutselig en dyp mening, får sin egen mening og klang.

Historie

Som en gammel og aktet sjanger kjente stilleben i maleriet sine opp- og nedturer. Alvorlig, asketisk og minimalistisk bidro til å skape udødelige monumentale generaliserte høye heroiske bilder. Skulptører med ekstraordinær uttrykksevne likte bildet av individuelle objekter. Typer stilleben i maleriet og alle slags klassifikasjoner oppsto under dannelsen av kunsthistorien, selv om lerreter eksisterte lenge før den første læreboken ble skrevet.

Ikonmalingstradisjoner og stilleben

I gammelt russisk ikonmaleri spilte de få tingene som kunstneren våget å introdusere i den strenge lakonismen til kanoniske verk en stor rolle. De bidrar til manifestasjonen av alt umiddelbart og demonstrerer uttrykk for følelser i et verk viet til et abstrakt eller mytologisk plot.

Typer stilleben i maleri eksisterer atskilt fra ikonmalerier, selv om en streng kanon ikke forbyr skildring av noen gjenstander som er iboende i sjangeren.

stilleben renessanse

Men verkene fra 1400- og 1500-tallet spiller en viktig rolle i renessansen. Maleren trakk først oppmerksomheten til verden rundt ham, forsøkte å bestemme betydningen av hvert element i menneskehetens tjeneste.

Moderne maleri, stilleben som en populær og kjær sjanger oppsto i Tricento-perioden. Husholdningsartikler fikk en viss adel og betydning av eieren de tjente. På store lerreter ser et stilleben som regel veldig beskjedent og diskret ut - en glasskrukke med vann, sølvet i en elegant vase eller delikate liljer på tynne stilker ofte sammenkrøpet i et mørkt hjørne av bildet, som fattige og glemte slektninger.

Likevel, i bildet av vakre og nære ting var det så mye kjærlighet i poetisk form at moderne maleri, stillebenet og dets rolle i det tittet allerede forsiktig gjennom gapene i landskapene og sjangerscenenes tunge gardiner.

Avgjørende øyeblikk

Emner fikk et reelt innslag i malerier og en ny mening på 1600-tallet – en tid da stilleben med blomster hersket og dominerte. Maleri av denne typen har fått mange beundrere blant adelen og presteskapet. I komplekse komposisjoner med en uttalt litterær handling scenene fikk sin plass sammen med hovedpersonene. Ved å analysere tidens verk, er det lett å se at stillebenets viktige rolle ble på samme måte manifestert i litteratur, teater og skulptur. Ting begynte å "handle" og "leve" i disse verkene - de ble vist som hovedpersonene, og demonstrerte de beste og mest fordelaktige aspektene ved gjenstander.

Kunstgjenstander laget av hardtarbeidende og talentfulle håndverkere bærer et personlig preg av tanker, ønsker og tilbøyeligheter. spesifikk person. maleri er det beste psykologiske tester bidra til å spore den psyko-emosjonelle tilstanden og oppnå indre harmoni og integritet.

Ting tjener trofast en person, vedtar hans entusiasme for husholdningsartikler og inspirerer eiere til å kjøpe nye vakre, elegante små ting.

flamsk renessanse

Gouache maleri, stilleben som sjanger folk ikke umiddelbart akseptere. Historien om fremveksten, utviklingen og utbredt implementering av ulike ideer og prinsipper tjener som en påminnelse om den konstante utviklingen av tanke. Stilleben ble berømt og moteriktig på midten av 1600-tallet. Sjangeren begynte i Nederland, det lyse og festlige Flandern, hvor naturen i seg selv bidrar til skjønnhet og moro.

Gouache-maleri, stilleben blomstret i en tid med storslåtte endringer, en fullstendig endring av politiske, sosiale og religiøse institusjoner.

flandern gjeldende

Den borgerlige retningen for utviklingen av Flandern var en nyhet og et fremskritt for hele Europa. Endringer i politiske liv førte til lignende innovasjoner innen kultur - horisontene som åpnet seg før kunstnere var ikke lenger begrenset til religiøse forbud og ble ikke støttet av de relevante tradisjonene.

Stilleben ble flaggskipet til den nye kunsten, som glorifiserte alt naturlig, lyst og vakkert. Katolisismens strenge kanoner holdt ikke lenger malernes fantasi og nysgjerrighet tilbake, og derfor begynte vitenskap og teknologi å utvikle seg sammen med kunsten.

Vanlige hverdagslige ting og gjenstander, tidligere ansett som basale og uverdige å nevne, steg plutselig til gjenstander for nærstudie. Dekorativt maleri, stilleben og landskap har blitt et ekte speil av livet - daglig rutine, kosthold, kultur, ideer om skjønnhet.

Sjangeregenskaper

Det var herfra, fra en bevisst, dybdestudie av omverdenen, som egen sjanger husholdningsmaling, landskap, stilleben.

Kunst, som skaffet seg visse kanoner på 1600-tallet, bestemte sjangerens hovedkvalitet. Maleri, dedikert til verden ting, beskriver de grunnleggende egenskapene som er iboende i gjenstandene som omgir en person, viser holdningen til mesteren og hans hypotetiske samtid til det som vises, uttrykker naturen og fullstendigheten av kunnskap om virkeligheten. Kunstneren formidlet nødvendigvis den materielle eksistensen av ting, deres volum, vekt, teksturer, farger, det funksjonelle formålet med husholdningsartikler og deres vitale forbindelse med menneskelig aktivitet.

Stillebens oppgaver og problemer

Dekorativt maleri, stilleben og hjemlige scener absorberte tidens nye trender - avgangen fra kanonene og den samtidige bevaringen av bildets konservative naturalisme.

Stilleben fra den revolusjonære æra under borgerskapets fullstendige seier gjenspeiler kunstnerens respekt for nye former nasjonalt liv landsmenn, respekt for vanlige håndverkeres arbeid, beundring for vakre bilder skjønnhet.

Problemene og oppgavene til sjangeren formulert på 1600-tallet ble ikke generelt diskutert i europeiske skoler før på midten av 1800-tallet. I mellomtiden satte kunstnerne seg stadig nye og nye oppgaver, og fortsatte ikke mekanisk å reprodusere ferdige komposisjonsløsninger og fargevalg.

Moderne lerreter

Bilder av stilleben for maleri, utarbeidet i moderne studioer, viser tydelig forskjellen mellom oppfatningen av verden av en samtidig og en person fra middelalderen. Dynamikken til objekter i dag overskrider alle tenkelige grenser, og statikken til objekter var normen for den tiden. Fargekombinasjoner fra 1600-tallet er preget av lysstyrke og renhet av farger. Mettede nyanser passer harmonisk inn i komposisjonen og understreker ideen og ideen til kunstneren. Fraværet av noen kanoner på beste måte påvirket stilleben på 1900- og 2000-tallet, og noen ganger slått fantasien med sin styggehet eller bevisste variasjon.

Metoder for å løse problemene med stilleben endres raskt hvert tiår, metoder og teknikker holder ikke tritt med fantasien til anerkjente og ikke så mestere.

Verdien av dagens malerier ligger i uttrykket av virkeligheten gjennom samtidskunstnernes øyne; gjennom legemliggjøringen på lerretet oppstår nye verdener som kan fortelle mye om deres skapere til fremtidens mennesker.

Påvirkning av impresjonismen

Den neste milepælen i stillebens historie var impresjonisme. Hele utviklingen av retningen ble reflektert i komposisjonene gjennom farger, teknikk og romforståelse. Nyere romantikk I årtusener har livet blitt overført til lerretet som det er - raske, lyse strøk og uttrykksfulle detaljer har blitt hjørnesteinene i stilen.

Maleri, stilleben samtidskunstnere absolutt bære preg av inspirerende impresjonister gjennom farger, måter og teknikker for bildet.

Avgang fra klassisismens standardkanoner - tre planer, sentral komposisjon og historiske helter- lot kunstnerne utvikle sin egen oppfatning av farger og lys, samt demonstrere følelsenes frie flukt for publikum på en tilgjengelig og visuell måte.

Impresjonistenes hovedoppgaver - endring maleteknikk og psykologisk innhold i bildet. Og i dag, selv om man kjenner situasjonen til den tiden, er det vanskelig å finne det riktige svaret på spørsmålet om hvorfor impresjonistiske landskap, like gledelige og usofistikerte som poesi, forårsaket skarp avvisning og frekk latterliggjøring fra kresne kritikere og en opplyst offentlighet.

Impresjonistisk maleri passet ikke inn i den allment aksepterte rammen, så stilleben og landskap ble oppfattet som noe vulgært, uverdig til anerkjennelse sammen med andre drakter av høy kunst.

En kunstutstilling som har blitt særegen misjonsvirksomhet for kjente kunstnere på den tiden, var i stand til å nå hjertene og demonstrere skjønnheten og ynden Bilder av gjenstander og gjenstander av alle tilgjengelige midler har blitt vanlig selv innenfor murene til formidable institusjoner som bare bekjenner seg til prinsipper klassisk kunst. Triumftoget av stillebenmalerier har ikke stoppet siden slutten av 1800-tallet, og mangfoldet av sjangere og teknikker i dag gjør det mulig å ikke være redd for eksperimenter med farger, teksturer og materialer.

Stilleben, kunstsjanger

På 1800-tallet stillebenets skjebne ble bestemt av de ledende malermesterne, som arbeidet i mange sjangre og involverte stillebenet i kampen estetiske synspunkter Og kunstneriske ideer(F. Goya i Spania, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet i Frankrike). Blant mesterne på 1800-tallet som spesialiserte seg på denne sjangeren, skiller A. Fantin-Latour (Frankrike) og W. Harnet (USA) seg også ut. Den nye fremveksten av stilleben ble assosiert med fremførelsen av postimpresjonistiske mestere, for hvem tingenes verden blir et av hovedtemaene (P. Cezanne, V. van Gogh). Siden begynnelsen av XX århundre. stilleben er et slags kreativt laboratorium for maleri. I Frankrike følger fauvismens mestere (A. Matisse og andre) veien for økt identifikasjon av de emosjonelle og dekorative-ekspressive mulighetene til farge og tekstur, og representantene for kubismen (J. Braque, P. Picasso, X. Gris og andre), ved å bruke spesifikasjonene til stillebens kunstneriske og analytiske muligheter, søker å etablere nye måter å formidle rom og form på. Stilleben tiltrekker seg også mestere av andre trender (A. Kanoldt i Tyskland, G. Morandi i Italia, S. Lukyan i Romania, B. Kubista og E. Filla i Tsjekkia, etc.). Sosiale trender i stilleben på 1900-tallet er representert ved arbeidet til D. Rivera og D. Siqueiros i Mexico, R. Guttuso i Italia.

I russisk kunst stilleben dukket opp på 1700-tallet. sammen med bekreftelsen av sekulært maleri, som gjenspeiler tidens kognitive patos og ønsket om å sannferdig og nøyaktig formidle den objektive verden ("triks" av G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov, etc.). Videre utvikling Russisk stilleben hadde i lang tid en episodisk karakter. Det er en viss økning i første halvdel av XIX århundre. (F. P. Tolstoy, skole til A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky) er assosiert med ønsket om å se skjønnhet i det lille og vanlige. I andre halvdel av XIX århundre. I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan vendte seg bare av og til til stilleben av skisseaktig natur; hjelpeverdi av stilleben i kunst system Wanderers fulgte fra ideen deres om den dominerende rollen til det plottematiske bildet. Stillebenstudiets selvstendige betydning øker ved overgangen til 1800- og 1900-tallet. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Storhetstiden til russisk stilleben faller på begynnelsen av 1900-tallet. Hans beste eksempler inkluderer de impresjonistiske verkene til K. A. Korovin, I. E. Grabar; verkene til kunstnerne i "Kunstens verden" (A. Ya. Golovin og andre) som subtilt leker med tingenes historiske og hverdagslige karakter; skarpt dekorative bilder P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, M. S. Saryan og andre malere av Blue Rose-sirkelen; lyse, gjennomsyret av fylden av å være stilleben til mesterne av "Jack of Diamonds" (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Goncharova). Sovjetisk stilleben, utvikler seg i tråd med kunsten sosialistisk realisme beriket med nytt innhold. På 20-30-tallet. det inkluderer og filosofisk refleksjon modernitet i verk skjerpet i komposisjon (K. S. Petrov-Vodkin), og tematiske "revolusjonære" stilleben (F. S. Bogorodsky og andre), og forsøk på konkret å gjenvinne "tingen" som avvises av de såkalte ikke-objektivene gjennom eksperimenter i felten av farger og tekstur (D. P. Shterenberg, N. I. Altman), og en fullblods gjenskaping av den fargerike rikdommen og mangfoldet i den objektive verden (A. M. Gerasimov, Konchalovsky, Mashkov, Kuprin. Lentulov, Saryan, A. A. Osmerkin og andre. ), som samt søken etter subtil fargeharmoni, poetiseringen av tingenes verden (V.V. Lebedev, N.A. Tyrsa, etc.). På 40-50-tallet. P.V. Kuznetsov, Yu. P. P. Konchalovsky, V. B. Elkonik, V. F. Stozharov, A. Yu. Nikich jobber aktivt i stilleben. Blant stillebens mestere i unionsrepublikkene skiller A. Akopyan i Armenia, T. F. Narimanbekov i Aserbajdsjan, L. Svemp og L. Endzelina i Latvia seg ut, N. I. Kormashov i Estland. Tiltrekningen til den økte "objektiviteten" til bildet, estetiseringen av verden av ting rundt en person bestemte interessen for stilleben til unge kunstnere på 70- og begynnelsen av 80-tallet. (Ya. G. Anmanis, A. I. Akhaltsev, O. V. Bulgakova, M. V. Leis, etc.).

Bokst.: B. R. Vipper, stillebens problem og utvikling. (Tingenes liv), Kazan, 1922; Yu. I. Kuznetsov, Vesteuropeisk stilleben, L.-M., 1966; M. M. Rakova, russisk stilleben sent XIX- begynnelsen av det 20. århundre, M., 1970; I. N. Pruzhan, V. A. Pushkarev, Stilleben på russisk og sovjetisk maleri. L., ; Yu Ya Gerchuk, Living things, M., 1977; stilleben i Europeisk maleri XVI - tidlig XX århundre. Catalogue, M., 1984; Sterling Ch., La nature morte de l "antiquité a nos jours, P., 1952; Dorf B., Introduction to stilleben og blomstermaleri, L., 1976; Ryan A., Still-life painting techniques, L. , 1978.

Hovedsakelig maling. I stillebenet er det kun hverdagslige ting som er avbildet, d.v.s. hverdagslig, vanlig tingene, livløse gjenstander. Det kan være en annen matvare, dvs. mat, servise, bøker, figurer, etc. Alt levende, naturlig, naturlig blir livløst, dødt i et stilleben (fransk "nature morte" - bokstavelig talt "død natur") og sidestilles med ting. Så, for å bli gjenstand for et stilleben, må frukt og frukt plukkes, dyr og fugler må drepes, fisk, marine dyr må fanges, blomster må kuttes. Ting i et stilleben er målrettet gruppert i et enkelt miljø, og danner en verden av kunstig virkelighet, til en viss grad transformert av mennesket. Kunstneren skildrer ikke ting "fra naturen", ettersom de befinner seg i interiøret, men forkombinerer dem i samsvar med den semantiske og kunstneriske oppgaven.

I stilleben vises ting i en stasjonær tilstand, de er i et betinget tidløst rom. Ting er gitt som om nærbilde, de blir sett på nært hold og vurdert i detalj. Komposisjonen forstørrer den lille "størrelsen" på ting i et stilleben, trekker dem ut av deres vanlige funksjonelle kontekst. Å være vilkårlig, bevisst arrangert, inneholder et stilleben alltid en viss beskjed, et hemmelig brev (kryptogram). Ting blir til symboler. Betydningen av disse symbolene, innholdet i meldinger er veldig mangfoldig, men oftest er de ideologiske og jevne filosofisk karakter. For eksempel noen "plott" av nederlandske stilleben fra 1600-tallet. da denne sjangeren nådde sin sjangerspesifisitet og apogee. Et av plottene som har blitt utbredt er "vanitaz" (fra latin - "føyeløshet"). I stilleben av denne typen er klokker ofte til stede som symboler på den flyktige, ubønnhørlige jordiske tiden, som et emblem på en forbigående jordisk eksistens. Et typisk objekt er ofte et bilde av en hodeskalle. For eksempel, i Barthel Brain, er han avbildet i en nisje med et stykke papir og ordtaket: "Ingenting vil beskytte mot døden, så lev som du vil dø." Hodeskallen er omgitt av andre tegn på skrøpelighet, for eksempel korn (de Hem), lamper med et brennende eller utbrent lys (Doe). For forfengelighet jordiske gleder indikerer spille kort, røykepiper (Klasse). Ofte er det papirlapper, manuskripter, trykte utgaver med inskripsjoner som "momento mori" ("husk døden"). Det er mange andre eksempler på personifisering av refleksjoner over betydningen av menneskelig eksistens.

Det historiske mangfoldet av stilleben bestemmes av at de fremstår som en spesifikk manifestasjon kunstneriske stiler og nasjonale skoler i deres historiske utvikling.

Dette kan illustreres med eksemplet med det russiske stillebenet på 1700- og begynnelsen av 1900-tallet. 18. århundre typisk ulike alternativer"triks" med en naturalistisk effekt av illusorisk karakter, for eksempel imitasjon av bøker for "falske skap". Siden 1830 - en avgang fra klassisismen, en poetisk oppfatning av hverdagens privatliv (venetiansk). En annen linje er akademisk dekorativt stilleben(Khrutsky). I et forsøk på å fornye seg, monumentaliserer akademismen stillebenet (Sverchkov), og salongkunsten i den småborgerlige sansen følger veien til en smakløs kombinasjon av dekorativitet av "vakre ting" og fargerike buketter med naturalisme i tolkningen av detaljer (K Makovsky). Realisme 1800-tallet skiller oppmerksomhet til komposisjonenes naturlighet (Repin), den emosjonelle tolkningen av ting (Polenov), nasjonal karakter (Surikov), til lyrikken til stemningen (Levitan). Stillebenene til de russiske impresjonistene Korovin og Grabar er preget av en "landskap"-tolkning av objekter. Kunstnerne av Den blå rose og det gylne skinn (Kuznetsov, Saryan, Sapunov) er preget av et sug etter vanlige symboler ideell verden og hvile. Representanter for "Jack of Diamonds" (Konchalovsky, Mashkov, Lentulov og andre), under påvirkning av Cezannism, kubisme og Lubok, forsøkte å lage monumentale bilder av ting.

I kunsten til den russiske avantgarden blir stilleben et praktisk felt for eksperimentering. Forblir innenfor "arketypen" av sjangeren, bryter artistene dristig dens grunnleggende kanoner. Ting går utover sine grenser og slutter å være lik seg selv. De løses opp i lys og farge, i stråling av energi, kondenserer til klumper av materie og volumer, smuldrer opp i mange fragmenter av fly og ansikter. Bak disse eksperimentene ligger forfatternes ønske om å uttrykke i sine "objektive" komposisjoner en idé om omverdenen og sin egen personlighet.

På 1900-tallet det er en utvisking av grensene for ting inne i stillebenet og en utvisking av grensene for selve sjangeren. Han nærmer seg ofte landskapet, interiøret, maleriet. Og omvendt, i landskap, portretter er det en tendens til "stilleben".

Karakteriserer stillebenet som helhet fra et estetisk synspunkt, kan det hevdes at slike trekk som betydning, økning i semantisk rangering, tidløshet, festivitas, glorifisering, eksotisme, monumentalitet, høytidelighet, pomp, dynamikk osv. indikerer at ledende estetisk kategori opptrer her sublime, ofte kombinert med det vakre og dramatiske. Kategoriene komisk og tragisk er ikke typiske for denne sjangeren.

Evgeny Basin

Introduksjon……………………………………………………………………………………….5

Kapittel 1. Historisk referanse sjanger "stilleben"…………………………………………6

1.1. Historien om utviklingen av stilleben………………………………………………6

1.2. Stilleben som malerisjanger………………………………………...12

Kapittel 2. Funksjoner, måter og virkemidler for den valgte sjangeren…………………………..14

2.1. Kjennetegn ved den valgte sjangeren …………………………………..14

2.2. Gjenstander avbildet i stilleben……………………………….16

2.3. Komposisjonstrekk ved stilleben………………………….18

2.4.Farge i maleri………………………………………………………………..20

Kapittel 3. Beskrivelse av teknikken som er valgt for å skrive produksjonen…………..24

3.1 Pastellhistorie………………………………………………………..24

3.2 Pastelltegningsteknikk……………………………………………….25

Kapittel 4. Arbeide med et stilleben………………………………………………………………28

4.1. Fremdrift av arbeidet ………………………………………………………………….28

Konklusjon …………………………………………………………………………...29

Liste over referanser …………………………………………………...30

applikasjon

Introduksjon

Hovedoppgaven til kunst og maleri er å vekke det vakre i en person, få ham til å tenke, føle, kunstnerens oppgave er å tiltrekke seg oppmerksomheten til betrakteren, å vekke en følelse av tilhørighet i ham til opplevelsene uttrykt i bildet, å få ham til å se på en ny måte verden, for å skjelne en ekstraordinær essens i kjente gjenstander.Kunsten stilleben har sin egen vakre og lange historie. Stilleben introduserer oss til verden rundt kunstneren, gjør det mulig å se tilbake for flere århundrer siden, å føle med mesteren av hans favorittmotiver kunnskap om verden rundt. I mange århundrer har kunstnere forsøkt å uttrykke sin forståelse av verden, deres tanker og interesser ved hjelp av tingene rundt dem, og hver skaper gjør dette på sin egen måte, hvert verk er individuelt. I noen stilleben råder virkeligheten, for andre dyktighet. Viktigere er maleriets ekspressive begynnelse. Hver maler har sitt eget syn på verden.

Hovedkravene til dette semesteroppgave er:

Bekjentskap med illustrasjonene til fortidens store kunstnere;

Komposisjonssøk basert på skisser;

Søk etter et komposisjonssenter;

Strukturell konstruksjon av stillebenobjekter;

Overføring av farge og materiale;

Skapelse av emosjonell uttrykksevne.

Kapittel 1. Historisk bakgrunn for «stilleben»-sjangeren

1.1. Historien om utviklingen av stilleben

"Still life" - det franske ordet betyr bokstavelig talt "død natur". På nederlandsk høres betegnelsen på denne sjangeren ut som stilleven i.e. " stille liv”, etter mange kunstneres og kunstkritikeres mening er dette det mest nøyaktige uttrykket for sjangerens essens, men slik er tradisjonens styrke at det er “stilleben” som er et velkjent og forankret navn. Stilleben, som en uavhengig sjanger, oppsto i Flandern og Holland på begynnelsen av 1500- og 1600-tallet, og nådde raskt ekstraordinær perfeksjon i overføringen av en rekke gjenstander. materiell verden. Prosessen med å bli et stilleben gikk omtrent på samme måte i mange land. Vest-Europa. Periodene med utviklingen hadde sin egen historiske bakgrunn. Hvert århundre presenterte sine mestere av stilleben. Arbeidene deres legemliggjorde datidens kunstneriske idealer, originaliteten og uttrykksfullheten til de plastiske midlene som er iboende i en bestemt epoke, og individualiteten til individuelle malere. Dannelsen av stilleben i Nederland ble preget av to stadier, først kunne det bare eksistere i form av et mer eller mindre uavhengig bilde på baksiden av bildets bildeplan, eller i form av tilbehør på bildet. forsiden av bildet.

Neste trinn i dannelsen av stillebensjangeren var verk der stilleben og religiøse temaer skiftet plass. Bildet av livløse gjenstander fungerte som en del av en aktiv enkelt prosess for en persons omfattende mestring av den virkelige verden, hans kunstneriske forståelse.

Han nådde en kraftig blomstring i Flandern og gikk ned i historien under navnet flamsk stilleben. Tiden for dens storhetstid ble assosiert med navnene på de største kunstnerne i Flandern, inkludert i kunsthistorien i Vest-Europa: Frans Snyders og hans student Jan Feit. En annen mektig skole for stilleben er kjent som "Dutch Still Life". Fellesskapet mellom de historiske skjebnene til folkene i Holland og Flandern og enheten i fortidens kunst, som begge skoler hentet kunstnerisk erfaring fra, ga opphav til mange vanlige trekk i maleriet deres. Den mest lovende og progressive typen nederlandsk stilleben var «frokost»-sjangeren som oppsto i Haarlem.

I sjangeren stilleben (forfatterne av disse verkene var Haarlem-malerne Voplem Claes Heda og Pieter Claes) - skapte de en spesiell type demokratisk nederlandsk versjon av "frokoster". "Karakterene" i stillebenene deres var noen få og som regel veldig beskjedne i utseende gjenstander i hverdagslivet.

En veldig viktig prestasjon av Harlem-mestrene av "frokoster" var oppdagelsen av rollen til lys-luft-miljøet og en enkelt fargetone som det viktigste middelet for å formidle et rikt utvalg av teksturkvaliteter til ting og på samme tid , og avslører enheten i den objektive verden.

På den videre demokratiseringen av sjangeren stilleben var det en spredning av typen "kjøkkenstilleben", både i Flandern og i Holland. Et trekk ved denne variasjonen i gjenstandsskildringen var stor oppmerksomhet til de romlige egenskapene til miljøet. På slutten av 1600-tallet vinner dekorative trender i det nederlandske stilleben. Ved siden av stilleben i Holland og Flandern inntar det tyske stilleben på 1600-tallet en sekundær plass. Suksessene til det tyske stilleben på 1600-tallet er nært forbundet med moderne nederlandsk kunst. I det tyske stilleben på 1600-tallet eksisterte to trender nesten uten berøring: naturalistisk og dekorativ.

stilleben i italiensk maleri var uforlignelig rikere og mer fullblods enn tysk, selv om den ikke nådde verken flamernes makt, eller nederlendernes allsidighet og dybde. En ny kraftig drivkraft til utviklingen av stilleben i Italia ble gitt av Caravaggio. Han var en av de første store mesterne som vendte seg mot sjangeren rent stilleben og skapte et monumentalt, plastisk bilde av «død natur».

Det italienske stillebenet på 1600-tallet utviklet seg på sin egen måte og fikk etter hvert en rekke kvaliteter som skiller det fra andre nasjonale skoler.

Det spanske stilleben er preget av sublim strenghet og spesiell betydning av bildet av ting, noe som er spesielt tydelig manifestert i arbeidet til den spanske mesteren F. Zurbaran.

MED sent XVIIårhundrer i det franske stilleben, triumferte de dekorative trendene innen hoffkunst. Toppen av det franske og vesteuropeiske stilleben på 1600-tallet var arbeidet til J.B.S. Chardin. Det var preget av strengheten og komposisjonsfriheten, subtiliteten til fargeløsninger. Litt mer oppmerksomhet ble viet til romantikkens stilleben. Romantikken skapte ikke et originalt betydningsfullt begrep om stilleben. Hovedemnet for det romantiske stillebenet var blomster og jakttrofeer.

På 1600-tallet ble stillebenets skjebne bestemt av maleriets ledende mestere, som arbeidet i mange sjangre og involverte stillebenet i kampen mellom estetiske synspunkter og kunstneriske ideer. Så for eksempel formulerte den franske realisten Gustave Courbet et nytt konsept, som definerer stillebens direkte forhold til naturen, og gjenoppretter dermed vitalitet, saftighet og dybde.

Impresjonistene skapte sin egen komposisjon av stilleben, og overførte til denne sjangeren prinsippet om friluft, utviklet av dem innen landskapsfeltet. Ved å gjenkjenne i stilleben bare lys og luft, gjorde de gjenstander til en enkel bærer av lys-luftreflekser.

Den nye fremveksten av stilleben ble assosiert med fremføringen av postimpresjonismens mestere, for hvem tingenes verden blir et av hovedtemaene som er karakteristiske for arbeidet til P. Cezanne og Van Gogh.

Siden begynnelsen av 1900-tallet har stilleben blitt et slags kreativt laboratorium for maleri. I Frankrike følger fomismens mestere A. Matisse og andre veien til økt identifikasjon av de emosjonelle, dekorative og uttrykksfulle mulighetene til farge og tekstur, og representantene for kubismen J. Braque, P. Picasso og andre, ved å bruke de kunstneriske og analytiske muligheter som ligger i stillebens spesifikasjoner, streber etter å godkjenne nye måter å formidle rom og form på. Stilleben tiltrekker seg også mestere av andre bevegelser.

I russisk kunst dukket stilleben opp på 1600-tallet sammen med etableringen av sekulært maleri, som gjenspeiler tidens kognitive patos og ønsket om å sannferdig og nøyaktig formidle den objektive verden. Artikulasjonen og den illusoriske karakteren til disse stillebenene ga grunn til å kalle dem «bedrag». Den videre utviklingen av russisk stilleben i en betydelig tid var episodisk. Dens fremvekst i første halvdel av 1800-tallet, som ble preget av navn som F. P. Tolstoy, A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky, er assosiert med ønsket om å se skjønnhet i det lille og vanlige.

I andre halvdel av 1800-tallet begynte stilleben å få sin semantiske kraft, men først bare i plottgangene til komposisjonen til P. Fedotov, V. Petrov, V. Makovsky, V. Polenov og andre malere demokratisk retning. stilleben i sjangermalerier av denne kretsen av forfattere avslørte og styrket den sosiale orienteringen til verkene deres, preget tiden.

Den uavhengige avgjørelsen til stillebenstudien øker ved begynnelsen av 1800- og 1900-tallet i verkene til M. A. Vrubel og V. Borisov-Masutov. Storhetstiden til russisk stilleben faller på begynnelsen av 1900-tallet. Kunst er preget av søk innen farge, form, romlig konstruksjon. Ønsket om å utvide mulighetene til billedspråket oppfordrer kunstnere til å vende seg til tradisjonene til gammelrussisk og folkekunst, kultur i øst, klassisk arv West, til prestasjonene til moderne fransk maleri.

De beste eksemplene fra denne perioden inkluderer de impresjonistiske verkene til K. A. Korovin, I. E. Grabar; verkene til kunstnere fra "World of Arts" av A. Ya. Golovin og andre som nettopp leker med tingenes historiske og hverdagslige natur; skarpt dekorative P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, M. S. Saryan og andre malere av sirkelen " blå roser» lyse stilleben gjennomsyret av fylden av å være av mesterne i «Jack of Diamonds» P.P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, R. R. Falk, A. V. Lentulov og andre.

På 1920- og 1930-tallet inkluderte stilleben også en filosofisk forståelse av modernitet i verkene til K. S. Petrov-Vodkin, skjerpet i komposisjon. De er forskjellige i originaliteten til farge og perspektivkonstruksjon. Objekter er skrevet i dem ikke fra ett synspunkt, men fra flere. En lignende teknikk for å bygge plass utvidet figurative virkemidler kunstner, som hjelper til med å formidle formen og volumet til objekter og bidrar til en mer nøyaktig visning av forholdet deres på flyet. Stilleben tok en stor plass i arbeidet til Yu. Og Pimenov. Motivet i stilleben hans er utstyrt med stor følelsesmessig uttrykksevne.

Beriket med nye temaer, bilder og kunstneriske teknikker, russisk stilleben på begynnelsen av 1900-tallet utviklet seg uvanlig raskt: på halvannet tiår går det gjennom en vanskelig vei fra impresjonisme til abstrakt formskaping, og spiller en stor rolle i utviklingen av kunsten i vårt århundre. Aldri før hadde han inntatt en så fremtredende plass i russisk maleris historie.

Stilleben, så å si, var bestemt til å bli for mange kunstnere, og faktisk for russisk maleri på begynnelsen av 1900-tallet, et slags laboratorium på jakt etter et nytt billedspråk. Men selvfølgelig var ikke bare maleriets såkalte formspråk, men også innholdet, metoden og prinsippene for dets figurative system i endring og i det hele tatt beriket på hver sin måte.

Vi skylder stilleben av denne tiden en ekstraordinær utvidelse av sine grenser som fin sjanger. menneskelig personlighet av den vanskelige epoken avsløres i den veldig mangesidig. I dette stillebenet føler betrakteren ikke bare detaljene ved en bestemt livsstil, men også de unike egenskapene som er iboende i en viss individualitet. Den dype essensen av fenomenet omverden er nå avslørt mer fullstendig4.