hjem › Salong › Klassisk musikk: kvinnelige komponister. Kvinnelige komponister: Fra Clara Schumann til Valentina Serova Mest populære kvinnelige komponist

Klassisk musikk: kvinnelige komponister. Kvinnelige komponister: Fra Clara Schumann til Valentina Serova Mest populære kvinnelige komponist

«Det er mer sannsynlig at en mann vil føde et barn enn en kvinne vil skrive god musikk", en gang sagt tysk komponist Johannes Brahms. Et og et halvt århundre senere samler kvinnelige komponister verdens største konsertsaler, skriver musikk til filmer og kommer med viktige sosiale initiativ.

1. Cassia av Konstantinopel

Den greske nonnen Cassia ble født i en velstående konstantinopolitisk familie i 804 eller 805. I dag er hun ikke bare kjent som grunnleggeren kloster i Konstantinopel, men også som en av de første kvinnelige hymnografer og komponister.

Cassia var veldig vakker, og ifølge noen kilder deltok hun i 821 til og med i et brudeshow for keiser Theophilus. Jenta var ikke bestemt til å bli kona til keiseren, og snart tok Cassia sløret som nonne for å tilbringe hele livet i klosteret hun grunnla. Der komponerte Cassia kirkesalmer og kanoner, og en analyse av verkene hennes, som inneholder referanser til skriftene til eldgamle forfattere, lar oss konkludere med at jenta hadde en god sekulær utdannelse.

Cassia av Konstantinopel er en av de første komponistene hvis verk kan fremføres av samtidsmusikere.

2. Hildegard av Bingen

Den tyske nonnen Hildegard av Bingen var en ekstraordinær person, ikke bare når det gjaldt å skrive musikk - hun arbeidet også med verk om naturvitenskap og medisin, skrev mystiske bøker med visjoner, så vel som åndelige dikt.

Hildegard ble født på slutten av 1000-tallet og var det tiende barnet i en adelig familie. Fra hun var åtte år ble jenta oppdratt av en nonne, og som 14-åring begynte hun å bo i et kloster, hvor hun studerte kunst og liturgi.

Jenta begynte å komponere musikk på egne dikt som barn, og allerede i voksen alder samlet hun verkene sine i en samling kalt "Harmonic Symphony of Heavenly Revelations". Samlingen inkluderer sang, kombinert i flere deler om liturgiske temaer.

3. Barbara Strozzi

Den italienske komponisten Barbara Strozzi, som senere ble kalt "den mest virtuose", var uekte datter poeten Giulio Strozzi, som senere adopterte henne. Barbara hadde selv fire uekte barn av forskjellige menn. Jenta ble født i 1619 i Venezia og studerte hos komponisten Francesco Cavalli.

Strozzi skrev kantater, ariettas, madrigaler, og tekstene til datterens verk ble skrevet av faren Giulio. Barbara ble den første komponisten som ga ut verkene sine ikke i samlinger, men én om gangen. Musikken til Barbara Strozzi fremføres og utgis på nytt i dag.

4. Clara Schumann

Født Clara Wieck i 1819 i Leipzig, sønn av Friedrich Wieck, en kjent pianolærer i byen og landet. MED tidlig alder jenta lærte å spille piano av faren, og i en alder av 10 begynte hun å opptre offentlig.

Sammen med faren dro Clara på turné i Tyskland, og ga deretter flere konserter i Paris. Rundt denne tiden begynte unge Clara å skrive musikk - hennes første verk ble utgitt i 1829. Samtidig ble den unge Robert Schumann student av Friedrich Wieck, hvis beundring for den talentfulle datteren til læreren vokste til kjærlighet.

I 1940 giftet Clara og Robert seg. Siden den gang begynte jenta å fremføre musikk skrevet av mannen sin, ofte var hun den første som presenterte de nye komposisjonene til Robert Schumann for publikum. Også komponisten Johannes Brahms betrodde debutfremføringen av verkene sine til Clara, nær venn familier.

Clara Schumanns egne komposisjoner ble preget av sin modernitet og ble ansett som et av de beste eksemplene romantisk skole. Robert Schumann satte også stor pris på sin kones forfatterskap, som imidlertid insisterte på at kona skulle fokusere på familie liv og deres åtte barn.
Etter Robert Schumanns død fortsatte Clara å fremføre verkene hans og interessen for henne egen kreativitet brøt ut med fornyet kraft i 1970, da innspillinger av Claras komposisjoner først dukket opp

5. Amy Beach

Amerikanske Amy Marcy Cheney Beach er den eneste kvinnen i den såkalte «Boston Six» av komponister, som i tillegg til henne inkluderte musikerne John Knowles Payne, Arthur Foote, George Chadwick, Edward McDowell og Horatio Parker. Komponistene av "seks" anses å ha hatt en avgjørende innflytelse på dannelsen av amerikansk akademisk musikk.

Amy ble født 5. september 1867 i en velstående New Hampshire-familie. MED tidlige år jenta studerte musikk under veiledning av moren, og etter at familien flyttet til Boston, begynte hun å studere komposisjon også. Først solokonsert Amy Beach fant sted i 1883 og var en stor suksess. To år senere giftet jenta seg og, etter insistering fra mannen hennes, sluttet hun praktisk talt å opptre og konsentrerte seg om å skrive musikk.

Med egne verk opptrådte hun senere på turné i Europa og Amerika, og i dag regnes Amy Beach som den første kvinnen som klarte å lage suksessfull karriere i høy musikk.

6. Valentina Serova

Den første russiske kvinnelige komponisten, født Valentina Semyonovna Bergman, ble født i 1846 i Moskva. Jenta klarte ikke å ta eksamen fra St. Petersburg-konservatoriet på grunn av en konflikt med direktøren, hvoretter Valentina begynte å ta timer fra musikkritiker og komponist Alexander Serov.

I 1863 giftet Valentina og Alexander seg, to år senere fikk paret en sønn, den fremtidige kunstneren Valentin Serov. I 1867 begynte Serovs å publisere magasinet "Musikk og teater". Ektefeller støttet vennlige forhold med Ivan Turgenev og Pauline Viardot, Leo Tolstoy, Ilya Repin.

Valentina Serova var ganske ærbødig om ektemannens arbeid, og etter hans død publiserte hun fire bind med artikler om mannen sin, og fullførte også hans opera The Enemy Force.

Serova er forfatter av operaene Uriel Acosta, Maria D'Orval, Miroed, Ilya Muromets. I tillegg til musikk skrev hun også artikler om komponering, publiserte memoarer om møter med Leo Tolstoj og minner om ektemannen og sønnen.

7. Sofia Gubaidulina

I dag bor og arbeider den russiske komponisten Sofia Gubaidulina i Tyskland, men hennes hjemland Tatarstan arrangerer årlig musikkkonkurranser og festivaler dedikert til den berømte innfødte i republikken.

Sofia Gubaidulina ble født i Chistopol i 1931. Som jente ble hun uteksaminert fra Kazan musikalsk gymsal, og gikk deretter inn på Kazan Conservatory, hvor hun studerte komposisjon. Etter å ha flyttet til Moskva, fortsatte Gubaidulina studiene ved Moskva-konservatoriet, og etter endt utdanning fikk hun et viktig avskjedsord fra komponisten Dmitry Shostakovich: "Jeg ønsker at du går din egen "feil" vei."

Sammen med Alfred Schnittke og Edison Denisov var Sofia Gubaidulina en av treenigheten av avantgardekomponister i Moskva. Gubaidulina jobbet mye for kino og skrev musikk til filmer som "Vertical", "Man and His Bird", "Mowgli", "Scarecrow".

I 1991 mottok Sofia Gubaidulina et tysk stipend og har siden bodd i Tyskland, og har jevnlig besøkt Russland med konserter, festivaler og ulike sosiale tiltak.

"I Antikkens Hellas alle harpister var menn, og nå er det et "kvinnelig" instrument. Tidene endrer seg, og ordene til Brahms om at "det er mer sannsynlig at en mann vil føde et barn enn at en kvinne vil skrive god musikk" høres useriøst ut, "sa Sofia Asgatovna i et intervju.

Som på alle andre områder klassisk kunst Den vestlige verden, i akademisk musikks historie er det utallige glemte kvinner som fortjener å bli fortalt om seg selv.

Spesielt - i komponistens kunsthistorie.

Selv nå, når antallet bemerkelsesverdige kvinnelige komponister vokser hvert år, er sesongplanene til de mest kjente orkestrene og konsertprogrammer mest kjente utøvere Sjelden er verk skrevet av kvinner.

Når arbeidet til en kvinnelig komponist likevel blir gjenstand for tilskuer eller journalistisk oppmerksomhet, er nyhetene om dette nødvendigvis ledsaget av noen triste statistikker.

Her er et nylig eksempel: The Metropolitan Opera ga denne sesongen den strålende "Love from aar" av Caia Saariaho - som det viste seg, den første operaen skrevet av en kvinne, vist i dette teateret siden 1903. Det er trøstende at komposisjonene til Saariaho - som for eksempel musikken til Sofia Gubaidulina eller Julia Wolf - fremføres ganske ofte selv uten slike nyhetsverdige anledninger.

Noen utelukkende på grunn av sin egen oppførsel, som ødela kulturelle grunnlag, og noen - gjennom musikken deres, som det ikke er noen analog til.

Louise Farranc (1804–1875)

Hun hadde denne stillingen i de neste tretti årene, og til tross for den pedagogiske arbeidsmengden, klarte hun å bevise seg som komponist. Men i stedet for å "klare å vise", men "kunne ikke vise".

Farranc kom fra et kjent dynasti av skulptører og vokste opp blant de beste menneskene Parisisk kunst, så handlingen kreativt uttrykk Det var veldig naturlig for henne.

I Frankrike skriblet hver første lovende forfatter mange timer med opera, og parisierens lakoniske og klassisk inspirerte verk var i strid med daværende mote.

Forgjeves: hennes beste verk - som den tredje symfoni i g-moll - for å si det mildt, går ikke tapt på bakgrunn av datidens mastodonter som Mendelssohn eller Schumann. Ja, og Brahms, med sine forsøk på å oversette klassisisme til språket i den romantiske epoken, gikk Farranc forbi ti eller til og med tjue år.

Dora Pejacevic (1885–1923)

Jenta vokste opp under strengt tilsyn av engelske guvernanter, kommuniserte nesten ikke med jevnaldrende og ble generelt oppdratt av foreldrene med et øye på et videre vellykket ekteskap for familien, i stedet for på lykkelig barndom.

Dette kom imidlertid bare hennes andre lidenskap til gode: selv ved begynnelsen av første verdenskrig etablerte den opprørske adelskvinnen seg som den mest betydningsfulle skikkelsen i kroatisk musikk.

Men hvis vi abstraherer fra historisk sammenheng og lytte til musikken til Pejacevic som en oppriktig kjærlighetserklæring til de tyske romantikerne, vil det være lett å legge merke til hennes uttrykksfulle melodi, laget på høy level orkestrering og nøye strukturarbeid.

Amy Beach (1867–1944)

Mest kjent episode biografier om Amy Beach kan omformuleres slik. I 1885, da hun var 18 år, giftet Amys foreldre seg med en 42 år gammel kirurg fra Boston. Jenta var allerede en pianovirtuos på den tiden og håpet å fortsette musikkstudier og utøvende karriere, men mannen hennes bestemte noe annet.

Dr. Henry Harris Audrey Beach, bekymret for familiens status og ledet av daværende ideer om kvinnens rolle i det sekulære New England-samfunnet, forbød sin kone å studere musikk og begrenset hennes opptredener som pianist til én konsert i året.

For Amy som drømte om konsert haller og utsolgte konserter, viste det seg å være ensbetydende med tragedie. Men, som det ofte skjer, tragedien viket for triumf: selv om Beach ofret sin utøvende karriere, begynte hun å vie seg mer og mer til å skrive og er nå entydig identifisert av de fleste forskere som den beste amerikanske komponisten fra senromantikken.

Hennes to hovedverk - den gæliske symfonien utgitt i 1896 og pianokonserten som fulgte tre år senere - er virkelig vakre, selv om de etter disse årenes standard er fullstendig blottet for originalitet. Det viktigste er at i musikken til Beach, som man kan anta, er det absolutt ingen plass for provinsialisme og parochialisme.

Ruth Crawford Seeger (1901–1953)

Ruth Crawford Seeger er mye mer kjent i kretsene til seriøse fans, forskere og bare elskere av amerikansk folkemusikk enn i verden av akademisk musikk. Hvorfor?

Det er to viktige årsaker: For det første var hun kona til musikkforskeren Charles Seeger, og derfor stamfaren til Seeger-klanen, en familie av musikere og sangere som gjorde mer for å popularisere amerikansk folk enn noen annen.

For det andre, hun senere år ti år av livet jobbet hun tett med å katalogisere og arrangere sanger spilt inn på en rekke reiser av John og Alan Lomax, de største amerikanske folkloristene og samlerne av folkemusikk.

Overraskende nok, helt til starten livet sammen både Ruth og Charles Seeger var komponister med en høyst modernistisk tilbøyelighet, hvis musikk knapt kunne kalles "folklore". Spesielt kan skriftene til Ruth Crawford på begynnelsen av 1930-tallet bare sammenlignes med verkene til Anton Webern - og selv da bare når det gjelder dyktig bygget dramaturgi og kortfattet konsentrert musikalsk materiale.

Men hvis Weberns tradisjoner skinner gjennom hver tone - det spiller ingen rolle, østerriksk eller renessansemusikk - så eksisterer Seegers verk som utenfor tradisjonen, utenfor fortiden og utenfor fremtiden, utenfor Amerika og utenfor resten av verden.

Hvorfor er en komponist med en så individuell stil fortsatt ikke inkludert i det kanoniske modernistiske repertoaret? Mysterium.

Lily Boulanger (1893–1918)

Beste essays Lily Boulanger er skrevet i religiøse tekster som salmer eller buddhistiske bønner, de fremføres oftest som av et feilstemt kor til et revet, unmelodiously og høyt musikalsk akkompagnement. Du kan ikke plukke opp en analog til denne musikken med en gang - ja, den ligner litt på Stravinskys tidlige verk og Honeggers spesielt brennende komposisjoner, men verken den ene eller den andre nådde så dyp fortvilelse og gikk ikke inn i så ekstreme fatalisme.

Da en venn av Boulanger-familien, komponisten Gabriel Fauré, oppdaget den tre år gamle Lily absolutt tonehøyde, foreldre og eldre søster kunne knapt forestille seg at denne gaven ville bli nedfelt i noe så unangelic.

Kanskje kunne hun blitt en like betydningsfull komponist som hun viste seg å være lærer. Hun begynte i alle fall som komponist – men etter hennes egen innrømmelse, etter Lilys død, brast noe inni Nadia. Etter å ha levd i 92 år, nådde den eldre søsteren aldri høyden av de få komposisjonene til sin yngre søster, som brente ut av Crohns sykdom i en alder av 24.

Elizabeth Maconki (1907–1994)

Ralph Vaughan Williams, den største Britisk komponist forrige århundre, var en lidenskapelig forkjemper for nasjonal musikalske tradisjoner. Så han behandlet entusiastisk folkesanger, skrev mistenkelig lik anglikanske salmer korverk og, med ulik grad av suksess, nytenkte kreativiteten engelske komponister renessansen.

Han underviste også i komposisjon ved Londons Royal College of Music, hvor favorittstudenten hans på 1920-tallet var en ung irsk jente ved navn Elizabeth Maconki.

Tiår senere vil hun fortelle at det var Vaughan Williams, for ingenting at han var en tradisjonalist, som rådet henne til aldri å høre på noen og i å komponere musikk å kun fokusere på hennes interesser, smak og tanker.

illustrerende eksempler originalitet og utvikling av Maconchis komponists fantasi - hennes tretten strykekvartetter, skrevet fra 1933 til 1984 og sammen danner en syklus av kvartettlitteratur, på ingen måte dårligere enn Sjostakovitsj eller den samme Bartok.

Vitezslava Kapralova (1915–1940)

Noen år før første verdenskrig, en upåfallende tsjekkisk komponist og konsertpianist Vaclav Kapral grunnla i hjemlandet Brno en privat musikkskole for begynnende pianister. Skolen fortsatte å eksistere etter krigen, og fikk snart et rykte som nesten den beste i landet.

Strømmen av de som ønsket å studere, og å lære spesifikt av korporalen selv, fikk til og med kort komponisten til å tenke på å stoppe alle andre aktiviteter til fordel for undervisning.

Korporalen utviklet en plan, overraskende når det gjelder graden av arroganse, dumhet og kommersialisme: å dyrke et ekte monster av musikk fra Vitezslava, i stand til å erstatte ham som hovedlæreren på familieskolen.

Og å dirigere og komponere samtidig - det var generelt utenkelig. Det var nettopp å komponere musikk i første omgang at den nyinnskrevne studenten begynte – dessuten av en slik kvalitet, et slikt stilistisk mangfold og i slike volumer at det egentlig ikke er noen å sammenligne med.

Det er tydelig hvorfor i TV-serien "Mozart in the Jungle" er det Kapralova som blir forbildet for heltinnen ved navn Lizzy som ikke kan lene seg tilbake: Vitezslava døde av tuberkulose i en alder av 25 - men samtidig var tallet. av komposisjoner skrevet av henne overgår katalogene til veldig, veldig mange forfattere.

Det er imidlertid logisk å anta at denne fenomenale jenta ikke levde for å se sin siste triumf som komponist.

For all deres formelle kvalitet er Kapralovas komposisjoner stilmessig veldig like musikken til den ledende tsjekkiske komponisten i disse årene, Bohuslav Martinu, som også var en god venn av Kapral-familien, som kjente Vitezslav fra barndommen og til og med klarte å bli forelsket med henne kort tid før jentas død.

TEKST: Oleg Sobolev

SOM I ALLE ANNET KLASSISK KUNST Den vestlige verden, i akademisk musikks historie er det utallige glemte kvinner som fortjener å bli fortalt om seg selv. Spesielt - i komponistens kunsthistorie. Selv nå, når antallet bemerkelsesverdige kvinnelige komponister vokser hvert år, inkluderer sesongplanene til de mest kjente orkestrene og konsertprogrammene til de mest kjente utøverne sjelden verk skrevet av kvinner.

Når arbeidet til en kvinnelig komponist likevel blir gjenstand for tilskuer eller journalistisk oppmerksomhet, er nyhetene om dette nødvendigvis ledsaget av noen triste statistikker. Her er et nylig eksempel: The Metropolitan Opera ga denne sesongen den strålende "Love from aar" av Caia Saariaho - som det viste seg, den første operaen skrevet av en kvinne, vist i dette teateret siden 1903. Det er trøstende at komposisjonene til Saariaho - som for eksempel musikken til Sofia Gubaidulina eller Julia Wolf - fremføres ganske ofte selv uten slike nyhetsverdige anledninger.

Å velge noen få lite kjente musikalske heltinner fra en stor liste over kvinnelige navn er en vanskelig oppgave. De syv kvinnene som vi nå skal snakke om har én ting til felles – de passet på en eller annen måte ikke inn i verden rundt dem. Noen utelukkende på grunn av sin egen oppførsel, som ødela kulturelle grunnlag, og noen - gjennom musikken deres, som det ikke er noen analog til.

Louise Farranc

Hun ble født som Jeanne-Louise Dumont og ble berømt i den europeiske musikkverdenen på 1830- og 1840-tallet som pianist. Dessuten var jentas utøvende rykte så høyt at Farranc i 1842 ble utnevnt til professor i piano ved konservatoriet i Paris. Hun hadde denne stillingen i de neste tretti årene, og til tross for den pedagogiske arbeidsmengden, klarte hun å bevise seg som komponist. Men i stedet for å "klare å vise", men "kunne ikke vise". Farranc kom fra det mest berømte dynastiet av skulptører og vokste opp blant de beste menneskene i parisisk kunst, så handlingen med kreativ selvutfoldelse var ekstremt naturlig for henne.

Etter å ha publisert rundt femti komposisjoner i løpet av hennes levetid, for det meste instrumentale, fikk Madame Professor strålende kritikker om musikken sin fra Berlioz og Liszt, men i hjemlandet ble Farranc oppfattet som for ikke-fransk komponist. I Frankrike skriblet hver første lovende forfatter mange timer med opera, og parisierens lakoniske og klassisk inspirerte verk var i strid med daværende mote. Forgjeves: hennes beste verk - som den tredje symfoni i g-moll - for å si det mildt, går ikke tapt på bakgrunn av datidens mastodonter som Mendelssohn eller Schumann. Ja, og Brahms, med sine forsøk på å oversette klassisisme til språket i den romantiske epoken, gikk Farranc forbi ti eller til og med tjue år.

Dora Pejacevic

En representant for en av de mest adelige Balkan-adelsfamiliene, barnebarnet til en av forbudene (les - guvernørene) i Kroatia og datteren til en annen, tilbrakte Dora Pejacevic sin barndom og ungdom akkurat som vanlig i verdens popkultur de liker å skildrer livet til unge og nøye bevoktet av familien til unge aristokrater. Jenta vokste opp under strengt tilsyn av engelske guvernanter, kommuniserte nesten ikke med jevnaldrende og ble generelt oppdratt av foreldrene med et øye for et videre vellykket ekteskap for familien, snarere enn en lykkelig barndom.

Men noe gikk galt: som tenåring tok Dora fyr med sosialismens ideer, begynte konstant å komme i konflikt med familien sin, og som et resultat, i en alder av mer enn tjue, ble hun avskåret fra resten av Pejacevics. for resten av livet hennes. Dette kom imidlertid bare hennes andre lidenskap til gode: selv ved begynnelsen av første verdenskrig etablerte den opprørske adelskvinnen seg som den mest betydningsfulle skikkelsen i kroatisk musikk.

Doras komposisjoner, jevnt inspirert av Brahms, Schumann og Strauss, hørtes ekstremt naive ut i forhold til verden rundt henne - for eksempel på tidspunktet for urfremføringen av hennes gammeldagse klaverkonsert i Berlin og Paris, lyttet de allerede med makt og hoved til Lunar Pierrot og The Rite of Spring. Men ser vi bort fra den historiske konteksten og lytter til Pejacevics musikk som en oppriktig kjærlighetserklæring til de tyske romantikerne, så kan man lett legge merke til hennes uttrykksfulle melodi, høye orkestrering og forsiktige strukturarbeid.

Amy Beach

Den mest kjente episoden av Amy Beachs biografi kan gjenfortelles som følger. I 1885, da hun var 18 år, giftet Amys foreldre seg med en 42 år gammel kirurg fra Boston. Jenta var allerede en pianovirtuos på den tiden og håpet å fortsette musikkstudier og utøvende karriere, men mannen hennes bestemte noe annet. Dr. Henry Harris Audrey Beach, bekymret for familiens status og ledet av daværende ideer om kvinnens rolle i det sekulære New England-samfunnet, forbød sin kone å studere musikk og begrenset hennes opptredener som pianist til én konsert i året.

For Amy, som drømte om konsertsaler og utsolgte konserter, viste dette seg å være ensbetydende med tragedie. Men, som det ofte skjer, tragedien viket for triumf: selv om Beach ofret sin utøvende karriere, begynte hun å vie seg mer og mer til å skrive og er nå entydig identifisert av de fleste forskere som den beste amerikanske komponisten fra senromantikken. Hennes to hovedverk - den gæliske symfonien utgitt i 1896 og pianokonserten som fulgte tre år senere - er virkelig vakre, selv om de etter disse årenes standard er fullstendig blottet for originalitet. Det viktigste er at i Beachs musikk, som man kan anta, er det absolutt ingen plass for provinsialisme og parochialisme.

Ruth Crawford Seeger

Ruth Crawford Seeger er mye mer kjent i kretsene til seriøse fans, forskere og bare elskere av amerikansk folkemusikk enn i verden av akademisk musikk. Hvorfor? Det er to viktige årsaker: For det første var hun kona til musikkforskeren Charles Seeger, og derfor stamfaren til Seeger-klanen, en familie av musikere og sangere som gjorde mer for å popularisere amerikansk folk enn noen annen. For det andre, de siste ti årene av livet hennes, jobbet hun tett med å katalogisere og arrangere sanger spilt inn på en rekke reiser av John og Alan Lomax, de største amerikanske folkloristene og samlerne av folkemusikk.

Overraskende nok, frem til begynnelsen av livet sammen, både Ruth og Charles Seeger var komponister av en ekstremt modernistisk overbevisning, var det med store vanskeligheter å bruke ordet "folklore" på musikken deres. Spesielt kan komposisjonene til Ruth Crawford på begynnelsen av 30-tallet bare sammenlignes med verkene til Anton Webern – og selv da kun når det gjelder dyktig bygget dramaturgi og lakonisk konsentrert musikkmateriale. Men hvis Weberns tradisjoner skinner gjennom hver tone - det spiller ingen rolle, østerriksk eller renessansemusikk - så eksisterer Seegers verk som utenfor tradisjonen, utenfor fortiden og utenfor fremtiden, utenfor Amerika og utenfor resten av verden. Hvorfor er en komponist med en så individuell stil fortsatt ikke inkludert i det kanoniske modernistiske repertoaret? Mysterium.

Lily Boulanger

Det ser ut til, hva slags musikk kunne en evig syk, dypt religiøs og patologisk beskjeden franskkvinne fra høysamfunnet komponere på begynnelsen av forrige århundre? Det stemmer – en som kan fungere som et godt lydspor for Judgment Day. De beste komposisjonene til Lily Boulanger er skrevet på religiøse tekster som salmer eller buddhistiske bønner, oftest fremføres de som av et feilstemt kor til et fillete, ikke-melodifullt og høyt musikalsk akkompagnement. Du kan ikke plukke opp en analog til denne musikken med en gang - ja, den ligner litt på Stravinskys tidlige verk og Honeggers spesielt brennende komposisjoner, men verken den ene eller den andre nådde så dyp fortvilelse og gikk ikke inn i så ekstreme fatalisme. Da en venn av Boulanger-familien, komponisten Gabriel Fauré, oppdaget at tre år gamle Lily hadde absolutt tonehøyde, kunne foreldrene hennes og storesøsteren knapt forestille seg at denne gaven ville oversettes til noe så unangelisk.

Forresten, om søsteren min. Nadia Boulanger viste seg å være en skikkelse i musikkhistorien, i motsetning til noen mer betydningsfulle. I nesten et halvt århundre - fra 20- til 60-tallet - ble Nadia ansett som en av de beste musikklærerne på planeten. Med svært spesifikke syn både på ny musikk på den tiden, og på musikk i ordets bokstavelige forstand, klassisk, tøff, kompromissløs og utmattende elevene med de vanskeligste oppgavene, forble Nadya, selv for sine ideologiske motstandere, et eksempel på musikalsk intelligens av enestående minne og kraft. Kanskje kunne hun blitt en like betydningsfull komponist som hun viste seg å være lærer. Hun begynte i alle fall som komponist – men etter hennes egen innrømmelse, etter Lilys død, brast noe inni Nadia. Etter å ha levd i 92 år, nådde den eldre søsteren aldri høyden av de få komposisjonene til sin yngre søster, som brente ut av Crohns sykdom i en alder av 24.

Elizabeth Maconki

Ralph Vaughan Williams, den største britiske komponisten i forrige århundre, var en lidenskapelig forkjemper for nasjonale musikalske tradisjoner. Så han omarbeidet entusiastisk folkesanger, skrev korverk som var mistenkelig lik anglikanske salmer, og, med varierende grad av suksess, tenkte han om arbeidet til engelske komponister fra renessansen. Han underviste også i komposisjon ved Londons Royal College of Music, hvor favorittstudenten hans på 1920-tallet var en ung irsk jente ved navn Elizabeth Maconki. Tiår senere vil hun fortelle at det var Vaughan Williams, for ingenting at han var en tradisjonalist, som rådet henne til aldri å høre på noen og i å komponere musikk å kun fokusere på hennes interesser, smak og tanker.

Rådene viste seg å være avgjørende for Maconki. Musikken hennes har alltid vært uberørt av både de globale trendene til akademiets avantgarde og den eldgamle anglo-keltiske kjærligheten til landlig folklore. Det var i studieårene hun oppdaget Bela Bartók (en komponist, forresten, som også jobbet utenfor alle åpenbare trender), Makonki i komposisjonene hennes frastøt naturlig nok den modne musikken til den store ungareren, men samtidig var hun konsekvent utviklet sin egen stil, mye mer intim og introspektiv. Levende eksempler på originaliteten og utviklingen av Makonkas komponists fantasi er hennes tretten strykekvartetter, skrevet fra 1933 til 1984 og sammen danner en syklus av kvartettlitteratur, på ingen måte dårligere enn Sjostakovitsj eller den samme Bartok.

Vitezslava Kapralova

Noen år før første verdenskrig grunnla en iøynefallende tsjekkisk komponist og konsertpianist Vaclav Kapral en privat musikkskole for aspirerende pianister i hjemlandet Brno. Skolen fortsatte å eksistere etter krigen, og fikk snart et rykte som nesten den beste i landet. Strømmen av de som ønsket å studere, og å lære spesifikt av korporalen selv, fikk til og med kort komponisten til å tenke på å stoppe alle andre aktiviteter til fordel for undervisning.

Heldigvis begynte hans datter Witezslava, som på det tidspunktet ennå ikke hadde feiret tiårsdagen sin, plutselig å demonstrere ekstraordinære musikalske evner. Jenta spilte piano bedre enn mange voksne profesjonelle, memorerte hele det klassiske sangrepertoaret og begynte til og med å skrive små stykker. Korporalen utviklet en plan, overraskende når det gjelder graden av arroganse, dumhet og kommersialisme: å dyrke et ekte monster av musikk fra Vitezslava, i stand til å erstatte ham som hovedlæreren på familieskolen.

Selvfølgelig skjedde ingenting av dette. Den ambisiøse Witezslava, som ønsket å bli komponist og dirigent, gikk i en alder av femten år inn på to tilsvarende fakulteter ved det lokale konservatoriet på en gang. Slik at en kvinne ønsker å utføre - dette ble ikke sett i Tsjekkia på 30-tallet før Kapralova. Og å dirigere og komponere samtidig - det var generelt utenkelig. Det var nettopp å komponere musikk i første omgang at den nyinnskrevne studenten begynte – dessuten av en slik kvalitet, et slikt stilistisk mangfold og i slike volumer at det egentlig ikke er noen å sammenligne med.

Store kvinner i Russland

Anastasia Moreva

Voronezh Composers' Organization dedikerte vårens musikalske og pedagogiske quiz til de store kvinnene i Russland. Hennes heltinner var Katarina den store, Natalia Goncharova, poetinnene Anna Akhmatova og Marina Tsvetaeva, og den kvinnelige kosmonauten Valentina Tereshkova. Voksne og unge deltakere i quizen lærte med interesse lite kjente fakta fra biografier fremtredende kvinner, lyttet til forestillingen til den ærede kunstneren fra den russiske føderasjonen Lyubov Kontsova, solisten ved Voronezh Opera Elena Petrichenko.

For eksempel initierte den russiske keiserinne Catherine II kvinners utdanning i Russland. På hennes initiativ ble Smolny Institute for Noble Maidens, en skole ved Kunstakademiet og et Society of Two Hundred Noble Maidens åpnet. Catherine var forlovet litterær virksomhet, og etterlater seg en stor samling verk - notater, oversettelser, fabler, eventyr, komedier, essays, samt librettoer for flere operaer. Deltok i det ukentlige satiremagasinet "Alt".

Natalya Goncharova - kone og muse til A.S. Pushkin dedikert til dikterens linjer "Jeg er gift og lykkelig ... Denne tilstanden er så ny for meg at det ser ut til at jeg har blitt gjenfødt." Gift med den store poeten fødte hun fire barn. Programmet inkluderte komposisjoner av M.I. Glinka, A.S. Dargomyzhsky, så vel som Voronezh-komponisten Vladimir Naumov til versene til A.S. Pushkin.

For første gang hørte mange navnet til en strålende kvinne, poet og forfatter Evdokia Rostopchina. Hun kjente A.S. Pushkin, M.I. Lermontov, V.A. Zhukovsky, N.V. Gogol, møter med hvem fungerte som en drivkraft for å skrive sine egne dikt. Hun komponerte lyriske skuespill, romaner i prosa, dramatiske skuespill for teatret. I St. Petersburg, i Rostopchins' hus, ga de ofte musikalske kvelder, som ble besøkt av F. List, M.I. Glinka, Prins V.F. Odoevsky, forfattere A.N. Ostrovsky og L.A. mai, samt artister M.S. Shchepkin, I.V. Samarin og andre. Vi er interessert i det faktum at grevinnen tilbrakte to år i Voronezh-godset som tilhørte mannen hennes - byen Anna. Åpningen av kvelden var fremføringen av E. Krylatovs romanser "Du vil huske meg", A. Rubinsteins "Morgen" til versene til E. Rostopchina.

Oppmerksomheten til lytterne ble presentert for romansene til Voronezh-komponisten Alexander Ukrainsky basert på Anna Akhmatovas dikt "Kjærlighet", "La stemmene til orgelet briste igjen", og glorifiserer triumfen til kunst, vår, kjærlighet, ekte poesi. Teksten til diktene formidles i komponistens musikk med forbløffende gripende og penetrasjon.

Marina Tsvetaeva – en poetinne som synger om naturlig skjønnhet og glade følelser av kjærlighet. Vanskelig livsvei Tsvetaeva gjenspeiles i arbeidet hennes, som er mettet med motiver romantisk kjærlighet, avvisning og ensomhet. På versene til M. Tsvetaeva ble verkene til en annen Voronezh-komponist A. Mozalevsky skrevet, som fullførte kveldens program.

1. oktober var den internasjonale musikkdagen. Selvfølgelig er dette først og fremst en høytid for komponister. Men av en eller annen grunn stiller folk sjelden spørsmålet – hvorfor er det så få kvinnelige komponister? Du kan gjennomføre et eksperiment og intervjue for eksempel 100 personer om emnet "hvem er din favorittkomponist." Og sikkert vil alle 100 respondenter navngi en mannlig forfatter. For eksempel Mozart, Tsjaikovskij, Bach, Rachmaninov, Strauss, Beethoven eller Prokofiev... Og det vil ikke være en eneste kvinne på denne listen.

Men i løpet av de siste to århundrene har det vært (og er) komponister som representerer det rettferdige kjønn, hvis navn dundret i Europa eller er kjent nå.

Og i dag kan vi snakke om de flinkeste kvinnelige komponistene.

Det rettferdige kjønn kom til musikk for alvor først på begynnelsen av 1900-tallet. Selvfølgelig kan man si om heltinnene fra 1800-tallet - Louise Farranc eller Joanna Kinkel. Men de var ikke særlig godt kjent for det generelle musikalske miljøet.

Derfor kan vi kanskje starte med den franske Lily Boulanger. Dessverre er det få som husker henne nå, men på begynnelsen av 1900-tallet tordnet navnet til Lily i hele Europa. Det var hun, for å si det moderne språk, superpopulær, selv om Gud har latt henne gå i ganske mange år.

Lily vokste opp i en musikalsk familie, faren hennes var komponist, og hadde også en stilling som vokallærer ved konservatoriet i Paris. Interessant nok ble moren hennes, sangeren Raisa Myshetskaya, født i St. Petersburg.

Lily lærte å lese musikk i en alder av seks år - da kunne hun ikke engang bokstavene og kunne ikke lese. Av hennes tidlige komposisjoner er det bare E-dur-valsen som overlever. Men i 1909 kom hun inn på konservatoriet i Paris, og allerede i 1913 ble hun den første kvinnen som mottok Romas store pris for kantaten Faust og Helena. I 1914, som vinner av Roma-prisen, tilbrakte hun fire måneder i " evig stad". Reisen hennes ble imidlertid avbrutt av utbruddet av første verdenskrig. Hun døde utidig av tuberkulose i mars 1915, da hun ennå ikke var 25 år gammel ... Hun ble gravlagt på kirkegården i Montmartre, men svært få vet hvor graven hennes er.

På 1900-tallet var den engelske Ruth Jeeps ekstremt populær. Siden barndommen har hun opptrådt som pianist. Allerede i en alder av åtte fremførte hun imidlertid sin første originale komposisjon. Hvorfor ikke Mozart i skjørt? I 1936 gikk hun inn på Royal College of Music, hvor hun studerte piano, obo og komposisjon, og etter endt utdanning opptrådte hun igjen som pianist og oboist. Da fikk Ruth en alvorlig håndskade. og fokusert på skriving egne komposisjoner og manual musikalske grupper. Så i 1953 grunnla Gyps og ledet Portia Wind Ensemble, et kammerensemble av blåseinstrumenter. Det særegne ved dette laget var at det utelukkende besto av kvinnelige musikere. I 1955, under ledelse av Gyps, ble London Repertory Orchestra opprettet, som hovedsakelig besto av unge musikere, og i 1961, Chanticleer Orchestra. Når det gjelder komposisjonene til Gips, skrev hun fem symfonier. Spesialister setter spesielt pris på den andre symfonien, der Ruth ifølge fagfolk overgikk seg selv. Ruth Jeeps døde i 1999 i en alder av 78 år.

Skinnende stjerne klassisk musikk ring Sophia Gubaidulina. Hun gikk inn på konservatoriet i 1954, og fullførte med suksess ikke bare hennes, men også forskerskolen. Som Gubaidullina selv sier, var avskjedsordet som ble talt av Dmitrij Sjostakovitsj viktig for henne på den tiden: "Jeg ønsker at du følger din "feil" vei."

Gubaidulina skapte ikke bare "seriøs" musikk, hun skrev også komposisjoner for 25 filmer, inkludert "Mowgli" og "Scarecrow". Men i 1979, på VI Congress of Composers, i rapporten til Tikhon Khrennikov, ble musikken hennes kritisert. Generelt kom Sofia inn på "svartelisten" over innenlandske komponister. I 1991 mottok Gubaidulina et tysk stipend, og siden 1992 bor hun i nærheten av Hamburg, hvor hun lager verkene sine. Og han kommer sjelden til Russland.

Vel, og selvfølgelig kan man ikke annet enn å si om Alexander Pakhmutova. Hun er kanskje den mest suksessrike kvinnelige komponisten siste tiår. Hun helt fra tidlig barndom Hun var eksepsjonelt begavet innen musikk. Og hun skrev sine første melodier da hun var bare tre år gammel. Dessuten, i en alder av fire, komponerte lille Sasha stykket "The Roosters Sing".

Det er ikke overraskende at hun da ble tatt opp på Central Music School ved Moskva statskonservatorium uten problemer. Hun ble forresten uteksaminert fra konservatoriet i 1953, og fullførte deretter videreutdanningen. Og selv mens hun studerte, skrev hun musikk, og ble en av de mest populære og krevde komponister fra USSR.

Pakhmutovas viktigste hobby er sanger. Sangene, musikken som Alexandra Nikolaevna skrev, ble fremført og fremført av mange fremragende artister fra den sovjetiske og russiske scenen: Sergey Lemeshev og Lyudmila Zykina, Muslim Magomayev og Tamara Sinyavskaya, Anna German og Alexander Gradsky, Iosif Kobzon og Valentina Tolkunova, Lev Leshchenko og Maya Kristalinskaya, Eduard Khil og Sofia Rotaru, Valery Leontiev og Lyudmila Senchina.

Generelt sett, til tross for at det er færre kvinnelige komponister enn menn, satte de også et lysende preg på verdensmusikken.

Tross alt, i tillegg til alle de som er oppført ovenfor, var og er det slike talenter som Barbara Strozzi, Rebecca Saunders, Malvina Reynolds, Adriana Helzky og Karen Tanaka, og bidraget fra den vakre halvdelen av menneskeheten til den verdensmusikalske arven er også veldig flott.

Populær i kategorien: