italiensk operahus. Historien om italiensk opera

Teatro Olimpico er en av de tre renessanseteatrene som har overlevd til i dag. Designet er den eldste dekorasjonen i verden. Teateret ligger i byen Vicenza, i den italienske regionen Veneto. Skapelseshistorie Byggingen av teatret begynte i 1580. Arkitekten var en av de mest kjente mestere Andrea Palladio fra renessansen Før han fortsatte med å lage prosjektet, studerte Andrea Palladio strukturen til dusinvis av romerske teatre. Han har ikke land til et nytt teater ...

Teatro Massimo er et av de største operahusene ikke bare i Italia, men i hele Europa, og er kjent for sin utmerkede akustikk. ...

De fleste reisende vet på forhånd hvilke severdigheter i Italia de ønsker å besøke. Hvis vi snakker om Milan, er nummer én poeng for ...

Teatro San Carlo i Italia er et av de eldste operahusene i verden, et UNESCOs verdensarvliste Les også: Italienere foreslår å bidra...

Goldoni-teatret, tidligere Teatro San Luca og Teatro Vendramin di San Salvatore, er et av hovedteatrene i Venezia. Teateret ligger...

Kulturelle ferier i Italia vil selvfølgelig ikke være komplett uten et besøk på teatret. Foretrekker kulturell rekreasjon og vil gjerne lære mer om teaterlivet i Italia? Har du lenge drømt om å se italiensk opera i sjangerens fødested, men vet ikke hvordan du skal organisere det? Da har du kommet til rett side. Under overskriften teatre i Italia tilbyr vi deg nyttig informasjon om tidsplanen og repertoaret til italienske teatre. Også her kan du finne mange interessante fakta om teatrene i Italia, om historien til konstruksjonen deres og legendene som omslutter de berømte bygningene.

Visste du at selv eldgamle amfiteatre, som er mer enn to tusen år gamle, kan fungere som teaterscener i Italia? Men det faktum at operahus Italia som La Scala og San Carlo kalles med rette de beste eksisterende i verden? Interessert i å lære om historien til konstruksjonen deres? Vil du vite om repertoaret og kostnadene for billetter til de verdensberømte operaene i Italia? Da ble denne delen av nettstedet laget spesielt for deg.

Teatro alla Scala(MILAN)

Verdens perle musikalsk kultur. Det er vanskelig å forestille seg et teater med en mer strålende historie enn den berømte La Scala. I mer enn 300 års eksistens har disse veggene sett mye, men de klarte å bevare, kanskje, det viktigste for teatret - en unik sjarm og mystikk. konsertsesongen på La Scala varer fra desember til juni (om høsten holdes symfonikonserter på scenen). Sesongåpningen er spesielt høytidelig. Det er alltid 7. desember, dagen til St. Ambrosius, Milanos skytshelgen. Akk, billetter selges noen ganger ut seks måneder i forveien, så bestill på forhånd. Omtrentlig billettpris - opera / ballett: parterre 260/150; amfi 80-260/125; balkong 40-105/30-80 euro

Amfiteater - Arena di Verona(VERONA)

Det gamle romerske amfiteateret er kjent for sine opera- og konsertforestillinger som holdes i det. Bygget i det 1. århundre f.Kr. Den største bygningen laget av rosa Verona-stein er nest etter det romerske Colosseum. I gamle tider ble det holdt Gladiatorkamper, i middelalderen - tornerturneringer. I XVI og XVII århundrer. tilskuertribunene ble fullstendig gjenoppbygd, og den nåværende Arena er et storslått auditorium for 25 tusen seter, på scenen som fortryllende operaforestillinger blir gitt under åpen himmel. Den har eksepsjonell bygningsakustikk. I dag er det vanligvis fire ulike sceneoppsetninger hvert år mellom juni og august. I midten av juli gis det forestillinger nesten hver dag. I vintermånedene gir opera og ballett forestillinger ved Akademisk filharmonisk.

Omtrentlig pris for billetter til premierer på Filharmonien: opera/ballett parterre - 90/60 euro; amfi opera/ballett — 70/50; boks benoir opera / ballett - 60/35; balkong opera/ballett -55/40. Kostnaden for billetter til gjentatte forestillinger er omtrent minus 10 euro. Billettpriser til Arenaen: boder 220 euro, amfiteater 95, balkong 40. Barn under 4 år er ikke tillatt.

San Carlo - Teatro di San Carlo(NAPOLI)

Operahuset i Napoli ble bygget etter ordre fra Charles III for å erstatte det falleferdige teateret i San Bartolomeo. Åpnet i 1737, på den tiden i teatersal hadde plass til opptil 3300 tilskuere, noe som gjorde teatret til verdens romsligste.

Omtrentlig pris for billetter til premierer: opera/ballett parterre - 170/130 euro; amfiteater opera/ballett — 110/100; boks med benoir opera/ballett — 90/50; balkong opera/ballett -60/40. Kostnaden for billetter til gjentatte forestillinger er omtrent minus 10 euro. .

La Phoenix teater(VENICE)

Hjertet i Venezias musikalske liv. Et uvanlig teater med vannbrygge og elegant promenade. Teateret, bygget i 1792, overlevde to branner og hver gang, som rettferdiggjorde navnet sitt, som en Phoenix-fugl, ble det gjenfødt fra asken. Etter en siste skremmende omfavnelse av flammer som nesten fullstendig ødela teatret, åpnet den nye, restaurerte La Fenice dørene for publikum 14. desember 2003.

Omtrentlig pris for billetter til premierer: opera/ballett parterre - 190/140 euro; amfiteater opera/ballett — 160/100; boks benoir opera / ballett - 110/90; balkong opera/ballett -70/50. Kostnaden for billetter til gjentatte forestillinger er omtrent minus 10 euro.

Operahuset - Teatro dell'Opera di Roma(ROMA)

Et av de største operahusene i Europa, som kan huse opptil to tusen to hundre musikkelskere. Her kommer operaen og ballettforestillinger i produksjonene til verdens registjerner. Det var i Roma-operaen verdenspremieren på Puccinis Tosca, en rekke av Mascagnis operaer, inkludert Rural Honor, Iris og Masks, fant sted. Amelita Galli-Curci, eieren av den mest kjente koloratursopranen fra begynnelsen av forrige århundre, tenorene Beniamino Gigli, Enrico Caruso, Tito Skipa, sang på scenen.

Om sommeren holdes operaforestillinger i friluft ved Caracalla-badene. En gang var de kjent som verdens åttende underverk. Sommeren 1990 fant den legendariske konserten med tre tenorer - Placido Domingo, Jose Carreras og Luciano Pavarotti - sted på ruinene av Caracalla-badene.

Omtrentlig pris for billetter til premierer: opera/ballett parterre - 160/90 euro; amfi opera/ballett — 130/80; boks benoir opera / ballett - 60/35; balkongopera/ballett — 35/30. Kostnaden for billetter til gjentatte forestillinger er omtrent minus 20 euro.

Italia, som ga verden slike de største komponistene som Paganini, Vivaldi, Rossini, Verdi, Puccini - country klassisk musikk. Italia har også inspirert mange utlendinger: for eksempel skapte Richard Wagner sin Parsifal under oppholdet i Ravello, noe som førte til denne byen, hvor den berømte musikkfestivalen nå holdes, internasjonal berømmelse. Musikksesongene åpner, avhengig av teater, fra november til desember og er viktig begivenhet Italiensk og internasjonalt musikkliv. TIO.BY og det italienske nasjonale turistbyrået har utarbeidet et utvalg av hvilke av de mange italienske teatrene du skal velge. Vi har lagt ved lenke til programmet for hvert teater.

La Scala teater i Milano

En av de mest kjente teatre, uten tvil - Milanos La Scala-teater. Hvert år blir åpningen av sesongen en høyprofilert begivenhet med deltagelse av kjente personer fra en verden av politikk, kultur og showbusiness.

Teateret ble opprettet etter ordre fra den østerrikske dronningen Maria Teresa etter brannen som ødela byens kongelige teater i Reggio Ducale i 1776. Årstidene i La Scala er en av de viktigste begivenhetene kulturliv Milan. Programmet veksler mellom opera og ballett, samt navn på italienske og utenlandske komponister.

Sesongens program finner du her.

Teatro La Fenice i Venezia

Ikke langt bak La Scala og det venetianske operahuset La Fenice, bygget på Campo San Fantin-plassen i San Marco-kvarteret. Oversatt fra italiensk heter teatret «Føniks» – nettopp fordi det ble gjenfødt to ganger etter branner, som en fabelaktig føniksfugl, fra asken. Den siste restaureringen ble fullført i 2003.

Det er vertskap for en viktig operasalong og en internasjonal festival samtidsmusikk, samt den årlige nyttårskonserten. Hver av sesongene er rik og interessant, og programmet kombinerer verk av klassisk og moderne repertoar. Vennligst sjekk sesongens tidsplan før du besøker.

Det kongelige teater i Torino

Det kongelige teateret i Teatro Regio i Torino ble bygget etter ordre fra Victor Amadeus fra Savoy. Fasaden til bygningen fra det XVIII århundre, sammen med andre boliger fra Savoy-dynastiet, er anerkjent som et UNESCO-monument.

Opera- og ballettsesongen begynner i oktober og slutter i juni, og hvert år kan du finne alle slags musikalske begivenheter: korkonserter og symfonisk musikk, kammermusikkvelder, forestillinger på Teatro Piccolo Regio, beregnet for nye publikummere og for familievisning, samt festivalen "MITO - Musical September".

Roma tilbyr også opera- og ballettelskere mange vakre møter. det viktigste senteret Klassisk musikk er Roma-operaen, også kjent som Costanzi-teateret, etter dens skaper, Domenico Costanzi. En hyppig gjest på dette teatret, så vel som kunstnerisk leder sesongen 1909-1910 var Pietro Mascagni. Ballettelskere vil være interessert i å vite at den 9. april 1917 fant den italienske premieren på balletten The Firebird av Igor Stravinsky, fremført av artistene til den russiske balletttroppen Sergei Diaghilev, sted her.

Det er mange operaforestillinger på skuespillet til dette teatret, men ballett har også stor oppmerksomhet.
Hvis vintersesongene til Roma-operaen holdes i den gamle bygningen på Piazza Beniamino Gigli, har siden 1937 vært stedet for sommersesonger i friluft har blitt et fantastisk arkeologisk kompleks av badene i Caracalla . Operaforestillinger iscenesatt på denne scenen er en stor suksess blant publikum, spesielt med turister som er henrykte over kombinasjonen av dette fantastiske stedet med operaproduksjoner.

Teatro San Carlo i Napoli

Det viktigste teatret i Campania-regionen er selvfølgelig San Carlo-teatret i Napoli.Det ble bygget i 1737 etter ordre fra kong Charles av Bourbon-dynastiet, som ønsket å lage et nytt teater som representerte kongemakten. San Carlo tok plassen til det lille teatret i San Bartolomeo, og prosjektet ble betrodd arkitekten, oberst for den kongelige hæren Giovanni Antonio Medrano og den tidligere direktøren for teatret til San Bartolomeo Angelo Carazale. Ti år etter at teatret ble bygget, natt til 13. februar 1816, ble bygningen ødelagt av brann, som etterlot bare ytterveggene og et lite tilbygg intakt. Det vi ser i dag er en rekonstruksjon etterfulgt av ombygging.

Dette fantastiske teatret ønsker alltid operaelskere velkommen med et veldig innholdsrikt program, som ofte representerer en reise inn i den napolitanske operatradisjonen og tilbakekomsten av de store klassikerne fra det symfoniske repertoaret, inkludert de som leses gjennom prismen til en ny oppfatning og med deltakelse av verdens kjendiser. Hver sesong på scenen til Europas eldste operahus er det lyse debuter og fantastiske returer.

Selvfølgelig er det rett og slett umulig å beskrive all prakten til det teatralske Italia. Men vi vil tipse deg om noen flere teatre med programmer som fortjener oppmerksomhet.

Philharmonic Theatre i Verona; sesongens program på linken.

Teatro Comunale i Bologna; programmer av opera, musikk og ballett sesonger.

Teater Carlo Felice i Genova; programmer av musikk-, opera- og ballettsesongene.

Det kongelige teater i Parma; lenke til sesongprogram

Teatro Comunale i Treviso; lenke til sesongprogram

Giuseppe Verdi operahus i Trieste; lenke til sesongprogram

Concert Hall Auditorium i Musikkparken i Roma; sesongens program

Innholdet i artikkelen

ITALIENSK TEATER. Teaterkunsten i Italia, med sin opprinnelse, går tilbake til folkeritualer og spill, til karneval, kultsanger og danser knyttet til den naturlige syklusen og landlige arbeid. Mailekene var rike på sanger og dramatisk handling. , holdt av en flammende ild, som symboliserer solen. Fra midten av 1200-tallet Lauda oppstår i Umbria (lauda) , et slags firkantet skue, -religiøse lovord, som gradvis fikk en dialogisk form. Handlingene i disse forestillingene var hovedsakelig gospelscener - kunngjøringen, Kristi fødsel, Kristi gjerninger ... Blant lovprisningskomponistene skilte den toskanske munken Jacopone da Todi (1230-1306) seg ut. Hans mest kjente verk Madonnaens klagesang. Laudas fungerte som grunnlaget for fremveksten av hellige forestillinger (sacre rappresentazioni), som ble utviklet på 1300-1400-tallet. (opprinnelig også i det sentrale Italia), en sjanger nær mystikk, vanlig i landene i Nord-Europa. Innholdet i hellige representasjoner var basert på handlingene i Det gamle og Det nye testamente, hvor fabelaktige og realistiske motiver ble lagt til. Forestillingene ble spilt på et podium installert på torget. Scenen ble bygget i henhold til den aksepterte kanonen - nederst er "helvete" (den åpne munnen til en drage), på toppen er "paradis", og mellom dem er andre handlingsscener - "Mountain", "Desert" , "Det kongelige palass", etc. En av de mest kjente forfattere av denne sjangeren var Feo Belcari - Representasjon av Abraham og Isak (1449), Johannes i villmarken(1470) m.fl. Herskeren i Firenze, Lorenzo Medici, komponerte også hellige representasjoner.

I 1480 skrev den unge hoffpoeten og kjenneren av antikken, Angelo Poliziano (1454-1494), på oppdrag fra kardinal Francesco Gonzaga, et pastoralt drama om handlingen gammel gresk myte Legenden om Orfeus. Dette var det første eksemplet på en appell til bildene fra den antikke verden. Med et skuespill av Poliziano, gjennomsyret av en lys, munter følelse, begynner en interesse for mytologiske skuespill og generelt en fascinasjon for antikken.

Det italienske litterære dramaet, som renessansens vesteuropeiske dramaturgis historie begynner med, var i sin estetikk basert på erfaringen fra gammel dramaturgi. Komediene til Plautus og Terence bestemte for de italienske humanistiske dramatikerne temaene for verkene deres, sammensetningen av karakterene og komposisjonskonstruksjon. Veldig viktig hadde fremføringer av latinske komedier av skolebarn og studenter, spesielt i Roma under ledelse av Pomponio Leto på 1470-tallet. Ved å bruke tradisjonelle plott introduserte de nye karakterer, moderne farger og vurderinger i komposisjonene sine. De gjorde det virkelige liv til innholdet i skuespillene sine, og karakterene til sin samtidsmann. Den første komikeren i moderne tid var sentidens store dikter italiensk renessanse Ludovico Ariosto. Hans skuespill er fulle av realistiske bilder, skarpe satiriske skisser. Han ble grunnleggeren av den italienske nasjonalkomedien. Fra ham kommer utviklingen av komedien i to retninger - rent underholdende ( calandria Kardinal Bibiena, 1513) og en satirisk presentert av Pietro Aretino ( rettsskikk, 1534, Filosof, 1546), Giordano Bruno ( Lysestake, 1582) og Niccolo Machiavelli, som skapte beste komedie epoke - mandrake(1514). Generelt var imidlertid de dramatiske skriftene til de italienske komikerne ufullkomne. Det er ingen tilfeldighet at hele regien ble kalt «Scholarly Comedy» (commedia erudita).

Samtidig med litterær komedie kommer tragedien. Den italienske tragedien ga ikke stor suksess. Mange skuespill av denne sjangeren ble komponert, de inneholdt forferdelige historier, kriminelle lidenskaper og utrolige grusomheter. De har blitt kalt «skrekktragedier». Mest vellykket arbeid sjanger - Sofonisba G. Trissino, skrevet på blankt vers (1515). Trissino erfaring videre utvikling langt utenfor Italia. Tragedien til P. Aretino hadde også visse fordeler. Horace (1546).

Den tredje - den mest suksessrike og livlige - sjangeren av italiensk litterært drama på 1500-tallet. ble en pastoral, som raskt ble utbredt ved domstolene i Europa (). Sjangeren har fått en aristokratisk karakter. Fødestedet hans er Ferrara. kjent dikt J.Sannazzaro Arcadia(1504), og glorifiserte livet på landet og naturen som "et hjørne for avslapning", markerte begynnelsen på retningen. av de fleste kjente verk pastoral stål Aminta Torquato Tasso (1573), et verk fullt av ekte poesi og enkelhet fra renessansen, og trofast gjeter D.-B. Guarini (1585), som utmerker seg ved kompleksiteten til både intriger og poetisk språk, derfor omtales det som manierisme.

Separasjonen av litterært drama fra publikum bidro ikke til utviklingen av teatret. Scenekunst ble født på torget - i forestillingene til middelalderske buffoons (giullari), arvinger til mimer antikkens Roma, i morsomme farseforestillinger. Farse (farsa) blir endelig dannet på 1400-tallet. og tilegner seg alle tegnene til en populær idé - effektivitet, frekkhet, hverdagskonkrethet, satirisk fritenkning det virkelige liv, som ble temaet for en farse, ble til en spøk. På en levende, grotesk måte latterliggjorde farsen lastene til mennesker og samfunn. Farce hadde stor innflytelse på utviklingen av europeisk teater, og bidro i Italia til skapelsen spesiell type scenekunst- Improvisert komedie.

Fram til midten av 1500-tallet. det var ikke noe profesjonelt teater i Italia. I Venezia, som var foran i etableringen av alle slags briller, allerede på begynnelsen av det 15.-16. århundre. det var flere amatørteatermiljøer. De ble deltatt av håndverkere og folk fra de utdannede lag i samfunnet. Gradvis begynte grupper av semi-profesjonelle å dukke opp fra et slikt miljø. Det viktigste stadiet i fødselen av det profesjonelle teatret er assosiert med skuespilleren og dramatikeren Angelo Beolco, med kallenavnet Ruzzante (1500–1542), hvis arbeid banet vei for fremveksten av commedia dell'arte. skuespillene hans, Anconitanka, Mosqueta, Dialoger er inkludert i repertoaret til det italienske teateret og på nåværende tidspunkt.

I 1570 ble de viktigste kunstneriske komponentene i det nye teatret bestemt: masker, dialekter, improvisasjon, buffoonery. Navnet commedia dell'arte ble også godkjent, noe som betydde " profesjonelt teater". Navnet "komedie av masker" er mer sen opprinnelse. Karakterene i dette teateret, den såkalte. konstanttyper (tipi fissi) eller masker. De mest populære maskene var Pantalone, en venetiansk kjøpmann, doktor, en bolognesisk advokat, som spilte rollene som zanni-tjenerne Brigella, Harlequin og Pulcinella, samt kapteinen, Tartaglia, Servettes hushjelp og to par elskere. Hver maske hadde sin egen tradisjonelle drakt og snakket sin egen dialekt, bare de elskende brukte ikke masker og snakket på korrekt italiensk. Skuespillerne spilte skuespillene sine i henhold til manuset, og improviserte teksten i løpet av stykket. Forestillingene hadde alltid mye latskap og tull. Vanligvis spilte commedia dell'arte-skuespilleren bare masken sin hele livet. Mest bemerkelsesverdige tropper- "Gelosi" (1568), "Confidenti" (1574) og "Fedeli" (1601). Det var mange flotte skuespillere blant utøverne - Isabella Andreini, Francesco Andreini, Domenico Biancolelli, Niccolo Barbieri, Tristano Martinelli, Flaminio Scala, Tiberio Fiorilli og andre. Kunsten til masketeateret var veldig populær ikke bare i Italia, men også i utlandet, de ble beundret som i de øvre lag i samfunnet, og allmuen. Maskekomedien hadde stor innflytelse på dannelsen av nasjonale teatre i Europa. Nedgangen til commedia dell'arte begynte i andre halvdel av 1600-tallet, og mot slutten av 1700-tallet. hun slutter å eksistere.

Utviklingen av tragedie, komedie, pastoral krevde en spesiell bygning for deres opptreden. ny type en lukket teaterbygning med en boksscene, auditorium og tiers ble opprettet i Italia basert på studiet av gammel arkitektur. Samtidig i det italienske teateret på 1600-tallet. Det ble gjort vellykkede søk innen scenedesign (spesielt lovende kulisser ble skapt), teatermaskineri ble utviklet og forbedret. Både på 1100- og 1200-tallet. det ble bygget teatre over hele landet, de såkalte. Italiensk (alle "italiana), som deretter spredte seg over hele Europa ().

Til tross for den økonomiske og politiske tilbakestående, ble Italia preget av rikdommen og mangfoldet i teaterlivet. På 1700-tallet Italia har de beste i verden musikkteater, som skilte to typer - en seriøs opera og en komisk opera (opera buff). Det var et dukketeater, forestillinger av commedia dell'arte ble gitt overalt. Reformen av dramateateret har imidlertid pågått lenge. I opplysningstiden oppfylte ikke improvisert komedie lenger tidens krav. Et nytt, seriøst, litterært teater måtte til. Maskekomedien kunne ikke eksistere i sin tidligere form, men dens prestasjoner måtte bevares og forsiktig overføres til det nye teatret. Dette ble gjort av Carlo Goldoni. Han gjennomførte reformen nøye. Han begynte å introdusere ferdigskrevne og litterære tekster med individuelle roller og dialoger i skuespillene sine, og den venetianske offentligheten aksepterte hans nyskapning med entusiasme. Han brukte først denne metoden i komedie Momolo, samfunnets sjel(1738). Goldoni skapte et teater med karakterer, forlot masker, manus og generelt improvisasjon. Karakterene i teatret hans mistet sitt betingede innhold og ble levende mennesker - mennesker fra deres tid og deres land, Italia på 1700-tallet. Goldoni gjennomførte sin reform i en hard kamp med motstandere. Andre halvdel av 1700-tallet gikk inn i Italias historie som tiden for teaterkriger. Han ble motarbeidet av abbeden Chiari, en middelmådig dramatiker og derfor ikke farlig, men hans hovedmotstander, lik ham i talent, var Carlo Gozzi. Gozzi kom til forsvar for masketeateret, og satte oppgaven med å gjenopplive tradisjonen med improvisert komedie. Og på et tidspunkt så det ut til at han lyktes. Og selv om Goldoni etterlot rom for improvisasjon i komediene sine, og Gozzi selv til slutt spilte inn nesten alle de dramatiske verkene hans, var tvisten deres grusom og kompromissløs. Siden hovednerven til konfrontasjonen mellom de to store venetianerne er uforenligheten mellom deres sosiale posisjoner, i forskjellige syn på verden og mennesket.

Goldoni var i sine arbeider en talsmann for ideene til den tredje statsmakten, en forsvarer av dens idealer og moral. Hele dramaturgien til Goldoni er forkledd med en ånd av rimelig egoisme og praktisk - borgerskapets moralske verdier. Mot propaganda fra åstedet for slike synspunkter i utgangspunktet og snakket Gozzi. Han skrev ti poetiske fortellinger for teatret, de såkalte. fiaba (fiaba / eventyr). Suksess teatralske fortellinger Gozzi var fantastisk. Og til deres nylige favoritt Goldoni, ble den venetianske offentligheten uventet raskt avkjølt. Utmattet av kampen innrømmet Goldoni tap og forlot Venezia. Men dette endret ikke noe i skjebnen til den italienske scenen - reformen av nasjonalteateret var allerede fullført på den tiden. Og teateret i Italia fulgte denne veien.

Fra slutten av 1700-tallet i Italia begynner Risorgimento-æraen – kampen for nasjonal uavhengighet, for den politiske samlingen av landet og borgerlige transformasjoner – som varte i nesten et århundre. Tragedie blir den viktigste sjangeren i teatret. Den største forfatteren av tragedier var Vittorio Alfieri. Fødselen til den italienske repertoartragedien er forbundet med navnet hans. Han skapte en tragedie av sivilt innhold nesten på egenhånd. En lidenskapelig patriot som drømte om frigjøringen av sitt hjemland, Alfieri motsatte seg tyranni. Alle hans tragedier er gjennomsyret av den heroiske patosen til kampen for frihet.

Tiden med Risorgimento brakte liv til en ny kunstnerisk retning- romantikk. Formelt sett falt dens utseende sammen med gjenopprettelsen av østerriksk dominans. Romantikkens leder og ideolog var forfatteren Alessandro Manzoni. Originaliteten til teaterromantikken i Italia i dens politiske og nasjonalpatriotiske orientering. Klassisismen ble ansett som et uttrykk for den østerrikske orienteringen, en retning som betydde ikke bare konservatisme, men også et fremmed åk, og romantikken forente opposisjonen. Nesten alle skaperne av det italienske teatret i livet fulgte idealene som de forkynte: de var sanne martyrer for ideen - de kjempet på barrikadene, satt i fengsler, tålte motgang, levde i eksil i lang tid. Blant dem er G. Modena, S. Pellico, T. Salvini, E. Rossi, A. Ristori, P. Ferrari og andre.

Romantikkens helt er en sterk personlighet, en kjemper for rettferdighet og frihet, og ikke så mye personlig frihet som universell frihet - moderlandets frihet. Tidens oppgave var å samle alle italienere i kampen for en felles sak. Derfor sosiale problemer visne inn i bakgrunnen og gå ubemerket hen. Spørsmål om den faktiske formen til de italienske romantikerne var også mye mindre interessert. På den ene siden benektet de klassisismens strenge regler, og forkynte deres tilslutning til frie former, på den andre siden var romantikerne i sitt arbeid fortsatt veldig avhengige av klassisistisk estetikk. Hovedinspirasjonskilden for romantiske dramatikere er historie og mytologi; handlingene ble tolket fra dagens synspunkt, så forestillingene fikk som regel skarpe politiske overtoner. De beste tragediene er Kai Gracchus V.Monti (1800), Arminia I. Pindemonte (1804), ajax W. Foscolo (1811), Greve av Carmagnoll(1820) og Adelgiz(1822) A. Manzoni, Giovanni da Procida(1830) og Arnold Brescian(1843) D. B. Nicollini, Pia de Tolomei(1836) K. Marenko. Stykkene er i stor grad basert på klassisistiske modeller, men fulle av politiske hentydninger og tyrannisk patos. Den største suksessen falt til tragedien til Silvio Pellico Francesca da Rimini (1815).

Heroisk tragedie i andre halvdel av århundret viker for melodrama. Sammen med komedie nøt melodrama stor suksess hos publikum. Den første dramatikeren var Paolo Giacometti (1816–1882), som skrev rundt 80 verk for teatret. Hans beste skuespill: Elizabeth, dronning av England (1853), Judith(1858) og et av de mest repertoariske melodramaene på 1800-tallet. Sivil død(1861). Dramaturgien til Giacometti er allerede fullstendig frigjort fra klassisismen, hans skuespill kombinerer fritt trekkene fra komedie og tragedie, de har realistisk skissert karakterer, de har roller, så teatre tok dem villig opp på scenen. Paolo Ferrari (1822–1889), en produktiv dramatiker og etterfølger av tradisjonene til Carlo Goldoni, skilte seg også ut blant komikere. Hans skuespill forlot ikke scenen før på slutten av århundret. Hans beste komedie Goldoni og hans seksten nye komedier(1853) fortsetter å bli fremført i Italia.

På 1870-tallet, i et seirende og forent Italia, oppsto en ny kunstnerisk bevegelse, verismo. Teoretikere til verismo, Luigi Capuana og Giovanni Verga, argumenterte for at kunstneren bare skulle skildre fakta, vise livet uten pynt, han skulle være upartisk og avstå fra sine vurderinger og kommentarer. De fleste dramatikere fulgte disse reglene veldig strengt, og kanskje var det dette som fratok deres kreasjoner det sanne liv. De beste verkene tilhører pennen til D. Verga (1840-1922), han brøt oftere enn andre teoriens forskrifter. To av hans skuespill landlig ære(1884) og Hunnulv(1896) er inkludert i repertoaret til italienske teatre på det nåværende tidspunkt. Skuespillene er mesterlig utført. Sjanger er tragedie. folkeliv. De kjennetegnes av en kraftig dramatisk nerve, strenghet og tilbakeholdenhet. uttrykksmiddel. I 1889 skrev P. Mascagni en opera landlig ære.

På slutten av 1800-tallet en dramatiker dukker opp, hvis berømmelse krysser Italias grenser. Gabriele D "Annunzio skrev et dusin og et halvt skuespill, som han kalte tragedier. Alle ble oversatt til europeiske språk. Ved århundreskiftet var D'Annunzio en svært populær dramatiker.Damatikken hans klassifiseres vanligvis som symbolikk og nyromantikk, selv om den også har trekk av nyklassisisme. Veristmotiver kombineres med estetikk.

Generelt var imidlertid dramaturgiens prestasjoner mer enn beskjedne; Italiensk 1800-tall forble i teatrets historie som et århundre med skuespill. Høy tragedie ga ikke store verk innen dramaturgi. Men tragisk tema likevel låt i teatret, ble hørt og mottatt verdensomspennende anerkjennelse. Det skjedde i operaen (Giuseppe Verdi) og i kunsten til de store italienske tragediene. Deres opptreden ble innledet av teaterreform.

Typen skuespiller nær klassisisme forble i det italienske teatret i ganske lang tid: scenekunst forble i fangenskap av deklamasjon, retorikk, kanoniske holdninger og gester. Scenekunstreformen, like viktig som Carlo Goldonis, ble utført på midten av århundret av den strålende skuespilleren og teatersjefen Gustavo Modena (1803–1861). På mange måter var han forut for sin tid. Modena brakte en mann til scenen med alle sine trekk, naturlig tale, "uten lakk, uten cothurns." Han skapte en ny stil skuespill, hvis hovedtrekk var enkelhet og sannhet. I teateret hans ble det erklært krig om premierskapet, det var en tendens til å gå bort fra en stiv rolle, for første gang dukket spørsmålet opp om et skuespillerensemble. Gustavo Modenas innflytelse på hans samtidige var enorm.

Adelaide Ristori (1822-1906) var ikke en student av Modena, men betraktet seg som nær skolen hans. Den første store tragiske skuespillerinnen hvis kunst ble anerkjent utenfor Italia, hun var en sann heltinne i sin tid, og uttrykte dens patriotiske revolusjonære patos. I teatrets historie forble hun utøveren av flere tragiske roller: Francesca ( Francesca da Rimini Pellico), Mirra ( Myrra Alfieri), Lady Macbeth ( Macbeth Shakespeare), Medea ( Medea Legure), Mary Stuart ( Mary Stuart Schiller). Ristori ble tiltrukket av karakterer sterke, solide, heroiske, fulle av store lidenskaper. Skuespillerinnen kalte stilen hennes realistisk, og antydet begrepet "fargerik realisme", med henvisning til "italiensk iver", "glødende uttrykk for lidenskaper".

Det motsatte av Ristori var Clementina Cazzola (1832-1868), en romantisk skuespillerinne som skapte bilder av den fineste lyrikk og psykologisk dybde, hun var i stand til komplekse karakterer. Hun konfronterte Ristori, som alltid brakte hovedkaraktertrekket til karakteren til overflaten. I det italienske teateret regnes Cazzola som forløperen til E. Duse. Hennes beste roller inkluderer Pia ( Pia de Tolomei Marenko), Marguerite Gauthier ( dame med kameliaer Dumas), Adrienne Lecouvreur ( Adriene Lecouvrere Skriver), så vel som rollen som Desdemona ( Othello Shakespeare), som hun spilte sammen med mannen sin, T. Salvini, den store tragedien.

Tommaso Salvini, en student av G. Modena og L. Domeniconi, en av de mest fremtredende representantene for sceneklassisismen. Skuespilleren er ikke interessert en vanlig person, men en helt hvis liv er gitt til et høyt mål. Han satte det vakre over den verdslige sannheten. Han løftet bildet av mennesket høyt. Hans kunst kombinerte organisk det store og det vanlige, det heroiske og det hverdagslige. Han visste mesterlig hvordan han skulle kontrollere oppmerksomheten til publikum. Han var en skuespiller med kraftig temperament, balansert av en sterk vilje. Bildet av Othello ( Othello Shakespeare) - den høyeste skapelsen av Salvini, "et monument, et monument, en lov for alle tider" (Stanislavsky). Othello spilte han hele livet. De beste verkene til skuespilleren inkluderer også hovedrollene i skuespill. Hamlet, kong Lear, Macbeth Shakespeare, samt rollen som Corrado i stykket Sivil død Giacometti.

Arbeidet til en annen strålende tragisk poet, Ernesto Rossi (1827–1896), representerer allerede et annet stadium i utviklingen av scenekunsten i Italia. Han var den mest elskede og mest konsekvente studenten til G. Modena. I hver karakter prøvde Rossi å se ikke en ideell helt, men bare en person. Den mest subtile psykologiske skuespilleren, han kunne dyktig vise den indre verden, formidle de minste nyansene i karakterens karakter. Shakespeares tragedier er grunnlaget for Rossis repertoar, han ga dem 40 år av sitt liv og spilte i dem til siste dag. Dette er hovedrollene i stykkene Hamlet, Romeo og Julie, Macbeth, kong Lear, Coriolanus, Richard III, Julius Cæsar, Kjøpmannen i Venezia. Han spilte også i skuespillene til Dumas, Giacometti, Hugo, Goldoni, Alfieri, Corneille, spilte i de små tragediene til Pushkin, og Ivan den grusomme i dramaet til A.K. Tolstoy. En realistisk kunstner, en mester i reinkarnasjon, aksepterte han ikke verisme, selv om han selv forberedte utseendet med all sin kunst.

Verismo, som et kunstnerisk fenomen, ble mest fullstendig uttrykt på scenen av Ermette Zacconi (1857–1948). Zacconis repertoar er fremfor alt, samtidsspill. Med stor suksess spilte han i verkene til Ibsen, A.K. Hans kreative stil inneholdt alt fra komedie dell'arte til høy tragedie og naturalisme.

Den viktigste tragiske skuespillerinnen fra århundreskiftet var den legendariske Eleonora Duse. Den tynneste psykologiske skuespillerinnen, hvis kunst så ut til å være noe mer enn reinkarnasjonskunsten.

1800-tallet - dialektkulturens storhetstid. Den får den største utviklingen på Sicilia, Napoli, Piemonte, Venezia, Milano. Dialektalt teater er ideen om commedia dell'arte, det tok mye fra det: spillets improvisasjonskarakter i henhold til et forhåndskompilert scenario, kjærlighet til tull, masker. Forestillingene ble fremført på den lokale dialekten. I andre halvdel av 1800-tallet dialektal dramaturgi begynte akkurat å få sitt litterære grunnlag. Datidens dialektteater var først og fremst et skuespillerteater. Sicilianeren Giovanni Grasso (1873-1930), en "primitiv tragedier", en skuespiller med spontant temperament, en strålende utøver av blodige melodramer, var godt kjent ikke bare i Italia, men også i utlandet. Nordlendingen Edoardo Ferravilla (1846-1916), en strålende tegneserieskuespiller, forfatter og utøver av tekstene hans, nøt stor suksess. Antonio Petito (1822-1876) er den mest legendariske figuren i det napolitanske teateret, en strålende improvisator som jobbet i commedia dell'arte-teknikken, en uovertruffen utøver av Pulcinella-masken. Hans student og etterfølger Eduardo Scarpetta (1853-1925), en strålende skuespiller, "kongen av komikere", skaperen av masken hans Felice Xoshamocchi, en kjent dramatiker. Hans beste komedie De fattige og adelen (1888).

Det 20. århundre.

Tidlig på 1900-tallet gikk inn i scenekunstens historie som den teatralske revolusjonens tid. I Italia ble rollen som innovatørene av scenen overtatt av futuristene. Målet deres er å skape fremtidens kunst. Futuristene benektet det akademiske teateret, de teatralske sjangrene som fantes, forsøkte å forlate skuespilleren eller redusere hans rolle til en marionett, også for å forlate ordet, og erstatte det med plastiske komposisjoner og scenografi. De anså det tradisjonelle teatret for å være statisk, og mente at i maskinsivilisasjonens tidsalder er hovedsaken bevegelse. De mest fremtredende skikkelsene innen futurismen var F.T. Marinetti (1876–1944) og A.J. Bragaglia (1890–1961). Deres teatermanifester: Varieteteatermanifest(1913) og Futuristisk syntetisk teatermanifest(1915) har fortsatt ikke mistet sin betydning. Futuristenes dramaturgi er hovedsakelig verkene til Marinetti, kalt synteser ( korte scener utføres oftere uten ord). Av størst interesse er scenografien: in futuristisk teater datidens beste kunstnere arbeidet: J. Balla, E. Prampolini (1894–1956), F. Depero (1892–1960). Futuristenes teater var ikke vellykket blant publikum: forestillingene vakte ofte indignasjon og fant ofte sted med skandaler. Futuristenes rolle ble tydelig senere - i andre halvdel av århundret: det var da deres ideer ble videreutviklet. Sammen med den såkalte. Med "det groteskes dramatikere" og "skumringens" dramatikere forberedte futuristene utseendet til den største skikkelsen i teateret på 1900-tallet. L. Pirandello. Av stor betydning i 1920–1930 var aktiviteten til utenlandske regissører: dette er produksjonene til M. Reinhardt, V.I. (1896–1975), som introduserte italienere for russisk teaterskole og læren til Stanislavsky.

Luigi Pirandello begynte å skrive for teatret i 1910. I de første skuespillene dedikert til livet på Sicilia og skrevet på den sicilianske dialekten merkes innflytelsen fra verismo tydelig. Hovedtemaene i arbeidet hans er illusjon og virkelighet, ansikt og maske. Han går ut fra det faktum at alt i verden er relativt, og det er ingen objektiv sannhet.

Andre betydelige skuespillere fra tiden inkluderer Ruggiero Ruggieri (1871–1953), Memo Benassi (1891–1957) og Gramatika-søstrene: Irma (1870–1962) og Emma (1875–1965). Av dramatikerne, Sem Benelli (1877–1949), forfatter av repertoarspillet Middag med vitser(1909), og Hugo Betty (1892–1953), beste spill hvem Korrupsjon i Justispalasset(1949).

Mellom de to verdenskrigene betydelig sted i kulturen i Italia okkuperte det dialektale teatret (selv om politikken til den fascistiske staten var rettet mot å undertrykke dialekter). Det napolitanske teateret nøt særlig suksess. Siden 1932 begynte det humoristiske teateret til De Filippo Brothers å operere. Den viktigste figuren på den tiden var imidlertid Raffaele Viviani (1888-1950), en mann med et "lidende ansikt og glitrende øyne av en vagabond", skaperen av sitt eget teater, skuespiller og dramatiker. Vivianis skuespill forteller om livet til vanlige napolitanere, de inneholder mye musikk og sanger. Noen av hans beste komedier er Toledo gate om natten(1918), Napolitansk landsby (1919), fiskere (1924), Den siste gatetrampen (1932).

Motstandsperioden og de første årene etter andre verdenskrig gikk inn i Italias historie som den andre Risorgimento - så avgjørende og irreversible var endringene som fant sted på alle områder av liv og kunst. Etter i lange år sosial stagnasjon, alt var i bevegelse og krevde endring. Og hvis teatret i løpet av årene med det fascistiske diktaturet bokstavelig talt kvalt av usannhet, retorikk og pompøsitet (slik var linjen for offisiell kunst), har det nå endelig begynt å snakke menneskelig språk og vendt seg til en levende person. Kunsten i etterkrigstidens Italia forbløffet verden med sin oppriktighet. Livet som det er, med all dets fattigdom, kamper, seire og nederlag, og enkle menneskelige følelser, kom til skjermen og scenen. Etter krigen utviklet teatret seg i tråd med nyrealismen, en av de mest demokratiske og humanistiske kunstbevegelsene i det tjuende århundre. Dialektalt teater får et nytt pust. Napolitaneren Eduardo De Filippo får nasjonal anerkjennelse, og dramaturgien hans erobrer raskt verdens scener. Han kalte skuespillene sine "iscenesatt virkelige liv." I hans triste komedier vi snakker om livet, om forhold i familien, om moral og hensikten til en person, om problemene med krig og fred.

Regissøryrket, som dukket opp i det europeiske teatret ved århundreskiftet, ble etablert i Italia først i andre halvdel av århundret. Den første regissøren i europeisk forstand av ordet var Luchino Visconti (1906–1976), en realistisk kunstner med en skarp sans for skjønnhet, en solid antifascist og humanist som arbeidet både innen teater og kino. I Visconti-teatret blir forestillingen forstått som en helhet, underlagt en enkelt plan, krig er erklært mot premierskapet, skuespillerne lærer å jobbe i et ensemble. De viktigste verkene til Visconti i dramateateret: Kriminalitet og straff Dostojevskij (1946), glassmenasjeri (1946), Gatebil ønske T. Williams (1949), Rosalind, eller som du liker det (1948), Troilus og Cressida Shakespeare Orestes Alfieri (1949) gjestgiver Goldoni (1952) Tre søstre (1952), Onkel Ivan (1956), Kirsebærhagen(1965) Tsjekhov.

Først etterkrigsårene i Europa startet en bevegelse for tilgjengelige og forståelige folketeatre. I Italia smeltet det sammen med kampen for stasjonære teatre, kalt Stabile (stabile / permanente). Den første Stabile var Piccolo Teatro i Milano, grunnlagt i 1947 av P. Grassi og J. Strehler. Kunstnerisk teater i samfunnets tjeneste - dette er oppgaven Piccolo Teatro satte seg. I arbeidet til Strehler, flere linjer av europeiske teaterkultur: den nasjonale tradisjonen med commedia dell'arte, kunsten psykologisk realisme og det episke teateret.

På 1960–1970-tallet Europeisk teater opplevde et oppsving.En ny generasjon regissører og skuespillere kom til det italienske teatret. Unge mennesker føler seg mest utmattet tradisjonelt språk scener begynte å utforske et nytt rom, å jobbe annerledes med lys, lyd, å lete etter nye former for forhold til publikum. I disse årene jobbet Giancarlo Nanni, Aldo Trionfo, Meme Perlini, Gabriele Lavia, Carlo Cecchi, Carlo Quartucci, Giuliano Vasiliko, Leo De Berardinis aktivt. Imidlertid er de mest betydningsfulle figurene i generasjonen av sekstitallet: Roberto De Simone, Luca Ronconi, Carmelo Bene, Dario Fo. Alle har de gjort mye for å berike teaterspråket, oppdagelsene deres er mye brukt i teaterpraksis.

Dario Fo er den mest fremtredende representanten for det politiske teatret. Fo er interessert i mennesket som sosial type, med lyse, spisse, overdrevne trekk, plassert i en akutt, farseaktig, paradoksal situasjon. Han benytter seg i stor grad av folketeaterteknikker som improvisasjon og tull.

Carmelo Bene (f. 1937) er den anerkjente lederen av den italienske avantgarden i andre halvdel av 1900-tallet. Bene kalles en stor skuespiller. Selv skriver, regisserer og spiller hovedrollene i verkene sine. Hans arbeid eksisterer i forfatterens, skuespillerens og regissørens uatskillelige enhet. Bene er forfatteren av mange forestillinger, hovedsakelig basert på verk fra verdenslitteratur og teater: Pinocchio Kallodi (1961) Faust og Marguerite (1966), Salome Wilde (1972) Tyrkisk Guds mor Bene (1973) Romeo og Julie (1976), Richard Sh (1978), Othello(1979), Manfred Byron (1979) Macbeth (1983), Hamlet(sett gjentatte ganger) osv. Dette er alle originale komposisjoner av Bene, basert på kjente verk og minner veldig vagt om dem. Benet forlater den tradisjonelle dramatiske formen: i forestillingene hans er det ingen hendelser bygget på prinsippet om årsak og virkning, det er ingen plot og dialog i vanlig forstand, ordet blir noen ganger erstattet med lyd, og bildet faller bokstavelig talt fra hverandre, blir et livløst objekt eller forsvinner helt. Requiem for a Man – slik kunne man definere hovedinnholdet i kunsten hans.

Blant de yngre som for tiden jobber med suksess i det italienske teatret, kan man nevne regissør Federico Tiezzi (1951), regissør og skuespiller Giorgio Barberio Corsetti (1951), regissør Mario Martone (1962), som i flere år ledet det romerske teatret " Stabile", som iscenesatte en rekke veldig interessante forestillinger, blant annet forestillingen Ti bud R. Viviani (2001).

I andre halvdel av 1900-tallet det italienske teatret, etter å ha blitt et regissørteater, har ikke sluttet å være et teater for store skuespillere. I forestillingene til de største regissørene har alltid jobbet og beste skuespillere land. Dette gjelder Eduardo de Filippo, og Giorgio Strehler, og Luchino Visconti, så vel som regissører fra sekstitallet som kom til teatret på bølgen av konkurranse. Kjernen i Visconti-troppen var ekteparet Rina Morelli og Paolo Stoppa, subtile psykologiske skuespillere som spilte i alle hans forestillinger i dramateatret. Vittorio Gassman hadde også en stor suksess i forestillingene til Visconti (spesielt i forestillingene Orestes Alfieri og Troilus og Cressida Shakespeare). Etter å ha forlatt Visconti spilte Gassman mye på det klassiske repertoaret; mest bemerkelsesverdige var hans opptredener Othello Og Macbeth Shakespeare.

I den lange tradisjonen med det italienske teateret var troppen vanligvis gruppert rundt én stor skuespiller (eller skuespillerinne), og forestillingene ble vanligvis satt opp basert på den gitte premieren. I en slik teatergruppe var den første skuespilleren, stjerneskuespilleren (kalt divo eller mattatore i Italia) ofte omgitt av svært svake utøvere.

I flere tiår (fram til i dag), veldig populære skuespillere Giorgio Albertazzi og Anna Proklemer, spiller hovedrollene i skuespillene til verdens klassiske repertoar. Mange veldig kjente og elskede av italienske offentlige skuespillere fra forskjellige generasjoner jobbet mye i teatret, inkludert Anna Magnani, Salvo Rondone, Giancarlo Tedeschi, Alberto Lionello, Luigi Proietti, Valeria Moriconi, Franco Parenti, hvis navn nå er kalt en av de teatre i Milano. Parenti jobbet også på Piccolo Teatro med Giorgio Strehler. Fantastiske skuespillere har alltid spilt i Strehler Theatre. Dette er Tino Buazzelli, den berømte utøveren av rollen som Galileo i stykket Livet til Galileo B. Brecht. Tino Carraro, som i mange år spilte hovedrollene i Shakespeares skuespill ( kong Lear, Storm), Brecht, Strindberg m.fl. En fremragende utøver av kvinnelige roller i regissørens teater var Valentina Cortese, blant toppene, hvis arbeid var rollen som Ranevskaya i kirsebærhage(produksjon 1974). Blant de yngre skiller Pamela Villoresi seg ut, en fantastisk utøver kvinnelige bilder i komediene til Carlo Goldoni, i skuespillene til Lessing, Marivaux og andre. I den siste perioden av regissørens arbeid opptrådte skuespillerinnen Andrea Jonasson, som opptrådte dramatiske roller i produksjonene til Brecht, Lessing, Pirandello m.fl. En spesiell plass blant skuespillerne til Piccolo Theatre er okkupert av to store utøvere av Harlequin-masken - Marcello Moretti og Ferruccio Soleri i den legendariske forestillingen Harlekin basert på komedien Goldoni Tjener for to herrer.

Luca Ronconi samler også en gruppe av skuespillerne hans. Dette er først og fremst to eldre skuespillerinner Franka Nuti og Marisa Fabbri, som spilte hovedrollene i slike forestillinger av regissøren som bakchanter Euripides (1978) spøkelser Ibsen, De siste dagene menneskeheten Kraus og andre, Mariangela Melato, som spilte i regissørens beste verk som f.eks Rasende Roland Og orestea. Han jobbet mye med Ronconi og Massimo de Francovich, blant hvis store suksesser er rollen som Lear i stykket kong Lear, samt den unge Massimo Popolicio, en vidtfavnende skuespiller som har tilgang til rytmer, både drama og komedie (stor suksess ga ham rollen som to brødre i komedien Goldoni Venetianske tvillinger).

Det er spesielt nødvendig å skille ut skuespillerne til den napolitanske skolen. Blant de mest kjente er de eldre skuespillerne Salvatore de Muto, Toto (Antonio de Curtis), Peppino de Filippo og Pupella Maggio, som jobbet mye i teateret til Eduardo de Filippo. Blant de yngre er skuespillerne Mariano Riggillo, Giuseppe Barra, Leopoldo Mastellone og andre.

Andre halvdel av det 20. århundre gikk inn i det italienske teatrets historie som tiden for renessansen til scenografikunsten. De beste artistene har alltid jobbet med de beste regissørene i landet. De lyseste figurene er Luciano Damiani og Ezio Frigerio; deres navn står på plakatene til alle de beste prestasjonene Streler. Og også dette er Enrico Job, Pier Luigi Pizzi, Gae Aulenti, Margherita Palli.

Maria Skonyakova

Hva får elskere av klassisk musikk til å bestille flyreiser til Europa for å delta på operaforestillinger? I europeiske byer er operanivået på et høyt nivå, arkitekturen til teatre er fantastisk. For alle som elsker denne typen kunst, tilbyr vi en oversikt over de mest betydningsfulle operahusene i Europa.

La Scala, Milano
Operahuset La Scala åpnet dørene for besøkende i 1778. I dag, etter å ha bestilt flybilletter til Milano, og gått til det mest kjente operahuset, kan du lytte til verdens mesterverk av Bellini, Verdi, Puccini, Donizetti, Rossini. Kapasiteten til auditoriet er forresten 2030 tilskuere, og billettprisen varierer fra 35 til 300 euro. La Scala er unik ved at sesongen åpner 7. desember (dette er dagen for St. Ambrosius, Milanos skytshelgen) og varer til november. La Scala har en streng kleskode, kun en svart kjole eller smoking får komme inn i teatret.

San Carlo, Napoli
San Carlo er det største operahuset ikke bare i Italia, men også i Europa. Bare teatre i New York og Chicago overgår det i størrelse. Teateret begynte å operere i 1737. Den ble gjenoppbygd i 1817 etter en brann. Utrolig luksuriøst teater har plass til 3283 tilskuere, billettpriser starter fra 25 euro. Hvis du bestemmer deg for å bestille flybilletter til og besøke denne fantastiske byen, så sørg for å lytte til Giuseppe Verdis Otello på San Carlo - du vil få stor glede.

Covent Garden, London
Hvis du bestiller billett til, kan du se ikke bare Tower Bridge og den kongelige garde, men også det kongelige teateret. Åpnet i 1732 under ledelse av Händel, overlevde teateret mer enn 3 branner, og hver gang ble det restaurert, og bevarte den utsøkte arkitekturen. Eksklusiviteten til teateret ligger i at mange oppsetninger vises på engelske språk. Billettene koster fra 10 til 200 pund. På Covent Garden anbefaler vi å lytte til operaen Norma av Vincenzo Bellini.

Grand Opera, Paris
For å sette pris på teatrets storhet, er det nok å liste opp de store komponistene som fremførte verkene sine i det: Deelib, Rossini, Meyerbeer. I det mest besøkte teateret i verden koster billettene opptil 350 euro, og salens kapasitet er 1900 tilskuere. Fasade med 7 buer, skulpturer av drama, musikk, poesi og dans og interiør med marmortrapper, fresker av Pils, malerier av Chagall og Baudry. Å bestille flyreiser til er verdt det for å besøke Grand Opera minst én gang

Royal Opera, Versailles
The Royal Opera of Versailles ligger i et stort luksuriøst palass og er det største palassteateret i verden. Dens arkitektoniske unikhet ligger i det faktum at den er fullstendig konstruert av tre, og alle marmorflater er kun imitasjoner. Teateret var vertskap for premierer på strålende operaer, inkludert Glucks Iphigenia in Tauris. Nå er dette teateret en obligatorisk del kulturprogram for de som har bestilt flybilletter til Paris. Minste billettpris er 20 euro.

Wien statsopera, Wien
Operahuset i Wien er en virkelig kongelig stil og skala. Ved åpningen av teatret fremførte de Mozarts Don Giovanni. Alt i operahuset er gjennomsyret av den store østerrikske komponistens ånd: teatrets fasade i nyrenessanse er dekorert med fresker basert på operaen Tryllefløyten. Og den mest populære kunstneriske lederen var dirigenten Gustav Mahler. Hvert år i februar arrangeres wienerball i teatret. Etter å ha bestilt billett til Wien, sørg for å besøke operahuset!

Teatro Carlo Felice, Genova
Carlo Felice-teatret i Genova er et symbol på byen, som ingen penger eller krefter er spart på. For eksempel ble designet av scenen laget av Luigi Canonica, som bygde La Scala. Teateret er uløselig knyttet til navnet til Giuseppe Verdi, som holdt premierene på operaene sine i mange sesonger på rad. Og frem til i dag, på teaterstykket, kan du se kreasjonene til den strålende komponisten. Hvis du har bestilt flybilletter til Genova, anbefaler vi deg å lytte til operaen «Mary Stuart» av Gaetano Donizetti. Forresten, billettprisene er ganske demokratiske og starter fra 7 euro.

Gran Teatro Liceu, Barcelona
, elsker opera og gå forbi "Grand Teatro Liceo" er rett og slett umulig! Teateret er kjent for både det klassiske repertoaret og den moderne tilnærmingen til verkene. Teateret overlevde en eksplosjon, en stor brann, og ble restaurert nøyaktig i henhold til de originale tegningene. Setene i auditoriet er laget av støpejern med rød fløyelstrekk, mens lysekronene er laget av drageformet messing med krystallskjermer.

Estates Theatre, Praha
Praha-teatret er det eneste i Europa som har overlevd nesten uendret. Det var i Estates Theatre at Mozart først presenterte for verden sine operaer Don Giovanni og Mercy of Titus. Frem til nå har verkene til den østerrikske klassikeren dannet grunnlaget for teatrets repertoar. Blant virtuosene som opptrådte på denne scenen er Anton Rubinstein, Gustav Mahler, Niccolo Paganini. I tillegg til opera gis det ballett og dramatiske forestillinger her. Og den tsjekkiske regissøren Milos Forman filmet sin film Amadeus her, som ga mange Oscar-priser.

Bayerns statsopera, München
Statsoperaen i Bayern regnes som en av de eldste teatrene i verden, den ble åpnet så tidlig som i 1653! Teateret har plass til 2100 tilskuere, og billettprisene starter på 11 euro og slutter på 380 euro. Her ble det presentert premierene på Wagner - "Tristan og Isolde", "Rheingold", "Valkyrie". Gir 350 forestillinger årlig (inkludert ballett). For de som har bestilt fly til München, må se den bayerske operaen.