Hvilke land bodde Stravinsky i? Igor Stravinsky

Publikasjoner av musikkseksjonen

Hvordan lytte til Stravinsky

Den russiske komponisten Igor Stravinsky ble en av de de største musikerne tjuende århundre og en av de lyseste skikkelsene i verden Moderne kunst. Til ære for Stravinsky heter et torg i sentrum av Paris, dekorert med mange avantgarde-skulpturer. Kultura.RF vil fortelle deg hvordan du lytter til Stravinsky riktig for å forstå hans originale stil.

Verdensborger

Som russer av fødsel, ble Stravinsky virkelig en «verdensborger». Takket være de russiske årstidene til Sergei Diaghilev, etter å ha kommet inn i det tykke kunstnerisk liv I Europa fikk han en unik sjanse til å demonstrere talentet sitt som komponist for et fordomsfritt publikum. Verdensberømmelsen som Stravinsky fikk etter den storslåtte parisiske suksessen til hans tre første balletter - Ildfuglen (1910), Petrushka (1911) og Vårriten (1913), etablerte ham som en respektert skikkelse. kunstnerisk avantgarde og lov til å skape helt fritt. Stravinskij hadde neppe råd til en slik flytur i hjemlandet, hvor han før revolusjonen i 1917 måtte regne med de konservative konservatives mening, og etter revolusjonen måtte han innordne seg klasseideologien til de nye livsherrene. Verkene - og til og med selve omtalen - av Stravinsky ble forbudt i Sovjetunionen frem til tøen på 1960-tallet, og for det funnet, for eksempel partituret til en komponist, kunne en student-musiker bli utvist fra Komsomol og til og med fra vinterhage.

Stravinsky stil

Gjennom det tjuende århundre klarte Stravinsky å prøve seg i nesten alle musikalske stiler. I offisiell musikkvitenskap er det vanlig å dele Stravinskys kreative biografi inn i flere stilistiske stadier. Vanligvis kalles tre hovedperioder av hans liv og arbeid - "russisk", "nyklassisk" og "seriell". Men faktisk er denne inndelingen ganske vilkårlig. Nesten hver større arbeid Stravinsky er skrevet i sin egen unike stil, som er typisk for all musikken fra forrige århundre som helhet. Og samtidig er alle verkene hans forent av en enkelt kreativ tilnærming som kan spores gjennom hele komponistens liv.

Igor Stravinsky. Ballett "Petrushka" (russisk morsomme scener på fire bilder). Revisjon 1947. Fremført av Moscow Conservatory Symphony Orchestra dirigert av Vladimir Yurovsky

I de fleste av verkene hans refererer Stravinsky til en stilistisk kilde. Det kan være russisk folklore, og barokk, og tidlig jazz, og Peters kanter, og urban romantikk, og populærmusikk, og mange andre stiler. Og uansett hva Stravinsky henvender seg til, handler han alltid etter det samme prinsippet: han tar de grunnleggende motivene som de fleste komposisjonene til en eller annen stil er bygget fra, og bygger sine egne, allerede helt uavhengige verk fra dem.

Hva er lytterne vant til?

For en uforberedt lytter høres mange av Stravinskys verk fortsatt noe uvanlig ut - som faktisk nesten all musikk fra det 20. århundre. En av grunnene til dette er repertoarpolitikk de fleste filharmoniske saler, hvor hovedsakelig akademisk musikk fra den klassisk-romantiske perioden høres ut. Den er basert på to parametere som vi har absorbert ikke bare fra fødselen, men nesten på det genetiske nivået: tonalitet (interaksjon og motsetning av stabile og ustabile lyder og akkorder) og konsonans (relativ kompatibilitet og eufoni av toner som høres samtidig). All populærmusikken vi hører er basert på dette.

Følgelig, når melodien som tilbys oss går utover disse parameterne, oppfatter vi den som uvanlig, uforståelig og i noen henseender til og med "bortskjemt". Det vil si, hvis vi ikke hører en tydelig forskjellig dur-moll kombinasjon; hvis akkorder ikke går over i hverandre på vanlig måte, i henhold til eldgamle regler (som fortsatt undervises på musikkskoler og høyskoler); hvis ustabile lyder ikke går over i stabile (noe som gir oss en følelse av komfort og avslapning); og hvis vi mentalt ikke kan passe de samtidige kombinasjonene av lyder inn i velkjente varianter av treklanger og septimakkorder, så identifiserer vi umiddelbart slik musikk som fremmed. Det virker enten for "moderne", det vil si fortsatt uforståelig, eller fremmed kultur, siden indisk, kinesisk, japansk, arabisk og noen andre typer musikk er bygget på mønstre som skiller seg fra den europeiske tradisjonen.

Hvordan du tar Stravinsky

På begynnelsen av 1900-tallet skjedde det grunnleggende endringer i musikken (som i andre kunstarter). Hun trengte ikke lenger å virke vakker i vanlig forstand og følelse. Komponister begynte aktivt å gå nye veier i kunsten, for å se etter nye mønstre av forbindelser mellom musikalske lyder. Og Stravinsky, som befant seg i episenteret for samtidskunst, deltok aktivt i dette søket.

Igor Stravinsky. Ragtime for 11 instrumenter. Fremført av Malaysian Philharmonic Youth Orchestra dirigert av Kevin Field

Ofte i musikken hans hører vi noen antydninger av en kjent og kjent tonalitet. Men Stravinsky bryter frimodig den lange tradisjonen med å starte og avslutte et verk i samme toneart (så å si «lukke sirkelen»), og hans «tonalitet» er i de fleste tilfeller midlertidig. Et annet hint til kjente lyder er tilstedeværelsen av en tydelig grunntone i akkorder, som, som ligner på litt "korrupte" treklanger, faktisk har en litt annen struktur. Hovedsaken for Stravinsky er ikke hva som høres ut på samme tid, men hvordan og hvor denne eller den linjen i det generelle musikalske stoffet går. Derfor kalles teksturen til mange av Stravinskys verk innen musikkvitenskap vanligvis lineær. Hvis vi lytter nøyaktig til bevegelsen og samspillet mellom disse linjene i det musikalske stoffet, hvis vi prøver å fange logikken deres, vil selve harmoniene som er et resultat av Stravinsky ikke lenger virke ville og stygge - først og fremst fordi denne parameteren delvis vil slutte å ha betydning for oss.

Men, selvfølgelig, det viktigste er stilklosser. Selve linjene eller teksturlagene i Stravinsky er bygd opp av intonasjoner, rytmer, karakteristiske motiver, eller til og med ferdige musikalske fraser av stilen som han legger til grunn i verket, på en eller annen måte kjent for oss. Når vi gjenkjenner dem i musikken hans, smelter vi inn i bildet av russiske folkefestivaler i det komplekse og rike partituret til balletten "Petrushka", vi danser bevisst i "Ragtime" for 11 instrumenter, som slett ikke er som ragtime, eller vi smil nostalgisk til lyden av operaen "Mavra", som sender fantasien vår umiddelbart til hele den russiske eiendomskulturen.

Igor Stravinsky. Opera "Mavra". Se for deg den første "russiske sangen". Fremført av Elena Revich (fiolin) og Vadim Kholodenko (piano)

Igor Stravinsky er som en avantgardekunstner som ved å blande og legge ut de samme fargene på lerretet som en tradisjonell maler, oppnår en helt annen, uvanlig og uttrykksfull effekt. Og storslåtte eksempler på nyfolklorisme, nybarokk, fornuftig (og ikke absurd total) bruk av serieteknikk og stilisering gjør fortsatt musikken hans til et forbilde og et emne for studier av nåværende og fremtidige komponister.

GENERELLE KARAKTERISTIKKER AV STRAVINSKYS VERK

Årene av komponistens liv 1882 �1871.

Bak langt liv denne Stravinsky klarte å bruke alle prestasjonene til moderne

avantgarde musikk. russisk folkevise, rikdommen i dens rytmisk-melodiske struktur

var for Stravinsky en kilde til å skape hans egen melodi av folkloretypen.

Stravinsky var aldri bare en epigon av noen stil. Tvert imot, enhver stilistisk

modellen ble forvandlet av ham til en eksklusivt individuell kreasjon. Med alt det stilistiske

kontrast, Stravinskys arbeid er preget av enhet, på grunn av hans russiske

røtter og tilstedeværelsen av stabile elementer, manifestert i verkene forskjellige år. Han er en

først oppdaget nye musikalske og strukturelle elementer i folklore, assimilert noen

moderne intonasjoner (for eksempel jazz), brakte mange nye ting til den metrorytmiske organisasjonen,

orkestrering, tolkning av sjangere.

Men ikke desto mindre er den figurative og stilistiske pluraliteten til t-va S. underordnet i hver kreative periode

sin kjernetrend. Hele ekstremt langvarig kreativ måte Stravinsky

vanligvis delt inn i tre perioder.

I den russiske perioden (1908, tidlig på 1920-tallet) viste Stravinsky spesiell interesse for det antikke

og moderne russisk folklore, til rituelle og seremonielle bilder. I løpet av disse årene

prinsipper dannes musikalsk estetikk Stravinsky, assosiert med «performance teater»,

de grunnleggende elementene i det musikalske språket er lagt ned ｫsangｻ tematisk, fritt

metrorytme, ostinato, variantutvikling osv. Perioden er preget av udelt

dominansen av russiske temaer - enten det er et folkeeventyr, hedenske ritualer, urban husholdning

scener eller Pushkins dikt. Det var i denne perioden ｫPetrushkaｻ russisk morsomt

scener i fire bilder(1910-1911), ｫThe Firebirdｻ (1909-1910), ｫThe Rite of Springｻ (1911-

1913), ｫSoldater's Storyｻ, ｫFox, Rooster, Cat da Ramｻ (1915-1916), ｫMavraｻ

(1921-1922), ｫWeddingｻ (1917, endelig versjon 1923).

I den neste, såkalte. nyklassisistisk, periode (til begynnelsen av 1950-tallet) for å erstatte det russiske temaet

kom gammel mytologi, bibeltekster tok en viktig plass. Stravinsky

vendte seg til ulike stilmodeller, og mestret teknikkene og virkemidlene til europeisk musikk

barokk (opera-oratorium ｫOedipus Rexｻ, 1927), teknikken til gammel polyfoni (ｫSymphony

Salmerｻ for kor og orkester, 1930) og andre. Disse verkene, samt ballett med sang

ｫPulcinellaｻ (om temaer av G. B. Pergolesi, 1920), balletter ｫKiss of the Fairyｻ (1928), ｫOrpheusｻ

(1947), 2. og 3. Symp. (1940, 1945), opera ｫThe Rake's Adventuresｻ (1951) �ikke så høyt

eksempler på stilisering, hvor mange lyse originale verk (ved hjelp av ulike historiske og

stilistiske modeller, komponisten, i samsvar med sine individuelle kvaliteter, skaper

moderne klingende verk).

Den tredje perioden av Stravinskys verk, som ble utarbeidet gradvis, i løpet av den andre,

kommer tidlig på 1950-tallet. Etter å ha besøkt Europa to ganger i løpet av 1951-1952 (på dette tidspunktet

komponisten bor permanent i Amerika), mestrer han dodekafonteknikken (men i

innenfor Stravinskys iboende tonale tenkning). På grunnlag av det, hans siste

verk - ballett ｫAgonｻ (1953-1957), kantate ｫTreniｻ, opera-ballett ｫFloodｻ (1961-1962),

ｫTre sanger fra William Shakespeareｻ, ｫBegravelsesmusikkｻ til minne om poeten Dylan Thomas og andre.

Også sen periode t-va S. er preget av overvekt av religiøse temaer (ｫSacred

chantｻ (1956); "Profeten Jeremias klagesang" (1957-1958); Requiem ｫChants for the Deadｻ

(1966, siste essay komponist), etc.), styrker rollen til vokalbegynnelsen (ord).

Etter sjanger for klarhet:

Musikkteater

ｫFirebirdｻ, ballett i to scener (1909–1910)

ｫPetrushkaｻ, russiske morsomme scener i fire scener (1910-1911, utgave 1948)

ｫDen hellige vårｻ, scener av hedenske Rus i to scener (1911-1913, utgave 1943)

ｫThe Nightingaleｻ, opera i tre akter (1908-1914),

ｫFortelling om reven, hanen, katten og sauenｻ (1915-1916), libretto av forfatteren basert på russiske eventyr fra

ｫSvadebkaｻ, russiske koreografiske scener for solister, kor, fire pianoer og perkusjon

ｫSoldiers historieｻ (ｫThe Tale of the Runaway Soldier and the Devil, spilt, lest og dansetｻ) for tre

resitatorer, dansere og instrumentalensemble (1918)

ｫPulcinellaｻ, ballett med sang i én akt basert på musikken til Gallo, Pergolesi og andre

komponister (1919–1920)

ｫMavraｻ , komisk opera i én akt (1921–1922)

ｫApollo Musageteｻ, ballett i to scener (1927–1928)

ｫKiss of the Fairyｻ, ballett i fire scener etter musikk av Tchaikovsky (1928)

ｫPersephoneｻ, melodrama i tre scener for forleser, tenor, kor og orkester (1933-1934)

ｫSpillekortｻ, ballett ｫi tre avtalerｻ (1936–1937)

ｫOrpheusｻ, ballett i tre scener (1947)

ｫThe Rake's Adventuresｻ, en opera i tre akter med en epilog (1947-1951)

ｫAgonｻ, ballett (1953-1957).

ｫThe Flood (opera)ｻ, bibelsk opera for solister, skuespillere, lesere og orkester (1961-1962).

Orkesterverk

Symfoni Es-dur, op. 1 (1905-1907)

Igor Stravinsky

Født 5. juni (17.) 1882 i Oranienbaum ved St. Petersburg.
Han vokste opp i en musikalsk familie - faren var operasanger. Han prøvde å komponere musikk uten å ha spesialutdanning, og først i en alder av tjue begynte han å ta komposisjonstimer fra Rimsky-Korsakov. I 1905 ga han ut en symfoni skrevet i en akademisk stil. Under påvirkning av Rimsky-Korsakov vendte han seg til russisk musikalsk folklore. Hans første store verk, gjennomsyret av nasjonale motiver, dukket opp etter et møte med Sergei Diaghilev, en berømt ballettimpresario som forberedte en rekke forestillinger av russisk ballett i Paris. På oppdraget hans skrev Stravinsky et av sine mest strålende partiturer, en ballett basert på det russiske eventyret Ildfuglen (1910). I neste år en annen ballett ble fullført - Petrusjka, der bilder av den russiske fastelavn ble gjenskapt i levende og autentiske bilder. Det musikalske språket til Ildfuglen og Petrusjka beholder fortsatt en forbindelse med den tidligere tradisjonen, men allerede i den tredje balletten - The Rite of Spring (1913), som finner sted i det gamle hedenske Russland, bryter Stravinsky med musikktradisjonen, fritt ved å bruke uløste dissonanser og stadig skiftende rytmer av utrolig kompleksitet. Premieren på The Rite of Spring, iscenesatt av Diaghilevs Ballets Russes i Paris 29. mai 1913, ble ledsaget av et voldsomt uttrykk for indignasjon fra offentlighetens side. Siden den gang har Stravinskys navn blitt et symbol på ultramoderne trender innen musikk.
Før utbruddet av første verdenskrig forlot komponisten Russland. Fram til 1939 bodde han i Frankrike, deretter bosatte han seg i USA. Frivillig eksil forårsaket den gradvise forsvinningen av elementer av russisk folklore fra Stravinskys musikk. Russiske temaer er fortsatt til stede i partituret til Story of a Soldier (L "Histoire du soldat) for syv instrumenter, skapt under første verdenskrig, samt i bryllupskantaten (Les Noces, 1920) - en stilisering av en landsbybryllupsfestligheter - for solister, 4 pianoer og 17 Men i senere verk er det allerede en vending mot klassisisme og religiøse temaer, som klaverkonserten (1924), balletten Apollo Musagete (Apollo Musagete, 1927) og spesielt kantaten Symfoni of Psalms (A Symphony of Psalms, 1930) I samme periode skapte komponisten ballettene Pulcinella (Pulcinella, 1920, om temaene Pergolesi) og The Fairy's Kiss (Le Baiser de la fée, 1928, med temaene til Tchaikovsky) ). Hans symfoni i tre deler (Symphony in Three Movements, 1945) er en syntese av nyklassisistisk stil og revolusjonerende stil fra vårriten.

Stravinskys mest komplette kunstneriske askese manifesterte seg i Oedipus Rex (Oedipus Rex, 1927), et opera-oratorium på en latinsk tekst; med gjerrige tekniske virkemidler oppnår komponisten ekstraordinær dramatikk. I 1951 skrev Stravinsky operaen The Rake's Progress (basert på en serie moraliserende graveringer av William Hogarth) – et essay som markerer en annen stilistisk linje i hans verk: elementer av komedie, moral og melodrama smelter sammen til en leken og lærerik helhet.

Det kanskje mest bemerkelsesverdige stadiet i Stravinskys kreative evolusjon (allerede over 70 år gammel) var hans mestring av 12-toners (dodekafon) komposisjonssystemet brukt av Arnold Schoenberg og Anton Webern. I denne stilen ble balletten Agon (Agon, 1957) for 12 dansere og den åndelige kantaten på den bibelske teksten Lamentations of the Prophet Jeremiah (Threni, 1958) for solister, kor og orkester skapt. Den unike stilen til Stravinsky ble tydelig manifestert i rytmen, polyfonien og klangfargen til disse dodekafonkomposisjonene.

Stravinsky døde i New York 6. april 1971. Hans innflytelse på musikken på 1900-tallet er enorm. Slike mesterverk som The Rite of Spring har gått inn i hovedrepertoaret til orkestre i mange land i verden.

Igor Fyodorovich Stravinsky(1882 - 1971), russisk komponist, dirigent og pianist.

"Man of a Thousand and One Styles", "Komponist-kameleon", "Treatmaker of Musical Fashions" Igor Fyodorovich Stravinsky er den største komponisten på 1900-tallet.

Hans arv i dag tilhører klassikerne i moderne tid. Det var han som klarte å gjenspeile de viktigste trekkene i epoken, dens konflikt, dynamikk. Variasjon av temaer, plott, mobilitet kreativ måte- tegn på hans universelle stil, som klarte å omfavne og legemliggjøre de åndelige prosessene i moderniteten med encyklopedisk bredde.

Igor Fedorovich Stravinsky ble født 5. juni (17) 1882 i Oranienbaum i familien berømt sanger, solist Mariinsky teater Fjodor Ignatievich Stravinsky. Komponistens mor Anna Kirillovna Kholodovskaya var en god pianist.

Fra en alder av ni studerte Igor musikk, men, som han selv husker, allerede "fra tre år realisert seg som musiker. Under en sommerferie på landsbygda lyttet han til og imiterte bondepikenes sang, fra barndommen minnet om inntrykket av militær messingmusikk som kom fra brakkene, som ligger nær St. Petersburg-leiligheten til Stravinskys nær Kryukov-kanalen, kommer også frem.

Som komponisten husker i The Chronicle of My Life, var et av de uforglemmelige inntrykkene i 1892, da han ved jubileumsforestillingen til Ruslan og Lyudmila var heldig å se Pjotr ​​Iljitsj Tsjaikovskij, gjenstand for hans spesielle kjærlighet: ung musiker allerede da klarte han å sette pris på i sine forfatterskap "The Power of Instrumental Figurativeness". Senere ble et fotografi av Tsjaikovskij med en dedikasjonssignatur til Fjodor Ignatievich oppbevart i huset til den fremtidige komponisten som et familiearvestykke.

Jeg må si at Igors far ikke ønsket at sønnen hans skulle ha en karriere som profesjonell musiker og tildelte ham til det juridiske fakultetet ved St. Petersburg University. Klasser i rettsvitenskap fascinerte ikke den unge mannen, og parallelt fortsatte musikkundervisningen. Siden 1902 har Stravinsky vært nær familien til N. A. Rimsky-Korsakov, som anerkjente talentet hans som komponist, men rådet ham til å utvikle harmonisk øre, og lot ham også med jevne mellomrom søke råd. I løpet av de neste fem årene ble kommunikasjonen mellom dem tettere og gikk utover musikalske sysler.

Gå inn i sirkelen av de levende musikalsk prosess, besøkte den unge Stravinsky musikalske "miljøer", der de mest fremtredende musikerne samlet seg, inkludert V.V. Stasov. Det var også urfremføringer av verk av Stravinsky selv (fis-moll-sonaten og Pastoral-vokalen, som ble fremført av Nikolai Andreevichs datter, Nadezhda). Under streng veiledning av N. A. Rimsky-Korsakov, skriver Stravinsky sin første symfoni med en dedikasjon til "kjære lærer". Det er verdt å merke seg at studiet med Rimsky-Korsakov var det eneste komponistskole Stravinsky, takket være at han mestret komponistens yrke til perfeksjon.

Rundt 1903-1904 var han medlem av Kveldene samtidsmusikk”, først i hemmelighet fra læreren sin, og først etter en stund finner Rimsky-Korsakov ut at eleven hans "jukser" på skolen hans. "Igor Fedorovich traff modernismen unødvendig," sa Nikolai Andreevich med beklagelse. "Alle disse dekadente tekstene er fulle av mørke og tåke." «Fyrverkeri», «Fantastisk Scherzo» (ifølge Maeterlinck), operaen «Nattergalen» (basert på Andersens eventyr med samme navn) – alt dette er impresjonismens og symbolismens innflytelse.

I 1905 ble Stravinsky uteksaminert fra universitetet, et år senere giftet han seg med sin kusine Ekaterina Nosenko. Etter å ha forlatt en juridisk karriere, bestemmer han seg for å vie seg helt til musikk.

Premieren på Fireworks (1908) ble deltatt av Sergei Diaghilev, på den tiden en kjent filantrop og grunnlegger av magasinet World of Art, som satte tonen for all den "nye" kunsten på den tiden. Denne mannen var bestemt til å spille en spesiell rolle i fremtidig skjebne Stravinsky.

Setter pris på talentet ung komponist, inviterte Diaghilev ham til å lage en ballett for iscenesettelse i de russiske årstidene i Paris. Denne bedriften, spesielt i begynnelsen, introduserte den europeiske offentligheten for strålende eksempler på moderne russisk kunst. Det var takket være Diaghilev at Paris hørte hele Mussorgskys operaer, så den russiske balletten. Ideen om en russisk eventyrballett hadde forfulgt Diaghilev i lang tid. Som koreograf M. Fokin husker, «den mest fantastiske skapningen folkeeventyr og samtidig er Ildfuglen den mest egnede for en legemliggjøring av dans!

Noen måneder etter arbeidets begynnelse returnerte komponisten A. Lyadov ham librettoen til balletten som ble sendt til ham, og Diaghilev bestemte seg til slutt for å velge Stravinsky. I 1910 var partituret klart, lyst klangfarget, impresjonistisk i ånden. Denne ballettsensasjonen ble gradvis forberedt av koreografen M. Fokin, de fremtidige utøverne av hovedrollene - T. Karsavina, V. Nizhinsky, kunstneren A. Golovin, samt Diaghilevs konstante konsulenter - A. Benois og L. Bakst . Stravinsky og Fokine satt lenge ved pianoet på jakt etter synkronisering mellom bevegelse og musikk. "Jeg etterlignet scener for ham," husker koreografen. – Etter min forespørsel brakk han sin eller folketemaer til korte fraser, i henhold til øyeblikkene av scenen, bevegelser. Stravinsky så på meg og gjentok meg med fragmenter av Tsarevichs melodi mot bakgrunnen av en mystisk skjelving som skildrer hagen til den onde Kashchei.

Noen år senere laget Stravinsky et nytt orkesterstykke av ballettmusikk, og redigerte teksten på nytt og eliminerte alle klangfarger. I den nye versjonen har suiten fra The Firebird fått verdensomspennende popularitet.

I løpet av tre år med samarbeid med Diaghilev-troppen skapte Stravinsky ytterligere to balletter, som brakte ham verdensberømmelse, blant dem "Petrushka" og "The Rite of Spring". Den første av disse er de "morsomme scenene", forfatterne av disse var Stravinsky selv, Benois og Diaghilev (1911). Etter premieren på balletten i Paris snakker Debussy entusiastisk om musikken til «Petrushka», og kaller forfatteren «et geni av farger og rytme».

Balletten "The Rite of Spring" - "bilder av hedenske Rus" på Roerichs libretto. Etter å ha spilt det nyferdige partituret til "Spring" i fire hender, husker Lalua: "Vi var stumme, slått inn til kjernen, som etter en orkan som kom fra århundrenes dyp og slo rot i livet vårt" (1913).

Kort tid etter premieren ble Stravinsky, mens han var i Sveits, syk av tyfoidfeber og var på et tidspunkt nesten ved dødens dør. Pasienten fikk besøk av Debussy, M. de Falla, A. Casella, Ravel. Det eneste møtet mellom Stravinsky og Skrjabin fortjener å nevnes. Begge musikerne viste gjensidig interesse på en behersket måte. Stravinsky ba forfatteren av The Poem of Ecstasy sende ham sin siste pianosonater. Her stiftet han bekjentskap med ekspresjonismen, «Moon Pierrot» av A. Schoenberg.

Den "sveitsiske" perioden spilte en spesiell rolle i Stravinskys liv og arbeid. Han følte en interesse for russiske nasjonale bilder, for russisk eksotisme, for eventyr, folklore. Dette er bevist av i det minste listen over verk som ble opprettet i disse årene: "Jests", "Tales about the Fox, the Rooster, the Cat and the Sheep", "The Story of a Soldier".

I juli 1914 begynte Stravinsky arbeidet med The Wedding, opprinnelig planlagt som et ballettdivertissement. Komponisten dro til Kiev i håp om å finne en poetisk samling russiske folkesanger av P. Kireevsky og noe annet materiale. Etter å ha stoppet ved Ustilug, familiens eiendom, hadde han til hensikt å returnere til Kiev samme høst for materialer. Men livet forstyrret planene hans: noen dager etter hjemkomsten til Sveits brøt krigen ut. Stravinsky bestemte seg for ikke å returnere verken til Paris eller til hjemlandet, men å forbli i det nøytrale Sveits. Han bosatte seg i Claran. Og i løpet av de neste syv årene reiste han nesten hele delen av det franske Sveits - Claran, Salvan, Hvalross.

I 1917 besøkte Stravinsky Roma og Napoli. Der møtte han Pablo Picasso, som han utviklet et nært vennskap med. I Sveits debuterte han som dirigent for sin egen musikk, fikk et nært vennskap med poeten C. Ramuse og dirigenten Ernest Ansermet.

I 1919 dro Stravinsky til Paris. En krets av nære venner dannet seg rundt ham, som det ble etablert stadig tettere forhold til, disse var unge modernister: "de mest fasjonable pariserne", Jean Cocteau, Pablo Picasso, Ravel, Benoit, Nijinsky, kunstnerne Matisse, Goncharova, Larionov. I salongen til filantropen E. Polignac, som spesielt favoriserte Stravinsky, ble han nær Manuel de Falla, Gabriel Foret, Eric Satie. Den unge franske «Seks» (J. Auric, F. Poulenc, D. Millau og andre) så også på Stravinsky som sin inspirasjon. Senere snakket Stravinsky mye med forfatteren Andre Gide, Charlie Chaplin.

I de første årene etter hjemkomsten til Frankrike var komponisten fortsatt nært knyttet til Diaghilev. I Europa var ballettene hans vellykkede, spesielt Petrusjka. I 1921 dro han på turné til Spania, Belgia, Holland, Tyskland. 22. mai 1924 debuterte Stravinsky som pianist. Med orkesteret til S. Koussevitzky fremførte han sin klaverkonsert.

I 1925 dro han først på en reise til USA. Påfølgende amerikanske turneer i 1937, 1939 styrket i økende grad hans kreative bånd med dette landet. På midten av 1920-tallet dateres Stravinskys interesse for et mekanisk piano, designet av det franske firmaet Pleyel, tilbake til midten av 1920-tallet. Komponisten var fascinert av muligheten til å lage en dokumentarforfatterinnspilling som kunne fungere som en slags standard. Han studerte spesifikt de akustiske prinsippene for innspillinger og egenskapene til harmoni og stemme som de bestemte, tilpasset orkesterpartitur til pianoet, og skapte til og med en ny orkestrering av Wedding, spesielt designet for bruk av mekaniske pianoer og et elektrisk harmonium.

Stravinsky bodde faktisk i huset til lederen av Pleyel-firmaet. Og forresten, det var der han møtte V. Mayakovsky, som ankom Paris i 1923. Lidenskapen for pianola passerte like raskt som mange andre forbigående lidenskaper. Så, for eksempel, i Sveits var han glad i å sykle, i Frankrike ble han en lidenskapelig bilist. Etter å ha lært seg å kjøre raskt, reiste han over hele Cote d'Azur i sin Renault Hotchkiss.

I 1939 døde kona til komponisten E. Nosenko i Frankrike. Litt tidligere mistet han sin mor og eldste datter. Komponisten opplevde døden til sine kjære veldig akutt, så for første gang var det et ønske om å flytte til et annet land. Men det var også andre grunner. I 1936 spilte venner med Stravinsky dårlig spøk: de overtalte ham til å fremme sitt kandidatur blant de "udødelige" - til det franske akademiet kunst. I valget ble han imidlertid skandaløst beseiret, og i stedet en ganske gjennomsnittlig fransk komponist Florent Schmidt. Denne hendelsen var ikke en ulykke. Allerede før det begynte mange franskmenn, spesielt den franske musikalske ungdommen, å forråde sitt tidligere idol: flere og flere stemmer ble hørt som krevde å velte den utenlandske "mesteren" fra pidestallen.

Alt dette gikk ikke upåaktet hen av Stravinskys velvære, da allerede fransk statsborger. Samtidig styrket reiser til USA hans bånd med amerikanske firmaer, orkestre og beskyttere. På deres ordre skrev han en rekke komposisjoner. I 1939, på invitasjon fra Harvard University, holdt han et kurs med forelesninger om sin musikalske estetikk.

Broken Second Verdenskrig fungerte som den siste og umiddelbare drivkraften for den endelige avgjørelsen: dampbåten "Mauntbatten" leverte komponisten til kysten av hans "tredje hjemland". Stravinsky bodde i Frankrike fra 1920 til 1940. I Paris var det premiere på operaen hans "Mavra" (1922), "Les Noces" (1923) - det siste verket fra den russiske perioden, samt opera-oratoriet "Oedipus Rex" (1927), som markerte begynnelsen av perioden i komponistens verk, som vanligvis kalles "nyklassisk".

Åpnet på begynnelsen av førtitallet ny periode kreativ biografi om Stravinsky, som kan kalles "amerikansk". I desember 1939, på invitasjon, drar han til vestkysten av USA - til San Francisco og Los Angeles. Byene på California-kysten minnet komponisten om Cote d'Azur i Frankrike. Det ble besluttet å bosette seg her, i California, i Hollywood. I disse årene slo mange fremtredende forfattere og musikere som emigrerte fra flammene fra krigen mot fascismen i Europa seg på stillehavskysten: Thomas Mann, Lion Feuchtwanger, Arnold Schoenberg og mange andre.

Stravinsky, som bodde i sentrum av den amerikanske filmindustrien, avviste konsekvent ethvert tilbud om å jobbe for film, og hevdet at han ikke var fornøyd med tilfeldighetsprinsippet som bestemmer sammensetningen av filmmusikk. Siden han er selve jazzens episenter, går ikke komponisten utenom denne trenden heller. For Woody Hermans negerorkester skriver han i 1945 "The Black Concerto", med typiske jazzeffekter, virtuose klarinettsoloer og et "fargepartitur" (opptredenene hans ble akkompagnert av lyseffekter ved bruk av flerfargede spotlights).

Etter hvert blir Stravinskys musikalske språk mer asketisk. Dynamikken erstattes av tilbakeholdenhet. Komponisten går over til serieteknikk, og heretter vil den bli dominerende i organiseringen av det musikalske stoffet i komposisjonene hans. Den første seriekomposisjonen er Septet (1953). Threni (Lament of the Prophet Jeremiah; 1958) ble en fullstendig seriell komposisjon der Stravinsky helt forlot tonaliteten som sådan. Et verk der serieprinsippet er absolutt er Movements for piano and orchestra (1959). Endelig musikalsk komposisjon serieperiode - Variasjoner til minne om Aldous Huxley for orkester.

I 1947 møtte Stravinsky Robert Kraft, en ung dirigent. Han ble snart Stravinskys faste musikalske assistent og samarbeidspartner, og tolker av komposisjonene hans. Krafts regelmessige langsiktige kommunikasjon med Stravinsky fungerte som grunnlag for publiseringen av deres dialoger.

En betydelig gruppe er representert av verk som er en hyllest til minnet om avdøde venner og slektninger. Stravinskys omgivelser tynnes ut, og mot slutten av livet kjenner han sin ensomhet mer og mer: «I dag har jeg ingen samtalepartnere som ville se på verden gjennom mine øyne».

Minneopus inkluderer - "Funeral canons and a song in memory of Dylan Thomas" (l954), "Epitaph" (l959), "Elegy to John F. Kennedy" (1964), variasjoner til minne om Aldous Huxley (l964), Introitus til minne om Thomas Eliot, og til slutt, det siste, store verket - Requiem Canticles for contralto og basssolo, kor og orkester (l966). «Chants for the Dead» fullførte hele mitt kreative bilde», «Et Requiem på min alder berører for mye for de levende», «Jeg komponerer et mesterverk av mitt senere år”- I. Stravinsky innrømmer.

Og likevel avtok ikke intensiteten av komponerings- og fremføringsaktiviteter selv i alderdommen, før en alder av 85 år ble en streng arbeidsplan opprettholdt: et halvt år - hverdagslig kreativt arbeid, et halvt år - konsertturer. I 1962 besøkte Stravinsky Moskva og Leningrad. Reisen til hjemlandet, ifølge komponisten selv, inspirerte ham veldig.

Et av hans siste fullførte verk er et arrangement for kammerorkester av to hellige sanger av Hugo Wolf (1968), men han har fortsatt tid til å unnfange og begynne å orkestrere fire preludier og fuger fra J. S. Bachs CTC (1968-1970).

Men på dette kreativ aktivitet mester bryter av. 6. april 1971, 2 måneder før hans 89-årsdag, døde Igor Fedorovich Stravinsky. Han blir gravlagt på kirkegården i San Michele i Venezia (Italia), i den såkalte "russiske" delen av den, sammen med kona Vera, ikke langt fra graven til Sergei Diaghilev.

Stravinskys vei er full av hyppige moduleringer: fra ungdomssymfonien, preget av innflytelsen fra Glazunov og Brahms, til den russiske impresjonismen til Ildfuglen og Nattergalen, videre til nyprimitivismen til Vårriten. Messingoktetten varslet en vending mot nyklassisisme, der flere parallelle strømninger også har oppstått i løpet av tretti år.

Og til slutt åpnet septetten fra 1952 et nytt kapittel i Stravinskys kreative biografi - serialismens periode. Hans kunstneriske sympatier spenner fra Bach til Boulez, fra den russiske bryllupsritualen til fransk moderne, fra de strenge metrene med antikke vers til skarpe jazzrytmer - slik er sirkelen av hans kunstneriske sympatier. Nesten hvert nytt kapittel i Stravinskys biografi er et kapittel i historien til vesteuropeisk musikk på 1900-tallet.

Kreativitet Stravinsky er i hovedsak langt fra virkelighetens hendelser. Komponisten sammenligner den estetiske følelsen til musikklytteren med følelsen man opplever når man betrakter «spillet av arkitektoniske former». Derfor flykter han fra moderniteten, vender seg bort fra dens helter, og bare noen ganger bryter en kraftig vind av livets stormer inn i hans musikalske verden.

I musikk er Stravinsky mest redd for "vilkårligheten" til utøveren, likevel - en pianist, dirigent, skuespiller. Kunsten å presentere - den nøyaktige oppfyllelsen av forfatterens intensjoner - det er hans ideal! Helter bør fratas «romantiske» opplevelser. Derfor slike veldig viktig får ikke-personifisering, depersonalisering av hovedpersonene (Bruden i bryllupet, den utvalgte i The Rite of Spring, i Bike er hovedpersonene mimiske figurer, og andre artister skjult i orkesteret synger for dem, eller en hel kor).

Fenomenet musikk er gitt oss utelukkende for å bringe orden i alt som eksisterer, inkludert først og fremst forholdet mellom «menneske og tid». Egenskapene til komponistens karakter satte sitt preg på arbeidet hans, for eksempel profesjonell kvalitet nøyaktighet, punktlighet, framsyn, kronometrisk intuisjon. Det er ingen tilfeldighet at Stravinsky ble kalt en komponist-kronometer, en komponist-ingeniør, og hans venn J. Cocteau forsikret at arbeidsplass denne komponisten minner om «en velorganisert kirurgs operasjonsbord».

Stravinskys verk er fortsatt ekstremt relevant i dag. Det var han som klarte å gå gjennom nesten hele det tjuende århundre, mens han tok på seg forskjellige masker av stiler, forble tro mot seg selv. Komponisten selv, som avslutter Chronicle, skriver: «Jeg lever verken i fortiden eller i fremtiden. Jeg er i nuet. Jeg vet ikke hva som vil skje i morgen. For meg er det bare sannheten i dag. Jeg er kalt til å tjene denne sannheten og tjene den med full bevissthet.

russisk komponist

Igor Stravinsky

kort biografi

Igor Fyodorovich Stravinsky(17. juni 1882, Oranienbaum, russisk imperium- 6. april 1971, New York; gravlagt i Venezia) - russisk komponist. Statsborger i Frankrike (1934) og USA (1945). En av store representanter verdensmusikalske kulturen i det XX århundre. Stravinskys musikk er preget av stilistisk mangfold: i den første perioden av hans kreative arbeid (hans mest repertoarkomposisjoner) bærer den et levende preg av russisk musikk. kulturell tradisjon. Stilistikken til senere komposisjoner avslører blant annet innflytelsen fra fransk nyklassisisme og dodekafonien til den nye wienske skolen.

Igor Stravinsky ble født i 1882 på Swiss Street i Oranienbaum, nær St. Petersburg. Faren hans, Fjodor Ignatievich Stravinsky - Opera sanger, solist ved Mariinsky Theatre. Hans mor, pianist og sanger Anna Kirillovna Kholodovskaya (08.11.1854 - 06.07.1939), var fast akkompagnatør på ektemannens konserter. Stravinsky-huset i St. Petersburg var vertskap for musikere, kunstnere, forfattere, blant dem var F. M. Dostojevskij.

Fra en alder av ni tok Stravinsky private pianotimer, i en alder av 19, etter uteksaminering fra Gurevich gymnasium, etter insistering fra foreldrene, gikk han inn på det juridiske fakultetet ved St. Petersburg University, samtidig begynte han å selvstendig studere musikalske og teoretiske disipliner.

Fra 1904 til 1906 tok Igor Stravinsky privattimer fra N.A. Rimsky-Korsakov, som tilbød Stravinsky-klasser to ganger i uken, parallelt med leksjonene fra V.P. Kalafati.

Unge Igor Stravinsky. (1910)

I 1906 giftet Stravinsky seg med Ekaterina Gavrilovna Nosenko, hans kusine. I 1907 ble deres første sønn, kunstneren Fjodor Stravinsky, født, i 1910 deres andre sønn, komponisten og pianisten Svyatoslav Sulima-Stravinsky. På 1900-1910-tallet bodde Stravinsky-familien lenge på eiendommen deres, i eiendommen til Ustilug, Volyn-provinsen (for tiden er det minnemuseum I. F. Stravinsky).

Under ledelse av Rimsky-Korsakov ble de første komposisjonene skrevet - en scherzo og en sonate for piano, en suite for stemme og orkester "The Faun and the Shepherdess", etc. Sergei Diaghilev deltok på premieren av sistnevnte, og satte stor pris på talentet til den unge komponisten. Etter en tid inviterte Diaghilev ham til å skrive en ballett for en produksjon i de russiske årstidene i Paris. I løpet av hans tre år med samarbeid med Diaghilev-troppen skrev Stravinsky tre balletter som brakte ham verdensomspennende berømmelse - The Firebird (1910), Petrushka (1911) og The Rite of Spring (1913). I løpet av disse årene (hovedsakelig i forbindelse med produksjonene til Diaghilev) reiste Stravinsky gjentatte ganger til Paris.

Tidlig i 1914, på tampen av første verdenskrig, dro han med familien til Sveits. På grunn av krigsutbruddet kom ikke Stravinskyene tilbake til Russland. Fra våren 1915 bodde komponisten med sin familie i Morges ved Lausanne, fra 1920 – hovedsakelig i Paris.

Blant verkene fra denne tiden er operaen "Nattergalen" av eventyr med samme navn Andersen (1914) og Historien om en soldat (1918). Tilnærmingen til Stravinsky med den franske "Seks" går tilbake til samme tid.

Allerede i 1913 møtte Stravinsky komponisten Eric Satie, som han definerte som «den merkeligste personen jeg noen gang har kjent», men som dessuten kalte ham «den mest fantastiske» og «uunngåelig vittig». Ifølge forskeren til Sati Y. Khanon hadde noen av Satis verk, spesielt balletten «Parade» (1917) og det symfoniske dramaet «Sokrates» (1918), betydelig innflytelse på Stravinskys arbeid. I følge G. Filenko viste en spesiell vending i løsningen av det gamle temaet, arkaiseringen av det musikalske språket og fundamentalt nye metoder for musikalsk konstruksjon i Sokrates seg å være fruktbart for andre komponister og forutså den kommende nyklassisismen til Honeggers Antigone (1924) ) med nesten ti år, samt "Apollo Musagete" og "Oedipus Rex" av Stravinsky (1929-1930), som på forhånd skisserer alle hovedtrekkene til den nye stilen.

Stravinsky selv snakket om Saties Sokrates, så vel som om forfatterens profesjonelle fordeler, med skepsis og tilbakeholdenhet:

Jeg tror ikke han kjente instrumenteringen godt, og jeg foretrekker Sokrates da han spilte meg [på piano] fremfor et vanskelig orkesterpartitur. Jeg har alltid vurdert Satis forfatterskap begrenset til «litterær kunst». Titlene deres er litterære, men selv om navnene på Klees malerier, også hentet fra litteraturen, ikke begrenser maleriet hans, ser det ut til at dette skjer med Sati, og ved gjentatt lytting til verkene hans mister de en stor andel av interessen. Problemet med Sokrates er at han kjeder seg bare med måleren sin. Hvem tåler denne monotonien? Og likevel er musikken til Sokrates' død rørende og edel på sin egen måte.

Stravinsky. Dialoger

«Siden de seks følte seg fri fra læren sin og var fylt av entusiastisk ærbødighet for de som de presenterte seg mot som en estetisk motstander, så utgjorde de ingen gruppe. "Den hellige våren" spiret som et kraftig tre, presset buskene våre tilbake, og vi var i ferd med å innrømme nederlag, da Stravinsky plutselig snart ble med meg selv til vår sirkel av teknikker, og på uforklarlig vis kunne man i verkene hans til og med føle innflytelsen fra Erik Satie.

Jean Cocteau, "for jubileumskonserten til de seks i 1953"

Etter krigens slutt bestemte Stravinsky seg for ikke å returnere til Russland og flyttet en tid senere til Frankrike. I 1919 skrev komponisten, på oppdrag fra Diaghilev, balletten Pulcinella, iscenesatt et år senere.

I 1922 forlot komponistens mor, Anna Kholodovskaya, Russland og bodde i sønnens hus i Paris. Hun døde i 1939 og blir gravlagt på kirkegården i Sainte-Genevieve-des-Bois. Igor Stravinsky dedikerte til henne sangen "Forget-me-not Flower" fra "Two Poems by K. Balmont for Voice and Piano".

Stravinsky bodde i Frankrike til 1940. Det var premiere på operaen hans Mavra (1922), dansekantaten (ballett med sang) Bryllupet (1923) - det siste verket av den russiske perioden, samt operaoratoriet Oedipus Rex (1927), som markerte begynnelsen av en ny periode i komponistens arbeid, som vanligvis kalles "nyklassisk".

I 1924 debuterte Stravinsky som pianist: han fremførte sin egen konsert for piano og brassband dirigert av Sergei Koussevitzky. Stravinsky har opptrådt som dirigent siden 1915. Året 1926 ble preget av komponistens første appell til sakral musikk – «Fader vår» for a cappella-kor. I 1928 dukker det opp nye balletter - "Apollo Musagete" og "Kiss of the Fairy", og to år senere - "Symphony of Psalms" på de (latinske) tekstene til Psalter.

På begynnelsen av 1930-tallet vendte Stravinsky seg mot sjangeren til konserten - han skapte en konsert for fiolin og orkester og en konsert for to pianoer. I 1933-1934, på oppdrag fra Ida Rubinstein, skrev Stravinsky sammen med André Gide melodramaet Persephone. Så bestemmer han seg til slutt for å ta fransk statsborgerskap (oppnådd i 1934) og skriver en selvbiografisk bok, Chronicle of My Life.

Stravinsky husket senere de parisiske årene som den mest uheldige tiden i livet hans. I 1938 døde han eldste datter Ludmila, i 1939 hans kone (begravet i Paris på Sainte-Genevieve-des-Bois kirkegård) og moren. 9. mars 1940 giftet Stravinsky seg igjen - med Vera Sudeikina, som han hadde kjent siden 1922.

Siden 1936 dro Stravinsky med jevne mellomrom på turné til USA, hvor hans kreative bånd med dette landet ble styrket. I 1937 ble balletten "Playing Cards" satt opp i New York Metropolitan Opera House, et år senere ble konserten "Dumbarton Oaks" fremført. Stravinsky ble invitert til å holde et kurs med forelesninger ved Harvard University. I forbindelse med krigsutbruddet bestemte Stravinsky seg for å flytte til USA. Han bosatte seg først i San Francisco og deretter i Los Angeles. I 1945 fikk han amerikansk statsborgerskap. Verk fra denne perioden - operaen The Rake's Progress (1951), som ble apoteosen til den nyklassisistiske perioden, ballettene Orpheus (1948), Symfoni i C-dur (1940) og Symfoni i tre deler (1945), Ebony Concerto for klarinett og jazzorkester (1946).

I januar 1944, i forbindelse med fremføringen av et uvanlig arrangement av den amerikanske hymnen i Boston, arresterte lokalt politi Stravinsky og advarte om at det var en straff for å gi en feilaktig fremstilling av hymnen. Et visst fotografi datert 15.4.1940 (!), som er tatt på politistasjonen, er bevart. Personen som er avbildet på den ser ut som Stravinsky. Komponisten selv benektet denne historien.

Fra tidlig på 1950-tallet begynte Stravinsky systematisk å bruke serieprinsippet. Overgangskomposisjonen var kantaten over dikt av engelske anonyme poeter, der trenden med total polyfonisering av musikk ble indikert. Den første seriekomposisjonen var Septet (1953). En seriekomposisjon der Stravinsky fullstendig forlot tonalitet var Threni (Lament of the Prophet Jeremiah, 1958). Et verk der serieprinsippet er absolutt er Movements for piano and orchestra (1959) og Variations in Memory of Aldous Huxley for orkester.

Kulminasjonen av Stravinskys serieperiode regnes som Requiem Canticles ("Chants for the Dead", Requiem) for kontralt og basssolo, kor og orkester (1966):

"..."Chants for the Dead" fullførte hele mitt kreative bilde...", "...Et Requiem på min alder berører for mye for de levende...", "...Jeg komponerer et mesterverk av mine siste år" - Stravinsky.

I flere tiår turnerte Stravinsky mye som dirigent (for det meste av hans egne komposisjoner) i Europa og USA. Utmerket av sin ekstreme nøyaktighet i å observere ytelsesnyansene som er foreskrevet av ham (tempo, dynamikk, aksenter, etc.), la Stravinsky stor vekt på lydopptak. På 1950- og begynnelsen av 1960-tallet under ledelse av forfatteren på etiketten Columbia Records de fleste av hans skrifter ble skrevet ned. Forfatterens lydopptak av Stravinsky som dirigent fungerer den dag i dag som et viktig referansepunkt for alle nye tolkninger av musikken hans.

Høsten 1962, for første gang etter en lang pause, kom han på turné til USSR, dirigerte komposisjonene sine i Moskva og Leningrad. Hans siste fullførte verk var et arrangement for kammerorkester av to hellige sanger av Hugo Wolf (1968). Orkesteringer av fire preludier og fuger fra The Well-Tempered Clavier av J.S. Bach (1968-1970) forble uferdige, og skisser av en bestemt komposisjon for piano er også bevart.

Stravinsky døde 6. april 1971 av hjertesvikt. Han ble gravlagt på kirkegården i San Michele i Venezia (Italia), i den såkalte "russiske" delen av den, ikke langt fra graven til Sergei Diaghilev. I 1982, ved siden av Stravinskys grav, ble kona Vera Arturovna gravlagt.

Opprettelse

Stravinskys kreative karriere er konvensjonelt delt inn i tre perioder.

Russisk periode (1908-1923)

Den første fasen av Stravinskys musikalske karriere (bortsett fra noen av hans tidlige verk som ikke har denne saken av betydelig betydning) er regnet fra skrivingen av orkesterfantasien "Fireworks" og inkluderer tre balletter laget av ham for troppen til S. Diaghilev ("The Firebird", "Petrushka" og "The Rite of Spring"). Disse verkene er preget av en rekke lignende funksjoner: de er alle designet for et ekstremt stort orkester, og de bruker aktivt russiske folklore-temaer og -motiver. De viser også tydelig utviklingen stilistiske trekk- fra "Firebird", som uttrykker og understreker visse trender i arbeidet til Rimsky-Korsakov, basert på uttalte frie diatoniske konsonanser (spesielt i tredje akt), gjennom polytonaliteten som er karakteristisk for "Petrushka", til bevisst frekke manifestasjoner av polyrytme og dissonans, som er merkbar i The Rite of Spring.

I forhold til sistnevnte verk refererer noen forfattere (spesielt Neil Wenborn) til Stravinskys intensjon om å skape en slags «helvete» atmosfære. Fra dette synspunktet kunne den første fremføringen av Vårriten i 1913 betraktes som ganske vellykket: premieren var veldig stormfull, til det punktet at Stravinsky selv i sin biografi beskrev den som en "skandale" (fransk skandale). Noen vitner hevdet at det var trefninger stedvis i hallen, og den andre handlingen måtte gjennomføres i nærvær av politiet. Forskere tar imidlertid hensyn til motsetninger i ulike versjoner av presentasjonen av hendelser.

I tillegg til verkene oppført ovenfor, operaen Nattergalen (1916) og tre verk for musikkteater- "The Story of a Soldier" (1918), "En fortelling om en rev, en hane, en katt og en sau" (1916), "Bryllupet" (1923), som hver har (i form av en undertittel) en unik forfatterbetegnelse på sjangeren.

"Neoklassisk" periode (1920-1954)

Utgangspunktet for neste trinn i Stravinskys utvikling som komponist er operaen Mavra (1921-1922), som markerte begynnelsen på den såkalte «nyklassiske» perioden i hans verk. Tenker på nytt musikalske stiler og trender på 1700-tallet ble grunnlaget for opprettelsen av operaen Oedipus Rex (1927, i latinsk tekst), balletten Apollo Musaget (1928) og Dumbarton Oaks-konserten for kammerorkester i Es-dur (1937-1938) . Tre symfonier faller også innenfor denne perioden: Salmesymfonien (1930, hvor det ikke er noe «nyklassisk»), Symfonien i C (1940) og Symfonien i tre satser (1945).

Studiet av emner knyttet til antikken og spesielt antikkens gresk mytologi inspirerte Stravinsky til å vende tilbake til klassisismens stil, som spesielt manifesterte seg i melodramaet Persephone (1933) og balletten Orpheus (1947). I 1951 skapte komponisten det siste verket fra den nyklassisistiske perioden, operaen The Rake's Progress. Librettoen for den, basert på en skisse av William Hogarth, ble skrevet av Wystan Auden. Premiereforestillingen fant sted i Venezia samme år; Deretter ble operaen satt opp i Europa, og deretter i USA (Metropolitan Opera, 1953). Senere, i 1962, ble verket presentert som en del av en festival organisert for å minnes Stravinskys 80-årsdag. I 1997 kom operaen tilbake til scenen til Metropolitan Opera (New York).

Sen periode (1953-1968)

På 1950-tallet begynte komponisten å bruke serieteknikker i komposisjonene sine. Samtidig, i motsetning til Novovenets (Schoenberg, Webern og Berg), behandlet han først serien veldig fritt, skrev korte serier (brukte ikke alle 12 toner), tillot repetisjon av toner, kombinerte lyder med forskjellig tonehøyde til " pseudo-triader", utvidet ikke serien til hele komposisjonen, og tegnet bare ut separate deler i serieteknikk.

De første eksperimentene med serieteknikker kan spores i de små komposisjonene fra 1952-1953 "Cantata", "Septet" og "Three Songs from William Shakespeare". I Canticum sacrum, opprettet i 1955, en av de fem delene ( Surge Aquilo) er fullstendig dodekafonisk. Deretter brukte komponisten serieteknikken i komposisjonene "Agon" (1957), "Lament of the Prophet Jeremiah" (1958), "Preken, lignelse og bønn" (1961, de to siste er basert på bibelske tekster og motiver) , samt i mysteriet "Flood" (1962), som er en syntese av utdrag fra 1. Mosebok med middelalderske engelske mysterier; Syndfloden bruker også teksten til den katolske salmen Te Deum.

Stil

Arrangementer, arrangementer

Gjennom hele livet omarbeidet Stravinsky stadig sine egne og andres komposisjoner (forfatterens komposisjoner, ortodoks musikk, folkesanger). Oftest var Stravinskys tilpasning et arrangement av hans eget tidlige verk for et annet (sammenlignet med originalen) instrument eller instrumentsett (for eksempel ble mange vokalverk fra den russiske perioden, skrevet for stemme og piano, senere arrangert for stemme med et ensemble av instrumenter). I noen tilfeller ble behandlingen ledsaget av en omarbeiding av originalmusikken (reduksjon, variasjon, sjeldnere utvidelse, oppdatering av harmonisering), i slike tilfeller snakker man om en "utgave" (to utgaver av piano Tango - for fiolin og piano og for fiolin og instrumentalensemble). Et eksempel er musikken til balletten "Petrushka", som komponisten kom tilbake til mer enn en gang. Komposisjonen ble fullført i 1911 (den såkalte "første utgaven", eller "originalutgaven") og gjennomgikk deretter forskjellige revisjoner: i 1921 (behandling av tre numre for piano), i 1932 (arrangement av "Russian Dance" for fiolin og piano), i 1947 (andre utgave av balletten, re-orkestrering), i 1947 (suite fra balletten for Symfoniorkester), i 1965 (tredje utgave av balletten). Noen arrangementer av Stravinsky treffer paradoksalt. Således erstattet komponisten i 1949 de kanoniske ortodokse tekstene (på kirkeslavisk) i de små korkomposisjonene Fader vår (1926), Troens symbol (1932) og Jomfru Maria, glede (1932) med katolske kanoniske tekster (i. Latin; henholdsvis Pater noster, Credo og Ave Maria), uten den minste endring (helt russisk stil) av musikken.

Verker av andre komponister og folkemusikk Stravinsky arbeidet innenfor de samme svært fleksible grensene - fra "enkle" instrumentering (åndelige sanger av Hugo Wolf, madrigaler av Carlo Gesualdo, russisk folkesang "Dubinushka") til en fullskala forfatters nytenkning ("Pulcinella" til musikk av G.B. Pergolesi) .

Rangerer

• Medlem av Royal Swedish Academy of Music (1951)

Komposisjoner

Litterære skrifter

• (med
• (samforfattet med P.P. Suvchinsky) Musical Poetics (fransk Poétique musicale. Cambridge, MA, 1942; engelsk oversettelse under tittelen Poetics of Music, 1947; russisk oversettelse: Moskva, 2004).
• (litterær bearbeiding av R. Kraft) Dialogues (eng. Dialogues and a Diary. New York, 1968; russisk oversettelse: Leningrad, 1971).
• Kronikk. Poetikk // Samling, kommentarer, oversettelse, indekser, sluttartikkel av S.I. Savenko. M.: ROSSPEN, 2004. 368 s.

Familie

• Bror - Roman (1874 - mai 1897).
• Bror - Yuri (1878 - mai 1941), arkitekt.
• Bror - Gury (12. august (30. juli), 1884 - april 1917), kunstner ved Mariinsky Theatre, bass-baryton, døde av tyfus og bukhinnebetennelse i Iasi på sørfronten av første verdenskrig, ble gravlagt i sin fars grav .
• Datteren til I. F. Stravinsky Lyudmila (1908-1938) var gift med poeten Yuri Mandelstam. Etterlot seg en foreldreløs datter, Ekaterina (Kitty) Mandelstam (1937-2002) ble oppvokst i familien til onkelen hennes, Fjodor Igorevich Stravinsky (1907-1989).

Adresser i St. Petersburg

• 5. juni 1882 - 1908 - huset til M. F. Nemkova - Kryukov Canal Embankment, 6 (nå 8), leilighet. 66.

Hukommelse

Mynter utstedt til hans ære frimerker; et krater på Merkur er navngitt. I Lausanne er det et smug oppkalt etter ham, i Amsterdam er det en gate (Strawinskylaan). oppkalt etter ham Musikkskolen i Oranienbaum og musikkpublikum i Montreux. Det er også en Stravinsky-fontene på torget med samme navn foran Georges Pompidou-senteret i Paris, Frankrike.

› Igor Stravinsky