condutores soviéticos. Maestros famosos do mundo Os maestros mais famosos

G. Lomakin(1811-1885). A fama de um talentoso professor de canto chegou cedo a Lomakin e rapidamente se espalhou pela capital do norte. Ele foi convidado para lecionar em muitas instituições de ensino: o corpo de cadetes, naval e pajem, o liceu, a escola de teatro, a faculdade de direito (onde P.I. Tchaikovsky estudou na época). Nesta escola, G.Ya. conheceu. Lomakin com o crítico de arte V.V. Stasov. O notável crítico russo observou repetidamente a "excelente escola" de Lomakin, "o caminho certo de aprendizado", "talento inato", "significância e habilidade na liderança do coro", que desempenhou um papel significativo na carreira de nosso compatriota. Em 1862, juntamente com compositor famoso MA Balakirev Lomakin organizou uma Escola de música- esclarecer e educar o povo. Na escola G.Ya. Lomakin não apenas criou um novo coro maravilhoso, mas também conseguiu organizar a educação de futuros professores de música. Muitos de seus alunos tornaram-se músicos famosos: cantores, regentes de coral, professores. Gavriil Yakimovich dedicou os últimos anos de sua vida à composição de trabalhos: antes disso, ele só conseguia compor música aos trancos e barrancos, em curtas horas de intervalo entre as aulas com coros. Nesse período criou linha inteira composições para coro, escreveu vários romances. E em 1883, quando M.A. Balakirev, Lomakin também recebeu uma rara oportunidade de publicar suas obras. Ele os deu para revisão e edição de folhas de prova últimos dias própria vida.

A. Arkhangelsky (1846-1924)

Capela do tribunal.

Coro Independente (1880).

Capela do Conde Sheremetyev.

CV. Smolenski (1848-1909)

Diretor da Escola Sinodal (1889-1901).

Diretor do coro da corte (1901-1903).

Diretor de cursos particulares de regência (São Petersburgo)

V.S. Orlov (1856-1907).

Coro da Sociedade Coral Russa (1878-1886).

Capela da Sociedade Coral Russa (1882-1888).

Regente do Coro Sinodal (1886-1907).

Alexander Dmitrievich Kastalsky (1856-1926).

coro sinodal (regente desde 1901).

Pavel Grigorievich Chesnokov (1877-1944).

Coro espiritual privado A.P. Kayutova.

Coro da Sociedade Coral Russa (1916-1917).

Regente das igrejas de Moscou.

Nikolai Mikhailovich Danilin (1856-1945).

coro sinodal (1910-1918).

Coro privado Kayutov (1915-1917).

Capela Acadêmica de Leningrado.

coro estadual A URSS.

Sveshnikov Alexander Vasilievich(1890-1980), maestro de coro, Artista do Povo da URSS (1956), Herói do Trabalho Socialista (1970). Em 1936-37 foi diretor artístico do Coro Estadual da URSS, organizado com base no All-Union Radio Vocal Ensemble que ele criou em 1928; em 1937-1941 - Leningrado. capelas; desde 1941 - o Coro Estatal da Canção Russa (mais tarde o Coro Acadêmico Estatal Russo da URSS). Organizador (1944) e diretor do Moscow. escola coral (desde 1991 Academia de Arte Coral com o nome de S.). Professor (desde 1946), reitor (1948-74) Moscou. conservatório. Prêmio Estadual da URSS (1946).

YURLOV Alexander Alexandrovich (1927-73), maestro coral, Artista do Povo da RSFSR (1970), Azerbaijão. RSS (1972). Aluno A.V. Sveshnikov. Desde 1958, diretor artístico e maestro titular da Rep. russo capela do coro (desde 1973 com o seu nome). Professora de Ped. Musical. instituto. Gnesins (desde 1970). Prêmio Estadual da URSS (1967).

Tevlin Regente do coro Boris Grigorievich, professor (1981), chefe do departamento regência coral Conservatório Estadual de Moscou em homenagem a P. I. Tchaikovsky (1993-2007). artista nacional Federação Russa (1995).

Kazachkov Semyon Abramovich (1909-2005) - professor, professor, chefe do departamento de regência coral do Conservatório Estadual de Kazan.

Minin Vladimir Nikolayevich (n. 1929), maestro de coro, Artista do Povo da URSS (1988). Aluno V. G. Sokolova, A.V. Sveshnikov. Desde 1972 mãos. fundada por ele Moscou. coro de câmara, desde 1987 (na mesma época) diretor artístico do Estado. russo coro. Desde 1978 professor (em 1971-79 reitor) Musical-ped. instituto. Gnesins. Prêmio Estadual da URSS (1982).

Dmitryak Gennady Alexandrovich - maestro de coral, ópera e sinfonia, Artista Homenageado da Rússia, diretor artístico e maestro principal Coro Acadêmico Estadual da Rússia em homenagem a A.A. Yurlov e Capella "Moscow Kremlin", Professor Associado do Departamento de Regência Coral Academia Russa música para eles. Gnesinikh.

Requisitos para um maestro de coro

Excelente domínio da técnica de regência;

Ser capaz de colocar corretamente os membros do coro nas partes de acordo com suas voz cantando e alcance;

Navegue facilmente por toda a diversidade obras musicais diferentes estilos, épocas, direções, conhecer os fundamentos teóricos da gravação e leitura de partituras corais;

Tenha um bom ouvido para música, um senso de ritmo e um gosto artístico desenvolvido.

Gêneros música coral

VILLANELA(canção de aldeia italiana) - Canção italiana dos séculos 15 a 16, principalmente a 3 vozes, com par al. movimento de vozes, personagem vivaz, conteúdo lírico ou humorístico.

CÂNONE(Norma grega, regra) - polifônico. musical. baseado em formulário. em uma imitação contínua estrita, sob a qual. as vozes repetem a melodia da voz principal, entrando antes que termine com a anterior. O cânone se distingue pelo número de vozes, os intervalos entre elas (Cânone na prima, quinta, oitava, etc.), o número de tópicos imitados simultaneamente (cânone simples; duplo, por exemplo, no nº 4 do Requiem de Mozart, etc.), a forma de imitação (Cânon em aumento, diminuição). No chamado cânone infinito, o fim da melodia passa para o seu começo, então as vozes podem reentrar quantas vezes quiser. No cânone com um “indicador variável” (Vl. Protopopov), durante a imitação, o padrão melódico e o ritmo são preservados, mas o intervalo muda. A imitação canônica, de uma forma ou de outra, é freqüentemente usada em coro. op.; existem peças escritas na forma de K. (“Echo” de O. Lasso, “Song of the Lark” de F. Mendelssohn, arr. N.A. Rimsky-Korsakov “I Walk with a Loafer”, etc.).

KANT(de lat, cantus - canto, canção) - uma espécie de antigo coral ou canção de conjunto a cap. Originado no século XVI. na Polônia, mais tarde - na Ucrânia, do 2º sexo. Século 17 - na Rússia, tendo se difundido como um dos primeiros tipos de música urbana; para o início Século 18 - um gênero favorito de música doméstica e cotidiana. A princípio, o cant é um hino-canção de conteúdo religioso, depois é impregnado de temas seculares; arestas aparecem. lírico, pastoral, bebedor, cômico, marchando, etc. Na época de Pedro, o Grande, cantes panegíricos, os chamados. Viva; executado por coros de cantores durante as festividades e cortejos triunfais, acompanhados de tiros de canhão, fanfarra e toque de sinos. Características estilísticas de Kant: forma dístico, subordinação ritmo musical poético; clareza rítmica e suavidade da melodia; principalmente um armazém de 3 vozes com um movimento paralelo das 2 vozes superiores, o baixo é frequentemente desenvolvido melodicamente; também há imitação. No cante existe uma correlação natural de melodia e harmonia, equilíbrio das funções harmônicas - subdominantes, dominantes, tônicas. B. Asafiev aponta que “na evolução da música na segunda metade do século XVIII e início do século XIX. borda torna-se uma espécie breve enciclopédia estilo homofônico triunfante” (“Musical Form as a Process”, L., 1963, p. 288). Kants foram distribuídos em coleções manuscritas, sem indicar os autores do texto e da música, embora a poesia fosse frequentemente usada. poetas contemporâneos Trediakovsky, Lomonosov, Sumarokov e outros. O primeiro arr. nar. músicas. Aos poucos, a orla foi se complicando, adquirindo feições de romance. Mais tarde (no século 19), canções de soldados, bebidas, estudantes e parcialmente revolucionárias foram criadas com base no cant. A influência de Kant também é encontrada em russo. música clássica, com Glinka ("Glória" da ópera "Ivan Susanin"), etc.

CANTATA(italiano cantare - cantar) - uma obra para cantores-solistas, coro e orquestra, caráter solene ou lírico-épico. As cantatas podem ser corais (sem solistas), de câmara (sem coro), com ou sem acompanhamento de piano, em um único movimento ou compostas por vários números completos. Do oratório (semelhante a ele em termos de meios de expressão), a cantata costuma se diferenciar por seu menor tamanho, uniformidade de conteúdo e enredo menos desenvolvido. A cantata teve origem na Itália (século XVII), primeiro como uma peça para cantar (em contraste com a sonata). Isso significa que a cantata ocupa seu lugar na obra de J. S. Bach, que escreveu cantatas sobre temas espirituais, mitológicos e cotidianos. Na Rússia, a cantata se manifestou no século 18 e atingiu seu desenvolvimento nos séculos 19 e 20: uma cantata teatral solo ("The Black Shawl" de Verstovsky), saudação, aniversário, cantatas líricas, lírico-filosóficas ("Canções de despedida dos Alunos dos Institutos Catherine e Smolny” de Glinka ; "Moscou", "To Joy" de Tchaikovsky; "The Svitezyanka" de Rimsky-Korsakov; "João de Damasco", "Depois de ler o Salmo" de Taneyev; "Primavera ", "The Bells" de Rachmaninov; "Cantata para a abertura do monumento a Glinka" de Balakirev, etc. d.).

O gênero cantata foi desenvolvido em criatividade compositores soviéticos, especialmente em obras sobre temas históricos, patrióticos e modernos (Alexander Nevsky de Prokofiev, Sinfonia-cantata "No Campo Kulikovo" de Shaporin, "Cantata sobre a Pátria" de Arutyunyan, etc.). Moderno compositor alemão K. Orff escreveu cantatas de palco (Carmina Burana e outros).

MADRIGAL(Italiano) -música lírica na língua nativa. (ao contrário dos cantos em lat, lang.), originalmente monofônico. No início do Renascimento (século 14), foi realizada em 2-3 vozes. na época Renascimento tardio(século XVI) ocupava o centro, um lugar na música secular, representando uma composição vocal de uma ou várias partes de um armazém polifônico para 4-5 vozes; foi distribuído fora da Itália. O gênero madrigal é predominantemente lírico, intimamente associado texto poético(até a ilustração de palavras individuais). Tendo se desenvolvido nos círculos aristocráticos, o madrigal em termos de melodia (ao contrário de frotolla, villanella, chanson, etc.) música folclórica, muitas vezes muito sofisticado; ao mesmo tempo, teve também um sentido progressivo, ampliando o leque de imagens e meios expressivos. Mais simples, associado ao folclore, emocional madrigal inglês dos séculos XVI-XVII. (T. Morley, D. Dowland, D. Wilby). Por volta do século 17 o madrigal parte do estilo vocalmente polifônico, enfatizando a voz solista com acompanhamento instrumental. Os mestres de destaque do madrigal (em diferentes estágios de seu desenvolvimento) foram Arkadelt, Villart, A. Gabrieli, Palestrina, Marenzio, Gesualdo, Monteverdi.

MOTETO(do mot francês - palavra) - um gênero vocal. polifônico. música. Inicialmente, na França (séculos XII-XIV), vários foram combinados em um moteto. (na maioria das vezes 3) melodias independentes com textos diferentes: na voz baixa (tenor) - igreja. canto em texto latino, no meio (moteto) e superior (triplum) - amor ou canções cômicas em francês coloquial. A Igreja Católica lutou contra tais "motetos vulgares" contrastando-os (do século 15) com hinos polifônicos para um único texto latino. Os madrigais foram escritos para o coro um boné. (de finais do séc. XVI e com acompanhamento), constituída por várias (2, 3 ou mais) secções, de forma polifónica, muitas vezes em armazém cordal. No século XVII havia motetos para cantores solo com acompanhamento instrumental.

ÓPERA CORO- um dos principais componentes da performance da ópera moderna. Em conexão com a época, gênero, individualidade do compositor, o coro nas peças de ópera papel diferente da criação de um fundo doméstico, um elemento decorativo, um participante do prólogo, interlúdios para o cap. pessoa atuante. Na ópera séria ("ópera séria", séculos 17-18), o coro esteve quase ausente, na ópera buffa ("ópera cômica", século 18) apareceu esporadicamente (por exemplo, nas finais). O papel do coro como portador da imagem do povo nas óperas de Gluck e Cherubini foi fortalecido, embora muitas vezes o coro o seja. as cenas neles têm um caráter oratório-estático. Maior significado dramático foi atribuído ao coro nas óperas da Europa Ocidental do primeiro terço do século XIX, de Rossini (Guilherme Tell), Verdi (Nabucco, Batalha de Legnano), com suas imagens do povo heróico; na ópera de Meyerbeer, a participação do coro enfatiza clímax dramáticos, ópera lírica século 19 o coro contribui para a criação de uma atmosfera adequada, cor nacional, humor (op. Bizet, Verdi, Gounod); na ópera folclórica doméstica, os coros são de natureza genérica, próximos da canção folclórica, da dança (op. Monyushko, Smetana). Rus. a arte coral secular foi representada pela primeira vez por coros de ópera (século XVIII, op. Fomin, Pashkevich e outros); e no futuro, os coros ocupam um grande lugar em russo. óperas, sendo “o dogma fundamental e a afirmação da nacionalidade e da democracia” (B. Asafiev). Ópera e criatividade coral Rus. compositores é excepcionalmente diverso.

Nas óperas histórico-patrióticas (Ivan Susanin de Glinka, Príncipe Igor de Borodin, A Donzela de Pskov de Rimsky-Korsakov, etc.), o coro se torna o protagonista, junto com os personagens. Especialmente ( grande importância adquiriu o coro nos dramas musicais folclóricos de Mussorgsky (“Boris Godunov”, “Khovanshchina”), onde a imagem do povo é apresentada de várias formas, em desenvolvimento. Nas óperas cotidianas russas de Verstovsky ("Túmulo de Askold"), Dargomyzhsky ("Sereia"), Serov ("Força Inimiga"), Tchaikovsky ("Cherevichki", "A Feiticeira"), etc., há uma conexão estreita com o folclore canção. A originalidade nacional se reflete nas cenas corais de óperas relacionadas a temas orientais (Ruslan e Lyudmila de Glinka, O Demônio de Rubinstein, Príncipe Igor de Borodin, etc.). Coral significa encontre aplicação na representação de enredos fabulosos e fantásticos (op. Glinka, Verstovsky, Rimsky-Korsakov). O coro também é utilizado no plano oratório, geralmente no prólogo, epílogo (óperas de Glinka, Serov, Rubinstein, Borodin, etc., na execução de hinos, etc. (“A Donzela de Orleans” de Tchaikovsky, “Khovanshchina ” de Mussorgsky, etc.). Tradições A participação ativa do coro na ópera clássica russa continua na criatividade musical soviética: as óperas dos compositores soviéticos russos "Guerra e Paz", "Semyon Kotko" de Prokofiev, "Os dezembristas" de Shaporin, "Katerina Izmailova" de Shostakovich, "Emelyan Pugachev" de Koval, "Quiet Don" ” e “Virgin Soil Upturned” de Dzerzhinsky, “Outubro” de Muradeli, “Virineya” de Slonimsky e outros, muitos óperas nacionais contêm coros separados e cenas corais desenvolvidas. Ópera coro tem especificidades próprias de execução: é, antes de mais nada, grande brilho, convexidade de nuances (semelhante ao desenho decorativo), ênfase no texto, sua capacidade de “voar pela orquestra” em auditório. Porque o coro de ópera está frequentemente em movimento, confiança especial, a independência de cada um de seus participantes é necessária. Para desenvolver essas qualidades, em alguns grupos, os cantores aprendem o tempo ao estudar suas partes. A presença de mise-en-scenes, em que o coro não vê o maestro, torna necessária a assim chamada. transmissões (ritmo do maestro) conduzidas nos bastidores pelos mestres de coro; ao mesmo tempo, para conseguir a sincronização da performance, alguma condução é feita nos "pontos" do maestro (mais ou menos, dependendo da profundidade do coro).

ORATÓRIO(de lat, uau - digo, rezo) - uma peça musical importante para o coro, solistas, orc .; comp. de conjuntos vocais, árias, recitativos, números orquestrais completos., o oratório se originou na Itália, na virada dos séculos 16 para 17, quase simultaneamente com a cantata e a ópera e é próximo em estrutura a eles. Difere da cantata em seu tamanho maior, enredo detalhado, caráter épico-dramático e da ópera na predominância do elemento narrativo sobre o desenvolvimento dramático. O oratório desenvolveu-se a partir de laudes dramatizadas (hinos laudatórios espirituais) executadas em salas especiais da igreja - oratórios. tipo especial oratório - Paixão; em termos de estrutura e tipo, o oratório também inclui a missa, o réquiem, o Stabat Mater e outros.O gênero oratório atinge seu ápice nas obras de Bach e especialmente Handel, que criou o tipo de oratório heróico-épico; Os oratórios de Haydn são marcados por características de gênero doméstico e lírico-filosófico. No século 19 prod. O gênero oratório foi criado por Mendelssohn, Schumann, Berlioz, Brahms, Dvorak, Liszt, Verdi e outros; no século XX. - Honegger, Britten e outros.O primeiro significa o oratório russo "Minin e Pozharsky" de Degtyarev; vários oratórios foram criados por A. Rubinstein (“pandemônio babilônico”, “Paraíso Perdido”, etc.). Nas óperas dos clássicos russos, as técnicas de estilo oratório são amplamente utilizadas na forma de grandes cenas corais (Ivan Susanin, Ruslan e Lyudmila de Glinka, Judith de Serov, Príncipe Igor de Borodin, Sadko de Rimsky-Korsakov, etc.). O gênero oratório é amplamente utilizado por compositores soviéticos ao incorporar temas históricos e contemporâneos (“Emelyan Pugachev” de Koval, “A Lenda da Batalha pela Terra Russa” de Shaporin, “Canção das Florestas” de Shostakovich, “On Guard pela paz” de Prokofiev, “Requiem” de Kabalevsky, “ Mahogany "Zarina e outros).

CANÇÃO- a forma mais simples e comum Música vocal, que combina a imagem poética com a musical. A característica da música é a presença de uma melodia completa, independente e melodiosa, simplicidade de estrutura (geralmente um período ou forma de 2, 3 partes). A música da canção corresponde ao conteúdo geral do texto, sem detalhá-lo (por exemplo, em um dístico muito comum). Existem canções folclóricas e profissionais (produzidas por compositores) que diferem em gênero, origem, estrutura, etc. O gênero da canção coral é comum: canção popular(camponês e urbano), canção de massa soviética, dep. coros de compositores russos e soviéticos. Na música da Europa Ocidental, o canto coral foi cultivado compositores românticos(Weber, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms). Em sentido figurado, o termo canção. ou uma canção (para enfatizar a sublimidade épica, solene e poética de uma obra) são usados ​​no título de grandes obras musicais, cantatas (por exemplo, Canção do Destino de Brahms, Canção do Triunfo).

CORAL- canto religioso em católico e Igreja protestante. O canto polifônico protestante (introduzido no século 16 pelos líderes da Reforma) era cantado por toda a comunidade em alemão (em oposição ao canto gregoriano em uníssono, que era cantado em latim por cantores masculinos especiais). As melodias do coral distinguem-se por um ritmo sedentário. Armazém coral (ou simplesmente coral) é geralmente chamado. apresentação de acordes por durações uniformes em movimento lento.

Itay Talgam

Renomado maestro e consultor israelense que ajuda líderes de negócios, educação, governo, medicina e outros campos a se tornarem "condutores" de suas equipes e alcançarem a harmonia por meio da colaboração.

Itay Talgam argumenta que as habilidades de liderança são universais e os estilos de comunicação de um maestro com uma orquestra são, em muitos aspectos, semelhantes ao relacionamento de um chefe com os funcionários de uma empresa. Mas não existe um princípio universal para organizar tais relacionamentos. O autor compartilha suas observações sobre os métodos de gestão de orquestra observados por grandes maestros e os divide em seis categorias condicionais.

1. Domínio e controle: Ricardo Mutti

O maestro italiano Ricardo Mutti é atento aos detalhes e muito meticuloso na gestão da orquestra tanto nos ensaios como nas atuações. Todas as nuances do jogo estão concentradas em seus gestos: ele notifica os músicos da mudança de tom muito antes de eles terem que reconstruir. Mutti controla cada passo de seus subordinados, ninguém e nada fica sem sua atenção.

O controle total se deve ao fato de o próprio maestro sentir a pressão da alta direção: a diretoria ou o espírito sempre presente do grande compositor. Tal líder está sempre sujeito à condenação do implacável superego.

O líder dominante está infeliz. Seus subordinados o respeitam, mas não gostam dele. Isso foi especialmente demonstrado claramente pelo exemplo de Mutti. Entre ele e a alta direção dos milaneses ópera"La Scala" houve um conflito. O maestro expôs suas exigências às autoridades, caso não fossem atendidas, ameaçou deixar o teatro. Ele esperava que a orquestra ficasse do seu lado, mas os músicos disseram ter perdido a confiança no líder. Mutti teve que se aposentar.

Você acha que a tribuna deste maestro é um trono? Para mim, esta é uma ilha deserta onde reina a solidão.

Ricardo Mutti

Apesar disso, Ricardo Mutti é considerado um dos os maiores maestros Século XX. Itay Talgam diz que nos seminários sobre gestão de pessoas, a maioria dos alunos disse que não gostaria de ter um líder assim. Mas à pergunta: “Sua liderança é eficaz? Ele pode forçar os subordinados a fazer seu trabalho?” Quase todos responderam afirmativamente.

O líder dominante não acredita na capacidade dos funcionários de se organizarem. Ele assume total responsabilidade pelo resultado, mas requer obediência inquestionável.

quando funciona

Essa tática se justifica na presença de problemas de disciplina na equipe. O autor dá um exemplo da biografia de Mutti e fala sobre sua experiência com a Orquestra Filarmônica de Israel. Esta é uma equipe maravilhosa, mas o estilo de seu trabalho foi formado na junção das culturas europeia, mediterrânea e do Oriente Médio. A diversidade de tradições levou a uma falta de disciplina formal dentro da orquestra.

Nesse momento, quando a baqueta de Mutti se congelou no ar em antecipação às primeiras notas, um dos músicos resolveu mover sua cadeira. Houve um rangido. O maestro parou e disse: “Senhores, não vejo as palavras “cadeira rangendo” na minha partitura”. A partir desse momento, apenas música soou no corredor.

Quando não funciona

Em todos os outros casos, e especialmente quando o trabalho dos funcionários está relacionado. O estilo de gestão de Mutti exclui a presença de erros e, de fato, eles geralmente levam a novas descobertas.

2 Padrinho: Arturo Toscanini

O maestro estrela Arturo Toscanini mostrou a máxima participação na vida da orquestra nos ensaios e no palco. Ele não era tímido nas expressões e repreendia os músicos por seus erros. Toscanini tornou-se famoso não apenas por seu talento como maestro, mas também por seu temperamento profissional.

Toscanini levava a sério cada falha de seus subordinados, porque o erro de um é o erro de todos, principalmente do maestro. Ele exigia dos outros, mas não mais do que de si mesmo: chegava aos ensaios com antecedência e não pedia privilégios. Cada músico entendeu que o maestro estava sinceramente preocupado com o resultado e não se ofendeu com insultos por execução imprecisa.

Toscanini exigia total dedicação dos músicos e esperava uma performance impecável. Ele acreditava em seu talento e foi coletado em shows. Era evidente o quanto ele estava orgulhoso de sua "família" após uma apresentação de sucesso.

Um importante motivador dos funcionários dessa equipe é a vontade de trabalhar bem “para o pai”. Esses líderes são amados e respeitados.

quando funciona

Nos casos em que a equipe está disposta a aceitar os três princípios básicos da cultura familiar: estabilidade, empatia e apoio mútuo. Também é importante que o gerente tenha autoridade, seja competente em sua área, tenha realizações profissionais. Tal líder deve ser tratado como um pai, então ele deve ser mais inteligente e experiente do que seus subordinados.

Este princípio de gestão é frequentemente utilizado quando a equipe está passando por tempos difíceis. Durante o período de fortalecimento dos sindicatos, grandes empresas lançam slogans da categoria "Somos uma família!" A administração procura melhorar as condições de trabalho, dá aos funcionários a oportunidade de receber Educação adicional, conduz eventos corporativos e fornece aos subordinados um pacote social. Tudo isso visa motivar os funcionários a trabalhar para o bem das autoridades que se preocupam com eles.

Quando não funciona

Em algumas organizações modernas, onde as relações entre as pessoas às vezes são mais importantes do que a hierarquia formal. Nesses grupos, o envolvimento emocional profundo não está implícito.

Tal princípio de gestão requer não apenas a autoridade e a competência do líder, mas também a capacidade dos subordinados de justificar as expectativas depositadas sobre eles. Itay Talgam fala sobre sua experiência de estudar com o maestro Mendy Rodan. Ele exigia muito do aluno e percebia cada falha como uma derrota pessoal. Essa pressão, aliada ao palavrão, oprimiu o autor. Ele percebeu que tal professor o ajudaria a obter um diploma, mas não criaria nele uma pessoa criativa.

3. De acordo com as instruções: Richard Strauss

O autor diz que muitos dos gerentes presentes em seus seminários se divertiam apenas com o comportamento de Strauss no palco. Os visitantes o escolheram como líder em potencial apenas com base no fato de que, com esse chefe, você não pode realmente se preocupar com o trabalho. As pálpebras do maestro estão abaixadas, ele próprio parece distante e só ocasionalmente lança olhares para uma ou outra seção da orquestra.

Este maestro não pretende inspirar, ele apenas restringe a orquestra. Mas se você olhar de perto, fica claro qual é a base desse princípio de gerenciamento - seguir as instruções. Strauss não está focado nos músicos, mas nas notas, mesmo que a orquestra toque sua obra. Com isso, ele mostra como é importante seguir rigorosamente as regras e realizar o trabalho com clareza, não permitindo interpretações próprias.

Deve-se entender que a falta de interpretação e descoberta na música não é nada ruim. Essa abordagem permite expor a estrutura da obra, reproduzi-la da maneira que o autor pretendia.

Tal líder confia em seus subordinados, exige que eles sigam as instruções e acredita que eles serão capazes de cumpri-las. Essa atitude lisonjeia e motiva os funcionários, eles ganham autoconfiança. A principal desvantagem da abordagem é que ninguém sabe o que acontecerá se surgir uma situação que não esteja especificada nas instruções.

quando funciona

Este princípio de controle funciona em diferentes casos. Às vezes é mais confortável para profissionais tranquilos, acostumados a trabalhar de acordo com a letra da lei. Às vezes, é simplesmente necessário fornecer instruções obrigatórias aos funcionários, por exemplo, ao interagir grupos diferentes subordinados.

O autor dá um exemplo de sua experiência com a orquestra e a banda de rock Natasha's Friends. O problema surgiu devido ao fato de os músicos do grupo chegarem ao final da segunda hora de um ensaio de três horas. Tinham a certeza de que nada os impediria de dedicar o resto do dia à música, sem pensar no facto de os ensaios da orquestra estarem sujeitos a prazos mais rigorosos.

Quando não funciona

O princípio de gestão baseado em seguir instruções não funciona onde a capacidade de criar e criar novas ideias deve ser incentivada. Assim como a obediência absoluta ao líder, seguir as instruções implica na ausência de erros que levem a novas descobertas. Também pode privar os funcionários do entusiasmo profissional.

O autor dá um exemplo da biografia do maestro Leonard Bernstein. israelense Orquestra Filarmônica sob sua direção ensaiou o final da sinfonia de Mahler. Quando o maestro deu o sinal para a entrada dos metais, houve silêncio em resposta. Bernstein ergueu os olhos: alguns dos músicos haviam saído. O fato é que o fim do ensaio estava marcado para as 13h. O relógio marcava 13h04.

4. Guru: Herbert von Karajan

O maestro Herbert von Karajan mal abre os olhos no palco e não olha para os músicos. Ele apenas espera que seus subordinados pareçam considerar magicamente seus desejos. Isso foi precedido por um trabalho preliminar: o maestro explicou cuidadosamente as nuances do jogo nos ensaios.

O guru não dava aos músicos um tempo nem marcava o ritmo, apenas ouvia com atenção e transmitia à orquestra a suavidade e a profundidade do som. Os músicos eram perfeitos um para o outro. Eles mesmos se tornaram regentes interdependentes e melhoraram suas habilidades de tocar juntos repetidamente.

Tal abordagem fala da arrogância do líder: ele age contornando os postulados aceitos e sempre tem certeza do sucesso. Ao mesmo tempo, os membros da equipe dependem muito mais uns dos outros do que das instruções da liderança. Eles são investidos com o poder de influenciar diretamente os resultados do trabalho. Eles têm uma responsabilidade adicional, portanto, estar em tal equipe para alguns pode ser um teste psicologicamente difícil. Esse estilo de gestão é semelhante ao domínio de Mutti, pois o líder também não está disponível para o diálogo e impõe sua visão da organização aos subordinados.

quando funciona

Quando o trabalho da equipe está conectado com a criatividade dos funcionários, por exemplo, no campo da arte. artista americano Saul Levitt contratou jovens artistas (vários milhares no total), explicou os conceitos e deu algumas orientações. Depois disso, os subordinados passaram a criar sem o controle de Levitt. Ele estava interessado no resultado, não na submissão no processo. Um líder sensato e sábio, ele entendeu que criatividade conjunta só enriquece o projeto. Foi isso que o tornou o artista mais exposto do mundo: em toda a sua vida realizou mais de 500 exposições individuais.

Quando não funciona

Em cada equipe, a adequação desse princípio de gestão depende de muitos fatores individuais. Essa abordagem geralmente leva ao fracasso, por isso, por exemplo, a Cadbury & Schweppes criou o Código de Governança Corporativa da Cadbury, que descreve procedimentos destinados a proteger a empresa do ego excessivo do líder e transmitir informações importantes a todos os participantes do processo.

O autor também conta conto preventivo da minha própria experiência. Ele queria começar seu trabalho com a Orquestra Sinfônica de Tel Aviv com uma inovação de alto nível. Itai Talgam dividiu a seção de cordas em quartetos e colocou os instrumentos de sopro entre eles. Ele sugeriu que assim cada um dos músicos se sentisse um solista. O experimento falhou: os participantes não conseguiram se comunicar, estando longe uns dos outros, então jogaram extremamente mal.

5 Dança Condutora: Carlos Kleiber

Carlos Klaiber dança no palco: esticando os braços, pulando, curvando-se e balançando de um lado para o outro. Outras vezes, ele conduz a orquestra apenas com a ponta dos dedos e, às vezes, apenas fica parado ouvindo os músicos. No palco, o maestro compartilha sua alegria e a multiplica. Ele tem uma visão clara da forma e conduz os músicos, mas não o faz como líder, mas como dançarino solo. Ele exige constantemente que os subordinados participem das interpretações e não sobrecarrega suas instruções com detalhes.

Esse líder não gerencia pessoas, mas processos. Dá aos subordinados espaço para inovação, estimula-os a criar por conta própria. Os funcionários compartilham o poder e a responsabilidade com o líder. Em uma equipe assim, é fácil corrigir um erro e até transformá-lo em algo novo. Os gerentes "dançantes" valorizam funcionários ambiciosos, preferindo-os àqueles que são capazes de realizar seu trabalho conscientemente de acordo com as instruções.

quando funciona

Um princípio semelhante se aplica quando um funcionário comum pode ter informações mais relevantes do que o chefe. Como exemplo, o autor cita sua experiência de trabalho com agências de combate ao terrorismo. Um agente em campo deve ser capaz de tomar decisões por conta própria, às vezes desrespeitando ordens diretas do comando, pois possui o conhecimento mais completo e atualizado da situação.

Quando não funciona

Quando os funcionários não estão interessados ​​no destino da empresa. O autor também afirma que tal abordagem não pode ser imposta artificialmente. Isso só funcionará se você for capaz de se alegrar genuinamente com o sucesso dos funcionários e com o resultado do trabalho.

6. Em busca de significado: Leonard Bernstein

O segredo da interação de Leonard Bernstein com a orquestra é revelado não no palco, mas fora dele. O maestro não quis separar as emoções, experiência de vida e aspirações da música. Para cada um dos músicos, Bernstein não era apenas um líder, mas também um amigo. Convidou não um profissional, mas uma pessoa para trabalhar: nas suas orquestras, em primeiro lugar, os indivíduos executam, ouvem e compõem música, e só depois os subordinados.

Bernstein colocou diante dos músicos pergunta principal: "Para que?" Era isso: ele não o obrigava a jogar, mas fazia a própria pessoa querer jogar. Todos tinham sua própria resposta para a pergunta de Bernstein, mas todos sentiam igualmente seu envolvimento na causa comum.

quando funciona

O diálogo da gestão com os funcionários e a atribuição de sentido às suas atividades beneficiará qualquer organização onde o trabalho dos membros da equipe não seja resumido a um conjunto de ações semelhantes. Uma condição importante para isso é que os funcionários respeitem o líder e o considerem competente.

Quando não funciona

Itay Talgam fala sobre uma situação em que tentou aplicar o método Bernstein, mas encontrou apenas mal-entendidos por parte de seus subordinados. A razão era que muitos dos músicos da Orquestra Sinfônica de Tel Aviv eram muito mais velhos e não o conheciam. O primeiro ensaio não correu bem. "Algo está errado", disse Talgam à orquestra. - Eu só não sei o quê. Andamento, entonação, algo mais? O que você acha? O que pode ser consertado? Um dos músicos mais velhos se levantou e disse: “De onde viemos, o maestro não perguntou o que fazer. Ele sabia o que fazer."

No livro “O Maestro Ignorante”, Itay Talgam não só fala sobre os princípios de gestão dos grandes regentes, como também revela três qualidades importantes líder eficaz: ignorância, dar sentido aos vazios e escuta motivacional. O autor fala não apenas sobre como deve ser um líder, mas também sobre o papel dos subordinados nas comunicações de trabalho. princípio universal a gestão não existe, cada gestor eficaz a desenvolve de forma independente. E você pode aprender algo e adotar algumas técnicas dos seis grandes maestros sobre os quais se escreve neste livro.

10 de dezembro de 2014

A cultura musical não pode existir sem maestros, assim como a indústria cinematográfica sem diretores, a indústria literária e editorial sem editores, projetos de moda sem designers. O líder da orquestra garante a interação orgânica de todos os instrumentos durante a performance. O maestro é a personagem principal no palco da Filarmónica, Teatro ou qualquer outra plataforma de música.

Virtuoso

A coerência de uma orquestra sinfônica, o som harmonioso de inúmeras instrumentos musicais alcançado através da habilidade do maestro. Não é à toa que os mais talentosos deles recebem vários títulos e títulos elevados, e entre as pessoas são chamados de "virtuosos". E, de fato, a posse impecável da batuta do maestro permite que você leve a todos os músicos sentados fosso da orquestra, todas as nuances de um impulso criativo. Uma enorme orquestra sinfônica de repente começa a soar como um todo, e composição musical ao mesmo tempo, revela-se em todo o seu esplendor.

Maestros famosos se unem com base na habilidade, todos passaram pela escola Alta arte, não veio imediatamente a eles popularidade e reconhecimento do público em geral. A popularidade é adquirida ao longo dos anos. Na sua maioria, maestros de renome, para além das atividades concertísticas, dedicam-se ao ensino, realizam cursos de formação para jovens músicos, bem como master classes.

auto-sacrifício

A arte de reger uma orquestra requer muitos anos de prática, aperfeiçoamento contínuo, o que resulta em ensaios intermináveis. Alguns regentes conhecidos se destacam por sua perseverança criativa especial, beirando o auto-sacrifício, quando a vida pessoal é relegada a segundo plano e só resta a música. No entanto, esta situação é boa para a arte.

Os maestros mais famosos estão vinculados por contratos com determinados grupos musicais e isso permite que eles alcancem alto nível execução de obras musicais. Ao mesmo tempo, é necessária a compreensão mútua, que posteriormente servirá como garantia do sucesso da actividade concertística.

Maestros de ópera notáveis

Existem nomes na hierarquia musical mundial que todos conhecem. Os nomes de maestros de ópera famosos podem ser encontrados em pôsteres, outdoors e navios de cruzeiro com o nome deles. Essa popularidade é merecida, pois poucas pessoas ainda conseguem dedicar a vida inteira, sem deixar vestígios, à música. Os maestros mais famosos viajam por todo o mundo, fazem digressões com vários grupos musicais ou regem orquestras em grandes centros de música. As apresentações de ópera exigem uma coerência especial da orquestra, acompanhada por partes vocais, árias e cavatina. Em todas as agências de música, você pode descobrir os nomes de maestros de ópera famosos que podem ser convidados para uma temporada ou uma série de apresentações. Empresários experientes conhecem o estilo de trabalho e os traços de caráter de cada um. Isso os ajuda a fazer a escolha certa.

Maestros famosos da Rússia

A música, especialmente a ópera, tem muitos componentes. Aqui está a orquestra, que inclui uma variedade de instrumentos: sopro, corda, arco, percussão. Solistas, intérpretes de partes vocais, coro e outros participantes da performance. Fragmentos díspares de uma performance de ópera são unidos em um todo pelo diretor da performance e pelo maestro da orquestra. Além disso, este último participa ativamente da ação do começo ao fim. Existem maestros na Rússia que, com sua música, dirigem a ópera pelo único caminho verdadeiro que leva o espectador à verdadeira arte.

Maestros famosos da Rússia (lista):

• Alexandrov Alexander Vasilievich.
• Bashmet Yuri Abramovich.
• Bezrodnaya Svetlana Borisovna.
• Bogoslovsky Nikita Vladimirovich.
• Bronevitsky Alexander Alexandrovich.
• Vasilenko Sergey Nikiforovich.
• Garanyan Georgy Abramovich.
• Gergiev Valery Abisalovich.
• Gorenstein Mark Borisovich.
• Diaghilev Sergei Alexandrovich.
• Evtushenko Alexei Mikhailovich
• Ermakova Ludmila Vladimirovna
• Kabalevsky Dmitry Borisovich.
• Kazhlaev Murad Magomedovich.
• Kogan Pavel Leonidovich.
• Lundstrem Oleg Leonidovich
• Mravinsky Evgeny Alexandrovich.
• Svetlanov Evgeny Fyodorovich.
• Spivakov Vladimir Teodorovich

Todo maestro russo conhecido pode liderar com sucesso qualquer orquestra sinfônica estrangeira, alguns ensaios são suficientes para isso. O profissionalismo dos músicos ajuda a superar tanto a barreira do idioma quanto a diferença de estilos.

Celebridades mundiais

Maestros famosos do mundo são músicos talentosos reconhecida pelo público em geral.

Pavel Kogan

O maestro russo mais famoso que dá ao mundo sua arte há mais de quarenta anos. Sua popularidade é sem precedentes. O nome do maestro está na lista dos dez maiores regentes contemporâneos. O músico nasceu na família dos famosos violinistas Leonid Kogan e Elizaveta Gilels. Desde 1989, ele é o diretor artístico permanente, bem como o maestro titular da MGASO (Moscow State Symphony Orchestra). Ao mesmo tempo, ele representa a Rússia nos principais centros musicais da América.

Pavel Kogan se apresenta em todo o mundo com as melhores orquestras sinfônicas, sua arte é considerada insuperável. O maestro é laureado com o Prêmio Estadual da Rússia, tem o título de "Artista do Povo da Rússia". Pavel Kogan também possui muitos prêmios, incluindo a Ordem do Mérito da Pátria e a Ordem das Artes.

Herbert von Karajan

O mundialmente famoso maestro de origem austríaca Herbert von Karajan (1908-1989) nasceu em uma família de imigrantes gregos. Aos oito anos ingressou no Conservatório Mozarteum de Salzburgo, onde estudou durante 10 anos e recebeu conhecimentos básicos de regência. Ao mesmo tempo, o jovem Karajan estava aprendendo a tocar piano.

A estreia ocorreu em 1929 no Salburg Festival Theatre. Herbert regeu a ópera Salomé de Richard Strauss. No período de 1929 a 1934 foi Chefe Kapellmeister no teatro da cidade alemã de Ulm. Então Karayan por muito tempo estava no banco do maestro da Orquestra Filarmônica de Viena. Em seguida, ele se apresentou com a ópera "Walpurgis Night" de Charles Gounod.

O melhor momento para o maestro veio em 1938, quando a ópera de Richard Wagner "Tristão e Isolda" interpretada por ele foi um grande sucesso, após o que Herbert foi chamado de "Miracle Karajan".

Leonard Bernstein

Maestro americano Leonard Bernstein (1918-1990), filho de imigrantes judeus. educação musical começou para Leonard quando criança, ele aprendeu a tocar piano. No entanto, o menino gradualmente se envolveu na regência e em 1939 estreou - o jovem Bernstein executou com uma pequena orquestra uma composição de sua própria composição sob intitulado O pássaros.

Graças a alto profissionalismo Leonard Bernstein rapidamente ganhou popularidade e ainda jovem liderou a Orquestra Filarmônica de Nova York. Ser abrangente pessoa criativa, o maestro estava envolvido na literatura. Ele escreveu cerca de uma dúzia de livros sobre música.

Valery Gergiev

O famoso maestro Valery Abisalovich Gergiev nasceu em 2 de maio de 1953 em Moscou. Aos dezenove anos ingressou no Conservatório de Leningrado. Participou como aluno em Competição internacional maestros em Berlim, onde ficou em segundo lugar.

Depois de se formar no conservatório em 1977, o jovem maestro foi aceito como assistente no Teatro Kirov. Yuri Temirkanov se tornou seu mentor e, já em 1978, Valery Gergiev subiu ao pódio e tocou a ópera Guerra e Paz de Prokofiev. Em 1988, ele substituiu Yuri Temirkanov depois que ele partiu para a Filarmônica de Leningrado.

O ano de 1992 foi marcado pelo retorno ao Teatro Kirov de seu nome histórico "Teatro Mariinsky". O público teatral de São Petersburgo, para chegar às apresentações da ópera, é registrado com antecedência, com meses de antecedência. Hoje Valery Gergiev é o maestro chefe do teatro e seu diretor artístico.

Evgeny Svetlanov

O famoso maestro, russo e mundial, Evgeny Fedorovich Svetlanov (1928-2002) deixou uma marca marcante em herança cultural Rússia. Ele tem os títulos de "Herói do Trabalho Socialista" e "Artista do Povo da URSS". Ele é laureado com os Prêmios Lênin e de Estado da URSS.

A carreira criativa de Svetlanov começou imediatamente após se formar no Instituto Gnessin em 1951. Ele continuou seus estudos no Conservatório de Moscou na aula de ópera e regência sinfônica e composição.

A estreia aconteceu em 1954 no palco Teatro Bolshoi em uma produção da ópera de Rimsky-Korsakov, The Maid of Pskov. De 1963 a 1965 foi o maestro principal do Teatro Bolshoi. Durante seu trabalho, o nível das apresentações de ópera aumentou visivelmente.

Em 1965-2000 trabalho combinado no escritório diretor artistico e maestro chefe da Orquestra Sinfônica Estatal da URSS (mais tarde Rússia).

Vladimir Spivakov

O maestro russo Spivakov Vladimir Teodorovich nasceu em 1944 na cidade de Ufa. Em 1968 graduou-se no Conservatório de Moscou, em 1970 completou seus estudos de pós-graduação.

Maestria Vladimir Spivakov estudou no Conservatório Gorky com o professor Israel Gusman. Posteriormente fez um curso especial nos EUA, com Leonard Bernstein e Lorin Maazel.

Atualmente, ele é o líder permanente e maestro da orquestra sinfônica de câmara Moscow Virtuosi, que ele organizou pessoalmente em 1979. Já se apresentou com orquestras europeias e grupos musicais norte-americanos. Dirigiu-se no Teatro La Scala, na Academia Cecilia, na Filarmónica da cidade alemã de Colónia e na Rádio francesa. Ele é o presidente da International House of Music em Moscou.

Yuri Bashmet

O maestro russo Bashmet Yuri Abramovich nasceu em 24 de janeiro de 1953 em Rostov-on-Don. Artista do Povo da URSS. quatro Prêmios Estaduais Federação Russa.

Em 1976 ele se formou no Conservatório de Moscou. Em 1972, ainda estudante, adquiriu um violino-viola mestre italiano Paolo Testere, feito em 1758. Nisto instrumento único Bashmet ainda joga hoje.

Ele começou a atividade ativa de concertos em 1976 e, dois anos depois, recebeu o cargo de professor no Conservatório de Moscou. Em 1996, Yuri Bashmet criou o "Departamento Experimental de Viola", onde o estudo das partes de viola na sinfonia, ópera e música de câmara. Então ele recebeu o título de professor no Conservatório de Moscou. Atualmente envolvido em atividades sociais e de caridade ativas.

Ciclo programas de concerto (Rússia, 2010). 10 questões.

Não há figuras mais autoritárias no mundo moderno cultura musical do que representantes da elite do maestro mundial. Os criadores do ciclo escolheram dez nomes significativos de importância - Simon Rattle, Lorin Maazel, Daniel Barenboim, Maris Jansons, bem como seus famosos colegas russos. Hoje eles são mestres e líderes universalmente reconhecidos das maiores orquestras.

Cada programa é baseado na performance de um dos maestros nomeados com sua orquestra.

Solistas: violinistas Vadim Repin e Sergei Krylov, oboísta Alexei Utkin, pianista Denis Matsuev e outros.

O programa é o mais diversificado - de I.S. Bach para A. Schoenberg e A. Pärt. Todas as obras estão entre as obras-primas da música mundial.

O anfitrião do ciclo é o pianista Denis Matsuev.

1º lançamento. .
Solista Vadim Repin.
Programa: I. Stravinsky. Sinfonia em três movimentos; M. Bruch. Concerto para violino nº 1 em sol menor; L. Beethoven. Sinfonia nº 7.

2ª edição. Vladimir Fedoseev e a Orquestra Sinfônica Bolshoi. PI Tchaikovski.
Programa: L. Beethoven. Sinfonia nº 4.
Gravado no Golden Hall do Musikverein em Viena.

3ª edição. "Maris Jansons e a Orquestra Sinfônica da Rádio da Baviera".
Programa: R. Wagner. Introdução e "Morte de Isolda" da ópera "Tristão e Isolda"; R. Strauss. Suite de valsas da ópera "Der Rosenkavalier".

4ª edição. "Daniel Barenboim e a West-Eastern Divan Orchestra".
Programa: V. A. Mozart. Concerto nº 7 em fá maior para três pianos e orquestra. Solistas - Daniel Barenboim, Yael Karet, Karim Said. A. Schoenberg. Variações para Orquestra. G. Verdi. Abertura da ópera "Força do Destino".

5ª edição. "Vladimir Spivakov e a Orquestra Filarmônica Nacional da Rússia.
Serguei Prokofiev. Concerto nº 3 para piano e orquestra. Sinfonia nº 1 "Clássica". Solista Denis Matsuev. Gravando em Grande salão Conservatório de Moscou em 2008.

6ª edição. "Lauryn Maazel e a Arturo Toscanini Symphony Orchestra"
Programa: Giacchino Rossini. Abertura da ópera "Italiano em Argel"; Johannes Brahms. Sinfonia nº 2.
Gravado no Grande Salão do Conservatório de Moscou.

7ª edição. Yuri Temirkanov e a Orquestra Sinfônica Acadêmica da Filarmônica de São Petersburgo. DD Shostakovich.

8ª edição. Yuri Bashmet e o Moscow Soloists Chamber Ensemble.
Em um programa: Joseph Haydn- Concerto para violoncelo e orquestra. Solista Steven Isserlis (Grã-Bretanha), Niccolo Paganini - 5 caprichos (arranjado por E. Denisov para violino e orquestra de câmara). Solista Sergey Krylov (Itália); V.A. Mozart - Divertimento No. 1.
Gravação no BZK.

9ª edição. Mikhail Pletnev e a Orquestra Nacional Russa
interpretada pelo russo orquestra nacional uma suíte do balé de P.I. Tchaikovski" Lago de cisnes", compilado por Mikhail Pletnev. Gravação no State Academic Bolshoi Theatre of Russia como parte do Great RNO Festival, 2009.

10ª edição. Valery Gergiev e Orquestra Sinfônica Teatro Mariinsky
Em execução Orquestra Sinfónica O Teatro Mariinsky dirigido por Valery Gergiev executa sucessos orquestrais - aberturas de óperas de Rossini, Verdi, Wagner, valsas dos balés de Tchaikovsky, fragmentos de Romeu e Julieta de Prokofiev.