เบโธเฟนและคีตกวีชาวเยอรมันคนอื่นๆ วัฒนธรรมดนตรีของเยอรมนีในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ความขัดแย้งในการพัฒนาดนตรีเยอรมัน

ซิมโฟนีของ Max Bruch ไม่ได้รับความนิยมเท่ากับไวโอลินคอนแชร์โตของเขาหรือเพลงแฟนตาซีของสก็อตแลนด์ และไม่ค่อยมีการแสดง อย่างไรก็ตาม ความปรองดองมีอิทธิพลสูงสุดในตัวพวกเขา ปลุกจิตวิญญาณของผู้ฟังให้ตื่นขึ้นในความปรารถนาแห่งปัญญาและพละกำลัง เสริมสร้างจิตวิญญาณและช่วยรับมือกับความยากลำบากทั้งหมด การบันทึกผลงานที่โดดเด่นของ Bruch นอกเหนือไปจากผลงานคอนเสิร์ตหลัก ได้แก่ ชุดซิมโฟนีสามชุดที่ไม่ค่อยได้แสดงของเขา โครงการดำเนินการโดยตัวนำเคิร์ตมาซูร์ หนึ่งในการบันทึกเหล่านี้จะดังขึ้น - Adagio ที่สวยงามมากจาก Third Symphony ใน E major

เกวานด์เฮาส์ซอร์เชสเตอร์ ไลป์ซิก

เคิร์ต มาซูร์ ผู้ควบคุมวง

ดนตรีเป็นศิลปะแห่งเสียงและแต่ละเสียงในนั้นมีการกำหนดของตัวเอง หมายเหตุ (lat. nōta - "เครื่องหมาย", "เครื่องหมาย") ในดนตรีคือการกำหนดกราฟิกของเสียงของงานดนตรี ซึ่งเป็นหนึ่งในสัญลักษณ์หลักของโน้ตดนตรีสมัยใหม่ ความหลากหลายใน...

ชื่อของ Max Bruch (1838-1920) ไม่ดังในโลกดนตรีเท่าชื่อของ Mendelssohn และ Brahms แต่ไวโอลินคอนแชร์โต้หมายเลข 1 ของเขาใน G minor, Op. 26 ครองตำแหน่งที่คู่ควรในสายเลือดของผู้ยิ่งใหญ่ ผลงานชิ้นเอกที่โรแมนติก. Max Bruch เกิดในปีเดียวกับที่ Mendelssohn ร่างไวโอลินคอนแชร์โตของเขาเป็นครั้งแรกใน E minor Bruch Concerto ฉายรอบปฐมทัศน์สิบปีหลังจากการเสียชีวิตของชูมันน์ หนึ่งทศวรรษต่อมาก็มี คอนเสิร์ตดังสำหรับไวโอลินและวงออร์เคสตราโดย Brahms อย่างไรก็ตามยังมีอีกหนึ่ง นักดนตรีที่ยอดเยี่ยมซึ่งศิลปะของเขาได้รวมเอาไวโอลินคอนแชร์โตที่มีชื่อเข้าไว้ด้วยกันให้เป็นประเพณีที่สืบทอดมาอย่างยาวนานนับศตวรรษ ชื่อของเขาคือโจเซฟ โยอาคิม บน หน้าชื่อเรื่องโน้ตเพลงของ Bruch Violin Concerto มอบให้กับ Josef Joachim เพื่อเป็นสัญลักษณ์แห่งมิตรภาพ

ภาพร่างสำหรับคอนแชร์โตใน G minor อาจย้อนไปถึงปี 1857 เมื่อ Bruch วัย 19 ปีจบการศึกษาจากเรือนกระจกในโคโลญจน์ ซึ่งมี Ferdinand Hiller และ Carl Reinecke เป็นครูของเขา เมื่ออายุ 20 ปี Bruch ได้สอนวิชาทฤษฎีดนตรีที่เรือนกระจกแล้ว รอบปฐมทัศน์ของโอเปร่า oratorios ซิมโฟนีของเขา คอนเสิร์ตบรรเลง, Chamber ensembles, Vocal Cycles... คณะนักร้องประสานเสียงของ Bruch ได้รับความนิยมเป็นพิเศษในเยอรมนี เขาดำเนินการแสดงโอเปร่าและ คอนเสิร์ตซิมโฟนีในเมืองต่างๆ ในเยอรมนีและต่างประเทศ ในบรรดานักเรียนของ Max Bruch เป็นตัวแทนของชาติ โรงเรียนนักแต่งเพลงปรมาจารย์ที่โดดเด่นแห่งศตวรรษที่ 20 เช่น Ottorino Respighi ชาวอิตาลี, Ralph Vaughan Williams ชาวอังกฤษ

แม็กซ์ บรูช

โยฮันน์ ฟิลิปป์ เคิร์นแบร์เกอร์ (ชาวเยอรมัน Johann Philipp Kirnberger; รับบัพติสมา 24 เมษายน 2264, Saalfeld - 27 กรกฎาคม 2326, เบอร์ลิน) - นักทฤษฎีดนตรีชาวเยอรมัน, นักแต่งเพลง, นักไวโอลิน, อาจารย์

จากข้อมูลของ F. W. Marpurg ในปี 1739-41 Kirnberger ศึกษาที่เมือง Leipzig กับ J. S. Bach ซึ่งเขาถือว่าเป็นนักแต่งเพลงชาวเยอรมันที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ในปี พ.ศ. 2284 - 50 เขาทำหน้าที่เป็นครูสอนดนตรีและหัวหน้าวงดนตรีในครอบครัวชนชั้นสูงของโปแลนด์ คอนแวนต์ในลวีฟ ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1754 เคิร์นเบอร์เกอร์ นักไวโอลินและหัวหน้าวงดนตรีที่โบสถ์ประจำศาลในกรุงเบอร์ลิน ได้สอนการประพันธ์เพลงให้กับแอนนา อมาเลียแห่งปรัสเซีย น้องสาวของกษัตริย์เฟรเดอริกมหาราชแห่งปรัสเซีย
เคิร์นเบอร์เกอร์ขอให้จัดพิมพ์การร้องประสานเสียงของบาค ซึ่งเขาได้เขียนจดหมายถึง Breitkopf ผู้จัดพิมพ์ไลป์ซิก:

สำหรับเพลงประสานเสียง Bach มากกว่า 400 เพลงที่ C.F.E. Bach รวบรวมไว้ และหลายเพลงถอดเสียงด้วยมือของเขาเอง สิ่งสำคัญอย่างยิ่งสำหรับฉันคือการอนุรักษ์เพลงประสานเสียงเหล่านี้ ซึ่งตอนนี้อยู่ในมือของฉันแล้ว สำหรับนักดนตรี นักแต่งเพลง และดนตรีในอนาคต นักเลง

Kirnberger ซื้อต้นฉบับของนักร้องประสานเสียงจาก C. F. E. Bach เพื่อส่งเสริมการตีพิมพ์ Kirnberger ได้มอบต้นฉบับเหล่านี้ให้กับสำนักพิมพ์ของ Breitkopf ฟรี (ซึ่งยังคงเป็นเจ้าของหลังจากการเสียชีวิตของ Kirnberger)

ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของการเล่นไวโอลินในเยอรมนีในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 คือผู้ที่มีชื่อเสียง ลุดวิก สปอร์.

Spohr เป็นลูกชายของแพทย์ที่อาศัยอยู่ในเมือง Braunschweig ตั้งแต่อายุยังน้อยในสภาพที่เอื้อต่อการพัฒนาของเขาอย่างมาก ความสามารถทางดนตรี. พ่อของ Spohr เล่นฟลุต (!) และแม่ของเขาเป็นนักร้องและนักเปียโนที่ดีทีเดียว เด็กชายฟังเพลงที่บ้านด้วยความเพลิดเพลินเป็นพิเศษ และดีใจมากเมื่อพวกเขาซื้อไวโอลินตัวเล็กให้เขา เขาสามารถเล่นเพลงและความรักที่ร้องโดยแม่ของเขาด้วยหู ดูโฟร์ผู้อพยพชาวฝรั่งเศสสังเกตเห็นพรสวรรค์ของเด็กชายคนนี้ ซึ่งอาศัยอยู่ในเมืองที่พ่อแม่ของสโปร์ย้ายจากบราวน์ชไวก์เช่นกัน Dufour ซึ่งเล่นไวโอลินและเชลโลได้ค่อนข้างดี ดูแลการศึกษาของ Spohr และเขาเริ่มเขียนเรียงความของเขาเอง

ตามมาด้วยการศึกษาหลายปี ทำงานเป็นศิลปินเดี่ยวในโบสถ์ของ Duke of Brunswick ทัวร์เมืองต่างๆ ในยุโรป ตัวอย่างเช่น ในเดนมาร์ก Spohr บังเอิญคุยกับผู้หญิงคนหนึ่งซึ่งชื่นชมความสามารถของเขามาก เธอขอให้ฉันบอกรายละเอียดบางอย่างจากเขา ชีวิตที่ผ่านมาและถามอย่างไม่เป็นทางการว่า Spohr จะไม่ทำได้ดีกว่านี้หรือไม่หากรับการค้าของพ่อของเขา Spur ตอบดังนี้:

คริสเตียน แคนนาบิช (เยอรมัน: Christian Cannabich; วันที่ 28 ธันวาคมพ.ศ. 2274 - 20 มกราคม พ.ศ. 2341 แฟรงก์เฟิร์ตอัมไมน์) - หัวหน้าวงชาวเยอรมัน นักไวโอลินและนักแต่งเพลง ตัวแทนของโรงเรียนมันไฮม์

นักเรียนของ J. Stamitz, N. Jommelli (องค์ประกอบ) เขาทำงานในวงออร์เคสตร้าของมันไฮม์และมิวนิค นักไวโอลินแห่ง Mannheim Court Chapel (ตั้งแต่ปี 1774 เป็นผู้อำนวยการ) จากปี 1778 เขาอาศัยอยู่ในมิวนิค หลังจากการเสียชีวิตของ J. Stamitz เขาได้รับการยอมรับให้เป็นหัวหน้าโรงเรียน Mannheim เพื่อน V.A. โมสาร์ท. Cannabih ใช้หลักการใหม่ของการประสานเสียงโดยอิงจากการกระจายเนื้อหาใจความอย่างสม่ำเสมอ กลุ่มออเคสตร้าหนึ่งในคนแรกที่จะแนะนำ วงดุริยางค์ซิมโฟนีคลาริเน็ต ประเภทของความคิดสร้างสรรค์ชั้นนำคือซิมโฟนี ผู้แต่งเพลงซิมโฟนีประมาณ 90 เพลง โอเปร่าและบัลเลต์ 40 เพลง คอนแชร์โตสำหรับไวโอลินและวงออร์เคสตรา วงดนตรีแชมเบอร์และเครื่องดนตรี โมสาร์ทในจดหมายของเขาพูดถึงพรสวรรค์ของ Cannabih อย่างไรก็ตาม Mozart อธิบายว่าเขาเป็นผู้อำนวยเพลงที่ดีที่สุดเท่าที่เขาเคยเห็นมา

คาร์ล ออร์ฟฟ์ (Carl Orff; Carl Heinrich Maria Orff, 10 กรกฎาคม พ.ศ. 2438, มิวนิก - 29 มีนาคม พ.ศ. 2525, มิวนิก) เป็นนักแต่งเพลงและครูชาวเยอรมัน เป็นที่รู้จักกันเป็นอย่างดีจาก Cantata Carmina Burana (1937) ในฐานะนักแต่งเพลงคนสำคัญของศตวรรษที่ 20 เขายังมีส่วนสนับสนุนอย่างมากในการพัฒนา การศึกษาดนตรี.

พ่อของ Karl Orff ซึ่งเป็นเจ้าหน้าที่ เล่นเปียโน และอื่นๆ อีกหลายอย่าง เครื่องสาย. แม่ของเขายังเป็นนักเปียโนที่ดีอีกด้วย เธอเป็นคนที่ค้นพบพรสวรรค์ด้านดนตรีของลูกชายและเข้ารับการฝึกฝน

อ๊อฟหัดเล่นเปียโนตั้งแต่อายุ 5 ขวบ ตอนอายุเก้าขวบเขาได้เขียนเพลงยาวและสั้นสำหรับโรงละครหุ่นของเขาเอง

ในปี พ.ศ. 2455-2457 Orff ศึกษาที่สถาบันดนตรีมิวนิก ในปี 1914 เขาศึกษาต่อกับ Herman Zilcher ในปี พ.ศ. 2459 เขาทำงานเป็นหัวหน้าวงดนตรีที่มิวนิคแชมเบอร์เธียเตอร์ ในปี 1917 ในช่วงสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง Orff ไปรับราชการทหารโดยสมัครใจในกรมทหารปืนใหญ่สนามบาวาเรียที่หนึ่ง ในปี 1918 เขาได้รับเชิญให้ดำรงตำแหน่งหัวหน้าวงใน โรงละครแห่งชาติมันไฮม์ภายใต้การดูแลของ Wilhelm Furtwängler จากนั้นเขาก็เริ่มทำงานที่ Palace Theatre ของ Grand Duchy of Darmstadt

ในปี 1923 เขาได้พบกับ Dorothea Günther และในปี 1924 ร่วมกับเธอ ได้สร้างโรงเรียน Günther-Schule of gymnastics, music and dance (เยอรมัน: Günther-Schule) ขึ้นในมิวนิค ตั้งแต่ปี 1925 จนถึงวาระสุดท้ายของชีวิต Orff เป็นหัวหน้าแผนกที่โรงเรียนแห่งนี้ซึ่งเขาทำงานร่วมกับนักดนตรีรุ่นเยาว์ เขาได้พัฒนาทฤษฎีการศึกษาดนตรีของเขาด้วยการติดต่อกับเด็ก ๆ อย่างต่อเนื่อง

คาร์ล (ไฮน์ริช คาร์สเตน) ไรเน็คเก้(ภาษาเยอรมัน คาร์ล (ไฮน์ริช คาร์สเตน) ไรเน็ค ; 23 มิถุนายนพ.ศ. 2367 อัลโทนา ปัจจุบันเป็นส่วนหนึ่งของฮัมบูร์ก - 10 มีนาคม พ.ศ. 2453 ไลป์ซิก) - นักแต่งเพลง วาทยกร และนักเปียโนชาวเยอรมัน

ตั้งแต่อายุหกขวบเขาเรียนดนตรีกับ Johann Rudolf Reinecke พ่อของเขา ในพ.ศ. 2378 เปิดตัวครั้งแรกในเมืองบ้านเกิดของเขาในฐานะนักเปียโน จากนั้นออกทัวร์ยุโรป ซึ่งเขาได้รับชื่อเสียงในฐานะ "ผู้แสดงผลงานที่สง่างามโมสาร์ท ". ไอดอลทางดนตรีของชายหนุ่มคือคลาร่า วิค และ ฟรานซ์ ลิสต์; เนื่องจากนิสัยขี้อายของ Reinecke เขาไม่เหมาะกับบทบาทของนักเปียโนฝีมือเยี่ยม

กับ พ.ศ. 2386 ถึง พ.ศ. 2389 ด้วยทุนการศึกษาจาก King Christian VIII แห่งเดนมาร์ก เขาเรียนเปียโนและการประพันธ์เพลงที่ Leipzig Conservatory Felix Mendelssohn ซึ่งขณะนั้นเป็นหัวหน้าวงดนตรีของ Gewandhaus ได้จัดการแสดงสาธารณะให้กับเขา ในช่วงเวลาเดียวกัน Reinecke ได้พบกับ Robert Schumann Reinecke ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากผลงานของ Mendelssohn และ Schumann ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อการแต่งเพลงของเขาเอง

ชีวิตของเราจะเป็นอย่างไรถ้าไม่มีดนตรี? เป็นเวลาหลายปีที่ผู้คนถามตัวเองด้วยคำถามนี้และได้ข้อสรุปว่าหากไม่มีเสียงดนตรีที่ไพเราะ โลกก็จะเป็นสถานที่ที่แตกต่างออกไปมาก ดนตรีช่วยให้เราสัมผัสกับความสุขได้อย่างเต็มที่ ค้นหาตัวตนภายในของเรา และรับมือกับความยากลำบาก นักแต่งเพลงที่ทำงานในผลงานของพวกเขาได้รับแรงบันดาลใจจากสิ่งต่างๆ มากมาย: ความรัก ธรรมชาติ สงคราม ความสุข ความเศร้า และอื่นๆ อีกมากมาย บางส่วนที่พวกเขาสร้างขึ้น การประพันธ์ดนตรีจะอยู่ในใจและความทรงจำของผู้คนตลอดไป นี่คือรายชื่อนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดและมีความสามารถมากที่สุดสิบคนตลอดกาล ภายใต้นักแต่งเพลงแต่ละคนคุณจะพบลิงค์ไปยังผลงานที่โด่งดังที่สุดชิ้นหนึ่งของเขา

10 ภาพถ่าย (วิดีโอ)

ฟรานซ์ ปีเตอร์ ชูเบิร์ต - นักแต่งเพลงชาวออสเตรียซึ่งมีอายุเพียง 32 ปี แต่ดนตรีของเขาจะอยู่ไปอีกนานแสนนาน ชูเบิร์ตแต่งเพลงซิมโฟนีเก้าเพลง ทำนองเพลงประมาณ 600 เพลง รวมถึงเพลงแชมเบอร์และเปียโนเดี่ยวอีกจำนวนมาก

"เซเรเนดยามเย็น"

นักแต่งเพลงและนักเปียโนชาวเยอรมัน ผู้ประพันธ์เซเรเนดสองชุด ซิมโฟนีสี่ตัว และคอนแชร์โตสำหรับไวโอลิน เปียโน และเชลโล เขาแสดงคอนเสิร์ตตั้งแต่อายุสิบขวบโดยแสดงครั้งแรกด้วย คอนเสิร์ตเดี่ยวตอนอายุ 14 ปี ในช่วงชีวิตของเขา เขาได้รับความนิยมอย่างมากจากเพลงวอลทซ์และการเต้นรำฮังการีที่เขาแต่งขึ้น

"ฮังการีแดนซ์ครั้งที่ 5".

Georg Friedrich Handel - ชาวเยอรมันและ นักแต่งเพลงชาวอังกฤษยุคบาโรก เขาเขียนโอเปร่าประมาณ 40 เรื่อง ออร์แกนคอนแชร์โตมากมาย รวมทั้ง ดนตรีแชมเบอร์. เพลงของฮันเดลถูกเล่นในพิธีราชาภิเษกของกษัตริย์อังกฤษตั้งแต่ปี 973 นอกจากนี้ยังได้ยินในพิธีเสกสมรสของราชวงศ์ และยังใช้เป็นเพลงสรรเสริญพระบารมีของยูฟ่าแชมเปียนส์ลีกด้วย (มีการเรียบเรียงเล็กน้อย)

"ดนตรีบนผืนน้ำ"

โจเซฟ ไฮเดินน์- นักแต่งเพลงชาวออสเตรียที่มีชื่อเสียงและมีผลงานในยุคคลาสสิก เขาถูกเรียกว่าบิดาแห่งซิมโฟนี เนื่องจากเขามีส่วนสำคัญในการพัฒนาสิ่งนี้ แนวดนตรี. Joseph Haydn เป็นผู้แต่งเพลงซิมโฟนี 104 เพลง เปียโนโซนาตา 50 เพลง โอเปร่า 24 เพลง และคอนแชร์โต 36 เพลง

"ซิมโฟนีหมายเลข 45".

Pyotr Ilyich Tchaikovsky เป็นนักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียงที่สุด ผู้แต่งผลงานมากกว่า 80 ชิ้น รวมถึงโอเปร่า 10 เรื่อง บัลเลต์ 3 เรื่อง และซิมโฟนี 7 เรื่อง เขาได้รับความนิยมอย่างมากและเป็นที่รู้จักในฐานะนักแต่งเพลงในช่วงชีวิตของเขา โดยแสดงเป็นวาทยกรในรัสเซียและต่างประเทศ

"เพลงวอลทซ์แห่งดอกไม้" จากบัลเลต์เรื่อง The Nutcracker

Frederic Francois Chopin เป็นนักแต่งเพลงชาวโปแลนด์ซึ่งถือเป็นหนึ่งใน นักเปียโนที่ดีที่สุดของทุกครั้ง. เขาเขียนเยอะมาก ผลงานดนตรีสำหรับเปียโน ประกอบด้วยโซนาตา 3 ตัว และวอลต์ซ 17 ตัว

"เรนวอลทซ์".

นักแต่งเพลงชาวเวนิสและนักไวโอลินฝีมือเยี่ยม อันโตนิโอ ลูซิโอ วิวัลดี เป็นผู้ประพันธ์คอนแชร์โตมากกว่า 500 เรื่องและโอเปร่า 90 เรื่อง เขามีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาศิลปะไวโอลินของอิตาลีและทั่วโลก

"เพลงเอลฟ์"

Wolfgang Amadeus Mozart เป็นนักแต่งเพลงชาวออสเตรียที่ทำให้โลกต้องทึ่งกับพรสวรรค์ของเขา เด็กปฐมวัย. ตอนอายุห้าขวบ โมสาร์ทกำลังแต่งเพลงชิ้นเล็กๆ โดยรวมแล้วเขาเขียนผลงาน 626 ชิ้น รวมถึงซิมโฟนี 50 ชิ้น และคอนแชร์โต 55 ชิ้น 9.เบโธเฟน 10.บาค

Johann Sebastian Bach - นักแต่งเพลงและนักเล่นออร์แกนชาวเยอรมันในยุคบาโรกซึ่งเป็นที่รู้จักในฐานะปรมาจารย์ด้านโพลีโฟนี เขาเป็นนักเขียนมากกว่า 1,000 ผลงานซึ่งรวมถึงประเภทที่สำคัญเกือบทั้งหมดในเวลานั้น

"ตลกเพลง"

ฮันส์ ลีโอ ฮัสเลอร์(รับบัพติศมา 10/26/1564 - 06/08/1612) - นักแต่งเพลงและนักออร์แกนชาวเยอรมันในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลายและยุคบาโรกตอนต้น นักแต่งเพลงที่สำคัญที่สุดคนหนึ่งซึ่งพัฒนาสไตล์อิตาลีในเยอรมนีในช่วงต้นศตวรรษที่สิบเจ็ด

โยฮันน์ ไฮน์ริช ไชเดมันน์(ประมาณ พ.ศ. 2138 - 26 กันยายน พ.ศ. 2206) - นักเล่นออร์แกนและนักแต่งเพลงชาวเยอรมันในยุคบาโรก หนึ่งในผู้นำของโรงเรียนออร์แกนเยอรมันเหนือ บรรพบุรุษคนสำคัญของ Dietrich Buxtehude และ J.S. Bach

ไฮน์ริช ชูตซ์(10/08/1585 - 11/06/1672) - นักแต่งเพลงและนักออร์แกนชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ในยุคบาโรก ถือว่าอยู่ในระดับเดียวกับ เคลาดิโอ มอนเตเวอร์ดี และ โยฮันน์ เซบาสเตียน บาค เขาผสมผสานเทคนิคแอนติโฟนัลและโมโนดิกแบบเวนิสเข้ากับดนตรีโปรเตสแตนต์ และยังสร้างอุปรากรเยอรมันเรื่องแรกอีกด้วย

เฮียโรนิมัส แพรโทเรียส(08/10/1560 - 01/27/1629) - นักแต่งเพลงและนักออร์แกนชาวเยอรมันเหนือ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลายและพิสดารยุคแรก ชื่อของนักแต่งเพลงชื่อดัง Michael Pretorius แม้ว่าจะมีหลายคนในตระกูล Jerome Pretorius นักดนตรีที่โดดเด่นคริสต์ศตวรรษที่ 16-17

โยฮัน อดัม ไรน์เคน(รับบัพติศมา 10 ธันวาคม 2186 - 24 พฤศจิกายน 2265) - นักแต่งเพลงและนักออร์แกนชาวดัตช์ - เยอรมันในยุคบาโรก หนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นของโรงเรียน North German ซึ่งเป็นเพื่อนของ Dietrich Buxtehude มีอิทธิพลอย่างมากต่อ Johann Sebastian Bach รุ่นเยาว์

Johann Hermann Schein (Schein) (โยฮันน์ แฮร์มันน์ ไชน์)(01/20/1586 - 11/19/1630) - นักแต่งเพลงและกวีชาวเยอรมันในยุคบาโรกตอนต้น เขาเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่พัฒนาแนวเพลงอิตาเลียนแนวสร้างสรรค์ในดนตรีเยอรมัน เขาได้รับการพิจารณาว่าเป็นนักแต่งเพลงที่ประณีตและสง่างามในยุคสมัยของเขา

โยฮันเนส นูเซียส (Nux, Nucis))(c. 1556 - 03/25/1620) - นักแต่งเพลงและนักทฤษฎีดนตรีชาวเยอรมันในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลายและยุคบาโรกตอนต้น อยู่ห่างไกลจาก ศูนย์ใหญ่กิจกรรมทางดนตรีเขาเป็นนักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยมในสไตล์ของออร์แลนโดดิลาสโซนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส - เฟลมิช รวบรวมผู้มีอิทธิพลมาก บทความเกี่ยวกับการใช้เทคนิคการประพันธ์เชิงโวหาร

โยฮันน์ อูลริช สไตเกลเดอร์(22 มีนาคม 2136 - 10 ตุลาคม 2178) - นักแต่งเพลงและนักออร์แกนชาวเยอรมันใต้ในยุคบาโรก สมาชิกที่รู้จักกันดีที่สุดของตระกูลดนตรี Steigleder จากชตุทท์การ์ท ซึ่งรวมถึงพ่อของเขา Adam (1561-1633) และคุณปู่ Utz (d. 1581) ซึ่งเป็นนักดนตรีและนักการทูตในราชสำนัก

โยฮันน์ ยาคอบ โฟรเบอร์เกอร์(รับบัพติศมา 19 พฤษภาคม 2159 - 7 พฤษภาคม 2210) - นักแต่งเพลงบาโรกชาวเยอรมันนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดและนักออร์แกนอัจฉริยะ หนึ่งในนักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคนั้น เขามีส่วนร่วมอย่างมากในการพัฒนาเพลงคลอเวียร์และสร้างตัวอย่างแรกของรายการเพลง ต้องขอบคุณการเดินทางมากมาย เขามีส่วนช่วยอย่างมากในการแลกเปลี่ยน ประเพณีดนตรีเยอรมนี อิตาลี และฝรั่งเศส งานของเขาได้รับการศึกษาโดยนักดนตรีในศตวรรษที่ 18 รวมถึงนักแต่งเพลงเช่น Handel และ Bach และแม้แต่ Mozart และ Beethoven

Richard Wagner มีผลกระทบอย่างมีนัยสำคัญต่อการพัฒนาไม่เพียง แต่ดนตรีของประเพณียุโรปเท่านั้น แต่ยังรวมถึงโลกด้วย วัฒนธรรมทางศิลปะโดยทั่วไป. วากเนอร์ไม่ได้รับการศึกษาด้านดนตรีอย่างเป็นระบบ และในการพัฒนาเป็นปรมาจารย์ด้านดนตรีนั้น เขาต้องเป็นตัวของตัวเองอย่างเด็ดขาด ค่อนข้างเร็ว ความสนใจของนักแต่งเพลงที่เน้นไปที่แนวเพลงโอเปร่าอย่างชัดเจน

ในระดับที่มากกว่าทั้งหมด นักแต่งเพลงชาวยุโรปศตวรรษที่ 19 วากเนอร์ถือว่างานศิลปะของเขาเป็นการสังเคราะห์และเป็นวิธีการแสดงแนวคิดทางปรัชญาบางอย่าง สาระสำคัญของมันถูกใส่ไว้ในรูปแบบของคำพังเพยในข้อความต่อไปนี้จากบทความของ Wagner " ชิ้นงานศิลปะของอนาคต”: “เช่นเดียวกับที่คน ๆ หนึ่งจะไม่เป็นอิสระจนกว่าเขาจะยอมรับพันธะที่เชื่อมโยงเขากับธรรมชาติอย่างมีความสุข ดังนั้นศิลปะจะไม่เป็นอิสระจนกว่าเขาจะไม่มีเหตุผลที่จะต้องละอายใจเกี่ยวกับความสัมพันธ์ของเขากับชีวิต” จากแนวคิดนี้ทำให้เกิดแนวคิดพื้นฐานสองประการ: ศิลปะต้องสร้างโดยชุมชนของผู้คนและเป็นของชุมชนนี้ รูปแบบศิลปะสูงสุดคือละครเพลงซึ่งเข้าใจกันว่าเป็นเอกภาพของคำและเสียง ไบรอยท์กลายเป็นศูนย์รวมของความคิดแรกโดยที่ โรงละครโอเปร่าเป็นครั้งแรกที่เริ่มถูกตีความว่าเป็นวิหารแห่งศิลปะไม่ใช่สถานบันเทิง ศูนย์รวมของแนวคิดที่สองคือรูปแบบโอเปร่าใหม่ "ละครเพลง" ที่สร้างโดยวากเนอร์ การสร้างของเธอกลายเป็นเป้าหมาย ชีวิตที่สร้างสรรค์วากเนอร์ องค์ประกอบบางอย่างรวมอยู่ใน โอเปร่ายุคแรกนักแต่งเพลงในยุค 1840 - "The Flying Dutchman", "Tannhäuser" และ "Lohengrin"

ทฤษฎีละครเพลงได้รวบรวมไว้ในบทความของวากเนอร์ในสวิส ("Opera and Drama", "Art and Revolution", "Music and Drama", "Artwork of the Future") และในทางปฏิบัติ - ในโอเปร่ายุคหลังของเขา: " Tristan และ Isolde ", tetralogy "Ring of the Nibelung" และความลึกลับ "Parsifal" ตามที่ Wagner ละครเพลงเป็นงานที่ตระหนักถึงความคิดโรแมนติกของการสังเคราะห์ศิลปะ (ดนตรีและละคร) ซึ่งเป็นการแสดงออกถึงการเขียนโปรแกรมในโอเปร่า ในการดำเนินการตามแผนนี้ วากเนอร์ได้ละทิ้งประเพณีการแสดงโอเปร่าที่มีอยู่ในขณะนั้น ซึ่งส่วนใหญ่เป็นภาษาอิตาลีและภาษาฝรั่งเศส เขาวิจารณ์เรื่องแรกว่าเกินจริง ส่วนเรื่องที่สองเป็นเรื่องเอิกเกริก ด้วยการวิพากษ์วิจารณ์อย่างดุเดือด เขาโจมตีผลงานของตัวแทนชั้นนำของโอเปร่าคลาสสิก (Rossini, Meyerbeer, Verdi, Aubert) โดยเรียกดนตรีของพวกเขาว่า พยายามที่จะทำให้โอเปร่าเข้าใกล้ชีวิตมากขึ้น เขาเกิดความคิดที่จะผ่านการพัฒนาที่น่าทึ่ง - ตั้งแต่ต้นจนจบ ไม่ใช่แค่องก์เดียว แต่รวมถึงงานทั้งหมดและแม้กระทั่งวงจรของงาน (โอเปร่าทั้งสี่ของ วงจร Der Ring des Nibelungen)

ใน โอเปร่าคลาสสิกแวร์ดีและรอสซินีแยกหมายเลข (เพลงร้อง เพลงคู่ วงดนตรีประสานเสียง) แบ่งการเคลื่อนไหวทางดนตรีออกเป็นส่วนๆ วากเนอร์เลิกใช้เพลงเหล่านี้โดยสิ้นเชิงเพราะหันไปใช้ฉากเสียงร้องและซิมโฟนิกขนาดใหญ่ตั้งแต่ต้นทางจนถึงปลายทางที่ไหลเข้าหากัน และแทนที่เพลงอาเรียและเพลงคู่ด้วยบทพูดคนเดียวและบทพูดที่น่าทึ่ง วากเนอร์แทนที่การทาบทามด้วยโหมโรง - บทนำทางดนตรีสั้น ๆ ของแต่ละการแสดงในระดับความหมายซึ่งเชื่อมโยงกับการกระทำอย่างแยกไม่ออก ยิ่งไปกว่านั้น เริ่มต้นด้วยโอเปร่า Lohengrin โหมโรงเหล่านี้ไม่ได้แสดงก่อนเปิดม่าน แต่เปิดเวทีแล้ว การกระทำภายนอกในโอเปร่าของ Wagner ตอนปลาย (โดยเฉพาะอย่างยิ่งใน Tristan และ Isolde) ลดลงจนเหลือน้อยที่สุด มันถูกถ่ายโอนไปยังด้านจิตใจไปยังขอบเขตของความรู้สึกของตัวละคร วากเนอร์เชื่อว่าคำนี้ไม่สามารถแสดงความลึกและความหมายของประสบการณ์ภายในได้อย่างเต็มที่ ดังนั้น วงออร์เคสตราจึงมีบทบาทนำในละครเพลง ไม่ใช่ส่วนเสียงร้อง ส่วนหลังนั้นด้อยกว่าการออเคสตร้าโดยสิ้นเชิงและวากเนอร์ถือว่าเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีของวงดุริยางค์ซิมโฟนี ในขณะเดียวกัน ท่อนร้องในละครเพลงก็เทียบเท่ากับบทพูดในละคร เกือบจะไม่มีเพลง arioznost อยู่ในนั้น ในการเชื่อมโยงกับลักษณะเฉพาะของเสียงร้องในดนตรีโอเปร่าของ Wagner (ความยาวพิเศษ ข้อกำหนดที่จำเป็นสำหรับทักษะการแสดงละคร การแสวงหาประโยชน์อย่างไร้ความปรานีของการลงทะเบียน tessitura ของเสียง) แบบแผนใหม่ได้รับการจัดตั้งขึ้นในการฝึกการแสดงเดี่ยว เสียงร้อง- วากเนอเรียนเทเนอร์, วากเนอเรียนโซปราโน

วากเนอร์ให้ความสำคัญกับการประสานเสียงเป็นพิเศษ และโดยกว้างกว่านั้น ให้ความสำคัญกับซิมโฟนี วงออเคสตราของ Wagner เปรียบได้กับวงประสานเสียงโบราณที่แสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับสิ่งที่เกิดขึ้นและสื่อความหมายที่ "ซ่อนอยู่" ในการปฏิรูปวงออเคสตรา นักแต่งเพลงได้สร้างทูบาควอเต็ต นำเสนอทูบาเบส ทรอมโบนคอนทร้าเบส ขยายวง กลุ่มสตริงใช้หกพิณ ในประวัติศาสตร์ทั้งหมดของโอเปร่าก่อน Wagner ไม่มีนักแต่งเพลงคนใดใช้วงออเคสตราขนาดนี้ (เช่น Der Ring des Nibelungen บรรเลงโดยวงออเคสตราสี่แตรที่มีแตรแปดแตร) นวัตกรรมของ Wagner ในด้านความกลมกลืนก็เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไปเช่นกัน โทนเสียงที่เขาสืบทอดมาจากเพลงคลาสสิกของเวียนนาและเพลงรักโรแมนติกในยุคแรกๆ (ตรงไปตรงมาสำหรับคลาสสิก) ความพิเศษของการเชื่อมต่อระหว่างจุดศูนย์กลาง (โทนิค) และส่วนรอบนอกลดลง โดยจงใจหลีกเลี่ยงการแก้ไขโดยตรงจากความไม่ลงรอยกันไปสู่ความสอดคล้องกัน เขาให้ความตึงเครียด พลวัต และความต่อเนื่องในการพัฒนาการมอดูเลต บัตรโทรศัพท์ความกลมกลืนของวากเนเรียนถือเป็น "คอร์ดทริสตัน" (ตั้งแต่บทโหมโรงไปจนถึงโอเปร่าเรื่อง "ทริสตันและไอโซลเด") และบทเพลงแห่งโชคชะตาจาก "Ring of the Nibelungs" วากเนอร์แนะนำระบบเสียงดนตรีที่พัฒนาขึ้น บทเพลงแต่ละเพลง (ลักษณะดนตรีสั้น ๆ ) เป็นการกำหนดของบางสิ่ง: ตัวละครเฉพาะหรือสิ่งมีชีวิต (เช่น บทเพลงของแม่น้ำไรน์ในแม่น้ำไรน์โกลด์) วัตถุที่มักทำหน้าที่เป็นตัวละครตัวละคร (แหวน ดาบ และทองคำใน แหวน ยาแห่งความรักใน Tristan และ Isolde) ฉากของการกระทำ (บทเพลงของจอกใน Lohengrin และ Valhalla ใน Rhine Gold) และแม้แต่แนวคิดที่เป็นนามธรรม (บทเพลงแห่งโชคชะตาและชะตากรรมมากมายใน Ring of the Nibelung cycle ความอิดโรย ดูน่ารักใน Tristan และ Isolde)

ระบบแว็กเนอเรียนของลิตโมทีฟได้รับการพัฒนาอย่างเต็มที่ที่สุดใน The Ring - สะสมจากโอเปร่าหนึ่งไปยังอีกโอเปร่า สอดประสานกัน ทุกครั้งที่ได้รับทางเลือกในการพัฒนาใหม่ ลิตโมทีฟทั้งหมดของวัฏจักรนี้เป็นผลให้รวมและมีปฏิสัมพันธ์ในเนื้อสัมผัสทางดนตรีที่ซับซ้อนของ โอเปร่าสุดท้าย The Death of the Gods การทำความเข้าใจดนตรีในฐานะตัวตนของการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่อง การพัฒนาความรู้สึกทำให้วากเนอร์เกิดแนวคิดในการรวมบทเพลงเหล่านี้เข้าเป็นกระแสเดียวของการพัฒนาซิมโฟนีเป็น "ท่วงทำนองที่ไม่มีที่สิ้นสุด" (unendliche Melodie) การไม่มียาชูกำลังสนับสนุน (ตลอดทั้งโอเปร่า Tristan und Isolde) ความไม่สมบูรณ์ของแต่ละประเด็น (ตลอดวงจร Der Ring des Nibelungen ยกเว้นการเดินขบวนงานศพในโอเปร่าเรื่อง The Death of the Gods) มีส่วนทำให้ อารมณ์ที่สั่งสมอย่างต่อเนื่องซึ่งไม่ได้รับความละเอียด ซึ่งทำให้ผู้ฟังอยู่ในความตึงเครียดอย่างต่อเนื่อง (เช่นในบทนำของโอเปร่า Tristan และ Isolde และ Lohengrin) A. F. Losev นิยามพื้นฐานทางปรัชญาและสุนทรียภาพของงานของ Wagner ว่าเป็น "สัญลักษณ์ลึกลับ"

กุญแจสำคัญในการทำความเข้าใจแนวคิดทางภววิทยาของ Wagner คือ tetralogy "Ring of the Nibelungen" และโอเปร่า "Tristan and Isolde" ประการแรก ความฝันของ Wagner เกี่ยวกับความเป็นสากลทางดนตรีได้รวมอยู่ใน The Ring “ใน The Ring ทฤษฎีนี้เป็นตัวเป็นตนผ่านการใช้บทประพันธ์ เมื่อทุกความคิดและภาพกวีทุกภาพได้รับการจัดระเบียบอย่างเฉพาะเจาะจงทันทีด้วยความช่วยเหลือจากบรรทัดฐานทางดนตรี” Losev เขียน นอกจากนี้ "Ring" ยังสะท้อนให้เห็นถึงความหลงใหลในแนวคิดของ Schopenhauer อย่างเต็มที่ อย่างไรก็ตามต้องจำไว้ว่าความคุ้นเคยกับพวกเขาเกิดขึ้นเมื่อข้อความของ tetralogy พร้อมและงานดนตรีเริ่มขึ้น เช่นเดียวกับโชเปนฮาวเออร์ วากเนอร์รู้สึกถึงพื้นฐานที่ไม่เอื้ออำนวยและไร้เหตุผลของจักรวาล ความหมายเดียวของการดำรงอยู่คือการละทิ้งเจตจำนงสากลนี้ และจมดิ่งลงสู่ก้นบึ้งแห่งสติปัญญาอันบริสุทธิ์และการอยู่เฉยเพื่อค้นหาความสุขทางสุนทรียะที่แท้จริงในดนตรี อย่างไรก็ตาม Wagner ซึ่งแตกต่างจาก Schopenhauer คิดว่ามันเป็นไปได้และแม้กระทั่งกำหนดโลกที่ผู้คนจะไม่มีชีวิตอยู่ในนามของการแสวงหาทองคำอย่างต่อเนื่องซึ่งในตำนานของ Wagnerian เป็นสัญลักษณ์ของเจตจำนงของโลก ไม่มีอะไรที่แน่นอนเกี่ยวกับโลกนี้ แต่ไม่ต้องสงสัยเลยว่าจะเกิดขึ้นหลังจากหายนะทั่วโลก ธีมของหายนะทั่วโลกมีความสำคัญมากสำหรับภววิทยาของ "วงแหวน" และเห็นได้ชัดว่าเป็นการคิดใหม่เกี่ยวกับการปฏิวัติซึ่งไม่เข้าใจอีกต่อไปว่าเป็นการเปลี่ยนแปลงในระบบสังคม แต่เป็นการกระทำทางจักรวาลวิทยาที่เปลี่ยนแปลง สาระสำคัญของจักรวาล

สำหรับ Tristan และ Isolde ความคิดที่รวมอยู่ในนั้นได้รับอิทธิพลอย่างมากจากความหลงใหลในพระพุทธศาสนาในช่วงสั้น ๆ และในขณะเดียวกัน เรื่องราวที่น่าทึ่งรัก Mathilde Wesendonck นี่คือจุดที่การผสานธรรมชาติของมนุษย์ที่แตกแยกกันซึ่งแสวงหามาอย่างยาวนานของวากเนอร์เกิดขึ้น การเชื่อมต่อนี้เกิดขึ้นพร้อมกับการจากไปของ Tristan และ Isolde ไปสู่การถูกลืมเลือน ความคิดที่ว่าเป็นการหลอมรวมพุทธศาสนาอย่างสมบูรณ์เข้ากับโลกนิรันดร์และไม่มีวันเสื่อมสลาย อ้างอิงจาก Losev ความขัดแย้งระหว่างวัตถุกับวัตถุที่ วัฒนธรรมยุโรป. สิ่งที่สำคัญที่สุดคือธีมของความรักและความตาย ซึ่งสำหรับวากเนอร์นั้นเชื่อมโยงกันอย่างแยกไม่ออก ความรักมีอยู่ในตัวบุคคลโดยสมบูรณ์อยู่ใต้บังคับบัญชาของเขาเช่นเดียวกับความตายเป็นจุดจบของชีวิตที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ ในแง่นี้จึงควรเข้าใจยารักของวากเนอร์ “อิสรภาพ ความสุข ความสำราญ ความตาย และการกำหนดไว้ล่วงหน้าซึ่งถึงแก่ชีวิต นี่คือสิ่งที่เป็นเครื่องดื่มแห่งความรัก ซึ่งวากเนอร์ถ่ายทอดออกมาได้อย่างยอดเยี่ยม” Losev เขียน การปฏิรูปโอเปร่าของวากเนอร์มีผลกระทบอย่างสำคัญต่อดนตรียุโรปและรัสเซีย นับเป็นขั้นสูงสุดของแนวโรแมนติกทางดนตรี และในขณะเดียวกันก็วางรากฐานสำหรับขบวนการสมัยใหม่ในอนาคต การผสมกลมกลืนโดยตรงหรือโดยอ้อมของสุนทรียศาสตร์โอเปร่าของวากเนอเรียน (โดยเฉพาะอย่างยิ่งการละครเพลง "ผ่าน" เชิงนวัตกรรม) เป็นส่วนสำคัญของผลงานโอเปร่าที่ตามมา การใช้ระบบบทประพันธ์ในโอเปร่าหลังจากวากเนอร์กลายเป็นเรื่องที่ไม่สำคัญและเป็นสากล ผลกระทบของนวัตกรรมมีนัยสำคัญไม่น้อยไปกว่ากัน ภาษาดนตรีวากเนอร์โดยเฉพาะอย่างยิ่งความกลมกลืนของเขาซึ่งผู้แต่งได้แก้ไขหลักเสียง "เก่า" (ก่อนหน้านี้ถือว่าไม่สั่นคลอน)

ในบรรดานักดนตรีชาวรัสเซีย A. N. Serov เพื่อนของ Wagner เป็นผู้เชี่ยวชาญและนักโฆษณาชวนเชื่อ N. A. Rimsky-Korsakov ทำงานในภายหลัง) อิทธิพลของ Wagner ในเรื่องความกลมกลืน การประพันธ์เพลงด้วยวงออร์เคสตรา และการแสดงละครเพลง บทความที่มีค่าเกี่ยวกับ Wagner ถูกทิ้งไว้โดยคนรัสเซียคนสำคัญ นักวิจารณ์ดนตรี G. A. Larosh โดยทั่วไปแล้ว "วากเนเรียน" ให้ความรู้สึกโดยตรงมากกว่าในผลงานของนักแต่งเพลง "โปรตะวันตก" XIX รัสเซียศตวรรษ (เช่น A. G. Rubinshtein) มากกว่าตัวแทนของโรงเรียนแห่งชาติ อิทธิพลของ Wagner (ดนตรีและสุนทรียศาสตร์) ปรากฏในรัสเซียในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 ในผลงานของ A. N. Scriabin ทางทิศตะวันตกที่เรียกว่าโรงเรียนไวมาร์ (ชื่อตนเอง - ใหม่ โรงเรียนภาษาเยอรมัน) ซึ่งพัฒนาขึ้นรอบๆ F. Liszt ในเมืองไวมาร์ ตัวแทนของมัน (P. Cornelius, G. von Bülow, I. Raff และคนอื่นๆ) สนับสนุน Wagner โดยหลักแล้วเขาต้องการที่จะขยายขอบเขต การแสดงออกทางดนตรี(ความกลมกลืน, การประพันธ์ดนตรี, การละครโอเปร่า).

ในบรรดานักแต่งเพลงตะวันตกที่ได้รับอิทธิพลจากวากเนอร์ ได้แก่ Anton Bruckner, Hugo Wolf, Claude Debussy, Gustav Mahler, Richard Strauss, Bela Bartok, Karol Szymanowski, Arnold Schoenberg (ใน งานแรก). ปฏิกิริยาต่อลัทธิของวากเนอร์คือแนวโน้ม "ต่อต้านวากเนอร์" ซึ่งต่อต้านเขา ผู้แทนรายใหญ่ซึ่งเป็นนักแต่งเพลง Johannes Brahms และ สุนทรียะทางดนตรี E. Hanslik ผู้ปกป้องความอมตะและความพอเพียงของดนตรี ความไม่เชื่อมโยงกับ "สิ่งระคายเคือง" ภายนอกที่ไม่ใช่ดนตรี

ในรัสเซีย ความรู้สึกต่อต้านแว็กเนเรียนเป็นลักษณะเฉพาะของกลุ่มนักแต่งเพลงระดับชาติ โดยหลักคือ M. P. Mussorgsky และ A. P. Borodin ทัศนคติที่มีต่อแว็กเนอร์ในหมู่ผู้ที่ไม่ใช่นักดนตรี (ซึ่งประเมินดนตรีของวากเนอร์ไม่มากนักเนื่องจากคำกล่าวที่ขัดแย้งกันของเขาและสิ่งพิมพ์ "สุนทรียภาพ" ของเขา) นั้นคลุมเครือ ตัวอย่างเช่น Friedrich Nietzsche เขียนไว้ในบทความของเขาเรื่อง "Casus Wagner":

Wagner เป็นนักดนตรีหรือไม่? ไม่ว่าในกรณีใด เขาเป็นมากกว่าสิ่งอื่นใด ... สถานที่ของเขาอยู่ในพื้นที่อื่น ไม่ใช่ในประวัติศาสตร์ดนตรี เขาไม่ควรสับสนกับตัวแทนที่แท้จริงของมัน วากเนอร์และเบโธเฟนเป็นคนดูหมิ่น…” อ้างอิงจากโทมัส แมนน์ วากเนอร์ “เห็นงานศิลปะเป็นการกระทำลึกลับอันศักดิ์สิทธิ์ เป็นยาครอบจักรวาลต่อความเจ็บปวดทั้งหมดของสังคม…”

การสร้างสรรค์ทางดนตรีของ Wagner ในศตวรรษที่ XX-XXI ยังคงดำเนินต่อไปอย่างมีเกียรติที่สุด ขั้นตอนโอเปร่าไม่ใช่แค่เยอรมนี แต่ทั้งโลก (ยกเว้นอิสราเอล)วากเนอร์เขียนเรื่อง Der Ring des Nibelungen ด้วยความหวังเพียงเล็กน้อยว่าจะพบโรงละครที่สามารถแสดงมหากาพย์ทั้งหมดและถ่ายทอดความคิดให้กับผู้ฟังได้ อย่างไรก็ตาม ผู้ร่วมสมัยสามารถชื่นชมความจำเป็นทางจิตวิญญาณของมันได้ และมหากาพย์ก็มาถึงผู้ชม บทบาทของ "Ring" ในการก่อตัวของจิตวิญญาณแห่งชาติเยอรมันนั้นไม่สามารถประเมินค่าสูงเกินไปได้ ใน กลางเดือนสิบเก้าในศตวรรษที่เขียน "วงแหวนแห่งนีเบลุง" ประเทศชาติยังคงแตกแยก ชาวเยอรมันระลึกถึงความอัปยศอดสูของแคมเปญนโปเลียนและสนธิสัญญาเวียนนา เมื่อเร็วๆ นี้เกิดการปฏิวัติที่สั่นคลอนราชบัลลังก์ของกษัตริย์องค์ต่าง ๆ เมื่อวากเนอร์จากโลกนี้ไป เยอรมนีก็รวมเป็นหนึ่งเดียว กลายเป็นอาณาจักร ผู้กุมอำนาจ และศูนย์กลางของวัฒนธรรมเยอรมันทั้งหมด "Ring of the Nibelung" และงานของ Wagner โดยรวม แม้ว่าจะไม่ใช่งานเดียว แต่เป็นงานสำหรับชาวเยอรมันและสำหรับแนวคิดของชาวเยอรมันที่ระดมแรงผลักดันที่บังคับให้นักการเมือง ผู้มีปัญญา การทหาร และสังคมทั้งหมดรวมตัวกัน .

ในปี พ.ศ. 2407 หลังจากได้รับความโปรดปรานจากกษัตริย์ลุดวิกที่ 2 แห่งบาวาเรีย ผู้ชำระหนี้และสนับสนุนเขาต่อไป เขาย้ายไปมิวนิกซึ่งเขาเขียน การ์ตูนโอเปร่า"The Nuremberg Mastersingers" และสองส่วนสุดท้ายของ Ring of the Nibelungs: "Siegfried" และ "The Death of the Gods" ในปี 1872 การวางศิลาฤกษ์สำหรับ House of Festivals เกิดขึ้นที่ Bayreuth ซึ่งเปิดในปี 1876 ที่ซึ่งรอบปฐมทัศน์ของ Tetralogy Ring of the Nibelungen เกิดขึ้นในวันที่ 13-17 สิงหาคม 1876 ในปี 1882 โอเปร่าเรื่องลึกลับ Parsifal จัดแสดงในเมืองไบรอยท์ ในปีเดียวกัน วากเนอร์เดินทางไปเวนิสด้วยเหตุผลด้านสุขภาพ ซึ่งเขาเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2426 ด้วยอาการหัวใจวาย วากเนอร์ถูกฝังอยู่ในไบรอยท์

นักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดตลอดกาลของโลก: รายชื่ออ้างอิงและผลงานตามลำดับเวลาและตามตัวอักษร

100 คีตกวีผู้ยิ่งใหญ่ของโลก

รายชื่อผู้แต่งตามลำดับเวลา

1. Josquin Despres (1450-1521)
2. จิโอวานนี ปิแอร์ลุยจิ ดา ปาเลสตรินา (1525-1594)
3. เคลาดิโอ มอนเตเวร์ดี (1567 - 1643)
4. ไฮน์ริช ชุตซ์ (1585-1672)
5. ฌอง บัปติสต์ ลัลลี่ (1632-1687)
6. เฮนรี เพอร์เซลล์ (1658-1695)
7. อาร์แองเจโล คอเรลลี (1653-1713)
8. อันโตนิโอ วิวัลดี (1678-1741)
9. ฌอง ฟิลิปป์ ราโม (1683-1764)
10. จอร์จ ฮันเดล (1685-1759)
11. โดเมนิโก สการ์ลัตติ (1685 - 1757)
12. โยฮันน์ เซบาสเตียน บาค (1685-1750)
13. คริสตอฟ วิลลิบัลด์ กลัค (1713-1787)
14. โจเซฟ ไฮเดิน (2275-2352)
15. อันโตนิโอ ซาลิเอรี (1750-1825)
16. ดิมิทรี สเตฟาโนวิช บอร์ตนียานสกี้ (2294-2368)
17. โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท (1756 – 1791)
18. ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน (พ.ศ. 2313-2369)
19. โยฮันน์ เนโปมุก ฮุมเมล (2321-2380)
20. นิโคโล ปากานินี (1782-1840)
21. จาโคโม เมเยอร์เบียร์ (พ.ศ. 2334-2407)
22. คาร์ล มาเรีย ฟอน เวเบอร์ (1786-1826)
23. โจอัคชิโน รอสซินี (1792-1868)
24. ฟรานซ์ ชูเบิร์ต (1797 - 1828)
25. กาเอตาโน โดนิเซ็ตติ (พ.ศ. 2340-2391)
26. วินเชนโซ เบลลินี (1801 –1835)
27. เฮคเตอร์ แบร์ลิออซ (1803 - 1869)
28. มิคาอิล อิวาโนวิช กลินกา (2347-2400)
29. เฟลิกซ์ เมนเดลโซน-บาร์โธลดี (1809 - 1847)
30. ฟรายเดริก โชแปง (1810 - 1849)
31. โรเบิร์ต ชูมันน์ (1810 - 1856)
32. อเล็กซานเดอร์ เซอร์เกวิช ดาร์โกมีซสกี (2356-2412)
33. ฟรานซ์ ลิซท์ (1811 - 1886)
34. ริชาร์ด วากเนอร์ (2356-2426)
35. จูเซปเป้ แวร์ดี (2356-2444)
36. ชาร์ลส์ กูนอด (2361-2436)
37. สตานิสลาฟ โมเนียสโก (2362-2415)
38. ฌาคส์ ออฟเฟนบาค (2362-2423)
39. อเล็กซานเดอร์ นิโคเลวิช เซรอฟ (2363-2414)
40. ซีซาร์ ฟรังค์ (1822 - 1890)
41. เบดริช สเมทานา (พ.ศ. 2367-2427)
42. แอนตัน บรั๊คเนอร์ (2367-2439)
43. โยฮันน์ สเตราส์ (2368-2442)
44. แอนทอน กริกอรีวิช รูบินสไตน์ (2372-2437)
45. โยฮันเนส บราห์มส์ (2376-2440)
46. ​​อเล็กซานเดอร์ พอร์ฟิริเยวิช โบโรดิน (2376-2430)
47. คามิลล์ แซงต์-ซองส์ (พ.ศ. 2378-2464)
48. ลีโอ เดลิเบส (2379-2434)
49. มิลี อเล็กเซวิช บาลาคิเรฟ (พ.ศ. 2380-2453)
50. จอร์จ บิเซต์ (2381-2418)
51. โมเดสต์ เปโตรวิช มุสซอร์กสกี (2382-2424)
52. ปีเตอร์ อิลยิช ไชคอฟสกี (พ.ศ. 2383-2436)
53. แอนโทนิน ดโวรัก (พ.ศ. 2384 - 2447)
54. จูลส์ แมสเซเนต์ (1842 - 1912)
55. เอ็ดวาร์ด กริก (2386-2450)
56. นิโคไล อันดรีวิช ริมสกี-คอร์ซาคอฟ (2387-2451)
57. กาเบรียล โฟเร (พ.ศ. 2388-2467)
58. ลีโอ จานาเซ็ก (2397-2471)
59. อนาโตลี คอนสแตนติโนวิช ลียาดอฟ (2398-2457)
60. เซอร์เกย์ อิวาโนวิช ทาเนฟ (พ.ศ. 2399-2458)
61. รุจเกโร เลออนคาวัลโล (2400-2462)
62. จาโกโม ปุชชีนี (พ.ศ. 2401-2467)
63. ฮิวโก้ วูล์ฟ (2403-2446)
64. กุสตาฟ มาห์เลอร์ (2403-2454)
65. คลอดด์ เดบุสซี่ (2405-2461)
66. ริชาร์ด สเตราส์ (2407-2492)
67. อเล็กซานเดอร์ ทิโคโนวิช เกรชานินอฟ (2407-2499)
68. อเล็กซานเดอร์ คอนสแตนติโนวิช กลาซูนอฟ (2408-2479)
69. ฌอง ซีเบลิอุส (2408-2500)
70. ฟรานซ์ เลฮาร์ (2413-2488)
71. Alexander Nikolaevich Skryabin (พ.ศ. 2415-2458)
72. เซอร์เก วาซิลเยวิช รัชมานีนอฟ (พ.ศ. 2416-2486)
73. อาร์โนลด์ โชนเบิร์ก (2417-2494)
74. มอริส ราเวล (2418-2480)
75. นิโคไล คาร์โลวิช เมดเนอร์ (พ.ศ. 2423-2494)
76. เบลา บาร์ทอค (2424-2488)
77. นิโคไล ยาโคฟเลวิช มายาสคอฟสกี (พ.ศ. 2424-2493)
78. อิกอร์ เฟโดโรวิช สตราวินสกี (พ.ศ. 2425-2514)
79. แอนตัน เวเบิร์น (2426-2488)
80. อิมเร คาลมาน (2425-2496)
81. อัลบัน เบิร์ก (2428-2478)
82. เซอร์เกย์ เซอร์เกวิช โปรโคฟีเยฟ (พ.ศ. 2434-2496)
83. อาเธอร์ โฮเนกเกอร์ (2435-2498)
84. ดาเรียส มิลโล (พ.ศ. 2435-2517)
85. คาร์ล ออร์ฟฟ์ (2438-2525)
86. พอล ฮินเดมิธ (2438-2506)
87. จอร์จ เกิร์ชวิน (2441-2480)
88. ไอแซค โอซิโปวิช ดูนาเยฟสกี (2443-2498)
89. อารัม อิลยิช คาชาตูเรียน (2446-2521)
90. ดมิทรี ดิมิทรีวิช โชสตาโควิช (2449-2518)
91. Tikhon Nikolaevich Khrennikov (เกิดในปี 2456)
92. เบนจามิน บริทเทน (2456-2519)
93. จอร์จี วาซิลิเยวิช สวิริดอฟ (2458-2541)
94. ลีโอนาร์ด เบิร์นสไตน์ (2461-2533)
95. Rodion Konstantinovich Shchedrin (เกิดในปี 2475)
96. Krzysztof Penderecki (เกิด พ.ศ. 2476)
97. อัลเฟรด การีวิช ชนิทเก้ (2477-2541)
98. บ็อบ ดีแลน (เกิด พ.ศ. 2484)
99. จอห์น เลนนอน (พ.ศ. 2483-2523) และพอล แมคคาร์ทนีย์ (เกิด พ.ศ. 2485)
100. สติง (พ.ศ. 2494)

ผลงานชิ้นเอกของดนตรีคลาสสิก

นักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก

รายชื่อผู้แต่งตามลำดับอักษร