จิตรกรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา จิตรกรรมยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี ภาพวาดโดยศิลปินยุคเรอเนซองส์

ยุคเรอเนซองส์เป็นหนึ่งในงานที่มีชีวิตชีวาที่สุดในประวัติศาสตร์ศิลปะโลก ครอบคลุมศตวรรษที่ XIV-XVI ในอิตาลีศตวรรษที่ XV-XVI ในประเทศทางตอนเหนือของเทือกเขาแอลป์ ช่วงเวลานี้ในการพัฒนาวัฒนธรรมได้รับชื่อ - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (หรือยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา) ที่เกี่ยวข้องกับการฟื้นฟูความสนใจในศิลปะโบราณโดยเปลี่ยนเป็นแบบจำลองในอุดมคติที่สวยงาม แต่แน่นอนว่า ศิลปะใหม่ๆ ก้าวไปไกลกว่าการเลียนแบบอดีต

โดนาเทลโล. เดวิด. 1430 สีบรอนซ์ พิพิธภัณฑ์แห่งชาติ. ฟลอเรนซ์



จอตโต้. การคร่ำครวญของพระคริสต์ ตกลง. 1305 ภาพปูนเปียกของ Chapel del Arena ปาดัว.



เอส. บอตติเชลลี. ฤดูใบไม้ผลิ. ตกลง. 1477-1478 ผ้าใบ, สีน้ำมัน. หอศิลป์อุฟฟิซี ฟลอเรนซ์



อ. มานเทญ่า. การพบกันของลูโดวิโกและฟรานเชสโก กอนซาก้า ระหว่างปี ค.ศ. 1471-1474 ภาพปูนเปียกของกำแพงด้านตะวันตกของ Camera degli Sposi (ชิ้นส่วน) มันตัว.



เลโอนาร์โด ดา วินชี. ภาพเหมือนของโมนาลิซ่า (ที่เรียกว่า "La Gioconda") ตกลง. 1503 ไม้น้ำมัน. พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ปารีส.



เลโอนาร์โด ดา วินชี. พระกระยาหารมื้อสุดท้าย. 1495-1497 ภาพสีน้ำมันและสีฝุ่นบนผนังโรงอาหารของอารามซานตามาเรีย เดลเล กราซีเอ (รายละเอียด) มิลาน.



ราฟาเอล. โรงเรียนเอเธนส์ 1509-1511 ปูนเปียกใน Stanza della Segnatura วาติกัน



ไมเคิลแองเจโล เดลฟิค ซิบิล. 1508-1512 ภาพปูนเปียกบนเพดานโบสถ์ซิสทีน (ชิ้นส่วน) วาติกัน





ยาน ฟาน เอค. ภาพเหมือนของคู่รักอาร์โนลฟินี 1434 ไม้น้ำมัน. หอศิลป์แห่งชาติ. ลอนดอน.



ฮิวโก้ ฟาน เดอร์ โกส์ บูชาคนเลี้ยงแกะ 1474-1475 ไม้น้ำมัน หอศิลป์อุฟฟิซี ฟลอเรนซ์



อ. ดูเรอร์. การบูชาพระเมไจ. 1504 สีน้ำมันบนผ้าใบ. หอศิลป์อุฟฟิซี ฟลอเรนซ์



L. Cranach ผู้อาวุโส มาดอนน่าใต้ต้นแอปเปิ้ล หลังปี ค.ศ. 1525 สีน้ำมันบนผ้าใบ พิพิธภัณฑ์เฮอร์มิเทจแห่งรัฐ เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก.



อ. ดูเรอร์. นักขี่ม้าสี่คน 1498 ภาพพิมพ์แกะไม้ จากซีรีส์เรื่อง Apocalypse

วัฒนธรรมทางศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นรูปเป็นร่างในช่วงเวลาของการเติบโตทางวัฒนธรรม การเติบโตทางเศรษฐกิจอย่างรวดเร็ว การเกิดขึ้นของระบบสังคมใหม่ - การสลายตัวของวิถีชีวิตแบบเก่าในยุคกลาง และการเกิดขึ้นของความสัมพันธ์แบบทุนนิยม เอฟ. เองเกลส์เขียนเกี่ยวกับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาว่า “นี่เป็นการปฏิวัติที่ก้าวหน้ายิ่งใหญ่ที่สุดที่มนุษยชาติเคยประสบมาจนถึงเวลานั้น ยุคที่ต้องการไททันและที่ให้กำเนิดไททันด้วยความแข็งแกร่งทางความคิด ความหลงใหล และอุปนิสัย ในด้านความเก่งกาจและการเรียนรู้ ”

เศรษฐกิจพื้นเมืองและ การเปลี่ยนแปลงทางสังคมนำไปสู่การเกิดขึ้นของโลกทัศน์ที่ก้าวหน้าใหม่ - มนุษยนิยม (จากคำภาษาละติน humanus - "มนุษยธรรม") นักมานุษยวิทยาทุกคนได้รับแรงบันดาลใจจากศรัทธาในพลังสร้างสรรค์ของมนุษย์ ซึ่งเป็นพลังอันไม่มีที่สิ้นสุดของจิตใจมนุษย์

ในเวลานี้ อุดมคติของบุคคลที่มีความกระตือรือร้นและเอาแต่ใจเข้มแข็งเป็นรูปเป็นร่างและแสดงออกมาในรูปแบบต่างๆ เขาเป็นคนช่างสงสัย เต็มไปด้วยความปรารถนาในสิ่งที่ไม่รู้ และมีความรู้สึกด้านความงามที่พัฒนาแล้ว

ยุคเรอเนซองส์ได้หยิบยกแนวคิดเรื่อง จิตใจของมนุษย์ความสามารถของเขาในการเข้าใจโลก การพัฒนาอย่างรวดเร็วของวิทยาศาสตร์ - ลักษณะเฉพาะช่วงเวลานี้. ในการค้นหาอุดมคติ นักมานุษยวิทยาได้ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับประวัติศาสตร์ของมนุษยชาติ วัฒนธรรมโบราณกลายเป็นสิ่งที่ใกล้เคียงกับปณิธานของพวกเขามากที่สุด

ผู้ที่ได้รับการศึกษาในสมัยนั้นจำนวนมากแสดงความไม่แยแสต่อศาสนา แม้ว่าศิลปินจะวาดภาพเกี่ยวกับหัวข้อทางศาสนาเป็นหลัก แต่พวกเขาเห็นว่าในภาพทางศาสนาเป็นการแสดงออกทางบทกวีเกี่ยวกับประสบการณ์ชีวิตของผู้คนที่สะสมมานานหลายศตวรรษ พวกเขาเติมเต็มตำนานคริสเตียนเก่าด้วยเนื้อหาชีวิตใหม่

ในบรรดาวัฒนธรรมทุกแขนง ศิลปะครองอันดับหนึ่งในอิตาลี เป็นการแสดงออกถึงความคิดสร้างสรรค์ตามธรรมชาติของคนในยุคนั้น

ศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเช่นเดียวกับยุคก่อน ๆ มีวัตถุประสงค์เพื่อให้แนวคิดเกี่ยวกับโครงสร้างของโลกทั้งทางโลกและสวรรค์ มีอะไรใหม่คือความคิดเกี่ยวกับเทพและพลังจากสวรรค์ไม่ได้ถูกตีความว่าเป็นปริศนาที่เข้าใจยากและน่าสะพรึงกลัวอีกต่อไป และที่สำคัญที่สุดคือ ศิลปะนี้ตื้นตันไปด้วยศรัทธาในมนุษย์ เนื่องจากความฉลาดและความสามารถเชิงสร้างสรรค์ของเขา

ชีวิตในยุคเรอเนซองส์มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับศิลปะ มันกลายเป็นส่วนที่แยกออกไม่ได้ ไม่เพียงแต่เป็นวัตถุแห่งการไตร่ตรองเท่านั้น แต่ยังเป็นงานและความคิดสร้างสรรค์อีกด้วย ศิลปะดูเหมือนจะพยายามไม่เพียงแต่เติมเต็มโบสถ์และพระราชวังเท่านั้น แต่ยังค้นหาสถานที่สำหรับตัวเองในจัตุรัสกลางเมือง ทางแยกถนน บนด้านหน้าของบ้านและภายในอาคารด้วย เป็นการยากที่จะหาคนที่ไม่แยแสกับงานศิลปะ เจ้าชาย พ่อค้า ช่างฝีมือ พระสงฆ์ และพระภิกษุ มักเป็นผู้ที่มีความรู้ด้านศิลปะ ลูกค้า และผู้อุปถัมภ์ศิลปิน ความเอื้ออาทรของผู้อุปถัมภ์ได้รับแรงกระตุ้นจากความกระหายที่จะยกย่องตนเอง

การพัฒนางานศิลปะได้รับการอำนวยความสะดวกอย่างมากจากข้อเท็จจริงที่ว่า เมืองใหญ่ทรัพย์สมบัติที่สะสมมาอย่างรวดเร็ว แต่ความสำเร็จง่ายๆ ไม่ได้ทำให้เสียชื่อเสียงและผลกำไรแม้แต่ศิลปินที่ละโมบที่สุดเนื่องจากหลักการที่เข้มงวดขององค์กรกิลด์ งานศิลปะยังคงแข็งแกร่ง คนหนุ่มสาวได้รับการฝึกฝนโดยทำงานเป็นผู้ช่วยของอาจารย์ที่เป็นผู้ใหญ่ ด้วยเหตุนี้ศิลปินหลายคนจึงรู้จักงานฝีมือทางศิลปะเป็นอย่างดี งานศิลปะจากศตวรรษที่ 15 ดำเนินการด้วยความเอาใจใส่และความรัก แม้ในกรณีที่พวกเขาไม่มีพรสวรรค์หรืออัจฉริยภาพ เราก็ได้รับการชื่นชมจากงานฝีมือที่ดีอยู่เสมอ

ในบรรดาศิลปะทั้งหมด สถานที่แรกเป็นของวิจิตรศิลป์และสถาปัตยกรรม ไม่น่าแปลกใจเลยที่ชื่อของจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษที่ 15 บุคคลผู้มีการศึกษาทุกคนรู้จัก

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาครอบคลุมหลายศตวรรษ ระยะแรกในอิตาลีมีอายุย้อนกลับไปในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 15 แต่ได้รับการจัดเตรียมโดยการพัฒนาศิลปะทั้งหมดในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 13-14

ฟลอเรนซ์กลายเป็นบ้านเกิดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา จิตรกร Masaccio, ประติมากร Donatello และสถาปนิก F. Brunelleschi ถูกเรียกว่า "บิดา" แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา แต่ละคนต่างก็มีแนวทางของตัวเอง แต่เมื่อร่วมกันวางรากฐานของงานศิลปะใหม่ๆ มาซาชโช เมื่ออายุประมาณ 25 ปี เริ่มวาดภาพโบสถ์ Brancacci ในโบสถ์ซานตามาเรีย เดล คาร์มิเน ในเมืองฟลอเรนซ์ ภาพที่เขาสร้างขึ้นนั้นเต็มไปด้วยศักดิ์ศรีความเป็นมนุษย์ กอปรด้วยความแข็งแกร่งทางร่างกายและความงาม วิธีการทางศิลปะหลักของ Masaccio คือ Chiaroscuro อันทรงพลังซึ่งเป็นความเข้าใจที่พัฒนาแล้วเกี่ยวกับปริมาตร ศิลปินเสียชีวิตก่อนอายุครบ 30 ปี แต่นักเรียนและผู้ติดตามของเขายังคงค้นหาสิ่งใหม่ในด้านการวาดภาพ มุมมอง และสีสันที่ยิ่งใหญ่

ในศิลปะอิตาลีของศตวรรษที่ 15 มีการพัฒนาความเข้าใจอันเป็นเอกลักษณ์เกี่ยวกับความจริงทางศิลปะ จิตรกรยังคงดึงเรื่องราวของตนมาจากตำนานของโบสถ์ กำแพงโบสถ์ได้รับการตกแต่งด้วยฉากในพระคัมภีร์โดยเฉพาะ แต่ฉากเหล่านี้ถูกถ่ายโอนไปยังจตุรัสและถนนในเมืองของอิตาลี เกิดขึ้นราวกับอยู่ต่อหน้าต่อตาคนรุ่นราวคราวเดียวกัน และด้วยเหตุนี้ ชีวิตประจำวันได้รับตัวละครทางประวัติศาสตร์อันประเสริฐ ศิลปินรวมภาพของลูกค้าและแม้แต่ภาพเหมือนตนเองในฉากในตำนาน บางครั้งองค์ประกอบที่งดงามก็รวมถึงถนนที่มีผู้คนสัญจรไปมาอย่างสุ่ม จัตุรัสที่มีฝูงชนที่อึกทึกครึกโครม ผู้คนในชุดสมัยใหม่ถัดจากบุคคลศักดิ์สิทธิ์

ลักษณะเด่นที่สำคัญของการวาดภาพคือมุมมองที่มีพื้นฐานทางวิทยาศาสตร์ ศิลปินรู้สึกภาคภูมิใจกับการค้นพบนี้และดูหมิ่นบรรพบุรุษที่ไม่รู้จักมัน พวกเขาสามารถสร้างองค์ประกอบที่ซับซ้อนและมีหลายรูปแบบในพื้นที่สามมิติด้วยความแม่นยำทางคณิตศาสตร์ จริงอยู่ จิตรกรชาวฟลอเรนซ์จำกัดตัวเองอยู่ในมุมมองเชิงเส้นและแทบไม่สังเกตเห็นบทบาทของสภาพแวดล้อมทางอากาศ อย่างไรก็ตาม การค้นพบโอกาสนี้มีความสำคัญทางประวัติศาสตร์อย่างมาก ในมือของจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ มันกลายเป็นวิธีการทางศิลปะที่ทรงพลัง ช่วยขยายขอบเขตของปรากฏการณ์ภายใต้ศูนย์รวมทางศิลปะ เพื่อรวมพื้นที่ ภูมิทัศน์ และสถาปัตยกรรมในการวาดภาพ

ภาพวาดของชาวอิตาลีในศตวรรษที่ 15 - ส่วนใหญ่เป็นอนุสรณ์สถาน ดำเนินการบนผนังโดยใช้เทคนิคปูนเปียกและโดยธรรมชาติแล้วได้รับการออกแบบให้มองเห็นได้จากระยะไกล ปรมาจารย์ชาวอิตาลีรู้วิธีทำให้ภาพของพวกเขามีลักษณะที่มีความสำคัญในระดับสากล พวกเขาละทิ้งเรื่องเล็กๆ น้อยๆ และรายละเอียดต่างๆ และมองโลกผ่านสายตาของผู้คนที่รู้วิธีมองเห็นแก่นแท้ของบุคคลในท่าทาง การเคลื่อนไหวร่างกาย และท่าทางของเขา

ผู้ก่อตั้งประติมากรรมยุคเรอเนซองส์คือโดนาเทลโล ความสำเร็จหลักประการหนึ่งของเขาคือการฟื้นคืนชีพของรูปปั้นทรงกลมซึ่งวางรากฐานสำหรับการพัฒนาประติมากรรมในสมัยต่อ ๆ ไป ที่สุด งานที่เป็นผู้ใหญ่ Donatello - รูปปั้นของเดวิด (ฟลอเรนซ์)

Brunelleschi มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาสถาปัตยกรรมเรอเนซองส์ เขารื้อฟื้นความเข้าใจในสถาปัตยกรรมโบราณโดยไม่ละทิ้งมรดกยุคกลางในเวลาเดียวกัน

บรูเนลเลสกีฟื้นคำสั่ง ยกความสำคัญของสัดส่วน และทำให้เป็นพื้นฐานของสถาปัตยกรรมใหม่ การศึกษาซากปรักหักพังของโรมันซึ่งเขาวัดอย่างรอบคอบและคัดลอกด้วยความรักช่วยให้เขาบรรลุผลทั้งหมดนี้ แต่นี่ไม่ใช่การเลียนแบบสมัยโบราณโดยไม่ตั้งใจ ในอาคารที่สร้างโดย Brunelleschi (สถานเลี้ยงเด็กกำพร้า, โบสถ์ Pazzi ในฟลอเรนซ์ ฯลฯ ) สถาปัตยกรรมเต็มไปด้วยจิตวิญญาณที่คนสมัยก่อนไม่รู้จัก

ชาวอิตาลีมีความสนใจในสัดส่วนของศิลปะเป็นอย่างมาก โดยเฉพาะในด้านสถาปัตยกรรม การสร้างสรรค์ของพวกเขาสร้างความพึงพอใจให้กับผู้ชมด้วยสัดส่วนของรูปแบบของพวกเขา อาสนวิหารสไตล์โกธิกแห่งนี้มองเห็นได้ยากอยู่แล้วเนื่องจากมีขนาดมหึมา อาคารยุคเรอเนซองส์ดูเหมือนจะถูกปกคลุมด้วยการมองเพียงครั้งเดียว ซึ่งทำให้เราสามารถชื่นชมสัดส่วนที่น่าทึ่งของส่วนต่างๆ ของอาคารเหล่านั้น

Masaccio, Donatello, Brunelleschi ห่างไกลจากความโดดเดี่ยวในภารกิจของพวกเขา ศิลปินที่ยอดเยี่ยมหลายคนทำงานร่วมกับพวกเขาในเวลาเดียวกัน รุ่นต่อไปศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 เสริมสร้างงานศิลปะใหม่และส่งเสริมการเผยแพร่อย่างกว้างขวาง นอกจากฟลอเรนซ์ซึ่งปรมาจารย์ที่สำคัญที่สุดในเวลานี้คือเอส. บอตติเชลลีแล้ว ศูนย์ศิลปะใหม่และโรงเรียนในท้องถิ่นก็เกิดขึ้นในอุมเบรีย อิตาลีทางตอนเหนือ และเวนิส ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่เช่น Antonello da Messina, A. Mantegna, Giovanni Bellini และคนอื่น ๆ อีกมากมายทำงานที่นี่

อนุสาวรีย์ที่สร้างขึ้นในอิตาลีในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 15-16 มีความโดดเด่นด้วยความสมบูรณ์แบบและวุฒิภาวะ ศิลปะอิตาลีที่ออกดอกบานสะพรั่งที่สุดในช่วงนี้มักเรียกว่ายุคเรอเนซองส์สูง ในบรรดากองทัพของปรมาจารย์ที่มีพรสวรรค์จำนวนมากในเวลานี้ มีคนที่ถูกเรียกว่าอัจฉริยะอย่างถูกต้อง เหล่านี้คือ Leonardo da Vinci, Raphael Santi, D. Bramante, Michelangelo Buonarroti และ Giorgione, Titian, A. Palladio ปรากฏตัวในภายหลังเล็กน้อย ประวัติความเป็นมาของช่วงเวลานี้ส่วนใหญ่เป็นประวัติความเป็นมาของผลงานของปรมาจารย์เหล่านี้

สองในสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 16 เรียกว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย นี่เป็นช่วงเวลาแห่งปฏิกิริยาศักดินาที่เข้มข้นขึ้น คริสตจักรคาทอลิกประกาศรณรงค์ต่อต้านมนุษยนิยมในทุกรูปแบบ วิกฤติครั้งนี้ยังครอบงำศิลปะอีกด้วย ตามกฎแล้วศิลปินจำกัดตัวเองอยู่แค่การยืมลวดลายและเทคนิคจากปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ ผลงานของพวกเขามีความซับซ้อน เฉียบคม และความสง่างามมากมาย แต่บางครั้งก็มีความขมขื่นและความเฉยเมย พวกเขาขาดความอบอุ่นและเป็นธรรมชาติ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 วิกฤติกำลังทวีความรุนแรงมากขึ้น ศิลปะมีการควบคุมมากขึ้นอย่างสุภาพ และในเวลานี้ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่กำลังสร้าง - Titian, Tintoretto แต่สิ่งเหล่านี้เป็นเพียงบุคคลที่ยอดเยี่ยมเท่านั้น

แน่นอนว่าวิกฤตของวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาไม่ได้หมายความว่ามรดกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาจะสูญหายไป มันยังคงทำหน้าที่เป็นตัวอย่างและวัดความซาบซึ้งทางวัฒนธรรม อิทธิพลของศิลปะเรอเนซองส์ของอิตาลีมีมากมายมหาศาล พบการตอบรับในฝรั่งเศส สเปน เยอรมัน อังกฤษ รัสเซีย

ในเนเธอร์แลนด์ ฝรั่งเศส และเยอรมนี ศตวรรษที่ 15 และ 16 ก็มีความก้าวหน้าทางศิลปะเช่นกัน โดยเฉพาะการวาดภาพ นี่คือช่วงเวลาของสิ่งที่เรียกว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือ

แล้วในศตวรรษที่สิบสาม-สิบสี่ เมืองการค้าและงานฝีมือเสรีก่อตั้งขึ้นที่นี่ และการค้ากำลังพัฒนา ในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 ศูนย์กลางวัฒนธรรมทางตอนเหนือกำลังกระชับความสัมพันธ์กับอิตาลี ศิลปินพบแบบอย่างที่นี่ แต่แม้แต่ในอิตาลีเอง ปรมาจารย์ชาวดัตช์ยังทำงานและได้รับการยกย่องอย่างสูง ชาวอิตาลีสนใจภาพเขียนสีน้ำมันและภาพแกะสลักไม้ใหม่ๆ เป็นพิเศษ

อิทธิพลซึ่งกันและกันไม่ได้ยกเว้นความคิดริเริ่มที่ทำให้ศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือแตกต่างออกไป ที่นี่ประเพณีเก่าแก่ของศิลปะกอธิคได้รับการอนุรักษ์ไว้อย่างมั่นคงยิ่งขึ้น การต่อสู้เพื่ออุดมการณ์มนุษยนิยมในประเทศเหล่านี้มีมากขึ้น ตัวละครที่คมชัด. สงครามชาวนาในเยอรมนีเมื่อต้นศตวรรษที่ 16 ซึ่งทำให้ยุโรปตะวันตกทั้งยุโรปสั่นคลอน ส่งผลให้ศิลปะทางตอนเหนือกลายเป็นรอยประทับของผู้คนที่เห็นได้ชัดเจนยิ่งขึ้น ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีและภาคเหนือสำหรับความแตกต่างทั้งหมดนั้นประกอบขึ้นเป็นสองช่องทางของกระแสเดียวกัน

จิตรกรชาวดัตช์ที่ใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 15 - ยาน ฟาน เอค ปรมาจารย์ที่มีพรสวรรค์อย่างแท้จริง ได้แก่ Rogier van der Weyden, Hugo van der Goes, Memling และ Luke of Leiden ผลงานของ Pieter Bruegel the Elder คือจุดสุดยอดของศิลปะเรอเนซองส์ตอนเหนือในช่วงกลางศตวรรษที่ 16

ในเยอรมนี ตัวแทนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเยอรมันคืออัลเบรชท์ ดูเรอร์ แต่ไม่ใช่เพียงคนเดียว ศิลปินที่โดดเด่นเช่น Mathis Niethardt, Lucas Cranach the Elder, Hans Holbein the Younger และคนอื่นๆ ทำงานที่นี่

การปฏิวัติที่ดำเนินการในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในด้านวัฒนธรรมและศิลปะทางจิตวิญญาณมีความสำคัญทางประวัติศาสตร์อย่างมาก ไม่เคยมีมาก่อนในยุโรปตะวันตกที่งานศิลปะครองตำแหน่งที่โดดเด่นในสังคม ตลอดสามศตวรรษถัดมา ศิลปะยุโรปได้รับการพัฒนาบนพื้นฐานของหลักการที่ศิลปินยุคเรอเนซองส์นำมาใช้และทำให้ถูกต้องตามกฎหมาย ศิลปะแห่งยุคเรอเนซองส์ยังคงมีเสน่ห์จนถึงปัจจุบัน

ในช่วงเวลาที่ยากลำบากของอิตาลี "ยุคทอง" อายุสั้นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการของอิตาลีเริ่มต้นขึ้น - ที่เรียกว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง จุดสูงสุดความมั่งคั่งของศิลปะอิตาลี ยุคเรอเนซองส์ขั้นสูงจึงเกิดขึ้นพร้อมกับช่วงเวลาแห่งการต่อสู้อย่างดุเดือดของเมืองต่างๆ ในอิตาลีเพื่อเอกราช ศิลปะในยุคนี้เต็มไปด้วยมนุษยนิยม ความศรัทธาในพลังสร้างสรรค์ของมนุษย์ ในความเป็นไปได้อันไร้ขอบเขตของความสามารถของเขา ในโครงสร้างที่สมเหตุสมผลของโลก ในชัยชนะแห่งความก้าวหน้า ในงานศิลปะ ปัญหาหน้าที่พลเมือง คุณธรรมสูง ความกล้าหาญ ภาพลักษณ์ที่สวยงาม พัฒนาอย่างกลมกลืน แข็งแกร่งในจิตวิญญาณและร่างของวีรบุรุษที่เป็นมนุษย์ที่สามารถก้าวข้ามระดับชีวิตประจำวันได้ การค้นหาศิลปะในอุดมคติดังกล่าวนำไปสู่การสังเคราะห์ การวางนัยทั่วไป การเปิดเผยรูปแบบทั่วไปของปรากฏการณ์ การระบุความสัมพันธ์เชิงตรรกะ ศิลปะแห่งยุคเรอเนซองส์สูงละทิ้งรายละเอียดและรายละเอียดที่ไม่มีนัยสำคัญในนามของภาพทั่วไป ในนามของความปรารถนาที่จะสังเคราะห์แง่มุมที่สวยงามของชีวิตอย่างกลมกลืน นี่คือหนึ่งในความแตกต่างที่สำคัญ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงตั้งแต่ต้น

เลโอนาร์โด ดาวินชี (1452-1519) เป็นศิลปินคนแรกที่รวบรวมความแตกต่างนี้ได้อย่างชัดเจน ครูคนแรกของ Leonardo คือ Andrea Verrocchio ร่างเทวดาในภาพวาด “บัพติศมา” ของอาจารย์แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงความแตกต่างในการรับรู้โลกของศิลปินในยุคก่อนและ ยุคใหม่: ไม่มีความเรียบด้านหน้าของ Verrocchio ซึ่งเป็นการสร้างแบบจำลองแสงและเงาที่ดีที่สุดและจิตวิญญาณที่ไม่ธรรมดาของภาพ . นักวิจัยระบุวันที่ของ "Madonna with a Flower" ("Benois Madonna" ตามที่ก่อนหน้านี้เรียกตามชื่อเจ้าของ) จนถึงเวลาที่ Verrocchio ออกจากเวิร์คช็อป ในช่วงเวลานี้ Leonardo ได้รับอิทธิพลจาก Botticelli มาระยะหนึ่งอย่างไม่ต้องสงสัย ตั้งแต่ช่วงทศวรรษที่ 80 ของศตวรรษที่ 15 ผลงานประพันธ์ที่ยังสร้างไม่เสร็จของเลโอนาร์โดสองชิ้นรอดชีวิตมาได้: "The Adoration of the Magi" และ "St. เจอโรม” อาจในช่วงกลางทศวรรษที่ 80 "มาดอนน่าลิตต้า" ถูกสร้างขึ้นด้วยเทคนิคอุบาทว์โบราณในภาพที่เลโอนาร์โดประเภทหนึ่งพบการแสดงออก ความงามของผู้หญิง: เปลือกตาหนักลดลงครึ่งหนึ่งและรอยยิ้มอันละเอียดอ่อนทำให้ใบหน้าของมาดอนน่ามีจิตวิญญาณที่พิเศษ

ผสมผสานหลักการทางวิทยาศาสตร์และความคิดสร้างสรรค์ มีทั้งตรรกะ และ การคิดเชิงศิลปะเลโอนาร์โดใช้เวลาทั้งชีวิตในการวิจัยทางวิทยาศาสตร์ควบคู่ไปกับวิจิตรศิลป์ เขาดูเชื่องช้าและทิ้งงานศิลปะเล็กๆ น้อยๆ ไว้เบื้องหลัง ที่ศาลมิลาน เลโอนาร์โดทำงานเป็นศิลปิน ช่างเทคนิค นักประดิษฐ์ นักคณิตศาสตร์ และนักกายวิภาคศาสตร์ งานสำคัญชิ้นแรกที่เขาแสดงในมิลานคือ "Madonna of the Rocks" (หรือ "Madonna of the Grotto") นี่เป็นอนุสรณ์สถานแห่งแรก องค์ประกอบแท่นบูชายุคเรอเนซองส์สูง น่าสนใจเช่นกันเพราะมันแสดงคุณลักษณะของสไตล์การเขียนของลีโอนาร์ดได้อย่างเต็มที่

ที่สุด เยี่ยมมาก Leonardo ในมิลานความสำเร็จสูงสุดของงานศิลปะของเขาคือการวาดภาพผนังห้องโถงของอาราม Santa Maria della Grazie ในหัวข้อ "The Last Supper" (1495-1498) คริสต์เข้า ครั้งสุดท้ายพบกับนักเรียนของเขาในมื้อเย็นเพื่อประกาศให้พวกเขาทราบถึงการทรยศของหนึ่งในนั้น สำหรับเลโอนาร์โด ศิลปะและวิทยาศาสตร์ดำรงอยู่อย่างแยกจากกันไม่ได้ ในขณะที่ทำงานด้านศิลปะเขาทำการวิจัยทางวิทยาศาสตร์ การทดลอง การสังเกต เขาผ่านมุมมองในสาขาทัศนศาสตร์และฟิสิกส์ ผ่านปัญหาเรื่องสัดส่วน - เข้าสู่กายวิภาคศาสตร์และคณิตศาสตร์ ฯลฯ “ The Last Supper” เสร็จสิ้นทั้งขั้นตอนในงานศิลปะของศิลปิน การวิจัยทางวิทยาศาสตร์ นอกจากนี้ยังเป็นเวทีใหม่ในงานศิลปะอีกด้วย

เลโอนาร์โดสละเวลาจากการศึกษากายวิภาคศาสตร์ เรขาคณิต ป้อมปราการ การบุกเบิกที่ดิน ภาษาศาสตร์ การแปลความหมาย และดนตรี เพื่อทำงานในภาพยนตร์เรื่อง “The Horse” ซึ่งเป็นอนุสรณ์สถานขี่ม้าของฟรานเชสโก สฟอร์ซา ซึ่งเขาเดินทางมาที่มิลานเป็นหลักและได้สร้างเสร็จสมบูรณ์ในขนาดเต็ม ในช่วงต้นยุค 90 ในดินเหนียว อนุสาวรีย์ไม่ได้ถูกกำหนดให้เป็นสำริด: ในปี 1499 ชาวฝรั่งเศสบุกมิลานและนักธนูหน้าไม้ของ Gascon ยิงอนุสาวรีย์ขี่ม้า ในปี 1499 ปีแห่งการเร่ร่อนของเลโอนาร์โดเริ่มต้นขึ้น: มันตัว เวนิส และในที่สุด บ้านเกิดของศิลปินในฟลอเรนซ์ ซึ่งเขาวาดภาพกระดาษแข็ง "นักบุญ" แอนนากับแมรี่บนตักของเธอ” ซึ่งเขาสร้างภาพวาดสีน้ำมันในมิลาน (ซึ่งเขากลับมาในปี 1506)

ในฟลอเรนซ์ Leonardo เริ่มงานจิตรกรรมอีกชิ้นหนึ่ง: ภาพเหมือนของภรรยาของพ่อค้า del Giocondo Mona Lisa ซึ่งกลายเป็นหนึ่งในงานจิตรกรรมที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ภาพวาดที่มีชื่อเสียงในโลก.

ภาพเหมือนของ Mona Lisa Gioconda ถือเป็นก้าวสำคัญในการพัฒนาศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

เป็นครั้งแรกที่ประเภทภาพบุคคลอยู่ในระดับเดียวกับการแต่งเพลงในธีมทางศาสนาและตำนาน แม้จะมีความคล้ายคลึงกันทางโหงวเฮ้งที่ไม่อาจปฏิเสธได้ แต่การถ่ายภาพบุคคลของ Quattrocento ก็มีความโดดเด่นด้วยข้อจำกัดภายใน (หากไม่ใช่ภายนอก) ความสง่างามของโมนาลิซาถ่ายทอดผ่านเพียงการเทียบเคียงกันของรูปร่างใหญ่โตของเธอที่เด่นชัด ซึ่งถูกผลักออกไปจนสุดขอบผืนผ้าใบอย่างแรง โดยมีทิวทัศน์ที่มีโขดหินและลำธารมองเห็นได้ราวกับมาจากที่ไกล ละลาย มีเสน่ห์ เย้ายวนใจ และด้วยเหตุนี้ แม้ว่า ความเป็นจริงของแม่ลายทั้งหมดนั้นยอดเยี่ยมมาก

ในปี 1515 ตามคำแนะนำของกษัตริย์ฝรั่งเศสฟรานซิสที่ 1 เลโอนาร์โดจึงเดินทางไปฝรั่งเศสตลอดไป

เลโอนาร์โดเป็นศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคของเขา เป็นอัจฉริยะที่เปิดโลกทัศน์ใหม่ของศิลปะ เขาทิ้งผลงานไว้ไม่กี่ชิ้น แต่งานแต่ละชิ้นถือเป็นเวทีในประวัติศาสตร์วัฒนธรรม เลโอนาร์โดยังเป็นที่รู้จักในฐานะนักวิทยาศาสตร์ผู้รอบรู้ การค้นพบทางวิทยาศาสตร์ของเขา เช่น งานวิจัยของเขาในสาขาเครื่องบิน เป็นที่สนใจในยุคอวกาศของเรา ต้นฉบับของ Leonardo จำนวนหลายพันหน้าซึ่งครอบคลุมทุกสาขาความรู้เป็นพยานถึงความเป็นสากลของอัจฉริยะของเขา

แนวคิดเกี่ยวกับศิลปะที่ยิ่งใหญ่แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งประเพณีของสมัยโบราณและจิตวิญญาณของศาสนาคริสต์ผสมผสานกันพบว่ามีการแสดงออกที่ชัดเจนที่สุดในผลงานของราฟาเอล (ค.ศ. 1483-1520) ในงานศิลปะของเขา งานหลักสองงานพบวิธีแก้ปัญหาที่สมบูรณ์: ความสมบูรณ์แบบของพลาสติกในร่างกายมนุษย์ การแสดงออกถึงความกลมกลืนภายในของบุคลิกภาพที่พัฒนาอย่างครอบคลุม ซึ่งราฟาเอลติดตามสมัยโบราณ และองค์ประกอบหลายร่างที่ซับซ้อนซึ่งสื่อถึงความหลากหลายทั้งหมดของ โลก. ราฟาเอลเสริมสร้างความเป็นไปได้เหล่านี้ โดยบรรลุถึงอิสรภาพอันน่าทึ่งในการแสดงภาพพื้นที่และการเคลื่อนไหวในนั้น ร่างมนุษย์ความสามัคคีอันไร้ที่ติระหว่างสิ่งแวดล้อมและมนุษย์

ไม่มีปรมาจารย์ยุคเรอเนสซองส์คนใดที่รับรู้แก่นแท้ของศาสนาอิสลามในสมัยโบราณอย่างลึกซึ้งและเป็นธรรมชาติเท่ากับราฟาเอล ไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผลที่เขาถือเป็นศิลปินที่เชื่อมโยงประเพณีโบราณกับศิลปะยุโรปตะวันตกในยุคสมัยใหม่อย่างเต็มที่

Rafael Santi เกิดเมื่อปี 1483 ในเมือง Urbino ซึ่งเป็นหนึ่งในศูนย์กลาง วัฒนธรรมทางศิลปะอิตาลี ณ ราชสำนักของดยุกแห่งอูร์บิโน ในครอบครัวจิตรกรและกวีประจำราชสำนักซึ่งเป็นครูคนแรกของปรมาจารย์ในอนาคต

งานของราฟาเอลในช่วงแรกนั้นมีความโดดเด่นอย่างสมบูรณ์แบบ ภาพใหญ่ในรูปแบบของ tondo "Madonna Conestabile" ด้วยความเรียบง่ายและการพูดน้อยของรายละเอียดที่คัดสรรมาอย่างเข้มงวด (ด้วยความขี้ขลาดของการแต่งเพลง) และความพิเศษที่มีอยู่ในผลงานทั้งหมดของราฟาเอลบทกวีที่ละเอียดอ่อนและความรู้สึกสงบ ในปี 1500 ราฟาเอลออกจากเออร์บิโนไปยังเปรูเกียเพื่อศึกษาในเวิร์คช็อปของศิลปินชื่อดังชาวอุมเบรีย เปรูจิโน ซึ่งอยู่ภายใต้อิทธิพลของการเขียน The Betrothal of Mary (1504) ความรู้สึกของจังหวะ สัดส่วนของมวลพลาสติก ระยะห่างเชิงพื้นที่ ความสัมพันธ์ระหว่างตัวเลขกับพื้นหลัง การประสานกันของโทนสีพื้นฐาน (ใน “พิธีหมั้น” จะเป็นสีทอง สีแดง และสีเขียว ประกอบกับพื้นหลังสีฟ้าอ่อน) สร้างความกลมกลืนที่ ปรากฏชัดอยู่แล้วในผลงานยุคแรกๆ ของราฟาเอล และทำให้เขาแตกต่างจากศิลปินในยุคก่อน

ตลอดชีวิตของเขา ราฟาเอลค้นหาภาพนี้ในพระแม่มารี ผลงานมากมายของเขาที่ตีความภาพพระแม่มารีทำให้เขามีชื่อเสียงไปทั่วโลก ข้อดีประการแรกของศิลปินคือเขาสามารถรวบรวมเฉดสีความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนที่สุดในแนวคิดเรื่องการเป็นแม่เพื่อผสมผสานบทกวีและอารมณ์ความรู้สึกที่ลึกซึ้งเข้ากับความยิ่งใหญ่ที่ยิ่งใหญ่ สิ่งนี้สามารถมองเห็นได้ในมาดอนน่าทั้งหมดของเขา เริ่มต้นด้วย "มาดอนน่าคอนเนสตาบิล" ที่ขี้อายในวัยเยาว์: ใน "มาดอนน่าแห่งกรีน", "มาดอนน่ากับโกลด์ฟินช์", "มาดอนน่าในอาร์มแชร์" และโดยเฉพาะอย่างยิ่งที่จุดสุดยอดของจิตวิญญาณและทักษะของราฟาเอล - ใน "ซิสทีนมาดอนน่า"

“ The Sistine Madonna” เป็นหนึ่งในผลงานที่สมบูรณ์แบบที่สุดของราฟาเอลในแง่ของภาษา: ร่างของ Mary และ Child ซึ่งมีเงาอยู่กับท้องฟ้าอย่างเคร่งครัดถูกรวมเข้าด้วยกันด้วยจังหวะการเคลื่อนไหวร่วมกับร่างของนักบุญ คนป่าเถื่อนและพระสันตปาปาซิกตัสที่ 2 ซึ่งมีท่าทางจ่าหน้าถึงพระแม่มารี เช่นเดียวกับมุมมองของทูตสวรรค์สององค์ (คล้ายกับพระพุทธ ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของยุคเรอเนซองส์) อยู่ที่ส่วนล่างขององค์ประกอบ ตัวเลขดังกล่าวยังรวมกันเป็นสีทองทั่วไปราวกับแสดงถึงความเปล่งประกายอันศักดิ์สิทธิ์ แต่สิ่งสำคัญคือใบหน้าของมาดอนน่าซึ่งรวบรวมเอาการสังเคราะห์อุดมคติแห่งความงามโบราณเข้ากับจิตวิญญาณของอุดมคติของคริสเตียนซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของโลกทัศน์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง

The Sistine Madonna เป็นผลงานช่วงปลายของราฟาเอล

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 16 โรมเข้ายึดครอง ศูนย์วัฒนธรรมอิตาลี. ศิลปะแห่งยุคเรอเนซองส์ขั้นสูงเริ่มบานสะพรั่งยิ่งใหญ่ที่สุดในเมืองนี้ โดยที่ศิลปินอย่าง Bramante, Michelangelo และ Raphael ต่างก็ทำงานไปพร้อมๆ กันตามความตั้งใจของพระสันตะปาปา Julius II และ Leo X

ราฟาเอลวาดภาพสองบทแรก ใน Stanza della Segnatura (ห้องแห่งลายเซ็น ตราประทับ) เขาได้วาดภาพจิตรกรรมฝาผนังสี่ภาพเกี่ยวกับขอบเขตหลักของกิจกรรมทางจิตวิญญาณของมนุษย์: ปรัชญา กวีนิพนธ์ เทววิทยา และนิติศาสตร์ (“The School of Athens”, “Parnassus”, “Disputa” , “การวัด ภูมิปัญญา และความแข็งแกร่ง” " ในห้องที่สองเรียกว่า "Stanza of Eliodorus" ราฟาเอลวาดภาพจิตรกรรมฝาผนังในฉากทางประวัติศาสตร์และตำนานเพื่อเชิดชูพระสันตปาปา: "การขับไล่ของ Eliodorus"

เป็นเรื่องปกติที่ศิลปะในยุคกลางและเรอเนซองส์ตอนต้นจะพรรณนาวิทยาศาสตร์และศิลปะในรูปแบบของบุคคลเชิงเปรียบเทียบ ราฟาเอลแก้ไขธีมเหล่านี้ในรูปแบบของการจัดองค์ประกอบภาพหลายร่าง ซึ่งบางครั้งก็เป็นตัวแทนของภาพบุคคลกลุ่มจริง ซึ่งน่าสนใจทั้งในด้านความเป็นปัจเจกบุคคลและลักษณะเฉพาะ

นักเรียนยังช่วยราฟาเอลในการวาดภาพระเบียงวาติกันที่อยู่ติดกับห้องของสมเด็จพระสันตะปาปา โดยวาดตามภาพร่างของเขาและภายใต้การดูแลของเขาด้วยลวดลายของเครื่องประดับโบราณ โดยส่วนใหญ่วาดมาจากถ้ำโบราณที่เพิ่งค้นพบใหม่ (จึงเป็นที่มาของชื่อ "พิสดาร")

ราฟาเอลแสดงผลงานประเภทต่างๆ ของขวัญของเขาในฐานะนักตกแต่ง ตลอดจนผู้กำกับและนักเล่าเรื่อง ปรากฏให้เห็นอย่างสมบูรณ์ในชุดกระดาษแข็งแปดแผ่นสำหรับแขวนผ้าสำหรับโบสถ์ซิสทีนในฉากต่างๆ จากชีวิตของอัครสาวกเปโตรและพอล (“การจับปลาอย่างน่าอัศจรรย์” สำหรับ ตัวอย่าง). ภาพวาดเหล่านี้ตลอดช่วงศตวรรษที่ 16-18 ทำหน้าที่เป็นมาตรฐานสำหรับนักคลาสสิก

ราฟาเอลยังเป็นจิตรกรวาดภาพเหมือนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคของเขาอีกด้วย (“Pope Julius II”, “Leo X”, เพื่อนของศิลปิน, นักเขียน Castiglione, “Donna Velata” ที่สวยงาม ฯลฯ ) และตามกฎแล้วในภาพบุคคลของเขาจะมีความสมดุลและความกลมกลืนภายใน

ในช่วงบั้นปลายชีวิตของเขา ราฟาเอลมีงานและคำสั่งที่หลากหลายอย่างไม่สมส่วน เป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการว่าทั้งหมดนี้สามารถทำได้โดยคนเพียงคนเดียว เขาเป็นบุคคลสำคัญ ชีวิตศิลปะโรมหลังจากการเสียชีวิตของ Bramante (ค.ศ. 1514) เขาได้กลายเป็นหัวหน้าสถาปนิกของอาสนวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ปีเตอร์ รับผิดชอบการขุดค้นทางโบราณคดีในกรุงโรมและบริเวณโดยรอบ และปกป้องอนุสรณ์สถานโบราณ

ราฟาเอลเสียชีวิตในปี 1520; การเสียชีวิตก่อนวัยอันควรของเขาเป็นเรื่องที่ไม่คาดคิดสำหรับคนรุ่นเดียวกัน ขี้เถ้าของเขาถูกฝังอยู่ในวิหารแพนธีออน

ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่คนที่สามของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง - Michelangelo - อายุยืนกว่า Leonardo และ Raphael มาก ครึ่งแรกของมัน เส้นทางที่สร้างสรรค์ตกอยู่ในช่วงรุ่งเรืองของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงและครั้งที่สอง - ระหว่างการต่อต้านการปฏิรูปและจุดเริ่มต้นของการก่อตัวของศิลปะบาโรก ในบรรดากาแล็กซีอันยอดเยี่ยมของศิลปินในยุคเรอเนซองส์สูง มิเกลันเจโลแซงหน้าทุกคนด้วยความสมบูรณ์ของภาพ ความน่าสมเพชของพลเมือง และความอ่อนไหวต่อการเปลี่ยนแปลงในอารมณ์สาธารณะ จึงเป็นศูนย์รวมความคิดสร้างสรรค์ของการล่มสลายของแนวคิดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) ในปี 1488 ในเมืองฟลอเรนซ์ เขาเริ่มศึกษาประติมากรรมโบราณอย่างรอบคอบ ความโล่งใจของเขา "Battle of the Centaurs" เป็นผลงานของยุคเรอเนซองส์สูงในด้านความสามัคคีภายใน ในปี 1496 ศิลปินหนุ่มเดินทางไปโรมซึ่งเขาได้สร้างผลงานชิ้นแรกที่ทำให้เขาโด่งดัง: "Bacchus" และ "Pieta" ถ่ายทอดด้วยภาพโบราณอย่างแท้จริง “ Pieta” เปิดผลงานทั้งชุดโดยปรมาจารย์ในหัวข้อนี้และนำเขาไปข้างหน้าในบรรดาประติมากรคนแรกของอิตาลี

เมื่อกลับมาที่ฟลอเรนซ์ในปี 1501 มิเกลันเจโลในนามของ Signoria ได้ดำเนินการแกะสลักร่างของเดวิดจากบล็อกหินอ่อนที่ได้รับความเสียหายต่อหน้าเขาโดยประติมากรผู้โชคร้าย ในปี 1504 ไมเคิลแองเจโลได้สร้างรูปปั้นอันโด่งดังซึ่งชาวฟลอเรนซ์เรียกว่า "ยักษ์" เสร็จ และวางไว้หน้า Palazzo Vecchia ซึ่งเป็นศาลากลาง การเปิดอนุสาวรีย์กลายเป็นการเฉลิมฉลองระดับชาติ ภาพลักษณ์ของเดวิดเป็นแรงบันดาลใจให้กับศิลปิน Quattrocento หลายคน แต่มิเกลันเจโลไม่ได้แสดงภาพเขาในฐานะเด็กผู้ชายเหมือนใน Donatello และ Verrocchio แต่เป็นชายหนุ่มที่เต็มเปี่ยมไปด้วยพละกำลังของเขา และไม่ใช่หลังจากการต่อสู้โดยมีหัวยักษ์อยู่ที่เท้าของเขา แต่ก่อนการต่อสู้ในขณะนี้ ของแรงตึงเครียดสูงสุด ใน ภาพที่สวยงามเดวิดด้วยสีหน้าเคร่งขรึม ประติมากรได้ถ่ายทอดพลังแห่งความหลงใหลอันมหาศาล ความตั้งใจอันแน่วแน่ ความกล้าหาญของพลเมือง และพลังอันไร้ขอบเขตของบุรุษผู้เป็นอิสระ

ในปี 1504 Michelangelo (ดังที่ได้กล่าวไว้แล้วเกี่ยวกับ Leonardo) เริ่มทำงานในภาพวาด "Hall of the Five Hundred" ใน Palazzo Signoria

ในปี 1505 สมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 เชิญมิเกลันเจโลไปที่โรมเพื่อสร้างสุสานของเขา แต่จากนั้นก็ปฏิเสธคำสั่งดังกล่าวและทรงสั่งให้วาดภาพเพดานโบสถ์น้อยซิสทีนที่พระราชวังวาติกันที่ดูอลังการน้อยกว่า

Michelangelo ทำงานคนเดียวในการวาดภาพเพดานของโบสถ์ Sistine ตั้งแต่ปี 1508 ถึง 1512 โดยวาดภาพพื้นที่ประมาณ 600 ตารางเมตร ม. (48x13 ม.) ที่ความสูง 18 ม.

ไมเคิลแองเจโลอุทิศส่วนกลางของเพดานให้กับฉากประวัติศาสตร์อันศักดิ์สิทธิ์ เริ่มตั้งแต่การสร้างโลก องค์ประกอบเหล่านี้ล้อมรอบด้วยบัวที่ทาสีแบบเดียวกัน แต่สร้างภาพลวงตาของสถาปัตยกรรม และถูกแยกออกจากกันด้วยแท่งไม้ที่งดงาม สี่เหลี่ยมที่งดงามเน้นและเสริมสร้างสถาปัตยกรรมที่แท้จริงของเพดาน ภายใต้บัวที่งดงาม Michelangelo วาดภาพศาสดาพยากรณ์และพี่น้อง (แต่ละร่างสูงประมาณสามเมตร) ในรูปแบบ lunettes (ส่วนโค้งเหนือหน้าต่าง) เขาพรรณนาตอนต่างๆ จากพระคัมภีร์และบรรพบุรุษของพระคริสต์เป็น คนธรรมดายุ่งกับกิจกรรมในแต่ละวัน

องค์ประกอบหลักทั้งเก้าที่เปิดเผยเหตุการณ์ต่างๆ ของวันแรกของการทรงสร้าง เรื่องราวของอาดัมและเอวา น้ำท่วมโลก และในความเป็นจริง ฉากทั้งหมดนี้ล้วนเป็นเพลงสรรเสริญบุคคลที่มีอยู่ในตัวเขา ไม่นานหลังจากทำงานใน Sistine เสร็จ Julius II ก็เสียชีวิตและทายาทของเขาก็กลับมามีความคิดเรื่องหลุมศพอีกครั้ง ในปี ค.ศ. 1513-1516 ไมเคิลแองเจโลแสดงหุ่นของโมเสสและทาส (เชลย) สำหรับหลุมศพนี้ ภาพลักษณ์ของโมเสสเป็นหนึ่งในผลงานที่ทรงพลังที่สุดของปรมาจารย์ที่เป็นผู้ใหญ่ เขาลงทุนในความฝันของผู้นำที่ฉลาดและกล้าหาญซึ่งเต็มไปด้วยความแข็งแกร่งการแสดงออกและความมุ่งมั่นซึ่งจำเป็นมากสำหรับการรวมบ้านเกิดของเขาเข้าด้วยกัน ร่างทาสไม่รวมอยู่ในเวอร์ชันสุดท้ายของหลุมฝังศพ

ตั้งแต่ปี 1520 ถึงปี 1534 Michelangelo ได้ทำงานประติมากรรมที่สำคัญและน่าเศร้าที่สุดชิ้นหนึ่ง - บนหลุมฝังศพของ Medici (โบสถ์ Florentine แห่ง San Lorenzo) ซึ่งแสดงถึงประสบการณ์ทั้งหมดที่เกิดขึ้นกับทั้งตัวอาจารย์เองและของเขา บ้านเกิดและทั้งประเทศโดยรวม ตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษที่ 20 อิตาลีถูกฉีกเป็นชิ้น ๆ จากศัตรูทั้งภายนอกและภายใน ในปี 1527 ทหารรับจ้างเอาชนะโรม ส่วนโปรเตสแตนต์ได้ปล้นสถานศักดิ์สิทธิ์ของคาทอลิก เมืองนิรันดร์. ชนชั้นกระฎุมพีชาวฟลอเรนซ์โค่นล้มเมดิชีซึ่งปกครองอีกครั้งตั้งแต่ปี 1510

ในอารมณ์ของการมองโลกในแง่ร้ายอย่างรุนแรง ในสภาวะที่ศาสนาลึกซึ้งเพิ่มมากขึ้น Michelangelo ทำงานในสุสานเมดิชิ ตัวเขาเองได้สร้างส่วนต่อขยายให้กับโบสถ์ซานลอเรนโซในเมืองฟลอเรนซ์ ซึ่งเป็นห้องเล็กๆ แต่สูงมาก ปกคลุมด้วยโดม และตกแต่งผนังสองด้านของห้องศักดิ์สิทธิ์ (ภายใน) ด้วยป้ายหลุมศพที่เป็นประติมากรรม ผนังด้านหนึ่งตกแต่งด้วยรูปปั้นของลอเรนโซ ตรงข้ามกับจูเลียโน และด้านล่างที่เท้าของพวกเขามีโลงศพที่ตกแต่งด้วยภาพประติมากรรมเชิงเปรียบเทียบ - สัญลักษณ์ของเวลาที่ไหลเร็ว: "เช้า" และ "เย็น" ในหลุมฝังศพของลอเรนโซ "กลางคืน" และ “วัน” บนป้ายหลุมศพของ Giuliano

ทั้งสองภาพ - Lorenzo และ Giuliano - ไม่มีความคล้ายคลึงกันในแนวตั้ง ซึ่งเป็นสาเหตุที่ทำให้ภาพเหล่านี้แตกต่างจากวิธีแก้ปัญหาแบบดั้งเดิมของศตวรรษที่ 15

ทันทีหลังจากการเลือกตั้งของเขา Paul III เริ่มเรียกร้องให้มีเกลันเจโลปฏิบัติตามแผนนี้อย่างต่อเนื่อง และในปี 1534 ขัดจังหวะงานบนหลุมฝังศพซึ่งเขาเสร็จในปี 1545 เท่านั้น Michelangelo เดินทางไปโรมซึ่งเขาเริ่มทำงานที่สองในโบสถ์ซิสทีน - ไปจนถึงภาพวาด "การพิพากษาครั้งสุดท้าย" (ค.ศ. 1535-1541) - ผลงานอันยิ่งใหญ่ที่แสดงถึงโศกนาฏกรรมของเผ่าพันธุ์มนุษย์ คุณสมบัติของใหม่ ระบบศิลปะปรากฏชัดเจนยิ่งขึ้นในผลงานของ Michelangelo นี้ การตัดสินที่สร้างสรรค์ พระคริสต์ผู้ลงโทษถูกวางไว้ตรงกลางขององค์ประกอบ และรอบตัวเขาในการเคลื่อนที่เป็นวงกลมเป็นภาพคนบาปที่โยนตัวเองลงนรก คนชอบธรรมขึ้นสู่สวรรค์ และคนตายที่ฟื้นคืนชีพจากหลุมศพไปสู่การพิพากษาของพระเจ้า ทุกอย่างเต็มไปด้วยความหวาดกลัว ความสิ้นหวัง ความโกรธ ความสับสน

จิตรกร ประติมากร กวี ไมเคิลแองเจโล ก็เป็นสถาปนิกที่เก่งกาจเช่นกัน เขาสร้างบันไดของห้องสมุด Florentine Laurentian เสร็จ ออกแบบจัตุรัส Capitol Square ในโรม สร้างประตู Pius (Porta Pia) และตั้งแต่ปี 1546 เขาได้ทำงานในมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ปีเตอร์ เริ่มโดยบรามันเต ไมเคิลแองเจโลเป็นเจ้าของภาพวาดและภาพวาดของโดม ซึ่งประหารชีวิตหลังจากการสิ้นพระชนม์ของปรมาจารย์ และยังคงเป็นหนึ่งในองค์ประกอบหลักที่โดดเด่นในทัศนียภาพอันงดงามของเมือง

Michelangelo เสียชีวิตในกรุงโรมเมื่ออายุ 89 ปี ร่างของเขาถูกนำตัวไปยังฟลอเรนซ์ในเวลากลางคืนและฝังไว้ในโบสถ์ที่เก่าแก่ที่สุดในบ้านเกิดของเขาที่ซานตาโครเช ความสำคัญทางประวัติศาสตร์ของงานศิลปะของ Michelangelo ผลกระทบต่อผู้ร่วมสมัยและยุคต่อๆ มานั้นแทบจะประเมินค่าสูงไปไม่ได้ นักวิจัยชาวต่างประเทศบางคนตีความว่าเขาเป็นศิลปินและสถาปนิกคนแรกของยุคบาโรก แต่เหนือสิ่งอื่นใดเขามีความน่าสนใจในฐานะผู้ถือประเพณีอันยิ่งใหญ่แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ชื่อเล่น Giorgione (1477-1510) เป็นผู้ติดตามโดยตรงของอาจารย์ของเขาและเป็นศิลปินทั่วไปของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูง เขาเป็นคนแรกบนแผ่นดินเวนิสที่หันไปสนใจวรรณกรรมและวิชาในตำนาน ภูมิทัศน์ ธรรมชาติ และเรือนร่างมนุษย์ที่สวยงามเปลือยเปล่ากลายเป็นหัวข้อศิลปะและบูชาสำหรับเขา

ในงานแรกที่รู้จักคือ "Madonna of Castelfranco" (ประมาณปี 1505) Giorgione ปรากฏตัวในฐานะศิลปินที่มีชื่อเสียงเต็มรูปแบบ ภาพของมาดอนน่าเต็มไปด้วยบทกวี ความเพ้อฝัน เต็มไปด้วยอารมณ์เศร้าที่เป็นลักษณะเฉพาะของภาพผู้หญิงทั้งหมดของจอร์โจเน ในช่วงห้าปีที่ผ่านมาในชีวิตของเขา ศิลปินได้สร้างผลงานที่ดีที่สุดของเขา ซึ่งดำเนินการด้วยเทคนิคน้ำมัน โดยส่วนใหญ่อยู่ใน โรงเรียนเวนิสในช่วงเวลานั้น . ในภาพวาดปี 1506 เรื่อง “พายุฝนฟ้าคะนอง” จอร์จิโอเนบรรยายภาพมนุษย์เป็นส่วนหนึ่งของธรรมชาติ ผู้หญิงที่กำลังให้นมลูก ชายหนุ่มที่มีไม้เท้า (ซึ่งอาจเข้าใจผิดว่าเป็นนักรบที่มีง้าวได้) จะไม่เป็นหนึ่งเดียวกันด้วยการกระทำใดๆ แต่จะถูกรวมเป็นหนึ่งเดียวกันในภูมิทัศน์อันงดงามนี้ด้วยอารมณ์ร่วม ซึ่งเป็นสภาพจิตใจที่เหมือนกัน ภาพลักษณ์ของ "ดาวศุกร์ที่กำลังหลับไหล" (ประมาณปี ค.ศ. 1508-1510) เต็มไปด้วยจิตวิญญาณและบทกวี ร่างกายของเธอเขียนได้ง่าย อิสระ และสง่างาม ไม่ใช่ว่าไม่มีเหตุผลที่นักวิจัยพูดถึง "ความเป็นดนตรี" ของจังหวะของจอร์โจเน มันไม่ได้ขาดเสน่ห์เย้ายวน "คอนเสิร์ตชนบท" (1508-1510)

ทิเชียน เวเชลลิโอ (1477?-1576) - ศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเวนิส เขาสร้างผลงานทั้งในเรื่องเทพนิยายและคริสเตียน ทำงานในรูปแบบภาพเหมือน พรสวรรค์ด้านสีสันของเขานั้นยอดเยี่ยมมาก ความคิดสร้างสรรค์ในการเรียบเรียงของเขานั้นไม่สิ้นสุด และอายุขัยที่มีความสุขของเขาทำให้เขาสามารถทิ้งมรดกทางความคิดสร้างสรรค์อันมั่งคั่งซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อลูกหลานของเขา

ในปี 1516 เขากลายเป็นจิตรกรคนแรกของสาธารณรัฐตั้งแต่ทศวรรษที่ 20 ซึ่งเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดของเวนิส

ประมาณปี ค.ศ. 1520 ดยุคแห่งเฟอร์ราราได้สั่งให้เขาวาดภาพชุดหนึ่งซึ่งทิเชียนปรากฏเป็นนักร้องในสมัยโบราณซึ่งสามารถสัมผัสได้และที่สำคัญที่สุดคือรวบรวมจิตวิญญาณของลัทธินอกรีต (“ Bacchanalia”, “ Feast of Venus”, “ แบคคัสและเอเรียดเน”)

ผู้รักชาติชาวเวนิสผู้มั่งคั่งมอบหมายให้ทิเชียนสร้างแท่นบูชาและเขาสร้างไอคอนขนาดใหญ่: "การอัสสัมชัญของแมรี", "มาดอนน่าแห่งเปซาโร"

“การนำเสนอของพระแม่มารีย์ในพระวิหาร” (ประมาณปี ค.ศ. 1538), “พระวีนัส” (ประมาณปี ค.ศ. 1538)

(ภาพหมู่ของสมเด็จพระสันตะปาปาปอลที่ 3 กับหลานชายออตตาวิโอและอเล็กซานเดอร์ ฟาร์เนเซ ค.ศ. 1545-1546)

เขายังคงเขียนเรื่องโบราณมากมาย (“Venus and Adonis”, “The Shepherd and the Nymph”, “Diana and Actaeon”, “Jupiter and Antiope”) แต่หันมาใช้ธีมของคริสเตียนมากขึ้น ไปสู่ฉากการพลีชีพที่คนนอกรีต ความร่าเริงความสามัคคีในสมัยโบราณถูกแทนที่ด้วยทัศนคติที่น่าเศร้า ("การเฆี่ยนตีของพระคริสต์", "ผู้สำนึกผิดแมรีแม็กดาเลน", "นักบุญเซบาสเตียน", "คร่ำครวญ")

แต่ในตอนท้ายของศตวรรษ ลักษณะของยุคใหม่ในงานศิลปะที่กำลังใกล้เข้ามา ทิศทางทางศิลปะใหม่ ชัดเจนอยู่แล้วที่นี่ สิ่งนี้สามารถเห็นได้ในผลงานของศิลปินหลักสองคนในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษนี้ - Paolo Veronese และ Jacopo Tintoretto

เปาโล กายารี ชื่อเล่น Veronese (เขาเกิดที่เมืองเวโรนา ค.ศ. 1528-1588) ถูกกำหนดให้เป็นนักร้องคนสุดท้ายของเทศกาลเวนิสที่รื่นเริงและครึกครื้นแห่งศตวรรษที่ 16

: “งานเลี้ยงในบ้านเลวี” “การแต่งงานในคานาแห่งกาลิลี” สำหรับห้องโถงของอารามซานจอร์โจ มัจจอเร

Jacopo Robusti เป็นที่รู้จักในงานศิลปะในชื่อ Tintoretto (1518-1594) (“tintoretto” -ผู้ย้อม: พ่อของศิลปินเป็นคนย้อมผ้าไหม) “ปาฏิหาริย์ของนักบุญมาระโก” (1548)

(“การช่วยเหลือของอาร์ซิโนเอ”, 1555), “คำนำเข้าพระวิหาร” (1555)

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro ใน Piombino, Villa Rotonda ใน Vicenza สร้างเสร็จหลังจากการตายของเขาโดยนักศึกษาตามการออกแบบของเขา อาคารหลายแห่งใน Vicenza) ผลการศึกษาสมัยโบราณของเขาคือหนังสือ "Roman Antiquities" (1554), "Four Books on Architecture" (1570-1581) แต่โบราณวัตถุเป็น "สิ่งมีชีวิต" สำหรับเขา ตามการสังเกตอย่างยุติธรรมของนักวิจัย

จิตรกรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการของชาวดัตช์เริ่มต้นด้วย "ฉากแท่นบูชาเกนต์" โดยสองพี่น้องฮูเบิร์ต (เสียชีวิตในปี ค.ศ. 1426) และยาน (ราวปี ค.ศ. 1390-1441) ฟาน เอค สร้างเสร็จโดยยาน ฟาน เอคในปี ค.ศ. 1432 เทคโนโลยีน้ำมัน: น้ำมันทำให้สามารถถ่ายทอดความฉลาด ความลึก และความสมบูรณ์ของโลกวัตถุประสงค์ที่ดึงดูดความสนใจของศิลปินชาวดัตช์ได้อย่างครอบคลุมยิ่งขึ้น ความดังอันมีสีสันของมัน

ในบรรดามาดอนน่าหลายรูปโดย Jan van Eyck ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ “Madonna of Chancellor Rollin” (ประมาณปี 1435)

(“Man with a Carnation”; “Man in a Turban”, 1433; ภาพเหมือนของ Margaret van Eyck ภรรยาของศิลปิน, 1439

ศิลปะดัตช์เป็นหนี้บุญคุณมากมายในการแก้ปัญหาดังกล่าวกับ Rogier van der Weyden (14.00?-1464) “The Descent from the Cross” เป็นผลงานตามแบบฉบับของ Weyden

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 กล่าวถึงผลงานของปรมาจารย์ผู้มีความสามารถพิเศษ Hugo van der Goes (ประมาณปี ค.ศ. 1435-1482) เรื่อง "The Death of Mary")

เฮียโรนีมัส บอช (ค.ศ. 1450-1516) ผู้สร้างนิมิตอันมืดมนลึกลับ ซึ่งเขายังหันไปหาลัทธิเปรียบเทียบในยุคกลาง "สวนแห่งความยินดี"

ไม่ต้องสงสัยเลยว่าจุดสุดยอดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการดัตช์คือผลงานของ Pieter Bruegel the Elder ชื่อเล่น Muzhitsky (1525/30-1569) (“Kitchen of the Skinny”, “Kitchen of the Fat”) “ภูมิทัศน์ฤดูหนาว” จาก วงจร "ฤดูกาล" (ชื่ออื่น - "นักล่าในหิมะ", 2108), "การต่อสู้ของเทศกาลคาร์นิวัลและเข้าพรรษา" (1559)

อัลเบรชท์ ดูเรอร์ (1471-1528)

“ เทศกาลแห่งสายประคำ” (อีกชื่อหนึ่งคือ“ มาดอนน่าพร้อมลูกประคำ”, 1506), “ นักขี่ม้า, ความตายและปีศาจ”, 1513; "เซนต์. เจอโรม" และ "เศร้าโศก"

Hans Holbein the Younger (1497-1543), ภาพ "ชัยชนะแห่งความตาย" ("การเต้นรำแห่งความตาย") ของเจน ซีมัวร์, 1536

อัลเบรชท์ อัลท์ดอร์เฟอร์ (1480-1538)

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ลูคัส ครานัค (ค.ศ. 1472-1553)

ฌอง ฟูเกต์ (ประมาณ ค.ศ. 1420-1481) ภาพเหมือนของชาร์ลส์ที่ 7

Jean Clouet (ประมาณปี 1485/88-1541) บุตรชายของ François Clouet (ประมาณปี 1516-1572) เป็นศิลปินที่สำคัญที่สุดของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 16 ภาพเหมือนของเอลิซาเบธแห่งออสเตรีย ประมาณปี 1571 (ภาพเหมือนของเฮนรีที่ 2, แมรี สจ๊วต ฯลฯ)

จิตรกรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

จุดเริ่มต้นของการวาดภาพยุคเรอเนซองส์ถือเป็นยุคของ Ducento กล่าวคือ ศตวรรษที่สิบสาม ยุคโปรโต-เรอเนซองส์ยังคงเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับประเพณีโรมาเนสก์ กอทิก และไบแซนไทน์ในยุคกลาง ศิลปินในช่วงปลายศตวรรษที่ 13 - ต้นศตวรรษที่ 14 ยังห่างไกลจากการศึกษาทางวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับความเป็นจริงโดยรอบ พวกเขาแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับเรื่องนี้ รวมถึงใช้ภาพทั่วไปของระบบภาพไบแซนไทน์ - เนินเขาหิน ต้นไม้สัญลักษณ์ ป้อมปืนธรรมดา แต่บางครั้งรูปลักษณ์ภายนอก โครงสร้างทางสถาปัตยกรรมทำซ้ำได้อย่างแม่นยำจนบ่งบอกถึงการมีอยู่ของภาพร่างจากชีวิต ตัวละครทางศาสนาแบบดั้งเดิมเริ่มปรากฏให้เห็นในโลกที่เต็มไปด้วยคุณสมบัติของความเป็นจริง - ปริมาตร, ความลึกเชิงพื้นที่, สสารทางวัตถุ การค้นหาเริ่มต้นสำหรับวิธีการส่งสัญญาณบนระนาบปริมาตรและพื้นที่สามมิติ ปรมาจารย์ในยุคนี้ได้รื้อฟื้นหลักการของการสร้างแบบจำลองแสงและเงาที่รู้จักกันมาตั้งแต่สมัยโบราณ ด้วยเหตุนี้ ตัวเลขและอาคารจึงได้รับความหนาแน่นและปริมาตร

เห็นได้ชัดว่าคนกลุ่มแรกที่ใช้มุมมองโบราณคือ Florentine Cenni di Pepo (ข้อมูลระหว่างปี 1272 ถึง 1302) ซึ่งมีชื่อเล่นว่า Cimabue น่าเสียดายที่สุดของเขา งานที่สำคัญ- ชุดภาพวาดในหัวข้อ Apocalypse ชีวิตของมารีย์และอัครสาวกเปโตรในโบสถ์ซานฟรานเชสโกในอัสซีซีมาถึงเราในสภาพที่เกือบจะถูกทำลาย องค์ประกอบแท่นบูชาของเขาซึ่งตั้งอยู่ในฟลอเรนซ์และในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ได้รับการเก็บรักษาไว้ดีกว่า พวกเขายังย้อนกลับไปที่ต้นแบบไบแซนไทน์ด้วย แต่แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงคุณลักษณะของแนวทางใหม่ในการวาดภาพทางศาสนา Cimabue กลับมาจากการวาดภาพภาษาอิตาลี

ศตวรรษที่ 13 ซึ่งนำประเพณีไบแซนไทน์มาใช้กับต้นกำเนิดทันที เขารู้สึกถึงสิ่งที่ยังคงไม่สามารถเข้าถึงได้สำหรับคนรุ่นราวคราวเดียวกับเขา - จุดเริ่มต้นที่กลมกลืนกันของความงามอันงดงามของภาพสไตล์กรีก

ความแข็งแกร่งและแผนผังทำให้เส้นดนตรีมีความนุ่มนวล ร่างของมาดอนน่าดูไม่มีตัวตนอีกต่อไป ในภาพวาดในยุคกลาง ทูตสวรรค์ถูกตีความว่าเป็นสัญญาณซึ่งเป็นคุณลักษณะของพระมารดาของพระเจ้า โดยพรรณนาเป็นรูปสัญลักษณ์เล็กๆ ฉันซื้อมันทั้งหมดจาก Cimabue ความหมายใหม่รวมอยู่ในฉากเหล่านี้คือสิ่งมีชีวิตเล็ก ๆ ที่สวยงาม รอคอยเหล่าเทวดาผู้สง่างามที่จะปรากฏตัวในหมู่ปรมาจารย์แห่งศตวรรษที่ 15

ความคิดสร้างสรรค์ของ Cimabue เป็นจุดเริ่มต้นของกระบวนการใหม่ๆ ที่กำหนด การพัฒนาต่อไปจิตรกรรม. แต่ประวัติศาสตร์ศิลปะไม่สามารถอธิบายได้เฉพาะในแง่วิวัฒนาการเท่านั้น บางครั้งก็มีการกระโดดที่แหลมคมอยู่ในนั้น ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ปรากฏว่าเป็นนักสร้างสรรค์นวัตกรรมที่กล้าหาญและปฏิเสธระบบดั้งเดิม Giotto di Bondone (1266-1337) ควรได้รับการยอมรับว่าเป็นนักปฏิรูปในการวาดภาพชาวอิตาลีในศตวรรษที่ 14 นี่คืออัจฉริยะที่อยู่เหนือคนรุ่นราวคราวเดียวกันและผู้ติดตามของเขาอีกหลายคน

ชาวฟลอเรนซ์โดยกำเนิดเขาทำงานในหลายเมืองในอิตาลี ผลงานที่โด่งดังที่สุดของ Giotto ที่มาหาเราคือวงจรของภาพวาดในโบสถ์ Arena ในปาดัวซึ่งอุทิศให้กับเรื่องราวพระกิตติคุณเกี่ยวกับชีวิตของพระคริสต์ การแสดงภาพอันเป็นเอกลักษณ์นี้ถือเป็นผลงานชิ้นสำคัญชิ้นหนึ่งในประวัติศาสตร์ ศิลปะยุโรป. แทนที่จะสร้างฉากและลักษณะเฉพาะของภาพวาดในยุคกลางที่แตกต่างกันออกไป Giotto ได้สร้างวัฏจักรอันยิ่งใหญ่เพียงวงจรเดียว 38 ฉากจากชีวิตของพระคริสต์และแมรี ("การพบกันของแมรี่และเอลิซาเบธ", "จูบของยูดาส", "คร่ำครวญ" ฯลฯ ) เชื่อมโยงกันเป็นการเล่าเรื่องเดียวโดยใช้ภาษาของการวาดภาพ แทนที่จะเป็นพื้นหลังไบเซนไทน์สีทองตามปกติ Giotto เลือกใช้พื้นหลังแนวนอน ร่างเหล่านี้ไม่ลอยอยู่ในอวกาศอีกต่อไป แต่พบพื้นแข็งอยู่ใต้ฝ่าเท้า และถึงแม้จะไม่ได้ใช้งาน แต่ก็แสดงความปรารถนาที่จะถ่ายทอดกายวิภาคของร่างกายมนุษย์และความเป็นธรรมชาติของการเคลื่อนไหว จอตโตทำให้รูปแบบต่างๆ มีลักษณะที่ชัดเจน ความหนักแน่น และความหนาแน่นจนแทบจะเป็นประติมากรรมได้ โดยจะจำลองภาพนูนขึ้นมา โดยค่อยๆ ทำให้พื้นหลังที่มีสีสันสดใสหลักๆ สว่างขึ้น หลักการของการสร้างแบบจำลอง Chiaroscuro ซึ่งทำให้สามารถทำงานกับสีที่สะอาดและสดใสโดยไม่มีเงาดำได้กลายมาโดดเด่นในการวาดภาพของอิตาลีจนถึงศตวรรษที่ 16

การปฏิรูปที่ดำเนินการในภาพวาดของ Giotto สร้างความประทับใจอย่างลึกซึ้งแก่คนรุ่นเดียวกันทั้งหมดของเขา

อิทธิพลของ Giotto ได้รับความเข้มแข็งและประสิทธิผลในอีกหนึ่งศตวรรษต่อมา ศิลปิน Quattrocento ทำงานที่ Giotto กำหนดไว้สำเร็จ ยุคเรอเนซองส์ตอนต้นเรียกว่ายุคแห่งชัยชนะในประวัติศาสตร์ศิลปะ ความเอื้ออาทรและขอบเขตของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะในอิตาลีในศตวรรษที่ 15 สร้างความประทับใจให้กับกิจกรรมสร้างสรรค์ที่ไม่เคยมีมาก่อนของประติมากรและจิตรกร

ชื่อเสียงของผู้ก่อตั้งภาพวาด Quattrocento เป็นของ Masaccio ศิลปินชาวฟลอเรนซ์ซึ่งเสียชีวิตตั้งแต่ยังเด็กมาก (1401-1428) ในจิตรกรรมฝาผนังของเขา ตัวเลขที่วาดตามกฎของกายวิภาคศาสตร์เชื่อมโยงถึงกันและกับภูมิทัศน์ เนินเขาและต้นไม้ทอดยาวออกไป ก่อให้เกิดสภาพแวดล้อมที่มีอากาศเป็นธรรมชาติ ชีวิตของผู้คนและธรรมชาติเชื่อมโยงกันเป็นองค์รวมเป็นการกระทำที่น่าทึ่ง นี่คือคำใหม่ในโลกศิลปะการวาดภาพ

โรงเรียนฟลอเรนซ์ยังคงเป็นผู้นำด้านศิลปะอิตาลีมาเป็นเวลานาน นอกจากนี้ยังมีการเคลื่อนไหวแบบอนุรักษ์นิยมมากขึ้นอีกด้วย ศิลปินของขบวนการนี้คือพระภิกษุ ซึ่งเป็นเหตุให้ในประวัติศาสตร์ศิลปะพวกเขาถูกเรียกว่าสงฆ์ หนึ่งในผู้ที่มีชื่อเสียงที่สุดในหมู่พวกเขาคือ Angelico da Fiesole น้องชายของ Giovanni Beato (1387-1455)

ลักษณะพิเศษของการวาดภาพ Quattrocento ช่วงปลายคือความหลากหลายของโรงเรียนและทิศทาง ในเวลานี้ โรงเรียน Florentine, Umbian (Piero della Francesca, Pinturicchio, Perugino), ภาษาอิตาลีตอนเหนือ (Mantegni), โรงเรียน Venetian (Giovanni Bellini) ได้เป็นรูปเป็นร่าง

หนึ่งในที่สุด ศิลปินที่โดดเด่น Quattrocento - Sandro Botticelli (1445-1510) - ตัวแทนของอุดมคติทางสุนทรียภาพของศาลของเผด็จการนักการเมืองผู้ใจบุญนักกวีและนักปรัชญา Lorenzo Medici ชื่อเล่นผู้ยิ่งใหญ่ ราชสำนักของกษัตริย์ที่ไม่สวมมงกุฎนี้เป็นศูนย์กลางของวัฒนธรรมทางศิลปะที่รวบรวมนักปรัชญา นักวิทยาศาสตร์ และศิลปินชื่อดังเข้าด้วยกัน

ในงานศิลปะของบอตติเชลลีมีการสังเคราะห์ความลึกลับในยุคกลางที่แปลกประหลาดกับประเพณีโบราณอุดมคติของโกธิคและเรอเนซองส์ ในตัวเขา ภาพในตำนานมีการฟื้นตัวของสัญลักษณ์ เขาพรรณนาถึงเทพธิดาโบราณที่สวยงามซึ่งไม่ได้อยู่ในรูปแบบความงามทางโลกที่ตระการตา แต่อยู่ในภาพที่โรแมนติก มีจิตวิญญาณ และประเสริฐ ภาพวาดที่ทำให้เขาโด่งดังคือ “The Birth of Venus” ที่นี่เราเห็นภาพลักษณ์ของผู้หญิงที่มีเอกลักษณ์ของบอตติเชลลีซึ่งไม่สับสนกับผลงานของศิลปินคนอื่น บอตติเชลลีผสมผสานความเย้ายวนแบบนอกรีตเข้ากับจิตวิญญาณที่เพิ่มสูงขึ้นอย่างน่าอัศจรรย์ ความเป็นผู้หญิงเชิงประติมากรรมและความเปราะบางที่อ่อนโยน ความซับซ้อน ความแม่นยำเชิงเส้นและอารมณ์ความรู้สึก ความแปรปรวน เขาเป็นหนึ่งในศิลปินที่มีบทกวีมากที่สุดในประวัติศาสตร์ศิลปะ เขาชอบสัญลักษณ์เชิงเปรียบเทียบชอบฝันและแสดงออกเป็นนัย

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นกินเวลาประมาณหนึ่งศตวรรษ ปิดท้ายด้วยยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงซึ่งกินเวลาเพียงประมาณ 30 ปีเท่านั้น โรมกลายเป็นศูนย์กลางหลักของชีวิตทางศิลปะในเวลานี้

หากศิลปะของ Quattrocento คือการวิเคราะห์ การค้นหา การค้นพบ ความสดใหม่ของโลกทัศน์ในวัยเยาว์ ศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงก็คือผลลัพธ์ การสังเคราะห์ วุฒิภาวะที่ชาญฉลาด การค้นหาอุดมคติทางศิลปะในช่วงยุค Quattrocento ได้นำศิลปะไปสู่ลักษณะทั่วไป และการค้นพบรูปแบบทั่วไป ความแตกต่างที่สำคัญระหว่างศิลปะของยุคเรอเนซองส์สูงคือการละทิ้งรายละเอียด รายละเอียด รายละเอียดในชื่อของภาพทั่วไป ประสบการณ์ทั้งหมดและการค้นหารุ่นก่อนทั้งหมดถูกบีบอัดโดยปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ของ Cinquecento ในภาพรวมที่ยิ่งใหญ่

ภาพลักษณ์ของบุคคลที่สวยงามและเอาแต่ใจถือเป็นเนื้อหาหลักของศิลปะในยุคนั้น ต่างจากศิลปะแห่งศตวรรษที่ 15 มันมีลักษณะของความปรารถนาที่จะเข้าใจและรวบรวมรูปแบบทั่วไปของปรากฏการณ์ชีวิต

นี่คือยุคของไททันเรอเนซองส์ซึ่งทำให้งานของ Leonardo, Raphael และ Michelangelo กลายเป็นวัฒนธรรมโลก ในประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมโลก อัจฉริยะทั้งสามคนนี้แม้จะมีความแตกต่างกันทั้งหมด แต่บุคลิกลักษณะที่สร้างสรรค์ก็แสดงให้เห็นถึงคุณค่าหลักของยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี - ความกลมกลืนของความงาม พลัง และสติปัญญา ชีวิตของพวกเขาเป็นหลักฐานของการเปลี่ยนแปลงทัศนคติของสังคมต่อบุคลิกภาพที่สร้างสรรค์ของศิลปินซึ่งเป็นลักษณะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ปรมาจารย์ด้านศิลปะกลายเป็นบุคคลที่โดดเด่นและมีคุณค่าในสังคมและได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นผู้ที่ได้รับการศึกษามากที่สุดในยุคนั้น

คุณลักษณะนี้อาจจะมากกว่าบุคคลอื่นๆ ในยุคเรอเนซองส์ ซึ่งใช้ได้กับ Leonardo da Vinci (1452 - 1519) เขาผสมผสานอัจฉริยะทางศิลปะและวิทยาศาสตร์เข้าด้วยกัน เลโอนาร์โดเป็นนักวิทยาศาสตร์ที่ศึกษาธรรมชาติไม่ใช่เพื่อศิลปะ แต่เพื่อวิทยาศาสตร์ นั่นคือสาเหตุที่ผลงานของ Leonardo ที่เสร็จสมบูรณ์เพียงไม่กี่ชิ้นถึงมาถึงเรา เขาเริ่มวาดภาพและทิ้งมันทันทีที่ปัญหาดูเหมือนชัดเจนสำหรับเขา ข้อสังเกตหลายประการของเขาคาดการณ์ถึงพัฒนาการของวิทยาศาสตร์และการวาดภาพของยุโรปตลอดหลายศตวรรษ การค้นพบทางวิทยาศาสตร์สมัยใหม่กระตุ้นความสนใจในภาพวาดทางวิศวกรรมไซไฟของเขา

พระแม่มารีในถ้ำของพระองค์เป็นแท่นบูชาชิ้นแรกในยุคเรอเนสซองส์สูง เป็นภาพวาดขนาดใหญ่ในรูปแบบทั่วไปในภาพวาดยุคเรอเนซองส์ มีลักษณะคล้ายหน้าต่าง ด้านบนโค้งมน

เวทีใหม่ในงานศิลปะคือการทาสีผนังโรงอาหารของอารามซานตามาเรียเดลกราซีตามเนื้อเรื่องของ Last Supper ซึ่งวาดโดยศิลปิน Quattrocento หลายคน "พระกระยาหารมื้อสุดท้าย" - รากฐานที่สำคัญ ศิลปะคลาสสิกได้ดำเนินโครงการ High Renaissance เลโอนาร์โดทำงานในงานนี้มา 16 ปี ภาพปูนเปียกขนาดใหญ่ซึ่งมีการทาสีตัวเลขให้ใหญ่กว่าขนาดจริงหนึ่งเท่าครึ่ง กลายเป็นตัวอย่างของความเข้าใจอย่างชาญฉลาดเกี่ยวกับกฎของการวาดภาพขนาดมหึมาที่เกี่ยวข้องกับพื้นที่จริงของการตกแต่งภายใน เป็นการรวบรวมการวิจัยทางวิทยาศาสตร์ของศิลปินในสาขาฟิสิกส์ ทัศนศาสตร์ คณิตศาสตร์ และกายวิภาคศาสตร์ ซึ่งจำเป็นต่อการแก้ปัญหาสัดส่วนและเปอร์สเปคทีฟในพื้นที่ภาพอันกว้างใหญ่ สิ่งสำคัญที่สุดคือผลงานที่ยอดเยี่ยมของ Leonardo มีพลังทางจิตวิทยามหาศาล ไม่มีศิลปินคนใดที่วาดภาพพระกระยาหารมื้อสุดท้ายก่อนที่เลโอนาร์โดจะสร้างงานที่ยากลำบากเช่นนี้ - ผ่านปฏิกิริยา ผู้คนที่หลากหลายบุคลิกภาพ อุปนิสัย การตอบสนองทางอารมณ์เพื่อแสดงความหมายที่เป็นหนึ่งเดียวของช่วงเวลาอันยิ่งใหญ่นี้ อัครสาวก 12 คน ตัวละคร 12 ตัวที่แตกต่างกันแสดงออกในรูปแบบที่แตกต่างกันในช่วงเวลาแห่งความตกใจทางอารมณ์ ผ่านปฏิกิริยาทางอารมณ์ที่แสดงออกในการเคลื่อนไหว คำถามนิรันดร์ของมนุษย์ถูกเปิดเผย: เกี่ยวกับความรักและความเกลียดชัง การอุทิศตนและการทรยศ ความสูงส่งและความถ่อมตัว

หนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกคือผลงานของ Leonardo "La Gioconda" ภาพเหมือนของภรรยาของพ่อค้า del Giocondo นี้ดึงดูดความสนใจมานานหลายศตวรรษ มีการเขียนบทวิจารณ์หลายร้อยหน้าเกี่ยวกับภาพนี้ ถูกขโมย ปลอมแปลง คัดลอก และเชื่อในพลังเวทมนตร์ การแสดงออกที่เข้าใจยากบนใบหน้าของ Gioconda ท้าทายคำอธิบายและการทำซ้ำที่แม่นยำ ภาพบุคคลนี้กลายเป็นผลงานชิ้นเอกของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

นับเป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ศิลปะโลกที่ประเภทภาพเหมือนยืนอยู่ในระดับเดียวกับการแต่งเพลงในธีมทางศาสนา

แนวคิดเกี่ยวกับศิลปะที่ยิ่งใหญ่แห่งยุคเรอเนซองส์พบการแสดงออกที่ชัดเจนในผลงานของราฟาเอล สันติ (ค.ศ. 1483-1520) เลโอนาร์โดสร้างขึ้น สไตล์คลาสสิกราฟาเอลอนุมัติและเผยแพร่มัน ศิลปะของราฟาเอลมักถูกกำหนดให้เป็น "ค่าเฉลี่ยสีทอง"

งานของราฟาเอลโดดเด่นด้วยคุณสมบัติคลาสสิก - ความชัดเจน ความเรียบง่ายอันสูงส่ง ความสามัคคี โดยรวมแล้วมีความเชื่อมโยงกับวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เขาอายุน้อยกว่าเลโอนาร์โด 30 ปี และเสียชีวิตเกือบจะพร้อมกันกับเขา โดยประสบความสำเร็จมากมายในประวัติศาสตร์ศิลปะจนเป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการว่าคน ๆ เดียวสามารถทำทุกอย่างสำเร็จได้ ศิลปิน สถาปนิก นักอนุสาวรีย์ ผู้มีความสามารถรอบด้าน ผู้เชี่ยวชาญด้านการถ่ายภาพบุคคลและการจัดองค์ประกอบภาพหลายรูปแบบ ช่างตกแต่งที่มีพรสวรรค์ เขาเป็นบุคคลสำคัญในชีวิตศิลปะของกรุงโรม จุดสุดยอดของความเชี่ยวชาญของเขาคือ "Sistine Madonna" วาดในปี 1516 สำหรับอารามเบเนดิกตินในปิอาเซนซา (ปัจจุบันภาพวาดอยู่ในเดรสเดิน) สำหรับหลายๆ คน ศิลปะคือการวัดความสวยงามที่สุดที่สร้างสรรค์ได้

การจัดวางแท่นบูชานี้ถือเป็นสูตรสำเร็จแห่งความงามและความกลมกลืนมานานหลายศตวรรษ ความรู้สึกโศกเศร้าเล็ดลอดออกมาจากใบหน้าฝ่ายวิญญาณอันน่าอัศจรรย์ของพระแม่มารีและเทพเบบี้ซึ่งเธอมอบให้เพื่อชดใช้บาปของมนุษย์ การจ้องมองของมาดอนน่ามุ่งตรงราวกับผ่านผู้ชมซึ่งเต็มไปด้วยการมองการณ์ไกลอันโศกเศร้า ภาพนี้รวบรวมเอาการสังเคราะห์อุดมคติแห่งความงามแบบโบราณเข้ากับจิตวิญญาณของอุดมคติแบบคริสเตียน

คุณค่าทางประวัติศาสตร์ของงานศิลปะของราฟาเอลคือการที่เขาเชื่อมโยงสองโลกเป็นหนึ่งเดียว - โลกคริสเตียนและโลกนอกรีต นับแต่นั้นเป็นต้นมา อุดมคติทางศิลปะใหม่ก็ได้รับการสถาปนาขึ้นอย่างมั่นคง ศิลปะทางศาสนายุโรปตะวันตก.

ประติมากรรมยุคเรอเนซองส์

อัจฉริยะที่สดใสของราฟาเอลยังห่างไกลจากความลึกทางจิตวิทยา โลกภายในคนอย่างเลโอนาร์โดแต่ยังต่างจากโลกทัศน์อันน่าเศร้าของมิเกลันเจโลมากกว่า Michelangelo Buonarroti (1475-1564) มีชีวิตที่ยืนยาว ยากลำบาก และเป็นวีรบุรุษ อัจฉริยภาพของพระองค์แสดงออกมาในสถาปัตยกรรม จิตรกรรม กวีนิพนธ์ แต่เห็นได้ชัดเจนที่สุดในงานประติมากรรม เขามองโลกในแง่พลาสติก ในทุก ๆ ด้านของศิลปะเขาเป็นประติมากรเป็นหลัก ร่างกายมนุษย์ดูเหมือนเป็นเรื่องที่มีค่าที่สุดสำหรับเขาในการพรรณนา แต่นี่คือชายผู้มีสายพันธุ์พิเศษ ทรงพลัง และกล้าหาญ งานศิลปะของ Michelangelo อุทิศให้กับการเชิดชูนักสู้มนุษย์ กิจกรรมที่กล้าหาญ และความทุกข์ทรมานของเขา งานศิลปะของเขามีเอกลักษณ์เฉพาะด้วย gigantomania ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นอันยิ่งใหญ่ นี่คือศิลปะของจัตุรัส อาคารสาธารณะ ไม่ใช่ห้องโถงในพระราชวัง ศิลปะสำหรับประชาชน ไม่ใช่สำหรับขุนนางในราชสำนัก

ศตวรรษที่ 15 เป็นช่วงรุ่งเรืองของประติมากรรมที่ยิ่งใหญ่ในอิตาลี โดยยื่นออกมาจากด้านในสู่ส่วนหน้าของโบสถ์และอาคารพลเรือน เข้าสู่จัตุรัสกลางเมือง และกลายเป็นส่วนหนึ่งของวงดนตรีของเมือง

หนึ่งในที่เก่าแก่ที่สุดและมากที่สุด ผลงานที่มีชื่อเสียง Michelangelo - รูปปั้นเดวิดสูงห้าเมตรในจัตุรัสในฟลอเรนซ์ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของชัยชนะของเดวิดหนุ่มเหนือโกลิอัทยักษ์ การเปิดอนุสาวรีย์กลายเป็นการเฉลิมฉลองที่ได้รับความนิยม เพราะชาวฟลอเรนซ์เห็นว่าดาวิดเป็นวีรบุรุษที่อยู่ใกล้พวกเขา เป็นพลเมืองและผู้พิทักษ์สาธารณรัฐ

ประติมากรยุคเรอเนซองส์ไม่เพียงหันมาใช้แบบดั้งเดิมเท่านั้น ภาพคริสเตียนแต่ยังรวมถึงผู้คนที่มีชีวิตอยู่ร่วมสมัยด้วย การพัฒนาประเภทของประติมากรรมภาพเหมือน อนุสาวรีย์หลุมฝังศพ เหรียญรูปคน และรูปปั้นคนขี่ม้า มีความเกี่ยวข้องกับความปรารถนาที่จะสานต่อภาพลักษณ์ของคนร่วมสมัยที่แท้จริง ประติมากรรมเหล่านี้ประดับจัตุรัสในเมืองและเปลี่ยนรูปลักษณ์

ประติมากรรมยุคเรอเนซองส์กลับคืนสู่ประเพณีประติมากรรมโบราณ อนุสาวรีย์ ประติมากรรมโบราณกลายเป็นเป้าหมายของการศึกษาตัวอย่างภาษาพลาสติก ประติมากรรม ก่อนทาสีออกจากศีลยุคกลางและใช้เส้นทางใหม่ของการพัฒนา บางทีสิ่งนี้อาจอธิบายได้จากสถานที่ที่อยู่ในโบสถ์ยุคกลาง ในระหว่างการก่อสร้างมหาวิหารขนาดใหญ่ มีการสร้างเวิร์คช็อปเพื่อฝึกอบรมช่างแกะสลักและมัณฑนากรที่ทำงานที่นี่ การเตรียมการที่ดี. เวิร์คช็อปของประติมากรเป็นศูนย์กลางของชีวิตทางศิลปะชั้นนำ และมีบทบาทสำคัญในการศึกษาโบราณวัตถุและกายวิภาคศาสตร์ของร่างกายมนุษย์ ความสำเร็จของประติมากรรมในยุคเรอเนซองส์ตอนต้นมีอิทธิพลอย่างมากต่อจิตรกรที่รับรู้ถึงบุคคลที่มีชีวิตผ่านปริซึมของความเป็นพลาสติก ประติมากรแห่งยุคเรอเนซองส์บรรลุความหมายที่สมบูรณ์ของร่างกายมนุษย์โดยปลดปล่อยมันออกจากใต้เสื้อผ้าจำนวนมากซึ่งมีร่างของกอธิคยุคกลางซ่อนอยู่ เส้นทางที่เฮลลาสเดินทางในสามศตวรรษนั้นเสร็จสมบูรณ์โดยปรมาจารย์สามรุ่นในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

จิตรกรรมยุคเรอเนซองส์ถือเป็นกองทุนทองคำไม่เพียงแต่ของยุโรปเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงศิลปะโลกด้วย ยุคเรอเนซองส์เข้ามาแทนที่ยุคกลางอันมืดมิด อยู่ภายใต้หลักคำสอนของคริสตจักร และนำหน้าการตรัสรู้และยุคใหม่ในเวลาต่อมา

การคำนวณระยะเวลาของระยะเวลานั้นคุ้มค่าขึ้นอยู่กับประเทศ ยุคแห่งความเจริญรุ่งเรืองทางวัฒนธรรม ดังที่เรียกกันทั่วไปว่าเริ่มต้นในอิตาลีในศตวรรษที่ 14 จากนั้นแพร่กระจายไปทั่วยุโรปและมาถึงจุดสูงสุดในปลายศตวรรษที่ 15 นักประวัติศาสตร์แบ่งช่วงเวลานี้ในงานศิลปะออกเป็นสี่ช่วง: ยุคโปรโต-เรอเนซองส์ ยุคต้น ยุคสูงและ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภายหลัง. แน่นอนว่าภาพวาดเรอเนซองส์ของอิตาลีมีคุณค่าและความสนใจเป็นพิเศษ แต่ปรมาจารย์ชาวฝรั่งเศส เยอรมัน และดัตช์ก็ไม่ควรมองข้าม เป็นเรื่องเกี่ยวกับพวกเขาในบริบทของช่วงเวลาของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่จะกล่าวถึงต่อไปในบทความ

โปรโต-เรอเนซองส์

ยุคโปรโต-เรอเนซองส์กินเวลาตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 13 จนถึงศตวรรษที่ 14 มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับยุคกลางซึ่งอยู่ในช่วงปลายยุคนั้น Proto-Renaissance เป็นบรรพบุรุษของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและผสมผสานประเพณีไบแซนไทน์ โรมาเนสก์ และกอทิกเข้าด้วยกัน กระแสของยุคใหม่ปรากฏตัวครั้งแรกในงานประติมากรรม และจากนั้นก็เฉพาะในการวาดภาพเท่านั้น หลังมีโรงเรียนสองแห่งในเซียนาและฟลอเรนซ์

บุคคลสำคัญในยุคนั้นคือศิลปินและสถาปนิก Giotto di Bondone ตัวแทนของโรงเรียนจิตรกรรมฟลอเรนซ์กลายเป็นนักปฏิรูป เขาได้สรุปเส้นทางที่จะพัฒนาต่อไป ลักษณะของจิตรกรรมยุคเรอเนซองส์มีต้นกำเนิดมาอย่างแม่นยำในช่วงเวลานี้ เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปว่า Giotto สามารถเอาชนะรูปแบบการวาดภาพไอคอนที่ไบแซนเทียมและอิตาลีพบเห็นได้ทั่วไปในผลงานของเขา เขาสร้างพื้นที่นี้ไม่ใช่แบบสองมิติ แต่เป็นสามมิติ โดยใช้ไคอาโรสคูโรเพื่อสร้างภาพลวงตาของความลึก ภาพถ่ายแสดงภาพวาด "The Kiss of Judas"

ตัวแทนของโรงเรียนฟลอเรนซ์ยืนอยู่ที่จุดกำเนิดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและทำทุกอย่างเพื่อดึงภาพวาดออกมาจากความซบเซาในยุคกลางอันยาวนาน

ยุคโปรโตเรอเนซองส์แบ่งออกเป็นสองช่วง: ก่อนและหลังการเสียชีวิตของเขา จนถึงปี 1337 ปรมาจารย์ที่ฉลาดที่สุดได้ทำงานและการค้นพบที่สำคัญที่สุดก็เกิดขึ้น ต่อมาอิตาลีก็โดนโรคระบาดระบาด

จิตรกรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: สั้น ๆ เกี่ยวกับช่วงต้น

ยุคเรอเนซองส์ตอนต้นครอบคลุมระยะเวลา 80 ปี: ตั้งแต่ปี 1420 ถึง 1500 ในเวลานี้ ยังไม่ได้ละทิ้งประเพณีในอดีตโดยสิ้นเชิงและยังคงเกี่ยวข้องกับศิลปะในยุคกลาง อย่างไรก็ตามรู้สึกถึงลมหายใจของเทรนด์ใหม่ ๆ ไปแล้ว ปรมาจารย์เริ่มหันไปหาองค์ประกอบของสมัยโบราณบ่อยขึ้น ท้ายที่สุดแล้ว ศิลปินก็ละทิ้งสไตล์ยุคกลางไปโดยสิ้นเชิง และเริ่มใช้ตัวอย่างที่ดีที่สุดของวัฒนธรรมโบราณอย่างกล้าหาญ โปรดทราบว่ากระบวนการค่อนข้างช้าทีละขั้นตอน

ตัวแทนที่สดใสของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น

ผลงานของศิลปินชาวอิตาลี Piero della Francesca เป็นผลงานของยุคเรอเนซองส์ตอนต้นโดยสิ้นเชิง ผลงานของเขาโดดเด่นด้วยความสูงส่ง ความงามและความกลมกลืน มุมมองที่แม่นยำ สีสันอันนุ่มนวลที่เต็มไปด้วยแสง ในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต นอกเหนือจากการวาดภาพแล้ว เขายังศึกษาคณิตศาสตร์เชิงลึกและเขียนบทความของตัวเองอีกสองเรื่องอีกด้วย นักเรียนอีกคนเป็นของเขา จิตรกรชื่อดัง, Luca Signorelli และสไตล์นี้สะท้อนให้เห็นในผลงานของปรมาจารย์ชาวอัมเบรียนหลายคน ในภาพด้านบนเป็นส่วนหนึ่งของจิตรกรรมฝาผนังในโบสถ์ซานฟรานเชสโกในอาเรซโซ “ประวัติศาสตร์ของราชินีแห่งชีบา”

โดเมนิโก เกอร์ลันไดโอเป็นตัวแทนที่โดดเด่นอีกคนหนึ่งของโรงเรียนจิตรกรรมเรอเนซองส์แห่งฟลอเรนซ์ ช่วงต้น. เขาเป็นผู้ก่อตั้งราชวงศ์ศิลปะที่มีชื่อเสียงและเป็นหัวหน้าเวิร์คช็อปที่ Michelangelo รุ่นเยาว์เริ่มต้นขึ้น Ghirlandaio เป็นปรมาจารย์ผู้มีชื่อเสียงและประสบความสำเร็จซึ่งไม่เพียงแต่มีส่วนร่วมในการวาดภาพปูนเปียก (โบสถ์ Tornabuoni, Sistine) เท่านั้น แต่ยังรวมถึงการวาดภาพขาตั้ง (“Adoration of the Magi”, “การประสูติ”, “ชายชรากับหลานชาย”, “ภาพเหมือนของ Giovanna Tornabuoni” - ภาพด้านล่าง)

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง

ช่วงเวลานี้ซึ่งรูปแบบการพัฒนาอย่างวิจิตรงดงามเกิดขึ้นในช่วงปี ค.ศ. 1500-1527 ในเวลานี้ ศูนย์กลางศิลปะอิตาลีได้ย้ายจากฟลอเรนซ์ไปยังโรม สิ่งนี้เกี่ยวข้องกับการขึ้นสู่บัลลังก์ของสมเด็จพระสันตะปาปาของจูเลียสที่ 2 ผู้ทะเยอทะยานและกล้าได้กล้าเสียซึ่งดึงดูดศิลปินที่ดีที่สุดของอิตาลีมาที่ศาลของเขา โรมกลายเป็นเหมือนเอเธนส์ในช่วงเวลาของ Pericles และมีประสบการณ์การเติบโตและการก่อสร้างที่เฟื่องฟูอย่างไม่น่าเชื่อ ในขณะเดียวกันก็มีความกลมกลืนระหว่างสาขาศิลปะ: ประติมากรรม สถาปัตยกรรม และจิตรกรรม ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยานำพวกเขามารวมกัน ดูเหมือนพวกเขาจะจับมือกัน เกื้อกูลกัน และมีปฏิสัมพันธ์กัน

สมัยโบราณได้รับการศึกษาอย่างถี่ถ้วนยิ่งขึ้นในช่วงยุคเรอเนซองส์สูงและทำซ้ำด้วยความแม่นยำ ความเข้มงวด และความสม่ำเสมอสูงสุด ศักดิ์ศรีและความเงียบสงบเข้ามาแทนที่ความงามอันเย้ายวนใจ และประเพณีในยุคกลางก็ถูกลืมไปอย่างสิ้นเชิง จุดสุดยอดของยุคเรอเนซองส์โดดเด่นด้วยผลงานของสามผู้ยิ่งใหญ่ที่สุด ผู้เชี่ยวชาญชาวอิตาลี: Rafael Santi (ภาพวาด "Donna Velata" ในภาพด้านบน), Michelangelo และ Leonardo da Vinci ("Mona Lisa" - ในภาพแรก)

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลายครอบคลุมช่วงเวลาตั้งแต่ทศวรรษที่ 1530 ถึง 1590 ถึง 1620 ในอิตาลี นักวิจารณ์ศิลปะและนักประวัติศาสตร์ลดผลงานในยุคนี้ให้เหลือเพียงส่วนร่วมที่มีแบบแผนในระดับสูง ยุโรปตอนใต้อยู่ภายใต้อิทธิพลของการต่อต้านการปฏิรูปที่ได้รับชัยชนะซึ่งรับรู้ด้วยความระมัดระวังอย่างยิ่งต่อความคิดอิสระใด ๆ รวมถึงการฟื้นคืนชีพของอุดมคติในสมัยโบราณ

ในฟลอเรนซ์ มีการครอบงำของลัทธิลักษณะนิสัย โดยมีลักษณะเฉพาะด้วยสีสังเคราะห์และเส้นที่ขาดๆ หายๆ อย่างไรก็ตามเขาไปถึงปาร์มาซึ่งคอร์เรจจิโอทำงานอยู่หลังจากปรมาจารย์เสียชีวิตเท่านั้น มีแนวทางการพัฒนาเป็นของตัวเอง จิตรกรรมเวนิสยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย Palladio และ Titian ซึ่งทำงานที่นั่นจนถึงทศวรรษ 1570 เป็นตัวแทนที่ฉลาดที่สุด งานของพวกเขาไม่เกี่ยวข้องกับกระแสใหม่ในโรมและฟลอเรนซ์

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือ

คำนี้ใช้เพื่ออธิบายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทั่วยุโรป นอกอิตาลีโดยทั่วไป และในประเทศที่พูดภาษาเยอรมันโดยเฉพาะ มันมีคุณสมบัติหลายประการ ยุคเรอเนซองส์ตอนเหนือไม่เหมือนกันและมีลักษณะเฉพาะในแต่ละประเทศ นักประวัติศาสตร์ศิลป์แบ่งออกเป็นหลายทิศทาง: ฝรั่งเศส เยอรมัน ดัตช์ สเปน โปแลนด์ อังกฤษ ฯลฯ

การตื่นขึ้นของยุโรปต้องใช้สองเส้นทาง: การพัฒนาและการเผยแพร่โลกทัศน์ทางโลกที่มีมนุษยนิยม และการพัฒนาแนวความคิดสำหรับการรื้อฟื้นประเพณีทางศาสนา ทั้งคู่สัมผัสกันบางครั้งก็ผสานกัน แต่ในขณะเดียวกันพวกเขาก็เป็นศัตรูกัน อิตาลีเลือกเส้นทางแรกและยุโรปเหนือ - เส้นทางที่สอง

ยุคเรอเนซองส์แทบจะไม่มีอิทธิพลต่อศิลปะทางเหนือเลยแม้แต่ภาพวาด จนกระทั่งถึงปี ค.ศ. 1450 ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1500 ก็ได้แผ่ขยายไปทั่วทั้งทวีป แต่ในบางแห่งอิทธิพลของโกธิคตอนปลายยังคงอยู่จนกระทั่งถึงยุคบาโรก

ยุคเรอเนซองส์ตอนเหนือมีลักษณะเด่นที่มีอิทธิพลสำคัญต่อสไตล์กอทิกน้อย ความสนใจอย่างใกล้ชิดไปจนถึงการศึกษาโบราณวัตถุและกายวิภาคของมนุษย์ด้วยเทคนิคการเขียนที่ละเอียดและรอบคอบ การปฏิรูปมีอิทธิพลทางอุดมการณ์ที่สำคัญต่อเขา

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือของฝรั่งเศส

ภาษาอิตาลีที่ใกล้เคียงที่สุดคือ ภาพวาดฝรั่งเศส. ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสำหรับวัฒนธรรมของฝรั่งเศสจึงกลายเป็น ขั้นตอนสำคัญ. ในเวลานี้ ความสัมพันธ์ระหว่างกษัตริย์และชนชั้นกลางมีความเข้มแข็งมากขึ้น แนวคิดทางศาสนาในยุคกลางก็จางหายไปในเบื้องหลัง ทำให้เกิดแนวโน้มเห็นอกเห็นใจ ตัวแทน: Francois Quesnel, Jean Fouquet (ในภาพคือชิ้นส่วนของ "Melen Diptych" ของปรมาจารย์), Jean Clouse, Jean Goujon, Marc Duval, Francois Clouet

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนเหนือของเยอรมันและดัตช์

ผลงานที่โดดเด่นของยุคเรอเนซองส์ตอนเหนือถูกสร้างขึ้นโดยปรมาจารย์ชาวเยอรมันและเฟลมิช-ดัตช์ ศาสนายังคงมีบทบาทสำคัญในประเทศเหล่านี้ และมีอิทธิพลอย่างมากต่อการวาดภาพ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาใช้เส้นทางที่แตกต่างออกไปในเนเธอร์แลนด์และเยอรมนี ต่างจากผลงานของปรมาจารย์ชาวอิตาลี ศิลปินของประเทศเหล่านี้ไม่ได้วางมนุษย์ไว้ที่ศูนย์กลางของจักรวาล ตลอดเกือบตลอดศตวรรษที่ 15 พวกเขาวาดภาพเขาในสไตล์โกธิค: สว่างและไม่มีตัวตน ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดัตช์ ได้แก่ Hubert van Eyck, Jan van Eyck, Robert Campen, Hugo van der Goes, ชาวเยอรมัน - Albert Durer, Lucas Cranach the Elder, Hans Holbein, Matthias Grunewald

ภาพถ่ายแสดงภาพเหมือนตนเองของ A. Durer จากปี 1498

แม้ว่าผลงานของปรมาจารย์ทางตอนเหนือจะแตกต่างอย่างมากจากผลงานของจิตรกรชาวอิตาลี แต่พวกเขาก็ได้รับการยอมรับว่าเป็นนิทรรศการวิจิตรศิลป์อันล้ำค่า

การวาดภาพยุคเรอเนซองส์ก็เหมือนกับวัฒนธรรมอื่นๆ โดยรวม มีลักษณะเฉพาะด้วยลักษณะทางโลก มนุษยนิยม และสิ่งที่เรียกว่ามานุษยวิทยา หรืออีกนัยหนึ่งคือความสนใจหลักในมนุษย์และกิจกรรมของเขา ในช่วงเวลานี้มันเกิดขึ้น เจริญรุ่งเรืองอย่างแท้จริงความสนใจในศิลปะโบราณและการฟื้นฟูก็เกิดขึ้น ยุคนั้นทำให้โลกเต็มไปด้วยประติมากร สถาปนิก นักเขียน กวี และศิลปินที่เก่งกาจ ไม่เคยมีมาก่อนหรือตั้งแต่นั้นมาความเจริญรุ่งเรืองทางวัฒนธรรมได้แพร่หลายขนาดนี้มาก่อน

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา มีการเปลี่ยนแปลงและการค้นพบมากมายเกิดขึ้น สำรวจทวีปใหม่ๆ การค้าพัฒนา สิ่งสำคัญถูกประดิษฐ์ขึ้น เช่น กระดาษ เข็มทิศทางทะเล ดินปืน และอื่นๆ อีกมากมาย การเปลี่ยนแปลงในการวาดภาพก็มีความสำคัญอย่างยิ่งเช่นกัน ภาพวาดยุคเรอเนซองส์ได้รับความนิยมอย่างมาก

รูปแบบและแนวโน้มหลักในผลงานของอาจารย์

ช่วงเวลานี้เป็นช่วงที่มีผลมากที่สุดในประวัติศาสตร์ศิลปะ ปัจจุบันสามารถพบผลงานชิ้นเอกของปรมาจารย์ที่โดดเด่นจำนวนมากได้ในศูนย์ศิลปะหลายแห่ง นักนวัตกรรมปรากฏตัวในฟลอเรนซ์ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่สิบห้า ภาพวาดยุคเรอเนซองส์ของพวกเขาเป็นจุดเริ่มต้น ยุคใหม่ในประวัติศาสตร์ศิลปะ

ในเวลานี้ วิทยาศาสตร์และศิลปะมีความเกี่ยวข้องกันอย่างใกล้ชิด ศิลปินและนักวิทยาศาสตร์พยายามที่จะเชี่ยวชาญโลกทางกายภาพ จิตรกรพยายามใช้ประโยชน์จากแนวคิดที่ถูกต้องมากขึ้นเกี่ยวกับร่างกายมนุษย์ ศิลปินหลายคนมุ่งมั่นเพื่อความสมจริง สไตล์เริ่มต้นด้วยภาพวาด "The Last Supper" ของ Leonardo da Vinci ซึ่งเขาวาดไว้เกือบสี่ปี

หนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุด

มันถูกทาสีในปี 1490 สำหรับโรงอาหารของอาราม Santa Maria delle Grazie ในมิลาน ภาพวาดนี้แสดงถึงอาหารมื้อสุดท้ายของพระเยซูกับเหล่าสาวกก่อนที่พระองค์จะถูกจับกุมและสังหาร ผู้ร่วมสมัยที่ชมผลงานของศิลปินในช่วงเวลานี้ตั้งข้อสังเกตว่าเขาวาดภาพตั้งแต่เช้าจรดเย็นโดยไม่หยุดกินด้วยซ้ำ จากนั้นเขาก็สามารถละทิ้งภาพวาดของเขาเป็นเวลาหลายวันและไม่เข้าใกล้มันเลย

ศิลปินมีความกังวลอย่างมากเกี่ยวกับภาพลักษณ์ของพระคริสต์เองและยูดาสผู้ทรยศ เมื่อภาพวาดเสร็จสมบูรณ์ในที่สุด ก็ได้รับการยอมรับอย่างถูกต้องว่าเป็นผลงานชิ้นเอก “The Last Supper” ยังคงเป็นหนึ่งในรายการที่ได้รับความนิยมมากที่สุด การทำสำเนายุคเรอเนซองส์เป็นที่ต้องการอย่างมากมาโดยตลอด แต่ผลงานชิ้นเอกนี้มีสำเนาจำนวนนับไม่ถ้วน

ผลงานชิ้นเอกที่ได้รับการยอมรับ หรือรอยยิ้มลึกลับของผู้หญิง

ในบรรดาผลงานที่สร้างโดย Leonardo ในศตวรรษที่ 16 มีภาพเหมือนที่เรียกว่า Mona Lisa หรือ La Gioconda ในยุคปัจจุบันนี้อาจจะเป็นภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก มันได้รับความนิยมเป็นหลักเพราะรอยยิ้มบนใบหน้าของผู้หญิงที่ปรากฎบนผืนผ้าใบ อะไรนำไปสู่ความลึกลับเช่นนี้? ฝีมือของปรมาจารย์ความสามารถในการปกปิดมุมตาและปากอย่างชำนาญ? จนถึงทุกวันนี้ยังไม่สามารถระบุลักษณะที่แท้จริงของรอยยิ้มนี้ได้

รายละเอียดอื่น ๆ ของภาพนี้อยู่นอกเหนือการแข่งขัน ควรให้ความสนใจกับมือและดวงตาของผู้หญิง: ศิลปินปฏิบัติต่อรายละเอียดที่เล็กที่สุดของผืนผ้าใบได้อย่างแม่นยำเพียงใดเมื่อวาดภาพ สิ่งที่น่าสนใจไม่น้อยคือภูมิทัศน์ที่น่าทึ่งในพื้นหลังของภาพ ซึ่งเป็นโลกที่ทุกสิ่งดูเหมือนจะอยู่ในสภาวะที่ลื่นไหล

อีกหนึ่งตัวแทนการวาดภาพที่มีชื่อเสียง

ไม่น้อย ตัวแทนที่มีชื่อเสียงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - ซานโดร บอตติเชลลี นี่คือจิตรกรชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่ ภาพวาดยุคเรอเนสซองส์ของเขายังได้รับความนิยมอย่างมากในหมู่ หลากหลายผู้ชม “ The Adoration of the Magi”, “ Madonna and Child Enthroned”, “ The Annunciation” - ผลงานเหล่านี้ของ Botticelli ซึ่งอุทิศให้กับหัวข้อทางศาสนากลายเป็นความสำเร็จอันยิ่งใหญ่ของศิลปิน

ผลงานที่มีชื่อเสียงอีกชิ้นหนึ่งของอาจารย์คือ “Madonna Magnificat” เธอมีชื่อเสียงในช่วงชีวิตของซานโดร โดยมีหลักฐานจากการทำซ้ำมากมาย ผืนผ้าใบรูปวงกลมที่คล้ายกันค่อนข้างเป็นที่ต้องการในฟลอเรนซ์ในศตวรรษที่ 15

การเปลี่ยนแปลงครั้งใหม่ในผลงานของศิลปิน

เริ่มตั้งแต่ปี 1490 ซานโดรเปลี่ยนสไตล์ของเขา มันกลายเป็นนักพรตมากขึ้นการรวมกันของสีตอนนี้ถูก จำกัด มากขึ้นและโทนสีเข้มมักจะมีอิทธิพลเหนือกว่า แนวทางใหม่ของผู้สร้างในการเขียนผลงานของเขาปรากฏให้เห็นอย่างชัดเจนใน "The Coronation of Mary", "The Lamentation of Christ" และภาพวาดอื่นๆ ที่พรรณนาถึงพระแม่มารีและพระกุมาร

ผลงานชิ้นเอกที่ซานโดร บอตติเชลลีวาดในเวลานั้น เช่น ภาพเหมือนของดันเต ปราศจากภูมิทัศน์และพื้นหลังภายใน หนึ่งในผลงานสร้างสรรค์ที่สำคัญไม่แพ้กันของศิลปินคือ “คริสต์มาสลึกลับ” ภาพวาดนี้วาดภายใต้อิทธิพลของความวุ่นวายที่เกิดขึ้นในช่วงปลายปี 1500 ในอิตาลี ภาพวาดหลายชิ้นของศิลปินยุคเรอเนซองส์ไม่เพียงแต่ได้รับความนิยมเท่านั้น แต่ยังกลายเป็นตัวอย่างให้กับจิตรกรรุ่นต่อๆ ไปอีกด้วย

ศิลปินที่มีผืนผ้าใบล้อมรอบด้วยรัศมีแห่งความชื่นชม

Rafael Santi da Urbino ไม่ใช่แค่สถาปนิกเท่านั้น ภาพวาดยุคเรอเนซองส์ของเขาได้รับการยกย่องในเรื่องความชัดเจนของรูปแบบ ความเรียบง่ายของการจัดองค์ประกอบ และความสำเร็จทางการมองเห็นในอุดมคติของความยิ่งใหญ่ของมนุษย์ ร่วมกับมีเกลันเจโลและเลโอนาร์โด ดา วินชี เขาเป็นหนึ่งในทรินิตี้ดั้งเดิมของปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนี้

เขามีอายุขัยค่อนข้างสั้นด้วยวัยเพียง 37 ปีเท่านั้น แต่ในช่วงเวลานี้เขาได้สร้างสรรค์ผลงานชิ้นเอกของเขาเป็นจำนวนมาก ผลงานบางส่วนของเขาอยู่ในวังวาติกันในกรุงโรม ไม่ใช่ว่าผู้ชมทุกคนจะมองเห็นภาพวาดของศิลปินยุคเรอเนซองส์ด้วยตาของตัวเอง ทุกคนสามารถชมภาพถ่ายของผลงานชิ้นเอกเหล่านี้ได้ (บางส่วนนำเสนอในบทความนี้)

ผลงานที่โด่งดังที่สุดของราฟาเอล

ตั้งแต่ปี 1504 ถึง 1507 ราฟาเอลได้สร้างมาดอนน่าทั้งชุด ภาพวาดมีความโดดเด่นด้วยความงามอันน่าหลงใหลภูมิปัญญาและในขณะเดียวกันก็มีความโศกเศร้าที่รู้แจ้ง ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาคือ Sistine Madonna มีภาพเธอทะยานขึ้นไปบนท้องฟ้าและค่อยๆ ร่อนลงมาหาคนที่มีทารกอยู่ในอ้อมแขนของเธอ มันเป็นการเคลื่อนไหวที่ศิลปินสามารถพรรณนาได้อย่างชำนาญมาก

งานนี้ได้รับการยกย่องอย่างสูงจากนักวิจารณ์ชื่อดังหลายคน และพวกเขาต่างลงมติเหมือนกันว่ามันหายากและผิดปกติอย่างแท้จริง ภาพวาดทั้งหมดของศิลปินยุคเรอเนซองส์มีประวัติศาสตร์อันยาวนาน แต่เธอก็ได้รับความนิยมมากที่สุดจากการท่องไปไม่รู้จบนับตั้งแต่วินาทีที่เธอสร้างมันขึ้นมา หลังจากผ่านการทดลองหลายครั้ง ในที่สุดมันก็เข้ามาอยู่ในนิทรรศการของพิพิธภัณฑ์เดรสเดนในที่สุด

ภาพวาดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ภาพถ่ายภาพวาดที่มีชื่อเสียง

และจิตรกร ประติมากร และสถาปนิกชาวอิตาลีที่มีชื่อเสียงอีกคนหนึ่งซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาศิลปะตะวันตกคือ Michelangelo di Simoni แม้ว่าเขาจะเป็นที่รู้จักในฐานะประติมากรเป็นหลัก แต่ก็มีผลงานภาพวาดที่สวยงามของเขาเช่นกัน และที่สำคัญที่สุดคือเพดานของโบสถ์ซิสทีน

งานนี้ดำเนินการมานานกว่าสี่ปี พื้นที่ครอบคลุมประมาณห้าร้อยตารางเมตรและมีมากกว่าสามร้อยร่าง ตรงกลางมีตอนเก้าตอนจากหนังสือปฐมกาล ซึ่งแบ่งออกเป็นหลายกลุ่ม การสร้างโลก การสร้างมนุษย์ และการล่มสลายของเขา ภาพวาดบนเพดานที่มีชื่อเสียงที่สุด ได้แก่ "The Creation of Adam" และ "Adam and Eve"

ผลงานที่โด่งดังไม่แพ้กันของเขาคือ “The Last Judgement” สร้างขึ้นบนกำแพงแท่นบูชาของโบสถ์น้อยซิสทีน ภาพปูนเปียกแสดงถึงการเสด็จมาครั้งที่สองของพระเยซูคริสต์ ในกรณีนี้ Michelangelo ละเลยแบบแผนทางศิลปะมาตรฐานในการวาดภาพพระเยซู เขาพรรณนาว่าเขามีโครงสร้างร่างกายที่มีกล้ามเนื้อขนาดใหญ่ อายุน้อยและไม่มีหนวดเครา

ความหมายของศาสนาหรือศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ภาพวาดของอิตาลีในยุคเรอเนซองส์กลายเป็นพื้นฐานสำหรับการพัฒนาศิลปะตะวันตก ผลงานยอดนิยมหลายชิ้นของผู้สร้างยุคนี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปินที่สืบทอดมาจนถึงทุกวันนี้ ตัวแทนที่ยิ่งใหญ่ของศิลปะในยุคนั้นมุ่งความสนใจไปที่ประเด็นทางศาสนา โดยมักทำงานตามคำสั่งจากผู้อุปถัมภ์ผู้มั่งคั่ง รวมทั้งตัวสมเด็จพระสันตะปาปาเองด้วย

ศาสนาได้แทรกซึมเข้าไปอย่างแท้จริง ชีวิตประจำวันผู้คนในยุคนี้ฝังลึกอยู่ในจิตใจของศิลปิน ภาพวาดทางศาสนาเกือบทั้งหมดพบได้ในพิพิธภัณฑ์และแหล่งสะสมงานศิลปะ แต่การทำซ้ำภาพวาดยุคเรอเนซองส์ซึ่งไม่เพียงเกี่ยวข้องกับหัวข้อนี้เท่านั้น ยังสามารถพบได้ในสถาบันหลายแห่งและแม้แต่บ้านทั่วไป ผู้คนจะชื่นชมผลงานไม่สิ้นสุด อาจารย์ที่มีชื่อเสียงช่วงนั้น