Gemälde von Wassiljewa. Das junge Genie der Landschaft

Invasion

Der Künstler Konstantin Alexejewitsch Wassiljew hat mehr als 400 Werke gemalt. Dies sind historische Gemälde, Porträts und Landschaften, Märchenhandlungen, epische mythologische Handlungsstränge.

Selbstporträt

Ein sehr schwieriger Künstler. Und das gilt nicht nur für das, was genannt wird kreatives Erbe.

Ich werde versuchen, es zu erklären.

Auf der einen Seite sehen wir solche einfach grundlegenden Werke – „Invasion“ und „Marschall Schukow“. Und dann „Ilya Muromets – ein Kämpfer gegen die christliche Pest“ und „Selbstporträt“. Besonders „Selbstporträt“... Erinnert es Sie an nichts?

Aus diesem Grund erfreuen sich die Werke des Künstlers vor allem bei modernen Neuheiden und Antisemiten großer Beliebtheit. Ich glaube, dass sie (einige der Bilder) auch Neonazis gefallen. Was Neonazis betrifft, ist das jedoch nur meine Vermutung.

Als ich auf einer der ziemlich beliebten Websites sah, dass „Vasiliev von der Kunst des Dritten Reiches, Skandinaviens und … inspiriert wurde.“ Slawische Mythologie“, dann war der erste Gedanke – ein eher kontroverser Marketing-Schachzug.

Und dann fand ich ein Selbstporträt des Künstlers. Und ich begann, von „vage Zweifeln“ gequält zu werden ...

Ist er definitiv ein sowjetischer Künstler oder ist er ein Künstler? Sowjetzeit Wer könnte nicht „aus dem Herzen“ schreiben, aus dem einfachen Grund, weil man in diesen Jahren aus Liebe zum Dritten Reich sehr leiden konnte? Und nicht nur vom KGB. Die Gesellschaft war dem Faschismus gegenüber völlig intolerant. Die Wunden des Krieges waren zu frisch und schmerzhaft, wenn das Wort „zu“ hier angebracht ist. Und es gab genug sachkundige Leute, die die „Kunst“ des Dritten Reiches mit eigenen Augen sahen. Kunst, sowohl im wörtlichen als auch im übertragenen Sinne.

Hier entstand für mich das Problem: Soll ich das Werk dieses Künstlers veröffentlichen und über meine Zweifel sprechen?

Andererseits sind das nur meine Annahmen und Zweifel. Könnte es sein, dass ich der Einzige war, der in einigen Werken Nazi-Symbole und versteckte Untertexte sah? Der Künstler hat seine eigene Sicht auf die russische Kultur, ihre Ursprünge und Entwicklungswege. Und ich verstehe es nicht.

Deshalb möchte ich Ihnen etwas über den Künstler selbst erzählen.

Biografie des Künstlers Konstantin Alekseevich Vasiliev

Konstantin Wassiljew wurde am 3. September 1942 während der Besatzungszeit in der Stadt Maikop geboren. Sein Vater, Alexei Alekseevich, arbeitete vor dem Krieg als Chefingenieur in einer der Maikop-Fabriken und ging während des Krieges zu den Partisanen.

Im Jahr 1946 bekamen die Wassiljews eine Schwester, Valentina. 1949 zog die Familie in das Dorf Wassiljewo in der Nähe von Kasan. 1950 bekam Konstantin eine weitere Schwester, Lyudmila.

Kostya Vasiliev zeichnete seit seiner frühen Kindheit, und als der Junge elf Jahre alt war, wurde er auf ein Internat des Moskauer Staates geschickt Kunstinstitut benannt nach V.I. Surikow.

Konstantin Wassiljew studierte drei Jahre lang Malerei in Moskau, doch dann wurde Alexei Alekseevich schwer krank und seine Mutter forderte die Rückkehr seines Sohnes nach Hause.

Konstantin wechselte in das zweite Jahr der Kasaner Kunstschule.

Nach seinem College-Abschluss interessierte sich der Künstler für Surrealismus und abstrakten Expressionismus, doch Ende der sechziger Jahre veränderte er sowohl das Thema als auch die Technik der Malerei drastisch.

Es ist nicht bekannt, was passiert ist, aber es wird angenommen, dass sich der Künstler für skandinavische und irische Sagen, russische Epen usw. interessierte.

Damals erschienen die Bilder, auf die ich Sie aufmerksam machen möchte. Natürlich ist dies nicht das gesamte kreative Erbe des Künstlers. Ich habe die berühmtesten (mit Ausnahme des Selbstporträts) Werke des Künstlers in meine Galerie aufgenommen.

1976 starb Konstantin Wassiljew auf tragische Weise – er geriet zusammen mit seinem Freund unter einen vorbeifahrenden Zug.

Kommen wir nun zu den zuvor versprochenen Bildern.

Gemälde des Künstlers Konstantin Alekseevich Vasiliev

Invasion. Skizzieren
Abschied Slawe
41. Parade Unter den Linden in Flammen Marschall Schukow
Nordadler
Meerjungfrau
Am Fenster eines anderen
Russischer Ritter
Taverne Ilya Muromets und Gol
Unerwartetes Treffen
Walküre über einem getöteten Krieger
Geburt der Donau
Ilya Muromets – ein Kämpfer gegen die christliche Pest
Swijaschsk Ältere Sventovit Eins Feuerschwert Kämpfe mit einer Schlange Sensenmann Schwanengänse Wartender Mann mit Eule Jaroslawnas Klage Prinz Igor Eupraxie

Sein Vater Alexei Alekseevich stammt aus St. Petersburg und ist Teilnehmer drei Kriege(1. Welt, Zivilist – kämpfte in der Division Chapaev, 2. Welt – Partisan, Kommunist), Ingenieur, großer Kenner und Naturliebhaber, Bewunderer der Literatur.

Mutter Claudia Parmenovna Shishkina - in der Linie ihrer Mutter von den Saratow-Bauern.

Die meiste Zeit seines Lebens verbrachte er im Dorf Wassiljewo in der Nähe von Kasan. 1961 schloss er sein Studium an der Kunsthochschule Kasan mit Auszeichnung ab.

Seit seiner Kindheit interessierte sich der Künstler für die Malerei und war begeistert von der Schönheit. Heimatland Er las Bücher über die russische Antike, Märchen, Epen und spiegelte in den Bildern alles wider, was seine Seele immer beschäftigte – die Macht der Helden, die Einzigartigkeit der russischen Natur, die Originalität antiker Städte und Siedlungen.

Wie viele Maler suchte Konstantin leidenschaftlich nach seinem Stil und seiner Richtung – er änderte immer wieder seine Herangehensweise an das Zeichnen. Zunächst interessierte er sich für den Surrealismus und schuf Gemälde im Geiste von Salvador Dali und Pablo Picasso („String“, „Ascension“, „Apostel“). Doch er wurde schnell desillusioniert. So sagte er zu seinen Freunden: „Das Einzige, was am Surrealismus interessant ist, ist seine rein äußere Auffälligkeit, die Fähigkeit, momentane Sehnsüchte und Gedanken in einer einfachen Form offen auszudrücken, aber keineswegs tiefe Gefühle.“ Ausgehend von der Sure stürzte sich Vasiliev in den Expressionismus und schrieb eine Reihe von Gemälden („Quartett“, „Traurigkeit der Königin“, „Vision“, „Ikone der Erinnerung“, „Musik der Wimpern“). Als seine Fähigkeit, äußere Formen darzustellen, seinen Höhepunkt erreicht, ändert Konstantin erneut die Richtung: Er fürchtet, seine schöpferische Kraft hinter der Darstellung von Gemälden zu verlieren, die in der Tiefe ihrer Bedeutung leer sind.

In diesem Moment fand der Künstler etwas, das ihn für alle folgenden Jahre leiten sollte. kreative Art und Weise. Zunächst ließ sich Wassiljew von den russischen Landschaften mitreißen und begann immer mehr in die wunderbare Welt der ursprünglichen russischen Kultur einzudringen. Später wird er Wasnezow seinen Lehrer nennen und ihm sogar das Gemälde „Gänse-Schwäne“ widmen. Unter seinem Pinsel kommen grandiose Landschaften hervor, verwässert Menschenporträts auffallend in ihrer Vitalität. Dann entstanden die berühmtesten Kreationen des Künstlers („Waiting“, „Mann mit der Eule“, „Northern Eagle“), Symbole russischer Identität und tiefer russischer Seele. Auf dieser Welle wird Wassiljew viele Gemälde des Kampfgenres schreiben, darunter auch solche, die dem Großen Vaterländischen Krieg gewidmet sind („Abschied des Slawen“, „Marschall Schukow“, „Sehnsucht nach dem Vaterland“).

Sein Arbeitsstil ist sehr individuell – er hat jedes seiner Werke zur Musik geschrieben. Der Künstler ließ sich von Liedern voller lebendiger Energie inspirieren, die das Siegel tragen menschlicher Verstand und Gefühle. Das sind Russen Volkslieder, das ist natürlich ein Klassiker (er liebte besonders Schostakowitsch), das sind auch militärisch-patriotische Lieder, die während des Krieges erschienen. Vielleicht möchten Sie deshalb seine Bilder hören. Er stellte Feuer mit speziellen Leuchtfarben dar.

Leider wurde der brillante Künstler zu Lebzeiten von den offiziellen Behörden und vielen Kritikern unterdrückt und ihm „russischer Faschismus“ vorgeworfen. Er durfte lange Zeit nicht ausstellen und wurde aufgefordert, mit dem Schreiben nutzloser „nichtsowjetischer“ Gemälde aufzuhören. Und nach dem Tod des Künstlers gab es trotz der scheinbar aufgeweichten Beziehungen, bevor die Umstrukturierung seiner Gemälde verfolgt wurde, Versuche, sie zu zerstören. Nur dank der Bemühungen der Einwohner von Kolomna konnten die meisten Werke gerettet und im Museum untergebracht werden.

Als der Künstler mit dem Malen des legendären Gemäldes „Der Mann mit der Eule“ fertig war, sagte er zu seiner Mutter: „Jetzt weiß ich, wie man malt“, nach ein paar Tagen starb er. Am 29. Oktober 1976 beendete ein Unfall das Leben von Konstantin Wassiljew im Alter von 35 Jahren. Die offizielle Version der Tragödie besagt, dass er an einem Bahnübergang von einem Zug erfasst wurde. Aber wenn man bedenkt, wie lächerlich und unerwartet sein Tod war, kommen einige Zweifel auf, ob es sich tatsächlich um einen Unfall handelte. Leider haben wir keine Macht über die Wechselfälle des Schicksals, aber der große russische Geist des jungen Schöpfers wird für immer in seinen Gemälden weiterleben und uns an die Originalität und Größe unseres Vaterlandes und seiner Menschen erinnern.

abgebrochener Flug

Meistens befand sich Wassiljew in seiner gewohnten geschlossenen Umgebung, umgeben von Frauen und Kindern: Müttern, Schwestern, Nichten. Einige seiner Freunde verurteilten ihn für ein solches Umfeld und glaubten, Konstantin sei in Familienangelegenheiten stecken geblieben und könne sich nicht daraus befreien. Ihm wurde geraten, alles aufzugeben, für längere Zeit nach Moskau zu gehen, um dort berühmte Künstler und Kunstschaffende kennenzulernen.

Aber seine subtile und verletzliche Natur wollte sich trotz einiger vorgetäuschter Gleichgültigkeit nicht an dem Handel beteiligen und Prominenten ihre Dienste aufzwingen. Vasiliev brauchte keine künstliche Werbung. Und doch musste er auf Druck von Freunden einmal mit seinen Gemälden eine dreimonatige Reise in die Hauptstadt unternehmen. Ja, und es war schwer, dem Ansturm von Anatoli Kusnezow zu widerstehen, der bekannt gab, dass Ilja Sergejewitsch Glasunow selbst den Wunsch geäußert habe, die Arbeit eines Provinzkünstlers kennenzulernen, und dass er möglicherweise versuchen werde, bei der Organisation einer Ausstellung seiner Werke mitzuhelfen .

Die Meinung von Freunden und Verwandten war einhellig – es war notwendig zu gehen, zumal es Anatoly gelang, ein Auto zu bestellen, um die Gemälde nach Moskau selbst zu transportieren. Die Wassiljews gaben ihr gesamtes Geld aus, verkauften einen Teil ihres Besitzes und sammelten dadurch einen unbedeutenden Betrag, der jedoch die Reisekosten decken und für Lebensmittel sorgen konnte große Stadt, segnete Konstantin für die Reise.

Die Abreise war für Ende Dezember geplant. Es war am Vorabend des Neujahrstreffens 1975 und Kostya wollte diesen Familienurlaub zu Hause verbringen. Aber die Brücken brannten nieder – das Auto wurde bestellt, und um die Pläne nicht zu vereiteln, meldete sich Gennady Pronin freiwillig, mit ihm zu gehen.

Konstantin nahm die Berechnung in der Fabrik vor, in der er als Grafikdesigner arbeitete, und machte sich Ende Dezember 1974 zusammen mit seinem Freund Kostya auf den Weg. Der Weg war hart und lang. Die Überquerung der Wolga auf einem Bahnsteig, ein Schneesturm, Schneeverwehungen – all das erstreckte sich über drei Tage. Aber hier ist Moskau, Zarizyno – das ultimative Ziel ihrer Reise. Dort lebte Swetlana Alexandrowna Melnikowa und versprach, ein Treffen zwischen Wassiljew und Glasunow zu arrangieren.

Eine etwas eigenartige und eher mysteriöse Gestalt, die am Horizont Konstantins erschien, war diese Frau. Sie arbeitete aktiv in vielen öffentlichen Organisationen mit, galt gleichzeitig als Vertraute des Künstlers Ilja Glasunow und erlangte dank ihrer erstaunlichen Tätigkeit den Ruf einer Person, die zumindest in ihrem Inneren alles wusste, was in der kreativen Welt geschah Moskau. Kuznetsov, der Melnikova schon lange kannte, stellte ihr einmal Konstantin vor.

Am nächsten Tag nach ihrer Ankunft in Moskau ging Swetlana Alexandrowna ihren Geschäften nach und hinterließ Pronin die Telefonnummer von Ilja Sergejewitsch Glasunow: „Rufen Sie an und verhandeln Sie jetzt selbst ...“ Gennady setzte sich an das Gerät und hatte sofort Glück:

Ilja Sergejewitsch, sie haben die Gemälde des Künstlers aus Kasan mitgebracht, die wir Ihnen zeigen möchten.

Ah... ja, ja. Mir wurde gesagt. Na gut. Der Vorsitzende des Sowjetischen Komitees zur Verteidigung des Friedens besucht mich. Lasst uns gemeinsam sehen...

Wir haben am genannten Haus abgeladen. Doch die Bilder wollten nicht in den Aufzug passen. Ich musste sie alle in den neunten Stock tragen. Die Tür wurde vom Wohnungseigentümer geöffnet und Freunde begannen, die Arbeit auszupacken und zu zeigen.

Der erste, der öffnete, war Prinz Igor. Glasunow sah zu und schwieg. Der zweite - „Jaroslawna“. Dann machte er sich über etwas Sorgen und begann sich umzusehen:

Wo ist der Künstler? Hier schleppen Sie alles und entspannen sich. Wo ist der Künstler?

Konstantin schwieg, „arbeitete“ als Lader. Gennady konnte es nicht ertragen:

Ja, hier ist er ein Künstler, mein Partner.

Hallo, ich bin Ilja Sergejewitsch Glasunow. Und Sie?

Alle haben sich kennengelernt. Habe das dritte Bild ausgepackt – „Herbst“. Glasunow war ziemlich aufgeregt:

Oh, warte, jetzt rufe ich den Kulturminister der RSFSR an.

Ein paar Minuten später kam er zurück:

Jetzt wird er kommen, wir werden gemeinsam zuschauen. Die Bilder wurden eines nach dem anderen an der Wand aufgereiht. Glasunow stand lange Zeit neben jedem von ihnen und untersuchte sie. Eine halbe Stunde später fuhr ein grauhaariger, dicker Mann vor – Juri Serafimowitsch Melentjew – und begann ebenfalls, sich das Werk mit großem Interesse anzuschauen. Während des Gesprächs stellte sich heraus, dass Glasunow am nächsten Tag nach Finnland abreisen würde und gezwungen war, die Beziehungen zu Wassiljew abzubrechen. Er empfahl jedoch Konstantin Melentiev als ursprünglichen russischen Künstler und bat um Hilfe bei der Organisation der Ausstellung. Koste sagte:

Sie müssen in zwei Wochen zu mir kommen und wir werden das Gespräch fortsetzen.

Aber weder zwei Wochen noch zwei Monate später erinnerte sich Wassiljew an sich selbst. Er glaubte, Glasunow wisse genau, wo er auf Wunsch zu finden sei. Und aufgrund seiner Natur konnte und wollte er nicht die Initiative ergreifen.

Die Situation war so, dass Wassiljew lange auf etwas warten musste. Um ihn bildete sich ein Kreis einiger Menschen, die ein gesteigertes und nicht ganz desinteressiertes Interesse an seinen Gemälden zeigten. In Worten wurden Pläne geboren, eine Ausstellung seiner Werke zu organisieren, doch in Wirklichkeit verschwendeten all diese Versprechen nur die letzten mageren Ersparnisse des Künstlers.

Ja, dass du Glasunow bist. Wir organisieren alles selbst. Sie müssen nur mit diesem oder jenem Freund in ein Restaurant gehen.

Später stellte sich heraus, dass diese Person nichts tun konnte und es notwendig war, ein Treffen mit einer anderen zu vereinbaren: Da würde sicher alles klappen ... Dann gab es eine Anpassung:

Weißt du, lass uns eines deiner Gemälde verkaufen, wir haben noch die letzte kleine Mühe, und die Ausstellung eröffnen ...

Wassiljew, der in solchen menschlichen Beziehungen keine Erfahrung hatte, stimmte zunächst scherzhaft zu:

Nun, ich bin ein Mann, ich muss gehorchen.

Das einzige Recht, das er sich vorbehielt, war das Recht zu schaffen. Er arbeitete ständig, konnte nicht anders als zu arbeiten. Erstellte ein Ölporträt eines alten Moskauer Freundes, Viktor Belov. Einige Gemälde wurden gemeinsam mit einem seiner neuen Bekannten, dem Künstler Kozlov, gemalt. Der Hintergrund stammt von Kozlov und die Genreszenen stammen von Vasiliev. Dann verkaufte Kozlov als Co-Autor Gemälde. Vasilyev schrieb auch eine Version von „Expectations“, die ebenfalls bald für immer verschwand. Viele Gemälde gingen unwiederbringlich aus der mitgebrachten Sammlung verloren, darunter „Fürst Igor“, die erste Version von „Jaroslawna“ und mehrere Landschaften.

Als Dank für die ihm gewährte Unterkunft war der Künstler gezwungen, einige seiner Werke zu spenden: Er musste regelmäßig die Wohnung wechseln, um die Gastfreundschaft von Swetlana Alexandrowna nicht zu missbrauchen. Man kann nicht sagen, dass die ganze Zeit, die Wassiljew in Moskau verbrachte, verschwendet war. Er freundete sich auch mit sehr interessanten Menschen an: dem Schriftsteller Vladimir Dudintsev und dem Dichter Alexei Markov. Und im dritten Monat seines Aufenthalts in der Hauptstadt fand ihn schließlich Ilja Sergejewitsch Glasunow, der von einer weiteren Auslandsreise zurückgekehrt war.

Die Künstler unterhielten sich lange, und Glasunow, der Wassiljew recht wohl fühlte, war erstaunt über die Ernsthaftigkeit und Tiefe, mit der Konstantin in die zu entwickelnden Themen eindrang. Sie trafen sich mehrmals und Ilja Sergejewitsch fragte Kostja immer mit Interesse nach Malerei und Musik. Er hatte eine seltene Sammlung von Schallplatten, die er von Auslandsreisen mitgebracht hatte. Glasunow legte dem Spieler eine Schallplatte auf und bat Konstantin zu erklären, wie er das verstehe musikalische Komposition. Vasiliev beschrieb die ganze Idee des Komponisten sofort ziemlich genau. Oder Glasunow, ein Kenner der russischen Geschichte, begann einen alten Marsch und bezog sich dabei auf eine bestimmte Zeit Russisches Reich, aber Wassiljew korrigierte ihn plötzlich und sagte:

Nein, Ilja Sergejewitsch, das ist nicht diese Ära. Puschkin konnte einem solchen Marsch nicht zuhören. Es klang nur zur Zeit Dostojewskis...

Das heißt, Wassiljew überraschte Glasunow mit erstaunlicher historischer Genauigkeit: nicht so sehr mit der Kenntnis einiger Fakten, sondern mit einer tiefen Wahrnehmung der Ereignisse der russischen Geschichte bis ins Detail, als hätte Konstantin selbst alle ihre Perioden erlebt und sich fest in sein Gedächtnis eingeprägt . Hier gearbeitet, zweifellos, erschwert künstlerisches Denken Wassiljew.

Vielleicht haben wir heute kein Recht, darüber zu sprechen, was die Kommunikation zweier Künstler einander ermöglicht hat. Lassen Sie uns nur leichte Parallelen ziehen, die darauf hinweisen, dass alle Kontakte kreativer Menschen, unabhängig von ihrem Wunsch, beiden neues Material zum Nachdenken geben. Wassiljew zeigte Glasunow seine Fackel – eine in der Hand eines Menschen brennende Kerze, die sein spirituelles Brennen verkörpert: in den Gemälden „Dostojewski“, „Warten“. Es ist interessant, dass die kybernetische Wissenschaft eine solche Verbrennung auf eines der mysteriösen Naturphänomene zurückführt. Die Kerze brennt zwar nicht (Paraffin oder Stearin entzünden sich nicht), erlischt aber auch nicht. Das heißt, es entsteht ein dynamisches Gleichgewicht zwischen Feuer und Außenumgebung. Dieses Gleichgewicht besteht seit langem, hartnäckig und ausnahmslos. Vasilievs intuitiver Wunsch nach einem ähnlichen Bild in der Malerei ist kein Zufall. Beharrliches, langes Brennen – ständige Aufmerksamkeit, ständige kreative Konzentration waren Symbole für das Leben des Künstlers.

Natürlich ist das Bild einer Kerze in der Malerei keine Entdeckung. Kerzen befanden sich auf den Leinwänden von Pukirev in „Ungleiche Ehe“, auf dem Selbstporträt von Laktionov und vielen anderen Künstlern. Aber sie erschienen dort am häufigsten als notwendige Attribute oder Objekte eines verfeinerten Lebens. Hier entstanden sie als kraftvolles eigenständiges Symbol, das die Bedeutung eines Kunstwerks vertiefte. Und Ilja Sergejewitsch Glasunow konnte es nur spüren.

Der große Meister war auch beeindruckt von einem solchen Fund von Konstantin als Zusammentreffen von Farbtönen – leuchtendem Rot und Stahl, anderen theoretisch unharmonischen Farbflecken, die einen ungewöhnlich starken emotionalen Klang haben. Glasunow bricht diesen Fund kreativ im Gemälde „Zwei Fürsten“ und anderen Werken. Wie Wassiljew findet es auch Ilja Sergejewitsch sinnvoll, seine Gemälde den Gästen seines Ateliers zu einer ausgewählten musikalischen Begleitung zu zeigen.

Die Kommunikation mit dem ehrwürdigen Künstler hat tiefe Spuren in der Seele von Konstantin hinterlassen. Glasunow inspirierte Wassiljew zum Schaffen große Serie Werke aus dem Zyklus „Epic Rus“: ein Format und eine Stillösung – eine besondere Möglichkeit zur Reproduktion von Gemälden auf Postkarten. Konstantin erledigte diese Aufgabe, hatte aber leider keine Zeit, die Bilder seinem Mentor zu zeigen. Nach dem Tod von Wassiljew wurden einige davon tatsächlich im Verlag „Fine Art“ in einer Postkartenversion veröffentlicht.

Der dritte Monat von Konstantins Aufenthalt in Moskau neigte sich dem Ende zu. Immer häufiger erhielt er Briefe von Verwandten mit der Bitte, so schnell wie möglich zurückzukehren. Claudia Parmenowna machte sich bereits Sorgen um ihren Sohn. Und ohne auf die Ausstellung seiner Werke zu warten, geht Wassiljew nach Hause. Den Memoiren von Claudia Parmenowna zufolge hatte sie ein wenig Angst vor diesem Treffen und erwartete, dass ihr Sohn vom Scheitern unterdrückt würde. Aber er wirkte fröhlich, als hätte er die Aufregung seiner Mutter vorhergesehen, und scherzte unaufhörlich:

Napoleon ging nach Moskau und ich ging nach Moskau. Napoleon kehrte mit nichts zurück. Aber ich habe dir, Mutter, Orangen geschenkt ...

Eigentlich ist es Geisteszustand es war nicht so optimistisch. Konstantin fühlte sich plötzlich unsicher. Er beschwerte sich bei seinen Freunden:

Hier im Dorf erschaffen wir etwas auf unserem Sitzplatz und streben nach etwas. Braucht es jemand...

Eine weitere Phase der Depression, die kreative Stagnation des Künstlers setzte ein. Offensichtlich könnte der Übergang in eine andere Umgebung für die subtile, etwas sentimentale und verletzliche Natur von Wassiljew katastrophal sein. Konstantin lebte im Dorf in einer geschlossenen Atmosphäre, was zu seinem schwierigen Schicksal wurde. Aber diese Atmosphäre war so, dass er jede seiner Ideen darin verwirklichen konnte. In dieser Hinsicht war seine Isolation, seine Unwilligkeit, sich im Trubel künstlerischer Leidenschaften zu drehen, eine Art kreative Immunität.

Konstantin schüttelte die gleiche schöpferische Taubheit ab und griff wie zu einer rettenden Quelle nach der lebendigen Geschichte des Vaterlandes – nach den heroischen Ereignissen letzter Krieg, mit dem er gewissermaßen mit seinem in Kontakt kam eigenes Schicksal. Er wollte das Echte starkes Gefühl, was helfen würde, alle körperlichen und geistigen Kräfte wieder zu sammeln. Schließlich war es einst die Stärke des Geistes des russischen Volkes, die dazu beitrug, allen moralischen Prüfungen standzuhalten und im Kampf gegen den Feind zu bestehen. Er verwirft viele seiner rein äußerlichen Hobbys und widmet sich der Kreativität.

Die von Wassiljew in dieser Zeit geschaffenen Gemälde des Kampfgenres setzen sozusagen sein Epos fort heroische Symphonie. Sie spüren dieses gigantische Wurzelsystem, das die Breite und Tiefe der Jahrhunderte durchdringt und die nationale Leistung im Großen Vaterländischen Krieg nährte und stärkte. Das Thema des Kampfes nicht nur des russischen Volkes gegen den deutschen Faschismus, sondern auch der Völker der Welt gegen alles, was der universellen Menschheit feindlich gegenübersteht, drang in das künstlerische Bewusstsein von Wassiljew ein und behielt die Färbung patriotischer Romantik, voller tiefstem Glauben an das Leben , im Triumph des Guten und des Lichts.

Eines der Werke dieser Serie, „Parade des 41.“, gehört heute dem Kasaner Museum Bildende Kunst. Bei aller Einfachheit dieser scheinbar nicht neuen Komposition – die Soldaten gehen direkt von der Parade an die Front – findet der Künstler eine für ihn charakteristische originelle Lösung.

Zunächst wurde ein ungewöhnlicher Winkel gefunden. Der Betrachter blickt auf das Geschehen wie von den Mauern der Basilius-Kathedrale aus über dem Denkmal für Minin und Poscharski, das bewusst vergrößert ist und die Leinwand dominiert. Und sofort gibt es zwei symbolische Wassiljewski-Pläne.

Der erste Plan ist die formelle Anerkennung. Wir sehen die rhythmischen grauen Stahlkolonnen der Soldaten und spüren unwillkürlich die dramatische Atmosphäre des Geschehens. Gleichzeitig vermitteln uns die in antiken Togen dargestellten Figuren von Minin und Pozharsky sofort einen weiteren kraftvollen spirituellen Plan – die Unendlichkeit, die Unzerstörbarkeit des Volkes, die historische Assoziationen mit unseren Vorfahren weckt. Diese Helden der nationalen Geschichte scheinen die neuen Helden zu segnen, um das Kostbarste zu verteidigen – das Mutterland.

Es ist erstaunlich, dass wir, wenn wir das siegreiche Ende des Krieges kennen, in diesem Bild die Spannung seines Beginns erleben, diese inspirierende Kraft erleben, die nur in schrecklichen Tagen auftritt und unsere Herzen mit Patriotismus erfüllt.

Strukturell verblüfft das Werk mit seiner außergewöhnlichen Kraft sowohl Spezialisten der Malerei als auch diejenigen, die natürlich noch nie eine so künstlerische Lösung von Räumlichkeit und Blickwinkel gesehen haben.

Das mit diesem Bild gepaarte Werk „Invasion“ ergänzt und entwickelt perfekt eine einzige mythologische Grundlage ihrer gemeinsamen Handlung. Der Künstler pflegte lange Zeit die Idee des Bildes und schrieb das, was er begonnen hatte, mehr als einmal um. Ursprünglich handelte es sich um eine mehrfigurige Komposition, die einen erbitterten Kampf zwischen Germanen und Slawen darstellte. Aber indem er die Hauptidee fokussiert und den Konflikt auf eine spirituelle und symbolische Ebene übersetzt, schafft Vasiliev die Kampfszenen ab und ersetzt sie durch spirituell gegensätzliche Kräfte.

Auf der Leinwand verbleiben nur noch zwei Symbole. Auf der einen Seite steht das zerstörte Skelett der Mariä Himmelfahrt-Kathedrale des Kiewer Höhlenklosters mit den wenigen darauf erhaltenen Gesichtern von Heiligen, die mit geschlossenen Lippen furchteinflößende, für uns unhörbare Hymnen singen. Und auf der anderen Seite zieht eine eiserne Kolonne von Zerstörern vorbei, die sich wie eine Schlange windet und maßvoll einem Schritt nachjagt.

Im Diptychon prallen in äußerst lakonischer Form in einem kraftvollen symbolischen Kontext zwei ewig gegensätzliche Prinzipien aufeinander – Gut und Böse, die eine spezifische irdische Form haben: Wir und Sie. Der Kampf zeigt sich nicht nur und nicht so sehr auf der Erde oder am Himmel, der Kampf geht in den Herzen, in den Seelen weiter. Beide Gemälde sind in monochromen Grautönen mit allen möglichen Schattierungen gehalten. Dadurch entsteht die notwendige Einheit der philosophischen Idee und ihrer technischen Lösung, die den Klang der Bilder noch verstärkt und eine erstaunliche Harmonie der Werke erreicht. Und wenn Wassiljew nur diese beiden Werke hinterlassen hätte, dann würde er auch dann für immer in die Geschichte der russischen Kultur eingehen – die Bedeutung dieser Leinwände ist für uns so groß.

Konstantin schuf eine Militärserie und verwirklichte seine gewagtesten Ideen. Eines davon war das Erscheinen von Werken zu den Themen beliebter Militärmärsche, die im russischen Militärleben schon immer eine große Rolle gespielt haben. Der Künstler glaubte, dass die alten russischen Märsche, die von Blaskapellen aufgeführt werden, einen weiteren wichtigen Ausschnitt aus der mächtigen Schicht der russischen Kultur darstellen.

Und jetzt kommen unter seinem Pinsel die Werke „Abschied vom Slawen“ und „Sehnsucht nach dem Mutterland“ hervor. Er schrieb sie mit der passenden musikalischen Untermalung auf große Leinwände – jeweils bis zu zwei Meter lang. Für Konstantin, dessen Mittel immer äußerst begrenzt waren, war solch ein unerschwinglicher Luxus eine seltene Ausnahme. Aber offensichtlich erforderten die kreative Idee und ihre Umsetzung genau eine solche Entscheidung vom Künstler. Das Gefühl der Harmonie verleugnete ihn nie: Der Betrachter nimmt unwillkürlich die kraftvollen Klänge der Blaskapellen wahr, die sich über die gesamte Fläche der Gemälde auszubreiten scheinen.

Auf der Leinwand „Abschied vom Slawen“ sticht die Gestalt eines Soldaten hervor, der sich so schnell auf den heiligen Schutz zubewegt, dass es den Anschein hat, als stünde hinter ihm keine Abteilung von Kriegern, sondern das ganze Volk. Rechts im Bild ist die Figur einer Frau mit einem Mädchen zu sehen; Die Frau richtete sich in einem letzten heroischen Versuch, der Verzweiflung zu widerstehen, unnatürlich auf. Sie blickt irgendwo auf die Person, die ihr am Herzen liegt, in die Ferne und scheint die bereits bevorstehenden schicksalhaften Ereignisse zu erkennen. Die Bewegung der Soldaten und die erstarrte Verzweiflung der Trauernden fängt der Künstler vor dem Hintergrund eines unruhigen Himmels in kalten grauen Wolken und feuerglänzenden Lücken ein. Die gesamte Komposition ist unsichtbar von der Musik des bekannten Militärmarsches durchdrungen und überhöht.

Wie eindringlich und überzeugend Wassiljew den Zustand der körperlichen und geistigen Anspannung der Menschen jener Zeit zum Ausdruck brachte, lässt sich aus einem Brief beurteilen, der am 5. Juli 1983 in der Zeitung Vechernyaya Kazan veröffentlicht wurde. Hier ist der vollständige Text:

„Es war im Juni 1941. Im Morgengrauen versuchten drei faschistische Yu-88-Flugzeuge erfolglos, den kleinen Bahnhof Welikopolje zu bombardieren. Am Morgen regnete es in Strömen. Die Flugzeuge hoben ab. Alles war im Wasser – grünes Gras, Schienen, eine geschwollene Plankenplattform.

Das Boarding hat begonnen. Hier und da ertönte es: „Beeil dich! Sich beeilen!" Die Soldaten eilten zu den Karren.

Abseits der Staffel gesammelt Einheimische. Schlanke Jungen begannen, den ergreifenden Marsch „Farewell of the Slav“ zu spielen, geschrieben vom Trompeter der Militärkapelle V. Agapkin.

Unter den Trauergästen stach er hervor schöne Frau Sie hält die Hand eines Mädchens, das ihr auffallend ähnlich sieht. „Jaroslawna!“ Dachte ich und sah die junge Mutter an. Plötzlich schrie sie: „Mischa!“ Bei ihrer Stimme drehte sich ein breitschultriger Soldat um und verabschiedete sich mit einer Handbewegung von Jaroslawna. Mit donnernden Puffern eilte der Zug nach vorne. Und der Regen, der uns vor dem feindlichen Überfall rettete, strömte unaufhörlich.

Als ich nach einer Verwundung in einem Krankenhaus an vorderster Front lag, las ich in der Zeitung A. Surkows Gedichte, die der Verteidigung Moskaus gewidmet waren. Und in den Zeilen des Dichters „Dieser Typ im grauen Mantel wird Moskau niemals aufgeben“ klang so viel Selbstvertrauen, dass ich mich wieder an diese Szene erinnerte: eine junge Frau mit Kopftuch und ihre Geliebte, entschlossen, seine Pflicht bis zum Ende zu erfüllen .

Der Krieg ist vorbei. Seitdem sind Dutzende Jahre vergangen. Und irgendwie lud mich ein Freund zu einer Ausstellung des wenig bekannten Künstlers Konstantin Wassiljew ein, die im Jugendzentrum ausgestellt war.

Meine Aufmerksamkeit wurde auf die Leinwand gelenkt, die voller Besucher war. Zu meinem größten Erstaunen sah ich auf dem Bild eine Szene eines fernen Frontabschieds: eine strenge blonde Frau, die ein Mädchen an der Hand hält, starker schräger Regen, Reihen von Soldaten. Und die Unterschrift - „Abschied vom Slawen“.

Und dann stieß ich auf „Izvestia“ vom 15. Oktober 1979 mit einer Reproduktion dieses Bildes. Erläuterungen unten: „Konstantin Wassiljew (1942-1976) – ein viel zu früh verstorbener Maler, dessen Thema in vielen seiner Werke der Große Vaterländische Krieg war.“

Ich habe mir dieses Bild lange angeschaut, ich bewundere es noch heute, obwohl es schon ab und zu vergilbt ist. Und jedes Mal stelle ich mir die Frage: Wie konnte ein Mensch, der ein Jahr nach Kriegsbeginn und der Abschiedsszene, die ich gesehen habe, geboren wurde, eine solche Leinwand malen? Das ist vielleicht die wahre Kraft der Kunst. P. Makarov, Kriegsveteran.“

Ebenso lakonisch und emotional ist Wassiljews Gemälde zum Thema des Militärmarsches „Sehnsucht nach dem Vaterland“. Der erste Eindruck – kein einziges Gesicht, nur solide Stahlhelme, die die Seele mit einem quecksilberfarbenen Spiegelbild abkühlen lassen, und die Rücken von Menschen in grauen Soldatenmänteln, die in den am Horizont offenen Schein des Krieges aufbrechen. Und plötzlich - das Profil eines jungen Soldaten, zarte Gesichtszüge unter hartem Stahl. Der Krieger richtet vielleicht den letzten Abschiedsblick auf sein geliebtes Mutterland ...

Der Künstler hat in der Malerei sozusagen zwei unbestreitbare musikalische Meisterwerke realisiert. Jedes dieser realistischen Werke hat eine unerwartete und, wie es uns jetzt scheint, einzig mögliche kompositorische Lösung. Der an sich selbst äußerst anspruchsvolle Wassiljew hielt es jedoch für notwendig, den symbolischen Klang des „Abschieds des Slawen“ zu stärken. Nachdem er das Gemälde zu diesem Zweck ins Wasser gelegt hatte, hatte er leider keine Zeit, eine neue Version zu schreiben. Daher wurde die nach dem Tod von Wassiljew aus dem Wasser entnommene Leinwand erheblich beschädigt. Aber auch in dieser Eigenschaft bringt die Arbeit eine starke Wirkung hervor emotionale Wirkung auf den Betrachter, besonders wenn er sie ansieht, wenn die Musik dieses Marsches erklingt.

Einen besonderen Platz in der Reihe militärischer Werke des Künstlers nimmt das Porträt des Marschalls der Sowjetunion G. K. Schukow ein.

Einmal zitierte Konstantin Puschkins Freunde: „Der russische Zar hat eine Kammer in seinen Hallen, sie ist nicht reich an Zobel, nicht reich an Silber ...“, bemerkte er mit einiger Bitterkeit:

Und auf der Station hingen schließlich Porträts von Helden Vaterländischer Krieg 1812. Es ist schade, dass unser Volk es heute nicht mehr hat gesammelte Porträts Helden des neuen Vaterländischen Krieges.

Und Wassiljew, der große und gewagte Pläne schmiedete, beschloss, eine ähnliche Galerie mit Bildern jener Generäle zu erstellen, die als Anführer des Volkes die Macht der russischen Waffen verherrlichten. Ein solcher Werkzyklus musste mit einer einzigen künstlerischen Lösung verbunden werden. Konstantin dachte lange nach und suchte nach der einzigen Präsentationsform, zu der Porträts führen sollten

Der Künstler entschied sich für die Tradition des formalen Porträts, das im 19. Jahrhundert so weit verbreitet war, aber von unseren Malern vergessen wurde. Konstantin wusste, dass dieser Tradition das Etikett „pompöser Geist“ angehängt war, dass sie auf jede erdenkliche Weise verflucht und verletzt war, und hatte keine Angst davor, die verbotene Grenze zu überschreiten.

Nach Vasilievs Verständnis sind eine gewisse Konventionalität und Feierlichkeit des Frontporträts unbedingt erforderlich. Es ist zum Beispiel kein Zufall, dass die Symbolik, die die Parade-Militärkapelle begleitet, pompös ist: Eine Militärblaskapelle auf dem Marsch sieht immer feierlich und festlich aus. So ist es auch mit Porträts von Menschen verbunden legendärer Ruhm, der Betrachter soll einen spirituellen Aufschwung erleben, das Aufsteigen seiner Sehnsüchte.

Und Vasiliev begann mit all seinem Fingerspitzengefühl, ohne die künstlerischen Mittel dieser Richtung zu missbrauchen, die geplante Serie.

Das Bild ist äußerst symbolisch. Im Vordergrund - der legendäre Marschall G.K. Schukow, Trampelstandards und Banner - Symbole der einstigen Größe des „Dritten Reiches“. Der über seine Schultern geworfene Mantel ist wie die Flügel, die diesen Mann zum Ruhm emporhoben. Und dann, in der Tiefe, wird die Geschichte selbst lebendig: Vor dem Hintergrund des rauchigen russischen Himmels stehen unruhig und furchteinflößend die Skelette der Häuser des zerstörten Stalingrads. Aber das reinigende Feuer der Vergeltung ist nah, die Zungen seiner Flamme, die hinter dem Marschall aufsteigen, zerstreuen bereits den Schmutz. Und wir sehen, wie von irgendwo am Himmel durch einen leichten Wolkenschleier die Kolonnen der russischen Armee kommen.

All diese Symbolik unterliegt einem Wunsch – das Schreckliche, Tragische und zugleich Schreckliche zu vermitteln tolle Ära, die unser Volk erlebt hat, ein Volk, das in schwierigen Zeiten in der Lage ist, unbesiegbare Generäle aus seinen Reihen zu ernennen.

In diesem weitgehend mutigen, innovativen Werk, in seiner gesamten Struktur künstlerische Sprache Es gibt einen starken Einfluss nicht nur der volkstümlichen Mythenbildung, sondern auch der Schule großer Meister der Malerei. Hier gibt es eine filigrane Technik, einen erstaunlichen Sinn für Farbe und ein ganzes Arsenal verschiedener Techniken und Werkzeuge, die der Künstler verwendet.

Wie Vasiliev selbst zugab, entlehnte er beispielsweise die Idee von Soldaten, die sich über den Himmel bewegen, vom brillanten Raffael: In der Sixtinischen Madonna kann man bei genauem Hinsehen erkennen, dass der Raum mit Engelsköpfen gefüllt ist.

Das Porträt von Marschall Schukow zeigte, welche unerschöpflichen Möglichkeiten in der mächtigen Kraft des Realismus verborgen sind, die eine ungewöhnlich umfangreiche Kunstform schaffen kann.

Bei den posthumen Ausstellungen von Konstantin Wassiljew riefen sich die Leute begeistert dazu auf, sich dieses Porträt anzusehen, als ob der Heerführer des Volkes selbst vorbeigehen würde. Und tatsächlich: Der erste Eindruck des Porträts von Schukow ist ein heldenhafter Aufschwung und ein mächtiger Sieg des Volkes, verschmolzen von einer Million gewöhnlicher Menschen zu einer einzigen Person eines Kommandanten, einem wahren Helden des Zweiten Weltkriegs, einem Sohn seines Vaterlandes.

Das Thema des Großen Vaterländischen Krieges führte mehr als einmal zu romantischen Höhen und Tiefen in der sowjetischen realistischen Kunst. Aber bei Vasiliev wird die Wahl des Themas selbst von seinem inneren spirituellen Streben bestimmt. Romantik liegt in der Natur dieses Menschen, in seiner künstlerischen Intuition.

Indem er seine künstlerischen Bilder ständig verbessert und vergeistigt, erreicht Wassiljew im Porträt von Schukow ein neues qualitatives Niveau und versucht, einen grundlegenden, schmerzhaften Gedanken auszudrücken. Der Hauptgedanke des Autors kommt im Bild schließlich zum Ausdruck: der Kampf um einen starken und schönen Menschen.

Es ist kein Zufall, dass der Künstler den inneren Kampf menschlicher Leidenschaften auf das Schlachtfeld bringt und ihn in die Flammen des Krieges wirft. Krieg ist eine Zeit, in der die Charaktere eindeutig polarisiert sind. Krieg ist ein Ort, an dem reine und helle Kräfte im Namen des Mutterlandes resigniert in den Tod gehen und alle bösen Geister sich verstecken oder plündern. Das Heroische in Wassiljew ist dem Tragischen immer nahe, seine Helden sterben oft, aber moralisch siegen sie immer. Indem er in einer kompromisslosen Situation Gegensätze hervorhebt, drängt uns der Künstler dazu, die Reinheit unserer Bestrebungen in einer gewöhnlichen, nicht so angespannten Umgebung zu bewahren.

Vasilievs patriotische Gemälde, die dem Kampf gegen den Faschismus während des Großen Vaterländischen Krieges gewidmet waren, lösten in unserem Land große öffentliche Empörung aus. In seinen epischen und historischen Helden zeigt sich große Macht. Vom Betrachter ist oft körperliche und geistige Anspannung erforderlich, um zu entscheiden, wie er das im Bild geschehene Ereignis, seine Handlung, Symbolik wahrnimmt. Der Realismus der strengen Gesichter in den Gemälden des Künstlers ist nichts anderes als eine für jeden verständliche Konzentration bei jeder schwierigen Aufgabe.

Für den Betrachter könnte es seltsam erscheinen, wenn G.K. Schukow wäre trotz all der Inspiration und Tragödie der Befreiung des Mutterlandes plötzlich mit einem freundlichen Lächeln in Wassiljew aufgetaucht. Oder sagen wir, im Gemälde „Abschied des Slawen“ wären das Gesicht eines Soldaten – ein Symbol des Schutzes – und das Gesicht einer Frau – ein Symbol des russischen Landes – mit trostloser Sensibilität einander zugewandt.

Es gibt so etwas wie ein Paradoxon. Einige Künstler, die während des Großen Vaterländischen Krieges im Hintergrund standen, malten nur Stillleben. Andere äußern viele Jahre später, ohne den Krieg zu kennen, plötzlich seine Tragödie. Offensichtlich möchte die neue Generation die Phänomene, die von der tiefsten Tragödie und zugleich dem größten Aufschwung des menschlichen Geistes geprägt sind, auf ihre eigene Weise begreifen. Und es ist nicht verwunderlich, dass der junge Künstler sich nicht auf die Bilder der Natur beschränkte, sondern bedeutende Momente in der Geschichte des Landes für die Manifestation des Charakters des Helden auswählte.

In Vasilievs Gemälden ist immer – sei es eine Landschaft, ein Porträt, eine Schlacht – die ganze Harmonie der Gefühle konzentriert und nicht die Sensibilität und die ganze Harmonie der Kräfte und nicht der übermenschliche Despotismus, alles, was das Leben wirklich schafft, seinen Wert.

Vasiliev blickt im Glauben an einen harmonischen Menschen in die Zukunft und schreibt sein Buch späteste Arbeit„Der Mann mit der Eule“, der zum Höhepunkt der philosophischen Verallgemeinerung im Werk des Künstlers wurde.

Dies ist ein komplexes Symbolbild einer Person, die aus der Umgebung der Menschen hervorgegangen ist und alle ihre besten Eigenschaften in sich aufgenommen hat. Eine realistische Handlungskomposition ist von einer Vielzahl von Symbolen durchdrungen, die aus dem Herzen, aus der menschlichen Seele kommen, wie Klumpen altbewährter Volkskonzepte.

Wassiljew zeigte wie kein anderer, wie wichtig Symbolik in realistischen Werken ist. Aber nicht die konventionelle, angezogene Symbolik, die wie ein Rebus gelöst werden muss, wie sie beispielsweise für die Meister der nördlichen Renaissance aus der Zeit des 15.-16. Jahrhunderts typisch ist, wo die Bilder ein legalisiertes Symbolsystem darstellten: Schuhe anziehen Vordergrund Die Gemälde sollten die Hingabe der Ehepartner und des Hundes verkörpern – die Behaglichkeit am Herd und so weiter. Wassiljew selbst verstand Symbolik als künstlerische Bilder, die hohe Gefühle hervorrufen.

Auf dem Gemälde „Der Mann mit der Eule“ befindet sich eine brennende Schriftrolle mit dem Pseudonym des Künstlers „Konstantin Velikoross“ und dem Datum, das zu seinem Todesjahr wurde – 1976. Es gibt ein Licht, das der Mann in seiner Hand trägt. Eine Peitsche, ein scharfsinniger Vogel, ein geschlossener Erdkreis, absichtlich verschoben, sind alles Symbole. Aber sie können flach wirken oder sehr geräumig und spirituell reich sein. Es hängt alles davon ab, wie der Betrachter sie wahrnimmt. Der Künstler hat sich nicht auf eine besondere Auswahl von Symbolen eingelassen, sie wurden bei der Bildgestaltung latent in ihm geboren. Er arbeitete intuitiv: Trotz aller eisernen Logik nahm er die Informationen, die er brauchte, mit einem für uns unbekannten Gefühl wahr.

Vasiliev schaute also immer gern ins Feuer. Konstantin fühlte sich vom Element Feuer und seiner Schönheit angezogen. Und Feuer erschien, Kerzen erschienen auf seinen Leinwänden. Sie erwiesen sich als technisch praktisch. Der Künstler könnte eine vorteilhafte Farbgebung für das Bild erhalten, die gewünschte Ausleuchtung des Gesichts des Helden. Darüber hinaus ist die Kerze ein schönes Dekoelement. Aber nach und nach verwandelte Vasiliev daraus eine Art Symbolfackel ...

Äußerlich ist in Wassiljews Lampe nichts verschlüsselt. Dies ist ein autarkes Symbol, das jeder auf seine Weise wahrnehmen wird. Die Interpretation der Bilder kann je nach Vollständigkeit ihres Verständnisses unterschiedlich sein.

Es gibt zum Beispiel eine solche Lesart von „Der Mann mit der Eule“. In der Gestalt eines alten Mannes versuchte der Künstler, die Weisheit menschlicher Erfahrung darzustellen. Der auferstandene Riese verband zwei Welten: Himmel und Erde, wie der mythologische Lebensbaum – die Verbindung zweier Sphären. Wassiljew erinnert daran, dass auf der Erde nicht nur Blumen und Bäume wachsen, sondern auch Menschenleben. Als ob der alte Mann Wurzeln in die Erde geschlagen hätte, die noch nicht aus einem kalten Schlaf erwacht war. Das Fell seines Pelzmantels, das in seiner Textur den matten Baumkronen ähnelt, zeugt von seiner früheren Verbundenheit mit dem Winterwald. Der Mensch ist aus der Natur selbst entstanden und hat solche Höhen erreicht, dass das Himmelsgewölbe seinen Kopf stützt.

Aber was nahm der Weise mit? harter Weg, vielleicht gleich dem Leben vieler Generationen, um die beiden Prinzipien zu verbinden und die Harmonie der Welt zu erreichen?

Der Künstler stellt jedes kreative Brennen als Grundlage wahrer Erhebung – und als Symbol dafür – einer sterbenden Schriftrolle mit seinem eigenen Pseudonym vor, offensichtlich in der Überzeugung, dass nur ein kreativer Gedanke, der aus Wissen geboren wird, in der Lage ist, kosmische Höhen zu erreichen. Aber der Name brennt! Und das hat noch eine zweite, persönliche Bedeutung. wahrer Künstler, ein wahrer Denker muss sich selbst zum Wohle der Menschen, zum Wohle seines Volkes völlig vergessen.

Erst dann wird es zu einer lebensspendenden Kraft. Kreativität ist eine davon größten Manifestationen menschlicher Geist.

Aus Flamme und Asche löst sich ein kleiner Eichenspross – ein Zeichen der Ewigkeit. Die Eiche wird wie übereinander aufgereihte Kleeblattblüten dargestellt - altes Symbol Weisheit und Erleuchtung. Unvergängliches Wissen wurde durch das Feuer der Kreativität auf der Erde hinterlassen!

Über dem Spross brennt ein Licht, das der alte Mann mit der rechten Hand umklammert. Anscheinend ist dies die Hauptsache, die der Weise mitnahm und bei sich trug. Das Licht ist ein Symbol für das gleichmäßige und unauslöschliche Brennen der Seele. Der Heiligenschein einer Kerze fängt die subtilen Gesichtszüge einer Person ein und verbindet seltene Konzentration mit erhabenen Gedanken. Eine besondere Bedeutung erfüllt die geheimnisvollen Augen des alten Mannes. Bei ihnen ist die Selbstvertiefung und Wachsamkeit nicht nur visuell, sondern auch innerlich, spirituell.

Über seinem grauen Kopf hält er eine Peitsche, und auf dem Fäustling derselben Hand sitzt ein furchterregend aussehender Vogel – ein Uhu. Ihr „lebendiges“ Auge – das allsehende Auge – vollendet die Aufwärtsbewegung: weiter – der Sternenhimmel, der Weltraum. Eine Peitsche oder Geißel ist notwendig, um unter allen Umständen standhaft zu bleiben: Wahre Weisheit ist ohne Selbstbeherrschung unerreichbar. Und schließlich das Bild einer Eule, einer Eule verschiedene Völker war schon immer ein Symbol der Weisheit, einer unparteiischen Vision der Welt. Der Uhu ist ein Vogel, für den es auch im Schutz der Nacht keine Geheimnisse gibt. Dies ist die Offenbarung, nach der der kommende Mensch strebt und die er früher oder später erreichen wird. Das vom Künstler geborene poetische Bild des alten Mannes ist gleichsam in das ewige Leben der Natur eingebunden und „drückt aus, was die Welt stillschweigend erlebt“.

Das Bild bestätigt den großen Wert des Lebens selbst, seine unaufhaltsame Bewegung und Entwicklung. Ihr Erscheinen kündigte den Beginn einer gewissen Zukunft an neues Gemälde. Der Künstler selbst spürte dies deutlich, nachdem er die Leinwand fertiggestellt hatte. Und vielleicht verspürte er zum ersten Mal ein akutes Bedürfnis nach Einsamkeit, um die gefundene Richtung besser zu verstehen. Zusammen mit Anatoly Kuznetsovs Bruder Yuri, einem begeisterten Jäger, ging Konstantin in die Mari-Wälder.

Die erste Person, die sie nach ihrer Rückkehr von der Jagd trafen, war Anatoli Kusnezow. Konstantin beantwortete alle seine Fragen einsilbig und blickte über seinen Kopf, ließ alles stehen ... Erst am nächsten Tag sagte der Künstler zu seiner Freundin und Mutter, die ihn besuchte: „Jetzt verstehe ich, was ich schreiben muss und wie man schreibt.“ ” Die Kraft, die diesen Worten innewohnte, zeigte, dass Wassiljew tatsächlich in eine neue Phase seines Lebens und Schaffens eintrat. Er spürte einen Lebensnerv, etwas völlig Neues. Es war ein mächtiger Kraftschub, der von außen, in den Mari-Weiten, in ihn eindrang. Sein Bewusstsein begann sich zu verändern. Und von der kommenden Zeit war viel zu erwarten. Dies geschah nur wenige Tage vor dem Tod des Künstlers ...

Im Oktober 1976 wurde in Selenodolsk eine gemeinsame Ausstellung von Künstlern der Region und der Stadt organisiert, in der Konstantin drei seiner Werke präsentierte: „Ein unerwartetes Treffen“, „Warten“ und „Porträt von Lena Aseeva“. Den zahlreichen Einträgen im Gästebuch zufolge gefielen dem Publikum seine Bilder sehr gut. Nach Abschluss der Ausstellung am 29. Oktober um 18.00 Uhr wurde beschlossen, eine Diskussion der Werke in Anwesenheit von Künstlern zu veranstalten.

Konstantin wirkte an diesem Abend sehr fröhlich. Als er sich für ein Meeting fertig machte, ordnete er seinen braunen Anzug und summte im Takt des Militärmarsches, der von der Schallplatte erklang. Als alles fertig war und Konstantin sich bereits auf den Weg zum Ausgang machte, kam unerwartet sein kasanischer Bekannter Arkady Popov zu ihm. Als er erfuhr, dass Kostya zur Ausstellung gehen würde, wollte er sich ihm anschließen. Plötzlich sah er den „Mann mit der Eule“ und blieb wie gebannt stehen. Dann kehrte Konstantin zurück und legte dem Spieler eine Schallplatte mit der Einleitung zum dritten Akt von Wagners „Parsifal“ auf ...

Als er ging, sagte er zu Klavdia Parmenovna: „Ich werde nicht lange bleiben, nach der Diskussion gehe ich sofort nach Hause ...“

Nur drei Tage später wurde die Mutter über seinen Tod informiert. An diesem Abend wurden beide Freunde an einem Bahnübergang von einem vorbeifahrenden Zug erfasst. Dieser Tod schockierte viele...

Konstantin wurde in einem Birkenhain begraben, genau in dem Wald, in dem er sich gerne aufhielt, und verwandelte sich manchmal in ein sorgloses Kind, wo er zu der Zeit, als er seine früheren Hobbys für konkrete Musik aufgab, unerwartete Klänge fand, die ihn verblüfften, und als er erwachsen wurde , er entdeckte die Welt der Schönheit. Freunde trugen Konstantin aus dem Haus, letzter Weg, zu den Klängen von Wagners Trauermarsch „Auf Siegfrieds Tod“ ...

In seinem Zimmer standen an den Wänden einsam die Werke, die er nicht vollendet hatte: „Vaterland“, ein Porträt seiner Schwester Ljudmila, für Kinder Gruppenporträt Nichten, ein Porträt von Nataschas Nichte inmitten blühender Schwertlilien. Die Pläne des Künstlers werden nie in Erfüllung gehen: eine grandiose Leinwand „Battle“ zu malen, die der Schlacht gewidmet ist Kursk-Ausbuchtung, Vervollständigung der gesamten Militärserie gemäß den entwickelten Skizzen, einschließlich eines großen Porträts von Marschall K. Rokossovsky, Beginn einer Porträtserie „Große Frauen Russlands“

Nach Vasilievs Tod wurde ein Stück Papier (aus irgendeinem Grund halb verbrannt) entdeckt, auf dem erstaunliche, von seiner Hand geschriebene Worte standen: „Der Künstler empfindet Freude an der Proportionalität der Teile, Freude an den richtigen Proportionen, Unzufriedenheit mit Missverhältnissen.“ Diese Konzepte basieren auf dem Zahlengesetz. Ansichten, die schöne Zahlenverhältnisse sind, sind wunderschön. Der Wissenschaftler drückt die Naturgesetze in Zahlen aus, der Künstler betrachtet sie und macht sie zum Gegenstand seiner Arbeit. Es gibt ein Muster. Hier ist Schönheit. Die Kunst kehrt immer wieder zu ihren Ursprüngen zurück, erschafft alles neu und erweckt in diesem Neuen das Leben wieder zum Leben. Erbschaft als rettende Kraft ...“

Sind das seine Worte? Vielleicht ist es etwas, das im Gedächtnis festgehalten ist ... Ja, das ist der Punkt. „Wir lesen keine Bücher, aber Bücher lesen uns.“ In dieser Passage steckt die ganze Essenz der Seele Konstantins. Er, das erstaunlicher Künstler, da ist nichts unvollendet. Da ist etwas Unvollendetes. Aber es ist auch fertig. Jede seiner Skizzen und Etüden ist auffallend solide, jeder Bleistiftstrich, jeder Pinselstrich ist äußerst präzise und wahrheitsgetreu – dies ist immer ein Feld intensiven Kampfes um die Reinheit des Ausdrucks. Der Künstler akzeptiert keine Nachlässigkeit, Annäherung, Nachlässigkeit in der Kunst. Daher die erstaunliche Vollständigkeit aller Fragmente von Wassiljews Werken. Vielleicht verschmilzt seine Malerei deshalb am meisten mit der Musik, wo jede noch so komplexe und improvisatorische Struktur immer noch aus Elementen besteht, die in der Tonhöhe absolut präzise sind.

Perfekt erschaffen Kunstwerke Das kann nur eine Person, die mit hohen ethischen Idealen ausgestattet ist. Vollkommenheit, sagten die Alten, entsteht aus Gleichgewicht, Gleichgewicht – aus Gerechtigkeit, Gerechtigkeit ist die Reinheit der Seele. Perfektion – Ausgeglichenheit – Gerechtigkeit – diese Konzepte entsprachen perfekt dem gesamten Charakter von Konstantin Wassiljew.

Das Schicksal, das im Vergleich zu großen Menschen von außen so oft böse ist, geht immer sorgfältig mit dem um, was in ihnen drin ist, tief in ihnen. Der Gedanke, der das Leben vor sich hat, stirbt nicht mit seinen Trägern, selbst wenn der Tod sie unerwartet und zufällig ereilt. Und der Künstler wird so lange leben, wie seine Bilder leben...

Wir können mit Sicherheit sagen, dass Konstantin Wassiljew sein Neuland in der Malerei erschlossen hat. Er eröffnete eine kreative Richtung, die es dem Künstler ermöglichte, dem Weg der realistischen Kunst zu folgen und Gemälde zu schaffen, die den Betrachter aktiv beeinflussen und dem Geist und dem Herzen reichhaltige Nahrung bieten.

Zu Beginn des Jahrhunderts sagte der berühmte russische und sowjetische Kunstkritiker Sergej Durylin: Der einzige Weg Befreiung von der Tyrannei des Verfalls der Kunst ist der Weg der Symbolik, als künstlerische Methode, Mythenbildung, als Fleisch der Kunst ...“

Ist es nicht die lebendige Verkörperung dessen, was gesagt wurde, was wir heute auf den Leinwänden von Wassiljew sehen? Für ihn war die Einstellung der Menschen zur Welt das Grundprinzip der Kreativität. Der Künstler begab sich auf den Weg der Mythenbildung auf der Suche nach einem Helden, der in der Lage ist, der inneren Transformation der Menschen zu dienen; suchte in der Mythologie der russischen und benachbarten Völker nach einem harmonischen, idealen Menschen der Antike und drückte die gefundenen und zutiefst bedeutungsvollen künstlerischen Bilder mutig in neuen Formen aus und schuf so zutiefst symbolische Leinwände.

Heute sehen wir, welche Vielfalt an Charakteren – harsch, hell, voller praktischer Sorgfalt oder subtiler Poesie – der Künstler geschaffen hat. Wenn wir einen Blick auf die Merkmale dieser lebenden und individuellen Helden werfen, beginnen wir, unsere Geschichte, uns selbst, umgebendes Leben. Und wie ein Lichtstrahl, der von einer unbekannten Welt gesendet wird, erleuchtet er unsere Seelen. Für eine Weile vergessen wir unsere Gedanken und Wünsche und schauen aufmerksam auf diesen Strahl. Bilder, die bisher nur von außen bekannt waren, werden hervorgehoben und es scheint, als ob wir darin Herzen schlagen sehen.

Unter all der Weisheit, die wir in uns aufnehmen, bleiben wir plötzlich auf dem Höhepunkt unserer etablierten Konzepte stehen und fragen uns: Ist unsere innere Welt so rein, ist unser Herz so warm wie bei den Menschen, die der Künstler geschaffen hat? Wir haben es nur einmal gesehen, aber erinnerst du dich für immer?

Der Lebensweg eines Künstlers wird nicht an den gelebten Jahren gemessen, sondern an dem kreativen Erbe, das er hinterlassen hat. Und Vasilievs Werk ist beeindruckend – 400 Gemälde, Grafiken und Skizzen!

Dutzende Male wurden auf Initiative der Allrussischen Gesellschaft zum Schutz historischer und kultureller Denkmäler posthume Ausstellungen dieses Meisters eröffnet. Zuschauer fragen sich oft, was das Geheimnis des brillanten Talents des Künstlers ist, wie er es geschafft hat, das von Geburt an gegebene Talent zur ursprünglichen Meisterschaft zu erheben? Dieses Geheimnis liegt in den Menschen! Wassiljew ist im Wesentlichen ein Volks- und Nationalkünstler.

Die Bilder des Künstlers zeichnen sich durch Schönheit aus, nicht durch Hübschheit; sie enthalten eine lebendige Verschmelzung der Seele des Darstellers und der Seele des Menschen-Schöpfers! Und die Menschen fühlten, erkannten ihn als ihren Künstler. Die Leute freuen sich auf jedes neue Treffen mit ihm. Was kann höher sein als ein solch harmonischer Gleichklang der Seelen des Künstlers und des Betrachters?! Das Verlangen der Menschen nach Schönheit sei der Schlüssel zur spirituellen Gesundheit der Nation, sagte F.M. Dostojewski. Und ein Volk mit gesundem Geist ist unzerstörbar.

Die pädagogische und internationale Bedeutung von Vasilievs Werk ist groß. Seine Bilder verherrlichen Mut und Heldentum und wecken bei jungen Menschen die Bereitschaft, die Leistung ihrer Väter zu wiederholen. Stoff für seine Kreativität schöpfte der Künstler aus dem Leben des russischen Volkes, das er am besten kannte. Aber der ästhetische Wert seiner Bilder, die Schönheit des Menschen und der Natur, die sie für sich in Anspruch nehmen, ist Eigentum aller Sowjetisches Volk, sie sind für den Betrachter jeder Nationalität verständlich. Seine Werke sind auch für das ausländische Publikum verständlich, das größtes Interesse am Werk des Künstlers gezeigt hat. Wirklich Volkskunst wird immer zum Gemeingut.

In Kolomna lebt eine ältere Frau - Claudia Parmenovna Vasilyeva, die Mutter eines großen Künstlers. Ein schwieriges Leben liegt hinter ihr. Die Jahre vergehen, aber die Sorgen lassen nicht nach. Dutzende Ausstellungen, die den Menschen Freude bereiteten, bereiteten ihr Kummer: Die Gemälde litten merklich und bedurften einer ernsthaften Restaurierung. Dies stellt auch eine neue Belastung für die Schultern ihrer Frauen dar. Wie lange wird sie ihre eigenen Sorgen und die anderer Menschen ertragen?!

Eine quälende Traurigkeit breitet sich oft bis ins Herz aus. Und wenn es völlig unerträglich wird, dann kommt ihr Sohn im Traum zu ihr ... Hier hört sie Kostyas Schritte ... Er kam herauf, öffnete das Tor ihres alten Hauses und klopfte wie üblich mehrere Takte von Beethovens Marsch weiter das Fenster. Früher sagte er immer: „Mutter, beeil dich nicht, es zu öffnen, du hast Druck, ich warte auf der Veranda!“

Er trat leise ein. Genannt:

Er sah sie mit einem langen, liebevollen Blick an und sagte plötzlich mit bitterer Zärtlichkeit:

Du bist sehr müde, Liebes... Ich weiß... Bitte haben Sie etwas Geduld. Hilf mir noch ein bisschen...

„Genialer Junge“ – eine solche Definition wird häufiger bei der Beurteilung der Arbeit von Fjodor Wassiljew verwendet. Beweglich, witzig, ungewöhnlich charmant, er schien jedem, der ihn zum ersten Mal sah, im Hemd geboren zu sein. Etwas, das an Mozart oder den jungen Puschkin erinnerte, lag in Wassiljews Natur, sonnig und künstlerisch.
„Wir haben keinen Landschaftsmaler und Dichter im eigentlichen Sinne des Wortes, und wenn jemand einer sein kann und sollte, dann nur Wassiljew“, sagte sein Zeitgenosse I. Kramskoi über den Künstler.
I. Kramskoy bewunderte ständig das außergewöhnliche Talent des jungen Mannes und verglich ihn mit „einem sagenhaft reichen Mann, der gleichzeitig sagenhaft großzügig ist und seine Schätze mit einer Handvoll nach rechts und links wirft, ohne sie zu zählen und nicht einmal zu schätzen.“

Für den bemerkenswerten russischen Landschaftsmaler Wassiljew ließ das Schicksal offensiv wenig los: erst 23 Jahre alt. Aber auch in dieser Zeit hinterließ er spürbare Spuren Russische Kunst.

Fedor Vasiliev wurde am 22. Februar 1850 in St. Petersburg in der Familie eines armen Postbeamten geboren. Als zwölfjähriges Kind wurde Fedor zum Hauptpostamt geschickt.

Schon in jungen Jahren war er dem Zeichnen verfallen und widmete seine gesamte Freizeit seiner Lieblingsbeschäftigung. KindheitWassiljewwurde von Armut und dem Tod seines Vaters überschattet, danach auf den Schultern eines 15-JährigenFedorakümmert sich um das tägliche Brot.

Wolga-Lagune. 1870

Vasiliev arbeitete für den Restaurator der Akademie der Künste Sokolov und setzte sein Kunststudium fort. Er tritt in die Zeichenschule der Gesellschaft zur Förderung der Künste ein, wo Kramskoy unterrichtete, mit dem Vasiliev sein ganzes kurzes Leben lang eng verbunden war. Anschließend kommt Vasiliev Shishkin nahe, der ein maßgeblicher Mentor für den aufstrebenden Künstler wurde.

Im Juni 1867Wassiljewmit Shishkin geht er nach Walaam, wo erlernen, in der Natur zu arbeiten. Auf Walaam kommt der Künstler den St. Petersburger Landschaftsmalern nahe. Im Jahr 1867 schrieb Wassiljew mehrere Skizzen aus der Natur, die dann in der Gesellschaft zur Förderung der Künste ausgestellt wurden.

Die Bilder der Natur erlangten in Wassiljews Gemälde Spiritualität, besondere Poesie, Romantik und Gefühlstiefe. Diese Merkmale wurden bereits in den Landschaften von 1868–69 „Die Rückkehr der Herde“ und „Vor dem Regen“ definiert, in denen der Künstler die hellen und spektakulären Momente des Lebens der Natur einfing. In diesen Gemälden ist der Malstil durch klangvolle Akzente von Farbflecken und die Dynamik eines freien Pinselstrichs gekennzeichnet.

Die bekannten, gleichzeitig entstandenen Gemälde des Künstlers „Village Street“ und „After a Thunderstorm“ sind eng mit dem für Wassiljew relevanten Thema der Dorflandschaft verbunden und zeichnen sich durch eine semi-genreistische Handlung aus , das Motiv der Straße und der Wunsch, den Bildinhalt über das Dargestellte hinaus zu bringen.Vasiliev ist ständig auf der Suche nach Kreativität. großVbeeinflussenauf ihngerendert die Werke der Künstler der Barbizon-Schule T. Rousseau, J. Dupre, M. Diaz. Sie beeindruckten ihn mit einer spirituellen Wahrnehmung der Natur, dargestellt in einfachen Handlungen.

Nach dem Sturm

Im Jahr 1868 reichte Fjodor Wassiljew das Gemälde „Die Rückkehr der Herde“ zum Wettbewerb der Gesellschaft zur Förderung der Künstler ein, das große Anerkennung fand.Weitere KreativitätKünstlerist frei von jeglichem Einfluss.Bewundern Sie die sinnliche Schönheit der Natur,WassiljewBemühen Sie sich, die Freude über sein spirituelles Engagement darin zu zeigen. Aus dieser Zeit sind folgende Gemälde bekannt: „Früher Morgen“, „Nach dem Regen“, „Abend“, „Dorf“ ...

Im Jahr 1870 unternahmen Wassiljew, Repin und Makarow eine Reise entlang der Wolga, bei der Gemälde „Blick auf die Wolga. Lastkähne“, „Wolga-Lagunen“, „Winterlandschaft“, „Ein Gewitter naht“, „Vor einem Gewitter“.

Auftauen

Als Vasiliev nach St. Petersburg zurückkehrt, schreibt er eines davonihreHauptgemälde - „Tauwetter“. INFrühjahr 1875Sie gewann den ersten Preis beim Wettbewerb der Society for the Encouragement of Artists. „The Thaw“ ist von Melancholie und Traurigkeit durchdrungen, inspiriert von bitteren Gedanken über das Leben des russischen Dorfes.

Im Winter 1870 erkältete sich Fjodor Wassiljew, bei ihm wurde eine schwere Lungenerkrankung diagnostiziert, und mit Beginn des Frühlings verschlimmerte sich die Krankheit und verwandelte sich in Tuberkulose. Auf Anregung von Stroganow, Wassiljew, Sommer 1871ausgegebenauf seinen Ländereien in den Provinzen Charkow und Woronesch. Zu dieser Periode seines Schaffens gehören: Freilichtlandschaft „Rye“, „Von der Sonne beleuchtete Pappeln“, unvollendete Landschaft „Dorf“.Trotz der günstigen LebensbedingungenStroganov, sein Gesundheitszustand verbesserte sich nicht.Vasiliev war als freiwilliger Student der Akademie der Künste eingeschrieben, ihm wurde der Titel eines Künstlers 1. Grades mit der Bedingung verliehen, die Prüfung zu bestehen.

Die Gesellschaft zur Förderung der Künste stellte Wassiljew Mittel für eine Reise auf die Krim zur Verfügung.Er zog nach Jalta und nahm ein Arbeitsalbum mit Skizzen und Skizzen ukrainischer Dorfmotive mit. Auf der Krim malte er auf der Grundlage dieser Skizzen und Memoiren eines seiner besten Gemälde – ein breites episches Gemälde „Wet Meadow“ (1872). Das Bild ist streng komponiert und besticht durch Frische, Tiefe und reiche innere Farbabstufung. Das von Vasiliev eingefangene Naturbild ist mit einem komplexen Spektrum an Gefühlen und Erfahrungen des Künstlers behaftet.Dieses kArtina erregte Kramskoy zutiefst.

nasse Wiese

Wassiljew verbrachte zwei Jahre auf der Krim; Der Grad der Intensität seines kreativen Lebens war erstaunlich. Durch krankheitsbedingte Zwangspausen und die Ausführung der von ihm bestellten Gemälde, die mehr Zeit in Anspruch nahmen, beherrschte der Künstler im Frühjahr 1872 die Motive der Krim-Natur. Neben vielen Zeichnungen malte er zwei Gemälde: „Swamp“ und „Crimean View“, für die erim Jahr 1872Verliehen von der Society for the Encouragement of the Arts. Er beginnt mit dem Gemälde „In den Krimbergen“ und arbeitet an der Leinwand „Surf in Yalta“.Die Werke dieser Zeit zeichnen sich durch eine erhabene Vorstellung von der Existenz der Bergwelt aus. Wassiljews letztes vollendetes Werk, „In den Krimbergen“ (1873), zeichnet sich durch die Feinheit der Farbverhältnisse aus, vereint durch einen graubraunen Ton; Die Natur erhält einen Hauch heroischer Größe. Kramskoy erkannte dieses Bild als brillant an.

Vasilievs neueste Werke „Morning“, „Sumpf im Wald. Autumn“, „The Abandoned Mill“ sind teilweise noch nicht fertig. „Verlassene Mühle“ ist bestes Beispiel eine solch malerische Lösung, von der der Künstler geträumt hat. Er versuchte sein Farbverständnis in der Praxis zu testen. Diese Bilder bedeuteten neue Bühne im Werk des Künstlers, der die von ihm verstandenen romantischen Traditionen des 19. Jahrhunderts auf neue Weise mit der Landschaftsmalerei des 2. Jahrhunderts verband Hälfte des 19. Jahrhunderts Jahrhundert.

Verlassene Mühle

Im Frühjahr 1873 wurde der Malunterricht fortgesetzt. Der Künstler musste das in Auftrag gegebene und bereits bezahlte Gemälde „Dawn“ fertigstellen, doch der Tod unterbrach seine Arbeit. Fjodor Wassiljew 24. September 1873gestorben.

Bei der posthumen Ausstellung seiner Werke in St. Petersburg waren bereits vor der Eröffnung alle Gemälde ausverkauft. Zwei Alben des Künstlers wurden von Kaiserin Maria Alexandrowna gekauft.

FedorAlexandrowitschWassiljew -einer der talentiertesten russischen Landschaftsmaler. Seine Arbeitengeschrieben in strahlenden, satten Farben, durchdrungen von einer spirituellen Naturwahrnehmung und RomantikSpannung, Poesie und Bewunderung für die sinnliche Schönheit der Welt.

http://www.artsait.ru/art/v/vasilevF/main.htm

Nach dem Sturm. 1868

Das Werk eines hochbegabten Künstlers, der unter ungeklärten Umständen früh verstorben ist, sorgt für heftige Kontroversen. Kunsthistoriker lehnen seine Werke ab, und das Publikum, das sein Museum in Moskau im Lianozovsky-Park besucht, ist einer ganz anderen Meinung: Die Gemälde von Konstantin Wassiljew betören und bezaubern und tauchen in völlig andere Welten ein.

Kreativität K. Vasiliev

Der Nachlass des Künstlers, der nur fünfzehn Jahre lang arbeitete, hat mehr als vierhundert Werke bewahrt. Wir können die Hauptbereiche unterscheiden, die die Seele beeinflussen:

• Gemälde von Konstantin Wassiljew über den Vaterländischen Krieg.
• Themen russischer Epen, Lieder, Märchen.
• Skandinavisches Epos.
• Landschaft.
• Porträt.

Gemälde von Konstantin Wassiljew sind so ungewöhnlich und erstaunlich, dass sie nicht mit den Werken anderer Künstler verwechselt werden können.

Ewiges Thema - Krieg

Die Menschen hören nicht auf zu kämpfen, sie träumen nur vom Frieden. Die Helden von K. Vasilievs Gemälden kämpfen für den Schutz ihres Zuhauses und ihrer Lieben. Dabei spielt es keine Rolle, zu welcher Zeit jemand auf russischen Boden kam. Für den Eindringling werden die Menschen, die sich für den Schutz des Landes eingesetzt haben, das ihnen am Herzen liegt, nur einen Platz für sein Grab hinterlassen. Ein Krieger, der ein Schwert zieht oder ein Maschinengewehr oder Gewehr nimmt, hat keine Angst vor dem Tod, egal wie schrecklich die Feinde auch erscheinen mögen. Das Pathos des russischen Heldenvolkes spiegelt sich in den Gemälden von Konstantin Wassiljew mit den Titeln „Abschied des Slawen“, „Parade der Einundvierzigsten“, „Unter den Linden in Flammen“, „Duell von Peresvet mit Tschelubey“ wider. , „Ilya Muromets befreit die Gefangenen“, „Kampf mit einer Schlange“. „Invasion“ sticht heraus.

Darin marschieren unter bleiernem Himmel Kolonnen, die kein Ende nehmen, bereits auf dem verwüsteten russischen Land. In dem von ihnen zerstörten Tempel standen auf den Ruinen des Altars die Heiligen des russischen Landes in Formation. Zusammen mit den Soldaten, die bis dahin ihr ganzes Blut für das Mutterland geben werden letzter Tropfen, wird zur Befreiung des Vaterlandes in dieser für jeden Russen schwierigen Zeit beitragen, in der feindliche Kräfte nicht nur versuchen, das Volk physisch zu vernichten, sondern auch seinen Geist zu brechen und die Kultur auszurotten. Unser Krieger ist im tödlichen Kampf ruhig, obwohl der Tod ihn umkreist, aber sein Geliebter glaubt an ihn, und dieser Glaube rettete ihn vor dem Tod, vor einer pfeifenden Kugel.

„Einundvierzigste Parade“

Die ganze Kraft des Geistes des russischen Volkes spiegelt sich in dieser Leinwand wider. Vierzig Kilometer von Moskau entfernt toben die härtesten Kämpfe um jedes Stück Land, um jede Höhe. Von der Parade bis zum Schlachtfeld werden ihnen andere russische Patrioten zu Hilfe kommen, die oft nicht einmal schießen können und noch nie in ihrem Leben jemanden getötet haben, nicht einmal ein Kätzchen oder einen Welpen. Und jetzt ist es Zeit, gegen die schwarze Horde zu kämpfen. Den Blick von oben nahm der Künstler nicht zufällig auf. In Nahaufnahme sind Menschen zu sehen, die das Mutterland verteidigt haben Zeit der Probleme aus der polnischen Intervention: der Kaufmann Kozma Minin und Fürst Dmitry Pozharsky. Ihre Bilder verschmolzen zu einem Ganzen historische Erinnerung Menschen. Sie sind es, die die Menschen segnen, die in die Schlacht ziehen, und nicht die „Anführer“, die sich hinter den Tribünen eines kaum sichtbaren Mausoleums verstecken.

Kalte Leinwände

Gemälde von Konstantin Wassiljew werden oft als kalt bezeichnet. Aber man kann von innen das herannahende, kaum eingedämmte Feuer sehen. Schauen Sie sich die bereitgestellten Reproduktionen genau an. Kann man Gemälde von Konstantin Wassiljew, von denen unten Fotos erscheinen, wirklich als leblos und kalt bezeichnen? Wir leben nicht im Osten, sondern im rauen Norden, der unsere Mentalität geprägt hat: ewiger Kampf mit einer knappen Natur, die nicht genug Nahrung zum Überleben liefert. Fröste, die bereits im Frühherbst auftreten, und im Frühling werden nicht nachlassen. Was für Menschen sind auf dieser Erde aufgewachsen? Fest, standhaft, nicht gern Gefühle ausdrücken, ihren Schmerz und ihre Tränen verbergen, über ihre Situation lachen, egal wie hoffnungslos sie auch erscheinen mag. Helligkeit und Wärme, Verspieltheit finden sich im Französischen bzw Italienische Meister, und Konstantin Vasiliev, der Künstler, dessen Gemälde mit den Namen, die wir in Betracht ziehen, ist völlig anders. Schauen Sie sich den Nordadler an. Bei starkem Frost, im offenen Schaffellmantel, ohne Hut, bedeckt mit einer Haarsträhne auf dem Kopf, wird sich nun ein strenger reifer Mann so weit aufwärmen, dass er seinen Schaffellmantel abwirft und Feuerholz vorbereitet. Kommt aber ein habgieriger Mann, so ist seine Axt scharf. Groß ist die Stärke seines menschlichen Geistes.

„Unerwartetes Treffen“

Und was könnte das Treffen zweier stolzer Menschen sein? Äußerlich sind sie teilnahmslos. Es gibt ein stilles Gespräch mit den Augen. Wenn eine Frau entscheidet, dass ein Mann ihrer würdig ist, wird sie sich nicht an die Konventionen halten. Sie werden einem solchen Stift nicht mit dem Stift entgegenschwenken: „Geh, sagen sie, es liegt nicht an dir“, und du wirst ihn nicht in deinem Gürtel verschließen. Zwei Charaktere, einer cooler als der andere, wurden von K. Vasilyev geschrieben und zeigen ein wunderschönes Paar. Beide Bilder sind vollständig. Sie können stundenlang neben dem Gemälde stehen.

Russische Legenden und Traditionen

Der Künstler Wassiljew Konstantin malte sehr kontroverse Gemälde. Nehmen Sie zum Beispiel die Leinwand „Ilya Muromets – ein Kämpfer gegen die christliche Pest“.

Auf Katholisch gute Zeiten er wäre sofort auf dem Scheiterhaufen vergiftet worden, die Orthodoxen hätten eine Woche gezögert, aber sie hätten sich auch der Repressalien nicht geschämt. Und so kämpft ein guter Kerl für seine väterlichen Institutionen. Und was macht er? Voller Überzeugung, dass er für eine gerechte Sache kämpfte, ließ er die goldenen Kuppeln der Kiewer Kirchen nieder. Schrecklich ist sein Gesicht. Er schaut sich um, wo er sonst seine Kraft einsetzen soll. Er ist von seiner Richtigkeit, Stärke, Moral und Moral überzeugt weltliche Weisheit. Auf dem Fest wurde er wütend auf Fürst Wladimir, ging wegen Unverschämtheit ins Gefängnis, ging hinaus und begann, den ungerechtfertigten Vorwurf zu rächen. Ilya Muromets ist eine unbezwingbare, freie russische Seele, die noch lange auf die Zwangstaufe verzichten, sich an seine Urgötter erinnern, zu ihnen beten und sich in den dichten Wäldern des Nordens verstecken wird.

Skandinavische Sagen

Skandinavische Themen beherrschte Konstantin Wassiljew gut. Die Gemälde „Walküre“, „Wotan“, die Zeichnungen „Skandinavischer Krieger“, „Siegfried“ verkörpern militärische Ausdauer.

"Walküre"

Vor uns steht die tote Kriegerin, die Walküre, vollkommen in ihrer Schönheit. Hinter ihr steht ihr treues schneeweißes Pferd. Sie strahlt von ihr aus. Ihre Figur ist statisch, ebenso wie der regungslose Verstorbene, der sein Schwert fest umklammert. Noch ein paar Minuten Nachdenken, und die Jungfrau wird ihn nach Walhalla bringen.

Jungfrau ist schön und stark. Ihr Blick blickt fest in die Ferne, und ihre Rüstung und ihr Schwert verkünden, dass sie jeden zurückweisen wird, der es wagt, sich ihr zu nähern. Ein separates Nahaufnahmeporträt der Walküre zeigt ihre eisblauen Augen. Unter dem geflügelten Helm kamen goldene Locken hervor, sie wurden vom Wind zerstreut. Die Tochter Odins ist wunderschön in ihrem Gleichmut.

Wille

Das letzte von Vasiliev gemalte Bild ist „Ein Mann mit einer Eule“.

Ein weiser alter Mann steht vor dem Hintergrund einer schneebedeckten Ebene. Er hob seine Hand mit einer Peitsche und eine riesige Eule saß darauf. In seiner rechten Hand hält er eine brennende Kerze, wenn sie schmilzt, wird auch das Pergament mit der scharlachroten Aufschrift „Konstantin der Große Russe 1976“ ausbrennen. Vasiliev nannte sich oft so. Wie kam es, dass er sein Todesjahr und die Zerstörung des Pergaments im Feuer vorhersagte? Das wird niemand mehr wissen. Doch der Rauch des Feuers verwandelt sich in eine wachsende Eiche, die dazu bestimmt ist, ein mächtiger Baum zu werden.

Nachdem er diese Leinwand fertiggestellt hatte, erzählte K. Vasiliev einem Freund, dass er jetzt schreiben könne. Aber wir können es kaum erwarten, seine neuen Werke zu sehen.

Anlässlich des 90. Geburtstags des Künstlers wurde im Nationalen Historischen Museum Moldawiens eine Ausstellung seiner Werke eröffnet.

Mein Vater, der Künstler Alexei Alexandrowitsch Wassiljew, ist seit 22 Jahren (1907-1975) weg. In dieser Zeit verringerte sich der Altersunterschied zwischen mir und ihm lebend auf 10 Jahre. Aber ich habe ihn noch so viel zu fragen ...

Ich kreise und kreise um die Ausstellung, ich freue mich über die Begegnung, bin besorgt und sehnsüchtig. Viele seiner Bilder waren Meilensteine ​​in unserem Leben.

Nachkriegslandschaften, schnell verdunkelt, alle kleinformatig. Es gab keine Ölbilder, Leinwände oder Rahmen. Er verlängerte die Lebensdauer der Bürsten, indem er die Borsten streckte. Um auch in den Gebieten von Dokuchaevs zukünftiger Station, dem Komsomolskoje-See, schreiben zu können, war eine Sondergenehmigung erforderlich.

Die Stadt lag in schwarzen Ruinen. Aber ich wollte Frühling und ruhige Sonnenuntergänge schreiben. „Abend“, „Frühling“, „Am Stadtrand von Chisinau“, „Im alten Bessarabien“ … Die gewählten Motive sind sehr einfach und die Straße wiederholt sich ständig auf unterschiedliche Weise – mit einem Mann, einem Kruzifix oder einem langsam Kriechenden Carutia – schafft eine triste Stimmung in der vom Krieg betäubten Provinz.

Die Gemälde „Geiseln“, „Moldauischer Cheban“ und „Am Grab der Helden“ sind dem Krieg selbst gewidmet, und dann -

„Rybnitsa-Tragödie“, „Liebe Leistung“, „Im Partisanenwald“. Ich frage mich, wann der Vater Zeit hatte?

Auf dem 1. Künstlerkongress und mehreren darauffolgenden wurde er zum Vorsitzenden der Union gewählt. Er gab dieser Position viel Energie, wie die neu geschaffene und zwei Monate nach dem Krieg eröffnete Stelle beweist Kunstmuseum und organisierte einen Kunstfonds und Workshops sowie eine restaurierte Schule.

Einmal kaufte er auf dem Markt einen ovalen Rahmen und ließ mich posieren, während er mich mit Märchen unterhielt. Das Porträt erwies sich als erfolgreich. Als Kulisse diente unser Hinterhof. Einst malte hier ein Schüler Repins Stillleben

E. Maleshevskaya. Ihr gehörten der Hof, das Haus und die Werkstatt. Darin hielt Papa auf Einladung der Gastgeberin vor dem Krieg an, nachdem er als Leiter der Abteilung für bildende Künste der Kunstabteilung der MSSR aus Moskau angekommen war. Bald starb der Künstler. Nach dem Krieg lebten wir 16 Jahre in diesem Haus. Sie sagen, dass Schaljapin und Rachmaninow es besucht haben ... Aber jetzt besuchte uns der berühmte und damals in Ungnade gefallene Künstler R.R. Falk, der meinem Vater aus seinen Studienjahren am berühmten VKHUTEIN bekannt war. Dort hatte mein Vater starke Lehrer - Favorsky, Konchalovsky, S. Gerasimov ... A.A. blieb auch bei uns. Fedorov - Davydov, ein „Altbrief“-Mann, der Lehrer meines Vaters an der Graduiertenschule für Kunstgeschichte in der Tretjakow-Galerie. Viele interessante Menschen, Bücher, Streitigkeiten, der Geruch von Farben und Mutterkuchen erfüllten unser Leben mit Harmonie und Trost.

Jedes Mal freute sich mein Vater auf das Ende des Winters. Die glücklichste Zeit für ihn waren Ausflüge zu Skizzen. Sie schlossen Versammlungen, Zeitungen, das Telefon und den Alltag aus. Er arbeitete von morgens bis abends. Er malte die Dnjestr-Auen, Weinberge, mit Kodru bedeckte Hügel, blaue Weiten und überwucherte Teiche. Mit einem Skizzenbuch fast ganz Moldawien bereist.

Auf einer dieser Reisen entstand die Idee für das Gemälde „War Paths Overgrow“. Von der Abendsonne beleuchtet, mit Kräutern bewachsen, ist die Pillendose dem Auge vertraut geworden, wie ein Baum oder Holi. Aber man sollte seine frühere Tödlichkeit nicht vergessen. Das ist die Idee des Stückes.

Am liebsten schrieb mein Vater den Herbst. Nicht nur für „Purpur und Gold“. Das ausgedünnte Laub machte es möglich, die Entfernung zu „fühlen“ und bereicherte so die Landschaft. „Farben Herbstnatur“, „Abend in Leuseni“,

„Wald in Capriani“, „Herbst in Moldawien“… Mit ihnen sagt der Künstler: Wie schön ist das, was man oft gesehen, aber nicht bemerkt hat. Er schrieb einmal: „Aber was benötigt wird, ist nicht koloristisches Talent, nicht Talent im Sinn für Komposition, sondern Talent in der Fähigkeit, das Leben zu bewundern, Talent in spiritueller Großzügigkeit“ ...

Oft schrieb mein Vater zu Hause. Es war interessant, dieses schwierigste Duell zwischen dem Künstler und seinem Werk zu beobachten. Die Erinnerung hat eine straff gespannte Leinwand bewahrt, die sich nach und nach mit einem „göttlichen Farbaufruhr“ verkleidete.

„Die Leinwand muss atmen“, sagte er. Daher blieben an einigen Stellen die Maserung der getönten Leinwand, gelungene Striche und Flecken der Untermalung erhalten. Er verwendete viele Methoden der Oberflächenbehandlung und glaubte, dass Farben breit und satt – „gestresst“ – auf der Leinwand liegen sollten.

Er sagte: „... wenn Sie die Form eines Objekts schreiben, müssen Sie kleinere Stellen verwischen und plötzlich mit einem Pinselstrich, mit einem breiten Strich, wie ein Blitz, die Modellierung abschließen.“ So schrieb er „Morning of Moldova. Childhood“, „The Tale of Moldova“, „Born to Fly“ und „Woe and Wrath of Vietnam“.

Aber er lernte nicht nur von der Natur und dem Leben. Er verstand es auch, über die Gemälde seiner Lieblingskünstler nachzudenken.

Über Matisse schrieb er beispielsweise: „Ich fühlte mich zu ihm hingezogen. Er versteht es besser als andere, in der Sprache der Farben zu singen. Sie sind musikalisch rein und harmonisch. Sie sind spektral hell und dennoch hervorragend orchestriert.“

Durchblättern seiner zahlreichen Notizbücher Ich sehe Gedanken, die mit unseren Tagen übereinstimmen.

„Kunst regiert nicht die Welt, aber für diejenigen, die Kunst verstehen, ist es einfacher, die Welt zu regieren.“ Oder „Wir betrachten die Vergangenheit aus der Sicht der Gegenwart, warum können wir die Zukunft nicht aus der Sicht der Vergangenheit betrachten?“

Mein Vater schrieb in Kirgisistan und Tschukotka, in Usbekistan und Sibirien, in den Karpaten und auf der Krim, in China und Ägypten.