Synopsis-Krippe zum Thema "Gattung der Chormusik". Genres der Chormusik Was ist eine Chorminiatur-Definition

Pädagogisches Ziel: Am Beispiel der Chorbearbeitung des „Altfranzösischen Liedes“ aus dem „Kinderalbum“ von P. I. Tschaikowsky eine Vorstellung von den Besonderheiten des Genres der musikalischen Miniatur zu bekommen.

Ziele: die Beziehung zwischen verschiedenen musikalischen Genres durch das Verständnis des Inhalts der künstlerischen Absicht des Komponisten zu verfolgen; durch eine bewusste Wahrnehmung von Musik einen qualitativ hochwertigen Klang der Singstimmen von Kindern im Prozess des Lernens und Aufführens eines Liedes zu erreichen.

Art der Lektion: thematisch.

Unterrichtsart: Neues lernen.

Methoden: Immersionsmethode(ermöglicht es Ihnen, die wertsemantische Bedeutung eines musikalischen Werks im Leben einer Person zu erkennen); phonetische Methode Tonproduktion(zielt sowohl auf die Entwicklung der qualitativen Merkmale der Singstimme als auch auf die Bildung von Gesangs- und Chorfähigkeiten ab); Methode des Musizierens(in Verbindung mit der Beherrschung der Elemente des musikalischen Gewebes und der Arten der Aufführung von Musik auf der Grundlage der internen Aktivität der Schüler); die Methode der „plastischen Intonation“ (zielt auf eine ganzheitliche Wahrnehmung des musikalischen Gewebes durch die Beweglichkeit des eigenen Körpers).

Ausstattung: Porträt von P. I. Tschaikowsky, Musiksammlung „ Kinderalbum“, eine Illustration des Sonnenuntergangs auf dem Fluss (nach Wahl des Kopfes), Karten mit den musikalischen Begriffen „Climax“, „Reprise“.

Während des Unterrichts.

Zum Zeitpunkt des Unterrichts haben die Kinder bereits die Arbeit von P.I.

Leiter: Leute, ihr habt die musikalischen Werke dieses genialen Komponisten bereits im Schulmusikunterricht studiert. Wer erinnert sich an seinen Namen und zu welchen Leuten er gehört?

Kinder: Russischer Komponist Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky.

Kopf: Ja, in der Tat, das ist der große russische Komponist des 19. Jahrhunderts P. I. Tschaikowsky, und ich freue mich, dass Sie ihn erkannt haben! Die Musik von Pjotr ​​Iljitsch ist auf der ganzen Welt bekannt und beliebt, und an welches seiner Werke erinnern Sie sich?

Die Schüler geben die erwarteten Antworten:

Kinder: „Marsch der Holzsoldaten“, „Puppenkrankheit“, „Polka“, „Schneeflockenwalzer“ und „Marsch“ aus dem Ballett „Der Nussknacker“.

Kopf: Leute, Tschaikowsky hat eine Menge wunderbarer Musik für Erwachsene und Kinder in verschiedenen Genres geschaffen, von so großen wie Oper, Ballett und Symphonie bis hin zu sehr kleinen Instrumentalstücken und Liedern. Einige davon haben Sie heute bereits erwähnt. Zum Beispiel „Marsch der Holzsoldaten“ und „Puppenkrankheit“. Wissen Sie, für wen der Komponist diese Stücke geschrieben hat? Für meine kleinen Neffen, die Klavier spielen lernten. Leider hatte Pjotr ​​Iljitsch keine eigenen Kinder, aber er liebte die Kinder seiner Schwester sehr. Speziell für sie schuf er eine Sammlung kleiner Stücke für Klavier, die er „Kinderalbum“ nannte. Insgesamt umfasst die Sammlung 24 Theaterstücke, darunter „Der Marsch der Holzsoldaten“ und „Die Puppenkrankheit“.

Der Leiter zeigt den Kindern die Sammlung, blättert die Seiten um und nennt einige der Titel der Stücke, wobei er sich auf Folgendes konzentriert:

Überschrift: "Deutsches Lied", "Neapolitanisches Lied", "Altfranzösisches Lied" ... Leute, wie ist es? Hat ein russischer Komponist Stücke mit solchen Titeln geschrieben?

Kindern fällt es in der Regel schwer zu antworten, und der Anführer kommt ihnen zu Hilfe:

Leiter: Pjotr ​​Iljitsch reiste in verschiedene Länder und studierte die Musik verschiedener Völker. Er reiste nach Italien, Frankreich, Deutschland, England, in andere europäische Länder und ging sogar über den Ozean nach Nordamerika. Der Komponist verkörperte in seinen Kompositionen die Eindrücke der Volksmusik dieser Länder und vermittelte deren Schönheit und Ursprünglichkeit. So entstanden das „Deutsche Lied“, „Neapolitanische Lied“, „Altfranzösische Lied“ aus dem „Kinderalbum“ und viele andere Werke.

Jetzt werde ich für Sie eines meiner Lieblingsstücke aus dem „Kinderalbum“ – „Altes französisches Lied“ – auf dem Klavier spielen, und Sie werden aufmerksame Zuhörer sein und versuchen zu verstehen, warum der Komponist das Instrumentalwerk „Lied“ genannt hat?

Aufgabe: den vokalen Anfang des Stückes durch die Art der Melodie bestimmen.

Nach dem Hören der Musik geben die Schüler die erwarteten Antworten:

Kinder: Die Melodie ist sanft, nachklingend, legato, liedhaft, das Klavier scheint zu „singen“. Daher nannte der Komponist dieses Instrumentalstück „ein Lied“.

Leader: Leute, ihr habt vollkommen recht. Nicht umsonst komponierte in unserer Zeit die moderne Dichterin Emma Aleksandrova, nachdem sie den Liedanfang dieser Musik gespürt hatte, die Worte zum „alten französischen Lied“. Entstanden ist ein Werk für Kinderchor, das wir heute im Unterricht lernen werden. Bitte hören Sie sich dieses Vokalwerk an und bestimmen Sie dessen Inhalt. Um was geht es in diesem Song?

Die Schüler hören das „alte französische Lied“, das vom Leiter mit Klavierbegleitung vorgetragen wird.

Kinder: Dies ist ein Naturbild, eine musikalische Landschaft eines abendlichen Flusses.

Leader: Natürlich habt ihr recht Jungs. Dies ist offensichtlich aus poetischer Text Lieder. Welche Stimmung drückt die Musik aus?

Kinder: Die Stimmung des Friedens und der leichten Traurigkeit. Doch plötzlich, mitten im Lied, wird die Musik unruhig und ungestüm. Dann kehrt die Stimmung des Friedens und der leichten Traurigkeit wieder zurück.

Leiter: Gut gemacht Jungs! Du konntest nicht nur die Stimmung dieser Musik bestimmen, sondern auch verfolgen, wie sie sich im Laufe des Liedes verändert hat. Und dies wiederum wird uns helfen, die musikalische Form des "alten französischen Liedes" zu bestimmen. Was ist eine musikalische Form?

Kinder: musikalische Form- Dies ist die Struktur eines Musikstücks in Teilen.

Manager: In welcher Form sind die meisten Songs, die Sie kennen, geschrieben?

Kinder: In Couplet-Form.

Leiter: Kann man davon ausgehen, dass das „alte französische Lied“ eine solche Form hat? Immerhin ist dies ein ungewöhnliches Lied. Erinnern Sie sich, wie es entstanden ist, und erinnern Sie sich, wie oft sich die Stimmung in diesem „Lied“ geändert hat?

Kinder: Dieses Lied hat eine dreiteilige Form, da sich die Stimmung der Musik dreimal änderte.

Leiter: Das ist die richtige Antwort. „Ein altes französisches Lied“ hat eine ungewöhnliche Form für die Gesangsgattung, da es ursprünglich von P. I. Tschaikowsky als Instrumentalstück für Klavier geschrieben wurde. Aus Ihrer Antwort können wir schließen, dass die Anzahl der Teile der Form eines Musikstücks dem Stimmungswechsel in der Musik entspricht.

Leiter: Mit welchen musikalischen Sprachmitteln hat der Komponist die Stimmung des „Liedes“ ausgedrückt?

Kinder: Legato, Moll-Tonleiter, gleichmäßiger Rhythmus, ruhiges Tempo in den äußersten Teilen des Liedes, Beschleunigung des Tempos und erhöhte Dynamik im Mittelteil.

Vor dem nächsten Hören des „alten französischen Liedes“ wird den Schülern eine Illustration für das Lied gezeigt – ein Sonnenuntergang auf dem Fluss, und ihnen wird ein verbales Bild angeboten – eine Fantasie über die Gefühle des Komponisten, der diese Musik komponiert hat.

Leiter: Schauen Sie sich diese Illustration genau an und stellen Sie sich vor, der Komponist selbst sitzt abends am Ufer der Seine in der Nähe von Paris und bewundert die Schönheit der umgebenden Natur, die Farben der untergehenden Sonne. Und plötzlich wurde er von lebhaften Erinnerungen an ein fernes, aber so sehr geliebtes Mutterland überflutet. Er erinnert sich an seine heimatlichen Weiten, weite Flüsse, russische Birken und wie die Stimme seiner Mutter an das Glockengeläut der Kirchen ...

Der Anführer stellt ein Porträt von P. I. Tschaikowsky auf das Klavier.

Leiter: Leute, stellt euch vor, der Komponist selbst hört diese Musik mit euch.

Nach dem erneuten Hören von Musik in Gesangsdarbietungen teilen die Schüler ihre Eindrücke von der Musik, die sie gehört haben.

Kopf: Leute, Pjotr ​​Iljitsch hat Russland sehr geliebt, aber liebt ihr euer Mutterland?

Vorgeschlagene Schülerantworten:

Kinder: Ja klar, wir lieben sie auch sehr und sind stolz auf unser tolles Land!

Der Leiter verteilt den Text des Liedes an die Kinder.

Head: Leute, euch ist natürlich aufgefallen, wie wenig Text in diesem Song ist. Trotzdem zeichnet er sehr anschaulich und bildlich ein Bild der abendlichen Natur und des Stimmungswandels eines Menschen:

Abends über dem Fluss Kühle und Ruhe;
Weiß werdend, gehen die Wolken in einem Kamm in die Ferne.
Streben, aber wo? Fließend wie Wasser
Sie fliegen wie ein Vogelschwarm und schmelzen spurlos dahin.

Chu! Das ferne Klingeln zittert, ruft, ruft!
Sendet das Herz nicht Botschaften an das Herz?

Läuft, rauscht Wasser, Jahre vergehen,
Und das Lied lebt weiter, es ist immer bei dir.

Nach dem Rezitieren des Textes des „alten französischen Liedes“ definiert der Leiter das Genre der musikalischen Miniatur:

Leader: Ein kleines Musikstück für Stimme, Chor, ein beliebiges Instrument und sogar ein ganzes Orchester hat einen schönen französischen Namen Miniatur. Leute, gehört P. I. Tschaikowskys „Altfranzösisches Lied“ in die Gattung der vokalen oder instrumentalen Miniaturen?

Kinder: „Ein altes französisches Lied“ von P. I. Tschaikowsky gehört in die Gattung der instrumentalen Miniatur, weil der Komponist es für Klavier geschrieben hat. Aber nachdem das „Lied“ Worte hatte, wurde daraus eine Gesangsminiatur für einen Kinderchor.

Leiter: Ja, in der Tat, „Old French Song“ ist sowohl eine instrumentale als auch eine chorale (vokale) Miniatur. Leute, gefällt euch dieses Lied? Möchten Sie es lernen? Sicherlich! Aber vorher müssen wir singen, damit Ihre Stimmen schön und harmonisch klingen.

2. Stufe. Singen.

Kinder erhalten eine Gesangsinstallation.

Leiter: Leute, zeigt mir, wie man beim Singen richtig sitzt.

Kinder sitzen gerade, strecken die Schultern, legen die Hände auf die Knie.

Leiter: Gut gemacht Jungs. Denken Sie daran, Ihre Körperposition beim Singen beizubehalten.

Die Schüler sind eingeladen, eine Reihe von Übungen zur Entwicklung der stimmlichen und technischen Fähigkeiten durchzuführen:

1.Eine Übung in Stimmatmung und Chorunisono.

Strecken Sie die Silbe „mi“ möglichst lang auf gleicher Höhe (Klänge „fa“, „sol“, „la“ der ersten Oktave).

Bei dieser Übung muss darauf geachtet werden, dass die Kinder nicht die Schultern heben und „mit dem Bauch wie Frösche“ atmen (Low-Cost-Atmung).

2.Legato-Übungen (glatte kohärente Tonführung).

Die Kombination der Silben „mi-ya“, „da-de-di-do-du“ wird Schritt für Schritt auf und ab durchgeführt - I - III - I (D-Dur - G-Dur); I - V - I (C-Dur - F-Dur).

3.Staccato-Übung (ruckartige Tonführung).

Die Silbe „le“ wird entsprechend den Klängen eines Dur-Dreiklangs auf und ab (C-Dur – G-Dur) vorgetragen.

4.Eine Übung in Vokaldiktion.

Gesangsmuster:

„Lämmer mit harten Hörnern gehen durch die Berge, durchstreifen die Wälder. Sie spielen Geige, sie amüsieren Vasya “(russischer Volkswitz).

Es wird auf einem Ton („re“, „mi“, „fa“, „salt“ der ersten Oktave) mit einer allmählichen Beschleunigung des Tempos ausgeführt.

3-stufig. Lernen eines Liedes in Form des Spiels "Musical Echo".

Zweck: eine komplexe Idee des Liedes zu bilden.

Methodik des Spiels: Der Leiter singt den ersten Satz des Liedes, die Kinder wiederholen leise über der Hand des Leiters, wie ein „Echo“. Die zweite Phrase wird ebenfalls aufgeführt. Dann singt der Anführer zwei Sätze gleichzeitig. Es werden verschiedene Versionen gespielt:

• der Anführer singt laut, die Kinder leise;
• der Anführer singt leise, die Kinder laut;
• Der Leiter bietet einem der Kinder an, ein Darsteller zu werden.

Leiter: Leute, ihr habt den Inhalt des Liedes bestimmt, seine Form, die Natur der Klangwissenschaft, und jetzt schauen wir uns seine intonatorischen und rhythmischen Eigenschaften an. Hören Sie sich also den ersten musikalischen Satz des ersten Teils des Liedes an und bestimmen Sie die Art der Bewegung der Melodie.

Der Anführer macht den ersten Schritt.

Kinder: Die Melodie steigt auf, verweilt auf dem oberen Ton und senkt sich dann zu den tieferen Tönen zum Grundton (musikalischer Punkt).

Leiter: Was stellt diese Richtung der Melodie dar?

Kinder: Wellen auf dem Fluss.

Leiter: Lassen Sie uns diesen Satz erfüllen, während wir gleichzeitig das rhythmische Muster der Melodie (ein Muster aus kurzen und langen Tönen) klatschen und die Betonung in den Wörtern betonen.

Dann vergleichen die Schüler den ersten und den zweiten Satz des ersten Teils des „Lieds“ und kommen zu dem Schluss, dass ihre Musik dieselbe ist, aber die Worte unterschiedlich sind. Der Leiter lernt mit den Kindern den ersten Teil der Choralminiatur, indem er die Technik des „musikalischen Echos“ anwendet und an der Reinheit der Intonation und des Chorunisono arbeitet.

Nach der Stimmarbeit am ersten Teil des „Liedes“ lädt der Leiter die Kinder ein, sich den zweiten Teil anzuhören und ihn mit dem vorherigen zu vergleichen.

Kinder: Die Musik wird aufgeregt, das Tempo beschleunigt sich allmählich, die Kraft des Klangs nimmt allmählich zu, die Melodie steigt „allmählich“ zu den höchsten Tönen des „Liedes“ auf die Worte „Ist es nicht ein Herz ...“ und plötzlich friert am Ende des Teils ein.

Leiter: Gut gemacht Jungs! Sie haben die Entwicklung der Melodie des Mittelteils des „Liedes“ richtig gespürt und den hellsten „Punkt“ dieser Chorminiatur identifiziert, der heißt Höhepunkt, das heißt, der wichtigste semantische Ort eines musikalischen Werkes. Lassen Sie uns diesen Teil spielen, gleichzeitig die Aufwärtsbewegung der Melodie mit unseren Händen zeigen und beim Höhepunkt verweilen.

Nach der Gesangsarbeit am Mittelteil lädt der Leiter die Schüler ein, sich den dritten Teil des „Liedes“ anzuhören und ihn mit den vorherigen zu vergleichen.

Kinder: Im dritten Teil des „Liedes“ ist die Melodie dieselbe wie im ersten. Sie ist genauso ruhig und gemessen. Es hat einen musikalischen Vorschlag.

Leiter: Das ist richtig, Jungs. Der erste und der dritte Teil dieser Chorminiatur haben dieselbe Melodie. Diese dreiteilige Musikform heißt Wiederholung. Das Wort Reprise ist italienisch und bedeutet ins Russische übersetzt „Wiederholung“. Lassen Sie uns die letzten Teile des „Liedes“ singen und versuchen, mit unserer Stimme die sanften Bewegungen der Wellen auf dem Fluss und das Gleiten der Wolken am Abendhimmel zu vermitteln, die im Lied besungen werden.

Nach der Gesangsarbeit am dritten Teil der Chorminiatur bewertet der Leiter die Aufführung der Kinder, notiert ihre erfolgreichsten Momente und bietet an, diesen Teil auf Wunsch der Schüler solo aufzuführen. Danach sind die Studierenden eingeladen, sich das „alte französische Lied“ noch einmal als instrumentale Miniatur vorgetragen vom Klavier anzuhören und dann das „Lied“ selbst von Anfang bis Ende als Chor- (Gesangs-)Miniatur aufzuführen:

Leiter: Leute, versucht, die Gefühle des Komponisten, der diese schöne Musik komponiert hat, sowie eure eigenen Gefühle zu vermitteln, die ihr erleben werdet, wenn ihr das „alte französische Lied“ aufführt.

4-stufig. Unterrichtsergebnisse.

Leiter: Jungs , Mit heute im Unterricht waren Sie ausgezeichnete Zuhörer, Sie haben versucht, mit Ihrer Darbietung den bildlichen Inhalt des „altfranzösischen Liedes“ zu vermitteln, Sie haben es geschafft, die Gefühle des Komponisten auszudrücken, der dieses Musikstück komponiert hat. Sagen wir noch einmal den Namen dieses Komponisten.

Kinder: Der große russische Komponist Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky.

Leiter: Warum wird das „alte französische Lied“ als musikalische Miniatur eingestuft?

Kinder: Weil das ein sehr kleines Musikstück ist.

Leiter: Was haben Sie sonst noch Interessantes über diese musikalische Miniatur erfahren?

Kinder: Die Entstehungsgeschichte dieses Musikstücks ist interessant; „Ein altes französisches Lied“ wurde in die Sammlung von Klavierstücken „Kinderalbum“ für junge Pianisten aufgenommen; es ist sowohl eine Instrumentalminiatur als auch eine Chorminiatur, je nachdem, wer sie aufführt.

Leiter: Gut gemacht Jungs! Lesen Sie nun sorgfältig die „musikalischen“ Wörter auf diesen Karten und erinnern Sie sich, was sie bedeuten.

Der Leiter zeigt den Kindern zwei Karten mit den Worten „Höhepunkt“, „Reprise“.

Kinder: Der Höhepunkt ist die wichtigste semantische Stelle in einem Musikstück; Reprise – die Wiederholung eines Musiksatzes, bezieht sich auf eine dreisätzige Form, bei der der dritte Satz die Musik des ersten Satzes „wiederholt“.

Leiter: Gut gemacht, Sie haben diesen Wörtern die richtigen Definitionen gegeben. Lassen Sie uns diese neuen Karten in unser "Musiklexikon" aufnehmen.

Einer der Schüler legt die Karten auf den Ständer „Musiklexikon“.

Leiter: Leute, ihr habt heute im Unterricht das „alte französische Lied“ aufgeführt, ihr habt mit musikalischen Farben ein Bild der abendlichen Natur am Fluss „gemalt“. Und Ihre Hausaufgabe besteht darin, Illustrationen für diese Chorminiatur mit gewöhnlichen Farben zu zeichnen.

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Bundesstaatliche Bildungseinrichtung

höhere Bildung

Staatliches Konservatorium Rostow

benannt nach S.V. Rachmaninow"

Als Manuskript

Grinchenko Inna Wiktorowna

CHORMINIATUR IN DER RUSSISCHEN MUSIKKULTUR:

GESCHICHTE UND THEORIE

Fach 17.00.02 - Kunstkritik

These

für den Studiengang Kunstgeschichte

Wissenschaftlicher Leiter:

Doktor der Kulturwissenschaften, Kandidatin der Kunstgeschichte, Professorin Krylova Alexandra Vladimirovna Rostov-on-Don

Einführung

Kapitel 1. Chorminiatur im historischen und kulturellen Kontext.

Philosophische Grundlagen

1.2. Chorminiatur im Kontext der Traditionen der russischen Kunst ......... 19

1.3. Forschungsansätze zum Studium von Chorminiaturen ................ 28 1.3.1. Textliche Herangehensweise an das Studium der Gattung der Chorminiatur

1.3.2. Choralminiatur: ein struktureller Ansatz zur Analyse poetischer und musikalischer Texte.

Kapitel 2 Chorminiatur im Werk von Komponisten der russischen Schule: historischer und kultureller Hintergrund, Entstehung und Entwicklung des Genres

2.1. Die gegenseitige Beeinflussung von Musik und Poesie und ihre Rolle bei der Entstehung des Genres Chorminiatur

2.2. Chorminiatur als theoretische Definition.

2.3. Hervorhebung der Merkmale des Genres Chorminiatur in den Werken russischer Komponisten des 19. Jahrhunderts

Kapitel 3 Chorminiatur in der Musikkultur des 20. Jahrhunderts.

3.1. Genresituation des 20. Jahrhunderts:

soziokultureller Kontext der Existenz des Genres.

3.2. Die Entwicklung des Genres Chorminiaturen in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts

3.3 Hauptvektoren der Genreentwicklung.

3.3.1. Choral-Miniatur, die klassische Wahrzeichen kultiviert.

3.3.2. Choral-Miniatur, konzentriert auf russische nationale Traditionen.

3.3.3. Choral-Miniatur unter dem Einfluss neuer Stilrichtungen der 60er Jahre

Abschluss

Literaturverzeichnis.

EINFÜHRUNG

Relevanz Forschung. Chorkunst ist ein grundlegender Bestandteil der russischen Kultur. Die Fülle an hellen Gruppen ist ein direkter Beweis für die Lebensfähigkeit der heimischen Chortraditionen, was heute durch viele Festivals und Wettbewerbe der Chormusik auf verschiedenen Ebenen bestätigt wird. Ein solcher „brodelnder Inhalt“ der Choraufführung ist eine natürliche Quelle des unermüdlichen Interesses des Komponisten an dieser Gattungssphäre.

Die Chorminiatur nimmt einen besonderen Platz in der Vielfalt der Gattungen der Chormusik ein. Seine Entwicklung und Relevanz in der Praxis hat eine Reihe von Gründen. Eine davon ist das Vertrauen auf die Wurzelbasis der gesamten Reihe von Chorgattungen - der primären Gattung des russischen Volksliedes, die die grundlegende kleine Form darstellt, aus der sich andere, komplexere Gattungstypen entwickelt haben. Die andere liegt in den Besonderheiten von Miniaturformen, mit einem charakteristischen Fokus auf einen emotionalen Zustand, tief empfunden und bedeutungsvoll, mit einer fein geschriebenen Nuance von Gefühlen, Stimmungen, die durch eine exquisite klangfarbene Chorpalette vermittelt werden. Der dritte liegt in den Besonderheiten der Wahrnehmung des modernen Zuhörers, der durch den Einfluss des Fernsehens mit einem Clip-Bewusstsein ausgestattet ist, das zu Fragmentierung, kurzen Ton-„Rahmen“, Schönheit der „Oberfläche“ tendiert.

Die Forderung nach der Gattung in der Aufführungspraxis wurde jedoch noch nicht durch die wissenschaftliche Begründung ihres Wesens gestützt. Es kann festgestellt werden, dass es in der modernen heimischen musikwissenschaftlichen Literatur keine Werke gibt, die sich der Geschichte und Theorie dieses Phänomens widmen. Zu beachten ist auch, dass in zeitgenössische Kunst der Wunsch nach Miniaturisierung der Form mit inhaltlicher Tiefe ist eine der charakteristischen allgemeinen Tendenzen, vorbestimmt durch eine neue Runde des Verständnisses des philosophischen Problems der Beziehung zwischen Makro- und Mikrowelten.

In der Gattung der Chorminiatur dieses Problem mit besonderer Schärfe fokussiert, weil das Chorprinzip im Rahmen dieser Gattung zwar als Personifikation des Makrokosmos fungiert, sich aber aufgrund der besonderen Verdichtungsmuster von Form und Bedeutung in das Format von gefaltet erweist der Mikrokosmos. Offensichtlich erfordert dieser komplexe Prozess ein eigenes Studium, da er die allgemeinen Gesetze der modernen Kultur widerspiegelt. Das Obige bestimmt die Relevanz des Forschungsthemas.

Gegenstand der Untersuchung ist die russische Chormusik des 20. Jahrhunderts.

Gegenstand der Studie– Entstehung und Entwicklung des Genres Chorminiatur in der nationalen Musikkultur.

Ziel der Studie ist es, den Gattungscharakter der Chorminiatur zu untermauern, der es ermöglicht, kleinvolumige Chorwerke mit den Prinzipien und der Ästhetik der Miniatur zu identifizieren. Das gesetzte Ziel bestimmte folgendes Aufgaben:

– die Genese der Miniatur in den Traditionen der russischen Kultur aufzudecken;

- die Hauptparameter zu charakterisieren, die es ermöglichen, das Genre zuzuordnen;

– die Chorminiatur als künstlerisches Kunstobjekt betrachten;

– die Entwicklung des Genres im Kontext der nationalen Musikkultur des 20. Jahrhunderts zu erforschen;

– die Merkmale der individuellen Interpretation der Gattung der Chorminiatur in den Werken russischer Komponisten der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts zu analysieren.

Ziel und Aufgaben Arbeit bestimmte ihre methodische Grundlage. Es ist umfassend auf der Grundlage theoretischer wissenschaftlicher Entwicklungen und Arbeiten von Wissenschaftlern - Musikwissenschaftlern und Literaturkritikern - sowie einer Analyse der Arbeit von Komponisten des 19. - 20. Jahrhunderts aufgebaut. Die Dissertation verwendete Methoden der kulturhistorischen, strukturell-funktionalen, axiologischen, vergleichenden Analyse.

Forschungsmaterialien. Aufgrund der Breite des Problemfeldes des gestellten Themas beschränkt sich der Umfang der Dissertationsforschung auf die Betrachtung des Entwicklungsprozesses der Chorminiatur im russischen Säkularismus Kunst XIX- XX Jahrhunderte. Als empirisches Material dienten die A-cappella-Chöre, die den Miniaturisierungsgedanken in der Chormusik am anschaulichsten verkörpern. Die Werke von M. Glinka, A. Dargomyzhsky, P. Tchaikovsky, N. Rimsky-Korsakov, M. Mussorgsky, S. Taneyev, A. Arensky, P. Chesnokov, A. Kastalsky, V. Shebalin, G. Sviridov, V Salmanov, E. Denisov, A. Schnittke, R. Shchedrin, S. Gubaidullina, S. Slonimsky, V. Gavrilin, Y. Falik, R. Ledenev, V. Krasnoskulov, V. Kikta, V. Khodosh.

Der Grad der wissenschaftlichen Entwicklung des Themas. Die Probleme der Geschichte und Theorie der Gattung Chorminiatur sind in der Musikwissenschaft noch nicht ausreichend entwickelt.

Im modernen wissenschaftliche Forschung es gibt keine werke, die es erlauben, ein kleinvolumiges chorwerk mit den prinzipien und der ästhetik einer miniatur zu identifizieren. Kunst-, literatur-, kultur- und musikwissenschaftliche Werke verschiedener Problemkreise enthalten jedoch eine Reihe von Ideen und Vorgaben, die für diese Dissertation konzeptionell bedeutsam sind.

In dieser Arbeit wurde eine philosophische Verallgemeinerung des Phänomens, die die Chorminiatur als eine Art Makrosystem positioniert und es ermöglicht, ihren Platz in der Kultur, ihre Rolle in der menschlichen Erfahrung zu bestimmen, auf dem Material der Werke von M. Bakhtin, H. Gadamer, M. Druskin, T. Zhavoronkova, M. Kagan, S. Konenko, G. Kolomiets, A. Korshunova, Yu. Keldysh, I. Loseva, A. Nozdrina, V. Sukhantseva, P. Florensky.

Die Identifizierung der Phasen der Bewältigung der Erfahrung der Miniaturisierung durch verschiedene Arten der russischen Kunst erforderte einen Rückgriff auf die Werke des musikhistorischen und kulturellen Inhalts von B. Asafiev, E. Berdennikova, A. Belonenko, G. Grigorieva, K. Dmitrevskaya, S. Lazutin, L. Nikitina, E. Orlova, Yu Paisov, V. Petrov-Stromsky, N. Sokolov. Der soziologische Aspekt wurde in den Problembereich aufgenommen, was zur Einbeziehung der Ideen von A. Sohor, E. Dukov führte.

Die Darstellung des Genres als mehrkomponentige genetische Struktur mit voneinander abhängigen und voneinander abhängigen Ebenen basierte auf dem mehrdimensionalen Zugang zur Gattungskategorie, der in der Musikwissenschaft gebildet wurde, was zu einer Berufung auf die Studien von M. Aranovsky, S Averintsev, Yu, Tynyanov, A. Korobova, E. Nazaykinsky, O Sokolov, A. Sohora, S. Skrebkov, V. Zukkerman.

Die Analyse musikalischer Werke, mit deren Hilfe die Merkmale der Vokalchorform aufgedeckt wurden, wurde auf der Grundlage der Werke von K. Dmitrevskaya, I. Dabaeva, A. Krylova, I. Lavrentyeva, E. Ruchyevskaya durchgeführt. L. Shaimukhametova. Wertvolle Erläuterungen wurden aus der Arbeit von A. Khakimova über die Theorie des Genres A-cappella-Chor gezogen. Die Ausdrucksmittel der Chortextur wurden auf der Grundlage der Werke von V. Krasnoshchekov, P. Levando, O. Kolovsky, P. Chesnokov, Sammlungen betrachtet wissenschaftliche Artikel herausgegeben von V. Protopopov, V. Frayonov.

Beim Studium von Beispielen von Chormusik vom Standpunkt der musikalischen und poetischen Natur des Genres und ihrer engen Wechselwirkung mit anderen Arten von Kunst, die Bestimmungen und Schlussfolgerungen in den Werken von S. Averintsev, V. Vasina-Grossman, V. Vanslov , M. Gasparov, K. Zenkin, S. Lazutin, Y. Lotman, E. Ruchyevskaya, Y. Tynyanov, B. Eichenbaum, S. Eisenstein.

Wissenschaftliche Neuheit Forschung liegt darin, dass erstmals darin:

– die Definition des Genres der Chorminiatur wird formuliert, was die Genrezuordnung von Chorwerken kleiner Form ermöglicht;

– wurde durch das Prisma philosophischer Erkenntnisse über Makro- und Mikrowelten eine Untersuchung über das Wesen der chorischen Miniaturgattung durchgeführt, die endlose semantische Möglichkeiten für die Verkörperung künstlerischer Ideen in einem komprimierten Inhaltsfeld aufdeckte, bis hin zur Reflexion im Miniaturphänomen von wesentliche Attribute des Kulturbildes;

– als kleine Formen betrachtet verschiedene Sorten Russische Kunst, um ihre generischen Merkmale und Merkmale zu identifizieren, die in eingeschmolzener und indirekter Form das Genotyp des Genres ausmachten.

– die Rolle verschiedener musikalischer Gattungen – der historischen Vorläufer der Choralminiatur – bei der Entstehung ihrer Genremerkmale;

– wurde die sich historisch verändernde Ausgestaltung der Gattungsmerkmale der Chorminiatur im soziokulturellen Kontext des 20. Jahrhunderts untersucht.

Zur Verteidigung genommen folgende Bestimmungen:

– Die Gattung der Chorminiatur ist ein kleinformatiges musikalisches Werk a sarpella, basierend auf einer mehrstufigen Synkretion von Wort und Musik (Hintergrund, lexikalisch, syntaktisch, kompositorisch, semantisch), die eine zeitkonzentrierte tiefe Erschließung des Lyrischen ermöglicht Art von Bildsprache, die eine symbolische Intensität erreicht.

- Die Miniatur ist eine Art Analogie des Makrosystems, in das sie eingeschrieben ist - Kunst, Kultur, Natur. Als Mikrokosmos in Relation zum real existierenden menschlichen Makrokosmos vermag er durch die Konzentration vielfältiger Bedeutungen in einem kleinen literarischen Text die komplexen Eigenschaften der belebten Materie widerzuspiegeln. Durch den Prozess der Miniaturisierung wird das Zeichensystem komprimiert, wobei das Zeichen die Bedeutung eines Bildsymbols erhält. Dank der semantischen Kodierung ist es möglich, mit ganzen „semantischen Komplexen“ zu operieren, sie zu vergleichen und zu verallgemeinern.

– Die genetischen Wurzeln der Choralminiatur sind untrennbar mit Beispielen kleiner Formen verschiedener Künste, ihrer Poetik und Ästhetik verbunden. Im Rahmen der Miniaturgattungen und -formen der russischen Kunst wurden wesentliche Merkmale für die Chorminiatur herausgebildet, wie die Verfeinerung der kleinen Form, das hohe künstlerische Niveau, das sich aus der filigranen, raffinierten Handwerkskunst des Herstellers ergibt, die Besonderheit der Inhalt - emotionale und ideologische Konzentration, die Tiefe des Verständnisses der Welt und der menschlichen Gefühle, funktionaler Zweck .

– Der Kristallisationsprozess des Genres erfolgte auf der Grundlage einer aktiven Interaktion zwischen den Genres sowie der Stärkung der gegenseitigen Beeinflussung von Musik und poetische Künste. Als Ergebnis dieser Prozesse bildete sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts eine Gattung heraus, in der das Musikalische in Synthese mit der poetischen Form an die Grenze der künstlerischen Ausdruckskraft gelangt.

– Die Ansätze des Autors zur Schaffung einer neuartigen Bildlichkeit der Chorminiatur der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts sind geprägt von der Erweiterung der Gattungsgrenzen durch die Transformation der Musiksprache und der Durchdringung des Gattungsmodells mit außermusikalischen Faktoren . Die Verwendung verschiedener Techniken durch Komponisten in Synthese mit alten Traditionen, die Gattungselementen eine neue semantische Färbung verliehen, bildete die modernen Facetten der Gattung Choral Miniatur.

Theoretische Bedeutung Die Forschung wird dadurch bestimmt, dass eine Reihe von entwickelten Bestimmungen das gesammelte Wissen über die Natur der untersuchten Gattung erheblich ergänzt. Die Arbeit erhielt eine ausführliche Argumentation und eine analytische Evidenzbasis für Fragen, die die Möglichkeit einer weiteren wissenschaftlichen Suche nach den Merkmalen dieses Gattungstyps begründen. Darunter sind die Analyse des Phänomens der Miniaturisierung in der Kunst aus der Sicht der philosophischen Erkenntnis, die Identifizierung der Poetik der Miniatur in verschiedenen Typen der russischen Kunst, die Begründung der Gattungsmerkmale der Chorminiatur in ihrer Differenzierung kleine Formen, eine besondere Rolle bei der Herausbildung des Genres der individuellen Interpretation des Genremodells durch russische Komponisten der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und andere.

Praktische Bedeutung Forschung ist darauf zurückzuführen, dass die vorgestellten Materialien die Möglichkeiten der Anwendung wissenschaftlicher Erkenntnisse in der Praxis erheblich erweitern, da sie eintreten können Bestandteil in Kursen zur Musikgeschichte und Formenanalyse an Musikschulen und Universitäten, in Musikprogrammen für weiterführende Schulen und wird auch in der Arbeit von Chorleitern nützlich sein.

Struktur der Abschlussarbeit. Die Dissertation besteht aus einer Einleitung, drei Kapiteln, einer Schlussfolgerung, einem Literaturverzeichnis aus 242 Quellen.

CHORMINIATUR

IM HISTORISCHEN UND KULTURELLEN KONTEXT

Die Probleme des ersten Kapitels sind auf den ersten Blick weit entfernt vom Studium der Chorminiatur in ihren immanent musikalischen Eigenschaften. Von herausragender Bedeutung sind jedoch die hier aus der Perspektive der Dissertation eingeführten Fragen, die sich auf die philosophischen Grundlagen der Gattung, den allgemeinen kulturellen Kontext, der ihre Genese offenbart, sowie die methodologischen Ansätze zur Analyse des untersuchten Phänomens beziehen . Sie sind aus unserer Sicht die Grundlage jener theoretischen Schlußfolgerungen über das Wesen der Gattung, die im zweiten und dritten Kapitel des Werkes getroffen werden und die Grundlage der Analyse konkreten musikalischen Materials bilden. Dafür betonen wir, dass der interdisziplinäre Ansatz, der die Logik der Dissertationsforschung vom Allgemeinen zum Besonderen bestimmte, nicht nur durch die Art des gewählten Themas vorgegeben ist. Es basiert auf der Installation der klassischen Hausmusikwissenschaft, die seinerzeit von L.A. brillant untermauert wurde. Mazel. Lassen Sie uns auf zwei Positionen hinweisen, die für diese Arbeit bedeutsam sind. Zunächst wies der Forscher auf die philosophischen und methodologischen Grundlagen aller Wissenschaften hin

Was er für selbstverständlich hielt, und zweitens hielt er an der Position fest, dass "... die Leistungen und Methoden anderer Wissenschaften, die heute für die Musikwissenschaft von größter Bedeutung sind, bestimmt werden durch ... eng verwandte Vorstellungen von drei Bereichen der Musik Wissen" . Es ging um Psychologie, Soziologie, Semiotik, während L.A. Mazel betonte, dass „für die Musikwissenschaft die Errungenschaften der Theorie anderer Künste und der Ästhetik wichtig sind, oft wiederum verbunden mit einem psychologischen und systemsemiotischen Ansatz …“.

Der erste Absatz dieses Kapitels widmet sich gemäß den angegebenen Leitlinien den allgemeinen philosophischen Grundlagen der Miniaturisierungsprozesse1 in der Kunst. Die zweite erkundet die Gemeinsamkeit von Miniaturformen in verschiedenen Arten der russischen Kunst und betont deren gemeinsames theoretisches und ästhetisches Wesen, und die dritte widmet sich der Analyse von Forschungsansätzen, unter denen die Semiotik eine besondere Rolle spielt, in Übereinstimmung mit dem Musikalischen und poetische Natur des Genres Chorminiaturen.

1.1. Miniaturisierung in der Musik- und Chorkunst:

Philosophische Grundlagen philosophischer Aspekt Probleme? Die philosophische Reflexion vermittelt ein Verständnis der Kunst als Ganzes sowie ihrer einzelnen Arbeit unter dem Gesichtspunkt, in ihr die tiefen Bedeutungen zu fixieren, die mit der Natur des Universums, dem Zweck und der Bedeutung des menschlichen Lebens verbunden sind.

Es ist kein Zufall, dass der Beginn des 21. Jahrhunderts von der besonderen Aufmerksamkeit der Musikwissenschaft für das philosophische Denken geprägt war, das hilft, eine Reihe von Kategorien zu verstehen, die für die Musikkunst von Bedeutung sind. Dies liegt vor allem daran, dass im Lichte des Wandels des modernen Weltbildes, in dem der Mensch und das Universum sich gegenseitig bedingen und voneinander abhängig sind, vor allem anthropologische Vorstellungen für die Kunst eine neue Bedeutung gewonnen haben Wichtige Bereiche des philosophischen Denkens erwiesen sich als eng mit axiologischen Problemen verbunden.

Bezeichnend ist in diesem Zusammenhang, dass auch in dem Werk "The Value of Music"

B.V. Asafiev, der Musik philosophisch verstand, gab ihr eine breitere Bedeutung, interpretierte sie als ein Phänomen, das "die tiefen Strukturen des Seins mit der menschlichen Psyche verbindet, die natürlich die Grenzen einer Kunstform oder künstlerischen Tätigkeit überschreitet". Der Wissenschaftler sah in der Musik kein Abbild der realen Realität unseres Lebens und Erlebens, sondern ein Abbild des „Bildes der Welt“. Er glaubte, dass der Begriff "Miniaturisierung" durch das Wissen um das Werden nicht der des Autors sei, sondern in der modernen kunsthistorischen Literatur allgemein akzeptiert werde.

nia musikalischer Prozess, kann man dem Verständnis der formalisierten Weltordnung näher kommen, da „der Prozess der Klangbildung an sich ein Abbild des „Weltbildes“ ist und er die Musik selbst als Tätigkeit „in eine Reihe von Weltpositionen“ stellt“. (Konstruktionen der Welt), die einen Mikrokosmos entstehen lassen - ein System, das das Maximum im Minimum synthetisiert.

Die letzte Bemerkung ist für das untersuchte Thema besonders bedeutsam, da sie eine Orientierung an der Analyse von Argumenten enthält, die die Relevanz von Trends aufzeigen zeitgenössische Kultur an der Miniatur in der Kunst orientiert. Die Grundlagen dieser Prozesse wurden vor allem im Bereich der philosophischen Erkenntnis erfasst, innerhalb dessen sich die Problematik des Verhältnisses von Groß und Klein, der Makro- und Mikrowelt, durchzieht. Lassen Sie uns näher darauf eingehen.

Am Ende des 20. Jahrhunderts gibt es in der Weltphilosophie und -wissenschaft eine aktive Wiederbelebung traditioneller philosophischer Konzepte und Kategorien, die die Integrität der Welt und des Menschen widerspiegeln. Anhand der Makrokosmos-Mikrokosmos-Analogie können wir die Beziehungen "Natur-Kultur", "Kultur-Mensch" betrachten und erklären. Eine solche Reflexion der Lebensstruktur führte zur Entstehung einer neuen methodologischen Position, in der der Mensch die Gesetze der umgebenden Welt begreift und sich selbst als Krone der Schöpfung der Natur erkennt. Er beginnt in die Tiefen seiner eigenen psychologischen Essenz einzudringen, "bricht"

die Sinneswelt in ein Spektrum unterschiedlicher Schattierungen, stuft emotionale Zustände ein, operiert mit subtilen psychologischen Erfahrungen. Er versucht, die Variabilität der Welt in sich selbst im Zeichensystem der Sprache zu spiegeln, ihre Fluidität in der Wahrnehmung anzuhalten und einzufangen.

Reflexion ist aus philosophischer Sicht „die Wechselwirkung materieller Systeme, bei der es zu einer gegenseitigen Prägung der Eigenschaften des anderen durch Systeme, einer „Übertragung“ der Merkmale eines Phänomens auf ein anderes kommt und vor allem eine „Übertragung“ von Strukturmerkmalen. Daher kann die Reflexion des Lebenssinns in einem literarischen Text als "die im Prozess der Interaktion hergestellte strukturelle Übereinstimmung dieser Systeme" interpretiert werden.

Im Lichte dieser Bestimmungen definieren wir, dass Miniaturisierung ein Spiegelbild der komplexen, flüchtigen Eigenschaften lebender Materie ist, „Koagulation“ oder ein fragmentarisch erfasster Prozess der Interaktion von Systemen, der in der Bedeutungsbildung übertragen wird. künstlerischer Text. Sein Wesen ist die Prägnanz des Zeichensystems, in dem das Zeichen die Bedeutung eines Bildsymbols erhält. Dank der semantischen Kodierung ist es möglich, mit ganzen „semantischen Komplexen“, deren Vergleich und Verallgemeinerung zu operieren1.

Nachdem wir das Problem der Beziehung zwischen Makro- und Mikrowelt skizziert haben, das für das Verständnis des Wesens einer Miniatur von grundlegender Bedeutung ist und das im 20. Jahrhundert in einem eigenständigen Konzept Gestalt annahm, weisen wir darauf hin, dass die Philosophie viele wertvolle Informationen gesammelt hat, die es ermöglichen uns, die Essenz des Genres der Chorminiaturen tiefgehend zu präsentieren. Betrachten wir sie im historischen Rückblick.

Die Bedeutung des Begriffs Makro- und Mikrokosmos reicht bis in die Antike zurück. In der Philosophie von Demokrit erscheint zum ersten Mal die Kombination mikroskosmos („Der Mensch ist eine kleine Welt“). Eine ausführliche Lehre vom Mikro- und Makrokosmos wird bereits von Pythagoras vorgestellt. Verwandtschaft ideologischen Sinn war das von Empedokles aufgestellte Erkenntnisprinzip - "Gleiches wird durch Gleiches erkannt". Sokrates argumentierte, dass das Wissen über den Kosmos "aus dem Inneren des Menschen" gewonnen werden könne. Annahmen über die Gemeinsamkeit einer existierenden Person und des Universums Um in die Essenz des Phänomens der Miniaturisierung des Textes einzudringen, vergleichen wir es mit einem ähnlichen Phänomen in der inneren menschlichen Sprache. Die moderne Wissenschaft hat experimentelle Daten erhalten, die den Mechanismus der Interaktion zwischen Wort und Gedanke, Sprache und Denken spezifizieren. Es wurde festgestellt, dass die innere Sprache, die wiederum aus der äußeren Sprache hervorgeht, alle Prozesse der geistigen Aktivität begleitet. Der Grad seiner Bedeutung steigt mit abstrakt-logischem Denken, das eine detaillierte Aussprache von Wörtern erfordert. Verbale Zeichen fixieren nicht nur Gedanken, sondern steuern auch den Denkprozess. Diese Merkmale sind sowohl natürlichen als auch künstlichen Sprachen gemeinsam. BIN. Korshunov schreibt: „Wenn ein verallgemeinertes logisches Schema des Materials erstellt wird, wird die innere Sprache eingeschränkt. Dies erklärt sich aus der Tatsache, dass die Verallgemeinerung durch Hervorheben von Schlüsselwörtern erfolgt, in denen die Bedeutung des gesamten Satzes und manchmal des gesamten Textes konzentriert ist. Die innere Sprache wird zu einer Sprache der semantischen Hochburgen.

finden sich im Werk von Platon. Aristoteles diskutiert auch den kleinen und großen Kosmos. Dieses Konzept entwickelte sich in der Philosophie von Seneca, Origenes, Gregor dem Theologen, Boethius, Thomas von Aquin und anderen.

Eine besondere Blüte erlangte die Idee von Makro- und Mikrokosmos in der Renaissance. Große Denker – Giordano Bruno, Paracelsus, Nikolaus von Kues – verband die Idee, dass die Natur im Angesicht des Menschen geistige und sinnliche Natur enthält und das gesamte Universum in sich „zieht“.

Aus dem historisch gewachsenen Postulat der Entsprechung von Makro- und Mikrowelt schließen wir, dass der Makrokosmos der Kultur dem Mikrokosmos der Kunst ähnlich ist, der Makrokosmos der Kunst dem Mikrokosmos der Miniaturen gleicht. Sie, die die Welt des Individuums in der zeitgenössischen Kunst widerspiegelt, ist eine Art Makrosystem, in das sie eingeschrieben ist (Kunst, Kultur, Natur).

Die Dominanz der Ideen von Makro- und Mikrowelten in der russischen Philosophie bestimmte die signifikanten Einstellungen, unter denen sich die Chorkunst entwickelte. Für die Entwicklung des Problems der Miniaturisierung in der Kunst ist daher die Idee der Katholizität wesentlich, die ein Element philosophischer Kreativität in die russische Musik einführt. Dieses Konzept wurde ursprünglich mit dem Choranfang in Verbindung gebracht, was durch seine Verwendung in dieser Perspektive durch russische Philosophen bestätigt wird. Insbesondere „K.S. Aksakov identifiziert das Konzept der „Katholizität“ mit einer Gemeinschaft, in der „das Individuum frei ist wie in einem Chor“. AUF DER. Berdyaev definiert die Katholizität als eine orthodoxe Tugend, Vyach. Ivanov - als idealer Wert. P. Florensky enthüllt die Idee der Katholizität durch ein russisches Nachhalllied. VS. Solovyov verwandelt die Idee der Katholizität in die Doktrin der Pan-Einheit.

Es ist offensichtlich, dass die Katholizität die grundlegende nationale Grundlage der russischen Kunst ist, die „die universelle Einheit der Menschen auf der Grundlage einer besonderen spirituellen Kreativität widerspiegelt“, die tief berührt Seelenfrieden einer Person, „erweitert die Grenzen der Möglichkeiten eines Individuums“.

Diese Aspekte der nationalen Kultur bestimmten die Besonderheiten der alten russischen Chortradition: „Die erste ist die Katholizität, d.h. die Vereinigung der himmlischen und irdischen Kräfte des Universums in einer Tat und einer Aufgabe auf der Grundlage von Wahrheit, Güte und Schönheit; das zweite ist Herzlichkeit, die Fähigkeit, Herzen singend in einem Gefühl der Offenheit für die göttliche Wahrheit zu vereinen; die dritte - Polyphonie (groß snamenny, reisend, demestwennyje die Gesänge); viertens - Melodie, Breite, Geschmeidigkeit, Länge, Wohlklang, majestätische Verlangsamung im Finale von Chorwerken.

Die humanistischen Ideen der Philosophie der Renaissance, die die schöpferische Persönlichkeit in den Mittelpunkt stellten, führten zur Entstehung eines Neuen musikalisches Bild Frieden. Das anthropologische Prinzip fand seine Manifestation im Russischen Kunst XVIII- XIX Jahrhunderte. Damit erreicht die Entwicklung der weltlichen Berufsmusik im 17. Jahrhundert qualitativ neue Errungenschaften, was vor allem den inhaltlichen Bereich betrifft. Darüber hinaus dringt das Weltliche in die Kirchenmusik selbst ein und verändert ihren Charakter und ihre Umsetzungsmethoden. „Mehrstimmiger Stimmengesang mit seinem klaren Rhythmus aus musikalischen Konstruktionen, Kadenzen u Soundeffekte(durch Gegenüberstellung der Klanglichkeit von Solo und Tutti) führt einen Menschen in eine begrenzte aktuelle Zeit ein, lenkt seine Aufmerksamkeit nach außen - in den Raum, in die umgebende Sinneswelt.

A.P. Nozdrina charakterisiert diese Periode wie folgt: „Die Reflexion der Zeitrichtung steigt von der idealen Sphäre in die materielle hinab. Sie ist erfüllt von der sinnlichen Welt des Menschen, die Bejahung seiner Macht, die Schönheit der menschlichen Stimme erlangt Eigenständigkeit. Die Kreativität des Musikers, sein künstlerisches Ich wird durch die Realitäten der objektiven Welt wahrgenommen. Daraus ergeben sich unterschiedliche musikalische Strömungen, in deren Verlauf sich der Prozess der Miniaturisierung in verschiedenen Kunstgattungen entwickelt: Porträtskizzen, erzählende Lyrik, expressive und bildhafte Miniaturen. In der musikalischen Kreativität dieser Zeit kreuzten sich die alten musikalischen Traditionen der Kirchenchormusik, die das kollektive Bewusstsein ausdrücken, und neue Trends, die das persönliche Prinzip, die menschliche Psychologie und das Leben widerspiegeln ... So russische Philosophen und Musiker des 19. und frühen 20. Jahrhunderts Jahrhunderte versuchten, einen „neuen Humanismus“ zu schaffen, in dem nicht nur die Person, sondern auch die Gesellschaft, das Verhältnis der Menschen, die Verbindung von individueller Freiheit mit sozialer Befreiung in Frage gestellt wurde.

Die Musikkunst dieser Zeit spiegelt auch die komplexen Prozesse des gesellschaftlichen und politischen Lebens wider. Die Idee der Katholizität begann eine übertriebene Interpretation zu erlangen. Die Chorkreativität als älteste Tradition der russischen Musikkultur, die den Charakter der Katholizität hat, entwickelt sich nur auf säkularer Basis weiter.

Die Krise der Weltanschauung, die um die Jahrhundertwende unter dem Einfluss des wissenschaftlichen und technischen Fortschritts entstand, definiert eine neue Perspektive für das Verständnis der spirituellen Beziehung zwischen der Welt des Menschen und der Welt der Natur. Pathos wissenschaftliche Abhandlungen ausländische Denker kommt dem Ausspruch von N.A. Berdyaeva: „Die Persönlichkeit ist kein Teil der Welt, sondern ein Korrelat der Welt. Zweifellos ist eine Person ein Ganzes, kein Teil. Persönlichkeit ist ein Mikrokosmos." Aus diesem Grund erhält die Miniaturisierung die Merkmale eines stabilen Trends in der Entwicklung bestimmter Kulturbereiche des 20. Jahrhunderts und wird zu einem Phänomen, das eine besondere künstlerische Einstellung zur Welt in der modernen Welt festlegt. historische Grundlage. Kleine Objekte tragen das spirituelle Bild der Zeit durch künstlerische und phantasievolle Formen der Wiedergabe der Realität. S.A. Konenko schreibt, dass die Miniatur „in sich selbst ein einzigartiges Merkmal entdeckt, das in anderen Kunstarten nicht beobachtet wird: die Verdichtung der Zeichen der Kultur zu einer extrem konzentrierten Form, die ihr eine helle, ausdrucksstarke Form von wertvoller Quintessenz verleiht. Zeichen der Kultur werden in dieser Form symbolisch, in gewisser Weise symbolisch: In der Kürze erscheinen die wichtigsten und bezeichnendsten Attribute des Kulturbildes.

In der Tat wird die Miniatur Mitte des 20. Jahrhunderts gewissermaßen zu einem der Zeichen der modernen Kultur und demonstriert ihre wertvollen Dominanten, den Entwicklungsstand von Wissenschaft, Technologie, Kunst und Geist.

Lassen Sie uns das Gesagte begründen. Die moderne Kultur als Summe kultureller Empfindungen und philosophischer Konzepte wird als postmoderne Kultur bezeichnet. Zu den relevantesten Errungenschaften des philosophischen Denkens dieser Art von Kultur gehört die Idee einer Pluralität von Erkenntnisweisen, die die Kunst in den Rang letzterer erhebt und ihr einen außerordentlichen Wert für die Gestaltung des Weltbildes der Menschheit verleiht. Unter Verwendung der Makrokosmos-Mikrokosmos-Analogie stellt das postmoderne Denken diese als Methode der Welterkenntnis dar und stellt die These von der Einheit des gesamten Lebensstroms (Pflanze, Tier und Bewusstseinsleben) auf. Die Besonderheit der postmodernen Kunst ist die Erweiterung des Spektrums künstlerischer Visionen und Techniken künstlerische Kreativität, neuer Ansatz zu klassischen Traditionen. N.B. schreibt darüber. Mankovskaya, Yu.B. Borev, V.O. Pigulevsky. Eine dieser Richtungen der Postmoderne ist die Chorminiatur.

Dadurch erhält die Gattung der Chorminiaturen ab der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts eine neue Qualität. Sie ist eng verbunden mit allgemeinen kulturellen Prozessen, insbesondere mit der Stärkung der gesellschaftlichen Funktion der Kunst, den entstandenen Bedingungen für ihre Öffnung zum globalen Kulturraum, der Anerkennung von Werken dieser Art von Kreativität als öffentliches Eigentum, in Zusammenhang mit der Entwicklung von Kommunikationsmitteln, die sich nicht an einen engen Kreis von Kennern, sondern an ein breites Publikum von Zuhörern richten. Eine Chorminiatur ist „eine Mikroähnlichkeit des Makrokosmos der Kultur mit ihren charakteristischen Merkmalen und Qualitäten“, die ein moderner Mensch nicht nur als kulturell bedeutsames Objekt wahrnehmen kann, sondern „als „Ausdruck eines kulturellen und philosophischen Konzepts im Allgemeinen“. ” .

Lassen Sie uns zum Abschluss unseres kurzen Exkurses noch einmal die Hauptsache betonen, die es uns ermöglicht, die Natur des untersuchten Genres zu verstehen, betrachtet durch das Prisma der philosophischen Lehre von Makro- und Mikrowelten:

- eine Miniatur als Kunstprodukt und kulturelles Artefakt ist dem Raum, der Kultur, einer Person ähnlich, dh sie ist ein reflektierter Mikrokosmos in Bezug auf den realen Makrokosmos einer Person;

- das Objekt einer Miniatur (als in Kultur eingebettetes Kunstobjekt) - ein Mikrokosmos mit all seinen Elementen, Prozessen, Mustern, der dem Makrokosmos durch die Organisationsprinzipien ähnlich ist, die Unendlichkeit der Phänomene;

- ein Spiegelbild der komplexen, flüchtigen Eigenschaften der lebendigen Materie ist die "Beschneidung" des Prozesses der Bedeutungswerdung eines literarischen Textes, dh seine Miniaturisierung. Sein Wesen ist die Prägnanz des Zeichensystems, in dem das Zeichen die Bedeutung eines Bildsymbols erhält. Dank der semantischen Codierung ist es möglich, mit ganzen "semantischen Komplexen", deren Vergleich und Verallgemeinerung zu operieren;

– Die Tiefe des philosophischen Wissens, die in der Miniatur russischer Komponisten enthalten ist, leitet sich aus der Idee der Konziliarität ab;

– die Dominanz der Ideen von Makro- und Mikrowelten in der russischen Philosophie bestimmte maßgebliche Ideen, unter deren Zeichen sich die Chorkunst – von großen Chorleinwänden zur Miniatur, vom kollektiven Chorprinzip – zum subjektiv-individuellen entwickelte;

- Die in den vergangenen Jahrhunderten entstandene Miniaturkunst verstärkt ihre Bedeutung in der modernen Kultur. Sinnvoller „Informationsgehalt“, die Vielfalt musikalischer und außermusikalischer Zusammenhänge schließt die Miniatur in den evolutionären Prozess der Verkomplizierung des Kulturraums ein. Die Miniatur in der modernen Kunst ist eine Art Analogie des Makrosystems, in das sie eingeschrieben ist: Kunst, Kultur, Natur.

1.2. Chorminiatur im Kontext russischer Kunsttraditionen

Betrachtung der Miniatur unter dem Gesichtspunkt der Projektion des philosophischen Problems der Korrelation von Mikro- und Makrowelten, die es ermöglicht, das Entwicklungsmuster der Kunst in Richtung Miniaturisierung von Formen mit ihrer sinnvollen Mehrdimensionalität zu erkennen uns zu behaupten, dass die Welt des russischen Miniatur-Chor-Genres voll von den hellsten ist künstlerische Entdeckungen Vergangenheit und Gegenwart, hat eine außerordentliche Anziehungskraft. Allerdings ist hier die besondere Rolle der Kultur der Romantik zu betonen und die Vorstellung zum Ausdruck zu bringen, dass das Phänomen der musikalischen Miniatur eine konzentrierte „Formel“ der Poetik der Romantik ist, die in der westeuropäischen Klaviermusik um die Jahrhundertwende entstand XVIII - 19. Jahrhundert und spiegelt sich in der russischen Kunst wider.

Interessanterweise zeichneten sich die Wurzeln dieses Phänomens, das in der russischen Chormusik entstanden ist, durch die Originalität der nationalen „Überarbeitung“ romantischer Trends aus.

Zum Beispiel Chorminiaturen von S.I. Tanejew ist hinsichtlich der Konzentration eines romantischen Impulses nicht mit den Werken der Klavierminiaturen von F. Mendelssohn, F. Chopin und anderen zu vergleichen. Im Chorgefüge der Tanejew-Chöre wird die tiefe Offenbarung der Persönlichkeit in der besonderen Zurückhaltung des polyphonen Beginns aufgenommen, kombiniert mit Volksmelodien, mit Anklängen an Kultgesänge. Aus diesem Grund, bevor Sie überlegen allgemeinen Kontext Traditionen der russischen Kunst, die mit den Genres und Formen der Miniatur verbunden sind, und um die allgemeinen kulturellen Wurzeln des untersuchten Genres zu verfolgen, wenden wir uns den Seiten der Geschichte über die Einführung romantischer Tendenzen in die russische Kunst zu.

Die Kommunikation mit der westeuropäischen Romantik war erfüllt von einer spannungsgeladenen Dialektik von Anziehung und Abstoßung. Bereits im 17. Jahrhundert zeigten sich in Russland Zeichen der Akzeptanz der westeuropäischen Kultur mit einer ablehnenden Haltung gegenüber der eigenen, traditionellen. Der Beginn dieses Prozesses wurde durch die Regierungszeit von Peter I. gelegt. sehr wichtig, die Hauptstadt des Staates an den äußersten Rand des Staates zu verlegen ... er gab den Jachthäfen dieser Hauptstadt die größte Bedeutung ... Die Liegeplätze von St. Petersburg markierten jedoch nicht nur die Akzeptanz eines "anderen" Kultur, sondern auch eine ablehnende Haltung gegenüber der eigenen, traditionellen.

Wichtig ist jedoch, dass dies nicht zu einer vollständigen Zerstörung der traditionellen altrussischen Kultur führte, sondern nur zu einer Aufspaltung der russischen Kultur in zwei Kanäle.

Ein Kanal führte Kultur entlang der Grenze mit Westeuropa, und die andere feindlich vom Westen getrennt - das ist die Kultur der Altgläubigen und der Bauernschaft, die bis ins zwanzigste Jahrhundert überlebte, in dem das Leben der Volkskultur fortgesetzt wurde. Wenn wir also das historische Schicksal Russlands verstehen, das ihm im Prozess der Bildung des russischen romantischen Bewusstseins einen Vektor der zweifachen grundlegenden kulturellen Entwicklung gab, können wir einerseits die Aufnahme der allgemeinen Erfahrung der europäischen Romantik feststellen, und das Auftauchen der russischen Romantik in den Tiefen der nationalen Kultur andererseits.

Die romantische Stimmung der russischen Gesellschaft wurde durch den Sieg im Krieg von 1812 erleichtert, der die Größe und Stärke des russischen Volkes zeigte. Das russische öffentliche Bewusstsein des 19. Jahrhunderts entwickelte und entwickelte neue Ideen, die eine rationale Sicht der Welt offenbarten, die Aufmerksamkeit auf das Problem des Menschen lenkten - auf den Sinn seines Lebens, seine Moral, Kreativität, ästhetische Ansichten, was natürlich die Bühne für die Wahrnehmung einer neuen Richtung bereitete. Russisch philosophisches Denken setzte die Lösung der kontroversen Frage westlicher (P.Ja. Chaadaev) und ursprünglicher russischer Ansichten (A.S. Khomyakov, I.V. Kireevsky) über die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft Russlands fort, die als Konfrontation zwischen Westlern und Slawophilen in die Geschichte einging. Aber die historischen und philosophischen Ideen der westeuropäischen Kultur (F.W. Schelling, G.W. Hegel) haben bereits ein Verständnis für das Wesen des Stils erklärt, das die Zeit so tief reflektierte: „In der Romantik fällt die Form unter die Macht des Inhalts. Das Bild eines Gottes wird durch das Bild eines Ritters ersetzt. Das Aussterben der klassischen Kunst ist kein Niedergang, sondern nur ein Übergang von der Kontemplation zur Repräsentation ... Das geistige Prinzip triumphiert über das Materielle, das Gleichgewicht des Geistigen und Materiellen, wie es in der Klassik war, wird gestört, die Musik und Poesie beginnt sich durchzusetzen. In der Musik kann der Künstler mehr Freiheit zeigen als in anderen Künsten.

Die intensive Kommunikation mit der westeuropäischen Romantik, ihrem philosophischen Konzept (F. V. Schelling, G. V. Hegel), den reifen Ideen des russischen Denkens über die nationalen Merkmale der Entwicklung Russlands und der Bereitschaft des öffentlichen Bewusstseins führte zur Entstehung eines bestimmten russischen Verständnisses der Essenz dieses künstlerischen Phänomens. „Die Romantik“, schrieb Apollon Grigoriev, „und darüber hinaus war unsere russische, in unseren ursprünglichen Formen entwickelte und sich auszeichnende Romantik keine einfache Literatur, sondern ein Lebensphänomen, eine ganze Ära der moralischen Entwicklung, die ihre eigene Besonderheit hatte Farbe, einen besonderen Blick in die Praxis umsetzen ... Lassen Sie den romantischen Trend von außen kommen, aus der westlichen Literatur und dem westlichen Leben, er fand Boden in der russischen Natur, bereit für seine Wahrnehmung - und spiegelte sich daher in Phänomenen wider, die völlig originell waren ... ".

Zuallererst unterschieden sich diese Phänomene von den westlichen - durch eine geringere Umsetzung der Subjektivität des schöpferischen Bewusstseins und durch die Orientierung an der grundlegenden Tradition der russischen Orthodoxie - die Unterordnung des individuellen Bewusstseins unter Ideen, die in der fernen Vergangenheit kollektiv entwickelt wurden.

Vielleicht ist das der Grund, warum die russische Kunst, nachdem sie das Genre der Chorminiaturen in die kulturelle und historische Arena gebracht hatte, in ihrer ursprünglichen romantischen Weltanschauung die Traditionen des Liederschreibens als nationales Merkmal ihrer Kultur mit dem Pathos der Orthodoxie verband über den "Kathedralismus", der die Prinzipien der Organisation von Individuen mit einem gemeinsamen Ziel darstellt, aber einen individuellen Weg dorthin wählt. K. Zenkin, der das Wesen einer Klavierminiatur definiert, schreibt, dass es sich um „Sofortigkeit, die momentane Natur des Bildes, die Zeit der lyrischen Erfahrung, die Kristallisation eines einzigen Zustands handelt, wenn es ist innere Entwicklung» .

Wenn man diese Definitionen mit dem Chortypus der Miniatur in Beziehung setzt, kann man annehmen, dass alle diese Merkmale in gewissem Maße in der von uns untersuchten Gattung vorhanden sind. Zum Beispiel wurde die Kristallisation eines einzigen emotionalen Modus im alten psalmodischen Gesang entwickelt, im Znamenny-Gesang, wo es eine Konzentration auf den psychologischen Zustand der betenden Person, auf eine bestimmte spirituelle Erfahrung gab. Die besondere Spiritualität des Znamenny-Gesangs wurde im Partes-Gesang weiter bewahrt. Von großer Bedeutung war unseres Erachtens auch die Besonderheit des liturgischen Ritus, bei dem der Sänger mit Hilfe von melodischen Gesängen „diesen oder jenen Gedanken des Textes schöpferisch hervorheben konnte, je nach dem spirituellen Ton, in dem er ihn wahrnahm ”

Er offenbarte den betenden Gemeindemitgliedern seine Gefühle und rief sie zu den entsprechenden Emotionen im Gebetsprozess auf. Daher offenbaren sich in der öffentlichen Atmosphäre die genetischen Wurzeln des „Inneren, Psychischen“.

All dies trug dazu bei, dass gerade der Chortyp der Miniatur entstand - eine neue Vielfalt von Miniaturgenres, in denen die alten Traditionen der nationalen Musikkultur eingeschmolzen wurden.

Das Ergebnis der Entwicklung der russischen Kultur stattete die Chorminiatur nicht nur mit allen Errungenschaften der Chorkunst aus, sondern präsentierte sie auch als lebendige Reflexion romantischer Ästhetik, neuer Ideen über die tiefe Einheit aller Arten von Kunst, über die Möglichkeit von ihre Mischung und Synthese. Infolgedessen wäre es logisch, die Ursprünge der Chorminiatur nicht nur von der Position ihrer Entwicklung in einer Gattungskunst her zu betrachten, sondern auch die Rolle von Prototypgattungen in anderen Arten künstlerischen Schaffens zu bestimmen. Wie kleine kostbare Körner, verstreut in verschiedenen historischen Epochen und Künsten, tragen sie die ästhetische wesentliche Schönheit des Genres der kleinen Form, absorbieren und synthetisieren die Ausdrucksprinzipien verschiedener Arten von Künsten und repräsentieren die „Biographie“ des künstlerischen Phänomens Chor Miniatur.

Wenden wir uns einigen Arten russischer Kunst zu, in deren kleinen Formen die Merkmale des Miniaturgenres geformt wurden, die von der Chorminiatur der Ära der Romantik wahrgenommen wurden. Seine genetischen Wurzeln reichen bis in die Antike zurück und beziehen sich auf die Arbeit russischer Ikonenmaler des 10. bis 12. Jahrhunderts. Wie Sie wissen, wurden die Ikone und das Fresko entworfen, um die göttliche Welt darzustellen. Die künstlerische Qualität jedes Bildes im Tempel wurde als zweitrangig zu seinem Hauptziel verstanden - der Reproduktion eines heiligen Ereignisses. Die Wahrheit von Bildern (sowohl verbal als auch farbig), verstanden im Sinne der sinnlich-materiellen Identität mit dem Prototyp, ist unendlich wichtiger als ihre Schönheit. Die Ähnlichkeit des Gesichts der Ikone mit dem menschlichen Bild, seine Anziehungskraft auf die innere Welt des Anbeters, dh die tiefe menschliche Essenz der Kunst wird von nachfolgenden Epochen „absorbiert“, wird zu einem wichtigen Bestandteil der Ästhetik der Romantik.

IN. Loseva schreibt: „In der Antike wurde dem Wort eine außerordentlich große Bedeutung beigemessen. „Sagen“ und „schaffen“ waren identische Begriffe.

Das Wort, wie es die antike Philosophie definierte, galt als Modell der Welt, einschließlich materieller, sinnlicher und ideeller Elemente.

Dazu ist es legitim, einen weiteren identischen Begriff „repräsentieren“ hinzuzufügen. Bestätigung dafür ist die Begleitung von Großbuchstaben in handgeschriebene Bücher Zeichnungen, die die tiefe ideologische Bedeutung der Texte enthüllen. Später materialisierte die Buchminiatur den spirituellen Inhalt im Bild von Symbolen, in Ornamenten und schließlich in den Zeichen der Buchschrift selbst. Laut dem Forscher von Novgorod art E.S. Smirnov, dies sei „ein Zeichen, ein Symbol für die Heiligkeit des Textes, eine Warnung und eine Begleitung zum tiefen Inhalt des Buches“. Einige Manuskripte auf der Vorderseite haben Miniaturverzierungen, die den Text authentisch illustrieren.

Sie haben wirklich die Qualitäten einer besonderen Kunst, als wären sie sich ihrer geringen Größe bewusst und nicht geneigt, die Techniken der Monumentalmalerei zu kopieren. Die Vergegenständlichung des semantischen und emotionalen Inhalts des Buchtextes in Verbindung mit der schmückenden Funktion wird von der Chorminiatur wahrgenommen und bringt in der Folge bildhafte Züge in sie ein, die sich in einer Tendenz zum Programmatischen und Dekorativen ausdrücken.

Folklore war eine weitere wichtige Quelle, die den Ursprung der zukünftigen Chorminiatur bildete. Epen, Märchen, Sprichwörter, Redewendungen schufen die Poetik der kleinen Formen in altrussische Literatur, sie zeigten die Kapazität des Wortes, den Aphorismus der Aussage, sammelten die wertvollste Bedeutung für eine Person, „die Verbindung mit der Situation, dem Alltag, der Kompositionsstruktur des entwickelten Textes, der Sprachintonation wurde verfeinert“ 1. Alle diese Erfahrung der literarischen Kunst wird von der Chorminiatur wahrgenommen. In diesem Zusammenhang ist es interessant festzustellen, dass die Originalität der Kompositionen der Epen und Märchen mit solchen "Mikroelementen" wie "Gesang", "Ergebnis" und "Sprichwort" verbunden war. Zum Beispiel stimmte ein kleines Märchen den Zuhörer auf eine unterhaltsame Erzählung ein, die die Fiktion und die fantastische Natur der Geschichte betonte. Und epische Gesänge malten trotz ihrer Kürze majestätische Naturbilder, vermittelten feierliches Pathos, stimmten den Zuhörer auf die Wahrnehmung von etwas Wichtigem, Bedeutendem ein. Die funktionale Rolle dieser Abschnitte bestand darin, die Handlung vorwegzunehmen, eine bestimmte Stimmung in einer kleinen poetischen Konstruktion zu erzeugen. Diese Merkmale, die es in der Musikkunst in Form von Einführungen gab verschiedene Formen Ihre Präludien zeigten zweifellos Züge, die das Genre der Miniaturen indirekt beeinflussten.

Wenden wir uns der Kunst der Musik zu. ESSEN. Orlova weist darauf hin, dass sich im 15. Jahrhundert in der russischen Folklore das Genre des lyrischen, anhaltenden Liedes herausbildete. Im Gegensatz zu Epos und Märchen, wo es notwendigerweise eine detaillierte Handlung gab, basierte ein nachklingendes Lied auf einer komprimierten Handlungssituation, die der Lebensweise der Menschen nahe kam, was für Sie der Grund war. genauer gesagt: In lyrischen Volksliedern werden neben der Fülle der geäußerten Gedanken und Gefühle jene Lebensumstände, allerlei handlungsbeschreibende Situationen, die sie verursacht haben, recht deutlich dargestellt.

Ausdruck bestimmter Gefühle und Gedanken. In der Synthese von Wort und Tonfall entfaltete die russische Liedkantilene ein unerschöpfliches psychologisches Ausdruckspotential, das das Wesen der Chorminiatur unbestreitbar beeinflusste.

Betrachtet man den Kontext verschiedener Kunstgattungen, in denen sich bestimmte Ausdrucksprinzipien herausbildeten, die für die Formung der Merkmale der Miniatur wesentlich sind, wird deutlich, dass dieser Prozess im 16. Jahrhundert fortgesetzt wurde. Die Kunst dieser Zeit eilte von der kirchlichen Askese zum Säkularismus, von der Abstraktion zu echten menschlichen Emotionen und Gedankenklarheit. Diese Themen haben eine lebendige Manifestation in der russischen Architektur erhalten. "Der Architekt-Dichter ... kombinierte die Skulptur, die die von ihm geschaffenen Fassaden gemeißelt hat, und die Malerei ... und die Musik, die die Glocken in Bewegung versetzt." Die Reliefs, die die Kathedralen von Moskau, Wologda und Nowgorod schmückten, waren plastische Schnitzereien, die den Wunsch nach einem dreidimensionalen Volumen und einer kühnen Verkürzung der Figuren zeigten. Das bildhauerische Talent russischer Meister spiegelte sich auch in kleinen Plastiken wider: Bilder, Schätze, Panagia-Kreuze (Holz, Stein, Knochen). Durch die Art der Interpretation der Form können sie mit dem skulpturalen Relief verglichen werden, durch die Gründlichkeit der Arbeit, die Miniaturisierung von Details - mit der Kunst des Schmucks.

Auch diese Muster der kleinen Form der bildenden Kunst trugen spezifische Merkmale, die sich später indirekt in der Choralminiatur manifestierten. Das ist zunächst einmal der Wunsch nach Räumlichkeit, die subtile Filigranität der Arbeit.

Die Anhäufung künstlerischer Erfahrung in Kleinformen verschiedener Künste führt zur Entstehung der Miniatur als eigenständige Kunstform, die um die Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert in der Malerei auftritt. Seine Blütezeit fällt auf das 18. bis 19. Jahrhundert und ist mit der Entwicklung des Genres Porträt und Landschaft verbunden. Porträt- und Landschaftsminiaturen waren zu Beginn ihrer Reise eng mit der Ölmalerei verbunden. Diese Verbindung wurde in den Plots, unter Unterwerfung in die gleichen ästhetischen Kanone, in allgemeinen Stilmerkmalen nachgezeichnet. Aus diesem Grund zeichnete sich die Miniatur zu Beginn des 18. Jahrhunderts durch die für die Malerei charakteristische Pracht und Dekoration aus. Aber allmählich geht die Miniatur in die allgemeine Richtung der Entwicklung der grafischen Kunst über. Kammerportrait. Miniaturen werden aus dem Leben geschrieben, werden direkter, vermitteln plastischer die charakteristischen Merkmale des Modells, bekommen demokratischen Charakter. Die Blütezeit dieses Genres war mit dem Erscheinen eines Kammerporträts verbunden, das die Ernsthaftigkeit und Tiefe des dargestellten Bildes offenbarte. Die intime und lyrische Natur der Verkörperung von Themen entstand aus den Traditionen der Malerei von V.L. Borovikovsky und A.G. Wenezianow.

Die Miniatur bezog ihre Besonderheiten nicht nur aus der professionellen bildenden Kunst, sondern auch aus der Volkskunst. Mit starken Fäden ist es mit angewandter Kunst verbunden. In der Antike wurden Miniaturen auf Stein-, Holz-, Silber- und Kupfergüssen hergestellt. In der späteren Zeit verwendeten die Handwerker Porzellan, Knochen, Gold, Silber, Terrakotta, Keramik und andere atypische Materialien. Die Entwicklung des traditionellen Bauern- und Kunsthandwerks alte russische Kunst, Ikonenmalerei und Malerei im 18. Jahrhundert bereiteten die Entstehung eines solchen künstlerischen Phänomens wie der russischen Lackminiatur vor. Fedoskino, Palekh, Mstera wurden zu Zentren dieser originellen Kunst. Kleine Gravuren, die nach künstlerischen Vorlagen auf Schatullen, Schnupftabakdosen geklebt wurden, vermittelten die Fülle des Gefühls Heimatland, waren von emotionaler Tiefe durchdrungen, im Einklang mit der inneren Welt des Menschen, trugen die einzigartigen Merkmale des Lokalkolorits.

Die Bildtechniken künstlerischer Miniaturen wurden im Einklang mit der russischen Ikonenmalereitradition und der westeuropäischen Gravur mit der russischen Malerei gebildet, die es ihr ermöglichte, religiöse Gefühle und weltliche Ansichten zu verbinden. Die Miniatur trug den Stempel hoher bildender Kunst und war gleichzeitig im Format der angewandten Volkskunst angelegt. Daraus erklärt sich die Anziehungskraft auf märchenhafte, episch-epische, historisch-mythologische Handlungen oder auf gleichsinnig stilisierte Bilder aus dem modernen Leben. „Die Malerei von Miniaturen ist von einer besonderen inneren Dynamik durchdrungen. IN schwieriges Spiel Rhythmus, in sich kreuzenden Figurenlinien, in den Konsonanzen von Farbmassen und Plänen sind Anklänge an Volksliedbilder zu hören. Das musikalische Bild eines Volksliedes spiegelte sich in der künstlerischen Entscheidung wider, trug zur Entstehung eines Musicals bei, rhythmische Struktur Leinwand malen. Palekh-Lackminiaturen sind bekannt für Bilder, die zu den Themen russischer Volkslieder geschrieben wurden: „Die Mutter hinunter, entlang der Wolga“, „Hier stürmt die wagemutige Troika“ usw. Die Miniatur gab den Dingen nicht nur spirituelle Bedeutung. Im spirituellen Sinne geschmückt, war es oft aus hochwertigem Material gefertigt, was ihm im wahrsten Sinne des Wortes einen Wert verlieh. Das Material der Hinrichtung wurde mit heimischem Gold und Silber, Porzellan und Knochenarbeiten sowie mit Emailkunst in Verbindung gebracht. Die exquisite Malerei verdient besondere Aufmerksamkeit. kleine Punkte, die sich parallel zur Punktstrichtechnik in der Metallgravur entwickelte. Das Volumen und die Räumlichkeit des Bildes, die feine Technik des Schreibens auf kostbaren Materialien, die Dekoration, die "chorale" Aufführungsmethode, die die Erfahrung der Schule darstellt, kreatives Team, die Kontinuität der Traditionen sind die wichtigsten ästhetischen Prinzipien der Firnisse, die später in der Choralminiatur verkörpert wurden.

Zum Abschluss der Analyse der genetischen Grundlagen des Genres der Chorminiatur sollte betont werden, dass das Erscheinen der ersten Muster der Chorminiatur im 19. Jahrhundert, in der Ära der russischen Entwicklung der Errungenschaften der westlichen Romantik, zweifellos damit verbunden war die Verallgemeinerung der künstlerischen Erfahrung kleiner Formen verschiedener Arten russischer Kunst darin. In der künstlerischen und schöpferischen Tätigkeit, nicht nur der musikalischen, sondern auch der Gesangskunst, haben sich bei der Entwicklung der Ideologie der kleinen Formen für die Gattung der Chorminiaturen wesentliche Merkmale, ihre Gattungsmerkmale herausgebildet. Nämlich: die Verfeinerung einer kleinen Form, ein hohes Maß an Kunstfertigkeit, das sich aus der filigranen, raffinierten Handwerkskunst des Herstellers ergibt, die Spezifität des Inhalts - emotionale und ideologische Konzentration, die Tiefe des Verständnisses der Welt und der menschlichen Gefühle, der funktionale Zweck .

Einführung. Choralische Miniatur

Lepins Werk „Forest Echo“ ist im Genre der Chorminiaturen geschrieben.
Miniature (französische Miniatur; italienische Miniatur) ist ein kleines Musikstück für verschiedene darstellende Gruppen. Wie eine bildlich-poetische, musikalische Miniatur – meist formal verfeinert, aphoristisch, meist lyrischer Inhalt, landschaftlich oder malerisch – charakteristisch (A. K. Lyadov, „Kikimora“ für Orchester), oft auf volkstümlicher Gattungsbasis (F. Chopins Mazurkas, choral verarbeitet von A. K. Ljadow).
Vocal Miniature basiert normalerweise auf Miniature. Die Blütezeit der instrumentalen und vokalen Miniatur im 19. Jahrhundert war bestimmt von der Ästhetik der Romantik (F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann, F. Chopin, A. N. Skrjabin); Miniaturen werden oft zu Zyklen kombiniert, auch in der Musik für Kinder (P. I. Tschaikowsky, S. S. Prokofjew).
Eine Chorminiatur ist ein kleines Werk für den Chor. Im Gegensatz zum Lied hat die Chorminiatur eine weiter entwickelte polyphone Chorstruktur, die oft ein polyphones Lager verwendet. Viele Chorminiaturen wurden für unbegleiteten Chor geschrieben.

Kurze bibliographische Angaben zum Komponisten S. Tanejew

Sergei Ivanovich Taneev (13. November 1856, Wladimir - 6. Juni 1915, Dyutkovo bei Swenigorod) - Russischer Komponist, Pianist, Lehrer, Wissenschaftler, Musiker und Persönlichkeit des öffentlichen Lebens aus der Adelsfamilie der Tanejews.

1875 schloss er das Moskauer Konservatorium bei N. G. Rubinstein (Klavier) und P. I. Tschaikowsky (Komposition) mit einer Goldmedaille ab. Er trat in Konzerten als Pianist, Solist und Ensemblespieler auf. Der erste Interpret vieler Klavierwerke von Tschaikowsky (das Zweite und Dritte Klavierkonzert, letzteres nach dem Tod des Komponisten fertiggestellt), Interpret eigene Kompositionen. Von 1878 bis 1905 arbeitete er am Moskauer Konservatorium (seit 1881 Professor), wo er Klassen in Harmonielehre, Instrumentation, Klavier, Komposition, Polyphonie, Musikform unterrichtete, 1885-1889 war er Direktor des Moskauer Konservatoriums. Er war einer der Gründer und Lehrer des Volkskonservatoriums (1906).

Als überzeugter Anhänger der Klassiker (die Traditionen von M. I. Glinka, P. I. Tschaikowsky sowie J. S. Bach, L. Beethoven fanden sich in seiner Musik wieder) nahm Tanejew viele Trends in der Musikkunst des 20. Jahrhunderts vorweg. Seine Arbeit zeichnet sich durch Tiefe und Adel der Ideen, hohe ethische und philosophische Orientierung, Zurückhaltung des Ausdrucks, Beherrschung der thematischen und polyphonen Entwicklung aus. In seinen Schriften beschäftigte er sich mit moralischen und philosophischen Themen. So ist zum Beispiel seine einzige Oper Orestie (1894, nach Aischylos) - ein Beispiel für die Umsetzung einer alten Handlung in der russischen Musik. Seine kammermusikalischen Werke (Trios, Quartette, Quintette) gehören zu den besten Beispielen dieser Gattung in der russischen Musik. Einer der Schöpfer der lyrisch-philosophischen Kantate in der russischen Musik ("Johannes von Damaskus", "Nach dem Lesen des Psalms"). Er hat die populäre russische Musik des 17. bis 18. Jahrhunderts wiederbelebt. Genre - A-cappella-Chöre (Autor von mehr als 40 Chören). In der Instrumentalmusik legte er besonderen Wert auf die intonatorische Einheit des Zyklus, die Monothematik (4. Sinfonie, kammermusikalische Besetzungen).
Er schuf ein einzigartiges Werk - "Mobiler Kontrapunkt des strengen Schreibens" (1889-1906) und seine Fortsetzung - "Die Doktrin des Kanons" (Ende der 1890er - 1915).

Als Lehrer versuchte Tanejew, die professionelle Musikausbildung in Russland zu verbessern, und kämpfte für ein hohes Niveau an musikalischer und theoretischer Ausbildung für Studenten des Konservatoriums aller Fachrichtungen. Er gründete eine Komponistenschule, bildete viele Musikwissenschaftler, Dirigenten und Pianisten aus.

Kurze Informationen über den Dichter

Mikhail Yuryevich Lermontov (1814-1841) - der große russische Dichter, Schriftsteller, Künstler, Dramatiker und Offizier der zaristischen Armee Russisches Reich. Geboren am 15. Oktober 1814 in Moskau. Sein Vater war Offizier, Jahre später wird der Sohn in seine Fußstapfen treten. Als Kind wurde er von seiner Großmutter aufgezogen. Seine Großmutter gab ihm seine Grundschulbildung, woraufhin der junge Lermontov in eines der Internate der Moskauer Universität ging. In dieser Institution entstanden die allerersten, noch nicht sehr erfolgreichen, Gedichte unter seiner Feder. Am Ende dieses Internats wurde Mikhail Yuryevich Student an der Moskauer Universität und besuchte erst dann die Schule der Wachfahnen in der damaligen Hauptstadt St. Petersburg.

Nach dieser Schule begann Lermontov seinen Dienst in Zarskoje Selo und meldete sich beim Husarenregiment an. Nachdem er das Gedicht „Der Tod eines Dichters“ über Puschkins Tod geschrieben und veröffentlicht hatte, wurde er verhaftet und ins Exil in den Kaukasus geschickt. Auf dem Weg ins Exil schreibt er sein brillantes Werk „Borodin“, das er dem Jahrestag der Schlacht widmet.

Im Kaukasus beginnt sich der im Exil lebende Lermontov mit der Malerei zu beschäftigen, malt Bilder. Gleichzeitig geht sein Vater zu den Beamten und bittet um Gnade für seinen Sohn. Was bald passiert - Mikhail Yuryevich Lermontov wird wieder in den Dienst aufgenommen. Doch nachdem er sich auf ein Duell mit Barant eingelassen hat, wird er erneut ins Exil in den Kaukasus geschickt, diesmal in den Krieg.

In dieser Zeit schreibt er viele Werke, die für immer in den Goldenen Fonds der Weltliteratur eingegangen sind - dies sind "Der Held unserer Zeit", "Mtsyri", "Demon" und viele andere.

Nach dem Exil kommt Lermontov in Pjatigorsk an, wo er versehentlich seinen alten Bekannten Martynov mit einem Witz beleidigt. Genosse wiederum,
fordert den Dichter zu einem Duell heraus, das Lermontow zum Verhängnis wird. 15. Juli 1841 stirbt er.

Musiktheoretische Analyse

"Pine" von S. Taneyev ist in 2-teiliger Form geschrieben. Der erste Teil ist ein Punkt, bestehend aus zwei Sätzen. Der Inhalt des ersten Teils entspricht den ersten vier Zeilen des Gedichts. Musik vermittelt das Bild einer einsamen Kiefer, die den Elementen der nordischen Natur schutzlos ausgeliefert ist. Der erste Satz (V. 4) führt den Zuhörer in die Klangpalette von d-Moll ein, die der lyrischen Stimmung dieses Werkes entspricht. Der zweite Teil besteht aus drei gleichnamigen Sätzen in D-Dur (die zweite Hälfte des Gedichts). Im zweiten Teil beschrieb Lermontov einen hellen Traum, der von Wärme und Sonnenlicht durchscheint: „Und sie träumt von allem, was in der fernen Wüste ist. In der Region, wo die Sonne aufgeht ... ". Die Musik des zweiten Teils vermittelt die herzliche Wärme des Gedichts. Schon der erste Satz (V. 4) ist von hellen Gefühlen durchdrungen, freundlich und heiter. Der zweite Satz führt Spannung ein, die Entwicklung dramatischer Erlebnisse. Die dritte Periode - gleicht logischerweise die Dramatik des zweiten Satzes aus. Dies wird erreicht, indem seine Größe auf acht Takte erweitert wird, ein allmählicher Rückgang der musikalischen Spannung (die letzte Zeile des Gedichts "The Beautiful Palm Tree Grows" geht dreimal)
Die Gesangs- und Chorminiatur "Pine" wurde im Gamophon-Harmonik-Lager mit Elementen der Polyphonie geschrieben. Die Bewegung der Musik, ihre Entwicklung wird erreicht, indem die Harmonien, die Klangfarben des Chores, ihre strukturierte Präsentation (nahe, breite, gemischte Anordnung der Stimmen), polyphone Techniken, Mittel zur Entwicklung der melodischen Stimmlinie und das Nebeneinander von Höhepunkten geändert werden .
Wo der Höhepunkt im Werk liegt, hängt von seiner Organizität und der Harmonie seiner Form ab. Der poetische Text wird von jeder Person individuell wahrgenommen. S. Taneyev in der Musik von "Pines" offenbarte seine Vision, Wahrnehmung des poetischen Wortes von Lermontovs Gedicht. Die Höhepunkte eines poetischen und eines musikalischen Werks fallen im Allgemeinen zusammen. Der hellste musikalische Höhepunkt kommt von der wiederholten Vorsehung der Zeilen: „Alone and sad on a rock, a beautiful palm tree grows on a fuel-filled cliff.“ Durch musikalische Wiederholung steigert Tanejew den emotionalen Gehalt des Gedichts und hebt den Höhepunkt hervor: Der Sopran erklingt #f der zweiten Oktave, die Tenöre #f der ersten Oktave. Sowohl Soprane als auch Tenöre lassen diese Noten reich und hell klingen. Die Bässe nähern sich allmählich dem Höhepunkt: Vom ersten Höhepunkt (Takt 11) über die wachsende Spannung von Harmonien, Abweichungen und polyphonen Entwicklungen führen sie das Werk zu seinem hellsten Höhepunkt (S. 17), wobei sie schnell die Dominante (melodische Basslinie) hinaufsteigen in Takt 16) .
„Pine“ ist in d moll (erster Satz) und in D-Dur (zweiter Satz) geschrieben. Moll im ersten Teil und Dur im zweiten Teil – der Kontrast, der im Inhalt des Verses liegt. Der erste Teil: Der erste Satz beginnt in d-Moll, er hat Abweichungen in Gdur (Subdominant-Tonart), der Satz endet auf der Tonika. Der zweite Satz beginnt in d-Moll und endet auf der Dominante. Der zweite Teil: beginnt mit der Dominante d-Moll, geht in D-Dur über, endet im selben D-Dur. Erster Satz: D-Dur, zweiter Satz: beginnt in D-Dur, endet auf dessen Dominante, hier gibt es eine Abweichung zur Subdominante (T. 14 G-Dur), zur zweiten Stufe D-Dur (derselbe Takt in e moll) . Der dritte Satz - beginnt und endet in D-Dur, er hat Abweichungen: im zweiten Schritt (T.19 e moll) und in der Tonart der Subdominante (T.20 G-Dur). Der erste Satz hat eine unvollkommene Kadenz und endet auf der Dominante.
Die Kadenz des zweiten Satzes besteht aus alterierten Septakkorden zweiter Stufe, K6/4, der Dominante und Tonika in D-Dur (volle, perfekte Kadenz).
"Pine" von Taneyev ist in einem vierstimmigen Takt geschrieben, der bis zum Ende des Werks erhalten bleibt.
Die Textur von "Pine" hat ein gamophon-polyphones Lager. Grundsätzlich reihen sich die Stimmen vertikal aneinander, aber in mehreren Takten (Takt 12,13,14,15,16,17) erklingen die Stimmen mehrstimmig horizontal und das melodische Muster erklingt nicht nur in S, sondern auch in anderen Stimmen. In den gleichen Takten sticht die Solostimme hervor. In Takt 12, 13, 16, 17 gibt es ein- oder zweistimmige Pausen, in Takt 12 erklingt ein gebundener Ton. Größe C geht von einer Ausführung in vier Bruchteilen von Metern aus.

Wie es in einem frühen Werk von S. Taneyev heißt, wird „Pine“ in d moll und dem namensgebenden D dur geschrieben. Dies ist eine der frühen Chorpartituren des Komponisten, enthält jedoch bereits Merkmale, die allgemein für den Komponisten charakteristisch sind. "Pine" hat die Merkmale eines polyphonen Stils, der auch für Tanejews Werk charakteristisch ist. Die Harmonien der polyphonen "Pine"-Stimmen zeichnen sich durch ihre Harmonie und Melodiösität aus. In der Akkordfolge besteht eine Verbindung zum russischen Volkslied (Takt 1,6,7 - natürliche Dominante). Auch die Verwendung eines Dreiklangs VI. Grades (V. 2) ähnelt einem russischen Volkslied. Merkmale des russischen Songwritings sind charakteristisch für Tanejews Werk. Manchmal sind die Harmonien von „Pine“ recht komplex, was mit der Musiksprache des Komponisten zusammenhängt. Hier gibt es alterierte Septakkorde (Takt 2, 5, 6, 14, 18, 19, 23), die gespannte Konsonanzklänge erzeugen. Auch die polyphone Stimmführung erzeugt oft einen scheinbar willkürlich dissonanten Klang (Takt 11, 12, 15). Die harmonische Sprache des Werks trägt dazu bei, die Erhabenheit des Gedichts des großen Dichters zu enthüllen. Abweichungen in verwandte Tonarten (Bd. 2-g-Moll, Bd. 14-e-Moll, Bd. 19-e-Moll, Bd. 20-G-Dur) verraten eine besondere lyrische Färbung. Auch die Dynamik von „Pine“ entspricht einer konzentriert traurigen, dann träumerisch hellen Stimmung. Es gibt kein ausgeprägtes f in der Arbeit, die Dynamik ist gedämpft, es gibt keine hellen Kontraste.

Vokal-Chor-Analyse

Vokal-Chor-Analyse
Tanejews polyphones Werk „Pine“
geschaffen für einen vierstimmigen gemischten Chor ohne Begleitung.
Sopran (S) Alt (A) Tenor (T) Bass (B) Gesamtumfang

Betrachten wir jede Partei separat.
Die Tessitura-Bedingungen für S sind angenehm, die Stimmspannung geht nicht über den Arbeitsbereich hinaus. Singen Sie in T. 4 S den Ton d der 1. Oktave - dabei hilft die Dynamik p. Der Teil ist krampfhaft (Sprung zu Ch4 Tt. 6.13; zu Ch5 Tt. 11.19; zu B6 19-20 Tt.), aber die Melodie ist angenehm zu spielen und leicht zu merken. Es bewegt sich oft entlang der Klänge eines Dreiklangs (tt.) Der Komponist hat wenig Platz für dynamische Schattierungen, der Dirigent muss dieses Thema kreativ angehen, die Dynamik kann unserer Meinung nach anhand der Tessitura erfolgen.
Die Altstimme ist in einer angenehmen Tessitura geschrieben. Schwierigkeiten sind mit harmonischer Belastung verbunden. Zum Beispiel: v.2 die Altstimmen haben eine Note d, die restlichen Stimmen haben eine bewegliche Melodie, wie sauber die Note d gesungen wird, die Reinheit der Melodie hängt davon ab; v.3-4 hat die Bratsche eine komplexe Bewegung von zwei absteigenden Quarten. Eine ähnliche Schwierigkeit, wenn die Bratsche auf einem Ton gehalten wird, tritt an mehreren Stellen auf (Takt 5, 6-7, 9-10). Die Stimme hat eine harmonische Funktion, aber im zweiten Teil, wo sich der Charakter des Werks ändert, verwendet Tanejew polyphone Techniken und Mittelstimmen schmücken die harmonische Textur des Werks, indem sie melodische Bewegungen nicht nur im Sopran, sondern in allen anderen Stimmen ausführen .
Auch die Tenorstimme ist in einer bequemen Tessitura geschrieben. Seine Komplexität hängt mit der Akkordfolge zusammen, die die Sopranmelodie begleitet. Zum Beispiel: In V. 2 wird der Ton f verändert und die Genauigkeit dieses Übergangs wird die Reinheit der Abweichung aller Stimmen nach g-Moll beneiden (ähnlich wie in V. 18). Die Komplexität der Aufführung besteht darin, dass sie gleichsam eine harmonische Füllung des musikalischen Gewebes ist: T. 5-6 hält der Tenor die Note g auf dem Ton, was den Ausführenden eine gewisse Schwierigkeit bereitet (ähnliche Stellen von T 21, 23). Die harmonischen Akkorde des Werkes tragen die emotionale Färbung von Traurigkeit, leichter Traurigkeit, nastolgischen Gefühlen von Lermontovs Gedicht. In dieser Hinsicht gibt es instabile Harmonien und alterierte Septakkorde (Takt 2, 5, 6, 14, 18), deren Genauigkeit in hohem Maße von den Tenören abhängt. Der Teil trägt eine harmonische und manchmal polyphone Ladung.
Die Bassstimme ist in der üblichen Bass-Tessitura geschrieben. Intonativ ist es nicht immer einfach, zum Beispiel sind die Bewegungen entlang der chromatischen Tonleiter komplex (Takt 5-6, 14, 23). Einer der schwierigsten Teile des Werkes für die Bässe ist ihr Solospiel zu den Worten: „Die schöne Palme wächst ..“ (Takt 15-16), wo es Intonationen von aufsteigenden Terzen und Quarts gibt. Aber im Allgemeinen sollte die Rolle den Darstellern keine besonderen Schwierigkeiten bereiten.
Das Einatmen des Werks ist phrasal, weil der Text poetisch ist. In der Nutria des Ausdrucks ist Kette.
Beispiel:
Im Norden steht eine wilde Kiefer allein auf einem kahlen Gipfel. Und dösend schwankend und in losen Schnee gekleidet, wie eine Riza, sie (1-8v.).
Wörterbuchmerkmale der Arbeit erfordern ebenfalls Aufmerksamkeit. Vokale und Konsonanten werden reduziert. An Stellen mit p müssen Sie den Text sehr deutlich aussprechen, um dem Zuhörer die Bedeutung des Verses zu vermitteln. Cantilena sollte in der gesunden Wissenschaft vorhanden sein, Vokale sollten gesungen werden und Konsonanten sollten an die nächste Silbe, an den nächsten Vokal angehängt werden.
Schwierigkeiten beim Dirigieren. 1) Es ist notwendig, die Integrität des Formulars zu wahren.
2) Jede Charge wird korrekt angezeigt
auftakte.

3) Es ist notwendig, die Stimmung der musikalischen Phrase in einer Geste zu vermitteln.
4) Genauigkeit der Dynamikübertragung.

Abschluss

Sergei Ivanovich Taneyev hat einen großen Beitrag zur russischen Musik geleistet. Er war maßgeblich daran beteiligt, Werke für A-cappella-Chor zu schaffen und diese Gattung auf das Niveau einer eigenständigen, stilistisch eigenständigen Komposition zu heben. Tanejew wählte die Texte für die Chöre mit großer Sorgfalt aus; sie alle gehören zu den besten russischen Dichtern und zeichnen sich durch hohe Kunstfertigkeit aus. Tanejews Themen, auf denen er seine Werke aufbaut, sind melodisch. Die Sprachausgabe ist einwandfrei. Chorstimmen, verwoben zu Klangkomplexen, erzeugen eine interessante und einzigartige Harmonie. Der Komponist missbraucht niemals die extremen Klänge der Bereiche. Er versteht es, seine Stimmen in einer bestimmten Anordnung zueinander zu halten und sorgt so für hervorragende Klangfülle. Polyphone Stimmführung stört die Einheit des Klanges nicht. Dies ist das Ergebnis der Beherrschung von Tanejews Chorstil.
Bedeutende Schwierigkeiten bereiten Tanejews Chöre von der Seite des Systems, die sich aus Chromatismen und komplexen Harmonien ergeben. Das erleichternde Moment ist die strenge Logik der Stimmführung. Tanejew stellt hohe Anforderungen an die Interpreten seiner Chöre. Seine Werke verlangen von den Chorsängern eine gute stimmliche Basis, die es ihnen ermöglicht, einen melodiösen, nachklingenden Klang zu extrahieren, der in allen Lagen frei ist.
Das Werk "Pine" ist nach den poetischen Zeilen von M. Yu. Lermontov geschrieben, die das Thema Einsamkeit aufdecken. Eine Kiefer, die allein in einem kalten Land unter dem Schnee steht. Sie ist kalt, aber nicht körperlich, ihre Seele ist gefroren. Dem Baum fehlt die Kommunikation, jemandes Unterstützung, Sympathie. Kiefer träumt jeden Tag davon, mit einer Palme zu kommunizieren. Doch die Palme ist weit weg vom wilden Norden, im heißen Süden.
Aber die Kiefer sucht keinen Spaß, sie interessiert sich nicht für eine fröhliche Palme, die ihr Gesellschaft leisten würde, wenn sie in der Nähe wäre. Die Kiefer erkennt, dass es irgendwo in der Ferne eine Palme in der Wüste gibt und es für sie allein genauso schlimm ist. Die Kiefer interessiert sich nicht für das Wohlergehen der umgebenden Welt. Sie kümmert sich nicht um die Kälte und die Wüste, die sie umgibt. Sie lebt in einem Traum von einem anderen so einsamen Wesen.
Wenn die Palme in ihrem heißen Süden glücklich wäre, dann wäre sie für die Kiefer überhaupt nicht interessant. Denn dann wäre die Palme nicht in der Lage, die Kiefer zu verstehen, mit ihr zu sympathisieren. All diese Erfahrungen konnte Taneyev durch Musik vermitteln, indem er solche Ausdrucksmittel verwendete wie: Dynamik, Tempo, Tonalität, Textur der Präsentation.

Literaturverzeichnis

Lexikon der Musik / Kap. ed. G.V. Keldysch. - M.: Sowjetische Enzyklopädie, 1990 - 672 S.: mit Abb.
www.wikipedia.ru
http://hor.by/2010/08/popov-taneev-chor-works/

Es ist bekannt, dass nach der allgemeinen Genreklassifizierung alle Musik unterteilt wird Vokal Und instrumental. Vokalmusik kann Solo, Ensemble, Chor sein. Die Chorkreativität wiederum hat ihre eigenen Varianten, die als bezeichnet werden Chorgenres:

2) Chorminiatur;

3) Chor große Form S;

4) Oratorium-Kantate (Oratorium, Kantate, Suite, Gedicht, Requiem, Messe usw.);

5) Oper und andere bühnenbezogene Werke (unabhängige Chornummer und Chorbühne);

6) Verarbeitung;

7) Transkription.

Chorgesang (Volkslieder, Lieder für Konzertaufführungen, Chormassenlieder) - das demokratischste Genre, das sich durch eine einfache Form (hauptsächlich Couplet), Einfachheit der musikalischen und ausdrucksstarken Mittel auszeichnet. Beispiele:

M. Glinka "Patriotisches Lied"

A. Dargomyzhsky "Der Rabe fliegt zum Raben"

"Aus einem Land, einem weit entfernten Land"

A. Alyabyev "Lied eines jungen Schmieds"

P. Tschaikowsky „Ohne Zeit, aber ohne Zeit“

P. Chesnokov "Keine Blume verblasst auf dem Feld"

A. Novikov "Straßen"

G. Sviridov "Wie das Lied geboren wurde"

Choralische Miniatur - das häufigste Genre, das sich durch den Reichtum und die Vielfalt der Formen und Mittel auszeichnet musikalische Ausdruckskraft. Hauptinhalt sind Liedtexte, die Übertragung von Gefühlen und Stimmungen, Landschaftsskizzen. Beispiele:

F. Mendelssohn "Wald"

R. Schumann "Nachtstille"

„Abendstern“

F. Schubert "Liebe"

"Reigen"

A. Dargomyzhsky "Komm zu mir"

P. Tschaikowsky „Kein Kuckuck“

S. Taneev, "Serenade"

"Venedig bei Nacht"

P. Chesnokov "Alpen"

"August"

C. Cui "Alles ist eingeschlafen"

"In der Ferne erleuchtet"

V. Shebalin "Cliff"

"Winterstraße"

V. Salmanov "Wie du lebst, kannst du"

"Löwe im eisernen Käfig"

F. Poulenc "Traurigkeit"

O. Lasso "Ich liebe dich"

M.Ravel "Nicoletta"

P. Hindemith "Winter"

Chor der großen Formen - Werke dieser Gattung zeichnen sich durch die Verwendung von aus komplexe Formen(drei-, fünfstimmig, Rondo, Sonate) und Polyphonie. Der Hauptinhalt sind dramatische Kollisionen, Philosophische Reflexionen, lyrisch-epische Erzählungen. Beispiele:

A. Lotti "Crucifixus".

C. Monteverdi "Madrigal"

M. Berezovsky "Lehne mich nicht ab"

D. Bortnyansky "Cherubik"

"Chorkonzert"

A. Dargomyzhsky "Ein Sturm bedeckt den Himmel mit Nebel"

P. Tschaikowsky „Für den kommenden Traum“

Y. Sakhnovsky "Kovyl"

Vic. Kalinnikov "Auf dem alten Karren"

"Sterne verblassen"

S. Rachmaninow „Konzert für Chor“

S. Taneev "Am Grab"

"Prometheus"

"Die Ruine des Turms"

„Zwei düstere Wolken über den Bergen“

"Sterne"

"Die Salven verstummten"

G. Sviridov "Tabun"

V. Salmanov "Aus der Ferne"

C. Gounod "Nacht"

M. Ravel "Drei Vögel"

F. Poulenc "Marie"

Kantate-Oratorium (Oratorium, Kantate, Suite, Gedicht, Requiem, Messe usw.). Beispiele:

G. Händel Oratorien: "Samson",

"Messias"

I. Haydn Oratorium „Die Jahreszeiten“

W. A. ​​Mozart „Requiem“

IST. Bach Kantate. Messe in h-Moll

L. Beethoven "Festliche Messe"

I. Brahms "Deutsches Requiem"

G. Mahler 3 Sinfonie mit Chor

G. Verdi "Requiem"

P. Tschaikowsky Kantate "Moskau"

Liturgie des Johannes. Chrysostomus"

S. Rachmaninov Kantate "Frühling"

"Drei russische Lieder"

Gedicht „Die Glocken“

„Nachtwache“

S. Prokofjew Kantate „Alexander Newski“

D. Schostakowitsch 13. Symphonie (mit Basschor)

Oratorium "Lied der Wälder"

„Zehn Chorgedichte“

Das Gedicht "Die Hinrichtung von Stepan Razin"

G. Sviridov "Erbärmliches Oratorium"

Gedicht "In Erinnerung an S. Yesenin"

Kantate „Kursker Lieder“

Kantate „Nachtwolken“

V. Salmanov „Schwan“ (Chorkonzert)

Oratorium-Gedicht "Die Zwölf"

V. Gavrilin "Chimes" (Chorakt)

B. Briten "War Requiem".,

K. Orff „Carmina Burana“ (Bühnenkantate)

A. Onneger "Jeanne d'Arc"

F. Poulenc Kantate „Das menschliche Antlitz“

I. Strawinsky "Hochzeit"

"Symphonie der Psalmen"

"Heilige Quelle"

Genre Oper-Chor. Beispiele:

G. Verdi „Aida“ („Wer ist da mit dem Sieg zum Ruhm“)

Nebukadnezar ("Du bist schön, o unser Vaterland")

J. Bizet „Carmen“ (Finale von Akt I)

M. Glinka "Ivan Susanin" ("Mein Vaterland", "Ruhm"))

"Ruslan und Ljudmila ("Mysterious Lel")

A. Borodin "Prinz Igor" ("Ehre der Roten Sonne")

M. Mussorgsky "Khovanshchina" (Szene von Chovanskys Treffen)

"Boris Godunov" (Szene unter Kromy)

P. Tschaikowsky „Eugen Onegin“ (Ballszene)

"Mazepa" ("Ich werde einen Kranz kräuseln")

Die Pique Dame (Szene, im Sommergarten)

N. Rimsky-Korsakov "Die Frau von Pskow" (Szene der Veche)

"Snegurochka" (Fasching sehen)

"Sadko" ("Höhe, himmlische Höhe")

„Die Braut des Zaren“ („Liebestrank“)

D. Schostakowitsch. Katerina Izmailova (Chor der Sträflinge)

Chorbehandlung (Bearbeitung eines Volksliedes für Chor, konzertante Aufführung)

A) Die einfachste Art Liedbearbeitung für den Chor (Strophen-Variationsform unter Beibehaltung der Melodie und Gattung des Liedes). Beispiele:

"Shchedryk" - Ukrainisches Volkslied arrangiert von M. Leontovich "Er hat mir etwas erzählt" - Russisches Volkslied arrangiert von A. Mikhailov "Dorozhenka" - Russisches Volkslied arrangiert von A. Sveshnikov "Ah, Anna-Susanna" - Deutsches Volk, Lied arrangiert von O. Kolovsky

„Steppe, ja Steppe ringsum“ - Russisches Volkslied, arrangiert von I. Poltavtsev

B) Erweiterte Art der Verarbeitung – bei gleicher Melodie wird der Stil des Autors deutlich. Beispiele:

„Wie jung ich bin, Baby“ - Russisches Volkslied in Bearbeitung

D. Schostakowitsch „Ein Zigeuner aß salzigen Käse“ - Arrangement 3. Kodai

B) Freie Art der Songbearbeitung - Ändern des Genres, der Melodie usw. Beispiele:

„Auf dem Berg, auf dem Berg“ - Russisches Volkslied, arrangiert von A. Kolovsky

"Die Glocken läuteten" - russisches Volkslied arrangiert von G. Sviridov "Jests" - russisches Volkslied v Arrangiert von A. Nikolsky „Pretty-young“ — Russisches Volkslied, arrangiert von A. Loginov

Chor Arrangement

• Transposition von einem Chor zum anderen (von gemischt zu weiblich oder männlich)

A. Lyadov Wiegenlied — arrangiert von M. Klimov

• Arrangement eines Sololiedes für Chor mit einem Solisten

A. Gurilev The Swallow Winds - Arrangiert von I. Poltavtsev

• Bearbeitung eines Instrumentalwerkes für Chor

R. Schumann Dreams - arrangiert für Chor von M. Klimov

M. Oginsky Polonaise - arrangiert für Chor von V. Sokolov

S. Rachmaninoff Italienische Polka — arrangiert für Chor von M. Klimov

1

1 Staatliche staatliche Bildungseinrichtung für höhere Berufsbildung „Rostov State Conservatory (Academy) benannt nach S.V. Rachmaninow“ des Kulturministeriums der Russischen Föderation

Der Artikel widmet sich den evolutionären Prozessen in der Chorminiatur, die das Ergebnis der Wandlungen der weltanschaulichen, philosophischen, ethischen und soziokulturellen Ordnung in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts waren. Das Panorama tiefgreifender gesellschaftlicher Veränderungen wurde ergänzt durch eine Tendenz zur Intensivierung der künstlerischen Reflexion über ein sich dynamisch entwickelndes Weltbild. In dieser Arbeit gilt es in diesem Zusammenhang zu überlegen, wie die Miniatur ihr musikalisch-assoziatives Bedeutungsvolumen erweitert. Im Einklang mit der Behandlung des Problems wird der Begriff der Evolution in der Kunst einbezogen. Ihr Wesen aufdeckend und von ihr ausgehend untersucht der Autor die Miniatur unter dem Gesichtspunkt evolutionärer Prozesse in der Kunst. Der Autor stellt die wesentlichen Richtungen in der Entwicklung der Musikkunst fest, die die Chorminiatur beeinflusst haben, nämlich: eine detailliertere und subtilere Übertragung der emotionalen und psychologischen Abstufungen des Bildes und die Verwendung assoziativer Schichten, die den künstlerischen Kontext des Werks verallgemeinern. Vor diesem Hintergrund wird die Aufmerksamkeit auf die sich erweiternden Möglichkeiten der musikalischen Sprache gelenkt. Dabei werden verschiedene Parameter der evolutionären Flexibilität des Chorgewebes hervorgehoben. Als Ergebnis einer vergleichenden Analyse der Chöre hat V.Ya. Shebalin und P.I. Tschaikowsky schließt: Eine breite Palette von Neuerungen, die die gesteigerte Ausdruckskraft melodisch-verbaler Strukturen widerspiegeln, das Aufkommen kontrastierender Polyphonie von Strukturplänen, führte zu einer neuen Informationsebene in der Choralminiatur.

evolutionärer Prozess

Ebene des Informationsgehalts

musikalisch-assoziative Inhaltsebene

musikalische Sprache

strukturell-sprachliche semantische Formationen

musikalische Strophe

melodisch-verbale Strukturen

1. Asafiev B.V. Musikalische Form als Prozess. - 2. Aufl. - M .: Musik, Filiale Leningrad, 1971. - 375 S., C. 198.

2. Batjuk I.V. Zur Aufführungsproblematik der Neuen Chormusik des 20. Jahrhunderts: Autor. dis. ... cand. Klage: 17.00.02 .. - M., 1999. - 47 p.

3. Belonenko A.S. Bilder und Stilmerkmale der modernen russischen Musik der 60–70er Jahre für Chor a capella // Fragen der Musiktheorie und -ästhetik. - Ausgabe. 15. - L.: Musik, 1997. - 189 S., S. 152.

5. Siehe für weitere Einzelheiten: Mazel L. A. Questions of music analysis. Erfahrung der Konvergenz von theoretischer Musikwissenschaft und Ästhetik. - M.: Sowjetischer Komponist, 1978. - 352 p.

6. Khakimova A.Kh. Chor a capella (historische, ästhetische und theoretische Fragen der Gattung). - Taschkent, "Fan" Akademie der Wissenschaften der Republik Usbekistan, 1992 - 157 S., S. 126.

7. Mehr sehen O. Cheglakov Evolutionäre Kunst [Elektronische Ressource]. -- Zugangsmodus: http://culture-into-life.ru/evolucionnoe_iskusstvo/ (abgerufen am 26.04.2014).

8. Shchedrin R. Kreativität // Bulletin des Komponisten. - Ausgabe. 1. - M., 1973. - S. 47.

Ab der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts tritt die Chorkunst in eine neue Entwicklungsperiode ein. Dies liegt an den neuen Stimmungen in der Gesellschaft während der 60er Jahre und der wahrgenommenen Notwendigkeit, zu den ursprünglichen Formen der Musikkultur und Spiritualität zurückzukehren. Die intensive Entwicklung der professionellen und Laienchoraufführung, die Verbesserung des Niveaus der Aufführungskultur ist zu einem Ansporn für die Schaffung vieler innovativer Werke geworden. Die Stabilisierung der Gattung Chorminiatur und ihres künstlerischen Potenzials erforderte eine Erweiterung der Ausdrucksmöglichkeiten. Ein Beweis dafür war die Bildung von Chorzyklen. Die Blütezeit der Chorminiatur, die Bildung der Einheitsprinzipien wurde "eine Folge der allgemeinen Intellektualisierung des schöpferischen Denkens und verstärkte das Moment eines sinnvoll rationalen Beginns".

Im Einklang mit evolutionären Prozessen waren individuelle Stile durch das Wachstum integrativer Qualitäten gekennzeichnet, hatten die Fähigkeit, sich "in den Kontext einzubringen". künstlerische Wahrnehmung weite Bereiche assoziativen Wissens und emotional-psychologischer Erfahrungen". Und dies wiederum ermöglichte es, eine qualitativ neue Informationsebene der Chorarbeit zu schaffen. Besonders bemerkenswert sind in diesem Zusammenhang die Worte des großen zeitgenössischen Künstlers Rodion Shchedrin: „Um diese oder jene Information zu vermitteln, werden die Menschen der Zukunft mit einer viel geringeren Anzahl von Wörtern und Zeichen auskommen. Nun, wenn wir das in Musik übersetzen, dann führt das offenbar zu Kürze, Konzentration des Denkens und folglich zu einer Konzentration der Mittel und einer größeren Sättigung. Musikinformationen…» .

Das Kriterium der Evolution in der Kunst ist nicht nur der „Aufruf zur Erhebung des Geistes“, sondern natürlich auch das „künstlerische Niveau“, das für eine Steigerung der Präzision und Filigranität der Technik sorgt, deren Details die tiefe Mehrdimensionalität des Bildes.

Betrachten wir die Evolutionsprozesse der A-cappella-Chormusik durch das Prisma dieser Kriterien. Die Entwicklungsgeschichte der Musikkunst bezeugt, dass die Prozesse zur Erweiterung der Ausdrucksmöglichkeiten der Sprache in zwei Richtungen gehen: „Die Vertiefung des Kontrasts und die weitere Polarisierung von stabil und instabil sind in allen Ausdruckssystemen der Musik und mit mehr und verbunden detailliertere und subtilere Abstufung von emotionalen und psychischen Übergängen vom Spannungspol zur Entspannung und umgekehrt. Die Gefühle eines Menschen ändern sich nicht, aber seine Erfahrungen werden bereichert, was bedeutet, dass er ein Objekt wird musikalische Verkörperung, „sein Bild bedarf einer immer breiteren Begründung – sozialer Hintergrund, historische Perspektive, handlungsalltägliche Konkretheit, moralisch-ethische Verallgemeinerung“ . In der Tat, wir redenüber die Entfaltung einer breiten Palette neuer musikalisch-assoziativer Gehaltsschichten - Ergänzung, Schattierung, Vertiefung, Erweiterung, Verallgemeinerung des künstlerischen Kontextes des Werkes, unendliche Weite, weit über die "Handlungsfiguralität" hinaus.

Diese evolutionären Prozesse, die eng mit dem Hauptmerkmal der Miniatur verbunden sind – ihrer Fähigkeit, mit der Außenwelt, mit anderen Systemen zu korrespondieren, haben ihren Ursprung in den inneren Strukturen und Elementen, die das Gewebe des Chorwerks bilden. Organisch miteinander verwoben, haben sie eine unterschiedliche Fähigkeit, das Außermusikalische zu transformieren und zu reflektieren, dh Mobilität und damit evolutionäre Flexibilität. Die Lautstärke von Chorparties und des Chores als Ganzes hat perfekte Stabilität. Relativ stabile strukturell-sprachliche Formationen sind Träger einer bestimmten Semantik und entsprechender Assoziationen. Und schließlich hat die Musiksprache Mobilität und die Fähigkeit, unendlich neue interne strukturelle Verbindungen zu schaffen.

Das polyphone Chorsystem hat eine Synthese aus verbalen und nonverbalen Komponenten innerhalb der musikalischen Sprache. Gerade durch ihre spezifischen Eigenschaften zeichnet sich die Musiksprache durch innere Beweglichkeit aus und öffnet sich für das ganze System endlose Möglichkeiten Reorganisation.

Wenden wir uns den expressiven Sprachelementen der Musiksprache zu. Basierend auf dem Konzept von B. Asafiev, dass Intonation „Tonverständnis“ ist, schließen wir, dass in ihrem Rahmen die gesamte Bandbreite charakteristischer Inhaltsschattierungen gebildet wird. Fügen wir hinzu, dass die Natur des vom Menschen wiedergegebenen Klangs eine einzigartige Fähigkeit besitzt, die Ausdrucksmöglichkeiten und Qualitäten verschiedener Instrumente zu integrieren. Zum Schluss: die bewegenden Elemente der verbalen Komponente eines polyphonen Chorsystems: emotionale Färbung und Klangerzeugung (Artikulation). Das heißt, in der Intonation der menschlichen Stimme legen wir die emotionale und semantische Komponente fest, und in den artikulatorischen Merkmalen des erzeugten Klangs können wir zusätzliche tiefe Farben des Inhalts erfassen, die organisch mit der Bedeutung verschmolzen sind.

Im Zusammenspiel von Wort und Musik in der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts. Es entstanden die komplexesten Beziehungen, gekennzeichnet durch eine zunehmende Aufmerksamkeit für die Aussprache des verbalen Textes zusammen mit seiner Intonation. Die Art der Gesangsdiktion begann sich mit den Besonderheiten des Chorkomponierens zu ändern. Die Klangerzeugung, d. h. die Artikulation, umfasste eine dreifache Aufgabe bei der Vermittlung verbaler Bedeutung: eine klare, genaue Darstellung des Wortes in Form eines Strichs, eine Erweiterung der Aussprache-Intonationsmethoden und die Vereinigung verbaler Mikrostrukturen zu a einzelnes semantisches Ganzes. „... Der Sänger wird zum „Meister des künstlerischen Wortes“, der sich der „Klangfarbensprache“, der klangfarbenpsychologischen Farbe des Wortes bedienen kann“ .

Die Entwicklung der sprachlichen Personifizierung, die mit der Entwicklung der musikalischen Ausdrucksmittel Schritt hält, ist zu einem der Gründe für das Aufkommen eines Trends zur kontrastierenden Schichtung strukturierter Schichten geworden. Dies lag insbesondere an der Berufung auf ein neues Thema, an verschiedene "historische Stile" der Musik, die Melodie des modernen Instrumentalismus, die Liebeslyrik und so weiter.

Texturpläne wurden entwickelt, um die koloristischen Eigenschaften der Vertikalen aufzudecken, um die Klangfarbenspezifität des Chorklangs zu erreichen. Die Essenz dieser Innovationen bestand in verschiedenen Kombinationen von Methoden zur Präsentation des Materials, die den Wunsch nach Vielfalt und Brillanz widerspiegelten. Die Bandbreite der kreativen Experimente in diesem Bereich war recht breit: von „scharfem Kontrast, Nebeneinanderstellung verschiedener Arten von Chortexturen“ bis hin zu „betont asketischer Schwarz-Weiß-Zweistimmgrafik“ .

Wenden wir uns der musikalischen Komponente des Chorklangs zu. Lassen Sie uns die Beweglichkeit von Elementen in der musikalischen Komponente des polyphonen Gewebes bestimmen. Bei der Entwicklung der Grundlagenforschung „Fragen der Musikanalyse“ L.A. Mazel sagt, dass die Ausdrucksmittel, die kombinierte Komplexe bilden, die Möglichkeit einer "großen Variabilität emotionaler und semantischer Bedeutungen" haben.

Lassen Sie uns ein Fazit ziehen. Die Verstärkung der Prozesse der wechselseitigen Beeinflussung der verbal-sprachlichen und musikalischen Komponenten im Lichte der Erweiterung des Faches, der Berufung auf unterschiedliche Musikstile, neuester Kompositionstechniken, führte zur Erneuerung der musikalischen Semantik, zur Aktivierung der Interaktion zwischen verschiedenen strukturellen und semantischen Ebenen und war ausschlaggebend für die Akkumulation von Informationsgehalt, künstlerischem Gehalt, Leistungsvermögen, künstlerischer Vielseitigkeit von Chorminiaturen.

Wenden wir uns in diesem Zusammenhang dem Werk russischer Chorkomponisten der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts zu, insbesondere den Werken von V.Ya. Schebalina (1902-1963). Der Komponist gehörte zu jenen Chorkünstlern, die ihre Werke nach romantischen Traditionen schufen und dabei die Grundlagen der russischen Chorschule sorgfältig bewahrten. V. Ja. Shebalin bereicherte die Chorkunst um eine grundlegend neue Art polyphoner Intonation, die mit der Aufführungstradition des bäuerlichen Verweilliedes verbunden ist. Um die neuen Kompositionstechniken und ihre Bedeutung für die Evolutionsprozesse im Allgemeinen für die Chorminiatur deutlicher zu skizzieren, werden wir eine vergleichende analytische Skizze der Chorpartituren von P.I. Tschaikowsky und V.Ja. Shebalin, geschrieben auf einem Text - ein Gedicht von M.Yu. Lermontov "Klippe".

Beginnen wir mit der Verkörperung eines einzelnen verbalen Textes. Tschaikowskys gesamtes Werk ist in einer strengen Akkordstruktur geschrieben. Die Ausdruckskraft eines poetischen Textes erreicht der Komponist dadurch, dass er eine musikalische Strophe klar in Mikrostrukturen gliedert, in denen jeweils ein Scheitelpunkt die Intonation hervorhebt (vgl. Bsp. 1). Durch die besondere Anordnung des Akkords (Sextakkord mit doppelter Quinte in Sopran- und Altstimme) werden bedeutsame Worte betont (siehe Takt 3), ein Intonationssprung in der oberen Leitstimme.

Beispiel 1. P.I. Tschaikowsky „Eine goldene Wolke verbrachte die Nacht“, Strophe Nr. 1

Mikromelodisch-verbale Strukturelemente in V.Ya. Shebalin sind organisch in die musikalische und poetische Strophe eingeschrieben (siehe Bsp. 2), die eine einzige Syntax darstellt, die für das russische Zuglied charakteristisch ist.

Beispiel 2. V. Ya. Shebalin "Cliff", Strophe Nr. 1

Unter Berücksichtigung der textur-funktionalen Interaktion von Stimmen spüren wir die folgenden Unterschiede auf. Wie oben erwähnt, ist die Arbeit von P.I. Tschaikowsky ist in strenger akkordischer Polyphonie mit einstufigem Stimmklang geschrieben. Dies ist ein homophones Warenhaus mit koloristischem Inhalt und einem führenden Sopran. Im Allgemeinen wird die semantische Färbung der Textur mit der spirituellen Musik russischer Kultgesänge in Verbindung gebracht (siehe Bsp. 1).

Genre-stilistische Färbung von "The Cliff" von V.Ya. Shebalina spiegelt eine besondere Tradition der Aufführung russischer Volkslieder wider, insbesondere den abwechselnden Einsatz von Stimmen. Ihre strukturelle Interaktion drückt sich nicht gleichermaßen im Klang aus: Die Aufmerksamkeit wechselt von einer Stimme zur anderen (siehe Bsp. 2). In einer Chorkomposition verwendet der Komponist verschiedene Typen texturiertes Muster, was es uns erlaubt, über die Farbigkeit von texturierten Lösungen im Allgemeinen zu sprechen. Lassen Sie uns Beispiele geben. Der Künstler beginnt die Arbeit, indem er das musikalische Gewebe im Stil einer subvokalen Polyphonie mit charakteristischer Melodie arrangiert, dann verwendet er eine homogene Akkordtextur (siehe Band 11), in der letzten Phase der dramatischen Entwicklung schafft er kontrastierende Texturschichten, indem er die Klangfarbe verwendet Färbung verschiedener Chorgruppen. Die Schichtung der Textur erfolgt durch die Isolierung der Bratschenstimme, die mit der hauptsächlichen Informationslast ausgestattet ist, und der Gruppe von Bass- und Tenorstimmen, die die Hintergrundschicht bilden. Die künstlerische Wirkung voluminöser Gefühlsinhalte erreicht der Komponist durch die Isolierung verschiedener struktureller und semantischer Klangebenen. Erreicht wird dies in der Hintergrundschicht durch eine einzige rhythmische und dynamische Nuance, Verdickung des Chorklangs durch Aufteilung der Stimmen in Divisi, das Auftreten einer Ostinato-Tonika in der zweiten Bassstimme, die einen tiefen Obertonumfang hat, und die Verwendung von Sonor-Sound-Technik. Diese Eigenschaften bilden eine düstere Hintergrundfarbe des Klangs. Im selben Teil des Werkes beobachten wir als Element des forcierenden Ausdrucks auch die Technik der imitierenden Aufnahme der Hauptstimme in der Sopranstimme (Bd. 16).

Dramaturgie des Gedichts von M.Yu. Lermontov baut auf der Antithese zweier Bilder auf. Wie zeichnet P.I. seine Charaktere? Tschaikowsky? Der Komponist nutzt die Ausdruckskraft der Choral-Akkord-Textur, indem er die Schlüsselwörter hervorhebt, die Klangfülle aller Stimmen verstärkt, sie in eine hohe Tessitura „führt“ und auch Stopps bei gehaltenen Klängen als Methode zur Steigerung des Klangs verwendet Energie bei der Annäherung an den Höhepunkt. Knotenhafte semantische Momente zum Beispiel, in denen der Informationsgehalt von der Bildebene auf die Ebene des inneren psychologischen Zustands des Helden neu ausgerichtet wird, schreibt der Komponist lange Pausen zwischen den Wörtern aus und verleiht ihnen eine erhebliche semantische Ladung. Der Künstler hebt sie mit hellen harmonischen Verschiebungen, dynamischen Nuancen und einem besonderen Tempo hervor.

Zum Beispiel in der poetischen Zeile "... aber es gab eine nasse Spur in der Falte der alten Klippe" Tschaikowsky schafft das Folgende syntaktischer Aufbau mit der Auswahl von Referenztönen von Intonationszellen.

Beispiel 3. P.I. Tschaikowsky „Eine goldene Wolke verbrachte die Nacht“, Strophe Nr. 3

Der Komponist führt eine unerwartete Synkopierung in die letzte melodisch-verbale Mikrostruktur ein, die die Besonderheit des Schlüsselworts als Spitze der musikalischen Phrase hervorhebt.

Mit verschiedenen Texturtypen in seinem Arsenal „reguliert“ Shebalin die Variabilität des Klanginhalts, indem er seine vertikalen oder horizontalen Koordinaten aktiviert. Der Komponist baut seine musikalische Strophe anders auf. Er beginnt es mit einem charakteristischen genrestilistischen Refrain (die Einführung der Bassstimme, dann die Aufnahme der Bratschen), der einen Impuls horizontaler melodischer Energie trägt, ändert dann aber die strukturelle Position, um das Wort „in a knitter“ hervorzuheben. . Der Autor baut eine polyphone Struktur in eine akkordische Vertikale ein, und in diesem musikalischen statischen Charakter tritt die deklamatorische Klarheit und Bedeutung des Schlüsselwortes „auf“. In der Statik der musikalischen Entwicklung treten andere Farben des Wortes auf: artikulatorische Darstellung, klangregisterlicher Hintergrund seines Klanges, harmonische Farbe. Durch Ändern der Texturperspektive „hebt“ der Komponist also kleine Teile Bild, während die gesamte Klangbewegung erhalten bleibt.

Im Gegensatz zu P.I. Tschaikowsky, W. Ja. Shebalin verwendet einen breiten Klangfarbenbereich von Chorstimmen, schaltet verschiedene Stimmen ein und aus, Klangfarbendramaturgie von Chorgruppen.

Beispiel 4. V. Ya. Shebalin "Cliff", Strophe Nr. 3

Wir fassen zusammen: Der Weg von P.I. Tschaikowsky an V.Ya. Schebalin – das ist der Weg, das Wort durch Musik zu konkretisieren, eine zunehmend subtilere paritätische Beziehung und Interaktion mit der musikalischen Komponente zu finden, die auf Einheit und Ausgewogenheit aufbaut. Dies findet in der polyphonen Klangbewegung eine Balance zwischen der dynamischen Entfaltung von Ereignissen und dem statischen Charakter, wobei die wichtigsten Meilensteine ​​​​des semantischen Kontexts hervorgehoben werden. Dies ist die Schaffung eines umhüllenden strukturellen Hintergrunds, der eine emotionale Tiefe des Inhalts erzeugt, die es dem Zuhörer ermöglicht, die Schönheit der Facetten des Bildes, die Abstufung der sinnlichen Palette wahrzunehmen. Die Evolutionsprozesse der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts haben in der Chorminiatur immer mehr ihre führende Wurzel, ihr Gattungsmerkmal – den Zusammenbruch der Bedeutung im diffusen Zusammenspiel von musikalischem und poetischem Text – zum Ausdruck gebracht.

Rezensenten:

Krylova A.V., Doktorin der Kulturwissenschaften, Professorin am Staatlichen Konservatorium Rostow. S.V. Rachmaninow, Rostow am Don;

Taraeva G.R., Doktorin der Kunstgeschichte, Professorin am Staatlichen Konservatorium Rostow. S.V. Rachmaninow, Rostow am Don.

Die Arbeit ist am 23. Juli 2014 bei der Redaktion eingegangen.

Bibliographischer Link

Grinchenko I. V. CHORMINIATUR IN DER RUSSISCHEN MUSIK DER ZWEITEN HÄLFTE DES XX. JAHRHUNDERTS // Grundlagenforschung. - 2014. - Nr. 9-6. - S. 1364-1369;
URL: http://fundamental-research.ru/ru/article/view?id=35071 (Zugriffsdatum: 28.10.2019). Wir machen Sie auf die Zeitschriften des Verlags "Academy of Natural History" aufmerksam