Kunst der Renaissance. Kultur und Kunst der Renaissance – Zusammenfassung Kunstwerk im Renaissance-Essay
Die Renaissance bezieht sich einigen Quellen zufolge auf das XIV.-XVII. Jahrhundert. Anderen zufolge stammen sie aus dem 15. bis 18. Jahrhundert. Es gibt auch den Standpunkt, die Renaissance nicht als Epoche herauszuheben, sondern sie als Spätmittelalter zu betrachten. Dies ist die Zeit der Krise des Feudalismus und der Entwicklung der bürgerlichen Verhältnisse in Wirtschaft und Ideologie. Der Begriff Renaissance (Renaissance) wurde eingeführt, um zu zeigen, dass in dieser Zeit die besten Werte und Ideale der Antike, die von den Barbaren zerstört wurden (Architektur, Bildhauerei, Malerei, Philosophie, Literatur), wiederbelebt wurden, aber dieser Begriff wurde interpretiert sehr bedingt, weil. Man kann nicht die ganze Vergangenheit wiederherstellen. Dies ist keine Wiederbelebung der Vergangenheit in ihrer reinen Form – es ist die Schaffung einer neuen, die viele der spirituellen und materiellen Werte der Antike nutzt. Darüber hinaus war es unmöglich, die Werte der neun Jahrhunderte des Mittelalters, insbesondere die mit dem Christentum verbundenen spirituellen Werte, durchzustreichen. Die Renaissance ist eine Synthese antiker und mittelalterlicher Traditionen, allerdings auf einem höheren Niveau. In jeder Phase dieser Ära war eine bestimmte Richtung vorherrschend. Wenn es zunächst „Prometheismus“ war, d.h. eine Ideologie, die die Gleichheit aller Menschen von Natur aus sowie die Anerkennung von Privatinteressen und Individualismus voraussetzt. Darüber hinaus tauchen neue Gesellschaftstheorien auf, die den Zeitgeist widerspiegeln, wobei die Theorie des Humanismus die führende Rolle einnimmt. Der Humanismus der Renaissance ist auf Freidenken und dementsprechend auf eine gerechte Struktur der Gesellschaft und Gesellschaft ausgerichtet öffentliches Leben, was meist auf demokratischer Basis im Rahmen eines republikanischen Systems erreicht werden soll. Auch die Ansichten über Religion unterliegen einem Wandel. Die Naturphilosophie wird wieder populär und der „Panthemismus“ (eine Lehre, die Gott als Person leugnet und ihn der Natur näherbringt) verbreitet sich. Die letzte Periode der Renaissance ist die Ära der Reformation, die diesen größten progressiven Umbruch in der Entwicklung der europäischen Kultur vollendet. Üblicherweise wird die historische Bedeutung der Renaissance mit den Ideen und künstlerischen Errungenschaften des Humanismus in Verbindung gebracht, der im Gegensatz zur mittelalterlichen christlichen Askese die Größe und Würde des Menschen verkündete. Sein Recht auf rationales Handeln, auf Genuss und Glück im irdischen Leben. Humanisten sahen im Menschen die schönste und vollkommenste Schöpfung Gottes. Sie erweiterten die Schöpfung und die schöpferischen Fähigkeiten, die Gott innewohnen, auf den Menschen, sahen sein Schicksal in der Erkenntnis und Umgestaltung der Welt, geschmückt mit seiner Arbeit, in der Entwicklung von Wissenschaften und Handwerken. Die Reformation begann in Deutschland und erfasste eine Reihe europäischer Länder. Sie führte zum Abfall von der katholischen Kirche in England, Schottland, Dänemark, Schweden, Norwegen, den Niederlanden, Finnland, der Schweiz, der Tschechischen Republik, Ungarn und teilweise auch in Deutschland. Hierbei handelt es sich um eine breite religiöse und gesellschaftspolitische Bewegung, die zu Beginn des 16. Jahrhunderts in Deutschland begann und auf eine Umgestaltung der christlichen Religion abzielte.Die Renaissance bezieht sich einigen Quellen zufolge auf das XIV.-XVII. Jahrhundert. Anderen zufolge stammen sie aus dem 15. bis 18. Jahrhundert. Es gibt auch den Standpunkt, die Renaissance nicht als Epoche herauszuheben, sondern sie als Spätmittelalter zu betrachten. Dies ist die Zeit der Krise des Feudalismus und der Entwicklung der bürgerlichen Verhältnisse in Wirtschaft und Ideologie. Der Begriff Renaissance (Renaissance) wurde eingeführt, um zu zeigen, dass in dieser Zeit die besten Werte und Ideale der Antike, die von den Barbaren zerstört wurden (Architektur, Bildhauerei, Malerei, Philosophie, Literatur), wiederbelebt wurden, aber dieser Begriff wurde interpretiert sehr bedingt, weil. Man kann nicht die ganze Vergangenheit wiederherstellen. Dies ist keine Wiederbelebung der Vergangenheit in ihrer reinen Form – es ist die Schaffung einer neuen, die viele der spirituellen und materiellen Werte der Antike nutzt. Darüber hinaus war es unmöglich, die Werte der neun Jahrhunderte des Mittelalters, insbesondere die mit dem Christentum verbundenen spirituellen Werte, durchzustreichen. Die Renaissance ist eine Synthese antiker und mittelalterlicher Traditionen, jedoch auf einem höheren Niveau. In jeder Phase dieser Ära war eine bestimmte Richtung vorherrschend. Wenn es zunächst „Prometheismus“ war, d.h. eine Ideologie, die die Gleichheit aller Menschen von Natur aus sowie die Anerkennung von Privatinteressen und Individualismus voraussetzt. Darüber hinaus tauchen neue Gesellschaftstheorien auf, die den Zeitgeist widerspiegeln, wobei die Theorie des Humanismus die führende Rolle einnimmt. Der Renaissance-Humanismus konzentriert sich auf Freigeist und damit auf eine gerechte Gestaltung des öffentlichen und staatlichen Lebens, die meist auf demokratischer Grundlage im Rahmen eines republikanischen Systems erreicht werden soll. Auch die Ansichten über Religion unterliegen einem Wandel. Die Naturphilosophie wird wieder populär und der „Panthemismus“ (eine Lehre, die Gott als Person leugnet und ihn der Natur näherbringt) verbreitet sich. Die letzte Periode der Renaissance ist die Reformation, die diese größte fortschrittliche Revolution in der Entwicklung Europas vollendet Kultur. Üblicherweise wird die historische Bedeutung der Renaissance mit den Ideen und künstlerischen Errungenschaften des Humanismus in Verbindung gebracht, der im Gegensatz zur mittelalterlichen christlichen Askese die Größe und Würde des Menschen verkündete. Sein Recht auf rationales Handeln, auf Genuss und Glück im irdischen Leben. Humanisten sahen im Menschen die schönste und vollkommenste Schöpfung Gottes. Sie erweiterten die Schöpfung und die schöpferischen Fähigkeiten, die Gott innewohnen, auf den Menschen, sahen sein Schicksal in der Erkenntnis und Umgestaltung der Welt, geschmückt mit seiner Arbeit, in der Entwicklung von Wissenschaften und Handwerken. Die Reformation begann in Deutschland und erfasste eine Reihe europäischer Länder. Sie führte zum Abfall von der katholischen Kirche in England, Schottland, Dänemark, Schweden, Norwegen, den Niederlanden, Finnland, der Schweiz, der Tschechischen Republik, Ungarn und teilweise auch in Deutschland. Hierbei handelt es sich um eine breite religiöse und gesellschaftspolitische Bewegung, die zu Beginn des 16. Jahrhunderts in Deutschland begann und auf eine Umgestaltung der christlichen Religion abzielte.
Kontrollarbeit in der Disziplin: „Kulturologie“
zum Thema: „Kultur der Renaissance (Renaissance)“
Vollendet:
Student
Sankt Petersburg 2008
Einführung
1. Kultur der Renaissance
2. Die Kunst der Renaissance
3. Poesie der Renaissance
4. Theater der Renaissance
Abschluss
Einführung
Die Renaissance ist eine sehr wichtige Etappe in der Entwicklung der europäischen Kultur. Chronologisch enthalten in mittelalterliche Geschichte Europäische Nationen die in den Tiefen der feudalen Kultur entstand, eröffnet die Renaissance ein grundlegend Neues Kulturzeitalter, was den Beginn des Kampfes der Bourgeoisie um die Vorherrschaft in der Gesellschaft markiert.
In diesem frühen Entwicklungsstadium war die bürgerliche Ideologie eine fortschrittliche Ideologie und spiegelte die Interessen nicht nur des Bürgertums selbst, sondern auch aller anderen Klassen und Stände wider, die der veralteten feudalen Beziehungsstruktur untergeordnet waren.
Die Renaissance ist eine Zeit der grassierenden Inquisition, einer Spaltung der katholischen Kirche, brutaler Kriege und Volksaufstände, die vor dem Hintergrund der Herausbildung des bürgerlichen Individualismus stattfanden.
Die Kultur der Renaissance entstand in der zweiten Hälfte des 14. Jahrhunderts. Und es entwickelte sich im Laufe des 15. und 16. Jahrhunderts weiter und erfasste nach und nach alle Länder Europas. Die Entstehung der Renaissancekultur wurde durch eine Reihe gesamteuropäischer und lokaler historischer Bedingungen vorbereitet.
Im XIV.-XV. Jahrhundert. Frühkapitalistische Waren-Geld-Beziehungen waren geboren. Italien war eines der ersten Länder, das diesen Weg eingeschlagen hat, der weitgehend erleichtert wurde durch: einen hohen Urbanisierungsgrad, die Unterordnung des Landes unter die Stadt, das breite Spektrum der handwerklichen Produktion, Finanzangelegenheiten, die nicht nur auf das Inland ausgerichtet waren, sondern auch auf den Auslandsmarkt.
Die Bildung einer neuen Kultur wurde auch durch das öffentliche Bewusstsein, durch Stimmungsschwankungen in verschiedenen sozialen Schichten des frühen Bürgertums vorbereitet. Die Askese der kirchlichen Moral im Zeitalter des aktiven Handels-, Industrie- und Finanzunternehmertums stand in ernsthaftem Widerspruch zur realen Lebenspraxis dieser sozialen Schichten mit ihrem Verlangen nach weltlichen Gütern, ihrem Horten und ihrer Gier nach Reichtum. In der Psychologie der Kaufleute und der Handwerkselite sind die Merkmale von Rationalismus, Besonnenheit, Mut bei geschäftlichen Unternehmungen, Bewusstsein für persönliche Fähigkeiten und vielfältige Möglichkeiten deutlich zu erkennen. Es gab eine Moral, die „ehrliche Bereicherung“ rechtfertigte, die Freuden des weltlichen Lebens, deren Erfolgskrone das Ansehen der Familie, der Respekt vor den Mitbürgern und der Ruhm im Andenken der Nachkommen waren.
Der Begriff „Renaissance“ (Renaissance) tauchte im 16. Jahrhundert auf. Der Begriff „Renaissance“ meinte ursprünglich nicht so sehr den Namen der gesamten Epoche, sondern den Moment der Entstehung einer neuen Kunst, der meist zeitlich auf den Beginn des 16. Jahrhunderts fiel. Erst später erhielt der Begriff eine umfassendere Bedeutung und begann, die Ära zu bezeichnen, in der sich in Italien und dann in anderen Ländern eine dem Feudalismus entgegengesetzte Kultur bildete und blühte. Engels beschrieb die Renaissance als „den größten fortschreitenden Umbruch von allem, was die Menschheit bis dahin erlebt hat“.
1. Kultur der Renaissance
Das 13. bis 16. Jahrhundert war eine Zeit großer Veränderungen im wirtschaftlichen, politischen und kulturellen Leben der europäischen Länder. Das schnelle Wachstum der Städte und die Entwicklung des Handwerks und später die Entstehung der Manufakturproduktion, der Aufstieg des Welthandels, der immer entlegenere Gebiete in seinem Umkreis umfasste, die allmähliche Erschließung der Haupthandelsrouten vom Mittelmeer nach Norden, die nach dem Fall von Byzanz und den großen geographischen Entdeckungen des späten 15. und frühen 16. Jahrhunderts endete, veränderte das Gesicht des mittelalterlichen Europas. Fast überall rücken Städte in den Vordergrund. Einst befanden sich die mächtigsten Kräfte der mittelalterlichen Welt – das Imperium und das Papsttum – in einer tiefen Krise. Im 16. Jahrhundert wurde das verfallende Heilige Römische Reich Deutscher Nation zum Schauplatz der ersten beiden antifeudalen Revolutionen – des Großen Bauernkrieges in Deutschland und des Niederländischen Aufstands. Der Übergangscharakter der Epoche, der in allen Lebensbereichen stattfindende Prozess der Befreiung von mittelalterlichen Fesseln und gleichzeitig die immer noch unterentwickelte Entwicklung der aufkommenden kapitalistischen Beziehungen konnten die Merkmale der künstlerischen Kultur und des ästhetischen Denkens dieser Zeit nur beeinträchtigen .
Alle Veränderungen im gesellschaftlichen Leben gingen mit einer umfassenden Erneuerung der Kultur einher – dem Aufblühen der Natur- und exakten Wissenschaften, der Literatur in den Landessprachen und insbesondere der bildenden Künste. Diese Erneuerung hatte ihren Ursprung in den Städten Italiens und erfasste dann auch andere europäische Länder. Das Aufkommen des Buchdrucks eröffnete beispiellose Möglichkeiten für die Verbreitung literarischer und wissenschaftliche Arbeiten und eine regelmäßigere und engere Kommunikation zwischen den Ländern trugen zur weiten Verbreitung neuer künstlerischer Bewegungen bei.
Dies bedeutet nicht, dass das Mittelalter vor neuen Trends zurücktrat: Traditionelle Ideen blieben im Massenbewusstsein erhalten. Die Kirche widersetzte sich neuen Ideen und nutzte dabei ein mittelalterliches Mittel – die Inquisition. Idee der Freiheit menschliche Persönlichkeit existierte weiterhin in einer in Klassen geteilten Gesellschaft. Die feudale Form der Abhängigkeit der Bauern verschwand nicht vollständig, und in einigen Ländern (Deutschland, Mitteleuropa) kam es zu einer Rückkehr zur Leibeigenschaft. Das Feudalsystem zeigte eine große Vitalität. Jedes europäische Land hat es auf seine eigene Art und Weise und in seinem eigenen chronologischen Rahmen gelebt. Kapitalismus lange Zeit existierte als Lebensform und deckte nur einen Teil der Produktion sowohl in der Stadt als auch auf dem Land ab. Die patriarchalische mittelalterliche Langsamkeit begann jedoch der Vergangenheit anzugehören.
Die großen geographischen Entdeckungen spielten bei diesem Durchbruch eine große Rolle. 1456 erreichten portugiesische Schiffe Kap Verde, und 1486 umrundete die Expedition von B. Diaz den afrikanischen Kontinent von Süden her und passierte das Kap der Guten Hoffnung. Die Portugiesen eroberten die Küste Afrikas und schickten gleichzeitig Schiffe auf das offene Meer, nach Westen und Südwesten. Dadurch tauchten bisher unbekannte Azoren- und Madeira-Inseln auf den Karten auf. Im Jahr 1492 ereignete sich ein großes Ereignis: H. Kolumbus, ein Italiener, der nach Spanien zog, überquerte den Atlantik auf der Suche nach einem Weg nach Indien, landete in der Nähe der Bahamas und entdeckte einen neuen Kontinent – Amerika. Im Jahr 1498 brachte der spanische Reisende Vasco da Gama, der Afrika umrundete, seine Schiffe erfolgreich an die Küste Indiens. Aus dem 16. Jahrhundert Die Europäer dringen in China und Japan vor, von denen sie bisher nur eine vage Vorstellung hatten. Ab 1510 beginnt die Eroberung Amerikas. Im 17. Jahrhundert Australien wurde entdeckt. Die Vorstellung von der Form der Erde hat sich verändert: Die Weltreise des Portugiesen F. Magellan (1519-1522) bestätigte die Vermutung, dass sie die Form einer Kugel hat.
2. Die Kunst der Renaissance
Die Kunst der Antike ist eine der Grundlagen der künstlerischen Kultur der Renaissance. Vertreter der Renaissance finden in der antiken Kultur etwas, das ihren eigenen Ansprüchen entspricht – Bekenntnis zur Realität, Fröhlichkeit, Bewunderung für die Schönheit. irdische Welt vor der Größe der Heldentat. Gleichzeitig trägt die Kunst der Renaissance, die unter verschiedenen historischen Bedingungen Gestalt angenommen hat und die Traditionen des romanischen und gotischen Stils aufnimmt, den Stempel ihrer Zeit. Im Vergleich zur Kunst der klassischen Antike wird die geistige Welt des Menschen immer komplexer und vielfältiger.
Zu dieser Zeit beginnt sich die italienische Gesellschaft aktiv für die Kultur des antiken Griechenlands und Roms zu interessieren, Manuskripte antiker Schriftsteller werden gesucht, so wurden die Schriften von Cicero und Titus Livius gefunden.
Die Figuren der Renaissance zeichneten das Ideal der menschlichen Persönlichkeit und betonten deren Freundlichkeit, Stärke, Heldentum und die Fähigkeit, eine neue Welt um sich herum zu erschaffen und zu erschaffen. Die hohe Idee eines Menschen war untrennbar mit der Idee seines freien Willens verbunden: Der Mensch wählt seinen eigenen Lebensweg und ist für sein eigenes Schicksal verantwortlich. Der Wert eines Menschen begann, durch seine persönlichen Verdienste und nicht durch seine Stellung in der Gesellschaft bestimmt zu werden: „Adel, wie eine Art Glanz, der von der Tugend ausgeht und seine Besitzer erleuchtet, egal welcher Herkunft sie sind.“ (Aus dem Buch des Adels von Poggio Bracciolini, italienischer Humanist des 15. Jahrhunderts).
Die Renaissance ist eine Zeit großer Entdeckungen, großer Meister und ihrer herausragenden Werke. Es ist gekennzeichnet durch das Erscheinen einer ganzen Galaxie von Künstler-Wissenschaftlern, unter denen Leonardo da Vinci an erster Stelle steht. Es war die Zeit des Titanismus, der sich sowohl in der Kunst als auch im Leben manifestierte. Es genügt, sich an die heroischen Bilder zu erinnern, die Michelangelo und ihr Schöpfer (Dichter, Künstler, Bildhauer) geschaffen haben. Menschen wie Michelangelo oder Leonardo da Vinci waren echte Vorbilder dafür grenzenlose Möglichkeiten Person.
Die bildende Kunst der Renaissance erreicht eine beispiellose Blüte. Dies ist auf den wirtschaftlichen Aufschwung zurückzuführen, der in den Köpfen der Menschen, die sich dem Kult des irdischen Lebens und der Schönheit zugewandt haben, einen enormen Wandel vollzogen hat. In der Renaissance wurde das objektive Bild der Welt durch die Augen des Menschen gesehen, daher war eines der wichtigsten Probleme der Künstler das Raumproblem.
Künstler begannen, die Welt anders zu sehen: Flache, als ob unkörperliche Bilder mittelalterlicher Kunst einem dreidimensionalen, erhabenen, konvexen Raum Platz machten. Rafael Santi (1483-1520), Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo Buonarroti (1475-1564) besungen mit ihrer Kreativität die perfekte Persönlichkeit, in der körperliche und geistige Schönheit gemäß den Anforderungen der antiken Ästhetik verschmelzen. Künstler der Renaissance stützen sich auf die Prinzipien der Nachahmung der Natur, nutzen die Perspektive und die Regel des „Goldenen Schnitts“ in der Konstruktion menschlicher Körper. Leonardo da Vinci bezeichnet die Malerei als „die größte aller Wissenschaften“. Das Prinzip der „Konformität mit der Natur“, der Wunsch, das abgebildete Objekt möglichst genau wiederzugeben, sowie das dieser Zeit innewohnende Interesse an Individualität verleihen den Werken der Renaissance-Meister einen subtilen Psychologismus.
Künstlerwerke werden zu Signaturen, d.h. vom Autor unterstrichen. Es erscheinen immer mehr Selbstporträts. Ein zweifelsfreies Zeichen eines neuen Selbstbewusstseins ist die Tatsache, dass Künstler zunehmend direkte Aufträge meiden und sich der Arbeit aus einem inneren Antrieb hingeben. Bis zum Ende des 14. Jahrhunderts veränderte sich auch die äußere Stellung des Künstlers in der Gesellschaft deutlich. Künstler beginnen, alle möglichen öffentlichen Anerkennungen, Positionen, Ehren- und Geldpfründe zu erhalten. Und Michelangelo zum Beispiel wird so hoch erhoben, dass er, ohne Angst davor zu haben, die gekrönten Träger zu beleidigen, die ihm angebotenen hohen Ehren ablehnt. Ihm genügt der Titel „göttlich“. Er besteht darauf, dass in Briefen an ihn alle Titel weggelassen werden und sie einfach „Michelangelo Buonarotti“ schreiben. Das Genie hat einen Namen. Der Titel ist für ihn eine Belastung, weil er mit unausweichlichen Umständen und damit zumindest einem teilweisen Verlust eben dieser Freiheit von allem verbunden ist, was seine Kreativität behindert. Aber die logische Grenze, an die sich der Künstler der Renaissance bewegte, war der Erwerb völliger persönlicher Unabhängigkeit, natürlich in erster Linie schöpferische Freiheit voraussetzend.
Wenn Michelangelo als der brillanteste Renaissance-Künstler bezeichnet werden kann, dann ist Leonardo die größte Idee des Renaissance-Künstlers. Michelangelo materialisierte den Geist und Leonardo vergeistigte die Natur. Wenn man sich Leonardo und Michelangelo als zwei Pole der Renaissance vorstellen kann, dann kann man Raffael als deren Mitte bezeichnen. Es war sein Werk, das alle Prinzipien der Renaissance am besten zum Ausdruck brachte, es passte in die Renaissance. Die Kunst Raffaels ist für alle Zeiten zum Symbol der Harmonie geworden und verkörpert sie in sich.
In der Kunst der Renaissance wurde der Mensch zu einem realen und eigenständigen Wert. In der Architektur äußert sich dies nicht nur in der Humanisierung der Proportionen von Gebäuden, sondern auch in der Gestaltung von Bodenideen. In der Architektur spielte der Rückgriff auf die klassische Tradition eine besonders wichtige Rolle. Es manifestierte sich nicht nur in der Ablehnung gotischer Formen und der Wiederbelebung des antiken Ordnungssystems, sondern auch in der klassischen Proportionalität, in der Entwicklung eines zentrischen Gebäudetyps in der Tempelarchitektur mit gut sichtbarem Innenraum. Vor allem im Bereich der Zivilarchitektur ist viel Neues entstanden. In der Renaissance erhalten mehrstöckige Stadtgebäude (Rathäuser, Häuser von Kaufmannszünften, Universitäten, Lagerhäuser, Märkte usw.) ein eleganteres Aussehen, es entsteht eine Art Stadtpalast (Palazzo) – die Wohnung eines wohlhabenden Bürgers, sowie eine Art Landvilla. Probleme im Zusammenhang mit der Stadtplanung werden auf neue Weise gelöst, urbane Zentren werden umgebaut. Die Haltung gegenüber Architektur als Ausdruck individuellen Könnens wird geformt.
In der Musik geht die Entwicklung der vokalen und instrumentalen Polyphonie weiter. Besonders hervorzuheben ist die im 15. Jahrhundert entstandene niederländische polyphone Schule, die zwei Jahrhunderte lang bis zum Aufkommen der Oper (Komponisten J. Despres, O. Lasso) eine bedeutende Rolle in der professionellen europäischen Musik spielte. In der weltlichen Musik tauchen neue Genres auf: Frottole – ein Lied volkstümlichen Ursprungs in Italien; Villanisco – ein Lied zu jedem Thema, von lyrisch und pastoral bis hin zu historisch und moralisierend – in Spanien; Madrigal – eine Art Liedtext, der in der Muttersprache vorgetragen wird. Gleichzeitig rechtfertigen einige Musiker die Vorteile der monadischen Musik gegenüber der Leidenschaft für Polyphonie. Es treten Genres auf, die zur Etablierung der Homophonie (Monophonie) beitragen – Sololied, Kantate, Oratorium. Auch die Musiktheorie entwickelt sich.
3. Poesie der Renaissance
F. Engels bezeichnete die Renaissance als einen großen historischen Umbruch und betonte im Vorwort zu „Die Dialektik der Natur“, dass während dieses Umbruchs in Europa Nationen entstanden, Nationalliteraturen geboren und geschmiedet wurden neuer Typ Person. Diese Ära „brauchte Titanen“ – und „brachte Titanen hervor, die an Denkstärke, Leidenschaft und Charakter, aber auch an Vielseitigkeit und Gelehrsamkeit mangelten“.
Es ist schwierig, eine bedeutende Kulturfigur der Renaissance zu finden, die keine Gedichte schreiben würde. Talentierte Dichter waren Raffael, Michelangelo und Leonardo da Vinci; Gedichte wurden von Giordano Bruno, Thomas Morus, Ulrich von Hutten und Erasmus von Rotterdam geschrieben. Die Kunst, Gedichte zu schreiben, wurde von Ronsard den Fürsten von Frankreich beigebracht. Gedichte wurden von Päpsten und italienischen Fürsten verfasst. Sogar die extravagante Abenteurerin Maria Stuart ließ anmutige poetische Zeilen fallen und verabschiedete sich von Frankreich, wo ihre fröhliche Jugend verging. Lyriker waren bedeutende Prosaautoren und Dramatiker. Offensichtlich hatte der große Umbruch seinen eigenen Rhythmus, der von talentierten Menschen deutlich eingefangen wurde, und deren Pulsschlag. Im sichtbaren Chaos historische Ereignisse die über Europa hereinbrach - in Kriegen, Aufständen, großen Feldzügen in ferne Länder, in immer neuen Entdeckungen -, diese "Musik der Sphären" erklang, diese Stimme der Geschichte, die in revolutionären Epochen für Menschen, die sie hören können, immer verständlich ist . Diese neuen Lebensrhythmen erklangen mit großer Kraft in der neu entstandenen Poesie Europäische Sprachen, die in vielen Fällen gerade im Zusammenhang mit der Tätigkeit von Dichtern Tauschgesetze erlangten.
wichtig und gemeinsamer Moment Für die gesamte europäische Poesie der Renaissance bestand darin, dass sie sich von der Gesangskunst und bald auch von der musikalischen Begleitung löste, ohne die die Volkslyrik des Mittelalters sowie die Kunst der ritterlichen Dichter – Troubadoure und Minnesänger – undenkbar waren. Auf Kosten der Bemühungen mutiger Reformatoren wurde die Poesie zu einem Bereich rein individueller Kreativität, in dem eine neue Persönlichkeit, geboren in den Stürmen der Renaissance, ihre Beziehung zu anderen Menschen, zur Gesellschaft, zur Natur offenbarte. Sammlungen italienischer Dichter des XIV.-XV. Jahrhunderts werden immer noch auf die alte Art „Liederbücher“ – „Canzoniere“ genannt, aber es werden bereits Gedichte gedruckt, um sie laut zu sagen oder sich selbst vorzulesen, um einer wachsenden Zahl von Gedichten zu dienen Liebende, die vor einem Gedichtband die ganze Welt vergessen haben, wie junge Helden“ Göttliche Komödie» Paolo und Francesca.
Die Poesie der Neuzeit trug jedoch dazu bei, die Verbindung zum Lied, insbesondere zum Volkslied, völlig zu lösen. Darüber hinaus fegte gerade in der Zeit der Frührenaissance eine gewaltige Welle der Volksdichtung, vor allem der Lieddichtung, durch alle Länder Europas. Man kann sagen, dass die damalige Blüte der Lyrik genau mit der Poesie der Volksmassen begann – Bauern und Städter, die überall in Europa spürten, wie ihre Stärke zunahm, wie sie Einfluss auf das Leben der Gesellschaft hatten. Die Renaissance war die Ära großer Volksbewegungen, die die Grundlagen des Mittelalters untergruben und den Beginn einer neuen Zeit ankündigten.
Die tiefen Verbindungen zwischen Volksaufstand und Kritik an der feudalen Ideologie werden in The Vision of Peter the Plowman offenbart, einem Gedicht aus den 1470er Jahren, das dem obskuren Verlierer William Langland zugeschrieben wird und voller Anklänge an Folklore ist. Der Träger der moralischen Wahrheit ist hier ein Arbeiter, ein Pflüger. Offensichtlich entstand im 14. Jahrhundert die Handlung des Hauptgerüsts der Balladen über den Rebellen und Volksbeschützer Robin Hood, die zu einer beliebten Volkslektüre wurde, sobald in England die Druckmaschinen zu arbeiten begannen.
Das ursprüngliche Revier der Ballade, wo sie als lebendiges poetisches Genre noch immer existiert, sind die zahlreichen Archipele des Nordatlantiks mit ihrer gemischten Bevölkerung überwiegend dänischer Herkunft geworden. Die dänische Renaissance-Ballade, von der Beispiele in diesem Band enthalten sind, ist zu einem klassischen Genre der nordeuropäischen Volksdichtung geworden.
Seit der Mitte des 15. Jahrhunderts werfen Druckmaschinen viele Veröffentlichungen weg, die für ein breites Spektrum von Lesern bestimmt sind, Beispiele volkstümlicher Poesie – Lieder, Romanzen, Rätsel sowie „Volksbücher“ (darunter ein Buch über Til Ulenspiegel und ein Buch über Dr. Faust). Sie werden von humanistischen Schriftstellern verarbeitet und genutzt, auch von solchen, die weit von der Bewegung der Massen entfernt sind, aber ein Verlangen nach populären Quellen verspüren. Schauen wir uns die Stücke von Shakespeare, seinen Zeitgenossen und Vorgängern an. Wie viele Volksballaden werden wir im Herzen ihrer Entwürfe finden; in Desdemonas Lied über die Weide, in Ophelias Lied über den Valentinstag, in der Atmosphäre des Ardennenwaldes („Viel Lärm um nichts“), in dem Jacques umherwandert, der so an einen anderen Wald erinnert – Sherwood, die Höhle des Schützen Robin Hood und sein fröhliches Grün Brüder. Doch bevor diese Motive in die Tintenfässer der Schriftsteller gelangten, liefen sie über die Plätze englischer Städte, auf Jahrmärkten und in Straßenkneipen, wurden von umherziehenden Sängern vorgetragen und erschreckten die gläubigen Puritaner.
Der damalige Dichter hatte eine andere Inspirationsquelle: die klassische Antike. Leidenschaftliche Liebe zum Wissen trieb den Dichter auf weite Reisen zu anatomischen Theatern, in Schmieden und Laboratorien, aber auch in Bibliotheken. Bis ins 15. Jahrhundert kannte der gebildete Europäer einige Werke der lateinischen Literatur, die aus dieser Zeit erhalten geblieben waren antikes Rom, wiederum, lernte viel von der Kultur des antiken Griechenlands. Doch die griechische Kultur selbst erlangte später große Bekanntheit, insbesondere nach dem 15. Jahrhundert, als Byzanz, die letzte Säule der mittelalterlichen griechischen Zivilisation im Nahen Osten, im Kampf gegen die Türken zusammenbrach. Tausende griechische Flüchtlinge, die aus den von den Türken eroberten Ländern in die christlichen Länder Europas strömten, trugen die Kenntnisse ihrer Muttersprache und Kunst mit sich, viele wurden Übersetzer an europäischen Höfen und Lehrer griechisch an europäischen Universitäten, als Berater bei großen Druckereien, die die antiken Klassiker im Original und in Übersetzungen veröffentlichten.
Die Antike wurde sozusagen zur zweiten Welt, in der die Dichter der Renaissance lebten. Sie ahnten selten, dass die Kultur der Antike auf dem Schweiß und Blut von Sklaven aufgebaut war; Sie stellten sich die Menschen der Antike als Analogie zu den Menschen ihrer Zeit vor und stellten sie so dar. Ein Beispiel hierfür ist der rebellische Mob in Shakespeares Tragödien, „alte“ Bauern und Handwerker auf den Leinwänden von Renaissance-Künstlern oder Hirten und Hirtinnen in ihren Gedichten und Gedichten.
Nach und nach zeichneten sich im Strom der literarischen Entwicklung dieser Zeit zwei Tendenzen ab: Die eine ließ sich im Kampf um die Bildung einer neuen Nationalliteratur von alten Vorbildern leiten, bevorzugte ihre Erfahrungen mit Volkstraditionen und lehrte junge Menschen, „nach“ zu schreiben Horaz“ oder „nach Aristoteles“. Manchmal verzichteten diese „gelehrten“ Dichter in ihrem Wunsch, antiken Vorbildern näher zu kommen, sogar auf Reime, was eine unbestreitbare Errungenschaft der europäischen mittelalterlichen Poesie darstellte. Vertreter einer anderen Richtung – darunter Shakespeare und Lone de Vega –, die die antike Literatur sehr schätzten und für ihre Werke oft Handlungsstränge und Bilder aus ihren Schätzen entnahmen, verteidigten dennoch für den Schriftsteller nicht nur das Recht, sondern vor allem auch die Pflicht dazu Studieren und reproduzieren Sie das lebendige Leben in Poesie. Darüber spricht Hamlet mit Schauspielern, in Bezug auf Bühnenfähigkeiten wiederholt Lone de Vega dasselbe in seiner Abhandlung „Über die neue Kunst, Komödien zu schreiben“. Es ist Lipe, der die Idee der Notwendigkeit, mit der Volkstradition in der Kunst zu rechnen, direkt zum Ausdruck bringt. Aber Shakespeare, der in seinen Sonetten über einen bestimmten Schriftstellerkollegen spricht, der seinen dichterischen Ruhm in Frage stellte, stellt seiner „gelehrten“, „geschmückten“ Art seinen eigenen „einfachen“ und „bescheidenen“ Stil gegenüber. Beide Strömungen als Ganzes bildeten einen einzigen Strom humanistischer Poesie, und obwohl es aufgrund unterschiedlicher sozialer Ursachen in verschiedenen Ländern interne Widersprüche gab, stellten sich die humanistischen Dichter den Schriftstellern ihrer Zeit entgegen, die versuchten, die alte, überholte feudale Welt zu verteidigen ästhetische Normen und alte poetische Techniken.
Das fünfzehnte Jahrhundert brachte viele neue Dinge in die italienische Poesie. Zu dieser Zeit begannen Patrizierfamilien allmählich die Macht in den Städten zu übernehmen, die sich von Handelsstaaten-Kommunen in Herzogtümer und Fürstentümer verwandelten. Die Söhne der Florentiner Reichen, zum Beispiel des berühmten Bankhauses der Medici, prahlten mit humanistischer Bildung, förderten die Künste und waren ihnen selbst nicht fremd. Humanistische Dichter schrieben lateinische Verse für gebildete Leser. Unter der Feder von Talenten wie Angelo Poliziano wurde der Kult der tapferen Ritter und schönen Damen für die Bedürfnisse des Stadtadels wiederbelebt. Die Stadtgemeinde, die ihre Rechte gegen den starken Einfluss des Medici-Hauses verteidigte, reagierte auf die Entstehung einer neuen aristokratischen Kultur mit der raschen Entwicklung volkstümlicher satirischer und alltäglicher Lieder; Pulci spottete über die romantische Leidenschaft für die feudale Vergangenheit im Heldengedicht „Big Morgant“. Doch in Florenz und insbesondere in Ferrara, der Hauptstadt-Festung der Herzöge d'Este, wurde das Liebes-Abenteuer-Rittergedicht in einer aktualisierten Fassung wiederbelebt. Graf Matteo Boiardo und später, bereits im 16. Jahrhundert, die Der Ferrara-Dichter Ludovico Ariosto erzählt in eleganten Oktaven von den unerhörten Heldentaten und Abenteuern des Ritters Roland (Orlando), der sich von einem strengen Helden eines mittelalterlichen Epos in einen leidenschaftlichen Liebhaber verwandelte, der vor Eifersucht verstört war. Er bezieht sich auf die Fantasie verschiedener Jahrhunderte und Völker schuf Ariosto ein Werk, in dem Don Quijote viel vorwegnimmt.
Der jüngste Beitrag zur europäischen Poesie der Renaissance gehört den Dichtern der Iberischen Halbinsel; entscheidende Wende hin zu einer neuen Weltanschauung und neue Kultur kam es hier erst um die Wende vom 15. zum 16. Jahrhundert, wofür es Gründe gab. Erstens die langwierige Reconquista, die den Einsatz aller Kräfte der uneinigen und oft feindseligen Brudervölker auf der Halbinsel erforderte. Die historische Entwicklung Spaniens verlief auf besondere Weise. Die königliche Macht hatte in den spanischen Städten keinen festen Stand, und obwohl sie wiederum die widerspenstige Aristokratie und die städtischen Kommunen brach, gab es keine wirkliche staatliche und nationale Vereinigung: Die spanischen Könige regierten und verließen sich nur auf die Macht der Waffen und der Kirche Inquisition. Die Entdeckung Amerikas am Ende des 15. Jahrhunderts und die kurzzeitige Eroberung seiner riesigen Gebiete mit Gold- und Silberminen führten zu einer beispiellosen Bereicherung Spaniens und dann zu einem Verfall des Goldpreises und einer katastrophalen Verarmung des Landes Land, in dem das Streben nach leichtem Geld die Sorge um die Entwicklung des Handwerks und des Ackerbaus ersetzte. Der spanische Staat begann seine politische Macht zu verlieren, Ende des 16. Jahrhunderts fielen die Niederlande von ihm ab, 1588 wurde die Unbesiegbare Armada, die spanische Flotte, die zur Eroberung Englands entsandt wurde, besiegt. Es gab eine Reaktion. Scharen von Bettlern und Vagabunden zogen sich über die sonnenverbrannten Felder und Straßen des Landes, das, nachdem es zum Königreich der Abenteurer und Plünderer geworden war, größtenteils ein feudales Land blieb.
Und doch blühte in Spanien eine brillante Renaissancekultur auf. Bereits die Literatur des Spätmittelalters war hier reich und vielfältig. Aragonesische, kastilische und andalusische Traditionen verschmolzen zu etwas Neuem und nahmen die Einflüsse Galiziens mit seiner Troubadourschule sowie Kataloniens und insbesondere Portugals auf, das bereits im 15. Jahrhundert begann, um neue Seewege zu kämpfen und Spanien auf dem Gebiet der kulturelle Entwicklung. Die engen kulturellen Beziehungen zu Spanien wurden durch ein halbes Jahrhundert (1580–1640) der Unterwerfung Portugals unter die spanische Krone gestärkt. Von großer Bedeutung für die Literaturen der Iberischen Halbinsel war ihre jahrhundertealte Nähe zu den Literaturen der arabischen Welt. Durch diese Nachbarschaft erhielten spanische Dichter viele Motive und Bilder, die sich besonders in den Romanzen des 15.-16. Jahrhunderts bemerkbar machten. Andererseits war Spanien zu dieser Zeit eng mit dem sizilianischen Königreich verbunden, mit Venedig, das in vielen Städten und Häfen Italiens Garnisonen und Flotten unterhielt. Während ihrer Entstehung erfuhr die spanische Renaissancepoesie den stärksten und nachhaltigsten Einfluss der italienischen Poesie. (Gleiches gilt für die Literatur Portugals)
Romantiker in jeder Literatur Westeuropas waren Nachfolger und Schüler der Meister der Renaissance. Ihre vollblütige, humane Kunst diente zahlreichen fortschrittlichen Dichtern des 20. Jahrhunderts als Vorbild. Der Künstler des sozialistischen Realismus, Johannes R. Becher, hielt es für notwendig, in seine Studien zur modernen Literatur „Eine kleine Lehre vom Sonett“ aufzunehmen – eine Studie, die eine sorgfältige Analyse der sechs sprachlichen Aspekte des Sonetts enthält: Französisch, Deutsch, Englisch, Italienisch, Portugiesisch und Spanisch.
Dante, Shakespeare, Lope de Vega, Cervantes, veröffentlicht in vielen Sprachen der Völker der UdSSR, wurden nicht nur unsere Zeitgenossen, sondern auch unsere Mitstreiter. Wie die Gemälde der Renaissance-Künstler gelangten auch die Dramaturgie, Lieder und Gedichte der Renaissance-Dichter in das kulturelle Leben des sowjetischen Volkes.
Einer der Titanen der Renaissance – Giordano Bruno – nannte sein Buch: „Dialog über heroische Begeisterung“. Dieser Name definiert sehr genau die spirituelle Atmosphäre der Renaissance, die in der Poesie des XIV.-XVI. Jahrhunderts festgehalten ist. Diese Poesie offenbarte die Schönheit des Menschen, den Reichtum seines Innenlebens und die unzählige Vielfalt seiner Empfindungen, zeigte die Pracht der irdischen Welt und verkündete das Menschenrecht auf irdisches Glück. Die Literatur der Renaissance erhob die Berufung des Dichters zu der hohen Mission, der Menschheit zu dienen.
4. Theater der Renaissance
Theater ist die Kunst, dramatische Werke auf der Bühne zu präsentieren. Eine solche Definition dieses Konzepts gibt Wörterbuch Ozhegov.
Das Renaissance-Theater ist eines der hellsten und bedeutendsten Phänomene in der Geschichte der gesamten Weltkultur; Es ist eine kraftvolle Quelle europäischer Theaterkunst – für alle Zeiten. Das neue Theater entstand aus dem Bedürfnis heraus, junge Energie in die Tat umzusetzen. Und wenn man sich die Frage stellt, in welchen Bereich der Kunst sich diese Aktion hätte ergießen sollen, ist das ein Meer von Spaß, dann ist die Antwort klar: Natürlich im Bereich des Theaters. Das Karnevalsspiel konnte nicht länger auf seinem früheren Stadium der spontanen Laiendarbietung bleiben und drang in die Gefilde der Kunst ein und wurde zu einer Kreativität, die durch die Erfahrung alter und neuer Literaturen bereichert wurde.
In Italien betraten – zum ersten Mal in Europa – professionelle Schauspieler die Bühne und verblüfften die Welt mit einem hellen, starken Spiel, das direkt vor den Augen des Zuschauers geboren wurde und durch seine Freiheit, Spannung, Brillanz und seinen Witz bezauberte.
So wurde in Italien der Beginn der Theaterkunst der neuen Zeit gelegt. Es geschah in der Mitte des 16. Jahrhunderts.
Das Renaissance-Theater erreichte in England seinen Höhepunkt. Jetzt hat er wirklich alle Bereiche des Lebens in sich aufgenommen, ist in die Tiefen des Seins eingedrungen. Eine gewaltige Schar von Talenten erhob sich wie aus dem Boden. Und das größte Wunder des Jahrhunderts war ein Mann aus Stratford, der nach London kam, um Theaterstücke für das Globe Theatre zu schreiben. Der laute Name des Theaters hatte seine Berechtigung – in Shakespeares Werken öffnete sich wirklich die Welt: Die historischen Entfernungen der Vergangenheit wurden sichtbar, die wichtigsten Wahrheiten des gegenwärtigen Jahrhunderts wurden geklärt und auf wundersame Weise, durch den Schleier der Zeit, die Konturen der Zukunft war sichtbar.
In der majestätischen Ära der Renaissance, in der Ära von Dante, Leonardo und Michelangelo, verkündete eine kleine Flagge, die über dem Globus wehte, eine grandiose Leistung. Das Genie Shakespeares vereinte alles, was bisher im Theater und auf der Bühne erreicht wurde. Nun konnte man in zwei, drei Stunden auf sechs, acht Quadratmetern Welten und Epochen sehen.
Ein wirklich tolles Theater. Das neue Theater wurde in Italien geboren. Diese Geburt kann keinem genau definierten Datum, Namen oder Werk zugeordnet werden. Es gab einen langen, multilateralen Prozess – sowohl an der „Oberseite“ als auch am „Unten“ der Gesellschaft. Ein historisch vollständiges Ergebnis ergab sich erst nach dem Notwendigen Dreifaltigkeit aus Schauspiel, Bühne und großem Publikum.
Über die ersten Experimente der Renaissance-Dramaturgie lässt sich mit Sicherheit sagen, dass sie Schöpfungen der Feder, keineswegs aber der Bühne waren. Aus dem Mutterleib der Literatur entsprang das humanistische Drama, wenn es die Bücherregale verließ, dann nur gelegentlich und ohne große Hoffnung auf Bühnenerfolg. Und unkomplizierte volkstümliche Possen und Improvisationen von Karnevalsmasken zogen Massen von Zuschauern an, obwohl sie nicht einmal ein Zehntel der literarischen Vorzüge geschriebener Stücke besaßen. Auf dem Karneval punktete die Quelle der Commedia dell'arte – dieser wahre Vorläufer des neuen europäischen Theaters. Das muss man sagen Schon in einem frühen Stadium der Entwicklung des neuen Theaters kam es zu einer gegenseitigen Entfremdung von Bühne und Schauspiel. Das Drama erwies sich als frei von den Primitiven der Farce-Bühne, und die Bühne, also die darstellende Kunst, ohne Drama und sich selbst überlassen, erhielt die Möglichkeit, ihre eigenen kreativen Ressourcen intensiv zu entwickeln.
Pomponios gelehrtes Studio war die erste Versammlung von Amateuren, die die Komödien von Plautus spielten. Charaktere, die seit vielen Jahrhunderten in dieser Position sind literarische Helden Er ging erneut über die Bühne (wenn auch wahrscheinlich noch nicht sehr souverän).
Die Nachricht von der Entdeckung des römischen Wissenschaftlers verbreitete sich bald in ganz Italien. Neben anderen Spektakeln an den Höfen wurde es Mode, die Komödien des Plautus zu zeigen. Die Mode war so groß, dass Plautus im Vatikan auf Latein gespielt wurde. Da jedoch nicht jeder Latein verstand, übersetzte der Humanist Batista Guarini Ende der 70er Jahre die Werke von Plautus und Terentius ins Italienische.
Erfolgreiche Entwicklung Die Komödie wurde dadurch bestimmt, dass sich das traditionelle antike Schema – der Kampf eines jungen Mannes um den Besitz seiner von strengen Eltern bewachten Geliebten und die Tricks ausweichender und energischer Diener – als geeignet für lebhafte Skizzen des modernen Lebens erwies .
Während des Karnevals von 1508 im Ferrara-Palast zeigte der Dichter Ludovico Ariosto seine Truhenkomödie.
Und es war, als wären die Schleusentore durchbrochen und hätten den lebensspendenden Strom für lange Zeit zurückgehalten. Im folgenden Jahr erscheint Ariosts zweite Komödie, Die Wechselbälge, und 1513 führt Kardinal Bibbiena in Urbino seine Calandria vor. Im Jahr 1514 schrieb der klügste Niccolo Machiavelli, der ehemalige Sekretär der Florentiner Republik, das beste Stück seiner Zeit: Mandrake.
Italienische Komödie Das 16. Jahrhundert entwickelte einen gewissen Standard für dynamische Handlungen: Hier wiederholten sich ständig die gleichen Situationen mit Ersatzkindern, mit verkleideten Mädchen, den Tricks der Diener, dem komischen Fiasko verliebter alter Menschen.
Italienische Humanisten beschäftigten sich intensiv mit dem Erbe Senecas; dann gerieten die griechischen Tragiker – Sophokles und Euripides – in den Bann ihrer Interessen. Unter dem Einfluss dieser antiken Autoren entstand die italienische Tragödie der Renaissance, deren erstes Beispiel Sofonisba von Giangiorgio Trissino (1515) war.
Trissino war ein großer Kenner des antiken griechischen Theaters. Beim Komponieren seiner eigenen Tragödie ließ er sich von den Werken von Sophokles und Euripides leiten. In „Sofonisba“ wurden alle Bestandteile der antiken Tragödie verwendet – Chor, Mitwisser, Boten, es gab keine Einteilung in Akte, die Gesetze von drei Einheiten und drei Schauspielern wurden eingehalten. Aber in der Tragödie gab es keine Hauptsache – ein bedeutendes soziales Thema, die Dynamik der Leidenschaften, eine ganzheitliche Handlung.
Das moderne Publikum interessierte sich für das tragische Genre entweder aus rein akademischer Sicht oder in der Erwartung, hier Nahrung für „Schocks“ zu finden.
Solche Nahrung gab die italienische Tragödie in Hülle und Fülle.
Die neue Tragödie versuchte, „den Geist“ des Publikums einzufangen. Der Vater tötete die Kinder seiner Tochter, die aus einer geheimen Ehe stammten, und bot ihr ihre Köpfe und Hände auf einer Platte an, die schockierte Tochter tötete ihren Vater und erstach sich selbst („Orbecca“ von G. Cinthio, 1541). Die von ihrem Mann verlassene Frau zwang ihren Rivalen, die von ihm adoptierten Kinder zu töten, woraufhin sie sie tötete und die toten Köpfe ihrem Mann schickte; der Ehemann wiederum enthauptete den Liebhaber seiner Frau. Am Ende vergifteten sich die hartherzigen Eheleute gegenseitig („Dalida“ von L. Groto, 1572).
„Tragödien des Grauens“ verblüffen mit ihren blutigen Szenen, ohne Gedanken zu erwecken, ohne Fragen nach dem Sinn des Lebens und den Pflichten eines Menschen aufzuwerfen.
In einer Zeit, in der die Komödie im Niedergang begriffen war und die Tragödie keinen Einzug in die Hauptstraße der Kunst hielt, war der Gewinner der Sieger Pastoral erschien auf der dramatischen Bühne.
Den deutlichsten Ausdruck fand die pastorale Ausrichtung zunächst in der Poesie – in den Werken von Boccaccio („Ameto“, „Fiesolanische Nymphen“) und in den Texten der Petrarchisten. Aber bald wurde ein Neues geboren dramatisches Genre.
Dominierte in der Tragödie die tödliche Leidenschaft und in der Komödie die sinnliche Anziehung, so herrschte in der Pastoral „reine Liebe“, die außerhalb konkreter Lebenszusammenhänge als eine Art poetisches Ideal auftrat.
Das Theater der englischen Renaissance ist Shakespeare und sein brillantes Gefolge: Marlowe, Greene, Beaumont, Fletcher, Chapman, Nash, Ben Jonson. Aber alle diese Nachnamen gehören zu ihrem Alter und ihrer Nation; Shakespeare, der den Geist seiner Zeit und das Leben seines Volkes am tiefsten zum Ausdruck brachte, gehört allen Zeiten und allen Völkern an.
Shakespeare-Theater - es ist eine Art Synthese der Kultur der Renaissance. Nachdem er das reifste Stadium dieser Kultur identifiziert hatte, sprach Shakespeare mit seiner Zeit und den kommenden Jahrhunderten, als ob er stellvertretend für die gesamte Ära des „größten fortschreitenden Umbruchs“ stünde.
Kreativität von Shakespeare war das Ergebnis der Entwicklung des nationalen englischen Theaters. Gleichzeitig fasste es gewissermaßen die Errungenschaften aller bisherigen Poesie-, Drama- und Bühnenkulturen der Antike und Neuzeit zusammen. Daher kann man in Shakespeares Dramen die epische Tragweite der homerischen Handlung, die titanische Modellierung der Monotragödien der alten Griechen und das stürmische Spiel der Handlungen der römischen Komödie spüren. Shakespeares Theater ist reich an der hohen Lyrik der petrarchistischen Dichter. In den Werken Shakespeares sind die Stimmen moderner Humanisten deutlich hörbar, angefangen bei Erasmus von Rotterdam bis hin zu Montaigne.
Die vertiefte Entwicklung des Erbes – das war die wichtigste Voraussetzung für die Geburt eines neuen und vollkommensten Renaissance-Dramas, des Shakespeare-Dramas.
Abschluss
Die Ideen des Humanismus sind die spirituelle Grundlage für das Aufblühen der Kunst der Renaissance. Die Kunst der Renaissance ist von den Idealen des Humanismus durchdrungen und schuf das Bild eines schönen, harmonisch entwickelten Menschen. Die italienischen Humanisten forderten die Freiheit des Menschen. „Aber Freiheit liegt im Verständnis der italienischen Renaissance“, schrieb A.K. Dzhivelegov, - bedeutete eine separate Person. Der Humanismus hat bewiesen, dass ein Mensch in seinen Gefühlen, in seinen Gedanken, in seinen Überzeugungen keiner Vormundschaft unterliegt, dass es keine Willenskraft über ihn geben sollte, die ihn daran hindert, so zu fühlen und zu denken, wie er möchte. In der modernen Wissenschaft gibt es kein eindeutiges Verständnis der Natur, Struktur und des chronologischen Rahmens des Renaissance-Humanismus. Aber natürlich sollte der Humanismus als der wichtigste ideologische Inhalt der Renaissancekultur betrachtet werden, untrennbar mit dem gesamten Verlauf der historischen Entwicklung Italiens im Zeitalter des Beginns des Zerfalls der feudalen und der Entstehung kapitalistischer Beziehungen. Der Humanismus war eine fortschrittliche ideologische Bewegung, die zur Schaffung eines Kulturmittels beitrug und sich in erster Linie auf das antike Erbe stützte. Der italienische Humanismus durchlief eine Reihe von Phasen: seine Entstehung im 14. Jahrhundert, eine glänzende Blütezeit im nächsten Jahrhundert, innere Umstrukturierungen und allmähliche Niedergänge im 16. Jahrhundert. Die Entwicklung der italienischen Renaissance war eng mit der Entwicklung der Philosophie, der politischen Ideologie, der Wissenschaft und anderen Formen des gesellschaftlichen Bewusstseins verbunden und hatte wiederum einen starken Einfluss auf die künstlerische Kultur der Renaissance.
Auf einer antiken Grundlage wiederbelebt, erwies sich das humanitäre Wissen, einschließlich Ethik, Rhetorik, Philologie und Geschichte, als Hauptbereich in der Entstehung und Entwicklung des Humanismus, dessen ideologischer Kern die Lehre vom Menschen, seinem Platz und seiner Rolle in der Natur war und Gesellschaft. Diese Lehre entwickelte sich hauptsächlich in der Ethik und wurde in verschiedenen Bereichen der Renaissancekultur bereichert. Die humanistische Ethik rückte das Problem des irdischen Schicksals des Menschen in den Vordergrund, das Erreichen des Glücks durch eigene Anstrengungen. Humanisten näherten sich den Fragen der Sozialethik auf eine neue Art und Weise, bei deren Lösung sie sich auf Vorstellungen über die Kraft der schöpferischen Fähigkeiten und des Willens des Menschen, über seine vielfältigen Möglichkeiten, Glück auf der Erde aufzubauen, stützten. Sie betrachteten den Einklang der Interessen des Einzelnen und der Gesellschaft als eine wichtige Voraussetzung für den Erfolg, sie vertraten das Ideal der freien Entfaltung des Einzelnen und der damit untrennbar verbundenen Verbesserung des sozialen Organismus und der politischen Ordnungen. Dies verlieh vielen ethischen Ideen und Lehren der italienischen Humanisten einen ausgeprägten Charakter.
Viele in der humanistischen Ethik entwickelte Probleme erhalten in unserer Zeit, in der die moralischen Reize menschlichen Handelns eine immer wichtigere soziale Funktion erfüllen, eine neue Bedeutung und besondere Relevanz.
Die humanistische Weltanschauung wurde zu einer der größten fortschrittlichen Errungenschaften der Renaissance, die einen starken Einfluss auf die gesamte weitere Entwicklung der europäischen Kultur hatte.
Die Reformation spielte eine wichtige Rolle bei der Entstehung der Weltzivilisation. Ohne ein bestimmtes gesellschaftspolitisches Ideal zu verkünden, ohne eine Umgestaltung der Gesellschaft in die eine oder andere Richtung zu erfordern, ohne wissenschaftliche Entdeckungen oder Errungenschaften auf künstlerischem und ästhetischem Gebiet zu erzielen, veränderte die Reformation das Bewusstsein des Menschen und eröffnete ihm neue spirituelle Horizonte . Der Mensch erhielt die Freiheit, selbständig zu denken, befreite sich von der Vormundschaft der Kirche, erhielt für ihn die höchste Sanktion – eine religiöse Sanktion, die ihm nur sein eigener Verstand und sein Gewissen vorschreiben, wie er leben soll. Die Reformation trug zur Entstehung eines Mannes der bürgerlichen Gesellschaft bei – eines unabhängigen, autonomen Individuums mit moralischer Entscheidungsfreiheit, unabhängig und verantwortungsbewusst in seinen Urteilen und Handlungen.
Liste der verwendeten Literatur
1. L. M. Bragina „Soziale und ethische Ansichten italienischer Humanisten“ (zweite Hälfte des 15. Jahrhunderts) MGU-Verlag, 1983
2. Aus der Kulturgeschichte des Mittelalters und der Renaissance. Verlag „Wissenschaft“, M 1976
3. 5 0 Biografien von Meistern der westeuropäischen Kunst. Verlag „Sowjetischer Künstler“, Leningrad 1965
4. Garay E. Probleme der italienischen Renaissance. - M., 1996.
5. Kunstgeschichte fremder Länder. - M., 1998.
6. Kulturologie. Geschichte der Weltkultur: Lehrbuch für Gymnasien / Ed. Prof. EIN. Markova. - M, 1995.
7. Kulturologie. Theorie und Geschichte der Kultur: Lehrbuch. - M.: Gesellschaft „Wissen“ über Russland, CINO, 1996.
8. Losev L.F. Ästhetik der Renaissance. - M., 1993.
9. Polikarpov V.S. Vorlesungen über Kulturwissenschaften. - M.: „Gardarika“, „Expert Bureau“, 1997.
Kunst der Renaissance
Diplomarbeit
Schüler der 4. Klasse „E“.
Kunstschule Nr. 2
Galaydy Yury
Einleitung ................................................ . .................. 3
1. Italienische Renaissance.................................3
2. Nördliche Renaissance................................................ .5
3. Die Niederlande................................................ ..........9
Abschluss................................................. ............. 13
Details zu den Künstlern:
1.Leonardo da Vinci …………………………………14
2.Rafael Santi…………………………………….19
3. Michelangelo Buonarroti……………………..24
Einführung.
Im Mittelalter kam es in Europa zu rasanten Veränderungen im wirtschaftlichen, sozialen und religiösen Lebensbereich, die zwangsläufig zu Veränderungen in der Kunst führten. In jeder Zeit der Veränderung versucht ein Mensch, die Welt um ihn herum neu zu überdenken. Es findet ein schmerzhafter Prozess der „Neubewertung aller Werte“ statt, um den berühmten Ausdruck von F. Nietzsche zu verwenden.
Diese Suchen manifestieren sich vor allem und am ausdrucksvollsten in der Arbeit von Künstlern, die wie die dünnsten Stimmgabeln mit der unsteten Umwelt in Resonanz treten und in ihre Werke eine Symphonie der Gefühle einweben.
So rückten im Mittelalter Italien, Deutschland, die Niederlande und Frankreich in den Mittelpunkt solcher Veränderungen. Versuchen wir herauszufinden, was in diesen Ländern in dieser von uns entfernten Zeit tatsächlich geschah, welche Gedanken die Denker vergangener Tage beschäftigten, versuchen wir anhand von Kunstwerken, in die Essenz der auftretenden Phänomene dieser Zeit einzutauchen. „Renaissance“ genannt.
1. Italienische Renaissance.
Aufgrund des Übergangscharakters der Renaissance ist es ziemlich schwierig, den chronologischen Rahmen dieser historischen Periode festzulegen. Basierend auf den Zeichen, die später angegeben werden (Humanismus, Anthropozentrismus, Modifikation der christlichen Tradition, Wiederbelebung der Antike), wird die Chronologie wie folgt aussehen: Protorenaissance (Ducento und Trecento - XII-XIII - XIII-XIV Jahrhundert), Frührenaissance (Quattrocento XIV.-XV. Jahrhundert), Hochrenaissance (Cinquecento XV.-XVI. Jahrhundert).
Die italienische Renaissance ist keine gesamtitalienische Bewegung, sondern eine Reihe gleichzeitiger oder abwechselnder Bewegungen in verschiedenen Zentren Italiens. Die Zersplitterung Italiens war hier nicht der letzte Grund. Die vollständigsten Merkmale der Renaissance manifestierten sich in Florenz und Rom. Auch Mailand, Neapel und Venedig erlebten diese Ära, allerdings nicht so intensiv wie Florenz.
Der Begriff „Renaissance“ (Renaissance) wurde vom Denker und Künstler der damaligen Zeit, Giorgio Vasari („Biographie berühmter Maler, Bildhauer und Architekten“), eingeführt. So nannte er die Zeit von 1250 bis 1550. Aus seiner Sicht war es an der Zeit Wiederbelebung der Antike. Für Vasari erscheint die Antike ideal.
In der Zukunft hat sich der Inhalt des Begriffs weiterentwickelt. Die Wiederbelebung bedeutete zunächst die Emanzipation von Wissenschaft und Kunst von der Theologie, eine Abkühlung gegenüber der christlichen Ethik, die Entstehung nationaler Literaturen und den Wunsch des Menschen nach Freiheit von den Beschränkungen der katholischen Kirche. Das heißt, die Renaissance begann im Wesentlichen den Humanismus zu bedeuten.
Warum stand der Mensch in der Kultur und Ästhetik der Renaissance so klar im Mittelpunkt? Aus soziologischer Sicht ist die urbane Kultur zur Ursache der Unabhängigkeit des Menschen, seiner wachsenden Selbstbestätigung geworden. In der Stadt entdeckte man mehr als anderswo die Tugenden eines normalen, gewöhnlichen Lebens.
Dies geschah, weil die Stadtbewohner unabhängigere Menschen waren als die Bauern. Anfangs wurden die Städte von echten Handwerkern bewohnt, weil sie, nachdem sie die bäuerliche Wirtschaft verlassen hatten, nur noch von ihren handwerklichen Fähigkeiten leben wollten. Die Zahl der Stadtbewohner und Unternehmer wurde wieder aufgefüllt. Die realen Umstände zwangen sie, sich nur auf sich selbst zu verlassen, und bildeten eine neue Lebenseinstellung.
Auch die einfache Warenproduktion trug wesentlich zur Ausbildung einer besonderen Mentalität bei. Das Gefühl des Eigentümers, der sein Einkommen sowohl selbst erwirtschaftet als auch darüber verfügt, hat sicherlich auch zur Ausbildung eines besonderen Eigenständigkeitsgeistes der ersten Städtebewohner beigetragen.
Italienische Städte blühten nicht nur aus den genannten Gründen auf, sondern auch aufgrund ihrer aktiven Beteiligung am Transithandel. (Die Rivalität der auf dem Auslandsmarkt konkurrierenden Städte war sogar einer der Gründe für die Zersplitterung Italiens). Im 8. bis 9. Jahrhundert wurde das Mittelmeer erneut zu einem Ort der Konzentration von Handelsrouten. Davon profitierten alle Küstenbewohner, so der französische Historiker F. Braudel. Dies erklärt größtenteils, dass Städte, die nicht über ausreichend verfügten natürliche Ressourcen, blühte. Sie verbanden die Küstenländer miteinander. Eine besondere Rolle bei der Bereicherung der Städte spielten Kreuzzüge.
So hat die urbane Kultur neue Menschen hervorgebracht, ein neues Lebensgefühl geformt und eine Atmosphäre geschaffen, in der großartige Ideen und großartige Werke geboren wurden. Aber ideologisch wurde all dies auf der Eliteebene formalisiert. Die einfachen Bewohner waren weit von der ideologischen Formulierung der Weltanschauung entfernt.
Das neu entstehende Weltbild einer Person brauchte eine ideologische Unterstützung. Die Antike bot eine solche Unterstützung. Natürlich war es kein Zufall, dass sich die Einwohner Italiens an sie wandten, denn diese im Mittelmeer herausragende Halbinsel wurde vor mehr als tausend Jahren von Vertretern der vergangenen antiken (römischen) Zivilisation bewohnt. " Am meisten Anziehungskraft auf die Klassik Die Antike erklärt sich aus nichts anderem als der Notwendigkeit, Unterstützung für die neuen Bedürfnisse des Geistes und neue Lebenswünsche zu finden.- schrieb der russische Historiker N. Kareev zu Beginn des Jahrhunderts.
Die Renaissance ist also ein Appell an die Antike. Aber die gesamte Kultur dieser Zeit beweist einmal mehr, dass die Renaissance in ihrer reinen Form, die Renaissance als solche, nicht existiert. Die Denker der Renaissance sahen in der Antike, was sie wollten. Daher ist es kein Zufall, dass der Neuplatonismus in dieser Zeit eine besondere geistige Entwicklung durchlief. A.F. Losev zeigt in seinem Buch „Ästhetik der Renaissance“ auf brillante Weise die Gründe für die besondere Verbreitung dieses philosophischen Konzepts in der Ära der italienischen Renaissance. Der antike (eigentlich kosmologische) Neuplatonismus konnte die Aufmerksamkeit der Erweckungskünstler nur mit der Idee der Emanation (Entstehung) göttlicher Bedeutung, der Idee der Sättigung der Welt (Kosmos) mit göttlicher Bedeutung und schließlich der Idee auf sich ziehen des Einen als konkretester Lebens- und Seinsentwurf.
Gott kommt dem Menschen näher. Es ist pantheistisch gedacht (Gott verschmilzt mit der Welt, er vergeistigt die Welt). Deshalb zieht die Welt einen Menschen an. Das Verständnis des Menschen für eine Welt voller göttlicher Schönheit wird zu einer der wichtigsten ideologischen Aufgaben der Renaissance.
Charakter Fiktion Renaissance.
Der beste Weg, die in der Welt aufgelöste göttliche Schönheit zu begreifen, wird zu Recht als das Werk menschlicher Gefühle angesehen. Daher besteht ein so großes Interesse an der visuellen Wahrnehmung, weshalb die Raumkunst (Malerei, Bildhauerei, Architektur) aufblüht. Schließlich sind es diese Künste, so die Führer der Renaissance, die es ermöglichen, die göttliche Schönheit genauer einzufangen. Daher hat die Kultur der Renaissance einen ausgeprägten künstlerischen Charakter.
Das Interesse an der Antike wird bei den Erweckungskünstlern mit der Veränderung der christlichen (katholischen) Tradition in Verbindung gebracht. Dank des Einflusses des Neuplatonismus verstärkt sich die pantheistische Tendenz. Dies verleiht der Kultur Italiens des XIV.-XVI. Jahrhunderts Einzigartigkeit und Einzigartigkeit. Die Erweckungskünstler warfen einen neuen Blick auf sich selbst, verloren aber gleichzeitig nicht den Glauben an Gott. Sie begannen sich für ihr Schicksal verantwortlich zu machen, bedeutsam, hörten aber gleichzeitig nicht auf, Menschen des Mittelalters zu sein.
Die Widersprüchlichkeit der Kultur der Renaissance: die Freude der Selbstbestätigung und die Tragödie der Weltanschauung. Das Vorhandensein dieser beiden sich überschneidenden Strömungen (Antike und Abwandlung des Katholizismus) bestimmte die Inkonsistenz der Kultur und Ästhetik der Renaissance. Einerseits kannte der Renaissance-Mensch die Freude der Selbstbestätigung, andererseits verstand er die ganze Tragödie seiner Existenz. Sowohl das eine als auch das andere sind in der Haltung des Renaissance-Menschen mit Gott verbunden.
Die Ursprünge der Tragödie im Werk von Renaissance-Künstlern werden vom russischen Philosophen N. Berdyaev überzeugend aufgezeigt. Der Konflikt zwischen alten und christlichen Prinzipien sei die Ursache für eine tiefe Spaltung der Menschheit, betonte er. Die großen Künstler der Renaissance waren besessen vom Durchbruch in eine andere, transzendente Welt. Der Traum von ihm wurde den Menschen bereits von Christus geschenkt. Künstler konzentrierten sich darauf, ein anderes Wesen zu erschaffen, sie spürten in sich Kräfte, die den Kräften des Schöpfers ähnelten; stellen sich im Wesentlichen ontologischen Problemen. Allerdings waren diese Aufgaben im irdischen Leben, in der Welt der Kultur, offensichtlich unmöglich. Künstlerische Kreativität, das sich nicht durch einen ontologischen, sondern durch einen psychologischen Charakter auszeichnet, kann und kann solche Probleme nicht lösen. Das Vertrauen der Künstler auf die Errungenschaften der Antike und ihr Streben nach der von Christus entdeckten höheren Welt stimmen nicht überein. Dies führt zu einer tragischen Weltanschauung, zu einer Auferstehungssehnsucht. Berdyaev schreibt: „Das Geheimnis der Renaissance ist, dass sie gescheitert ist. Nie zuvor wurden derart kreative Kräfte in die Welt gesandt, und noch nie zuvor wurde die Tragödie der Gesellschaft so offengelegt.
Die Kultur der italienischen Renaissance bescherte der Welt eine ganze Galaxie brillanter Persönlichkeiten, die den Schatz der Weltkultur unermesslich bereicherten. Unter ihnen sind die Namen von Dante Alighieri (1265-1321), dem Maler Giotto di Bondone (1266-1337), dem humanistischen Dichter Francesco Petrarca (1304-1374) und dem Dichter und humanistischen Schriftsteller Giovanni Boccaccio (1313) zu erwähnen -1375), der Architekt Filippo Brunelleschi, der Bildhauer Donatello Donato di Nicollo di Betto Bardi (1386-1466), der Maler Masaccio Tommaso di Giovanni di Simone Guidi (1401-1428), der humanistische Schriftsteller Lorenzo Vallu (1407-1457), humanistischer Schriftsteller Pico della Mirandola (1463–1494), humanistischer Philosoph Marsilio Ficino (1433–1499), Maler Sandro Botticelli (1445–1510), Maler, Wissenschaftler Leonardo da Vinci (1452–1519), Maler, Bildhauer, Architekt Michelangelo Buonaroti (1475– 1564), Maler Giorgione (1477–1510), Maler Tiziano Vecellio li Cadore (1477–1566), Maler Rafael Santi (1484–1520), Maler Jacopo Tintoretto (1518–1594) und viele andere.
2. Nördliche Renaissance.
Unter der „nördlichen Renaissance“ versteht man üblicherweise die Kultur des 15.-16. Jahrhunderts in den europäischen Ländern nördlich von Italien.
Dieser Begriff ist eher willkürlich. Es wird in Analogie zur italienischen Renaissance verwendet, hatte aber in Italien eine direkte ursprüngliche Bedeutung – die Wiederbelebung von Traditionen antike Kultur, dann wurde in anderen Ländern im Wesentlichen nichts „wiedergeboren“: Es gab nur wenige Denkmäler und Erinnerungen an die Antike. Die Kunst der Niederlande, Deutschlands und Frankreichs (den Hauptzentren der nördlichen Renaissance) entwickelte sich im 15. Jahrhundert als eine direkte Fortsetzung der Gotik, da ihre innere Entwicklung gegen Ende des 15. und 16. Jahrhunderts für die Länder Europas eine Zeit großer Umbrüche war, die dynamischste und stürmischste Ära in ihrer Geschichte. Weit verbreitete Religionskriege, der Kampf gegen die Dominanz der katholischen Kirche - die Reformation, die in Deutschland zu einem großen Bauernkrieg führte, eine Revolution in den Niederlanden, eine dramatische Intensität am Ende des Hundertjährigen Krieges zwischen Frankreich und England, blutige Fehden zwischen Katholiken und Hugenotten in Frankreich. Es scheint, dass das Klima der Epoche der Herausbildung klarer und majestätischer Formen der Hochrenaissance in der Kunst nicht förderlich war. Und tatsächlich: Die gotische Spannung und Fieberhaftigkeit in der nördlichen Renaissance verschwinden nicht. Aber auf der anderen Seite , die humanistische Bildung verbreitet sich und die Attraktivität der italienischen Kunst nimmt zu. Die Verschmelzung italienischer Einflüsse mit ursprünglichen gotischen Traditionen ist die Originalität des Stils der nördlichen Renaissance.
Der Hauptgrund, warum der Begriff „Renaissance“ für die gesamte europäische Kultur dieser Zeit gilt, liegt in der Gemeinsamkeit der inneren Tendenzen des Kulturprozesses. Das heißt, im breiten Wachstum und der Entwicklung des bürgerlichen Humanismus, in der Lockerung der feudalen Weltanschauung, im wachsenden Selbstbewusstsein des Einzelnen.
Bei der Entstehung der deutschen Renaissance spielte der Wirtschaftsfaktor eine wesentliche Rolle: die Entwicklung des Bergbaus, des Druckwesens und der Textilindustrie. Das immer tiefere Eindringen in die Wirtschaft der Waren-Geld-Beziehungen und die Beteiligung an den gesamteuropäischen Marktprozessen beeinflussten große Massen der Menschen und veränderten ihr Bewusstsein.
Für die Entstehung des Renaissance-Weltbildes in den romanischen Ländern, im Süden Europas, war der Einfluss des antiken Erbes von enormer Bedeutung. Es sind Ideale und Vorbilder mit strahlendem, lebensbejahendem Charakter. Der Einfluss der antiken Kultur auf die nördliche Renaissance ist unbedeutend, er wurde indirekt wahrgenommen. Daher lassen sich bei den meisten seiner Vertreter eher Spuren einer nicht völlig überholten Gotik erkennen als antike Motive. In Deutschland, das in Hunderte kleiner Feudalstaaten zersplittert war, gab es ein verbindendes Prinzip: den Hass auf die katholische Kirche, die dem geistlichen Leben des Landes Abgaben und belastende Vorschriften auferlegte. Daher ist eine der Hauptrichtungen des Kampfes um das „Reich Gottes auf Erden“ der Kampf mit dem Papsttum um die Reformation der Kirche. Der Süden Europas wird von den Reformationsprozessen in deutlich geringerem Maße betroffen sein.
Martin Luthers Übersetzung der Bibel ins Deutsche kann als der wahre Beginn der nördlichen Renaissance angesehen werden. Diese Arbeit dauerte zwanzig Jahre, einzelne Fragmente wurden jedoch früher bekannt. Die lutherische Bibel macht erstens in der deutschen Sprache eine Ära: Sie wird zur Grundlage einer einheitlichen deutschen Sprache; Zweitens stellt es den Präzedenzfall für die Übersetzung der Bibel in eine moderne Literatursprache dar, und Übersetzungen ins Englische, Französische und andere werden bald folgen.
Die Ideen des Luthertums vereinen die fortschrittlichsten Kreise Deutschlands: Daran sind auch humanistische Denker wie Philipp Melanchthon, die Künstler Dürer und Holbein, der Priester und Führer der Volksbewegung Thomas Münter beteiligt.
Die Renaissanceliteratur in Deutschland stützte sich auf das Werk der Meistersinger. Die vollkommensten Beispiele der damaligen Poesie präsentierte der Nachfolger dieser Volkstraditionen, Hans Sachs. Erasmus von Rotterdam wurde ein herausragender Prosaschriftsteller der nördlichen Renaissance. Sein bestes Buch„The Praise of Folly“ wurde 1509 veröffentlicht.
Unter den künstlerischen Tätigkeitsformen stand die Malerei – wie in der italienischen Renaissance – an der Spitze. Der erste große Meister dieser Zeit sollte Hieronymus Bosch heißen. Sein Werk fasst die Errungenschaften der mittelalterlichen Malerei zusammen und dient als Prolog zur Renaissance. In Boschs Gemälden, die sich hauptsächlich mit religiösen Themen befassen, ist die Kombination dunkler mittelalterlicher Fantasien und Symbole mit Elementen der Folklore und präzisen realistischen Details auffällig. Und selbst die schrecklichsten Allegorien sind so überraschend volkstümlich geschrieben, dass sie einen lebensbejahenden Eindruck hinterlassen. Keiner der späteren Meister der Malerei auf der ganzen Welt wird solch fantastische, an Wahnsinn grenzende Bilder malen, aber der Einfluss von H. Bosch im 20. Jahrhundert wird im Werk der Surrealisten spürbar sein.
Der größte Meister der nördlichen Renaissance in Bildende Kunst war Albrecht Dürer. Er hinterließ ein kolossales Erbe: Gemälde, Grafiken, Artikel, Korrespondenz.
Dürers Werk wurde von italienischen Meistern beeinflusst: Er besuchte gerne Italien, insbesondere Venedig. Die Besonderheit von Albrecht Dürers Weltbild liegt jedoch in der Suche nach einem möglichst objektiven Abbild der Welt, der italienische idealisierende Realismus war ihm fremd, er strebte nach völliger Authentizität in Malerei und Zeichnung. Dieses Pathos ist durchdrungen von seinen Selbstporträts, insbesondere in Bleistiftbriefen an seinen Bruder, und auch das Porträt seiner Mutter vor ihrem Tod ist hier zuzuordnen.
Sie können versuchen, die Tiefe von Dürers Grafiken zu verstehen, indem Sie die mittelalterlichen Symbole entschlüsseln, über die er tatsächlich verfügt. Doch gilt es, im Zeitalter der Reformation nach Hinweisen auf diese bezaubernden Bilder zu suchen. Vielleicht spiegelten die Blätter seiner Stiche am deutlichsten die Ausdauer des Geistes der damaligen Menschen wider, ihre Bereitschaft, jegliche Versuchungen abzulehnen, ihre traurigen Erfindungen über den traurigen Ausgang des Krieges. Daran denkt man, wenn man sich seinen Reiter der Apokalypse, Melancholia, anschaut.
Es gibt einen lyrischen Anfang in Dürers Werk. Dazu gehört die zarteste Farbmalerei „Das Fest der rosa Kränze“, der Kupferstichzyklus „Das Leben Mariens“, der Rilkes Gedichtzyklus im 19. Jahrhundert inspirierte. Im 20. Jahrhundert schuf der Komponist Hindemith auf der Grundlage dieser Verse einen Romanzenzyklus.
Der Höhepunkt von Albrecht Dürers Werk war das grandiose Bild der vier Apostel, eine wahre Hymne an den Menschen, einer der markantesten Ausdrucksformen des Renaissance-Humanismus.
Aus dieser Zeit und dem Werk von Lucas Cranach dem Älteren stammend. Seine Madonnen und andere biblische Heldinnen sind offensichtliche Stadtbewohner und Zeitgenossen des Künstlers. Eines seiner besten Werke ist die innovativ geschriebene „Kreuzigung“. Eine stark asymmetrische Komposition, ungewöhnliche Winkel traditioneller Figuren und satte Farben erwecken den Eindruck von Verwirrung und Vorahnung gesellschaftlicher Umwälzungen. Mathis Niethard, auch bekannt als Grunewald (1470-75 - 1528), verblüfft mit dem Reichtum und der Helligkeit religiöser Fantasien, der Ekstase und der erfinderischen Komposition. Grunewalds Hauptwerk ist der Isenheimer Altar. Das Bild von Maria mit dem Kind ist in eine vielfigurige festliche Komposition eingeschrieben, in der Engel Musikinstrumente für sie spielen. Im Gegensatz zu dieser Lichtszene ist die Kreuzigung düster und naturalistisch geschrieben. Mit den Teilnehmern des Bauernkrieges wird das Bild von Christus dem Bürgerlichen verbunden, der viel barfuß, abgemagert und der Qual nahe war.
Gais Holbein der Jüngere (1497-1543) kann als einer der besten Porträtmaler dieser Zeit angesehen werden. Er besitzt Porträts von Erasmus von Rotterdam und den Astronomen Nicholas Kratzer, Thomas More und Jane Seymour und interpretiert die Bilder von Zeitgenossen als Menschen voller Würde, Weisheit und zurückhaltender spiritueller Stärke. Er schuf auch wunderbare Illustrationen für die Bibel und „Lob der Dummheit“, eine Kupferstichserie „Totentanz“.
Eine besondere Individualität zeigte sich auch im Werk des Leiters der Donaumalerschule, Albrecht Altdorfer (1480-1538). Er gehört zu den Vorrangigen bei der Entstehung des Landschaftsgenres. Sein interessantestes Gemälde bleibt jedoch die Schlacht Alexanders mit Darius (1529). Die Kampfszene auf der Erde wird durch den Wettstreit zwischen Sonne, Mond und Wolken am Himmel widergespiegelt. Das Bild ist voller dekorativer Details, erlesen in der Farbe und entzückend in seiner malerischen Kunstfertigkeit. Darüber hinaus handelt es sich um eine der ersten in Öl gemalten Kampfszenen, sodass Altdorfer als Begründer einer weiteren Bildgattung gelten kann.
Das Zeitalter der nördlichen Renaissance war nur von kurzer Dauer. Der Dreißigjährige Krieg griff in diesen Prozess ein und verzögerte die Entwicklung der deutschen Kultur. Aber in der Geschichte ist es eine erstaunlich integrale Ära geblieben, als ein Club von Genies, Meistern des Wortes und der Malerei, die miteinander kommunizieren, an einem gemeinsamen Kampf teilnehmen, reisen, erstaunliche Porträts voneinander malen und sich gegenseitig inspirieren nach Ideen. Die Einbindung der Völker der nördlichen Länder in den gesamteuropäischen Kulturprozess begann zur Zeit der nördlichen Renaissance.
3. Niederlande.
Ein kleines Land, das das Gebiet des heutigen Belgiens und Hollands umfasste, sollte im 15. Jahrhundert zum hellsten Zentrum europäischer Kunst in Italien werden. Obwohl die niederländischen Städte politisch nicht unabhängig waren, waren sie schon seit langem reich und stärker geworden, betrieben ausgedehnten Handel und entwickelten dann die Herstellung von Stoffen, Teppichen und Glas. Hauptzentrum Der internationale Handel war das antike Brügge, die poetische Stadt der Kanäle; Ende des 15. Jahrhunderts starb es aus und machte dem lebhaften Antwerpen Platz.
Die gotische Architektur der Niederlande besteht nicht nur aus Tempeln, sondern noch mehr aus Rathäusern, Stadtmauern und Türmen sowie Kaufmannshäusern.
Und Handwerkszünfte, Einkaufspassagen, Lagerhäuser und schließlich Wohngebäude eines charakteristischen, alteingesessenen Typs: mit schmalen Fassaden und hohen Dreiecks- oder Treppengiebeln.
Da Kirchen mehr aus Ziegeln als aus Stein gebaut wurden, erfuhr die Kirchenskulptur keine große Entwicklung. Klaus Sluter und seine Schüler sind bis heute eine brillante Ausnahme in der Kultur der Niederlande. Seine künstlerische Hauptkraft im Mittelalter manifestierte sich in etwas anderem – in der Miniaturmalerei. Im 15. Jahrhundert erreichte die Miniatur einen hohen Grad an Perfektion, wie aus dem berühmten Stundenbuch des Herzogs von Berry hervorgeht, das von den Brüdern Limburg illustriert wurde.
Den liebevollen, fleißigen, poetischen Blick auf die Welt hat das von Jan van Eyck begonnene große Gemälde des 15. Jahrhunderts von der Miniatur geerbt. Kleine Bilder, die Manuskripte schmücken, haben sich zu großen Gemälden entwickelt, die die Türen von Altären schmücken. Gleichzeitig entstanden neue künstlerische Qualitäten. Es erschien etwas, das es im Miniaturformat nicht geben konnte: der gleiche aufmerksame, konzentrierte Blick auf einen Menschen, auf sein Gesicht, in die Tiefen seiner Augen.
In der Eremitage befindet sich ein Gemälde des bekannten niederländischen Meisters Rogier van der Weyden „St. Lukas malt die Madonna“ (der Evangelist Lukas galt als Künstler und Förderer der Malerwerkstatt). Es enthält viele für den niederländischen Favoriten typische Kompositionen: ein so klein, zart und sorgfältig gemaltes Panorama der Stadt und des Kanals mit zwei nachdenklichen menschlichen Figuren auf der Brücke. Aber das Bemerkenswerteste sind das Gesicht und die Hände von Lukas, der die Madonna „aus dem Leben“ malt. Er hat einen besonderen Gesichtsausdruck – den aufmerksam und zitternd lauschenden Gesichtsausdruck eines Menschen, der völlig in die Kontemplation versunken ist. So betrachteten die alten niederländischen Meister die Natur.
Kehren wir zurück zu Jan van Eyck. Er begann als Miniaturist und arbeitete mit seinem älteren Bruder Hubert zusammen. Den Brüdern van Eyck wird traditionell die Erfindung der Technologie zugeschrieben. Ölgemälde; das ist ungenau – die Methode, Pflanzenöle als Bindemittel zu verwenden, war schon früher bekannt, aber die van Eycks verbesserten sie und gaben ihrer Verbreitung Impulse. Öl verdrängte bald Tempera.
Ölfarben werden mit der Zeit dunkler. Die alten Gemälde, die wir in Museen sehen, sahen bei ihrem Erscheinen anders aus, viel heller und leuchtender. Aber die Malerei der van Eycks hat wirklich außergewöhnliche technische Qualitäten: Die Farben trocknen nicht aus und behalten ihre Frische über Jahrhunderte hinweg. Sie leuchten fast und erinnern an den Glanz von Buntglasfenstern.
Das berühmteste Werk der van Eycks, der große Genter Altar, wurde von Hubert begonnen und nach seinem Tod 1432 von Jan fortgesetzt und fertiggestellt. Die Flügel des grandiosen Altars sind innen und außen in zwei Ebenen bemalt. An den Außenseiten befinden sich eine Verkündigung und kniende Figuren von Spendern (Kunden): So sah der Altar an Wochentagen geschlossen aus. An Feiertagen wurden die Türen aufgerissen, beim Öffnen wurde der Altar sechsmal größer, und vor den Gemeindemitgliedern entstand im ganzen Glanz der Van-Eyck-Farben ein Spektakel, das in der Gesamtheit seiner Szenen verkörpern sollte die Idee der Erlösung menschlicher Sünden und der kommenden Erleuchtung. Oben in der Mitte befindet sich die Deesis – Gott der Vater auf dem Thron mit Maria und Johannes dem Täufer an den Seiten. Diese Zahlen sind größer als das menschliche Wachstum. Dann nackter Adam und Eva in Menschengröße und Gruppen musizierender und singender Engel. In der unteren Ebene gibt es eine dicht gedrängte Szene der Anbetung des Lammes, die in viel kleinerem Maßstab, sehr räumlich, inmitten einer weiten blühenden Landschaft gelöst ist, und auf den Seitenflügeln finden Pilgerprozessionen statt. Die Handlung der Anbetung des Lammes ist der „Offenbarung des Johannes“ entnommen, die besagt, dass nach dem Ende der sündigen Welt die Stadt Gottes auf die Erde herabsteigen wird, auf der es keine Nacht, sondern ewiges Licht geben wird. und der Fluss des Lebens „so hell wie Kristall“, und der Baum des Lebens, der jeden Monat fruchtbar ist, und die Stadt ist „reines Gold, wie durchsichtiges Glas“. Das Lamm ist ein mystisches Symbol der Apotheose, die die Gerechten erwartet. Und offenbar versuchten die Künstler, ihre ganze Liebe zu den Reizen der Erde, zu menschlichen Gesichtern, zu Kräutern, Bäumen und Gewässern in die Gemälde des Genter Altars zu stecken, um den goldenen Traum ihrer Ewigkeit und Unbestechlichkeit zu verkörpern.
Jan van Eyck war auch ein herausragender Porträtmaler. In dem ihm gehörenden Paarporträt der Arnolfini-Ehegatten ist das Bild zu sehen gewöhnliche Menschen, gekleidet in der damals eher protzigsten Mode, in einem gewöhnlichen Raum mit einem Kronleuchter, einem Baldachin, einem Spiegel und einem Schoßhund, scheint es eine Art wunderbares Sakrament zu sein. Es ist, als würde er die Flamme einer Kerze, das Erröten von Äpfeln und einen konvexen Spiegel anbeten; Er ist in alle Züge des langen, blassen Gesichts Arnolfinis verliebt, der seine sanftmütige Frau an der Hand hält, als würde er eine geheime Zeremonie durchführen. Sowohl Menschen als auch Gegenstände – alles erstarrte in feierlicher Erwartung, in ehrfürchtigem Ernst; Alle Dinge haben eine verborgene Bedeutung, die auf die Heiligkeit des Ehegelübdes und des Herdes hinweist.
So begann die Alltagsmalerei der Bürger. Diese subtile Skrupellosigkeit, die Liebe zum Komfort, eine fast religiöse Verbundenheit mit der Welt der Dinge. Aber je weiter, desto mehr Prosa kam heraus und die Poesie trat in den Hintergrund. Niemals später wurde das Leben der Bürger in solch poetischen Tönen von Heiligkeit und Würde dargestellt.
Die frühen Bürger der nordischen Länder waren auch nicht so „bürgerlich begrenzt“ wie ihre späteren Nachkommen. Zwar sind der Umfang und die Vielseitigkeit der Italiener nicht charakteristisch für ihn, aber auch im engeren Maßstab der Weltanschauung ist dem Bürger eine besondere Art bescheidener Größe nicht fremd. Schließlich war er, der Bürger, der die Städte schuf, er verteidigte ihre Freiheit vor den Feudalherren, und er musste sie immer noch vor fremden Monarchen und der gierigen katholischen Kirche verteidigen. Auf den Schultern der Bürger lagen große historische Taten, die herausragende Charaktere formten, die neben einem gesteigerten Respekt vor materiellen Werten auch Widerstandsfähigkeit, unternehmerischen Zusammenhalt, Treue zu Pflicht und Wort sowie Selbstwertgefühl entwickelten. Wie Thomas Mann sagt, war der Bürger „ein Durchschnittsmensch im höchsten Sinne des Wortes“.
Diese Definition passt nicht auf die Italiener der Renaissance: Sie fühlten sich nicht als Durchschnittsmenschen, auch nicht im gehobenen Sinne. Arnolfini, dargestellt von Jan van Eyck, war ein in den Niederlanden lebender Italiener; Hätte es ein Landsmann gemalt, wäre das Porträt wahrscheinlich im Geiste anders ausgefallen. Ein tiefes Interesse am Individuum, an seinem Aussehen und Charakter – das vereint die Künstler der italienischen und nördlichen Renaissance. Aber sie interessieren sich auf unterschiedliche Weise dafür und sehen darin unterschiedliche Dinge. Die Niederländer haben kein Gespür für Titanismus und Allmacht des Menschen: Sie sehen seinen Wert in der bürgerlichen Integrität, in Qualitäten, unter denen Demut und Frömmigkeit, das Bewusstsein der eigenen Kleinheit angesichts des Universums, jedoch nicht die letzten sind Auch in dieser Demut geht die Würde des Einzelnen nicht verloren, sondern wird sogar betont.
In der Mitte und in der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts wirkten in den Niederlanden viele hervorragende Maler: die bereits erwähnten Rogier van der Weyden, Dirk Boats, Hugo van der Goes, Memling, Geertgen Toth Sint Jans. Ihre künstlerischen Individualitäten sind deutlich erkennbar, wenn auch nicht mit dem gleichen Grad an individuellem Stil wie der der italienischen Quattrocentisten. Sie malten hauptsächlich Altäre und Porträts sowie Staffeleigemälde im Auftrag wohlhabender Bürger. Ihre von sanfter, besinnlicher Stimmung durchdrungenen Kompositionen haben einen besonderen Reiz. Sie liebten die Weihnachtshandlungen und die Anbetung des Babys, diese Handlungen werden von ihnen subtil und genial gelöst. In „Die Anbetung der Hirten“ von Hugo van der Goes ist das Baby dürr und elend, wie jedes neugeborene Kind, die Menschen um es herum schauen es hilflos und verdreht an, mit tiefer spiritueller Zärtlichkeit, die Madonna ist still, wie eine Nonne Sie hebt den Blick nicht, aber man spürt, dass sie voller Bescheidenheit den Stolz der Mutterschaft verspürt. Und außerhalb der Gärtnerei können Sie die Landschaft der Niederlande sehen, weit, hügelig, mit kurvenreichen Straßen, seltenen Bäumen, Türmen und Brücken.
Hier gibt es viel Berührendes, aber keine Süße: Die gotische Kantigkeit der Formen ist spürbar, etwas von ihrer Starrheit. Die Gesichter der Hirten in van der Goes sind charakteristisch und hässlich, wie es in den Werken der Gotik üblich ist. Sogar Engel sind hässlich.
Niederländische Künstler stellen Menschen selten mit schönen, regelmäßigen Gesichtern und Figuren dar, und das unterscheidet sich auch von italienischen. Die einfache Überlegung, dass die Italiener, direkte Nachkommen der Römer, im Allgemeinen schöner waren als die blassen und schlaffen Söhne des Nordens, kann natürlich berücksichtigt werden, aber der Hauptgrund ist immer noch nicht dies, sondern der Unterschied in das allgemeine künstlerische Konzept. Der italienische Humanismus ist vom Pathos des Großen im Menschen und einer Leidenschaft für klassische Formen durchdrungen, die Niederländer poetisieren den „durchschnittlichen Mann“, mit klassischer Schönheit und harmonischen Proportionen haben sie wenig zu tun.
Die Niederländer haben eine Liebe zum Detail. Sie sind für sie Träger einer geheimen Bedeutung. Eine Lilie in einer Vase, ein Handtuch, eine Teekanne, ein Buch – alle Details, abgesehen von den direkten, haben auch eine verborgene Bedeutung. Die Dinge werden mit Liebe dargestellt und wirken inspiriert.
Der Respekt vor sich selbst, vor dem eigenen Alltag, vor der Welt der Dinge wurde durch eine religiöse Weltanschauung gebrochen. Dies war der Geist der protestantischen Reformen, in deren Rahmen die niederländische Renaissance stattfindet.
Die im Vergleich zu den Italienern weniger anthropomorphe Wahrnehmung, die Vorherrschaft des pantheistischen Prinzips und die direkte Kontinuität aus der Gotik wirken sich auf alle Komponenten des Stils der niederländischen Malerei aus. Unter den italienischen Quattrocentisten tendiert jede Komposition, egal wie detailreich sie ist, zu einer mehr oder weniger strengen Tektonik. Gruppen sind wie ein Flachrelief aufgebaut, das heißt, der Künstler versucht meist, die Hauptfiguren auf einer relativ schmalen Frontfläche in einem klar definierten geschlossenen Raum zu platzieren; er gleicht sie architektonisch aus, sie stehen fest auf den Beinen: All diese Merkmale finden wir bereits bei Giotto. Die Kompositionen der Niederländer sind weniger geschlossen und weniger tektonisch. Sie werden von Tiefe und Distanz angezogen, ihr Raumgefühl ist lebendiger, luftiger als in der italienischen Malerei. Die Figuren sind eher skurril und unsicher, ihre Tektonik wird durch fächerförmig nach unten divergierende, gebrochene Gewandfalten gestört. Die Niederländer lieben das Spiel der Linien, doch sie dienen nicht der skulpturalen Aufgabe der Volumenkonstruktion, sondern der Ornamentik.
Bei den Niederländern gibt es keine deutliche Betonung des Zentrums der Komposition, sondern eine stärkere Betonung der Hauptfiguren. Die Aufmerksamkeit des Künstlers ist durch vielfältige Motive zerstreut, alles erscheint ihm verlockend und die Welt ist vielfältig und interessant. Eine Szene im Hintergrund behauptet, eine eigenständige Handlungskomposition zu sein.
Schließlich gibt es auch eine Art Komposition, bei der es überhaupt kein Zentrum gibt und der Raum mit vielen gleichen Gruppen und Szenen gefüllt ist. Gleichzeitig die Hauptsache Figuren manchmal landen sie irgendwo in der Ecke.
Ähnliche Kompositionen finden sich Ende des 15. Jahrhunderts bei Hieronymus Bosch. Bosch ist ein bemerkenswert eigenwilliger Künstler. Rein niederländische Zielstrebigkeit und Beobachtungsgabe werden mit einer ungewöhnlich produktiven Fantasie und sehr schwarzem Humor kombiniert. Eine seiner Lieblingsgeschichten ist „Die Versuchung des Heiligen Antonius“, in der der Einsiedler von Teufeln belagert wird. Bosch bevölkerte seine Bilder mit Legionen kleiner krabbelnder, ängstlicher Kreaturen. Es wird absolut gruselig, wenn man bei diesen Monstern menschliche Körperteile bemerkt. Diese ganze Kunstkamera aus ausgefallenen Dämonen unterscheidet sich deutlich von den mittelalterlichen Chimären: Sie waren majestätischer und alles andere als unheimlich. Die Apotheose von Boschs Dämonologie ist seine „Musikalische Hölle“, ähnlich einem Foltergarten: Nackte Menschen, gemischt mit Monstern, die von allen Seiten auf sie klettern, winden sich in quälender Lust, sie werden auf den Saiten einiger riesiger Musikinstrumente gekreuzigt, gequetscht und In geheimnisvolle Geräte zersägt, in Gruben geschoben, verschluckt.
Die seltsamen Phantasmagorien von Bosch entstehen aus den philosophischen Bemühungen des Geistes. Er stand an der Schwelle zum 16. Jahrhundert, und dies war eine Ära, die einen schmerzlich zum Nachdenken anregte. Bosch wurde offenbar von Gedanken über die Vitalität und Allgegenwart des Weltbösen überwältigt, das wie ein Blutegel an allen Lebewesen haftet, über den ewigen Kreislauf von Leben und Tod, über die unverständliche Extravaganz der Natur, die Larven und Keime sät von Leben überall – sowohl auf der Erde als auch unter der Erde und in einem faulen, stehenden Sumpf. Bosch beobachtete die Natur, vielleicht schärfer und wachsamer als andere, fand aber weder Harmonie noch Vollkommenheit in ihr. Warum ist der Mensch, die Krone der Natur, zu Tod und Verfall verurteilt, warum ist er schwach und elend, warum quält er sich selbst und andere, ist er ständig Qualen ausgesetzt?
Allein die Tatsache, dass Bosch solche Fragen stellt, zeugt von einer erwachten Neugier – einem Phänomen, das den Humanismus begleitet. Humanismus bedeutet nicht nur eine Verherrlichung alles Menschlichen. Es bedeutet auch den Wunsch, in das Wesen der Dinge einzudringen und die Geheimnisse des Universums zu entschlüsseln. Bei Bosch war dieser Wunsch in düsteren Tönen gemalt, aber er war ein Symptom des geistigen Durstes, der Leonardo da Vinci dazu veranlasste, alles zu erforschen – schön und hässlich. Der mächtige Intellekt Leonardos nahm die Welt als Ganzes wahr und spürte die Einheit darin. In Boschs Kopf spiegelte sich die Welt fragmentiert wider, zerbrochen in Tausende von Fragmenten, die unverständliche Kombinationen eingehen.
Erwähnenswert sind jedoch die romantischen Strömungen, die sich, beeinflusst vom italienischen Cinquecento, im 16. Jahrhundert in den Niederlanden auszubreiten begannen. Ihr Mangel an Originalität ist sehr auffällig. Das Bild der „klassischen Nacktheit“, das bei den Italienern schön war, war den Niederlanden definitiv nicht gegeben und sah sogar etwas komisch aus, wie Jan Gossaerts „Neptun und Amphitrite“ mit ihren prachtvollen geschwollenen Körpern. Auch die Niederländer hatten ihren eigenen provinziellen „Manierismus“.
Beachten wir die Entwicklung der Genres der häuslichen und landschaftlichen Staffeleigemälde niederländischer Künstler im 16. Jahrhundert. Begünstigt wurde ihre Entwicklung dadurch, dass sich breiteste Kreise aus Hass auf das Papsttum und den katholischen Klerus zunehmend vom Katholizismus abwandten und Kirchenreformen forderten. Und die Reformen von Luther und Calvin enthielten ein Element des Bildersturms; Die Innenräume protestantischer Kirchen sollten völlig schlicht und kahl sein – nichts wie die reiche und spektakuläre Dekoration katholischer Kirchen. religiöse Kunst stark im Volumen reduziert, kein Kult mehr.
Fing an, sauber zu wirken Genrebilder mit dem Bild von Kaufleuten in Geschäften, Geldwechslern in Büros, Bauern auf dem Markt, Kartenspielern. Haushaltsgenre entstand aus Porträt und Landschaft – aus jenen Landschaftshintergründen, die die niederländischen Meister so liebten. Die Hintergründe wuchsen und es war nur ein Schritt zu einer reinen Landschaft.
Doch alles erlöst und konzentriert das kolossale Talent von Pieter Brueghel. Er ist in der höchste Grad besaß das, was man nationale Identität nennt: Alle bemerkenswerten Merkmale seiner Kunst gehen auf die ursprünglichen niederländischen Traditionen zurück. Brueghel drückte wie kein anderer den Geist seiner Zeit und deren volkstümliches Flair aus. Er ist in allem beliebt: Da er zweifellos ein Künstler-Denker ist, denkt er aphoristisch und metaphorisch. Die in seinen Allegorien enthaltene Lebensphilosophie ist bitter, ironisch, aber auch mutig. Bregels Lieblingskompositionsart ist ein großer Raum, wie von oben gesehen, so dass die Menschen klein wirken und in den Tälern herumhuschen, dennoch ist alles detailliert und klar geschrieben. Die Erzählung wird meist mit Folklore in Verbindung gebracht, Brueghel malte Gleichnisbilder.
Bruegel verwendet die in den Niederlanden übliche Art der Raum-Landschaftskomposition, ohne die Hauptpersonen und Ereignisse so hervorzuheben, dass sich darin eine ganze Lebensphilosophie offenbart. Besonders interessant ist hier der Fall des Ikarus. Brueghels Gemälde zeigt eine friedliche Landschaft am Meeresufer: Ein Pflüger folgt einem Pflug, ein Hirte hütet Schafe, ein Fischer sitzt mit einer Angelrute und Schiffe fahren auf dem Meer. Wo ist Ikarus und was hat sein Sturz damit zu tun? Man muss genau hinschauen, um in der rechten Ecke erbärmliche nackte Beine zu erkennen, die aus dem Wasser ragen. Ikarus fiel vom Himmel, aber niemand bemerkte es. Das gewöhnliche Leben fließt wie immer. Für einen Bauern ist sein Ackerland, für einen Hirten seine Herde viel wichtiger als die Höhen und Tiefen eines Menschen. Die Bedeutung außergewöhnlicher Ereignisse erschließt sich nicht so schnell, Zeitgenossen merken es nicht, versunken in alltägliche Sorgen.
Die schöpferische Tätigkeit von Pieter Bregeil währte nicht lange, er starb 1569 in seinen Vierzigern und erlebte die Ereignisse der niederländischen Revolution nicht mehr. Kurz vor seinem Tod malte er das Gemälde „Der Blinde“. Dies ist der kraftvollste Schlussakkord in Bregueils Kunst, den man sich als eine von einem einzigen Thema durchdrungene Symphonie vorstellen kann. Der Künstler, der seine leidende Heimat liebte, konnte seinen Landsleuten eines nicht verzeihen: Passivität, Taubheit, Blindheit, Versunkenheit in Eitelkeit Heute und die Unfähigkeit, jene Berggipfel zu besteigen, die Einblick in das Ganze, das Eine, das Gemeinsame geben.
Abschluss.
Das Thema der Renaissance ist reichhaltig und unerschöpflich. Eine solch kraftvolle Bewegung bestimmte die Entwicklung des Ganzen Europäische Zivilisation für viele Jahre. Wir haben lediglich den Versuch unternommen, in das Wesentliche der laufenden Prozesse einzudringen. Für weitere Studien müssen wir die psychologische Stimmung des Renaissance-Menschen detaillierter wiederherstellen, Bücher dieser Zeit lesen und Kunstgalerien besuchen.
Jetzt, am Ende des 20. Jahrhunderts, mag es scheinen, dass dies alles eine Frage vergangener Tage ist, einer Antike, die mit einer dicken Staubschicht bedeckt ist, nicht von Forschungsinteresse in unserem turbulenten Zeitalter, aber ohne die Erforschung der Wurzeln, wie sollen wir das tun? Verstehen Sie, was den Stamm nährt, was die Krone im Wind der Veränderung hält?
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci (15. April 1452, Vinci bei Florenz – 2. Mai 1519, Schloss Cloux, bei Amboise, Touraine, Frankreich), italienischer Maler, Bildhauer, Architekt, Wissenschaftler, Ingenieur.
Durch die Kombination der Entwicklung neuer Mittel der künstlerischen Sprache mit theoretischen Verallgemeinerungen schuf Leonardo da Vinci ein Menschenbild, das den humanistischen Idealen der Hochrenaissance entspricht. Im Gemälde „Das letzte Abendmahl“ (1495-1497, im Refektorium des Klosters Santa Maria delle Grazie in Mailand) drückt sich ein hoher ethischer Inhalt in strengen Kompositionsmustern, einem klaren System von Gesten und Mimik der Figuren aus . Das humanistische Ideal weiblicher Schönheit wird im Porträt der Mona Lisa (La Gioconda, um 1503) verkörpert. Zahlreiche Entdeckungen, Projekte, experimentelle Forschung im Bereich Mathematik, Naturwissenschaften, Mechanik. Verteidigte die entscheidende Bedeutung der Erfahrung für die Naturerkenntnis ( Notizbücher und Manuskripte, etwa 7.000 Blatt).
Leonardo wurde in die Familie eines wohlhabenden Notars hineingeboren. Er entwickelte sich zu einem Meister und studierte zwischen 1467 und 1472 bei Andrea del Verrocchio. Die Arbeitsmethoden in der damaligen Florentiner Werkstatt, in der die Arbeit des Künstlers eng mit technischen Experimenten verbunden war, sowie die Bekanntschaft mit dem Astronomen P. Toscanelli trugen zur Entstehung der wissenschaftlichen Interessen des jungen Leonardo bei. In seinen frühen Werken (der Kopf eines Engels in Verrocchios Taufe, nach 1470, die Verkündigung, um 1474, beide in den Uffizien, die Benois-Madonna, um 1478, die Eremitage) bereichert er die Traditionen der Quattrocento-Malerei und betont das glatte Volumen von Formen mit sanftem Hell-Dunkel, belebende Gesichter, dünnes, kaum wahrnehmbares Lächeln. In „Die Anbetung der Könige“ (1481-82, unvollendet; Untermalung in den Uffizien) verwandelt er ein religiöses Bild in einen Spiegel verschiedener menschlicher Emotionen und entwickelt dabei innovative Zeichenmethoden. Indem Leonardo die Ergebnisse unzähliger Beobachtungen in Skizzen, Skizzen und Feldstudien (italienischer Bleistift, Silberstift, Rötel, Feder und andere Techniken) festhält, erreicht er eine seltene Schärfe in der Übertragung von Gesichtsausdrücken (manchmal unter Rückgriff auf Groteske und Karikatur) und der Struktur und Bewegungen des menschlichen Körpers harmonieren perfekt mit der Dramaturgie der Komposition.
Im Dienst des Mailänder Herrschers Lodovico Moro (seit 1481) fungiert Leonardo als Militäringenieur, Wasserbauingenieur und Organisator höfischer Feste. Seit über 10 Jahren arbeitet er am Denkmal für Francesco Sforza, Vater von Lodovico Moro; Das lebensgroße Tonmodell des Denkmals voller plastischer Kraft ist nicht erhalten (zerstört bei der Einnahme Mailands durch die Franzosen im Jahr 1500) und nur aus vorbereitenden Skizzen bekannt.
In dieser Zeit erlebte der Maler Leonardo seine kreative Blüte. In der Madonna in the Rocks (1483-94, Louvre; die zweite Version - 1487-1511, National Gallery, London) erscheint das feinste Hell-Dunkel („Sfumato“), das der Meister liebte, als neuer Heiligenschein, der mittelalterliche Heiligenscheine ersetzt: dieser ist ein gleichermaßen göttlich-menschliches und natürliches Mysterium, in dem die Felsengrotte, die die geologischen Beobachtungen von Leonardo widerspiegelt, eine nicht weniger dramatische Rolle spielt als die Heiligenfiguren im Vordergrund.
"Das letzte Abendmahl"
Im Refektorium des Klosters Santa Maria delle Grazie schafft Leonardo das Gemälde „Das letzte Abendmahl“ (1495-97); aufgrund des riskanten Experiments des Meisters, für das Fresko Öl mit Tempera zu verwenden, ist das Werk entstanden in sehr beschädigter Form an uns überliefert). Der hohe religiöse und ethische Inhalt des Bildes, der die stürmische, widersprüchliche Reaktion der Jünger Christi auf seine Worte über den bevorstehenden Verrat darstellt, kommt in klaren mathematischen Mustern der Komposition zum Ausdruck, die nicht nur das Gemalte, sondern auch das reale Architektonische gebieterisch unterwerfen Raum. Die klare Bühnenlogik der Mimik und Gestik sowie die wie immer bei Leonardo spannend paradoxe Verbindung von strenger Rationalität mit einem unerklärlichen Mysterium machten „ das letzte Abendmahl„eines der bedeutendsten Werke in der Geschichte der Weltkunst.“
Leonardo beschäftigt sich auch mit Architektur und entwickelt verschiedene Versionen der „idealen Stadt“ und des Tempels mit zentraler Kuppel. Die folgenden Jahre verbringt der Meister auf ständiger Reise (Florenz – 1500–1502, 1503–1506, 1507; Mantua und Venedig – 1500; Mailand – 1506, 1507–13; Rom – 1513–16). Ab 1517 lebte er auf Einladung von König Franz I. in Frankreich.
„Schlacht von Angyari“. Gioconda (Porträt der Mona Lisa)
In Florenz arbeitet Leonardo an einem Gemälde im Palazzo Vecchio („Schlacht von Anghiari“, 1503–1506; unvollendet und nicht erhalten, bekannt aus Kopien aus Pappe sowie aus einer kürzlich entdeckten Skizze – Privatsammlung, Japan). ), das den Ursprung des Kampfgenres in der Kunst der Neuzeit darstellt; Die tödliche Wut des Krieges wird hier im hektischen Kampf der Reiter verkörpert.
Im berühmtesten Gemälde Leonardos, dem Porträt der Mona Lisa (der sogenannten „La Gioconda“, um 1503, Louvre), erscheint das Bild einer wohlhabenden Bürgerin als geheimnisvolle Personifikation der Natur als solcher, ohne dabei ihre Ursprünglichkeit zu verlieren weibliche List; Die innere Bedeutung der Komposition wird durch die kosmisch majestätische und zugleich beunruhigend entfremdete Landschaft gegeben, die in einem kalten Dunst verschmilzt.
Spätere Gemälde
Zu Leonardos späteren Werken gehören: Projekte für ein Denkmal für Marschall Trivulzio (1508–1512), Gemälde „Heilige Anna mit Maria und dem Christkind“ (um 1500–1507, Louvre). Letzteres fasst sozusagen seine Suche auf dem Gebiet der Licht-Luft-Perspektive, der Klangfarbe (mit überwiegend kühlen, grünlichen Farbtönen) und der harmonischen Pyramidenkomposition zusammen; Gleichzeitig ist dies Harmonie über dem Abgrund, da am Rande des Abgrunds eine Gruppe heiliger Charaktere dargestellt wird, die durch familiäre Nähe verbunden sind. Leonardos letztes Gemälde „Johannes der Täufer“ (um 1515-1517, ebd.) ist voller erotischer Doppeldeutigkeit: Der junge Vorläufer wirkt hier nicht wie ein heiliger Asket, sondern wie ein Versucher voller sinnlicher Anmut. In einer Reihe von Zeichnungen, die eine universelle Katastrophe darstellen (der Zyklus mit der „Flut“, italienischer Bleistift, Feder, um 1514-1516, Royal Library, Windsor), Reflexionen über die Zerbrechlichkeit und Bedeutungslosigkeit des Menschen angesichts der Macht der Elemente werden mit rationalistischen kombiniert und nehmen die „Wirbel“-Kosmologie von R. Descartes Vorstellungen über die zyklische Natur natürlicher Prozesse vorweg.
„Abhandlung über die Malerei“
Die wichtigste Quelle für das Studium der Ansichten von Leonardo da Vinci sind seine Notizbücher und Manuskripte (ca. 7.000 Blätter), die in umgangssprachlicher italienischer Sprache verfasst sind. Der Meister selbst hat keine systematische Darstellung seiner Gedanken hinterlassen. Die „Abhandlung über die Malerei“, die nach dem Tod Leonardos von seinem Schüler F. Melzi verfasst wurde und einen großen Einfluss auf die Kunsttheorie hatte, besteht aus weitgehend willkürlich aus dem Kontext seiner Aufzeichnungen herausgelösten Passagen. Für Leonardo selbst waren Kunst und Wissenschaft untrennbar miteinander verbunden. Der Meister würdigte die Malerei als die seiner Meinung nach intellektuellste Form der Kreativität im „Streit der Künste“ und verstand sie als eine universelle Sprache (ähnlich der Mathematik im Bereich der Naturwissenschaften), die die gesamte Vielfalt verkörpert des Universums durch Proportionen, Perspektive und Helldunkel. „Malerei“, schreibt Leonardo, „ist eine Wissenschaft und die legitime Tochter der Natur ..., eine Verwandte Gottes.“ Durch das Studium der Natur lernt der perfekte Naturforscher den „göttlichen Geist“ kennen, der sich darunter verbirgt Aussehen Natur. Im kreativen Wettbewerb mit diesem göttlich-intelligenten Prinzip bekräftigt der Künstler dadurch seine Ähnlichkeit mit dem höchsten Schöpfer. Da er „alles, was im Universum existiert, zuerst in seiner Seele und dann in seinen Händen“ hat, ist auch er „eine Art Gott“.
Leonardo ist Wissenschaftler. Technische Projekte
Als Wissenschaftler und Ingenieur bereicherte Leonardo da Vinci nahezu alle Wissensgebiete seiner Zeit mit aufschlussreichen Beobachtungen und Vermutungen und betrachtete seine Notizen und Zeichnungen als Skizzen für eine riesige naturphilosophische Enzyklopädie. Er war prominenter Vertreter neu, basierend auf dem Experiment der Naturwissenschaft. Leonardo widmete der Mechanik besondere Aufmerksamkeit, nannte sie „das Paradies der mathematischen Wissenschaften“ und sah darin den Schlüssel zu den Geheimnissen des Universums; Er versuchte, die Gleitreibungskoeffizienten zu bestimmen, untersuchte den Widerstand von Materialien und beschäftigte sich mit Begeisterung mit der Hydraulik. Zahlreiche hydrotechnische Experimente fanden ihren Ausdruck in innovativen Entwürfen für Kanäle und Bewässerungssysteme. Die Leidenschaft für das Modellieren führte Leonardo zu erstaunlichen technischen Weitblicken, die seiner Zeit weit voraus waren: Dies sind die Skizzen von Projekten für metallurgische Öfen und Walzwerke, Webstühle, Druck-, Holzbearbeitungs- und andere Maschinen, ein U-Boot und ein Panzer sowie die Entwürfe von Flugzeugen und Flugzeugen, die nach einer gründlichen Untersuchung des Vogelflugs entwickelt wurden. Fallschirm.
Optik
Die von Leonardo gesammelten Beobachtungen zum Einfluss transparenter und durchscheinender Körper auf die Farbe von Objekten, die sich in seiner Malerei widerspiegelten, führten zur Etablierung der Prinzipien der Luftperspektive in der Kunst. Die Universalität optischer Gesetze war für ihn mit der Idee der Einheitlichkeit des Universums verbunden. Er war kurz davor, ein heliozentrisches System zu schaffen, da er die Erde als „einen Punkt im Universum“ betrachtete. Er untersuchte die Struktur des menschlichen Auges und spekulierte über die Natur des binokularen Sehens.
Anatomie, Botanik, Paläontologie
In anatomischen Studien wurde durch die Zusammenfassung der Ergebnisse von Leichenobduktionen der Grundstein für die moderne wissenschaftliche Illustration in detaillierten Zeichnungen gelegt. Er untersuchte die Funktionen von Organen und betrachtete den Körper als Modell der „natürlichen Mechanik“. Er beschrieb zum ersten Mal eine Reihe von Knochen und Nerven, widmete den Problemen der Embryologie und der vergleichenden Anatomie besondere Aufmerksamkeit und versuchte, die experimentelle Methode in die Biologie einzuführen. Nachdem er die Botanik als eigenständige Disziplin anerkannt hatte, gab er sie ab klassische Beschreibungen Blattanordnung, Helio- und Geotropismus, Wurzeldruck und Bewegung des Pflanzensaftes. Er war einer der Begründer der Paläontologie und glaubte, dass die auf den Gipfeln der Berge gefundenen Fossilien die Vorstellung einer „globalen Flut“ widerlegen.
Leonardo da Vinci enthüllte das Ideal des „universellen Menschen“ der Renaissance und wurde in der nachfolgenden Tradition als eine Person verstanden, die das Spektrum der kreativen Aufgaben dieser Zeit am deutlichsten umriss. In der russischen Literatur wurde das Porträt von Leonardo von D. S. Merezhkovsky im Roman „Die auferstandenen Götter“ (1899-1900) geschaffen.
Gemälde von Leonardo da Vinci:
„Jungfrau und Kind mit dem Johanneskind „Mona Lisa“ 1503 von Baptist und St. Anna “
“ Kopf einer jungen Frau „Madonna und Kind“
“ Das letzte Abendmahl ” 1495-1497
Rafael Santi
Raffaello Santi (1483–1520), italienischer Maler und Architekt. Vertreter der Hochrenaissance. Mit klassischer Klarheit und erhabener Spiritualität verkörperte er die lebensbejahenden Ideale der Renaissance. Frühe Werke („Madonna Conestabile“, ca. 1502-03) sind von Anmut und sanfter Lyrik durchdrungen. Er verherrlichte die irdische Existenz des Menschen, die Harmonie der geistigen und körperlichen Kräfte in den Gemälden der Strophen (Räume) des Vatikans (1509-17) und erlangte ein tadelloses Gespür für Proportionen, Rhythmus, Proportionen, Farbharmonie und Einheit Figuren und majestätische architektonische Hintergründe. Zahlreiche Muttergottesbilder („Sixtinische Madonna“, um 1513), künstlerische Ensembles in den Wandgemälden der Villa Farnesina (1514–18) und den Loggien des Vatikans (1519, mit Studenten). Die Porträts schufen ein Idealbild eines Renaissance-Menschen (B. Castiglione, 1514-15). Entwarf die Kathedrale St. Peter baute die Chigi-Kapelle der Kirche Santa Maria del Popolo (1512-20) in Rom.
RAFAEL (richtiger Name Raffaello Santi) (Raffaello Santi) (26. oder 28. März 1483, Urbino – 6. April 1520, Rom), italienischer Künstler und Architekt. Sohn des Malers Giovanni Santi. Laut Vasari studierte er bei Perugino. Erstmals 1500 als selbständiger Meister erwähnt. 1504–08 war er in Florenz tätig. Ende 1508 zog er auf Einladung von Papst Julius II. nach Rom, wo er neben Michelangelo eine führende Stellung unter den Künstlern einnahm, die am Hofe von Julius II. und seinem Nachfolger Leo X. wirkten.
Bereits in den frühen Gemälden, die noch vor seinem Umzug nach Florenz entstanden, wirkte sich das harmonische Talent Raffaels, seine Fähigkeit, eine tadellose Übereinstimmung von Formen, Rhythmen, Farben, Bewegungen, Gesten zu finden, aus – und in solchen kleinformatigen Werken fast Miniaturen, wie die Conestabile Madonna (ca. 1502-03, Hermitage), The Dream of a Knight (ca. 1504, National Gallery, London), The Three Graces (Condé Museum, Chantilly), Saint George (ca. 1504, National Gallery, Washington) und im größeren Format „Betrothal of Mary“ (1504, Brera, Mailand).
Florentiner Zeit (1504-08)
Der Umzug spielte eine große Rolle in der kreativen Entwicklung von Raphael. Für ihn war es von größter Bedeutung, mit der Methode Leonardo da Vincis vertraut zu sein. Nach Leonardo begann er, sich intensiv mit der Natur zu beschäftigen, studierte Anatomie, Bewegungsmechanik, komplexe Körperhaltungen und Winkel und suchte nach kompakten, rhythmisch ausgewogenen Kompositionsformeln. In den letzten florentinischen Werken Raffaels (Die Grablegung, 1507, Galerie Borghese, Rom; Heilige Katharina von Alexandria, ca. 1507-08, National Gallery, London) besteht ein Interesse an den komplexen Formeln der dramatischen, bewegten Bewegung, die von ihm entwickelt wurden Michelangelo.
Das Hauptthema des Gemäldes der Florentiner Zeit ist die Madonna mit Kind, der mindestens 10 Werke gewidmet sind. Unter ihnen stechen drei Gemälde hervor, die in ihrer kompositorischen Lösung nahe beieinander liegen: „Madonna mit Stieglitz“ (ca. 1506-07, Uffizien), „Madonna im Grünen“ (1506, Kunsthistorisches Museum, Wien), „Schöner Gärtner“ (1507, Louvre). ). Er variiert darin das gleiche Motiv, zeigt eine junge Mutter vor dem Hintergrund einer idyllischen Landschaft und zu ihren Füßen spielende kleine Kinder – Christus und Johannes der Täufer – und vereint die Figuren mit einem stabilen, harmonisch ausgewogenen Rhythmus der von ihm geliebten zusammengesetzten Pyramide die Meister der Renaissance.
Römerzeit (1509-20)
Nach seinem Umzug nach Rom erhielt der 26-jährige Meister die Position eines „Künstlers des Apostolischen Stuhls“ und den Auftrag, die Haupträume des Vatikanpalastes auszumalen. Ab 1514 überwachte er den Bau der Kathedrale St. Peter arbeitet auf dem Gebiet der Kirchen- und Palastarchitektur. 1515 wurde er zum Kommissar für Altertümer ernannt und war für die Untersuchung und den Schutz antiker Denkmäler sowie für archäologische Ausgrabungen verantwortlich.
Fresken im Vatikanpalast
Den zentralen Platz im Werk dieser Zeit nehmen die Gemälde der Prunkräume des Vatikanpalastes ein. Die Wandgemälde der Stanza della Senyatura (1509-11) gehören zu den vollkommensten Schöpfungen Raffaels. Majestätische mehrfigurige Kompositionen an den Wänden (kombiniert von 40 bis 60 Zeichen) von „Disputation“ („Streit um das Sakrament“), „Athener Schule“, „Parnass“, „Grundlage des Kanonischen und Zivilrecht“und ihre entsprechenden vier allegorischen weibliche Figuren auf den Gewölben verkörpern Theologie, Philosophie, Poesie und Rechtswissenschaft.
Ohne eine einzige Figur und Pose, keine einzige Bewegung zu wiederholen, verwebt Raphael sie mit einem flexiblen, freien, natürlichen Rhythmus, der von Figur zu Figur, von einer Gruppe zur anderen fließt.
In der nahe gelegenen Station von Elidor (1512-14), in den Wandgemälden („Die Vertreibung Elidors aus dem Tempel“, „Die wundersame Vertreibung des Apostels Petrus aus dem Kerker“, „Messe in Bolsena“, „Treffen des Papstes“) Leo I. mit Attila“) und biblischen Szenen auf den Gewölben überwiegt der handlungserzählerische und dramatische Anfang, die pathetische Erregung von Bewegungen, Gesten, komplexen Kontrapunkten nimmt zu, die Kontraste von Licht und Schatten intensivieren sich. In „Die wundersame Ausstellung des Apostels Petrus aus dem Kerker“ vermittelt Raphael mit einer für den Künstler Mittelitaliens ungewöhnlichen malerischen Subtilität die komplexen Effekte der Nachtbeleuchtung – ein schillernder Glanz, der einen Engel umgibt, das kalte Licht des Mondes, das Rötliche Flammen von Fackeln und ihre Reflexionen auf der Rüstung der Wachen.
Zu den besten Werken des Wandmalers Raffael zählen auch die vom Bankier und Philanthropen Agostino Chigi in Auftrag gegebenen Wandgemälde an den Gewölben der Chigi-Kapelle (ca. 1513-14, Santa Maria della Pace, Rom) und das Fresko „Der Triumph der Galatea“. „voller heidnischer Fröhlichkeit (ca. 1514-15, Villa Farnesina, Rom).
Die zwischen 1515 und 1516 hergestellten Pappteppiche mit Episoden aus der Geschichte der Apostel Petrus und Paulus (Victoria and Albert Museum, London) stehen stilistisch den Wandgemälden des Stanz nahe, zeigen aber bereits erste Anzeichen der Erschöpfung des klassischen Stils Raffaels - Merkmale kalter Perfektion, Leidenschaft für den spektakulären Anfang, auffällige Posen, Übermaß an Gestikulation. Dies ist in noch größerem Maße charakteristisch für die Fresken der vatikanischen Stanza del Incendio (1514-17), die nach den Zeichnungen Raffaels von seinen Assistenten Giulio Romano und J. F. Penny angefertigt wurden. Leichtigkeit, Anmut und Fantasiereichtum zeichnen rein dekorative Gemälde aus, die Raffaels Assistenten nach seinen Zeichnungen im Psyche-Saal der Villa Farnesina (ca. 1515-16) und im sogenannten angefertigt haben. Loggien von Raffael im Vatikanischen Palast (1518-19).
Römische Madonnen
In der Römerzeit greift Raffael viel seltener auf das Madonnenbild zurück und findet eine neue, tiefere Lösung dafür. In Madonna della Sedia (um 1513, Pitti, Florenz), einer jungen Mutter, die als römischer Bürger verkleidet ist, sind der kleine Johannes der Täufer und Christus durch einen kreisförmigen Rahmen (Tondo) miteinander verbunden; Madonna scheint zu versuchen, ihren Sohn in ihren Armen zu verstecken – einen kleinen Titan mit einem unkindlich ernsten Blick. Eine neue, polyphonisch komplexe Interpretation des Madonnenbildes fand ihren vollständigsten Ausdruck in einer der vollkommensten Schöpfungen Raffaels – dem Altar „Sixtinische Madonna“ (um 1513, Kunsthalle Dresden).
Porträts
Die ersten Porträts stammen aus der Florentiner Zeit (Agnolo Doni, um 1505, Pitti, Florenz; Maddalena Strozzi, um 1505, ebenda; Donna Gravida, um 1505, ebenda). Allerdings überwand Raffael erst in Rom die Trockenheit und Steifheit seiner frühen Porträts. Zu den römischen Werken zählen das Porträt des Humanisten Baldassare Castiglione (ca. 1514–15, Louvre) und das sogenannte. „Donna Velata“, möglicherweise ein Modell der „Sixtinischen Madonna“ (um 1516, Pitti, Florenz), mit ihrer edlen und harmonischen Bildstruktur, kompositorischen Ausgewogenheit, Subtilität und Reichtum der Farbgebung.
architektonische Werke
Raffael hat die italienische Architektur deutlich geprägt. Zu seinen Bauten zählen die kleine Kirche San Eligio degli Orefici (gegründet um 1509) mit ihrem strengen Innenraum und die Chigi-Kapelle in der Kirche Santa Maria del Popolo (gegründet um 1512), deren Innenraum ein Beispiel für eine Einheit ist von architektonischem Design und Dekor, selbst für die Renaissance selten, entworfen von Raffael – Wandgemälde, Mosaike, Skulpturen und die unvollendete Villa Madama.
Raffael hatte großen Einfluss auf die weitere Entwicklung der italienischen und europäischen Malerei und wurde neben den Meistern der Antike zum höchsten Beispiel künstlerischer Exzellenz.
Gemälde von Rafael Santi:
„Nymphe Galatea“
„Madonna und Kind“
„Der heilige Georg kämpft gegen den Drachen“
„Die Vision des Propheten Heserkiel“ „Adam und Eva“
Michelangelo Buonarroti
Michelangelo Buonarroti (1475–1564), italienischer Bildhauer, Maler, Architekt und Dichter. Mit größter Kraft drückte er die zutiefst menschlichen Ideale der Hochrenaissance voller heroischem Pathos sowie das tragische Gefühl der Krise der humanistischen Weltanschauung in der Spätrenaissance aus. Monumentalität, Plastizität und Dramatik der Bilder, Bewunderung für menschliche Schönheit erschien bereits in frühen Werken („Beweinung Christi“, um 1497–98; „David“, 1501–04; Pappe „Schlacht von Kashin“, 1504–06). Die Bemalung des Gewölbes der Sixtinischen Kapelle im Vatikan (1508-12) und die Statue von „Moses“ (1515-16) bestätigen die körperliche und geistige Schönheit des Menschen, seine grenzenlosen kreativen Möglichkeiten. Tragische Töne, verursacht durch die Krise der Renaissance-Ideale, erklingen im Ensemble der Neuen Sakristei der Kirche San Lorenzo in Florenz (1520-34), im Fresko „Das Jüngste Gericht“ (1536-41) an der Altarwand der Sixtinischen Kapelle, in den späteren Versionen der „Beweinung Christi“ (ca. 1550-55) usw. Das plastische Prinzip, der dynamische Kontrast der Massen dominieren in der Architektur von Michelangelo (die Laurentianische Bibliothek in Florenz, 1523- 34). Ab 1546 überwachte er den Bau der Kathedrale St. Peter, die Schaffung des Ensembles des Kapitols in Rom. Die Poesie Michelangelos zeichnet sich durch Gedankentiefe und hohe Tragik aus.
Michelangelo Buonarroti (1475, Caprese – 1564, Rom), italienischer Bildhauer, Maler, Architekt, Dichter, einer der führenden Meister der Hochrenaissance.
Jugend. Jahre des Studiums
Seine frühe Ausbildung erhielt er an einer Lateinschule in Florenz. Er studierte Malerei bei Ghirlandaio und Bildhauerei bei Bertoldo di Giovanni an der von Lorenzo Medici gegründeten Kunstschule in den Medici-Gärten. Er kopierte die Fresken von Giotto und Masaccio, studierte die Bildhauerei von Donatello und lernte 1494 in Bologna die Werke von Jacopo della Quercia kennen. Im Haus von Lorenzo, in dem Michelangelo zwei Jahre lang lebte, lernte er die Philosophie des Neuplatonismus kennen, die später einen starken Einfluss auf sein Weltbild und sein Schaffen hatte. Der Reiz zur monumentalen Vergrößerung der Formen zeigte sich bereits in seinen ersten Werken – den Reliefs „Madonna auf der Treppe“ (um 1491, Casa Buonarroti, Florenz) und „Schlacht der Zentauren“ (um 1492, ebd.).
Erste römische Periode (1496-1501)
In Rom setzte Michelangelo sein Studium der Medici-Gärten fort. antike Skulptur, was zu einer der Quellen seiner reichen Plastizität wurde. Die antike Statue des Bacchus (um 1496, Nationalmuseum, Florenz) und die Skulpturengruppe „Pieta“ (um 1498-99), die vom Beginn der schöpferischen Reife des Meisters zeugen, gehören zur ersten Römerzeit.
Florentiner Zeit (1501-06). Statue von David
Als Michelangelo 1501 nach Florenz zurückkehrte, erhielt er von der Regierung der Republik den Auftrag, eine 5,5 Meter hohe Davidstatue zu schaffen (1501-04, Akademie, Florenz). Auf dem Hauptplatz von Florenz neben dem Rathaus des Palazzo Vecchio (heute durch eine Kopie ersetzt) installiert, sollte es zum Symbol der Freiheit der Republik werden. Michelangelo stellte David nicht als zerbrechlichen Teenager dar, der auf dem abgetrennten Kopf von Goliath herumtrampelt, wie es die Meister des 15 schrecklich – großartig).
Zur gleichen Zeit, in den Jahren 1501-05, arbeitete Michelangelo an einem anderen Auftrag der Regierung – Pappe für das Fresko „Schlacht von Cascine“, das zusammen mit dem Gemälde von Leonardo da Vinci „Die Schlacht von Anghiari“ schmücken sollte der Saal des Palazzo Vecchio. Die Wandgemälde wurden nicht ausgeführt, aber Michelangelos Skizze aus Pappe ist erhalten geblieben, die die Dynamik der Posen und Gesten der Bemalung der Sixtinischen Decke vorwegnimmt.
Zweite römische Periode (1505-16)
Im Jahr 1505 berief Papst Julius II. Michelangelo nach Rom und beauftragte ihn mit der Arbeit an seinem Grabstein. Michelangelos Projekt sah die Schaffung eines majestätischen, freistehenden Mausoleums vor, das im Gegensatz zu den für das damalige Italien traditionellen Wandgrabsteinen mit 40 Statuen geschmückt war, die größer als ein Mensch waren. Die rasche Abkühlung Julius II. von dieser Idee und die Einstellung der Finanzierung des Werkes führten zu einem Streit zwischen dem Meister und dem Papst und zu Michelangelos trotziger Abreise nach Florenz im März 1506. Erst 1508 kehrte er nach Rom zurück, nachdem er einen Auftrag von Julius erhalten hatte II, um die Sixtinische Kapelle zu bemalen.
Fresken in der Sixtinischen Kapelle
Die Fresken der Sixtinischen Decke (1508-12) sind die grandiosesten realisierten Pläne Michelangelos. Michelangelo lehnte das ihm vorgeschlagene Projekt mit den Figuren von 12 Aposteln in den Seitenteilen des Gewölbes und der ornamentalen Füllung des Hauptteils ab und entwickelte ein eigenes Wandgemäldeprogramm, das noch immer unterschiedliche Interpretationen hervorruft. Die Bemalung des riesigen Gewölbes, das die riesige (40,93 x 13,41 m) päpstliche Kapelle bedeckt, umfasst 9 große Kompositionen im Spiegel des Gewölbes zu den Themen des Buches Genesis – von der Erschaffung der Welt bis zur Sintflut, 12 riesige Figuren von Sibyllen und Propheten in den Seitenbändern des Gewölbes, der Zyklus „Vorfahren Christi“ in den Schalungen und Lünetten, 4 Kompositionen in den Ecksegeln zum Thema der wundersamen Befreiung des jüdischen Volkes. Dutzende majestätischer Charaktere, die dieses grandiose Universum bewohnen, ausgestattet mit einer gigantischen Erscheinung und kolossaler spiritueller Energie, zeigen einen außergewöhnlichen Reichtum an komplexesten Gesten, Posen, Gegenpositionen und Winkeln, die von kraftvollen Bewegungen durchdrungen sind.
Grabstein von Papst Julius II
Nach dem Tod von Julius II. (1513) beginnt Michelangelo erneut mit der Arbeit an seinem Grabstein und schafft 1513-16 drei Statuen – „Der sterbende Sklave“, „Der auferstandene Sklave“ (beide im Louvre) und „Moses“. Das ursprüngliche Projekt, das von den Erben Julius II. immer wieder überarbeitet wurde, wurde nicht umgesetzt. Gemäß dem sechsten mit ihnen geschlossenen Vertrag wurde 1545 in der römischen Kirche San Pietro in Vincoli ein zweistufiger Wandgrabstein aufgestellt, der „Moses“ und 6 Statuen aus den frühen 1540er Jahren enthielt. im Atelier von Michelangelo.
Vier unvollendete Statuen von „Sklaven“ (ca. 1520-36, Accademia, Florenz), die ursprünglich für einen Grabstein gedacht waren, geben einen Eindruck von Michelangelos Schaffensmethode. Im Gegensatz zu zeitgenössischen Bildhauern bearbeitete er einen Marmorblock nicht von allen Seiten, sondern nur von einer Seite, als würde er Figuren aus der Dicke des Steins extrahieren; In seinen Gedichten sagt er immer wieder, dass der Bildhauer nur das ursprünglich im Stein verborgene Bild freigibt. In angespannten, dramatischen Posen dargestellt, scheinen die „Sklaven“ zu versuchen, der Steinmasse zu entkommen, die sie fesselt.
Medici-Kapelle
Im Jahr 1516 beauftragte Papst Leo X. von den Medici Michelangelo mit der Entwicklung eines Projekts für die Fassade der im 15. Jahrhundert erbauten Kirche San Lorenzo in Florenz. Brunelleschi. Michelangelo wollte die Fassade dieser Medici-Pfarrkirche zu einem „Spiegel ganz Italiens“ machen, doch die Arbeiten wurden aus Geldmangel eingestellt. Im Jahr 1520 beauftragte Kardinal Giulio Medici, der spätere Papst Clemens VII., Michelangelo, die Neue Sakristei der Kirche San Lorenzo in ein grandioses Grab der Medici-Familie umzuwandeln. Die Arbeit an diesem Projekt wurde durch den Aufstand gegen die Medici von 1527–30 unterbrochen (Michelangelo war einer der Anführer der dreijährigen Verteidigung des belagerten Florenz) und war noch nicht abgeschlossen, als Michelangelo 1534 nach Rom aufbrach; Die von ihm geschaffenen Statuen wurden erst 1546 aufgestellt.
Die Medici-Kapelle ist ein komplexes architektonisches und skulpturales Ensemble, dessen figurativer Inhalt Anlass zu unterschiedlichen Interpretationen gab. Die Statuen der Herzöge Lorenzo und Giuliano Medici, die in flachen Nischen vor dem Hintergrund einer antiken Architekturdekoration sitzen und in die Rüstungen römischer Kaiser gekleidet sind, weisen keine Porträtähnlichkeit auf und symbolisieren möglicherweise aktives Leben und kontemplatives Leben. Den grafisch leichten Umrissen des Sarkophags steht die plastische Kraft der riesigen Statuen von Tag und Nacht, Morgen und Abend gegenüber, die in schmerzhaft unbequemen Posen auf den schrägen Decken des Sarkophags liegen, als wären sie bereit, von ihnen abzurutschen. Michelangelo drückte das dramatische Pathos dieser Bilder in einem von ihm wie im Auftrag der Nacht verfassten Vierzeiler aus:
Es ist süß für mich zu schlafen und noch mehr - ein Stein zu sein,
Wenn Scham und Verbrechen allgegenwärtig sind:
Nicht fühlen, nicht sehen – Erleichterung.
Halt die Klappe, Freund, warum weckst du mich? (Übersetzt von A. Efros).
Laurenzian-Bibliothek
Während der Arbeitsjahre in Florenz 1520-34 entstand der Stil des Michelangelo-Architekten, der sich durch erhöhte Plastizität und malerischen Reichtum auszeichnet. Die Treppe der Laurentianischen Bibliothek wurde mutig und unerwartet gelöst (Projekt um 1523-34, durchgeführt nach Michelangelos Abreise nach Rom). Die monumentale Marmortreppe, die den weitläufigen Vorraum fast vollständig ausfüllt und direkt an der Schwelle des Lesesaals im zweiten Stock beginnt, führt über eine schmale, steile Treppe aus dem Eingang und führt, schnell erweiternd, drei Arme bildend, einfach hinab ebenso steil; Der dynamische Rhythmus der großen Marmorstufen, die auf die in den Saal aufsteigenden Personen gerichtet sind, wird als eine Art Kraft wahrgenommen, die es zu überwinden gilt.
Dritte römische Periode. „Jüngstes Gericht“
Mit Michelangelos Umzug nach Rom im Jahr 1534 beginnt die letzte, dramatische Periode seines Schaffens, die mit der allgemeinen Krise der florentinisch-römischen Renaissance zusammenfällt. Michelangelo nähert sich dem Kreis der Dichterin Vittoria Colonna, die Ideen der religiösen Erneuerung, die die Mitglieder dieses Kreises bewegten, hinterließen tiefe Spuren in seinem Weltbild dieser Jahre. Im kolossalen (17 x 13,3 m) Fresko „Das Jüngste Gericht“ (1536-41) an der Altarwand der Sixtinischen Kapelle weicht Michelangelo von der traditionellen Ikonographie ab und stellt nicht den Moment des Gerichts dar, in dem die Gerechten bereits von den Sündern getrennt sind , aber sein Anfang: Christus, der mit der Geste einer erhobenen Hand straft, bringt das untergehende Universum vor unseren Augen zu Fall. Wenn in der Sixtinischen Decke die gigantischen menschlichen Figuren die Quelle der Bewegung waren, werden sie jetzt wie ein Wirbelsturm von einer äußeren Kraft mitgerissen, die sie übertrifft; Die Charaktere verlieren ihre Schönheit, ihre gigantischen Körper scheinen mit Muskelknötchen anzuschwellen, die die Harmonie der Linien zerstören. Bewegungen voller Verzweiflung und Gesten sind scharf, unharmonisch; Von der allgemeinen Bewegung mitgerissen, sind die Gerechten nicht von Sündern zu unterscheiden.
Laut Vasari Papst Paul IV. in den 1550er Jahren. wollte das Fresko abreißen, doch stattdessen wurde der Künstler Daniele da Volterra beauftragt, die Heiligen zu „bekleiden“ oder ihre Nacktheit mit Lendenschurzen zu bedecken (diese Einträge wurden während der Restaurierung, die 1993 endete, teilweise entfernt).
Tragisches Pathos ist auch von den letzten Gemälden Michelangelos durchdrungen – den Fresken „Die Kreuzigung des Apostels Petrus“ und „Der Fall Sauls“ (1542-50, Paolina-Kapelle, Vatikan). Generell hatte die späte Malerei Michelangelos einen entscheidenden Einfluss auf die Entstehung des Manierismus.
späte Skulpturen. Poesie
Die dramatische Komplexität figurativer Lösungen und plastischer Sprache zeichnet die späten skulpturalen Werke Michelangelos aus: „Pieta mit Nikodemus“ (ca. 1547–55, Kathedrale von Florenz) und „Pieta Rondanini“ (unvollendete Gruppe, ca. 1555–64, Castello Sforzesco). .
In der letzten römischen Zeit sind die meisten der fast 200 überlieferten Gedichte Michelangelos entstanden, die sich unterscheiden philosophische Tiefe Gedanken und angespannte Ausdruckskraft der Sprache.
Kathedrale St. Petra
1546 wurde Michelangelo zum Chefarchitekten von St. Peter, dessen Bau von Bramante begonnen wurde, dem es bis zu seinem Tod (1514) gelang, vier riesige Säulen und Bögen des Mittelkreuzes sowie teilweise eines der Kirchenschiffe zu bauen. Unter seinen Nachfolgern – Peruzzi, Rafael, Sangallo, die teilweise von Bramantes Plan abwichen – kam der Bau kaum voran. Michelangelo kehrte zum zentrischen Plan von Bramante zurück und vergrößerte gleichzeitig alle Formen und Artikulationen, um ihnen plastische Kraft zu verleihen. Michelangelo schaffte es noch zu seinen Lebzeiten, fertig zu werden östlicher Teil die Kathedrale und das Vestibül einer riesigen Kuppel (42 m Durchmesser), die nach seinem Tod von Giacomo della Porta errichtet wurde.
Capitol-Ensemble
Das zweite grandiose Architekturprojekt Michelangelos wurde erst im 17. Jahrhundert abgeschlossen. Capitol-Ensemble. Es umfasst den mittelalterlichen Palast der Senatoren (Rathaus), der nach dem Projekt von Michelangelo umgebaut wurde und mit einem Türmchen gekrönt ist, und zwei majestätische Paläste der Konservativen mit identischen Fassaden, vereint durch den kraftvollen Rhythmus der Pilaster. Die antike Reiterstatue von Marcus Aurelius in der Mitte des Platzes und eine breite Treppe, die zu den Wohnvierteln der Stadt führt, vervollständigten dieses Ensemble, das das neue Rom mit den grandiosen Ruinen des antiken Forum Romanum verband andere Seite des Kapitols.
Beerdigung in Florenz
Trotz wiederholter Einladungen von Herzog Cosimo de' Medici weigerte sich Michelangelo, nach Florenz zurückzukehren. Nach seinem Tod wurde sein Leichnam heimlich aus Rom gebracht und feierlich im Grab der berühmten Florentiner – der Kirche Santa Croce – beigesetzt.
Funktioniert Michelangelo Buonarroti:
“ David ”
“ Trennung von Licht und Dunkelheit ”
„Die Erschaffung von Sonne und Mond“
Die Renaissance ist eine der beeindruckendsten Seiten in der Geschichte der Weltkunst. Es umfasst etwa drei Jahrhunderte (XIV. – XVI. Jahrhundert). Im Vergleich zu den Epochen der Antike (ca. 5000.000 Jahre) und des Mittelalters (ca. 1000 Jahre) scheint die Renaissance ein sehr kurzer Zeitraum zu sein. Doch durch die Zahl der brillanten Kunstwerke, Neuheit und Mut der Suche nach Meistern dieser Zeit künstlerisches Erbe Die Renaissance steht den vorherigen Stadien in der Entwicklung der Weltkunst in nichts nach.
Italien war der Geburtsort der Renaissance. Bereits im XIV. Jahrhundert tauchte in den Werken des großen italienischen humanistischen Dichters Francesco Petrarca (1304-1374) das Konzept von Rinascimento – Renaissance (auf Französisch „Renaissance“) auf.
In dieser Zeit wurden die Grundlagen der modernen Wissenschaft gelegt. hohes Level gelangt zur Literatur, die mit der Erfindung des Buchdrucks durch den Deutschen Johannes Gutenberg bisher nie dagewesene Verbreitungsmöglichkeiten erhielt. Zu dieser Zeit machen Christoph Kolumbus und Kopernikus ihre Entdeckungen, die großen Italiener Dante, Petrarca, der Franzose Francois Rabelais, der Autor des Romans „Gargantua und Pantagruel“, Michel Montaigne, der Schöpfer der berühmten „Experimente“, schreiben ihre unsterblichen Werke . Shakespeares Tragödien, „Don Quijote“ von Cervantes, die durch die Tiefe des Eindringens in die Psychologie des Menschen und das Wissen über seine Leidenschaften und Sehnsüchte auffallen, wurden in der Renaissance geschrieben.
Die philosophische Richtung des Humanismus (vom lateinischen „humanus“ – eine Person) wird zur ideologischen Grundlage der Renaissancekultur. Der Mensch wird wieder zum „Maß aller Dinge“. Das Motto der Renaissance-Kunst könnte den Worten des italienischen Humanisten des 15. Jahrhunderts entnommen werden. Graf Pico della Mirandola wendet sich in seiner Lobrede im Mund Gottes, des Schöpfers, an den Menschen: „Ich habe dich in den Mittelpunkt der Welt gestellt ...“
Im Gegensatz zur romanischen und gotischen Kultur war die mittelalterliche Kultur der Renaissance säkularer Natur, der Hauptthemenkreis blieb jedoch mit mythologischen und biblischen Themen verbunden. Die Ära der Renaissance stellte die Weltanschauung der Humanisten, die den Wert der menschlichen Person bekräftigten, den kirchlichen Dogmen gegenüber.
Eine der Grundlagen der Kunst der Renaissance ist das neue Verständnis des Erbes der Antike.
Die Ideale des Humanismus spiegeln sich auch in der Architektur wider: Gebäude erhalten ein klares harmonisches Erscheinungsbild, ihre Proportionen und Maßstäbe korrelieren mit dem Menschen.
Der wahre Begründer der schönen Künste der Hochrenaissance war der brillante Florentiner Leonardo da Vinci (1452-1519).
Leonardos Manuskripte bezeugen, dass er nicht nur ein großer Maler und Bildhauer, sondern auch ein Architekt, Mechaniker, Ingenieur, Botaniker und Anatom war.
Als Multitalent interessierte sich Leonardo da Vinci für alles, was ihn umgab, und schrieb seine Eindrücke in ein Notizbuch, das er immer bei sich trug. „Ich gebe mich einem unstillbaren Wissensdurst hin und träume davon, den Ursprung zahlreicher Geschöpfe der Natur zu verstehen“, sagte er über sich. Zeit seines Lebens betrachtet der Künstler die Welt mit all ihrer Formenvielfalt als eine Schöpfung der Natur, die über einen eigenen „Geist“ verfügt, und fordert die Maler auf, Vermittler zwischen Natur und Kunst zu sein.
