Βαθμολογία παγκόσμιων πιανιστών. Σύγχρονοι πιανίστες: μια λίστα με τους καλύτερους πιανίστες της εποχής μας, έργα

KGKP "Σχολή Τεχνών του Akimat της περιοχής Shemonaikha"

ερευνητικό πρόγραμμα

Σπουδαίοι πιανίστες - ερμηνευτές

19ος, 20ος, 21ος αιώνας

Προετοιμάστηκε από: Tayurskikh Daria 5η τάξη

Podfatilov Denis 3η τάξη

Αρχηγός ομάδας:

δασκάλα καλλιτεχνικών σχολείων

Dobzhanskaya Yu.B.

G. Shemonaikha, 2016.

Εισαγωγή……………………………………………………………………….2

XIX αιώνα…………………………………………………………………..3

ΧΧ αιώνα…………………………………………………………………..13

XXI αιώνα……………………………………………………………….24

Συμπέρασμα…………………………………………………..............

... "πιάνο - είναι η αρχή και το τέλος των πάντων, όχι τόσο ένα μουσικό όργανο όσο τρόπος ζωής, και το νόημα δεν είναι στη μουσική για χάρη της μουσικής, αλλά στη μουσική για χάρη του πιάνου».

Χέρολντ Σόνμπεργκ

πιανίστες– Αυτό μουσικοί, ειδικεύεται στην εκτέλεση μουσικών έργων για πιάνο.

Σπουδαίοι πιανίστες. Πώς γίνεσαι μεγάλος πιανίστας; Είναι πάντα πολλή δουλειά. Και όλα ξεκινούν από την παιδική ηλικία. Πολλοί πιανίστες και συνθέτες άρχισαν να κάνουν μουσική σε ηλικία 4 ή και 3 ετών.Στη συνέχεια, όταν σχηματίζεται ένα «πλατύ» σχήμα της παλάμης, το οποίο στο μέλλον βοηθά να παίξετε με μαεστρία.

Ανάλογα με την εποχή της ανάπτυξης της μουσικής για πιάνο, μερικές φορές προβλήθηκαν εκ διαμέτρου αντίθετες απαιτήσεις για τους πιανίστες. Επιπλέον, το επάγγελμα του μουσικού αναπόφευκτα διασταυρώνεται με το επάγγελμα του συνθέτη. Οι περισσότεροι πιανίστες συνθέτουν οι ίδιοι κομμάτια για πιάνο. Και μόνο σπάνιοι βιρτουόζοι κατάφεραν να γίνουν διάσημοι ερμηνεύοντας αποκλειστικά μελωδίες άλλων ανθρώπων.
Σε κάθε περίπτωση, όπως κάθε μουσικός, είναι σημαντικό για έναν πιανίστα να είναι ειλικρινής και συναισθηματικός, να μπορεί να διαλυθεί στη μουσική που ερμηνεύει.

Η ιστορία της μουσικής για πιάνο είναι αρκετά ενδιαφέρουσα. Υπάρχουν πολλά στάδια σε αυτό, καθένα από τα οποία έχει τις δικές του παραδόσεις. Συχνά, τα κανόνια της εποχής ορίστηκαν από έναν (σπάνια από πολλούς) συνθέτες που έπαιζαν με μαεστρία το όργανο (στην αρχή ήταν το τσέμπαλο και αργότερα το πιάνο).

Ως εκ τούτου, επισημαίνοντας τρεις εποχές στην ιστορία του πιανισμού, ονομάζονται από τους πιο διάσημους συνθέτες - Μότσαρτ, Λιστ και Ραχμάνινοφ. Κατά την παραδοσιακή ορολογία των ιστορικών, αυτές ήταν οι εποχές του κλασικισμού, μετά του ρομαντισμού και του πρώιμου μοντερνισμού, αντίστοιχα.

Καθένας από αυτούς παρέμεινε για αιώνες ως σπουδαίος συνθέτης, αλλά κάποτε καθόρισε επίσης τις βασικές τάσεις στον πιανισμό: τον κλασικισμό, τον ρομαντισμό και τον πρώιμο μοντερνισμό. Ταυτόχρονα, άλλοι μεγάλοι πιανίστες έδρασαν ταυτόχρονα με τον καθένα τους. Μερικοί από αυτούς ήταν και σπουδαίοι συνθέτες. Ήταν οι: Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Johann Brahms, Frederic Chopin, Charles Valentin Alkan, Robert Schumann κ.α.

Εάν κάνετε ένα ταξίδι στην ιστορία της επιστήμης του πιάνου, μπορείτε να μάθετε πολλά ενδιαφέροντα πράγματα. Για παράδειγμα, ότι σε διαφορετικούς χρόνους, σε διαφορετικές εποχές, οι βασικές παραδόσεις στο παίξιμο πιάνου καθορίστηκαν από έναν ή περισσότερους μεγάλους συνθέτες που έπαιζαν άπταιστα το τσέμπαλο και αργότερα, με την έλευση του πιάνου, ήταν εξαιρετικοί πιανίστες.

Πολλοί διάσημοι πιανίστες έχουν διασκεδάσει και ενθουσιάσει τους ακροατές και τους λάτρεις της μουσικής σε όλη την ιστορία. Το πιάνο έχει γίνει ένα από τα πιο δημοφιλή όργανα από την εφεύρεσή του λόγω της ευελιξίας και του ευχάριστου ήχου του. Αν και η ιστορία έχει διατηρήσει πολλά ονόματα μεγάλων πιανιστών, οποιαδήποτε ανασκόπηση των πιο διάσημων πιανιστών-ερμηνευτών είναι πολύ υποκειμενική και τα ονόματα τέτοιων ερμηνευτών είναι δύσκολο να χωρέσουν σε μια λίστα.

Ωστόσο, υπάρχουν ακόμα πιανίστες που κατάφεραν να ανέβουν στην κορυφή της παγκόσμιας φήμης και αναγνώρισης.

XIXαιώνας

Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, ένα νέο όργανο μπαίνει στη μουσική ζωή - πιάνο.Ο εφευρέτης αυτού του «τσέμπαλου με πιάνο και φόρτε» ήταν ένας δάσκαλος της Πάντοβας

Bartolomeo Cristofori.

Σταδιακά, το πιάνο, βελτιούμενο, πήρε κυρίαρχη θέση στη μουσική πρακτική. Ένα όργανο με δράση σφύρας επέτρεψε την εξαγωγή ήχων διαφόρων δυνάμεων πάνω του και την εφαρμογή σταδιακά αυξάνων τόνοςΚαιdiminuendo. Αυτές οι ιδιότητες του πιάνου αντιστοιχούσαν στην επιθυμία για συναισθηματική εκφραστικότητα του ήχου, για μεταφορά στην κίνησή τους και ανάπτυξη εικόνων, σκέψεων και συναισθημάτων που ενθουσίαζαν τους ανθρώπους.

Με την εμφάνιση του πιάνου και την εισαγωγή του στην ερμηνευτική πρακτική, γεννήθηκαν νέοι εκπρόσωποι.

19ος αιώναςπρόβαλε έναν ολόκληρο γαλαξία εξαιρετικών συνθετών που διεύρυναν σημαντικά τα όρια των τεχνικών και εκφραστικών μέσων του πιάνου. Στις μεγαλύτερες πόλεις, ευρωπαϊκά κέντρα μουσικής και παραστατικής κουλτούρας, οι κύριες σχολές πιάνου, Αυτό:

Λονδίνο(Muzio Clementi, Johann Baptist Cramer, John Field);

Βιέννη(Ludwig van Beethoven, Johann Nepomuk Hummel, Karl Czerny, Ignaz Moscheles, Sigismund Thalberg και άλλοι).

Παρισινός,αργότερα γνωστό ως γαλλική γλώσσα(Friedrich Kalkbrenner, Henri Hertz, Antoine Francois Marmontel, Louis Diemer και άλλοι).

Γερμανός(Carl Maria Weber, Ludwig Berger, Felix Mendelssohn-Bartholdy, Robert Schumann, Hans Bülow και άλλοι).

Ρωσική(Alexander Dubuk, Mikhail Glinka, Anton and Nikolai Rubinstein κ.λπ.).

Στυλ παράστασης του 19ου αιώνα

Η ιστορία της ανάπτυξης της τεχνικής του πιάνου είναι η ιστορία των πολιτισμών και των στυλ. Μεταξύ των απαραίτητων δεξιοτήτων ενός πιανίστα του 18-19 αιώνα ήταν να είναι ο αυτοσχεδιασμός, τότε ο πιανίστας δεν είχε ακόμη χωριστεί από τον συνθέτη και αν ερμήνευε τη μουσική κάποιου άλλου, τότε ο κανόνας θεωρούνταν πολύ ελεύθερος, ατομικά δημιουργικός. χειρισμός του μουσικού κειμένου, υπήρχε πρακτική χρωματισμού και παραλλαγών, που πλέον θεωρείται άκυρη.

Το στυλ των δασκάλων του 19ου αιώνα ήταν γεμάτο με τέτοια εκτελεστική προθυμία που θα το θεωρούσαμε εκατό τοις εκατό άγευστο και απαράδεκτο.

Ένας εξαιρετικός ρόλος στην ανάπτυξη της μουσικής για πιάνο και της πιανιστικής κουλτούρας ανήκει Σχολεία του Λονδίνου και της Βιέννης.

Ο ιδρυτής του London School ήταν ο διάσημος βιρτουόζος, συνθέτης και δάσκαλος

Muzio Clementi (1752 -1832)

Muzio Clementi και οι μαθητές του έπαιζαν αγγλικό πιάνο, το οποίο είχε υπέροχο ήχο και απαιτούσε καθαρό, δυνατό πάτημα πλήκτρων, αφού αυτό το όργανο είχε πολύ σφιχτό πληκτρολόγιο. Το βιεννέζικο πιάνο, που σχεδιάστηκε από τον δάσκαλο Johann Stein και προτιμήθηκε από τον Mozart, είχε έναν πιο μελωδικό, αν και όχι τόσο δυνατό, ήχο και είχε ένα σχετικά ελαφρύ πληκτρολόγιο. Ως εκ τούτου, όντας ο διευθυντής και στη συνέχεια συνιδιοκτήτης μιας από τις μεγαλύτερες εταιρείες πιάνου στην Αγγλία, ο Clementi πέτυχε μια βελτίωση στα αγγλικά όργανα, δίνοντάς τους μεγαλύτερη μελωδικότητα και ελαφρύνοντας το πληκτρολόγιο. Το έναυσμα γι' αυτό ήταν μια προσωπική συνάντηση μεταξύ του Κλεμέντι και του Μότσαρτ το 1781 στη Βιέννη, όπου ο αρχικός τους διαγωνισμός ως συνθέτες και πιανίστες έλαβε χώρα στην αυλή του Αυστριακού αυτοκράτορα. Ο Κλεμέντι εντυπωσιάστηκε από την ψυχή του παιξίματος του Μότσαρτ και το «τραγούδι για πιάνο».

Muzio Clementi - ο συγγραφέας πολλών έργων πιάνου και ο μεγαλύτερος δάσκαλος, δημιούργησε τη δική του σχολή παιξίματος πιάνου. Ήταν ο συγγραφέας των πρώτων διδακτικών τεχνικών ασκήσεων και etudes στην ιστορία του πιάνου, δίνοντας μια ιδέα για τις μεθοδολογικές του αρχές.

Ο ίδιος ο Clementi, και οι μαθητές του (I. Kramer, D. Field - ένας από τους πιο προικισμένους μαθητές, E. Brekr) - σημαντικοί βιρτουόζοι των αρχών του 19ου αιώνα - διακρίνονταν για την εξαιρετική τεχνική των δακτύλων. Ο Κλεμέντι, μαζί με τους μαθητές του, δημιούργησε μια προοδευτική τεχνική που επικεντρώθηκε στην ανάπτυξη νέων τρόπων ερμηνείας του οργάνου, χρησιμοποιώντας την πλήρη «συναυλιακή» οπτική του ήχου και της ανακούφισης. Παιδαγωγικό έργο του Μ. Κλεμέντη «Βήμα στον Παρνασσό, ή η τέχνη του πιάνου, ενσωματωμένη σε 100 ασκήσεις σε αυστηρό και κομψό ύφος». Αυτό το έργο είναι ένα θεμελιώδες σχολείο για την εκπαίδευση των δεξιοτήτων του πιανισμού, 100 ασκήσεις εκπλήσσουν με την ποικιλία του περιεχομένου και τον όγκο των εργασιών εκτέλεσης. Πολλοί εκπρόσωποι της σχολής του Λονδίνου υπήρξαν τολμηροί καινοτόμοι στον χώρο του πιανισμού, χρησιμοποιώντας στις συνθέσεις τους, εκτός από δαχτυλικά περάσματα, διπλές νότες, οκτάβες, κατασκευές συγχορδιών, πρόβες και άλλες τεχνικές που δίνουν στον ήχο λάμψη και ποικιλία.

Η σχολή Clementi γέννησε ορισμένες παραδόσεις στην παιδαγωγική του πιάνου:

την αρχή των πολλών ωρών τεχνικών ασκήσεων·

Παίζοντας με "απομονωμένα", δάχτυλα σε σχήμα σφυριού με ένα ακίνητο χέρι.

σοβαρότητα του ρυθμού και δυναμική αντίθεσης.

ιδρυτές Σχολείο της Βιέννηςυπήρχαν σπουδαίοι πιανίστες συνθέτες: ο Χάυντν, ο Μότσαρτ και ο Μπετόβεν.

Ένας εξέχων εκπρόσωπος της προοδευτικής παιδαγωγικής του πιάνου ήταν πολύ διάσημος.

Karl (Karel) Czerny (1791-1857)

Η «Θεωρητική και πρακτική σχολή πιάνου» του Czerny έχει πολλά κοινά με το «Εγχειρίδιο» του Hummel. Μιλώντας αναλυτικά για την τεχνική του παιχνιδιού, για τους τρόπους ανάπτυξής της και απόκτησης των δεξιοτήτων που είναι απαραίτητες για έναν πιανίστα, τονίζει στο τρίτο μέρος της δουλειάς του ότι όλα αυτά είναι μόνο «μέσο για την επίτευξη του αληθινού στόχου της τέχνης, που αναμφίβολα, είναι να βάζεις ψυχή στην απόδοση και πνεύμα, και έτσι να επηρεάζεις τα συναισθήματα και τις σκέψεις των ακροατών.

Θα πρέπει να συμπεράνουμε ότι οι μέθοδοι διδασκαλίας του 19ου αιώνα περιορίστηκαν σε καθαρά τεχνικά καθήκοντα, τα οποία βασίστηκαν στην επιθυμία να αναπτύξουν τη δύναμη και την ευχέρεια των δακτύλων μέσω πολλών ωρών εκπαίδευσης. Μαζί με αυτό, στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα, οι πιο ταλαντούχοι ερμηνευτές, κυρίως μαθητές των Clementi, Adam, Czerny, Field και άλλων εξαιρετικών δασκάλων, που είχαν επιτύχει υψηλή δεξιοτεχνία, ανέπτυξαν με τόλμη νέες τεχνικές παιξίματος πιάνου, πετυχαίνοντας τη δύναμη ο ήχος του οργάνου, η φωτεινότητα και η λαμπρότητα των πολύπλοκων περασμάτων. Ιδιαίτερη σημασία στην υφή των έργων τους είχαν οι κατασκευές συγχορδιών, οι οκτάβες, οι διπλές νότες, οι πρόβες, οι τεχνικές μετατόπισης των χεριών και άλλα εφέ που απαιτούν τη συμμετοχή όλου του χεριού.

Παρίσι 19ος αιώνας είναι το κέντρο μουσική κουλτούρα, δεξιοτεχνία βιρτουόζου. Ο δημιουργός της παρισινής σχολής πιάνου θεωρείται συνθέτης, πιανίστας, δάσκαλος

Friedrich Kalkbrenner (1785-1849)

Στο έργο του «Μέθοδος διδασκαλίας του πιάνου με τη βοήθεια λαβής» (1830), τεκμηριώθηκε η χρήση τεχνικών συσκευών για την ανάπτυξη διαφόρων ειδών τεχνικής (λεπτές, μυϊκές διατάσεις κ.λπ.). χαρακτηριστικό σχολεία αυτού του τύπου - μια κοινότητα αυταρχικών παιδαγωγικώνεγκαταστάσεις. Η εκπαίδευση ξεκίνησε με την ανάπτυξη της σωστής προσαρμογής για το όργανο και την κατάκτηση των απλούστερων μηχανοτεχνικών τύπων και μόνο πολύ αργότερα οι μαθητές άρχισαν να μαθαίνουν μουσικά έργα.

Η επιθυμία για δεξιοτεχνία οδήγησε στην επιβολή του ρυθμού των μαθημάτων, στην κατάχρηση μηχανικών ασκήσεων, που οδήγησε σε επαγγελματικές ασθένειες και μείωση του ακουστικού ελέγχου.

Γερμανία 19ος αιώνας Η επίδραση της λογοτεχνικής-κριτικής και παιδαγωγικής δραστηριότητας στη ρομαντική αισθητική αυτής της χώρας είναι σημαντική.

Robert Schumann (1810-1856)

σημαντικό μέροςΣτα έργα του Robert Schumann, καταλήφθηκε η ανάπτυξη ερωτημάτων για το σχηματισμό ενός μουσικού - ενός αληθινού καλλιτέχνη ενός νέου τύπου, θεμελιωδώς διαφορετικού από τους μοντέρνους βιρτουόζους. Ο συνθέτης θεωρεί ότι αυτό είναι ένα από τα πιο αποτελεσματικά μέσα για την ανύψωση της μουσικής κουλτούρας.

Τα προβλήματα της μουσικής παιδαγωγικής θίγονται στα έργα του R. Schumann «House and Life Rules for Musicians», «Supplement to the Album for Youth», στον πρόλογο των Etudes on the Caprices of Paganini op. Z. Το περιεχόμενο του τα κύρια μουσικά και παιδαγωγικά ζητήματα είναι τα εξής: η αλληλεπίδραση ηθικής και αισθητικής εκπαίδευσης, η απόκτηση βαθιάς και πολύπλευρης γνώσης που αποτελεί τη βάση κάθε εκπαίδευσης, η διατύπωση των αρχών της σοβαρής τέχνης και η κριτική της διεύθυνσης και του πάθους του σαλονιού. «τεχνική για χάρη της τεχνολογίας» στη σύνθεση και τέχνες του θεάματος; αγώνα κατά του ντιλεταντισμού.

Οι μουσικές και παιδαγωγικές απόψεις του Schumann χρησίμευσαν και χρησιμεύουν ως βάση των προχωρημένων σύγχρονη τεχνική. Η μουσική για πιάνο του συνθέτη εξακολουθεί να χρησιμοποιείται ενεργά σε προγράμματα σπουδών όλων των επιπέδων μέχρι σήμερα.

Είναι αδύνατο να μην πω για έναν τόσο σπουδαίο συνθέτη και βιρτουόζο Πολωνό πιανίστα

Fryderike Chopin (1810-1849)

Στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα, ο Φρεντερίκ Σοπέν έγινε ο πρώτος συνθέτης που έγραψε αποκλειστικά για πιάνο. Ως προικισμένο παιδί, ο Σοπέν έγραψε πολλά όμορφα και περίπλοκα κομμάτια για πιάνο που έχουν ενθουσιάσει πολλούς μαθητές και πιανίστες για πολλά χρόνια. Ο Σοπέν κατέκτησε γρήγορα το Παρίσι. Αμέσως χτύπησε το κοινό με μια ιδιόμορφη και ασυνήθιστη ερμηνεία. Εκείνη την εποχή το Παρίσι είχε πλημμυρίσει από μουσικούς από όλο τον κόσμο. Οι βιρτουόζοι πιανίστες ήταν οι πιο δημοφιλείς. Το παιχνίδι του οποίου διακρίθηκε από τεχνική αρτιότητα και λαμπρότητα, ζαλίζοντας το κοινό. Γι' αυτό η πρώτη συναυλία του Σοπέν ακουγόταν σαν μια τόσο έντονη αντίθεση. Σύμφωνα με τα απομνημονεύματα των συγχρόνων, η παράστασή του ήταν εκπληκτικά πνευματική και ποιητική. Η μνήμη του διάσημου Ούγγρου μουσικού Φραντς Λιστ έχει διατηρηθεί για την πρώτη συναυλία του Σοπέν. Ο πιανίστας και συνθέτης που ξεκίνησε και τη λαμπρή του καριέρα: «Θυμόμαστε την πρώτη του εμφάνιση στο Hall of Pleyel, όταν το χειροκρότημα, που αυξήθηκε με εκδίκηση, δεν φαινόταν σε καμία περίπτωση αρκετό για να εκφράσει τον ενθουσιασμό μας μπροστά στο ταλέντο, το οποίο μαζί με χαρούμενες καινοτομίες στον τομέα της τέχνης του, άνοιξε μια νέα φάση στην ανάπτυξη του ποιητικού συναισθήματος. Ο Σοπέν κατέκτησε το Παρίσι, όπως κάποτε ο Μότσαρτ και ο Μπετόβεν κατέκτησαν τη Βιέννη. Όπως και ο Λιστ, αναγνωρίστηκε ως ο καλύτερος πιανίστας στον κόσμο.

Ούγγρος συνθέτης, πιανίστας, μαέστρος, δάσκαλος

Φραντς Λιστ (1811-1886)

Συνομήλικος και φίλος του Φ. Σοπέν. Δάσκαλος πιάνου του Ferenc ήταν ο K. Czerny.

Ερμηνεύοντας σε συναυλίες από την ηλικία των εννέα ετών, ο Λιστ έγινε για πρώτη φορά διάσημος ως βιρτουόζος πιανίστας.

Το 1823-1835. έζησε και έδωσε συναυλίες στο Παρίσι, όπου ανέπτυξε και την παιδαγωγική και συνθετική του δραστηριότητα. Εδώ ο μουσικός γνώρισε και έγινε στενός φίλος με τους G. Berlioz, F. Chopin, J. Sand και άλλες εξέχουσες προσωπικότητες της τέχνης και της λογοτεχνίας.

Το 1835-1839. Ο Λιστ ταξίδεψε στην Ελβετία και την Ιταλία και κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου έφερε στην τελειότητα την ικανότητά του ως πιανίστας.

Στο συνθετικό του έργο, ο Λιστ πρότεινε την ιδέα μιας σύνθεσης πολλών τεχνών, κυρίως μουσικής και ποίησης. Εξ ου και η κύρια αρχή του - ο προγραμματισμός (η μουσική συντίθεται για μια συγκεκριμένη πλοκή ή εικόνα). Το αποτέλεσμα ενός ταξιδιού στην Ιταλία και γνωριμίας με τους πίνακες Ιταλοί δάσκαλοιέγινε κύκλος πιάνου«Χρόνια περιπλάνησης», καθώς και μια σονάτα φαντασίας «Μετά την ανάγνωση του Δάντη».

Ο Franz Liszt συνέβαλε επίσης τεράστια στην ανάπτυξη της μουσικής για πιάνο συναυλιών.

Ο μουσικός πολιτισμός της Ρωσίας τον 19ο αιώνα. φαίνεται να είναι ένα είδος «μηχανής του χρόνου». Για εκατό χρόνια, η Ρωσία έχει περάσει μια διαδρομή τριών αιώνων, με την οποία δεν μπορεί να συγκριθεί η ομαλή και σταδιακή ανάπτυξη των εθνικών σχολών συνθέτη. μεγάλες χώρεςΔυτική Ευρώπη. Και μόνο εκείνη την εποχή οι Ρώσοι συνθέτες κατάφεραν να κυριαρχήσουν τον συσσωρευμένο πλούτο της λαϊκής τέχνης με την πραγματική έννοια της λέξης και να αναβιώσουν τις λαϊκές σκέψεις σε όμορφες και τέλειες μορφές. κλασσική μουσική.

Στα τέλη του 18ου - αρχές του 19ου αιώνα. η μουσική παιδαγωγική στη Ρωσία κάνει τα πρώτα της βήματα: δημιουργείται μια ρωσική σχολή πιάνου. Χαρακτηρίζεται από ενεργό ανάπτυξη ξένων μεθόδων διδασκαλίας και ταυτόχρονα την επιθυμία προχωρημένων Ρώσων δασκάλων να δημιουργήσουν μια εθνική σχολή πιανισμού.

Σε αντίθεση με τη Δυτική Ευρώπη, η Ρωσία δεν γνώριζε μια ιδιαίτερα ανεπτυγμένη κουλτούρα των κλαβιέρων, αν και το τσέμπαλο ήταν γνωστό από τον 16ο αιώνα. Οι Ρώσοι ακροατές έδειξαν μεγάλο ενδιαφέρον αποκλειστικά για φωνητική μουσική, και τα πλήκτρα που υπήρχαν στη Ρωσία χρησιμοποιήθηκαν για να συνοδεύσουν το τραγούδι και το χορό. Μόλις στα τέλη του 18ου αιώνα. αυξανόμενο ενδιαφέρον να μάθουν να παίζουν το clavier. Το Clavier School of Simon Lelein, αποσπάσματα από το «Clavier School» του Daniel Gottlieb Türk δημοσιεύτηκαν στα ρωσικά.

Στις αρχές του 19ου αιώνα, χρονολογείται η έκδοση της πραγματείας του Vincenzo Manfredini «Οι κανόνες της αρμονικής και της μελωδικής για τη διδασκαλία όλης της μουσικής». Μαζί με αυτό, διάφορες σχολές πιάνου ξένων μουσικών εκδόθηκαν στα ρωσικά το πρώτο μισό του 19ου αιώνα: M. Clementi’s Piano School (1816), D. Steibelt’s Complete Practical Piano School (1830), F Günten (1838) κ.ά. .

Από τους επιφανείς μουσικούς-δάσκαλους του πρώτου μισού του 19ου αιώνα. ήταν οι I. Prach, John Field, Adolf Henselt, A. Gerke, Alexander Villuan.

Κατά τη διάρκεια αυτών των ετών, σχολεία Ρώσων συγγραφέων αποφοιτούσαν επίσης στη Ρωσία, οι συντάκτες των οποίων προσπάθησαν να φέρουν τα εκπαιδευτικά βοηθήματα πιο κοντά στα καθήκοντα της εκπαίδευσης Ρώσων μουσικών. Το ρεπερτόριο του «Σχολείου» του I. Prach (Τσεχικό, πραγματικό όνομα Jan Bohumir, έτος γέννησης άγνωστο, πέθανε το 1818· συνθέτης, ο οποίος εργάστηκε για μεγάλο χρονικό διάστημα στην Αγία Πετρούπολη ως καθηγητής μουσικής σε διάφορα εκπαιδευτικά ιδρύματα) περιλάμβανε , για παράδειγμα, πολλά έργα Ρώσων συγγραφέων.

Στον αρχικό οδηγό Ι. PrachaΤο "Complete School for Piano..." (1806) έλαβε υπόψη τις ιδιαιτερότητες της ρωσικής ερμηνευτικής κουλτούρας. τέθηκαν ζητήματα μουσικής παιδείας των παιδιών. Ο Prach συνέβαλε σημαντικά στην ανάπτυξη της παιδαγωγικής του πιάνου. Συγκεκρινοποιεί τις θεωρητικές διατάξεις με βάση μεθοδολογικές κατευθυντήριες γραμμές που καθορίζουν διάφορες μεθόδους εκτέλεσης. (αρμονικές παραστάσεις, αρπέζ και συγχορδίες, σπασμένες οκτάβες κ.λπ.) με παραδείγματα που απεικονίζουν μια συγκεκριμένη τεχνική ή κίνηση.

Δραστηριότητα J. Fieldως μουσικός και δάσκαλος είχε μεγάλη σημασία για τη ρωσική παιδαγωγική πιάνου. Μεγάλωσε έναν γαλαξία διάσημων μουσικών, όπως οι M. Glinka, A. Verstovsky, A. Gurilev, A. Gerke και πολλοί άλλοι. Το σχολείο του Φιλντ είχε φυσικά μεγάλη σημασία. Μπορεί να θεωρηθεί ο ιδρυτής της κορυφαίας σχολής πιάνου. Στη δεκαετία του 20-30. 19ος αιώνας Στις σπουδές του, ο Field προσπάθησε να υποτάξει την τεχνική εργασία σε καλλιτεχνικούς στόχους: εκφραστικότητα φράσεων, φιλιγκράν φινίρισμα του ήχου κάθε νότας, αποκάλυψη του περιεχομένου του έργου.

Α. HenseltΚαιΑ. Γκέρκε

Δίδαξαν σε γενικά εκπαιδευτικά ιδρύματα και στο Ωδείο της Αγίας Πετρούπολης. Η παιδαγωγική τους μέθοδος αντανακλούσε την προοδευτική κατεύθυνση της ρωσικής σχολής πιάνου, δηλαδή: ανάπτυξη οριζόντων με βάση τη χρήση ενός εκτεταμένου ρεπερτορίου, την επιθυμία να εκπαιδεύσει την ανεξαρτησία του μαθητή. Ήταν ένθερμοι πολέμιοι της μεθόδου της «εκπαίδευσης», της «γεώτρησης».

A. Villuanήταν προοδευτικός παιδαγωγός. Του ιστορικό ρόλοέγκειται στο ότι ξεδίπλωσε το μουσικό ταλέντο του A. Rubinstein του παιδιού και κατάφερε να δώσει τη σωστή κατεύθυνση στην ανάπτυξή του. Οι καλύτερες πτυχές της παιδαγωγικής μεθόδου του Villuan, που εκδηλώνονται στο δικό του πρακτικές δραστηριότητες, αποτυπώθηκαν στο «Σχολείο» του (1863). Η μέθοδος εξαγωγής ήχου που βρήκε - «τραγουδώντας» στο πιάνο - έγινε μια από τις πιο ισχυρές καλλιτεχνικά μέσαΤα παιχνίδια του Α. Ρουμπινστάιν. Το «Σχολείο» καλύπτει μεγάλο όγκο γνώσεων που σχετίζονται με την τεχνική κατάρτιση και τη μουσική εκπαίδευση ενός πιανίστα. Ιδιαίτερα πολύτιμες είναι οι απόψεις του Villuan για την επίτευξη ενός μελωδικού βαθύ ήχου πιάνου, για την ανάπτυξη του legato, για το οποίο χρησιμοποιούνται λογικές τεχνικές που δεν έχουν χάσει τη σημασία τους ακόμη και σήμερα.

Στην ιστορία της ρωσικής προεπαναστατικής και μεταεπαναστατικής τέχνης, ο πρωταγωνιστικός ρόλος ανήκει Ωδεία Πετρούπολης και Μόσχας

τα μεγαλύτερα κέντρα μουσικού πολιτισμού της χώρας. Οι δραστηριότητες και των δύο ωδείων αναπτύχθηκαν σε στενή επαφή, η οποία καθορίστηκε όχι μόνο από την κοινότητα των καθηκόντων τους, αλλά και από το γεγονός ότι αρκετά συχνά οι μαθητές του Ωδείου της Αγίας Πετρούπολης εργάζονταν στη Μόσχα και οι Μοσχοβίτες έγιναν δάσκαλοι της Αγίας Πετρούπολης Ωδείο.

Έτσι, ο P. I. Tchaikovsky αποφοίτησε από το Ωδείο της Αγίας Πετρούπολης και στη συνέχεια έγινε ένας από τους πρώτους καθηγητές του Ωδείου της Μόσχας. L. Nikolaev (μαθητής του V. Safonov στο Ωδείο της Μόσχας) - αργότερα ένας από τους κορυφαίους εκπροσώπους της σχολής πιάνου στο Λένινγκραντ. Οι μαθητές του Νικολάεφ Β. Σοφρονίτσκι και Μ. Γιουντίνα εργάστηκαν στη Μόσχα για αρκετά χρόνια.

Ιδρυτές των Ωδείων της Αγίας Πετρούπολης και της Μόσχας, αδελφοί

Άντον και Νικολάι Ρουμπινστάιν,

Στα χρόνια της ηγεσίας των ωδείων έθεσαν τις θεμελιώδεις βάσεις για την εκπαίδευση νέων μουσικών. Οι μαθητές τους (A. Siloti, E. Sauer - μαθητές του Nikolai, G. Cross, S. Poznanskaya, S. Drukker, I. Hoffman - μαθητές του Anton) έγιναν οι πρωτότοκοι σε έναν γαλαξία νεαρών ερμηνευτών που κέρδισαν την αναγνώριση από η παγκόσμια μουσική κοινότητα.

Με τις προσπάθειες των αδελφών Rubinstein, η ρωσική παιδαγωγική στο πιάνο απέκτησε το τελευταίο τρίτο του 19ου αιώνα. μεγάλο κύρος και διεθνή αναγνώριση. Σε αυτούς οφείλει η Ρωσία το γεγονός ότι έχει πάρει μια από τις πρώτες θέσεις στην εκμάθηση του πιάνου.

Μπορούμε να συμπεράνουμε ότι τόσο οι Δυτικοευρωπαίοι όσο και οι Ρώσοι προχωρημένοι μουσικοί-δάσκαλοι του 19ου αιώνα αναζητούσαν λογικούς, πρωτότυπους τρόπους να επηρεάσουν τον μαθητή. Αναζητούσαν αποτελεσματικούς τρόπους εξορθολογισμού της τεχνικής εργασίας. Χρησιμοποιώντας δημιουργικά τις παραδόσεις της κλασικής μουσικής δημιουργίας και τις ιδέες που αναπτύχθηκαν τους προηγούμενους αιώνες σχετικά με την ουσία της διαδικασίας διαμόρφωσης της ερμηνευτικής τεχνικής του πιανίστα, τη μεθοδολογία του 19ου αιώνα. ήρθε στη δικαιολόγηση μιας βολικής αρχής του παιχνιδιού - της ολιστικής χρήσης του πιανιστικού μηχανήματος. Ήταν τον 19ο αιώνα που δημιουργήθηκε μια πραγματικά μεγαλειώδης βάση δεδομένων με etudes και ασκήσεις, η οποία μέχρι σήμερα παραμένει απαραίτητη στη διδασκαλία του πιάνου.

Ανάλυση μουσικό υλικόδείχνει ότι οι δημιουργοί του είναι εγγενείς στην επιθυμία να αναζητήσουν φυσικές κινήσεις παιχνιδιού, αρχές δακτυλοποίησης που σχετίζονται με τα δομικά χαρακτηριστικά του ανθρώπινου χεριού.

Ωστόσο, πρέπει να σημειωθεί ότι ο 19ος αι. έδωσε στη μουσική παιδαγωγική και εκπαίδευση ένα σύστημα λαμπρών υποσχόμενων ιδεών και, πάνω απ' όλα, την επιθυμία να εκπαιδεύσει έναν καλά μορφωμένο μουσικό μέσω της πρόσφορης ανάπτυξης της δημιουργικής του ατομικότητας.

XXαιώνας

20 αιώνα - η ακμή της τέχνης του πιάνου. Αυτή η περίοδος είναι ασυνήθιστα πλούσια σε εξαιρετικά ταλαντούχους, εξαιρετικούς πιανίστες.

Στις αρχές του 20ου αιώνα έγινε διάσημος ΧόφμανΚαι corto, ΣνάμπελΚαι Παντερέφσκι.Και φυσικά ΜΕ. Ραχμάνινοφ,η ιδιοφυΐα της Αργυρής Εποχής, που σημάδεψε νέα εποχήόχι μόνο στη μουσική του πιάνου, αλλά και στην παγκόσμια κουλτούρα γενικότερα.

Το δεύτερο μισό του 20ου αιώνα είναι η εποχή τέτοιων διάσημων πιανιστών όπως Σβιατοσλάβ Ρίχτερ, Εμίλ Γκίλελς, Βλαντιμίρ Χόροβιτς, Άρθουρ Ρουμπινστάιν, Βίλχελμ Κεμπφ.Η λίστα συνεχίζεται…

Στυλ απόδοσης του 20ου αιώνα

***

Αυτή είναι η επιθυμία για μια βαθιά κατανόηση του μουσικού κειμένου και για την ακριβή μετάδοση της πρόθεσης του συνθέτη και την κατανόηση του στυλ και της φύσης της μουσικής ως βάση για μια ρεαλιστική ερμηνεία των καλλιτεχνικών εικόνων που ενσωματώνονται στο έργο.

***

Τέλη 19ου - αρχές 20ου αιώνα - μια εξαιρετικά γεμάτη γεγονότα περίοδο στην ιστορία του παγκόσμιου καλλιτεχνικού πολιτισμού. Η αντιπαράθεση μεταξύ της δημοκρατικής κουλτούρας των μαζών, που έμπαιναν όλο και πιο ενεργά στον αγώνα για τα κοινωνικά τους δικαιώματα, και της ελίτ κουλτούρας της αστικής τάξης έγινε εξαιρετικά οξυμένη.

Μεγάλοι Καλλιτέχνεςαυτής της εποχής αναγνώρισε τα χαρακτηριστικά της κρίσης στην εξέλιξη νέα μουσική: «Ζούμε σε μια εποχή που τα θεμέλια της ανθρώπινης ύπαρξης κλονίζονται», υποστήριξε ο I.F. Stravinsky, ΣΥΓΧΡΟΝΟΣ ΑΝΘΡΩΠΟΣχάνει την αίσθηση της αξίας και της σταθερότητας .... Εφόσον το ίδιο το πνεύμα είναι άρρωστο, η μουσική της εποχής μας, και κυρίως αυτό που δημιουργεί, αυτό που θεωρεί αληθινό, φέρει μαζί της σημάδια παθολογικής ανεπάρκειας. Παρόμοιες εξομολογήσεις ακούγονταν περισσότερες από μία φορές από τα χείλη άλλων μεγάλων μουσικών.

Όμως, παρά τον αντίκτυπο της κρίσης της εποχής, η μουσική έχει φτάσει σε νέα λαμπρά ύψη. Η παιδαγωγική του πιάνου έχει εμπλουτιστεί με πολλά ενδιαφέροντα έργα. Η προσοχή των συγγραφέων των δημοσιευμένων έργων στράφηκε στα ζητήματα της καλλιτεχνικής μαεστρίας των μαθητών.

Εξαιρετικοί Καθηγητές Πιανίστας G. Neuhaus, G. Hoffman, I. Koganανέπτυξε μεθόδους για την επιτυχή μάθηση των μαθητών.

Heinrich Gustavovich Neuhaus (1888-1964) - πιανίστας, δάσκαλος, μουσικογράφος. Ιδρυτής της μεγαλύτερης σοβιετικής σχολής πιάνου. Όλα όσα γράφει είναι εμποτισμένα με μια παθιασμένη αγάπη για την τέχνη, τη μουσική για πιάνο και την παράσταση.

Το μεγαλύτερο ενδιαφέρον για εμάς είναι το βιβλίο με τίτλο "On the Art of Piano Playing".

Το βιβλίο γράφτηκε από εικονιστική γλώσσα, είναι γεμάτο κρίσεις για πολλούς συνθέτες, ερμηνευτές και δασκάλους. Θέτει νέα προβλήματα και ερωτήματα που απασχολούν κάθε πιανίστα. Υπάρχουν πολλές σελίδες σε αυτό, που έχουν τον χαρακτήρα μιας μουσικής αυτοβιογραφίας, αφιερωμένης σε αναμνήσεις της δικής τους δημιουργικής διαδρομής. Ωστόσο, σε αυτόν τον αυτοσχεδιασμό αναδεικνύονται ξεκάθαρα οι απόψεις του συγγραφέα για την τέχνη του πιάνου και τα καθήκοντα του δασκάλου. Στα έργα του, ο Neuhaus γράφει για την καλλιτεχνική εικόνα, το ρυθμό, τον ήχο, την εργασία στην τεχνική, το δάχτυλο και το πετάλι, για τα καθήκοντα ενός δασκάλου και του μαθητή και για τη συναυλιακή δραστηριότητα ενός μουσικού.

Με μεγάλη πειστικότητα, δείχνει ότι η λεγόμενη μεθοδολογία «διδακτικών βιβλίων», που δίνει κυρίως συνταγή - «σκληρούς κανόνες», ακόμα κι αν είναι αληθινοί και αποδεδειγμένοι, θα είναι πάντα μια αρχική, απλουστευμένη μεθοδολογία, που χρειάζεται συνεχώς ανάπτυξη. , διευκρίνιση όταν έρχεται αντιμέτωπος με την πραγματική ζωή, την προσθήκη ή, όπως λέει ο ίδιος, «σε μια διαλεκτική μεταμόρφωση». Αντιτίθεται έντονα και με ιδιοσυγκρασία στη «μέθοδο προπονητή» και στο «ατελείωτο πιπίλισμα των ίδιων έργων» στο παιδαγωγικό έργο, ενάντια στην ψευδή θέση ότι «η σκηνοθεσία μπορεί να κάνει τα πάντα με τους μαθητές». Επιδιώκει να επιλύσει διαλεκτικά όχι μόνο γενικά προβλήματα μουσικής απόδοσης, αλλά και στενότερα τεχνικά ζητήματα.

Καθορίζοντας τον ρόλο του δασκάλου, ο Neuhaus πιστεύει ότι ο δάσκαλος πρέπει να προσπαθεί να μην είναι τόσο δάσκαλος πιάνου όσο δάσκαλος μουσικής.

Ο Neuhaus έδωσε ιδιαίτερη προσοχή στο παιδαγωγικό του έργο στη σχέση μεταξύ «μουσικού» και «τεχνικού». Έτσι, πρωτίστως επεδίωξε να ξεπεράσει την τεχνική αβεβαιότητα, την ακαμψία των κινήσεων του μαθητή στη σφαίρα επιρροής στον ψυχισμό του μαθητή, στα μονοπάτια της ίδιας της μουσικής. Παρόμοια ενήργησε όταν συνιστούσε στους μαθητές μεθόδους εργασίας σε «δύσκολα μέρη». Κατά τη γνώμη του, οτιδήποτε «δύσκολο», «σύνθετο», «άγνωστο» πρέπει, αν είναι δυνατόν, να αναχθεί σε πιο «εύκολο», «απλό», «οικείο»· Ταυτόχρονα, συμβούλεψε έντονα να μην εγκαταλείψει τη μέθοδο αύξησης της δυσκολίας, καθώς με τη βοήθεια αυτής της μεθόδου ο παίκτης αποκτά εκείνες τις δεξιότητες, αυτή την εμπειρία, που θα του επιτρέψουν να λύσει πλήρως το πρόβλημα.

Τέλος, ο Neuhaus προσπάθησε με κάθε τρόπο να φέρει τον μαθητή πιο κοντά στη μουσική, να του αποκαλύψει το περιεχόμενο του έργου που παρουσιάζεται και όχι μόνο να τον εμπνεύσει με ζωηρό ποιητικό τρόπο, αλλά και να του δώσει μια λεπτομερή ανάλυση της φόρμας. και δομή του έργου -μελωδία, αρμονία, ρυθμός, πολυφωνία, υφή- με μια λέξη, να αποκαλύψει στον μαθητή τα μοτίβα της μουσικής και τους τρόπους υλοποίησής της.

Μιλώντας για ρυθμός Ως ένα από τα πιο σημαντικά στοιχεία που συνθέτουν την ερμηνευτική διαδικασία, ο Neuhaus τονίζει τη μεγάλη σημασία της «αίσθησης του συνόλου», της ικανότητας «μακράς σκέψης», χωρίς την οποία ο πιανίστας δεν μπορεί να παίξει ικανοποιητικά κανένα σημαντικό έργο από άποψη φόρμας. .

Ο συγγραφέας θεωρεί την υποτίμηση του ήχος (ανεπαρκής ακρόαση του ήχου) και η υπερεκτίμησή του, δηλαδή «απολαμβάνοντας την αισθησιακή ομορφιά του». Θέτοντας αυτό το ερώτημα με αυτόν τον τρόπο, ο Neuhaus ορίζει την έννοια της ομορφιάς του ήχου με έναν νέο τρόπο - όχι αφηρημένα, εκτός ύφους και περιεχομένου, αλλά αντλώντας την από την κατανόηση του στυλ και της φύσης της μουσικής που εκτελείται.

Παράλληλα, τονίζει ότι ένα μουσικό έργο και η «μουσική αυτοπεποίθηση» δεν λύνουν το πρόβλημα της κατάκτησης της τεχνικής του πιάνου. Απαραίτητη είναι και η σωματική προπόνηση, μέχρι ένα αργό και δυνατό παιχνίδι. «Σε μια τέτοια εργασία», προσθέτει, «πρέπει να τηρούνται οι ακόλουθοι κανόνες: βεβαιωθείτε ότι το χέρι, ολόκληρο το χέρι, από το χέρι μέχρι την άρθρωση του ώμου, είναι εντελώς ελεύθερο, δεν «παγώνει» πουθενά, δεν είναι σφιγμένο, δεν «σκληραίνει», δεν χάνει τη δυναμική (!) ευελιξία του ενώ διατηρεί την απόλυτη ηρεμία και χρησιμοποιεί μόνο εκείνες τις κινήσεις που είναι αυστηρά «απαραίτητες».

Καθορισμός της προοπτικής σας δακτυλοποίηση, Ο Neuhaus γράφει ότι το καλύτερο δάχτυλο είναι αυτό που σας επιτρέπει να μεταφέρετε με μεγαλύτερη ακρίβεια το νόημα αυτής της μουσικής. Δάχτυλο που συνδέεται με το πνεύμα, τον χαρακτήρα και το μουσικό ύφος του συγγραφέα, αποκαλεί το πιο όμορφο και αισθητικά δικαιολογημένο.

Με παρόμοιο τρόπο, ο Neuhaus ορίζει το πρόβλημα πετάλι. Λέει σωστά ότι οι γενικοί κανόνες για το πώς να παίρνετε το πετάλι αφορούν την καλλιτεχνική πεταλοποίηση, καθώς κάποιο τμήμα της σύνταξης είναι στη γλώσσα του ποιητή. Στην ουσία δεν υπάρχει σωστό πετάλι, κατά τη γνώμη του. Το καλλιτεχνικό πετάλι είναι αδιαχώριστο από την ηχητική εικόνα. Αυτές οι σκέψεις υποστηρίζονται στο βιβλίο από μια σειρά από ενδιαφέροντα παραδείγματα, από τα οποία είναι ξεκάθαρο ποια σημασία απέδιδε ο συγγραφέας σε διάφορες μεθόδους πετάλι.

Μπορούμε μόνο να πούμε ότι ο Neuhaus θεωρούσε την τεχνική του πιανίστα ως κάτι οργανικά συνδεδεμένο με την κατανόηση της μουσικής και τις καλλιτεχνικές φιλοδοξίες. Αυτή, στην πραγματικότητα, είναι η βάση της σοβιετικής σχολής παραστατικών γενικά και, ειδικότερα, της σχολής Neuhaus, η οποία εκπαίδευσε αξιόλογους ερμηνευτές όπως οι S. Richter, E. Gilels, J. Zak και πολλοί άλλοι εξαιρετικοί πιανίστες.

Μια ιδιόμορφη συμβολή στη σοβιετική σχολή πιάνου είναι τα άρθρα και τα βιβλία

Γκριγκόρι Μιχαήλοβιτς Κόγκαν (1901-1979)

Στο βιβλίο «Προς τις πύλες της μαεστρίας» ο συγγραφέας μιλά για τις ψυχολογικές προϋποθέσεις επιτυχίας του πιανιστικού έργου. Σε αυτό το έργο, εντοπίζει «τρεις βασικούς κρίκους»: ένα ξεκάθαρο όραμα του στόχου, την εστίαση σε αυτόν τον στόχο και μια επίμονη θέληση για την επίτευξή του. Πολύ σωστά σημειώνει ότι αυτό το συμπέρασμα δεν είναι καινούργιο και ισχύει όχι μόνο για τους πιανίστες, αλλά για κάθε τομέα της τέχνης και της ανθρώπινης εργασιακής δραστηριότητας.

Στον πρόλογο του βιβλίου μιλά για τη σημασία του ψυχισμού του πιανίστα, για τον ρόλο της σωστής ψυχολογικής προσαρμογής στο έργο του, που είναι απαραίτητη προϋπόθεση για την επιτυχία των μαθημάτων. Αυτό το θέμα παρουσιάζει μεγάλο ενδιαφέρον όχι μόνο για τους καλλιτέχνες, αλλά και για τους δασκάλους, από τους οποίους εξαρτώνται πολλά από τη διαμόρφωση της ψυχής του μαθητή και την ψυχολογική του προσαρμογή.

Μιλώντας για τον στόχο, τη θέληση, την προσοχή, τη συγκέντρωση, τον αυτοέλεγχο, τη φαντασία και άλλα στοιχεία που καθορίζουν την επιτυχία στο έργο ενός πιανίστα, ο Kogan προσθέτει σε αυτά την ανάγκη για μια παθιασμένη επιθυμία να εκφράσει τις συλληφθείσες και αγαπημένες μουσικές εικόνες σε ένα ιδανικό μορφή. Δίνει ιδιαίτερη σημασία στο θέμα της «δημιουργικής ηρεμίας» και του ενθουσιασμού του ερμηνευτή πριν την παράσταση και κατά τη διάρκεια της παράστασης στη συναυλία.

Λαμβάνοντας υπόψη τα διάφορα στάδια της δουλειάς ενός πιανίστα σε ένα κομμάτι, ο Κόγκαν χαρακτηρίζει λεπτομερώς τα τρία στάδια αυτής της διαδικασίας: 1) προβολή και προεπισκόπηση, 2) εκμάθηση σε κομμάτια, 3) "συναρμολόγηση" του έργου ως τελικό στάδιο.

Ο Κόγκαν στάθηκε ιδιαίτερα λεπτομερώς σε ζητήματα διατύπωσης, δακτυλοποίησης, τεχνικής ανασυγκρότησης και νοητικής αναπαράστασης δυσκολιών. Σχεδόν όλα όσα ανέλυσε βασίζονται στις πιανιστικές αρχές του Busoni.

Το βιβλίο περιέχει επίσης μια ανάλυση ορισμένων πτυχών των παραστατικών τεχνών, οι οποίες στο μεθοδολογική βιβλιογραφίαέλαβε σχετικά λίγη προσοχή. Αυτά περιλαμβάνουν, για παράδειγμα, το ζήτημα του λεκτικού υποκειμένου διαφόρων επεισοδίων στο έργα για πιάνο, το οποίο μπορεί να χρησιμεύσει ως «βοηθητικός οδηγός τονισμού» που διευκολύνει την «εύρεση της φυσικής κατανομής της αναπνοής, μια πειστική «προφορά» μεμονωμένων τονισμών».

Έχοντας μελετήσει την παιδαγωγική κληρονομιά του Κόγκαν, μπορούμε να συμπεράνουμε ότι τα έργα του Κόγκαν χαρακτηρίζουν σε μεγάλο βαθμό τα θεμελιώδη μεθοδολογικές κατευθυντήριες γραμμέςσύγχρονη σοβιετική πιανιστική σχολή στις τέχνες του πιάνου.

Ένας από τους μεγαλύτερους πιανίστες των αρχών του αιώνα μας, είναι η δόξα των παραστατικών τεχνών του εικοστού αιώνα

Τζόζεφ Χόφμαν (1876-1957)

Η μοίρα του περιοδεύοντος καλλιτέχνη - φαινόμενο που σε πολιτισμένη μορφή διατηρεί τις παραδόσεις των πλανόδιων μουσικών - έγινε για πολύ καιρό ο κλήρος του Χόφμαν. Ο Χόφμαν ασχολήθηκε επίσης με παιδαγωγική δραστηριότητα, αλλά δεν ήταν τόσο λαμπερή όσο η παράσταση.

Ο Χόφμαν έδωσε μεγάλη σημασία στην περίοδο σπουδών. Η ανάγκη για Δάσκαλο, η απαίτηση να τον εμπιστευτείς, η σημασία του για τη διαμόρφωση ενός ερμηνευτή - αυτά είναι τα κίνητρα που εμφανίζονται επανειλημμένα στις σελίδες των βιβλίων του Χόφμαν. Ο ίδιος ο Hoffmann ήταν τυχερός με τους δασκάλους του - ήταν ο διάσημος πιανίστας και συνθέτης Moritz Moszkowski (ο συγγραφέας λαμπρών βιρτουόζων σπουδών και κομματιών) και ο διάσημος Anton Rubinstein, η συνάντηση με τον οποίο έγινε ένα από τα κύρια γεγονότα στη δημιουργική ζωή του Hoffmann.

Ένα άλλο σημαντικό γεγονός στη ζωή του Χόφμαν, που επηρέασε ριζικά τη δημιουργική του μοίρα, τον τρόπο σκέψης, τον τρόπο ζωής του, ήταν η μετακόμιση στην Αμερική (και αργότερα - η υιοθέτηση της αμερικανικής υπηκοότητας). Ως εκ τούτου - μια νηφάλια, πρακτική προοπτική για τη ζωή, μια επιχειρηματική προσέγγιση σε οποιοδήποτε, συμπεριλαμβανομένων των δημιουργικών, προβλημάτων. αυτή η καθαρά αμερικανική πρακτικότητα είναι αισθητή τόσο σε βιβλία όσο και σε άρθρα.

Στο βιβλίο του του 1914 Παίζοντας πιάνο Απαντήσεις σε ερωτήσεις σχετικά με το παίξιμο πιάνου, είναι σημαντικό ότι ο Χόφμαν περιέγραψε τις γενικές αρχές που συμβάλλουν στο καλό παίξιμο πιάνου. Αναδεικνύει το πλεονέκτημα των μαθημάτων το πρωί. Συμβουλεύει να μην μελετάτε πάνω από μία ώρα, το πολύ δύο ώρες στη σειρά. Όλα πρέπει να εξαρτώνται από τη φυσική κατάσταση. Συμβουλεύει επίσης την αλλαγή του χρόνου και της σειράς των μελετών. Η προσοχή του πιανίστα στρέφεται σε συζητήσεις για την «τεχνολογία» του παιξίματος πιάνου, τις οποίες κατάλαβε περίφημα. Ο Χόφμαν θεωρεί σημαντική την εργασία χωρίς όργανο (επίσης με και χωρίς νότες).

Ιδιαίτερα σημαντικές είναι οι σκέψεις του Hoffmann σχετικά με την «νοητική τεχνική» - την ανάγκη να ξεκινήσει η ανάλυση ενός έργου με μια ανάλυση της μορφής και της υφής. Επιπλέον, στη διαδικασία της ανάλυσης, κάθε απόσπασμα «πρέπει να είναι τέλεια προετοιμασμένο διανοητικά πριν δοκιμαστεί στο πιάνο».

Ο Hoffmann, είναι πολύ μοντέρνος σε πολλά χαρακτηριστικά στυλ. Είναι κοντά μας με την πρακτικότητά του - όλα είναι στην ουσία, τίποτα περιττό.

Ιδιοφυΐα της Αργυρής Εποχής, σπουδαίος πιανίστας, συνθέτης, μαέστρος

Σεργκέι Ραχμανίνοφ (1873-1943)

Άρχισε να σπουδάζει συστηματικά μουσική σε ηλικία πέντε ετών ηλικία. Το 1882, ο Σεργκέι μπήκε στην Αγία Πετρούποληωδείο. Το 1885 μετακόμισε στη Μόσχα και έγινε φοιτητής στο Ωδείο της Μόσχ μαέστρος Alexander Ilyich Siloti (πιάνο). συνθέτης, πιανίστας και μαέστρος Anton Stepanovich Arensky (σύνθεση, ενορχήστρωση, αρμονία). συνθέτης, πιανίστας και μουσικό και δημόσιο πρόσωπο Sergei Ivanovich Taneyev (αντίστιξη αυστηρής γραφής).

Ο Ραχμάνινοφ είναι ένας από τους μεγαλύτερους μουσικούς της αλλαγής του 19ου και 20ού αιώνα. Η τέχνη του διακρίνεται για τη ζωή της αλήθειας, τον δημοκρατικό προσανατολισμό, την ειλικρίνεια και τη συναισθηματική πληρότητα της καλλιτεχνικής έκφρασης. Ο Ραχμάνινοφ ακολούθησε τις καλύτερες παραδόσεις της κλασικής μουσικής, ιδιαίτερα της ρωσικής. Ήταν ένας ψυχαγωγός τραγουδιστής της ρωσικής φύσης.

Στις συνθέσεις του συνυπάρχουν παθιασμένες παρορμήσεις ασυμβίβαστης διαμαρτυρίας και σιωπηλής περισυλλογής, τρέμουλης εγρήγορσης και αποφασιστικότητας με ισχυρή θέληση, ζοφερή τραγωδία και ενθουσιώδεις ύμνοι. Η μουσική του Rachmaninov, που κατείχε έναν ανεξάντλητο μελωδικό και υποφωνητικό-πολυφωνικό πλούτο, απορρόφησε τις πηγές του ρωσικού λαϊκού τραγουδιού και ορισμένα χαρακτηριστικά του τραγουδιού Znamenny. Ένα από τα αρχικά θεμέλια μουσικό στυλ Rachmaninov - ένας οργανικός συνδυασμός εύρους και ελευθερίας μελωδικής αναπνοής με ρυθμική ενέργεια. Το θέμα της πατρίδας, κεντρικό σε ώριμη δημιουργικότηταΡαχμάνινοφ. Το όνομα του Rachmaninov ως πιανίστα είναι στο ίδιο επίπεδο με τα ονόματα των F. Liszt και A. G. Rubinstein. Η εκπληκτική τεχνική, το μελωδικό βάθος του τόνου, ο ευέλικτος και επιβλητικός ρυθμός υπάκουαν απόλυτα στο παίξιμο του Ραχμανίνοφ.

Η φήμη του Ραχμάνινοφ του πιανίστα ήταν αρκετά μεγάλη και σύντομα έγινε πραγματικά θρυλική. Οι ερμηνείες του στη μουσική του και τα έργα ρομαντικών συνθετών - Fryderyk Chopin, Robert Schumann, Franz Liszt γνώρισαν ιδιαίτερη επιτυχία. Η συναυλιακή δραστηριότητα του Ραχμάνινοφ ως περιπλανώμενος βιρτουόζος πισίστας σε πόλεις και χώρες συνεχίστηκε χωρίς διακοπή για σχεδόν 25 χρόνια.

Στην Αμερική, όπου, κατά σύμπτωση, μετακόμισε για να ζήσει, πέτυχε μια εκπληκτική επιτυχία που συνόδευσε ποτέ έναν ξένο ερμηνευτή εδώ. Οι ακροατές έλκονταν όχι μόνο από τις υψηλές ερμηνευτικές ικανότητες του Ραχμάνινοφ, αλλά και από τον τρόπο παιχνιδιού και τον εξωτερικό ασκητισμό του, πίσω από τον οποίο κρυβόταν η λαμπρή φύση του λαμπρού μουσικού. «Ένα άτομο που μπορεί να εκφράσει τα συναισθήματά του με τέτοιο τρόπο και με τέτοια δύναμη πρέπει πρώτα απ 'όλα να μάθει να τα κυριαρχεί τέλεια, να είναι ο κύριος του…» - γράφτηκε σε μια από τις κριτικές.

Οι ηχογραφήσεις με γραμμόφωνο του παιχνιδιού του Rachmaninov δίνουν μια ιδέα για την εκπληκτική τεχνική, την αίσθηση της φόρμας και την εξαιρετικά υπεύθυνη στάση του στις λεπτομέρειες. Ο πιανισμός του Ραχμανίνοφ επηρέασε εξαιρετικούς δεξιοτέχνες της ερμηνείας του πιάνου όπως ο Βλαντιμίρ Βλαντιμίροβιτς Σοφρονίτσκι, ο Βλαντιμίρ Σαμοΐλοβιτς Χόροβιτς, ο Σβιατόσλαβ Τεοφίλοβιτς Ρίχτερ, ο Εμίλ Γκριγκόριεβιτς Γκίλελς.

Αμερικανός πιανίστας - βιρτουόζος Ουκρανοεβραϊκής καταγωγής, ένας από τους μεγαλύτερους πιανίστες του εικοστού αιώνα

Βλαντιμίρ Σαμοΐλοβιτς Χόροβιτς

(1903-1989)

Γεννήθηκε στη Ρωσία από το 1928 στις Η.Π.Α. Εκπρόσωπος του ρομαντικού στυλ παράστασης (έργα του F. Liszt, συμπεριλαμβανομένων των δικών του μεταγραφών, του Fryderyk Chopin, Ρώσων συνθετών κ.λπ.).

Ο Vladimir Horowitz σπούδασε με τους V. Pukhalsky, S. V. Tarnovsky και F. M. Blumenfeld στο Μουσικό Κολλέγιο του Κιέβου, το οποίο μετατράπηκε τον Σεπτέμβριο του 1913 στο Ωδείο του Κιέβου. Μετά την αποφοίτησή του το 1920, ο V. Horowitz δεν έλαβε δίπλωμα, καθώς δεν είχε πιστοποιητικό αποφοίτησης από το γυμνάσιο. Έκανε την πρώτη του σόλο συναυλία στο Χάρκοβο το 1920 (αλλά η πρώτη τεκμηριωμένη δημόσια συναυλία πραγματοποιήθηκε τον Δεκέμβριο του 1921 στο Κίεβο). Στη συνέχεια έδωσε συναυλίες σε διάφορες πόλεις της Ρωσίας μαζί με έναν νεαρό Οδησσό - βιολιστή Natan Milshtein, για τον οποίο πληρωνόταν συχνότερα με ψωμί παρά με χρήματα, λόγω της δύσκολης οικονομικής κατάστασης στη χώρα.

Από το 1922, ο Horowitz, δίνοντας συναυλίες στις πόλεις της Ρωσίας, της Ουκρανίας, της Γεωργίας, της Αρμενίας, συσσωρεύει ένα τεράστιο ρεπερτόριο από άποψη όγκου. Έτσι, για παράδειγμα, μέσα σε τρεις μήνες (Νοέμβριος 1924 - Ιανουάριος 1925) ερμήνευσε περισσότερα από 150 κομμάτια στη διάσημη «σειρά του Λένινγκραντ», αποτελούμενη από 20 συναυλίες. Παρά την πρώιμη επιτυχία του ως πιανίστας, ο Horowitz ισχυρίστηκε ότι ήθελε να γίνει συνθέτης, αλλά επέλεξε μια καριέρα ως πιανίστας για να βοηθήσει μια οικογένεια που είχε χάσει όλο τον πλούτο της κατά την Επανάσταση του 1917. Η επιτυχία των «παιδιών της Επανάστασης» (όπως τα αποκαλούσε ο Λουνατσάρσκι σε ένα άρθρο του) ήταν συντριπτική. Σε πολλές πόλεις δημιουργήθηκαν σύλλογοι θαυμαστών αυτών των νέων μουσικών.

Τον Σεπτέμβριο του 1925, ο Vladimir Horowitz είχε την ευκαιρία να φύγει για τη Γερμανία (επισήμως έφευγε για σπουδές). Πριν φύγει, έμαθε και έπαιξε το 1ο κονσέρτο του P. I. Tchaikovsky στο Λένινγκραντ. Χάρη σε αυτό το έργο, έγινε γνωστός στην Ευρώπη. Αυτό το κονσέρτο έπαιξε έναν «μοιραίο» ρόλο στη ζωή του πιανίστα: κάθε φορά, πετυχαίνοντας έναν θρίαμβο στις χώρες της Ευρώπης και της Αμερικής, ο Χόροβιτς ερμήνευσε ακριβώς το 1ο κονσέρτο του P. I. Tchaikovsky. Ακολουθώντας τον πιανίστα, ο Milstein έφυγε επίσης για τη Γερμανία τον Δεκέμβριο του 1925. Στην Ευρώπη, και οι δύο μουσικοί κέρδισαν γρήγορα τη φήμη ως λαμπροί βιρτουόζοι. Ο Χόροβιτς επιλέχθηκε από τις σοβιετικές αρχές για να εκπροσωπήσει την Ουκρανία στον εναρκτήριο Διεθνή Διαγωνισμό Σοπέν το 1927, αλλά ο πιανίστας αποφάσισε να μείνει στη Δύση και ως εκ τούτου δεν συμμετείχε στον διαγωνισμό. Μέχρι το 1940 ταξίδεψε με συναυλίες σχεδόν σε όλες τις χώρες της Ευρώπης και παντού είχε μια εκπληκτική επιτυχία. Στο Παρίσι, όταν έπαιζε ο Β. Χόροβιτς, κλήθηκαν οι χωροφύλακες για να ηρεμήσουν το κοινό, το οποίο έσπασε καρέκλες σε έκσταση. Το 1928, ο Βλαντιμίρ Χόροβιτς έπαιξε έξοχα στο Carnegie Hall της Νέας Υόρκης και ταξίδεψε σε πολλές αμερικανικές πόλεις με απίστευτη επιτυχία.

Ρώσος πιανίστας με γερμανικές ρίζες

Svyatoslav Teofilovich Richter

(1915 – 1997)

Πέρασε τα παιδικά και νεανικά του χρόνια στην Οδησσό, όπου σπούδασε με τον πατέρα του, πιανίστα και οργανίστα με σπουδές στη Βιέννη, και εργάστηκε ως συνοδός στην όπερα. Έδωσε την πρώτη του συναυλία το 1934. Σε ηλικία 22 ετών, τυπικά αυτοδίδακτος, μπήκε στο Ωδείο της Μόσχας, όπου σπούδασε με τον Heinrich Neuhaus. Το 1940 έκανε την πρώτη του δημόσια εμφάνιση στη Μόσχα, ερμηνεύοντας την 6η Σονάτα του Προκόφιεφ. στη συνέχεια έγινε ο πρώτος ερμηνευτής της 7ης και 9ης σονάτας του (η τελευταία είναι αφιερωμένη στον Ρίχτερ). Το 1945 κέρδισε τον Πανενωσιακό διαγωνισμό ερμηνευτών μουσικών.

Από τα πρώτα κιόλας βήματα στον επαγγελματικό χώρο έγινε αντιληπτός ως βιρτουόζος και μουσικός εξαιρετικής κλίμακας.

Για πολλές γενιές Σοβιετικών και Ρώσων μουσικών και μουσικόφιλων, ο Ρίχτερ δεν ήταν μόνο ένας εξαιρετικός πιανίστας, αλλά και ο φορέας της υψηλότερης καλλιτεχνικής και ηθικής εξουσίας, η προσωποποίηση του σύγχρονου παγκόσμιου μουσικού-παιδαγωγού. Το τεράστιο ρεπερτόριο του Richter, το οποίο επεκτάθηκε μέχρι τα τελευταία χρόνια της ενεργού ζωής του, περιελάμβανε μουσική από διαφορετικές εποχές, από το Well-Tempered Clavier και τις σουίτες του Handel μέχρι το Concerto του Gershwin, τις Variations του Webern και τα Movements του Stravinsky.

Σε όλους τους τομείς του ρεπερτορίου, ο Ρίχτερ αποδείχθηκε μοναδικός καλλιτέχνης, συνδυάζοντας την απόλυτη αντικειμενικότητα της προσέγγισης του μουσικού κειμένου (προσεκτική τήρηση των οδηγιών του συγγραφέα, σίγουρος έλεγχος στις λεπτομέρειες, αποφυγή ρητορικών υπερβολών) με έναν ασυνήθιστα υψηλό δραματικό τόνο και πνευματική συγκέντρωση ερμηνείας.

Το αυξημένο αίσθημα ευθύνης του Ρίχτερ απέναντι στην τέχνη και η ικανότητα να εγκαταλείπει τον εαυτό του φάνηκε στην ιδιαίτερη δέσμευσή του στην παράσταση συνόλου. Σε πρώιμο στάδιο της καριέρας του Ρίχτερ, οι κύριοι συνεργάτες του στο σύνολο ήταν ο πιανίστας Anatoly Vedernikov, μαθητής του Neuhaus, η τραγουδίστρια Nina Dorliak (σοπράνο, σύζυγος του Richter), η βιολονίστρια Galina Barinova, ο τσελίστας Daniil Shafran, ο Mstislav Rostropovich (το τέλειο τους, μια πραγματικά κλασική συνεργασία - όλες σονάτες για τσέλο του Μπετόβεν). Το 1966, ξεκίνησε η κοινότητα Richter και David Oistrakh. το 1969 έκαναν πρεμιέρα τη Σονάτα για βιολί του Σοστακόβιτς. Ο Ρίχτερ ήταν συχνός συνεργάτης του Κουαρτέτου. Borodin και συνεργάστηκε πρόθυμα με μουσικούς νεότερη γενιά, μεταξύ των οποίων με τους Oleg Kagan, Elizaveta Leonskaya, Natalia Gutman, Yuri Bashmet, Zoltan Kochis, τους πιανίστες Vasily Lobanov και Andrey Gavrilov. Η τέχνη του Ρίχτερ ως σολίστ και μουσικού συνόλου απαθανατίζεται σε έναν τεράστιο αριθμό στούντιο και ζωντανών ηχογραφήσεων.

Σοβιετικός πιανίστας, Λαϊκός Καλλιτέχνης της ΕΣΣΔ

Emil Grigorievich Gilels (1916-1985)

Ο Emil άρχισε να παίζει πιάνο σε ηλικία πεντέμισι ετών, ο πρώτος του δάσκαλος ήταν ο Yakov Tkach. Έχοντας σημειώσει γρήγορα σημαντική επιτυχία, ο Gilels έκανε την πρώτη του δημόσια εμφάνιση τον Μάιο του 1929, ερμηνεύοντας έργα των Liszt, Chopin, Scarlatti και άλλων συνθετών. Το 1930, ο Γκιλέλς μπήκε στο Ινστιτούτο Μουσικής της Οδησσού (τώρα Ωδείο της Οδησσού).

Και την επόμενη χρονιά κέρδισε τον Ουκρανικό Διαγωνισμό Πιάνου και ένα χρόνο αργότερα συνάντησε τον Άρθουρ Ρουμπινστάιν, ο οποίος μίλησε επιδοκιμαστικά για την ερμηνεία του.

Η φήμη ήρθε στον μουσικό μετά τη νίκη του το 1933 στον Πρώτο Πανενωσιακό Διαγωνισμό Μουσικών Ερμηνεύσεων, τον οποίο ακολούθησαν πολυάριθμες συναυλίες σε ολόκληρη την ΕΣΣΔ. Μετά την αποφοίτησή του από το Ωδείο της Οδησσού το 1935, ο Gilels εισήλθε στο μεταπτυχιακό σχολείο του Ωδείου της Μόσχας στην τάξη του Heinrich Neuhaus.

Στο δεύτερο μισό της δεκαετίας του 1930, ο πιανίστας σημείωσε σημαντικές διεθνείς επιτυχίες: κατέλαβε τη δεύτερη θέση στον διεθνή διαγωνισμό στη Βιέννη (1936), χάνοντας μόνο από τον Jacob Flier, και δύο χρόνια αργότερα τον εκδικήθηκε, κερδίζοντας τον Διαγωνισμό Isaiah στο Βρυξέλλες, όπου ο Flier παρέμεινε στην τρίτη θέση. Επιστρέφοντας στη Μόσχα, ο Gilels άρχισε να διδάσκει στο ωδείο ως βοηθός του Neuhaus.

Κατά τα χρόνια του πολέμου, ο Gilels συμμετείχε σε στρατιωτικές εργασίες προστασίας, το φθινόπωρο του 1943 έδωσε συναυλίες στο πολιορκημένο Λένινγκραντ, μετά το τέλος του πολέμου επέστρεψε σε ενεργές συναυλιακές και διδακτικές δραστηριότητες. Έπαιξε συχνά με τη μικρότερη αδερφή του, τη βιολονίστα Elizaveta Gilels, καθώς και με τον Yakov Zak. Το 1950] σχημάτισε ένα τρίο πιάνου με τους Leonid Kogan (βιολί) και Mstislav Rostropovich (τσέλο) και το 1945 έδωσε συναυλίες στο εξωτερικό για πρώτη φορά (γίνοντας ένας από τους πρώτους Σοβιετικούς μουσικούς που του επετράπη), περιόδευσε στο Ιταλία, Ελβετία, Γαλλία και Σκανδιναβικές χώρες. Το 1954 ήταν ο πρώτος Σοβιετικός μουσικός που εμφανίστηκε στην αίθουσα Pleyel στο Παρίσι. Το 1955, ο πιανίστας έγινε ο πρώτος Σοβιετικός μουσικός που έδωσε συναυλίες στις Ηνωμένες Πολιτείες, όπου ερμήνευσε το Πρώτο Κοντσέρτο για πιάνο του Τσαϊκόφσκι και το Τρίτο Κοντσέρτο του Ραχμάνινοφ με την Ορχήστρα της Φιλαδέλφειας υπό τη διεύθυνση του Eugene Ormandy και σύντομα έδωσε ένα ρεσιτάλ στο Carnegie Hall. τεράστια επιτυχία. Τις δεκαετίες του 1960 και του 1970, ο Γκιλέλς ήταν ένας από τους πιο περιζήτητους Σοβιετικούς μουσικούς στον κόσμο, περνώντας περίπου εννέα μήνες το χρόνο σε συναυλίες και ξένες περιοδείες.

Συνοψίζοντας, θα ήθελα να σημειώσω ότι οι μεθοδολογικές αρχές και τα βιβλία των πιο επιφανών εκπροσώπων του σοβιετικού πιανισμού δείχνουν ότι οι απόψεις αυτών των μουσικών, παρά την ατομικότητα της προσέγγισής τους στην ερμηνεία και την παιδαγωγική του πιάνου, είχαν πολλά κοινά. Αυτή είναι η επιθυμία για μια βαθιά κατανόηση του μουσικού κειμένου, και για την ακριβή μεταφορά της πρόθεσης του συνθέτη, και την κατανόηση του στυλ και της φύσης της μουσικής ως βάση για μια ρεαλιστική ερμηνεία των καλλιτεχνικών εικόνων που ενσωματώνονται στο έργο.

Χαρακτηριστική από αυτή την άποψη είναι μία από τις δηλώσεις G. G. Neuhaus: «Όλοι μιλάμε για το ίδιο πράγμα, αλλά με διαφορετικά λόγια». Αυτό είναι κοινό και καθορίζει τις αρχές της σοβιετικής πιανιστικής σχολής, η οποία ανέδειξε υπέροχους πιανίστες και εξαιρετικούς δασκάλους.

XXIαιώνας

Τι ήταν και τι έγινε το πιάνο τέχνες του θεάματοςσε όλο τον 20ο αιώνα;

Τι νέο υπάρχει σε αρχές XXIαιώνας?

Πώς συνηθίζεται να παίζεις πιάνο τώρα, στη δεύτερη δεκαετία του 21ου αιώνα;

Στυλ απόδοσης του 21ου αιώνα

***

Στις αρχές του 21ου αιώνα, δύο βασικοί τομείς της μουσικής απόδοσης συνεχίζουν να υπάρχουν - η υπερβατική δεξιοτεχνία και η σημασία της ερμηνείας. Στα τέλη του 20ου αιώνα, οι περιοχές αυτές συγκεντρώνονταν όλο και περισσότερο, χωρίζονταν μεταξύ τους. Ωστόσο, προέκυψε ένα νέο φαινόμενο, όταν οι πιανίστες μπορούσαν να υπηρετήσουν ταυτόχρονα τόσο το ένα όσο και το άλλο ρεύμα των παραστατικών τεχνών.

***

Οι παραδόσεις των επιδόσεων επηρεάζονται από συνολικός ανταγωνισμός, Σε αυτή την περίπτωση, το εξαιρετικό ανταγωνιστικό επίπεδο απόδοσης μουσικών έργων γίνεται όλο και πιο οικείο μοτίβο που πρέπει να ακολουθείται, ακόμη και στη σκηνή της συναυλίας.

Τα ιδανικά της ηχογράφησης και το ανταγωνιστικό επίπεδο απόδοσης, επηρεάζοντας τις παραδόσεις των συναυλιών, απαιτούσαν σημαντική αύξηση της ποιότητας του παιξίματος πιάνου. Κάθε έργο του προγράμματος, και όχι μόνο τα encore, πρέπει να ακούγεται σε επίπεδο αριστουργήματος παραστατικής τέχνης. Ό,τι ήταν δυνατό στο στούντιο λόγω ηχοληψίας και επεξεργασίας υπολογιστή από διάφορες επιλογές ερμηνείας, θα έπρεπε να συμβεί στη σκηνή αυτή τη στιγμή, εδώ και τώρα.

Διεθνείς διαγωνισμοί και φεστιβάλ συμβάλλουν στην παγκοσμιοποίηση της τέχνης του πιάνου.

Τις περισσότερες φορές μαθαίνουμε τα ονόματά τους μετά τον διαγωνισμό P.I. Tchaikovsky. Αυτός ο διαγωνισμός έφερε φήμη σε πιανίστες όπως: Van Cliburn, Vladimir Ashkenazy, Vladimir Krainev, Mikhail Pletnev, Boris Berezovsky, Nikolai Lugansky, Egeny Kissin, Denis Matsuev, Zhania Aubakirova...

Αμερικανός πιανίστας που κατέκτησε τις ρωσικές καρδιές

Πρώτος νικητής του Διεθνούς Διαγωνισμού Τσαϊκόφσκι (1958)

Van Cliburn (1934-2013)

Ο Αμερικανός πιανίστας Van Cliburn (γνωστός και ως Harvey Levan Clyburn) είναι ίσως ο πιο αγαπημένος ξένος μουσικός στη χώρα μας. Ήταν το ρωσικό κοινό που εκτίμησε για πρώτη φορά τις ερμηνευτικές δεξιότητες του Van Cliburn, ήταν μετά από μια επίσκεψη στη Ρωσία που έγινε παγκοσμίου φήμης μουσικός.

Έλαβε τα πρώτα του μαθήματα πιάνου σε ηλικία τρία χρόνιαστη μητέρα του. Όταν ο Cliburn ήταν έξι ετών, η οικογένεια μετακόμισε στο Τέξας, όπου κέρδισε έναν διαγωνισμό σε ηλικία δεκατριών ετών και σύντομα έκανε το ντεμπούτο του στο Carnegie Hall.

Το 1951 μπήκε στη σχολή Juilliard, στην τάξη της Rosina Levina, και τα επόμενα χρόνια έλαβε μια σειρά από βραβεία σε διακεκριμένους αμερικανικούς και διεθνείς διαγωνισμούς.

Το όνομα του Cliburn απέκτησε παγκόσμια φήμη μετά από μια εντυπωσιακή νίκη στον πρώτο Διεθνή Διαγωνισμό Τσαϊκόφσκι στη Μόσχα το 1958. Ο νεαρός πιανίστας κέρδισε τη συμπάθεια τόσο των μελών της κριτικής επιτροπής όσο και του κοινού. Αυτό ήταν ακόμη πιο εκπληκτικό, δεδομένου ότι η δράση έλαβε χώρα στο απόγειο του Ψυχρού Πολέμου. Με την επιστροφή του στην πατρίδα του, ο Cliburn έτυχε μιας υπέροχης ενθουσιώδους υποδοχής. Ο μουσικός ήταν εμποτισμένος με αγάπη και σεβασμό για την ΕΣΣΔ και μετά τον διαγωνισμό ήρθε επανειλημμένα με συναυλίες.

Ο Van Cliburn περιόδευσε τόσο στην πατρίδα του όσο και στο εξωτερικό. Έχει μιλήσει με τους βασιλείς και τους αρχηγούς κρατών, με όλους τους προέδρους των ΗΠΑ. Έγινε ο πρώτος ερμηνευτής κλασικής μουσικής - ο ιδιοκτήτης ενός πλατινένιου άλμπουμ. Περισσότερα από ένα εκατομμύριο αντίτυπα της ερμηνείας του στο Πρώτο Κοντσέρτο για πιάνο του Τσαϊκόφσκι έχουν πουληθεί.

Ο διαγωνισμός πιάνου Van Cliburn διεξάγεται στο Φορτ Γουόρθ του Τέξας από το 1962.

Ρώσος πιανίστας, δάσκαλος μουσικής, δημόσιο πρόσωπο

Vladimir Vsevolodovich Krainev

(1944-2011)

Το μουσικό ταλέντο του Vladimir Krainev εκδηλώθηκε στη δευτεροβάθμια εξειδικευμένη μουσική σχολή στο Χάρκοβο, στην οποία εισήλθε σε ηλικία 5 ετών. Δύο χρόνια αργότερα έγινε η πρώτη του εμφάνιση στη μεγάλη σκηνή - μαζί με την ορχήστρα ερμήνευσε το κονσέρτο του Χάιντν και το Πρώτο Κοντσέρτο του Μπετόβεν.

Με την υποστήριξη των δασκάλων του Kharkov, ο Krainev μπήκε στο Central Moscow Μουσική Σχολήστο ωδείο Ο Τσαϊκόφσκι στην τάξη της Anaida Sumbatyan. Το 1962 μπήκε στο Ωδείο. Ο Τσαϊκόφσκι στην τάξη του Heinrich Neuhaus και μετά τον θάνατό του σπούδασε με τον γιο του Stanislav Neuhaus, από τον οποίο ολοκλήρωσε και μεταπτυχιακές σπουδές το 1969.

Παγκόσμια αναγνώριση ήρθε στον Vladimir Krainev στις αρχές της δεκαετίας του 1960, όταν κέρδισε τα κύρια βραβεία σε μεγάλους διεθνείς διαγωνισμούς στο Λιντς (Μεγάλη Βρετανία, 1963) και στη Λισαβόνα (Πορτογαλία, 1964). Μετά από μια παράσταση στο Λιντς, ο νεαρός πιανίστας έλαβε πρόσκληση για περιοδεία στις Ηνωμένες Πολιτείες. Το 1970 κέρδισε μια λαμπρή νίκη στον IV Διεθνή Διαγωνισμό που πήρε το όνομά του από τον Π.Ι. Τσαϊκόφσκι στη Μόσχα.

Από το 1966, ο Vladimir Krainev είναι σολίστ της Κρατικής Φιλαρμονικής της Μόσχας. Από το 1987 - καθηγητής στο Ωδείο της Μόσχας. Από το 1992 - καθηγητής στην Ανώτατη Σχολή Μουσικής και Θεάτρου στο Αννόβερο (Γερμανία).

Ο Vladimir Krainev περιόδευσε εκτενώς στην Ευρώπη και τις ΗΠΑ, παίζοντας με εξαιρετικούς μαέστρους όπως οι Gennady Rozhdestvensky, Carlo Maria Giulini, Kurt Masur, Yuri Temirkanov, Vladimir Spivakov, Dmitry Kitayenko, Saulius Sondeckis.

Ο Krainev ήταν ο διοργανωτής του φεστιβάλ "Vladimir Krainev Invites" στην Ουκρανία και του Διεθνούς Διαγωνισμού Νέων Πιανιστών στο Χάρκοβο (από το 1992), που φέρει το όνομά του.

Το 1994, ο πιανίστας δημιούργησε το Διεθνές Φιλανθρωπικό Ίδρυμα για Νέους Πιανίστες. Το Ίδρυμα παρείχε βοήθεια και υποστήριξη σε μελλοντικούς επαγγελματίες μουσικούς, δημιούργησε συνθήκες για τη δημιουργικότητά τους στη Ρωσία και στο εξωτερικό, διοργάνωσε περιοδείες και συναυλίες για νέους μουσικούς και στήριξε εκπαιδευτικά ιδρύματα πολιτισμού και τέχνης.

Διάσημος μαέστρος και πιανίστας, Λαϊκός Καλλιτέχνης της RSFSR, ιδρυτής και αρχηγός από το 1990 έως το 1999 και από το 2003 έως σήμερα της Ρωσικής Εθνικής Ορχήστρας. Νικητής του χρυσού μεταλλίου στον Διεθνή Διαγωνισμό Τσαϊκόφσκι το 1978 και του Βραβείου Grammy το 2004.

Ο Μιχαήλ Βασίλιεβιτς Πλέτνιεφ γεννήθηκε στο1957

Ο Πλέτνιεφ πέρασε την παιδική του ηλικία στο Σαράτοφ και το Καζάν, από την ηλικία των 7 ετών άρχισε να παρακολουθεί μουσική σχολή στο Ωδείο Καζάν στην τάξη πιάνου. Από την ηλικία των 13 φοίτησε στην Κεντρική Μουσική Σχολή στο Ωδείο Τσαϊκόφσκι της Μόσχας. Το 1973, ο 16χρονος Πλέτνιεφ κέρδισε το Grand Prix στον Διεθνή Διαγωνισμό Νέων στο Παρίσι και την επόμενη χρονιά μπήκε στο Ωδείο της Μόσχας, σπουδάζοντας υπό τους καθηγητές Yakov Flier και Lev Vlasenko.

Το 1977, ο Πλέτνιεφ κέρδισε το πρώτο βραβείο στον Πανενωσιακό Διαγωνισμό Πιάνου στο Λένινγκραντ και το 1978 κέρδισε ένα χρυσό μετάλλιο και το πρώτο βραβείο στον Διεθνή Διαγωνισμό Τσαϊκόφσκι της Μόσχας. Το 1979, ο Πλέτνεφ αποφοίτησε από το ωδείο και το 1981 - μεταπτυχιακές σπουδές, μετά τις οποίες έγινε βοηθός του Vlasenko, αργότερα άρχισε να διδάσκει στη δική του τάξη πιάνου.

Έχοντας γίνει σολίστ της Κρατικής Συναυλίας το 1981, ο Πλέτνιεφ κέρδισε τη φήμη ως βιρτουόζος πιανίστας, ο Τύπος σημείωσε τις ερμηνείες του στο έργο του Τσαϊκόφσκι, αλλά και τις ερμηνείες του Μπαχ, Μπετόβεν, Ραχμάνινοφ και άλλων συνθετών. Ο Πλέτνιεφ συνεργάστηκε με διάσημους μαέστρους όπως ο Βλαντιμίρ Ασκενάζυ, ο Αλεξάντερ Βεδέρνικοφ, ο Μστίσλαβ Ροστροπόβιτς, ο Βάλερι Γκέργκιεφ, ο Ρούντολφ Μπαρσάι και οι πιο διάσημες συμφωνικές ορχήστρες του κόσμου, όπως η Συμφωνική του Λονδίνου και η Φιλαρμονική του Λος Άντζελες.

Το 1980, ο Πλέτνιεφ έκανε το ντεμπούτο του ως μαέστρος και δέκα χρόνια αργότερα, το 1990, δημιούργησε την ανεξάρτητη Ρωσική Εθνική Συμφωνική Ορχήστρα (αργότερα μετονομάστηκε σε Ρωσική Εθνική Συμφωνική Ορχήστρα, RNO) με δαπάνες ξένων δωρεών και μέχρι το 1999 ήταν η καλλιτεχνική της διευθυντής, αρχι μαέστρος και πρόεδρος ταμείο. Το 2008, ο Πλέτνεφ έγινε προσκεκλημένος μαέστρος στη Συμφωνική Ορχήστρα της Ιταλικής Ελβετίας (Orchestra della Svizzera italiana). Το 2006, ο Πλέτνιεφ δημιούργησε το Ταμείο Υποστήριξης εθνικό πολιτισμό. Από το 2006 έως το 2010, ο Πλέτνιεφ ήταν μέλος του Συμβουλίου υπό τον Πρόεδρο της Ρωσικής Ομοσπονδίας για τον Πολιτισμό και την Τέχνη και από το 2007 έως το 2009 ήταν μέλος της Επιτροπής της Ρωσικής Ομοσπονδίας για την UNESCO.

Καζάκος πιανίστας, δάσκαλος, καθηγητής και πρύτανης του Εθνικού Ωδείου Καζακστάν Kurmangazy,

Λαϊκός καλλιτέχνης του Καζακστάν, βραβευμένος με διεθνείς διαγωνισμούς, καθηγητής

Η Zhaniya Yakhiyaevna Aubakirova γεννήθηκε το 1957

Αποφοίτησε από το Κρατικό Ωδείο Alma-Ata. Kurmangazy, Κρατικό Ωδείο Μόσχας. P. I. Tchaikovsky και μεταπτυχιακές σπουδές (με καθηγητή L. N. Vlasenko).

Από το 1979 - κοντσέρτα του Κράτους ακαδημαϊκό θέατροόπερας και μπαλέτου Abai και ένας βοηθός ασκούμενος στο Κρατικό Ωδείο της Μόσχας που φέρει το όνομα του A. Π. Ι. Τσαϊκόφσκι. 1981 - ανώτερος δάσκαλος, αναπληρωτής καθηγητής, επικεφαλής του ειδικού τμήματος πιάνου του Κρατικού Ωδείου Alma-Ata. Kurmangazy. Από το 1983 είναι σολίστ της Κρατικής Φιλαρμονικής του Καζακστάν. Τζαμπούλα. Από το 1993 - Καθηγητής του Κρατικού Ωδείου του Αλμάτι. Kurmangazy. 1994 - Ιδρύεται η «Σχολή Συγγραφέων της Zhania Aubakirova», η οποία εργάζεται πάνω σε σύγχρονες εκπαιδευτικές μεθόδους και τεχνολογίες. Από το 1997 - πρύτανης του Εθνικού Ωδείου του Καζακστάν με το όνομα Kurmangazy. Υπό την ηγεσία της, το ωδείο έγινε το κορυφαίο μουσικό πανεπιστήμιο της χώρας και το πολιτιστικό και εκπαιδευτικό κέντρο της δημοκρατίας και το 2001 του απονεμήθηκε το εθνικό καθεστώς.

1998 - Με πρωτοβουλία της Zhania Aubakirova, οργανώθηκε το πρακτορείο μουσικής Classics, το οποίο πραγματοποίησε τις εποχές του Καζακστάν στη Γαλλία με μεγάλη επιτυχία, διοργάνωσε συναυλίες σε περισσότερες από 18 χώρες, ηχογράφησε περισσότερα από 30 CD, περισσότερες από 20 μουσικές ταινίες για Καζακστάν ερμηνευτές. 2009 - τον Νοέμβριο, η Μαθητική Συμφωνική Ορχήστρα του Εθνικού Ωδείου του Καζακστάν που πήρε το όνομά της. Ο Kurmangazy έκανε μια περιοδεία πέντε μεγάλες πόλειςΗΠΑ: Λος Άντζελες, Σαν Φρανσίσκο, Ουάσιγκτον, Βοστώνη και Νέα Υόρκη. Νεαροί μουσικοί, μαζί με τον πρύτανή τους, τη Λαϊκή Καλλιτέχνιδα της Δημοκρατίας του Καζακστάν Zhania Aubakirova, εμφανίστηκαν στις πιο διάσημες αίθουσες του κόσμου - το Kennedy Center και το Carnegie Hall.

Σόλο συναυλίες και παραστάσεις της Zhania Aubakirova με διάσημες ορχήστρες, που προωθούν παγκόσμια κλασικά και έργα Καζάκων συνθετών, πραγματοποιούνται τακτικά στο Καζακστάν, τις μεγαλύτερες αίθουσες συναυλιών σε Γαλλία, Αγγλία, Γερμανία, Ιαπωνία, Ρωσία, Πολωνία, Ιταλία, ΗΠΑ, Ισραήλ, Ελλάδα, Ουγγαρία. Υπέροχες αίθουσεςΩδείο Τσαϊκόφσκι Μόσχας και Φιλαρμονική Αγίας Πετρούπολης, Σπίτι Μουσικής της Μόσχας.

Εξαιρετικός σύγχρονος πιανίστας

Μπόρις Μπερεζόφσκιγεννήθηκε το 1969

Εισέρχεται στο Ωδείο της Μόσχας στην τάξη του εξαίρετου πιανίστα Eliso Virsaladze. Μετά από λίγο καιρό, ο Μπερεζόφσκι «στριμώχνεται» στην τάξη του Eliso Virsaladze, όπου παίζεται μόνο το παραδοσιακό ρεπερτόριο, οπότε αρχίζει να παρακολουθεί ιδιαίτερα μαθήματα από τον Alexander Sats. Ο Sats ανοίγει νέους ορίζοντες της ρωσικής κλασικής μουσικής για τον Boris Berezovsky. Μαζί του ο Μπερεζόφσκι αρχίζει να παίζει τον Μέντνερ, πολλούς Ραχμάνινοφ και πολλούς άλλους. Αλλά ο Μπόρις Μπερεζόφσκι δεν κατάφερε ποτέ να ολοκληρώσει τις σπουδές του στο Ωδείο της Μόσχας, αποβλήθηκε επειδή συμμετείχε στον Διαγωνισμό Τσαϊκόφσκι κατά τις τελικές εξετάσεις. Αλλά αυτή η συγκυρία δεν τον εμπόδισε να γίνει ο πιο βιρτουόζος και περιζήτητος ερμηνευτής της εποχής μας.

Για περισσότερο από μια δεκαετία, ο Boris Berezovsky παίζει με τις πιο διάσημες ορχήστρες στον κόσμο: την Ορχήστρα του BBC, τις Φιλαρμονικές Ορχήστρες του Λονδίνου και της Νέας Υόρκης, τη Νέα Ιαπωνική Φιλαρμονική Ορχήστρα, τις Συμφωνικές Ορχήστρες του Μπέρμιγχαμ και της Φιλαδέλφειας. Ο Μπερεζόφσκι παίρνει συνεχώς μέρος σε διάφορα φεστιβάλ μουσικής δωματίου, και του σόλο συναυλίεςμπορεί να ακουστεί στο Βερολίνο και τη Νέα Υόρκη, το Άμστερνταμ και το Λονδίνο. Μιλάει άπταιστα αγγλικά και γαλλικά.

Ο πιανίστας έχει μια αρκετά εκτενή δισκογραφία. Οι τελευταίες ηχογραφήσεις των συναυλιών του έχουν λάβει τις υψηλότερες βαθμολογίες από τους κριτικούς. Τα βραβεία της Γερμανικής Ένωσης Δισκογραφικών υψηλό βραβείοσονάτες του Ραχμάνινοφ, σε ερμηνεία του Μπόρις Μπερεζόφσκι. Μια ηχογράφηση των έργων του Ravel μπήκε στα κλασικά charts Le Monde de la Musique, Diapason, BBC Music Magazine, Independent.

Ο Μπόρις Μπερεζόφσκι είναι νικητής του χρυσού μεταλλίου στον 9ο Διεθνή Διαγωνισμό Τσαϊκόφσκι, τον αποκαλούν «νέο Ρίχτερ», ο ήχος του Μπερεζόφσκι, με διάφανο πιανίσσιμο και πλούσιο φάσμα δυναμικών αποχρώσεων, αναγνωρίζεται ως ο τελειότερος μεταξύ των πιανιστών της γενιάς του. . Σήμερα, όλο και πιο συχνά μπορείτε να ακούσετε τον Boris Berezovsky σε μεγάλες σκηνές συναυλιών στη Ρωσία.

Ένας από τους εμπνευσμένους, έξυπνους ερμηνευτές, Ρωσική πιανίστας , δάσκαλος, σολίστ Κρατική Φιλαρμονική Μόσχας , Λαϊκός καλλιτέχνης της Ρωσίας

ΝικόλαουLvó HIVλιβάδιά nsky γεννήθηκε στην1972

Το παίξιμό του κατάφερε να απορροφήσει ό,τι καλύτερο μπορούσε να προσφέρει η κεντρική μουσική σχολή και το ωδείο της Μόσχας.

Αυτός ο εμπνευσμένος διερμηνέας, κατέχοντας μια εξαιρετική τεχνική παιξίματος, έχει τώρα ένα σπάνιο χάρισμα δημιουργικής προσέγγισης στο υλικό, ένα από τα λίγα, είναι σε θέση να φέρει στον κόσμο μια σπίθα Θεού στα έργα του Μπετόβεν, για να αποκαλύψει τον σπάνιο «άθεο ήχο " του Μότσαρτ, να παίξει οποιοδήποτε άξιο υλικό, ώστε ο κουρασμένος θεατής να ξαναβρεί χιλιάδες φορές παιγμένες μελωδίες σε μια εντελώς διαφορετική ενσάρκωση.

Τώρα στη Ρωσία υπάρχουν πολλοί επαγγελματίες που μπορούν να δείξουν υψηλή τάξη. Ωστόσο, σε καμία περίπτωση δεν είναι κατώτερος από επιφανείς συναδέλφους, ο Λουγκάνσκι παραμένει ένα μοναδικό φαινόμενο στη ρωσική μουσική.

Μπορείτε να παίξετε τα κλασικά με διαφορετικούς τρόπους: κάθε σχολείο - γαλλικό, γερμανικό, ιταλικό - προσφέρει τη δική του λύση στα υψηλά καθήκοντα ενός μοναδικού ήχου.

Αλλά κάθε αληθινά βιρτουόζος πιανίστας «δημιουργεί τα δικά του κλασικά», κάτι που είναι απόδειξη ιδιοφυΐας. Στην αυγή της μουσικής του καριέρας, ο Νικολάι Λουγκάνσκι ονομαζόταν "πιανίστας του Ρίχτερ", στη συνέχεια συγκρίθηκαν επίσης με τον Άλφρεντ Κορτό.

Ο Νικολάι Λουγκάνσκι παραμένει μοναδικό φαινόμενο στη ρωσική μουσική.

Διάσημος Ρώσος πιανίστας, κλασικός μουσικός

Ο Evgeny Igryevich Kissin γεννήθηκε το 1971

Σε ηλικία 6 ετών μπήκε στο Μουσικό Σχολείο Gnessin. Η πρώτη και μοναδική δασκάλα είναι η Anna Pavlovna Kantor.

Αρχικά, ως παιδί θαύμα, έπαιξε με το όνομα Zhenya Kissin. Σε ηλικία 10 ετών εμφανίστηκε για πρώτη φορά με ορχήστρα, ερμηνεύοντας το 20ο κοντσέρτο του Μότσαρτ. Ένα χρόνο αργότερα έδωσε την πρώτη του σόλο συναυλία. Το 1984 (σε ηλικία 12 ετών) ερμήνευσε τα Κοντσέρτα για πιάνο 1 και 2 του Σοπέν στη Μεγάλη Αίθουσα του Ωδείου της Μόσχας.

Το 1985, ο Evgeny Kissin πήγε στο εξωτερικό με συναυλίες για πρώτη φορά, το 1987 έκανε το ντεμπούτο του στη Δυτική Ευρώπη στο Φεστιβάλ του Βερολίνου. Το 1988 εμφανίστηκε με τον Herbert von Karajan στην Πρωτοχρονιάτικη Συναυλία της Φιλαρμονικής Ορχήστρας του Βερολίνου, ερμηνεύοντας το 1ο Κοντσέρτο του Τσαϊκόφσκι.

Τον Σεπτέμβριο του 1990, ο Κίσιν έκανε το ντεμπούτο του στις ΗΠΑ, όπου ερμήνευσε τα κοντσέρτα 1 και 2 του Σοπέν με τη Νέα Υόρκη Φιλαρμονική Ορχήστρασκηνοθεσία Zubin Mehta. Μια εβδομάδα αργότερα, ο μουσικός δίνει μια σόλο συναυλία στο Carnegie Hall. Τον Φεβρουάριο του 1992, ο Κίσιν συμμετείχε στην τελετή των βραβείων Grammy στη Νέα Υόρκη, η οποία μεταδόθηκε στην τηλεόραση σε κοινό, σύμφωνα με εκτιμήσεις, ενός δισεκατομμυρίου εξακόσια εκατομμυρίων θεατών. Τον Αύγουστο του 1997, έδωσε ένα ρεσιτάλ στο φεστιβάλ Proms στο Albert Hall του Λονδίνου, την πρώτη βραδιά πιάνου στην 100 και πλέον χρόνια ιστορία του φεστιβάλ.

Ο Kissin διεξάγει μια εντατική συναυλιακή δραστηριότητα στην Ευρώπη, την Αμερική και την Ασία, συλλέγοντας σταθερά γεμάτα σπίτια. έχει εμφανιστεί με κορυφαίες ορχήστρες του κόσμου υπό τους μαέστρους όπως οι Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazy, Daniel Barenboim, Valery Gergiev, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, James Levine, Lorin Maazel, Ricardo Muti, Seiji Ozawa, Mstislav Rostropovich, Evgeny Svetlanov, Yuri. , Georg Solti και Maris Jansons; Οι συνεργάτες της μουσικής δωματίου του Kissin περιλαμβάνουν τους Martha Argerich, Yuri Bashmet, Natalia Gutman, Thomas Quasthoff, Gidon Kremer, Alexander Knyazev, James Levine, Misha Maisky, Isaac Stern και άλλους.

Ο Yevgeny Kissin κάνει επίσης αναγνώσεις ποίησης στα Γίντις και τα Ρωσικά. Το 2010 κυκλοφόρησε ένα CD με ηχογραφήσεις έργων μοντέρνας ποίησης στα Γίντις από τον Ε. Κισίν «Af di keyboard fun yidisher poetry» (Στα πλήκτρα της εβραϊκής ποίησης). Σύμφωνα με τον ίδιο τον Κίσιν, είχε ισχυρή εβραϊκή ταυτότητα από την παιδική του ηλικία και αναρτούσε υλικό υπέρ του Ισραήλ στην προσωπική του ιστοσελίδα.

Ρώσος πιανίστας, δημόσιο πρόσωπο, λαϊκός καλλιτέχνης της Ρωσίας

Ο Denis Leonidovich Matsuev γεννήθηκε το 1975

Ο Ντένις Ματσούεφ πέρασε τα παιδικά του χρόνια στη γενέτειρά του Ιρκούτσκ. γεννημένος στις δημιουργική οικογένεια, ένα αγόρι με πρώτα χρόνιαέκανε μουσική. Πρώτα πήγε στην πόλη σχολείο γενικής εκπαίδευσηςΝο 11 πήρε το όνομά του από τον V. V. Mayakovsky και ταυτόχρονα άρχισε να παρακολουθεί το τοπικό σχολείο τέχνης. Σε ηλικία δεκαέξι ετών, ο Ντένις Ματσούεφ μπήκε στο Μουσικό Κολλέγιο του Ιρκούτσκ. Ωστόσο, γρήγορα συνειδητοποίησε ότι το ταλέντο του χρειαζόταν μια πιο ενδελεχή κοπή. Στο οικογενειακό συμβούλιο αποφασίστηκε η μετακόμιση στην πρωτεύουσα. Οι γονείς κατάλαβαν ότι ο ταλαντούχος γιος τους θα μπορούσε να έχει μια πολύ επιτυχημένη δημιουργική βιογραφία. Ο Ντένις Ματσούεφ μετακόμισε στη Μόσχα το 1990.

Το 1991 έγινε βραβευμένος με το Διεθνές Δημόσιο Φιλανθρωπικό Ίδρυμα με το όνομα «New Names». Χάρη σε αυτή την περίσταση, ήδη στη νεολαία του επισκέφτηκε περισσότερες από σαράντα χώρες του κόσμου με παραστάσεις συναυλιών. Οι πιο σημαντικοί άνθρωποι ήρθαν να ακούσουν το βιρτουόζο παιχνίδι του: η αγγλική βασίλισσα, ο Πάπας και άλλοι. Το 1993, ο Denis Matsuev κατάφερε να εισέλθει στο Κρατικό Ωδείο της Μόσχας. Ταυτόχρονα, έπαιξε στα προγράμματα του δημόσιου ταμείου New Names, τα οποία διεξήχθησαν υπό την επίβλεψη του προστάτη του Denis, Svyatoslav Belz. Το 1995, ο καλλιτέχνης έγινε δεκτός ως σολίστ στην Κρατική Φιλαρμονική της Μόσχας. Αυτό επέτρεψε στον Denis Leonidovich να επεκτείνει το πεδίο της συναυλιακής του δραστηριότητας.

Μαζί με τη νίκη στον Ενδέκατο Διεθνή Διαγωνισμό που πήρε το όνομά του από τον Pyotr Ilyich Tchaikovsky, ο μουσικός ήρθε στο παγκόσμια φήμη. Αυτό το μοιραίο γεγονός διόρθωσε τη βιογραφία του το 1998. Ο Denis Matsuev έχει γίνει ένας από τους πιο δημοφιλείς πιανίστες στον κόσμο. Οι βιρτουόζες ερμηνείες του προκάλεσαν μεγάλη απήχηση στον κόσμο. Ο καλλιτέχνης άρχισε να προσκαλείται στις πιο διάσημες εκδηλώσεις. Για παράδειγμα, έπαιξε στο κλείσιμο των Ολυμπιακών Αγώνων στο Σότσι.

Από το 2004, ο Denis Matsuev παρουσιάζει την προσωπική του συνδρομή κάθε χρόνο. Σε αυτό, μαζί με τον μουσικό, παίζουν οι καλύτερες συμφωνικές ορχήστρες της Ρωσίας και του εξωτερικού.

Κάνει πολλά για την πατρίδα του. Σε μια προσπάθεια να εμφυσήσει στους ανθρώπους την αγάπη για τη μουσική, ο καλλιτέχνης διοργανώνει κάθε είδους φεστιβάλ και διαγωνισμούς. Επιπλέον, προσπαθεί να τα κρατήσει σε διάφορες περιοχές της Ρωσίας, έτσι ώστε όλοι οι κάτοικοι της χώρας να μπορούν να αγγίξουν την υψηλή τέχνη, να ακούσουν τη λαμπρή απόδοση των καλύτερων μουσικών έργων.

Συμπερασματικά, συνοψίζουμε τις κύριες κατευθύνσεις και τάσεις στην ανάπτυξη της τέχνης του πιάνου του 21ου αιώνα. Στους βιρτουόζους και σημαντικούς τομείς της τέχνης του πιάνου, εντοπίζονται οι ακόλουθοι παράγοντες που συνοδεύουν την ανάπτυξη: εστίαση στην ποιότητα και την αισθητική της ηχογράφησης, αύξηση της εκφραστικότητας της σύζευξης τόνου, διεύρυνση των ευκαιριών στον τομέα της αγωγικής και της χροιάς του ήχου. , επιβράδυνση των ρυθμών και μείωση του μέσου δυναμικού επιπέδου απόδοσης και πολυφωνισμός της υφής. Αυτοί οι παράγοντες συμβάλλουν στην ανάπτυξη του βάθους και στη σύγχρονη ανανέωση της πλευράς περιεχομένου της παράστασης. Παράλληλα, το ρεπερτόριο της συναυλίας πιάνου ανανεώνεται λόγω της ανακάλυψης νέων άκρως καλλιτεχνικών έργων που δεν έχουν εκτιμηθεί στο παρελθόν.

Ωστόσο, η γενίκευση και η σημασία του τονισμού είναι οι κύριες τάσεις στην ανάπτυξη της τέχνης του πιάνου του 21ου αιώνα.

Αυτή η λίστα των πιανιστών που ερμηνεύουν δείχνει ότι το πιάνο προσφέρει σχεδόν απεριόριστη έμπνευση. Για τρεις αιώνες, οι ερμηνευτές μουσικής για πιάνο ενθουσιάζουν τους ακροατές και τους εμπνέουν για τα δικά τους κατορθώματα στον κόσμο της μουσικής.

Σε όποια εποχή κι αν ανήκει ο μουσικός, όχι μόνο το ταλέντο του τον έκανε μεγάλο, αλλά και η πλήρης διάλυσή του στη μουσική!!!

ΥΣΤΕΡΟΓΡΑΦΟΈχοντας μελετήσει τη βιβλιογραφία σχετικά με αυτό το θέμα, καταλήξαμε στο συμπέρασμα ότι η ανάπτυξη των σχολών πιάνου από τη στιγμή της δημιουργίας τους μέχρι την εποχή μας οφειλόταν στην πνευματική ευελιξία της προσωπικότητας του δασκάλου και οι παιδαγωγικές αναζητήσεις χρησίμευσαν ως δημιουργική βάση και στην πραγματικότητα κίνητρο για δημιουργικότητα. Οι μουσικοί του Προοδευτικού Διαφωτισμού υποστήριξαν όλα όσα θεωρούσαν πολύτιμα στην τέχνη. υψηλά αστικά ιδανικά, ιεραποστολικός σκοπός της δημιουργικότητας.

Η σκέψη των σπουδαίων μουσικών και δασκάλων στόχευε πάντα στην ανάπτυξη διδακτικών αρχών που αντιστοιχούν σε ιδέες για τα καθήκοντα της παράστασης. Αυτό καθόρισε σε μεγάλο βαθμό το περιεχόμενο των επιστημονικών εργασιών που αφιερώθηκαν στο παίξιμο του οργάνου.

Οι αρχαίες πραγματείες της εποχής του κλαβιερισμού μιλούσαν για τη σύνθεση μουσικής, την τεχνική του αυτοσχεδιασμού και τη διασκευή μουσικών συνθέσεων, το κάθισμα στο όργανο, το δάχτυλο και τους κανόνες του παιχνιδιού. Όλα αυτά εξηγούνται από το γεγονός ότι στην προ-πιάνο εποχή, ο συνθέτης ήταν ο ερμηνευτής, γνωρίζοντας τους ακροατές με τα δικά του έργα και με τη μαεστρία του στον αυτοσχεδιασμό. Το επάγγελμα του ερμηνευτή-διερμηνέα (αλλά όχι του μουσικοσυνθέτη) εκείνα τα χρόνια δεν είχε ακόμη ξεχωρίσει ως ιδιαίτερη μορφή της δημιουργικής δραστηριότητας του μουσικού. Μόνο τον 19ο αιώνα, μαζί με τη βασιλεία ενός νέου οργάνου στη σκηνή της συναυλίας - το πιάνο - και το πάθος για τη δεξιοτεχνία του παιχνιδιού, υπήρξε μια σταδιακή διαφοροποίηση μουσικών, συνθετών, ερμηνευτών και δασκάλων που διδάσκουν πώς να παίζουν. αυτό το όργανο.

Το περιεχόμενο έχει επίσης αλλάξει πολύ. επιστημονικές εργασίεςστη μουσική τέχνη. Σε διάφορες μελέτες, εγχειρίδια και εργασίες για τις μεθόδους διδασκαλίας, όλα τα θέματα που σχετίζονται με τη μουσική δημιουργικότητα, την παράσταση και την παιδαγωγική δεν λαμβάνονταν πλέον υπόψη. Το θέμα κάθε έργου ήταν μόνο ένας ξεχωριστός τομέας μουσικολογίας. Οι συγγραφείς βιβλίων για την τέχνη του πιάνου ενδιαφέρθηκαν κυρίως για τα ζητήματα της κατάκτησης της τεχνικής του πιάνου και τα περισσότερα από τα μεθοδικά έργα και τα εγχειρίδια ήταν αφιερωμένα σε αυτά τα θέματα. Έτσι, για πολλά χρόνια, τα θεωρητικά έργα για την απόδοση πιάνου περιορίστηκαν στα προβλήματα της καθιέρωσης ορθολογικών τεχνικών παιξίματος που καθιστούν δυνατή την επίτευξη βιρτουόζικης τεχνικής. Μόνο στα τέλη του 19ου και τον 20ο αιώνα εξέχοντες μουσικοί στράφηκαν στα καλλιτεχνικά ζητήματα των παραστατικών τεχνών, τα οποία καθόρισαν τα καθήκοντα της ερμηνείας, την κατανόηση του στυλ και του περιεχομένου των μουσικών έργων. Αυτές οι εργασίες συνδέονταν επίσης με ερωτήσεις της τεχνικής του πιάνου. Ο πιο σημαντικός στόχος του δασκάλου ήταν να εκπαιδεύσει έναν μουσικό του οποίου η παραστατική τέχνη δεν είναι μια επίδειξη τεχνικής ικανότητας, αλλά η ικανότητα να μεταφέρει το πιο εσωτερικό νόημα ενός έργου τέχνης σε ζωντανές, παραστατικές μορφές έκφρασης.

Η αναγνώριση του μοναδικού καλύτερου σύγχρονου πιανίστα στον κόσμο είναι ένα αδύνατο έργο. Για κάθε κριτικό και ακροατή, διάφοροι δάσκαλοι θα είναι είδωλα. Και αυτή είναι η δύναμη της ανθρωπότητας: ο κόσμος περιέχει έναν σημαντικό αριθμό άξιων και ταλαντούχων πιανιστών.

Agrerich Marta Archerich

Ο πιανίστας γεννήθηκε στην πόλη Μπουένος Άιρες της Αργεντινής το 1941. Άρχισε να παίζει το όργανο σε ηλικία τριών ετών και σε ηλικία οκτώ ετών έκανε το ντεμπούτο της στο κοινό, όπου ερμήνευσε ένα κονσέρτο του ίδιου του Μότσαρτ.

Ο μελλοντικός βιρτουόζος σταρ σπούδασε με δασκάλους όπως ο Friedrich Gould, ο Arturo Ashkenazy και ο Stefan Michelangeli - ένας από τους πιο εξαιρετικούς κλασικούς πιανίστες του 20ου αιώνα.

Από το 1957, ο Argerich άρχισε να συμμετέχει σε ανταγωνιστικές δραστηριότητες και κέρδισε την πρώτη μεγάλες νίκες: 1η θέση στον Διαγωνισμό Πιάνου της Γενεύης και στον Διεθνή Διαγωνισμό Busoni.

Ωστόσο, η πραγματική εκπληκτική επιτυχία ήρθε στη Μάρτα τη στιγμή που, σε ηλικία 24 ετών, κατάφερε να κερδίσει τον διεθνή διαγωνισμό Chopin στην πόλη της Βαρσοβίας.

Το 2005 κέρδισε το υψηλότερο βραβείο Grammy για την ερμηνεία της σε έργα δωματίου των συνθετών Προκόφιεφ και Ραβέλ και το 2006 για την ερμηνεία της στο έργο του Μπετόβεν με την ορχήστρα.

Επίσης το 2005, ο πιανίστας τιμήθηκε με το Imperial Japanese Prize.

Το διακαές παιχνίδι της και τα εκπληκτικά τεχνικά της δεδομένα, με τη βοήθεια των οποίων ερμηνεύει με μαεστρία τα έργα των Ρώσων συνθετών Ραχμανίνοφ και Προκόφιεφ, δεν μπορούν να αφήσουν κανέναν αδιάφορο.

Ένας από τους πιο διάσημους σύγχρονους πιανίστες στη Ρωσία είναι ο μουσικός Evgeniy Igorevich Kisin.

Γεννήθηκε στις 10 Οκτωβρίου 1971 στη Μόσχα, σε ηλικία έξι ετών μπήκε στη Μουσική Σχολή Gnessin. Ο Kantor Anna Pavlovna έγινε ο πρώτος και μοναδικός δάσκαλός του για μια ζωή.

Από το 1985, ο Kissin άρχισε να επιδεικνύει το ταλέντο του στο εξωτερικό. Το 1987 κάνει το ντεμπούτο του στη Δυτική Ευρώπη.

Μετά από 3 χρόνια, κατακτά τις Ηνωμένες Πολιτείες, όπου ερμηνεύει το 1ο και το 2ο κοντσέρτο του Σοπέν με τη Φιλαρμονική Ορχήστρα της Νέας Υόρκης και μια εβδομάδα αργότερα εμφανίζεται σε σόλο μορφή.

Ένας άλλος από τους πιο εξαιρετικούς σύγχρονους Ρώσους βιρτουόζους πιανίστες είναι ο διάσημος Denis Matsuev.

Ο Ντένις γεννήθηκε στην πόλη Ιρκούτσκ το 1975 σε οικογένεια μουσικών. Οι γονείς από μικρή ηλικία έμαθαν στο παιδί την τέχνη. Η πρώτη δασκάλα του αγοριού ήταν η γιαγιά του Vera Rammul.

Το 1993, ο Matsuev εισήλθε στο Κρατικό Ωδείο της Μόσχας και δύο χρόνια αργότερα έγινε ο κορυφαίος σολίστ της Κρατικής Φιλαρμονικής της Μόσχας.

Απέκτησε παγκόσμια φήμη μετά τη νίκη του στον Διεθνή Διαγωνισμό Τσαϊκόφσκι το 1998, όταν ήταν μόλις 23 ετών.

Προτιμά να συνδυάζει την καινοτόμο προσέγγισή του στο παίξιμο με τις παραδόσεις της ρωσικής σχολής πιάνου.

Από το 2004 πραγματοποιεί μια σειρά συναυλιών με τίτλο «Σολίστ Ντένις Ματσούεφ», προσκαλώντας εγχώριες και ξένες κορυφαίες ορχήστρες να συνεργαστούν μαζί του.

Κρίστιαν Ζίμερμαν

Ο Christian Zimmerman (γεννημένος το 1956) είναι ένας διάσημος σύγχρονος πιανίστας πολωνικής καταγωγής. Εκτός από οργανοπαίκτης είναι και μαέστρος.

Τα πρώτα του μαθήματα μουσικής τα δίδαξε ο πατέρας του, ερασιτέχνης πιανίστας. Στη συνέχεια, ο Christian συνέχισε τις σπουδές του με τον δάσκαλο Andrzej Jasinski σε ιδιωτικό σχήμα και στη συνέχεια μετακόμισε στο Ωδείο Κατοβίτσε.

Άρχισε να δίνει τις πρώτες του συναυλίες σε ηλικία 6 ετών και το 1975 κέρδισε τον διαγωνισμό πιάνου Chopin, γινόμενος έτσι ο νεότερος νικητής στην ιστορία. Τον επόμενο χρόνο, αλίευσε τις δεξιότητές του στο πιάνο με τον διάσημο Πολωνό πιανίστα Artur Rubinstein.

Ο Christian Zimmermann θεωρείται ένας ιδιοφυής ερμηνευτής του έργου του Chopin. Η δισκογραφία του περιλαμβάνει ηχογραφήσεις όλων των κοντσέρτων για πιάνο από τους Ραβέλ, Μπετόβεν, Μπραμς και, φυσικά, το κύριο είδωλό του - τον Σοπέν, καθώς και ηχογραφήσεις συνθέσεων των Λιστ, Στράους και Ρέσπιχα.

Από το 1996 διδάσκει στη Μουσική Ακαδημία της Βασιλείας. Έλαβε τα Όσκαρ Kiji και Leonie Sonning.

Το 1999 δημιούργησε την Ορχήστρα του Πολωνικού Φεστιβάλ.

Ο Wang Yujia είναι Κινέζος εκπρόσωπος της τέχνης του πιάνου. Κέρδισε φήμη χάρη στο βιρτουόζο και απίστευτα γρήγορο παιχνίδι της, για το οποίο της απονεμήθηκε το ψευδώνυμο - "Flying Fingers".

Η γενέτειρα της κινεζικής σύγχρονης πιανίστας είναι η πόλη του Πεκίνου, όπου πέρασε τα παιδικά της χρόνια σε μια οικογένεια μουσικών. Σε ηλικία 6 ετών ξεκίνησε τις δοκιμές της στο πληκτρολόγιο και ένα χρόνο αργότερα μπήκε στο Κεντρικό Ωδείο της πρωτεύουσας. Σε ηλικία 11 ετών γράφτηκε για σπουδές στον Καναδά και μετά από 3 χρόνια τελικά μετακόμισε σε μια ξένη χώρα για περαιτέρω εκπαίδευση.

Το 1998, έλαβε το βραβείο του Διεθνούς Διαγωνισμού για Νέους Πιανίστες στην πόλη Ettlingen και το 2001, εκτός από το προαναφερθέν βραβείο, η κριτική επιτροπή έδωσε στον Van ένα βραβείο για πιανίστες κάτω των 20 ετών με ποσό 500.000 γιεν. (300.000 σε ρούβλια).

Η πιανίστα παίζει επίσης με επιτυχία από Ρώσους συνθέτες: έχει το Δεύτερο και Τρίτο Κοντσέρτο του Ραχμάνινοφ, καθώς και το Δεύτερο Κοντσέρτο του Προκόφιεφ.

Ο Fazıl Say είναι Τούρκος σύγχρονος πιανίστας και συνθέτης που γεννήθηκε το 1970. Σπούδασε στο Ωδείο της Άγκυρας και στη συνέχεια στις πόλεις της Γερμανίας - Βερολίνο και Ντίσελντορφ.

Αξίζει να σημειωθούν, εκτός από τις πιανιστικές του δραστηριότητες, και τις συνθετικές του ιδιότητες: το 1987, η σύνθεση του πιανίστα «Μαύροι ύμνοι» παίχτηκε προς τιμήν της 750ης επετείου της πόλης.

Το 2006 έγινε στη Βιέννη η πρεμιέρα του μπαλέτου του "Patara", γραμμένο με βάση το θέμα του Μότσαρτ, αλλά ήδη μια σονάτα για πιάνο.

Δύο συνθέτες καταλαμβάνουν σημαντική θέση στο ρεπερτόριο πιάνου του Say: οι μουσικοί τιτάνες Μπαχ και Μότσαρτ. Στις συναυλίες εναλλάσσει κλασικές συνθέσεις με δικές του.

Το 2000, έκανε ένα ασυνήθιστο πείραμα, διακινδυνεύοντας να ηχογραφήσει το μπαλέτο «The Rite of Spring» για δύο πιάνα, ερμηνεύοντας και τα δύο μέρη με το δικό του χέρι.

Το 2013, έπεσε σε ποινική υπόθεση για δηλώσεις σε κοινωνικό δίκτυο σχετικά με το θέμα του Ισλάμ. Το δικαστήριο της Κωνσταντινούπολης κατέληξε στο συμπέρασμα ότι τα λόγια του μουσικού στρέφονταν κατά της μουσουλμανικής πίστης και καταδίκασε τον Φαζίλ Σάι σε 10 χρόνια φυλάκιση.

Την ίδια χρονιά, ο συνθέτης κατέθεσε πρόταση για επανάληψη της δίκης, η ετυμηγορία της οποίας επιβεβαιώθηκε και πάλι τον Σεπτέμβριο.

Αλλα

Απλώς δεν είναι δυνατόν να πούμε για όλους τους σύγχρονους πιανίστες σε ένα άρθρο. Επομένως, θα απαριθμήσουμε αυτούς των οποίων τα ονόματα είναι σημαντικά σήμερα στον κόσμο της κλασικής μουσικής:

• Daniel Barenboim από το Ισραήλ.
• Yundi Li από την Κίνα.
• Από την Ρωσία;
• Murray Perahia από Ηνωμένες Πολιτείες της Αμερικής;
• Mitsuko Uchida από την Ιαπωνία.
• από τη Ρωσία και πολλούς άλλους δασκάλους.

Κάθε λάτρης της κλασικής μουσικής μπορεί να ονομάσει το αγαπημένο του.

Ο Άλφρεντ Μπρέντελ δεν ήταν παιδί θαύμα και οι γονείς του δεν είχαν καμία σχέση με τη μουσική. Η καριέρα του ξεκίνησε χωρίς πολλή φασαρία και εξελίχθηκε αργά. Μήπως αυτό είναι το μυστικό της μακροζωίας του; Στις αρχές του τρέχοντος έτους, ο Brendel έκλεισε τα 77, ωστόσο, το πρόγραμμα των συναυλιών του περιλαμβάνει μερικές φορές 8-10 παραστάσεις το μήνα.

Η σόλο παράσταση του Alfred Brendel στο Μέγαρο Μουσικής του θεάτρου Mariinsky έχει ανακοινωθεί για τις 30 Ιουνίου. Η επίσημη ιστοσελίδα του πιανίστα αυτής της συναυλίας δεν βρέθηκε. Υπάρχει όμως ημερομηνία για την επερχόμενη συναυλία της Μόσχας, η οποία θα πραγματοποιηθεί στις 14 Νοεμβρίου. Ωστόσο, ο Γκέργκιεφ διακρίνεται για την ικανότητά του να λύνει άλυτα προβλήματα.

ΔΙΑΒΑΣΤΕ ΕΠΙΣΗΣ:

Ένας άλλος υποψήφιος για την πρώτη θέση στην αυτοσχέδια βαθμολογία είναι ο Γκριγκόρι Σοκόλοφ. Τουλάχιστον έτσι λένε στην Αγία Πετρούπολη. Κατά κανόνα, μια φορά το χρόνο, ο Σοκόλοφ έρχεται στη γενέτειρά του και δίνει μια συναυλία στη Μεγάλη Αίθουσα της Φιλαρμονικής της Αγίας Πετρούπολης (η τελευταία ήταν τον Μάρτιο του τρέχοντος έτους), εξίσου τακτικά αγνοεί τη Μόσχα. Αυτό το καλοκαίρι ο Sokolov παίζει σε Ιταλία, Γερμανία, Ελβετία, Αυστρία, Γαλλία, Πορτογαλία και Πολωνία. Το πρόγραμμα περιλαμβάνει σονάτες του Μότσαρτ και πρελούδια του Σοπέν. Η Κρακοβία και η Βαρσοβία, όπου θα φτάσει ο Σοκόλοφ τον Αύγουστο, θα γίνουν τα πλησιέστερα σημεία της διαδρομής προς τη Ρωσία.
Αξίζει να αποκαλέσετε τη Martha Argerich την καλύτερη πιανίστα μεταξύ των γυναικών, σίγουρα κάποιος θα αντιταχθεί: και μεταξύ των ανδρών. Οι θαυμαστές του ταμπεραμέντου Χιλιανού δεν ντρέπονται από τις ξαφνικές εναλλαγές της διάθεσης του πιανίστα ή τις συχνές ακυρώσεις συναυλιών. Η φράση «μια συναυλία είναι προγραμματισμένη, αλλά δεν είναι εγγυημένη» αφορά ακριβώς αυτήν.

Η Μάρθα Άργκεριτς θα περάσει τον Ιούνιο, ως συνήθως, στην ελβετική πόλη Λουγκάνο, όπου θα πραγματοποιηθεί το δικό της μουσικό φεστιβάλ. Τα προγράμματα και οι συμμετέχοντες αλλάζουν, αλλά ένα πράγμα παραμένει αμετάβλητο: κάθε βράδυ η ίδια η Argerich συμμετέχει στην παράσταση ενός από τα έργα. Τον Ιούλιο, ο Argerich κάνει εμφανίσεις και στην Ευρώπη: στην Κύπρο, τη Γερμανία και την Ελβετία.

Ο Καναδός Marc-André Hamelin αναφέρεται συχνά ως ο κληρονόμος του Glen Gould. Η σύγκριση είναι κουτσή και στα δύο πόδια: Ο Γκουλντ ήταν ερημικός, ο Χάμελιν περιοδεύει ενεργά, ο Γκουλντ φημίζεται για τις μαθηματικά υπολογισμένες ερμηνείες του Μπαχ, ο Χάμελιν σηματοδοτεί την επιστροφή του ρομαντικού βιρτουόζου στυλ.

Στη Μόσχα, ο Marc-André Hamelin εμφανίστηκε μόλις τον Μάρτιο του τρέχοντος έτους με το ίδιο εισιτήριο διαρκείας με τον Maurizio Pollini. Τον Ιούνιο, ο Hamelin κάνει περιοδεία στην Ευρώπη. Το πρόγραμμά του περιλαμβάνει σόλο συναυλίες στην Κοπεγχάγη και τη Βόννη και μια παράσταση σε φεστιβάλ στη Νορβηγία.

Αν κάποιος δει τον Mikhail Pletnev να παίζει πιάνο, ενημερώστε αμέσως τα πρακτορεία ειδήσεων και θα γίνετε ο συγγραφέας μιας παγκόσμιας αίσθησης. Ο λόγος για τον οποίο ένας από τους καλύτερους πιανίστες στη Ρωσία τελείωσε την ερμηνευτική του καριέρα δεν μπορεί να γίνει κατανοητός από το συνηθισμένο μυαλό - οι τελευταίες συναυλίες του ήταν τόσο μαγευτικές όσο συνήθως. Σήμερα το όνομα του Πλέτνιεφ βρίσκεται σε αφίσες μόνο ως μαέστρος. Αλλά θα συνεχίσουμε να ελπίζουμε.
Ένα σοβαρό αγόρι με πρωτοποριακή γραβάτα πέρα ​​από τα χρόνια του - έτσι μνημονεύεται ακόμα ο Yevgeny Kissin, αν και ούτε οι πρωτοπόροι ούτε αυτό το αγόρι έχουν αναφερθεί εδώ και πολύ καιρό. Σήμερα είναι ένας από τους πιο δημοφιλείς κλασικούς μουσικούς στον κόσμο. Ήταν αυτός που ο Pollini αποκάλεσε κάποτε τον πιο λαμπρό από τους μουσικούς της νέας γενιάς. Η τεχνική του είναι υπέροχη, αλλά συχνά κρύα - λες και ο μουσικός έχασε την παιδική του ηλικία και δεν μπορούσε να βρει κάτι πολύ σημαντικό.

Τον Ιούνιο, ο Evgeny Kissin περιοδεύει στην Ελβετία, την Αυστρία και τη Γερμανία με την ορχήστρα Kremerata Baltica, παίζοντας το 20ο και το 27ο κοντσέρτο του Μότσαρτ. Η επόμενη περιοδεία έχει προγραμματιστεί για τον Οκτώβριο: στη Φρανκφούρτη, το Μόναχο, το Παρίσι και το Λονδίνο, ο Κίσιν θα συνοδεύσει τον Ντμίτρι Χβοροστόφσκι.

Ο Αρκάδι Βολόδος είναι άλλος ένας από εκείνους τους «θυμωμένους νέους» του σημερινού πιανισμού που απορρίπτουν θεμελιωδώς τους διαγωνισμούς. Είναι πραγματικός πολίτης του κόσμου: γεννήθηκε στην Αγία Πετρούπολη, σπούδασε στη γενέτειρά του και μετά στη Μόσχα, το Παρίσι και τη Μαδρίτη. Πρώτα, οι ηχογραφήσεις του νεαρού πιανίστα, που κυκλοφόρησαν από τη Sony, ήρθαν στη Μόσχα και μόνο τότε εμφανίστηκε ο ίδιος. Οι ετήσιες συναυλίες του στην πρωτεύουσα φαίνεται πως γίνονται κανόνας.

Ο Arkady Volodos ξεκίνησε τον Ιούνιο με μια παράσταση στο Παρίσι, το καλοκαίρι ακούγεται στο Σάλτσμπουργκ, στο Rheingau, στο Bad Kissingen και στο Όσλο, καθώς και στη μικρή πολωνική πόλη Dushniki στο παραδοσιακό φεστιβάλ Chopin.

Ο Ivo Pogorelich κέρδισε διεθνείς διαγωνισμούς, αλλά η ήττα του έφερε παγκόσμια φήμη: το 1980, ένας πιανίστας από τη Γιουγκοσλαβία δεν επετράπη να συμμετάσχει στον τρίτο γύρο του διαγωνισμού Chopin στη Βαρσοβία. Ως αποτέλεσμα, η Martha Argerich αποχώρησε από την κριτική επιτροπή και η φήμη έπεσε πάνω στον νεαρό πιανίστα.

Το 1999, ο Pogorelich σταμάτησε να παίζει. Λέγεται ότι ο λόγος ήταν η παρεμπόδιση που υποβλήθηκε στον πιανίστα στη Φιλαδέλφεια και στο Λονδίνο από δυσαρεστημένους ακροατές. Σύμφωνα με μια άλλη εκδοχή, η αιτία της κατάθλιψης του μουσικού ήταν ο θάνατος της συζύγου του. Ο Pogorelich επέστρεψε πρόσφατα στη σκηνή της συναυλίας, αλλά κάνει ελάχιστες εμφανίσεις.

Η τελευταία θέση στη λίστα είναι η πιο δύσκολη για να καλυφθεί. Άλλωστε, έχουν μείνει τόσοι πολλοί εξαιρετικοί πιανίστες: ο Πολωνικής καταγωγής Christian Zimmerman, ο Αμερικανός Murray Peraia, ο Ιάπωνας Mitsuko Ushida, ο Κορεάτης Kun Wu Pek ή ο Κινέζος Lang Lang. Ο Vladimir Ashkenazy και ο Daniel Barenboim συνεχίζουν την καριέρα τους. Κάθε λάτρης της μουσικής θα ονομάσει το αγαπημένο του. Ας μείνει λοιπόν κενή μία θέση στην πρώτη δεκάδα.

1. Jamie Cullum (Jamie Cullum) Δημοτικότητα - 1,95 εκατομμύρια | Γεννήθηκε στις 20/08/1979 | Μεγάλη ΒρετανίαΓνωστός για το χάρισμά του και την υψηλότερη ικανότητα ενός πιανίστα και τραγουδιστή της τζαζ. Βασικά παρουσιάζεται ως «performer», δηλαδή ως άνθρωπος που καταρχήν κάνει σόου σε συναυλίες. Αρκετές φορές αναγνωρίστηκε από διάφορα έντυπα ως ο καλύτερος ερμηνευτής τζαζ της χρονιάς. Και απλά ο αγαπημένος μου μουσικός :)

Ένα από τα αγαπημένα του «κόλπα» είναι να σκαρφαλώνει με τα πόδια στο πιάνο και να τραγουδάει από εκεί, να χτυπάει ρυθμούς στο πιάνο, ανακατεύοντας τα πάντα με beatbox. Γράφει και ερμηνεύει κυρίως μουσική στο στυλ ποπ τζαζ, παίζει υπέροχες και πρωτότυπες διασκευές τόσο των τραγουδιών της δεκαετίας του '30 όσο και των τραγουδιών των τελευταίων ετών, για παράδειγμα, το τραγούδι της Rihanna (Rihanna) "Please Don" t Stop The Music ". Μπορείτε επίσης να βρείτε πολλές ηχογραφήσεις πρότυπα τζαζστην παράστασή του, για παράδειγμα, "I" ve Got You Under My Skin "ή" Devil May Care ".

Πλατινένιο άλμπουμ Τζέιμι ΚάλουμΤο "Twentysomething" έγινε το 2003 (και εξακολουθεί να είναι) το άλμπουμ με τις περισσότερες πωλήσεις τζαζ στο Ηνωμένο Βασίλειο όλων των εποχών. Τα τελευταία άλμπουμ "The Pursuit" και "Momentum" (παρεμπιπτόντως, πριν από λίγους μήνες ήμουν στην παρουσίαση αυτού του άλμπουμ στο Λονδίνο κατά τη διάρκεια της παγκόσμιας περιοδείας του) έλκονται περισσότερο στην ποπ μουσική παρά στην κλασική τζαζ. Σημειώστε τη μελωδικότητα και την πληρότητα όλων των αυτοσχεδιασμών του, καθώς και τα funky riff που χρησιμοποιεί όταν παίζει μόνος του.

2. Κιθ Τζάρετ (Κιθ Τζάρετ) Δημοτικότητα - 3,55 εκατομμύρια | Γεννήθηκε στις 05/08/1945 | ΗΠΑΟ Keith είναι διάσημος όχι μόνο ως ένας από τους καλύτερους πιανίστες τζαζ και αυτοσχεδιαστές της εποχής μας, αλλά και ως ερμηνευτής του ρεπερτορίου του κλασικού πιάνου. Είναι επίσης συνθέτης: ήδη σε ηλικία 7 ετών έδωσε την πρώτη του συναυλία, στην οποία ερμήνευσε 2 δικές του συνθέσεις, και στα 17 έδωσε μια συναυλία που αποτελείται αποκλειστικά από δικά του έργα.

Οι τζαζ αυτοσχεδιασμοί του Keith Jarrett είναι από τους πιο αναγνωρίσιμους. Οι μελωδίες του είναι οργανικές και ειλικρινείς, κάτι που αξίζει μόνο την «γκρίνια» του κατά τη διάρκεια του παιχνιδιού (συνήθως είναι εφοδιασμένος ακόμη και με μικρόφωνα για backup). Κατά τη διάρκεια της εκτέλεσης των πιο συναισθηματικών στιγμών, σηκώνεται και τινάζεται συγκινητικά. Στα νιάτα του φορούσε κούρεμα Αφρο, έπαιζε με τον Μάιλς Ντέιβις. Νικητής πολλών διεθνών βραβείων τζαζ.

3. Μπιλ Έβανς (Μπιλ Έβανς)Δημοτικότητα - 97,70 εκατομμύρια | Γεννήθηκε στις 16/08/1929 | ΗΠΑΈνας από τους σημαντικότερους μουσικούς της τζαζ του 20ου αιώνα. Συνέβαλε τεράστια στην ανάπτυξη της τζαζ. Οι αρμονίες και τα σόλο του είναι εκλεπτυσμένα στο όριο, αλλά ταυτόχρονα γίνονται εύκολα αντιληπτά και ακούγονται. Πάνω από 30 υποψηφιότητες για Grammy και 7 νίκες. Έλαβε ένα από τα βραβεία μετά θάνατον.

Αυτός ο καλλιτέχνης της τζαζ περιλαμβάνεται στο πάνθεον της φήμης της τζαζ. Η ιδιοφυΐα της τέχνης του. Όταν παίζει, νιώθει ότι είναι ένα με το όργανο. Τι πρέπει να πω? Δείτε και ακούστε μόνοι σας:

4. Χέρμπι Χάνκοκ (Χέρμπι Χάνκοκ) Δημοτικότητα - 4,79 εκατομμύρια | Γεννήθηκε 04/12/1940 | ΗΠΑ Herbie - πιανίστας της τζαζ, ο οποίος σήμερα θεωρείται δικαίως ο πιο επιδραστικός πιανίστας της τζαζ της εποχής μας. Έχει 14 βραβεία Grammy, έχει ηχογραφήσει περισσότερα από 45 στούντιο άλμπουμ, είναι γνωστός για τη χρήση του συνθεσάιζερ και του κιτάρ (keytar ή «χτένα», ένα συνθεσάιζερ σε μορφή κιθάρας).

Αυτός ο πιανίστας ήταν ένας από τους πρώτους που χρησιμοποίησε συνθεσάιζερ κατά τη διάρκεια σόλο παραστάσεων. Τα riff για πιάνο του είναι τόσο δυναμικά που μερικά από αυτά θα ήταν επιθυμητό να ακουστούν ως κινητήρια μουσική κατά την είσοδο στο ρινγκ των βαρέων βαρών πυγμάχων. Το στυλ στο οποίο παίζει ο Herbie είναι η τζαζ με στοιχεία fusion, rock, soul. Θεωρείται ένας από τους ιδρυτές του post-bop. Έπαιξε με τον Μάιλς Ντέιβις, τον Μάρκους Μίλερ και πράγματι είναι δύσκολο να αναφέρουμε έναν μουσικό παγκόσμιας κλάσης με τον οποίο ο Χέρμπι Χάνκοκ δεν θα είχε κοινά έργα. Ο μουσικός είναι τόσο διαφορετικός που πολλές από τις ηχογραφήσεις του με την πρώτη ματιά φαίνεται να παίζονται από κάποιο είδος πειραματιστή και μερικές από ρομαντικούς πιανίστες. Συμβουλεύω όλους τους μουσικούς να μελετήσουν προσεκτικά τη δουλειά του, κάποτε κατέβασα όλα τα άλμπουμ του, ξεκινώντας από τη δεκαετία του '60 και ιχνηλάτησα ολόκληρο μουσική καριέρα. Αυτή η προσέγγιση θα σας επιτρέψει να δείτε την εξέλιξη της δουλειάς του μουσικού, η οποία είναι πολύ κατατοπιστική και ενδιαφέρουσα. Κατά την ακρόαση, προσέξτε τι είδους φρικιαστικούς ήχους επιλέγει στο συνθεσάιζερ του. Για μένα, ο Herbie είναι ένας από τους αγαπημένους μου παίκτες πληκτρολογίου.

5. Ρέι Τσαρλς (Ρέι Τσαρλς) Δημοτικότητα - 170 εκατομμύρια | Γεννήθηκε 23/10/1930 | Πέθανε το 2010 | ΗΠΑΈνας από τους πιο διάσημους και σημαντικούς μουσικούς όλων των εποχών. Νικητής 17 βραβείων Grammy. Οι κύριοι τομείς δημιουργικότητας είναι η soul, R "n B, jazz. Όντας ένα αγόρι 7 ετών, ήταν τυφλός και δεν είχε δει όλη του τη ζωή. Έκανε περισσότερες από 10 χιλιάδες συναυλίες στις οποίες τραγούδησε και έπαιζε πιάνο Ένας θρυλικός άντρας.

Διαθέτοντας έναν εξαιρετικό τρόπο ερμηνείας των φωνητικών του μερών, μετατρέποντας τα ουρλιαχτά, τα γκρίνια, τα θαυμαστικά και τα γέλια σε μουσική, τονίζοντας τα πάντα με το ρυθμικό πιάνο της τζαζ και τις πιασάρικες κινήσεις του σώματος, ο Ray Charles είναι μια από τις πιο σημαντικές μορφές της μουσικής του 20ου αιώνα. Συγγραφέας πάνω από 70 άλμπουμ. Όντας πολυοργανίστας, ο Ray εξακολουθεί να προτιμά το πιάνο από άλλα όργανα. Τα μέρη του είναι τόσο προσεγμένα και οργανικά που φαίνεται αδύνατο να αφαιρέσετε ή να προσθέσετε μια νότα. Δικαίως θεωρείται ένα από τα καλύτεροι πιανίστες και τραγουδιστές της τζαζπροηγούμενος αιώνας.

6 Μπομπ ΤζέιμςΔημοτικότητα - 447,00 εκατομμύρια | Γεννήθηκε 25/12/1939 | ΗΠΑΟ πιο δημοφιλής πιανίστας αυτής της συλλογής. Μέλος της ομάδας Fourplay, νικητής 2 βραβείων Grammy. Συνθέτης, πιανίστας, ενορχηστρωτής, μουσικός παραγωγός. ένας από τους πιο διάσημους μουσικούς της τζαζ όλων των εποχών.

Η μουσική του είναι τόσο διαφορετική που αξίζει να αφιερώσετε λίγες εβδομάδες για να μελετήσετε τη δουλειά του.

7. Chick Corea (Chick Corea) Δημοτικότητα - 2,38 εκατομμύρια | Γεννήθηκε στις 06/12/1941 | ΗΠΑΗ ιδιοφυΐα των μοτίβων της κλασικής και λατινοαμερικανικής τζαζ. Νικητής πολλών διεθνών βραβείων, μεταξύ των οποίων και Grammy. Οι συνθέσεις του Chick Corey μεταξύ των μουσικών θεωρούνται πολύ σοβαρές και δύσκολες στην εκτέλεση. Πολλοί αποκαλούν τη μουσική του τα υψηλότερα μαθηματικά. Λατρεύει τα ευρύχωρα πολύχρωμα πουκάμισα.

Πρέπει να προετοιμαστείτε πνευματικά και διανοητικά για τη μουσική του Chick Corey. Οι μελωδίες του είναι μελωδικές, μερικές φορές δραματικές και δύσκολα αντιληπτές την πρώτη φορά. Κατά τη διάρκεια του παιχνιδιού, χρησιμοποιεί μη τυπικά διαστήματα (για παράδειγμα, δευτερόλεπτα), τα οποία, όταν παίζονται από άλλους μουσικούς, συχνά κόβουν το αυτί. Ωστόσο, όταν ο Chick παίζει το όργανο, η μουσική του είναι τόσο σαγηνευτική με τη μελωδία, την πολυπλοκότητα και ταυτόχρονα την εξαιρετική «αερότητα» που ο ακροατής απλά ξεχνά τα πάντα και πηγαίνει σε ένα είδος έκστασης, ακολουθώντας τα χέρια του μεγάλου πιανίστα.

8. Νόρα Τζόουνς (Νόρα Τζόουνς)Δημοτικότητα - 7,0 εκατομμύρια | Γεννήθηκε στις 30/03/1979 | ΗΠΑΕυγενική και ταυτόχρονα πολύ σοβαρή τζαζ πιανίστα και τραγουδίστρια, ηθοποιός. Ερμηνεύει τα τραγούδια του, έχει μια αξέχαστη φωνή.

Αυτή η τραγουδίστρια και πιανίστα είναι ένα εύθραυστο κορίτσι στην εμφάνιση, αλλά μέσα της έχει έναν συμπαγή πυρήνα αληθινής τζαζ. Δώστε προσοχή στο χαριτωμένο πρόσωπό της κατά τη διάρκεια της παράστασης. Μου αρέσει να ζωγραφίζω και να σκέφτομαι ακούγοντας τις συναυλίες της.

ΥΣΤΕΡΟΓΡΑΦΟ. Αν σας αρέσει η Νόρα Τζόουνς, νομίζω ότι πιθανότατα θα σας αρέσει και η Κέτι Μελούα, είναι επίσης μια πολύ ψυχή τραγουδίστρια.

9. Count BasieΔημοτικότητα - 2,41 εκατομμύρια | Γεννήθηκε 21/08/1904 | ΗΠΑΗγέτης μεγάλης μπάντας, βιρτουόζος πιανίστας, οργανίστας. Συνέβαλε σημαντικά στην ανάπτυξη του swing και του blues. Επέτρεψε στους μουσικούς της ορχήστρας του να αυτοσχεδιάζουν ελεύθερα, κάτι που ήταν ένα από τα σοβαρά ατού της ορχήστρας του.

Ακούστε αυτή τη τζαζ ορχήστρα της δεκαετίας του '60, βυθιστείτε στην τζαζ εκείνης της εποχής.

10. Όσκαρ Πίτερσον (Όσκαρ Πίτερσον) Δημοτικότητα - 18,5 εκατομμύρια | Γεννήθηκε στις 15/08/1925 | Πέθανε το 2007 | ΚαναδάςΟ Όσκαρ Πίτερσον είναι ένας θρύλος της παγκόσμιας τζαζ. Βιρτουόζος πιανίστας, συνθέτης και δάσκαλος, έπαιξε με θρύλους της παγκόσμιας τζαζ όπως η Έλα Φιτζέραλντ και ο Λούις Άρμστρονγκ. Μία από τις πλατείες της πόλης πήρε το όνομά της από τον Peterson στο Τορόντο.

Η εκπληκτική ταχύτητα αναπαραγωγής, τα βιρτουόζα πρωτότυπα περάσματα bebop, οι αρμονικές συγχορδίες, τα τεράστια δάχτυλα και το μέγεθος του κορμού κάνουν τον Oscar Peterson μια από τις πιο αξιομνημόνευτες φιγούρες της παγκόσμιας τζαζ. Συχνά μπορεί κανείς να ακούσει από τους σύγχρονους μουσικούς της smooth-jazz ότι δεν χρειάζεται να "ποτίσει νότες", αρκεί να παίξει μια νότα, και αν επιλεγεί σωστά και παίξει όπου χρειάζεται, αυτό είναι αρκετό για ένα μουσικό αριστούργημα. Στην περίπτωση του Oscar Peterson, γίνεται προφανές ότι 10-15 νότες που παίζονται σε 1 δευτερόλεπτο, αλλά παίζονται με τον τρόπο που παίζει ο Oscar, είναι επίσης μουσικό αριστούργημα. Πολλά έντυπα τζαζ γράφουν ακόμα ότι ο Oscar Peterson - καλύτερος πιανίστας της τζαζ 20ος αιώνας.

11. Lennie Tristano (Lenny Tristano)Δημοτικότητα - 349 χιλιάδες | Γεννήθηκε στις 19/03/1919 | ΗΠΑΟ διάσημος τυφλός πιανίστας συνέβαλε σημαντικά στην ανάπτυξη της τζαζ μουσικής. Ηχογραφήθηκε με τον Charlie Parker, νικητή πολλών βραβείων, πολλές φορές αναγνωρισμένο από διάφορα περιοδικά ως ο καλύτερος πιανίστας της χρονιάς. Μέχρι το τέλος της ζωής του, επικεντρώθηκε αποκλειστικά στη διδασκαλία της μουσικής.

Δυστυχώς, οι συναυλίες του Lenny Tristano δεν είναι τόσο εύκολο να βρεθούν, αλλά αφού ακούσετε το παίξιμό του, θα γίνετε θαυμαστές του. Εκτός από τον εξαιρετικό ήχο, με εντυπωσιάζει και η ομορφιά του παιχνιδιού του. Ναι, είναι ομορφιά! Παρακολουθήστε τα μακριά του δάχτυλα ενώ παίζει, είναι σαν ζωντανά πλάσματα που χορεύουν στα πλήκτρα!

12. Μισέλ ΠετρουτσιάνιΔημοτικότητα - 1,42 εκατομμύρια | Γεννήθηκε στις 28/12/1962 | ΓαλλίαΚαταξιωμένος πιανίστας της τζαζ. Η δισκογραφία του περιλαμβάνει περισσότερα από 30 άλμπουμ. Έφυγε από τη ζωή σε ηλικία 37 ετών από εκ γενετής ασθένεια.

Λατρεύω τους αυτοσχεδιασμούς του, που μεγαλώνουν κάθε λεπτό και εξελίσσονται σε ενεργητικά περάσματα με σοβαρές αποκλίσεις σε αρμονία.

13 Brian Cullbertson Δημοτικότητα - 1,66 εκατομμύρια | Γεννήθηκε στις 01/12/1973 | ΗΠΑΈνας από τους καλύτερους πιανίστες της smooth jazz, παίζει επίσης τρομπόνι. Νικητής πολυάριθμων βραβείων, συγγραφέας περισσότερων από 13 άλμπουμ.

Για να είμαι ειλικρινής, μπόρεσα να ξανασκεφτώ τη δουλειά του μόλις πριν από μερικά χρόνια όταν άκουσα μερικούς από τους funk δίσκους του. Πριν από αυτό, τον είχα ακούσει μόνο στο smooth-jazz στυλ και, παρά το υψηλό επίπεδο απόδοσης, νόμιζα ότι ο ήχος της τζαζ ήταν λίγο εμπορικός. Αργότερα αποφάσισα να γνωρίσω καλύτερα αυτόν τον πιανίστα της τζαζ και άκουσα πιο προσεκτικά αρκετές από τις συναυλίες και τα άλμπουμ του. Οι συνθέσεις So Good και Back In The Day, καθώς και ο τρόπος που ο πιανίστας αναμειγνύει ελαφριές απαλές μελωδίες με funky επιθετικά περάσματα, μου έκαναν τόσο έντονη εντύπωση που ο Brian Culbertson είναι ένας από τους καλύτερους πιανίστες της τζαζ σήμερα. Παρατηρήστε στην παρακάτω ηχογράφηση πόσο καλά παίζει η μπάντα του. Άκουσα αυτό το βίντεο δεκάδες φορές και κάθε φορά ανακάλυψα κάτι νέο στη διασκευή και σόλο. Παρεμπιπτόντως, αυτός ο πιανίστας της τζαζ παίζει σχεδόν πάντα όρθιος, απέναντι στο κοινό.

14. Thelonius Monk (Thelonius Monk)Δημοτικότητα - 1,95 εκατομμύρια | Γεννήθηκε 10/10/1917 | ΗΠΑΈνας από τους ιδρυτές του bebop, συνθέτης και πιανίστας. Έχει ένα σούπερ πρωτότυπο στυλ παιχνιδιού. Χωρίς αυτόν τον μουσικό, η σύγχρονη τζαζ θα μπορούσε να μην είχε πραγματοποιηθεί. Κάποτε θεωρήθηκε πρωτοποριακός, πρωτογονιστής και δημιουργός νέων τάσεων της πειραματικής τζαζ.

Δώστε προσοχή στα δάχτυλά του - δεν φαίνονται να λυγίζουν! Ακούστε τις νότες του, παρά τη μεγάλη αφθονία των διαστημάτων που είναι ακατανόητα με την πρώτη ματιά, μπορείτε να εντοπίσετε την καθαρή μελωδία που οδηγεί. Αυτός ο πιανίστας είχε σημαντική επιρροή πάνω μου. Παρεμπιπτόντως, του άρεσε να παίζει με καπέλο, φαίνεται υπέροχο.

15. Diana Krall (Diana Krall)Δημοτικότητα - 3,4 εκατομμύρια | Γεννήθηκε στις 16/11/1964 | ΚαναδάςΕπαγγελματίας πιανίστας της τζαζ, αναγνωρισμένης παλιάς εποχής της σύγχρονης τζαζ μουσικής. Ερμηνεύει κυρίως κλασική τζαζ, νικήτρια 3 βραβείων Grammy, σε διάφορα χρόνια αναγνωρίστηκε ως η καλύτερη ερμηνεύτρια τζαζ.

Αυτή η ερμηνεύτρια της τζαζ γεννήθηκε και μεγάλωσε σε μια μουσική οικογένεια, οι γονείς της και η γιαγιά της ήταν μουσικοί και, φυσικά, από την παιδική ηλικία, η Νταϊάνα είχε ενσταλάξει την αγάπη για τη μουσική, ειδικά τη τζαζ. Η φωνή της έχει κέφι, ακούστε και θα καταλάβετε τι εννοώ.

Θέλω να σημειώσω για άλλη μια φορά ότι αυτή η επιλογή δεν προσποιείται ότι είναι ολοκληρωμένη, αφού είναι απλά αδύνατο να μιλήσουμε για όλες τις σημαντικές φιγούρες του σύγχρονου πιάνου τζαζ στο πλαίσιο ενός άρθρου. Ωστόσο, ελπίζω ότι κατάφερα να βάλω τους κύριους τόνους.

Παρακαλώ γράψτε στα σχόλια, σε ποια άλλα θέματα πρέπει να γίνονται τέτοιες εισαγωγικές κριτικές, είναι κατάλληλη αυτή η μορφή κριτικής;

Με ειδίκευση στην εκτέλεση μουσικών έργων για πιάνο.

Ένα ενδιαφέρον στοιχείο είναι ότι είναι ιδιαίτερα σημαντικό για το επάγγελμα του πιανίστα να αρχίσει να παίζει μουσική από πολύ νωρίς, γύρω στα τρία ή τέσσερα χρόνια. Στη συνέχεια, σχηματίζεται ένα "πλατύ" σχήμα της παλάμης, το οποίο στο μέλλον βοηθά να παίξετε με μαεστρία.

Ανάλογα με την εποχή της ανάπτυξης της μουσικής για πιάνο, μερικές φορές προβλήθηκαν εκ διαμέτρου αντίθετες απαιτήσεις για τους πιανίστες. Επιπλέον, το επάγγελμα του μουσικού αναπόφευκτα διασταυρώνεται. Οι περισσότεροι πιανίστες συνθέτουν οι ίδιοι κομμάτια για πιάνο. Και μόνο σπάνιοι βιρτουόζοι κατάφεραν να γίνουν διάσημοι ερμηνεύοντας αποκλειστικά μελωδίες άλλων ανθρώπων.

Σε κάθε περίπτωση, όπως κάθε μουσικός, είναι σημαντικό για έναν πιανίστα να είναι ειλικρινής και συναισθηματικός, να μπορεί να διαλυθεί στη μουσική που ερμηνεύει. Σύμφωνα με τον Χάρολντ Σόνμπεργκ, ο περίφημος κριτικός μουσικής, δεν είναι απλώς ένα όργανο, είναι τρόπος ζωής, που σημαίνει ότι το νόημα της ζωής ενός πιανίστα δεν είναι απλώς η μουσική, αλλά η μουσική για χάρη του πιάνου.

Mozart, Liszt και Rachmaninov - κλασικοί της τέχνης του πιάνου

Η ιστορία της μουσικής για πιάνο είναι αρκετά ενδιαφέρουσα. Υπάρχουν πολλά στάδια σε αυτό, καθένα από τα οποία έχει τις δικές του παραδόσεις. Συχνά, τα κανόνια της εποχής στηρίζονταν από έναν (σπάνια αρκετούς) που έπαιζε με μαεστρία το όργανο (στην αρχή ήταν το τσέμπαλο και αργότερα το πιάνο).

Ως εκ τούτου, επισημαίνοντας τρεις εποχές στην ιστορία του πιανισμού, ονομάζονται από τους πιο διάσημους συνθέτες - Μότσαρτ, Λιστ και Ραχμάνινοφ. Κατά την παραδοσιακή ορολογία των ιστορικών, αυτές ήταν οι εποχές του κλασικισμού, μετά του ρομαντισμού και του πρώιμου μοντερνισμού, αντίστοιχα.

Αξιόλογοι πιανίστες του 18ου και 19ου αιώνα

Σε καθεμία από αυτές τις περιόδους, δούλεψαν και άλλοι πιανίστες, πολλοί από τους οποίους ήταν ταυτόχρονα συνθέτες μουσικών έργων και άφησαν ανεξίτηλο σημάδι στην ιστορία της μουσικής για πιάνο. Πρόκειται για δύο από τους τρεις «Βιεννέζους κλασικούς» Σούμπερτ και Μπετόβεν, τους Γερμανούς Μπραμς και Σούμαν, τον Πολωνό Σοπέν και τον Γάλλο Τσαρλς Βαλεντίν Αλκάν.

Γιοχάνες Μπραμς

Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, οι πιανίστες έπρεπε κυρίως να είναι σε θέση να αυτοσχεδιάζουν. Το επάγγελμα του πιανίστα ήταν στενά συνδεδεμένο με τη σύνθεση. Και ακόμη και όταν εκτελούσε έργα άλλων, η δική του ερμηνεία, μια ελεύθερη ερμηνεία, θεωρούνταν σωστή. Σήμερα, μια τέτοια παράσταση θα θεωρούνταν άγευστη, λανθασμένη, ακόμη και άστοχη.

Αξιόλογοι πιανίστες του 20ου και 21ου αιώνα

Ο 20ός αιώνας είναι η ακμή της τέχνης του πιάνου. Αυτή η περίοδος είναι ασυνήθιστα πλούσια σε εξαιρετικά ταλαντούχους, εξαιρετικούς πιανίστες.

Στις αρχές του 20ου αιώνα, ο Χόφμαν και ο Κορτό, ο Σνάμπελ και ο Παντερέφσκι έγιναν διάσημοι. Και φυσικά ο Ραχμανίνοφ, η ιδιοφυΐα της Ασημένιας Εποχής, που σημάδεψε μια νέα εποχή όχι μόνο στη μουσική του πιάνου, αλλά και στην παγκόσμια κουλτούρα γενικότερα.

Το δεύτερο μισό του 20ου αιώνα είναι η εποχή διάσημων πιανιστών όπως ο Σβιατόσλαβ Ρίχτερ, ο Εμίλ Γκίλελς, ο Βλαντιμίρ Χόροβιτς, ο Άρθουρ Ρούμπινσταϊν, ο Βίλχελμ Κεμπφ…

Σβιατοσλάβ Ρίχτερ

Συνεχίζουν τη μουσική τους δημιουργικότητα στις αρχές του 21ου αιώνα έτσι εξαιρετικοί πιανίστεςόπως ο Αμερικανός Van Cliburn, ο οποίος έγινε ο πρώτος βραβευμένος του Διεθνούς Διαγωνισμού Τσαϊκόφσκι το 1958. Αξίζει να αναφερθεί ο μουσικός που κέρδισε τον ίδιο διαγωνισμό την επόμενη χρονιά - ο πιο δημοφιλής ποπ πιανίστας Vladimir Ashkenazy.