Τρεις από τους καλύτερους χορευτές του θεάτρου Μαριίνσκι ερμηνεύουν το ρόλο της Άννας Καρένινα στη σκηνή του μεγάλου θεάτρου. Γιατί οι χορευτές μπαλέτου εγκαταλείπουν το Mariinsky Theatre Mariinsky Ballet Company
Ένα από τα παλαιότερα και κορυφαία μουσικά θέατρα στη Ρωσία. Η ιστορία του θεάτρου χρονολογείται από το 1783, όταν άνοιξε το Πέτρινο Θέατρο, στο οποίο έπαιξαν θίασοι δράματος, όπερας και μπαλέτου. Το τμήμα όπερας (τραγουδιστές P.V. Zlov, A.M. Krutitsky, E.S. Sandunova και άλλοι) και μπαλέτου (χορευτές E.I. Andreyanova, I.I. Valberkh (Lesogorov), A.P. Glushkovsky, A.I.Istomina, E.I.Kolosova και άλλοι) έλαβε χώρα από το δράμα8.1 Ανέβηκαν ξένες όπερες, καθώς και τα πρώτα έργα Ρώσων συνθετών. Το 1836, ανέβηκε η όπερα A Life for the Tsar του M.I. Glinka, η οποία άνοιξε την κλασική περίοδο της ρωσικής γλώσσας. οπερατική τέχνη. Οι εξαιρετικοί Ρώσοι τραγουδιστές O.A. Petrov, A.Ya. Στη δεκαετία του 1840 ο ρωσικός θίασος όπερας παραμερίστηκε από τον Ιταλό, ο οποίος ήταν υπό την αιγίδα της αυλής, και μεταφέρθηκε στη Μόσχα. Οι παραστάσεις της ξανάρχισαν στην Αγία Πετρούπολη μόνο από τα μέσα της δεκαετίας του 1850. στη σκηνή του Θεάτρου Τσίρκου, που ξαναχτίστηκε μετά από πυρκαγιά το 1859 (αρχιτέκτων Α. Κ. Κάβος) και άνοιξε το 1860 με το όνομα Όπερα Mariinskii(το 1883-1896 το κτίριο ανακατασκευάστηκε με την καθοδήγηση του αρχιτέκτονα V.A. Schroeter). δημιουργική ανάπτυξηκαι η συγκρότηση του θεάτρου συνδέονται με την παράσταση όπερας (καθώς και μπαλέτων) των A.P. Borodin, A.S. Dargomyzhsky, M.P. Mussorgsky, N.A. Rimsky-Korsakov, P.I. Tchaikovsky (πολλά έργα για πρώτη φορά). Υψηλός μουσική κουλτούραστη συλλογικότητα συνέβαλε η δραστηριότητα του μαέστρου και συνθέτη E.F. Napravnik (το 1863-1916). Μεγάλη συμβολή στην ανάπτυξη της τέχνης του μπαλέτου είχαν οι χορογράφοι M.I. Petipa, L.I. Ivanov. Τραγουδιστές E.A. Lavrovskaya, D.M. Leonova, I.A. Melnikov, E.K. Mravina, Yu.F. Platonova, F.I. Stravinsky, M.I. και N.N. Fignery, F.I. Chaliapin, χορευτές T.P. Karsavina, M.F. Kshesinskaya, V.F. Nizhinsky, A.P. Pavlova, M.M. σημαντικοί καλλιτέχνες, συμπεριλαμβανομένων των A.Ya.Golovin, K.A.Korovin.
Μετά Οκτωβριανή επανάστασητο θέατρο έγινε κρατικό, από το 1919 - ακαδημαϊκό. Από το 1920 ονομαζόταν Κρατικό Ακαδημαϊκό Θέατρο Όπερας και Μπαλέτου, από το 1935 - πήρε το όνομά του από τον Κίροφ. Μαζί με τα κλασικά, το θέατρο ανέβαζε όπερες και μπαλέτα Σοβιετικών συνθετών. Τραγουδιστές I.V. Ershov, S.I. Migai, S.P. Preobrazhenskaya, N.K. Pechkovsky, χορευτές μπαλέτου T.M. Vecheslova, N.M. V. Lopukhov, K. M. Sergeev, G. S. Ulanova, V. M. Chabukiani, A. Ya. A. Lossky, S. E. Radlov, N. V. Smolich, I. Yu. Shlepyanov, μπαλέτες A. Ya. Vaganova, L. M. Lavrovsky, F. V. Lopukhov. Στα χρόνια του Μεγάλου Πατριωτικός Πόλεμοςτο θέατρο βρισκόταν στο Περμ, συνέχισε να εργάζεται ενεργά (υπήρξαν αρκετές πρεμιέρες, συμπεριλαμβανομένης της όπερας "Emelian Pugachev" του M.V. Koval, 1942). Ορισμένοι καλλιτέχνες του θεάτρου που παρέμειναν στο πολιορκημένο Λένινγκραντ, συμπεριλαμβανομένων των Preobrazhenskaya, P.Z. Andreev, έπαιξαν σε συναυλίες, στο ραδιόφωνο, συμμετείχαν στο παραστάσεις όπερας. ΣΕ μεταπολεμικά χρόνιαΤο θέατρο έδωσε μεγάλη προσοχή Σοβιετική μουσική. Τα καλλιτεχνικά επιτεύγματα του θεάτρου συνδέονται με τις δραστηριότητες των επικεφαλής μαέστρων S.V. Yeltsin, E.P. Grikurov, A.I. Klimov, K.A. Simeonov, Yu.Kh., των χορογράφων I.A. Belsky, K.M. Sergeev, B.A. Fenster, L.V.V.V. Sevastyanov, S.B. Virsaladze και άλλοι. Στο θίασο (1990): αρχι μαέστρος V. A. Gergiev, επικεφαλής χορογράφος O. I. Vinogradov, τραγουδιστές I. P. Bogacheva, E. E. Gorohovskaya, G. A. Kovaleva, S. P. Leiferkus, Yu. M. Marusin, V. M. Morozov , N.P.Okhotnikov, K. I.A.Kolpakova, G.T.Komleva, N.A.Kurgapkina, A.I.Sizova κ.ά.. Απονεμήθηκε το παράσημο του Λένιν (1939), το Τάγμα της Οκτωβριανής Επανάστασης (1983). Μεγάλης κυκλοφορίας εφημερίδα «Για Σοβιετική τέχνη(από το 1933).
Ξεχασμένο μπαλέτο
Μετακόμισες για δουλειά από την Αγία Πετρούπολη στη Νότια Κορέα. Πόσο δημοφιλής είναι τώρα η Ασία στους χορευτές μπαλέτου μας;
Για να είμαι ειλικρινής, οι συνάδελφοί μου μετακομίζουν στην Ευρώπη και τις ΗΠΑ πολλές φορές πιο συχνά. ΣΕ Νότια ΚορέαΤο μπαλέτο είναι μόλις 50 περίπου ετών και η εταιρεία Universal Ballet (η μεγαλύτερη εταιρεία μπαλέτου στη Νότια Κορέα, με έδρα τη Σεούλ. - Εκδ.), όπου εργάζομαι τώρα, είναι 33 ετών. Εκτός από αυτό, υπάρχει και κορεάτικο στη χώρα εθνικό μπαλέτοόπου μόνο οι Κορεάτες μπορούν να εργαστούν. Καμία διάκριση: παρόμοιες εταιρείες υπάρχουν σε άλλες χώρες, για παράδειγμα, στη Γαλλία. Κι εκεί μόνο ο γαλλικός χορός.
- Γιατί αποφασίσατε να φύγετε από το θέατρο Μαριίνσκι;
Όλα ξεκίνησαν από το γεγονός ότι ο συνάδελφός μου έπιασε δουλειά στο Universal Ballet. Μια μέρα τη ρώτησα αν χρειάζονταν χορευτές εκεί. Έστειλα ένα βίντεο με τις παραστάσεις μου στην εταιρεία και σύντομα με κάλεσαν να δουλέψω. Συμφώνησα αμέσως, γιατί για πολύ καιρό ήθελα να αλλάξω τη ζωή μου στο μπαλέτο καλύτερη πλευρά. Και η εταιρεία "Universal Ballet" αποδείχθηκε ότι είχε ένα πολύ πλούσιο ρεπερτόριο: υπάρχει κάτι για χορό.
Το πρόβλημα είναι ότι στο θέατρο Mariinsky στις αυτή τη στιγμήπερισσότερη προσοχή δίνεται στην όπερα και τη μουσική παρά στο μπαλέτο, που φαίνεται να έχει ξεχαστεί. Στην αρχή, νέες παραστάσεις ανέβηκαν ακόμα στο θέατρο Mariinsky, προσκλήθηκαν χορογράφοι, συμπεριλαμβανομένων ξένων. Αλλά μετά σταμάτησαν όλα.
Ο Αλεξέι Ρατμάνσκι (μόνιμος χορογράφος του Αμερικανικού Θεάτρου Μπαλέτου. - Εκδ.) ήταν ο τελευταίος από τους εμβληματικούς χορογράφους που έφτασε πριν από δύο χρόνια και ανέβασε το μπαλέτο Concerto DSCH σε μουσική του Ντμίτρι Σοστακόβιτς στο Θέατρο Μαριίνσκι. Για πολλή ώρα χόρευα στο ίδιο κλασικές παραγωγές. Ήθελα όμως και κάποιο νέο ρεπερτόριο, μοντέρνα χορογραφία.
Αλλά αν έχουμε ένα υπέροχο κλασικό - "Ο Καρυοθραύστης", "Το Συντριβάνι του Μπαχτσισαράι", " Λίμνη των κύκνων"Αρα ίσως σύγχρονη χορογραφίακαι δεν χρειάζεται;
Χωρίς νέες παραστάσεις δεν θα υπάρξει ανάπτυξη του θεάτρου και των καλλιτεχνών. Στο εξωτερικό καταλάβετε αυτό. Για παράδειγμα, στη Νότια Κορέα χορέψαμε πρόσφατα το "Little Death" του Jiri Kilian (Τσέχος χορευτής και χορογράφος. - Εκδ.). Αυτό μοντέρνο κλασικό, που πηγαίνει σε θέατρα σε πολλές χώρες του κόσμου. Αλλά για κάποιο λόγο όχι στο Mariinsky. Και εδώ υπάρχει, μεταξύ άλλων, το μπαλέτο «Romeo and Juliet» σε σκηνοθεσία Kenneth Macmillan (Βρετανός χορογράφος, σκηνοθέτης Βασιλικό Μπαλέτοτο 1970-1977. - Εκδ.), "Eugene Onegin" του John Neumeier (χορογράφος, επικεφαλής του μπαλέτου του Αμβούργου από το 1973. - Εκδ.), In the Middle, Somewhat Elvated ("In the middle something towered") William Forsythe (Αμερικανός χορογράφος, του θίασος μπαλέτουΗ Foresight Company ασχολείται με πειράματα στον τομέα της μοντέρνος χορός. - Εκδ.).
Εργοστάσιο Γκέργκιεφ
- Γινόμαστε επαρχία μπαλέτου;
Δεν θα το έλεγα. Απλώς το θέατρο Μαριίνσκι μετατρέπεται σε ένα είδος εργοστασίου. Σε ένα μήνα, ένας καλλιτέχνης μπορεί να έχει 30–35 παραστάσεις μπαλέτου. Για παράδειγμα, μερικές φορές έπρεπε να κάνω παραστάσεις ακόμη και δύο φορές την ημέρα. Στην αρχή, οι άνθρωποι, ανοίγοντας μια τόσο τεταμένη αφίσα για ένα μήνα νωρίτερα, έκαναν έκπληκτα στρογγυλά μάτια. Αλλά συνηθίζει κανείς τα πάντα. Αυτό συνηθίσαμε με τον καιρό. Κάθε μέρα δούλευαν, ανέβαιναν στη σκηνή, έκαναν ό,τι έπρεπε. Κανείς όμως δεν είχε αρκετό χρόνο ή ενέργεια για να ετοιμάσει νέες παραστάσεις, γιατί πρέπει να γίνουν πρόβες και παλιά πράγματα, το ρεπερτόριο που ανεβαίνει. Πολλοί χορευτές μπαλέτου έφυγαν ακριβώς λόγω αυτής της καθημερινής μονότονης δουλειάς.
Γίνονται 6-7 παραστάσεις το μήνα. Και προετοιμαζόμαστε προσεκτικά για κάθε ένα από αυτά, γιατί ο χρόνος το επιτρέπει. Για παράδειγμα, πρόσφατα χόρεψαν ένα σύγχρονο πρόγραμμα και από κάθε ξένο χορογράφο (του οποίου οι παραστάσεις συμπεριλήφθηκαν σε αυτό το πρόγραμμα. - Εκδ.) Ήρθε ένας βοηθός, με τον οποίο συνεργαστήκαμε: εξήγησε κάποιες αποχρώσεις, λεπτομέρειες. Από τον Ιανουάριο που είμαι εδώ, έχω ήδη δεχτεί τόσα συναισθήματα και έχω χορέψει τόσα πολλά πράγματα!
- Γιατί πιστεύετε ότι υπάρχει ένας τέτοιος ιμάντας στο θέατρο Mariinsky;
Απλώς ο άνθρωπος που βρίσκεται στην κεφαλή του θεάτρου (Βαλέρι Γκέργκιεφ. - Εκδ.) είναι ο ίδιος. Είναι πολύ αποτελεσματικός. Μια μέρα είναι στη Μόσχα σε μια συνάντηση, τρεις ώρες αργότερα πετά στο Μόναχο για να διευθύνει Συμφωνική ορχήστρα, και πέντε ώρες αργότερα πάλι στη Μόσχα στη ρεσεψιόν. Προφανώς αποφάσισε ότι το θέατρό του έπρεπε να λειτουργήσει πολύ ενεργά. Φυσικά, δεν είναι κακό. Αλλά μερικές φορές ένιωθα σαν ανθρακωρύχος στο θέατρο Μαριίνσκι: δούλευα από το πρωί μέχρι το βράδυ. Για παράδειγμα, συχνά έφευγε από το σπίτι στις 10 το πρωί και επέστρεφε τα μεσάνυχτα. Φυσικά, ήταν πολύ δύσκολο. Από την άλλη, κάθε θέατρο στον κόσμο έχει τα δικά του προβλήματα.
«Οι βόμβες της Βόρειας Κορέας δεν φοβούνται εδώ»
Πώς σας υποδέχτηκαν οι συνάδελφοι χορευτές στη Νότια Κορέα; Υπήρξε κάποιο αυξημένο ενδιαφέρον για εσάς, αφού είστε από το θέατρο Μαριίνσκι;
Δεν παρατήρησα κάποιον ιδιαίτερο ενθουσιασμό. Ίσως νωρίτερα Ευρωπαίοι στο κόσμος μπαλέτουΟι Κορέα ήταν μια περιέργεια, αλλά τώρα όλοι μας έχουν συνηθίσει από καιρό. Για παράδειγμα, στο Universal Ballet, περίπου οι μισοί από όλους τους χορευτές προέρχονταν από την Ευρώπη. Υπάρχουν και Αμερικανοί. Παρεμπιπτόντως, στο κορεάτικο μπαλέτο, λαμβάνονται πολλά από το ρωσικό μπαλέτο. Συγκεκριμένα, υπάρχουν πολλές παραγωγές του θεάτρου Mariinsky εδώ. Επομένως, είναι πολύ εύκολο για μένα εδώ: Χόρεψα τον Καρυοθραύστη ή τον Δον Κιχώτη στο θέατρο Μαριίνσκι και χορεύω εδώ.
- Τι συνθήκες παρέχουν οι Κορεάτες στους χορευτές μας;
Οι συνθήκες είναι πολύ καλές, από αυτή την άποψη είναι εξαιρετικές. Για παράδειγμα, μου παρείχαν αμέσως στέγαση - ένα μικρό διαμέρισμα, καλό μισθοί, που είναι πολλές φορές περισσότερο από ό,τι ήταν στην Αγία Πετρούπολη (ωστόσο, οι τιμές είναι υψηλότερες εδώ), και ιατρική ασφάλιση. Στο θέατρο Mariinsky, οι χορευτές μπαλέτου, παρεμπιπτόντως, το έκαναν επίσης. Για παράδειγμα, πριν από μερικά χρόνια έκανα μια επέμβαση στο γόνατο.
- Ο ανταγωνισμός στον κόσμο του μπαλέτου είναι υψηλότερος στη Ρωσία ή τη Νότια Κορέα;
Ο ανταγωνισμός είναι παντού, χωρίς αυτόν απλά δεν μεγαλώνεις. Αλλά είναι σε φόρμα και υγιής. Δεν ένιωσα λοξά βλέμματα ή κουβέντες πίσω από την πλάτη μου ούτε στην Αγία Πετρούπολη ούτε στη Σεούλ. Αλλά ακόμα κι αν λένε κάτι για μένα, είμαι τόσο βυθισμένος στη δουλειά που δεν το παρατηρώ. Γενικά, οι ιστορίες για θραύσματα γυαλιού σε παπούτσια πουέντ και λερωμένα κοστούμια είναι μύθος. Σε όλη μου την καριέρα στο μπαλέτο, δεν το έχω συναντήσει ποτέ αυτό. Και δεν το είχα ακούσει καν. Χωρίς βάσεις.
- Η Ασία είναι ένας εντελώς διαφορετικός κόσμος. Ποιο ήταν το πιο δύσκολο πράγμα για εσάς να συνηθίσετε στη Νότια Κορέα;
Όταν οι συνάδελφοι στο θέατρο Μαριίνσκι έμαθαν για την αναχώρησή μου, είπαν ότι θα ήταν ψυχολογικά πολύ δύσκολο για μένα να ζήσω εκεί. Αλλά στη Σεούλ, ήμουν τόσο βυθισμένος στο επάγγελμά μου που δεν ένιωθα απολύτως τίποτα. Απλώς χορεύω χωρίς αυτόν τον αγώνα της Αγίας Πετρούπολης και νιώθω απόλυτα χαρούμενος. Εκτός αν χρειάζεται να μάθετε τη γλώσσα. Αλλά μπορείτε να ζήσετε χωρίς αυτό στην Κορέα. Το γεγονός είναι ότι οι ντόπιοι είναι πολύ φιλικοί. Αξίζει να χαθείτε στο μετρό ή στο δρόμο, όπως ταιριάζουν αμέσως αγγλική γλώσσαπροσφέρετε βοήθεια, ρωτήστε πού πρέπει να πάω.
- Και πώς συμπεριφέρονται Βόρεια Κορέα? Νιώθεις ένταση από έναν τόσο δύσκολο γείτονα;
Οχι. Μου φαίνεται ότι κανείς δεν το σκέφτεται καν και δεν φοβάται τις κορεατικές βόμβες. Όλα είναι πολύ ήρεμα εδώ και φαίνεται ότι τίποτα δεν συμβαίνει. Δεν υπάρχουν τρομοκρατικές επιθέσεις, ούτε καταστροφές, ούτε καν καμία μεγάλα σκάνδαλα. Όμως, παρά το γεγονός ότι είναι τόσο άνετα εδώ, μου λείπει ακόμα η Αγία Πετρούπολη, η οικογένειά μου και οι Mariinsky. Αυτό το θέατρο μου έδωσε πραγματικά πολλά. Εκεί σπούδασα, απέκτησα εμπειρίες, διαμόρφωσα το γούστο μου, χόρεψα εκεί. Και θα μείνει για πάντα στη μνήμη μου.
|
Mariinsky Theatrical Ballet, Mariinsky Theatre Ballet
Η ιστορία του μπαλέτου του θεάτρου Μαριίνσκι ξεκίνησε με παραστάσεις στο δικαστήριο, όπου συμμετείχαν πολλοί επαγγελματίες χορευτές και χορευτές, οι οποίοι εμφανίστηκαν μετά την ίδρυση από την αυτοκράτειρα Άννα Ιωάννοβνα το 1738 σχολή χορούυπό την καθοδήγηση του Γάλλου δασκάλου Jean-Baptiste Lande.
Ο θίασος μπαλέτου ήταν μέρος των θεάτρων:
- Θέατρο Μπολσόι της Πετρούπολης (Πέτρα, από το 1783),
- Θέατρο Mariinsky από το 1860,
- Κρατικό Θέατρο Mariinsky (από το 1917), το οποίο το 1920 μετονομάστηκε σε Κρατικό ακαδημαϊκό θέατροόπερα και μπαλέτο (από το 1935 πήρε το όνομά του από τον S. M. Kirov), και το 1992 επέστρεψε το προηγούμενο όνομά του - το θέατρο Mariinsky.
- 1 19ος αιώνας
- 2 ΧΧ αιώνα
- 3 21ος αιώνας
- 3.1 Χορευτές μπαλέτου
- 3.1.1 Μπαλαρίνες και πρεμιέρες
- 3.1.2 Πρώτοι σολίστ
- 3.1.3 Δεύτεροι σολίστ
- 3.1.4 Σολίστ χορού χαρακτήρων
- 3.1.5 Φωτιστικά
- 3.1 Χορευτές μπαλέτου
- 4 Βλέπε επίσης
- 5 Σημειώσεις
- 6 Σύνδεσμοι
19ος αιώνας
Ricardo Drigo, 1894 Lev Ivanov, 1885 Caesar Pugni, 1840 Marius Petipa, 1898 Leon Minkus, 1865 Pyotr Tchaikovsky Alexander GlazunovΟ Sh. L. Didlo είχε αξιοσημείωτη επιρροή στην ανάπτυξη του μπαλέτου της Αγίας Πετρούπολης. Τα χορευτικά ποιήματα του Ντιντελότ «Ζέφυρος και Φλώρα» (1804), «Έρωτας και Ψυχή» (1809), «Άκης και Γαλάτεια» (1816) του Κάβου προοιωνίζονταν την έναρξη του ρομαντισμού. 1823 το θέατρο ανέβασε το μπαλέτο " Αιχμάλωτος του Καυκάσου, ή Shadow of the Bride «στη μουσική. Κάβος (1823). Το ρεπερτόριο που δημιούργησε ο Didelot αποκάλυψε τα ταλέντα των M. I. Danilova, E. I. Istomina, E. A. Teleshova, A. S. Novitskaya, Auguste (O. Poirot), N. O. Goltz. Το 1837, ο Ιταλός χορογράφος F. Taglioni και η κόρη του M. Taglioni παρουσίασαν το μπαλέτο La Sylphide στην Αγία Πετρούπολη. 1842 στο μπαλέτο "Giselle", που ανέβασαν οι J. Coralli και J. Perrot, η E. I. Andreyanova εμφανίστηκε με επιτυχία. Το 1848-1859 επικεφαλής του μπαλέτου της Αγίας Πετρούπολης ήταν ο J. Perrot, ο οποίος ανέβασε τα μπαλέτα Esmeralda, Catarina και Faust του Pugni. Το 1859, επικεφαλής του μπαλέτου ήταν ο χορογράφος A. Saint-Leon, ανέβασε τα μπαλέτα The Little Humpbacked Horse (1864) και χρυσό ψάρι» (1867). Ο Marius Petipa (από το 1847 σολίστ μπαλέτου, στη συνέχεια μάστερ μπαλέτου, το 1869-1903 - ο κύριος χορογράφος του θεάτρου) έγινε ο διάδοχος του Perro και του Saint-Leon.
Κατά τη διάρκεια της παραμονής του στη Ρωσία, ο Marius Petipa ανέβασε μπαλέτα στην αυτοκρατορική σκηνή: The Pharaoh's Daughter σε μουσική του Caesar Pugni, το 1862. "King Candavl" του Caesar Pugni, το 1868. «Δον Κιχώτης» του L. F. Minkus, 1869; "Δύο αστέρια" του Caesar Pugni, 1871; "La Bayadère" του L. F. Minkus, 1877; «Η Ωραία Κοιμωμένη του Π. Ι. Τσαϊκόφσκι, επιμέλεια Drigo, (1890-1895), Πράξεις I και III, σε συνεργασία με τον Lev Ivanov (Κείμενο Ιβάνοφ - 2η σκηνή πρώτης πράξης, Βενετσιάνοι και Ουγγρικοί χοροί στη δεύτερη πράξη, τρίτη πράξη , εκτός από την αποθέωση), «Λίμνη των Κύκνων» (μαζί με τον L. I. Ivanov, 1895), «Raymonda» σε μουσική του A. K. Glazunov, 1898· «Le Corsaire» στη μουσική των Adam, Pugni, Drigo, Delibes, Peter Oldenburgsky. , Minkus and Trubetskoy, 1898· «Paquita» του Deldevez, 1899· «Tests of Damis» του A. K. Glazunov, 1900· «The Four Seasons» (Four Seasons) του A. K. Glazunov, 1900· ) Drigo; Disciples», 1900· «Magic Mirror» Koreshchenko, 1904· «The Rosebud Romance», Drigo (η πρεμιέρα δεν έγινε).
Απαίτησαν τα μπαλέτα του Μάριους Πετίπα υψηλό επαγγελματισμόθίασος, που επιτεύχθηκε χάρη στα παιδαγωγικά χαρίσματα του Christian Ioganson, Enrico Cecchetti. Μπαλέτα των Petipa και Ivanov έπαιξαν οι: M. Surovshchikova-Petipa, Ekaterina Vazem, E. P. Sokolova, V. A. Nikitina, Maria Petipa, P. A. Gerdt, P. K. Karsavin, N. G. Legat, I. F. Kshesinsky, K. M. Kulichevskaya, K. M. Kulichevskaya,
20ος αιώνας
A. V. Shiryaev, 1904 A. A. Gorsky, 1906 Mikhail Fokin, 1909Στις αρχές του 20ου αιώνα, οι φύλακες των ακαδημαϊκών παραδόσεων ήταν καλλιτέχνες: Olga Preobrazhenskaya (1871-1962), Matilda Kshesinskaya, Vera Trefilova, Yu. N. Sedova, Agrippina Vaganova, L. N. Egorova, N. G. Legat, S. K. Andrianova, Maria Kozhukhova (1897-1959), Olga Spesivtseva (1895-1991) (5 Ιουλίου (18), 1895 - 16 Σεπτεμβρίου 1991)
Αναζητώντας νέες μορφές, ο Mikhail Fokin βασίστηκε στο σύγχρονο τέχνη. Η αγαπημένη σκηνική μορφή του χορογράφου ήταν μονόπρακτο μπαλέτομε λακωνική συνεχή δράση, με ξεκάθαρα εκφρασμένο στυλιστικό χρωματισμό.
Ο Mikhail Fokin έχει μπαλέτα: The Pavilion of Armida, 1907; "Chopiniana", 1908; Αιγυπτιακές Νύχτες, 1908; "Καρναβάλι", 1910; "Petrushka", 1911; «Polovtsian Dances» στην όπερα «Prince Igor», 1909. Η Tamara Karsavina, ο Vaslav Nijinsky και η Anna Pavlova έγιναν διάσημοι στα μπαλέτα του Fokine.
Η πρώτη πράξη του μπαλέτου «Δον Κιχώτης», σε μουσική του Λούντβιχ Μίνκους (βασισμένο στο μπαλέτο του Μ. Πετίπα) έφτασε στους συγχρόνους του στην εκδοχή του Αλεξάντερ Γκόρσκι το 1900.
Αργότερα, το 1963, ανέβηκε το The Little Humpbacked Horse (του Alexander Gorsky, το οποίο αναβίωσε οι Mikhailov, Baltacheev και Bruskin.
Από το 1924, ο Fyodor Lopukhov ανέβασε παραστάσεις στο θέατρο, η πρώτη παραγωγή του οποίου ήταν το έργο "Night on Bald Mountain" (μουσική - Modest Mussorgsky). στη συνέχεια το 1927 - "The Ice Maiden"? 1929 - "Red Poppy", μαζί με τον Ponomarev και τον Leontiev. 1931 - "Bolt", μουσική - Dmitry Shostakovich, 1944 - "Vain Precaution" σε μουσική του G. Gertel (Leningradsky Maly θέατρο όπεραςσε εκκένωση στο Όρενμπουργκ και στο Θέατρο Όπερας και Μπαλέτου του Λένινγκραντ. S. M. Kirov); 1947 - Μουσική "Spring Tale". B. Asafyeva (σύμφωνα με μουσικό υλικόΤσαϊκόφσκι) (Θέατρο Όπερας και Μπαλέτου του Λένινγκραντ με το όνομα S. M. Kirov)
Τα πρώτα χρόνια μετά την Οκτωβριανή Επανάσταση του 1917, το θέατρο βρέθηκε αντιμέτωπο με το καθήκον της διατήρησης της κληρονομιάς. κορυφαίοι καλλιτέχνες εργάστηκαν στο θέατρο: E. Ville, E. P. Gerdt, Pyotr Gusev, A. V. Lopukhov, E. M. Lukom, O. P. Mungalova, V. I. Ponomarev, V. A. Semyonov, B. V. Shavrov.
- Το 1930, οι χορογράφοι Vasily Vainonen, Leonid Yakobson και V.P. Chesnokov ανέβασαν το Golden Age Ballet σε μουσική του Dmitri Shostakovich.
- Τα μπαλέτα ανέβηκαν από το 1932 έως το 1942: The Flames of Paris, χορογράφος Vasily Vainonen, 1932; The Fountain of Bakhchisarai, χορογράφος Rostislav Zakharov, 1934; το 1939 - «Laurencia», χορογράφος Vakhtang Chabukiani.
Το 1940 ο χορογράφος Λεονίντ Λαβρόφσκι ανέβασε το μπαλέτο Ρωμαίος και Ιουλιέτα. Αργότερα, αυτή η παράσταση επαναλήφθηκε από τον Semyon Kaplan, το 1975.
Κατά τη διάρκεια του Μεγάλου Πατριωτικού Πολέμου, καλλιτέχνες που παρέμειναν σε πολιόρκησε το Λένινγκραντ, υπό την ηγεσία του O. G. Jordan πήγε στο μέτωπο, εμφανίστηκε σε εργοστάσια και νοσοκομεία. Η κύρια ομάδα εκκενώθηκε στο Περμ, όπου το 1942 ανέβηκε η παράσταση "Gayane" από τη χορογράφο Nina Anisimova
Σολίστ μπαλέτου του θεάτρου της περιόδου 1920-1940 ήταν οι μαθήτριες των A. Ya. Vaganova, M. F. Romanova, E. P. Snetkova-Vecheslova και A. V. Shiryaeva: Nina Anisimova, Fairy Balabina, Tatiana Vecheslova, Natalia Ndudinskaya, , N. A. Zubkovsky, O. G. Jordan, Marina Semyonova, Konstantin Sergeev, Galina Ulanova, Vakhtang Chabukiani και Alla Shelest, Tatyana Vecheslova.
Το 1941, αφού αποφοίτησε από τη Χορογραφική Σχολή της Μόσχας στην τάξη της δασκάλας της Αγίας Πετρούπολης Μαρίας Κοζούχοβα, η Inna Zubkovskaya μπήκε στο θέατρο.
Στη μεταπολεμική περίοδο, στο ρεπερτόριο μπαλέτου του θεάτρου Kirov εμφανίστηκαν νέες παραγωγές στις οποίες χόρεψαν: I. D. Belsky, B. Ya. Bregvadze, Inna Zubkovskaya, Ninel Kurgapkina, Askold Makarov, Olga Moiseeva, N. A. Petrova, V. D. Ukhov, K. V. N. B. Yastrebova.
ΣΕ τελευταίες εκδόσειςΗ A. Ya. Vaganova στη δεκαετία του '50, εμφανίστηκαν και άστραψαν δύο ονόματα: Irina Kolpakova και Alla Osipenko, από τη σεζόν 1957, μια μαθήτρια του V. S. Kostrovitskaya Gabriela Komleva εμφανίστηκε στο θέατρο, το 1958, μαθητής των N. A. Kamkova, Alla Siz, εμφανίστηκε στο θέατρο, το 1959 ο E. V. Shiripina κυκλοφόρησε το μέλλον παγκόσμιο αστέριΗ Natalia Makarov, το 1963, μια μαθήτρια του L. M. Tyuntina Natalya Bolshakova εμφανίστηκε στο θέατρο, το 1966 - μαθητής της ίδιας δασκάλας Έλενα Εβτέεβα, το 1970 μαθητής της N. V. Belikova Galina Mezentseva εμφανίστηκε στο θέατρο και επίσης το 199727- . απόφοιτος της ίδιας δασκάλας Lyudmila Semenyaka χόρεψε στο θέατρο, μαθητές του Alexander Pushkin Rudolf Nureyev εργάστηκαν στο μπαλέτο Kirov, από το 1958 και ο Mikhail Baryshnikov, το 1967, από το 1958 - ο Yuri Solovyov (μαθητής του Boris Shavrov).
Στη δεκαετία του '80 ήρθε το θέατρο επόμενη γενιά, μεταξύ των νέων σταρ Altynai Asylmuratova, Farukh Ruzimatov, Elena Pankova, Zhanna Ayupova, Larisa Lezhnina, Anna Polikarpova.
XXI Αιώνας
Στη νέα χιλιετία στο θίασο μπαλέτου του θεάτρου: Ulyana Lopatkina, Diana Vishneva, Yulia Makhalina, Alina Somova και Victoria Tereshkina.
χορευτές μπαλέτου
Για το 2016, οι ακόλουθοι καλλιτέχνες αποτελούν τη βάση του μπαλέτου Mariinsky:
Μπαλαρίνες και πρεμιέρες
- Ekaterina Kondaurova
- Uliana Lopatkina
- Τζούλια Μαχαλίνα
- Ντάρια Παβλένκο
- Οξάνα Σκόρικ
- Αλίνα Σόμοβα
- Βικτώρια Τερέσκινα
- Diana Vishneva
- Τιμούρ Ασκέροφ
- Εβγκένι Ιβαντσένκο
- Κιμίν Κιμ
- Ιγκόρ Κολμπ
- Vladimir Shklyarov
- Ντανίλα Κορσούντσεφ
- Denis Matvienko (προσκεκλημένος σολίστ)
Πρώτοι σολίστ
Δεύτεροι σολίστ
Σολίστ χορού χαρακτήρων
φωτιστικά σώματα
Η κόρη του Φαραώ, 1898
Μία από τις παραστάσεις, 2005
"Λίμνη των Κύκνων", 2004
La Bayadère, 2011
δείτε επίσης
- Ιστορία της σχολής μπαλέτου της Πετρούπολης
Σημειώσεις
- Σολίστ του μπαλέτου Mariinsky. Όπερα Mariinskii. Ανακτήθηκε στις 17 Αυγούστου 2016.
Συνδέσεις
- Σολίστ μπαλέτου - στον ιστότοπο του θεάτρου Mariinsky
|
||||||||||||||||||||||||||
Μπαλέτο θεάτρου Mariinsky, Μπαλέτο θεάτρου Mariinsky, μπαλέτο θεάτρου Mariinsky, μπαλέτο θεάτρου Mariinsky
Μπαλέτο του θεάτρου Mariinsky
Ενότητα εκδόσεων Θέατρα
Σύγχρονες Ρωσίδες μπαλαρίνες. Top 5
Οι προτεινόμενες κορυφαίες πέντε μπαλαρίνες περιελάμβαναν καλλιτέχνες που ξεκίνησαν την καριέρα τους στα κύρια μουσικά θέατρα της χώρας μας - το Mariinsky και το Bolshoi - στη δεκαετία του '90, όταν η κατάσταση στην πολιτική και μετά από αυτήν στον πολιτισμό άλλαζε ραγδαία. θέατρο μπαλέτουέγινε πιο ανοιχτό λόγω της διεύρυνσης του ρεπερτορίου, της άφιξης νέων χορογράφων, της εμφάνισης πρόσθετων ευκαιριών στη Δύση και ταυτόχρονα πιο απαιτητικές στις ερμηνευτικές δεξιότητες.
Αυτή τη σύντομη λίστα με τα αστέρια της νέας γενιάς ανοίγει η Uliana Lopatkina, η οποία εντάχθηκε στο θέατρο Mariinsky το 1991 και τώρα σχεδόν τελειώνει την καριέρα της. Στο τέλος της λίστας βρίσκεται η Victoria Tereshkina, η οποία άρχισε επίσης να εργάζεται στην εποχή της περεστρόικα στην τέχνη του μπαλέτου. Και ακριβώς πίσω της έρχεται η επόμενη γενιά χορευτών, για τους οποίους η σοβιετική κληρονομιά είναι μόνο μία από τις πολλές κατευθύνσεις. Αυτές είναι η Ekaterina Kondaurova, η Ekaterina Krysanova, η Olesya Novikova, η Natalya Osipova, η Oksana Kardash, αλλά για αυτές άλλη φορά.
Uliana Lopatkina
Τα σημερινά μέσα ενημέρωσης αποκαλούν τη μαθήτρια της Natalia Dudinskaya, Ulyana Lopatkina (γεννημένη το 1973) το "style icon" του ρωσικού μπαλέτου. Υπάρχει ένας κόκκος αλήθειας σε αυτόν τον πιασάρικο ορισμό. Είναι η ιδανική Odette-Odile, μια γνήσια «διπρόσωπη» ηρωίδα της «Λίμνης των Κύκνων» στην ψυχρά εκλεπτυσμένη σοβιετική εκδοχή του Konstantin Sergeyev, η οποία κατάφερε επίσης να αναπτύξει και να ενσαρκώσει πειστικά στη σκηνή μια άλλη εικόνα κύκνου στην παρακμιακή μινιατούρα του Mikhail Fokine «The Dying Κύκνος» της Camille Saint-Saens. Σύμφωνα με αυτά τα δύο έργα της, ηχογραφημένα σε βίντεο, η Lopatkina αναγνωρίζεται στο δρόμο από χιλιάδες θαυμαστές σε όλο τον κόσμο και εκατοντάδες νεαροί μαθητές μπαλέτου προσπαθούν να κατανοήσουν την τέχνη και να ξετυλίξουν το μυστήριο της μετενσάρκωσης. Η εκλεπτυσμένη και αισθησιακή Lebed είναι η Uliana, και για πολύ καιρό ακόμα, ακόμα και όταν η νέα γενιά χορευτών ξεπερνά τον λαμπρό γαλαξία των μπαλαρινών της δεκαετίας του 1990-2000, η Odette-Lopatkina θα λέει περιουσίες. Ήταν επίσης άφθαστη, τεχνικά ακριβής και εκφραστική στο «Raymonda» του Alexander Glazunov, «The Legend of Love» του Arif Melikov. Δεν θα είχε ονομαστεί "εικονίδιο του στυλ" χωρίς τη συμβολή στα μπαλέτα του George Balanchine, του οποίου η αμερικανική κληρονομιά, κορεσμένη από την κουλτούρα του ρωσικού αυτοκρατορικού μπαλέτου, κατέκτησε το θέατρο Mariinsky όταν η Lopatkina ήταν στην κορυφή της καριέρας της ( 1999-2010). Αυτήν τους καλύτερους ρόλους, ήταν ρόλοι και όχι πάρτι, αφού η Λοπατκίνα ξέρει να γεμίζει δραματικά συνθέσεις χωρίς πλοκή, που έγιναν σόλο έργα στα «Διαμάντια», «Κοντσέρτο για πιάνο Νο. 2», «Θέμα και παραλλαγές» σε μουσική Πιοτρ Τσαϊκόφσκι, «Βαλς " του Μορίς Ραβέλ. Η μπαλαρίνα συμμετείχε σε όλα τα πρωτοποριακά έργα του θεάτρου και ως αποτέλεσμα συνεργασίας με σύγχρονους χορογράφουςθα δώσει πιθανότητες σε πολλούς.
Η Uliana Lopatkina στη χορογραφική μινιατούρα "The Dying Swan"
Ντοκυμαντέρ"Ulyana Lopatkina, ή Χορεύει τις καθημερινές και τις αργίες"
Diana Vishneva
Δεύτερη από τη γέννηση, μόλις τρία χρόνια νεότερη από τη Lopatkina, μαθήτρια της θρυλικής Lyudmila Kovaleva Diana Vishneva (γεννημένη το 1976) στην πραγματικότητα δεν "ήρθε" ποτέ δεύτερη, αλλά μόνο πρώτη. Έτυχε η Lopatkina, η Vishneva και η Zakharova, χωρισμένες μεταξύ τους για τρία χρόνια, περπάτησαν δίπλα δίπλα στο θέατρο Mariinsky, γεμάτο υγιή ανταγωνισμό και ταυτόχρονα θαυμάζοντας ο ένας τις τεράστιες, αλλά εντελώς διαφορετικές δυνατότητες του άλλου. Εκεί που η Λοπατκίνα βασίλευε ως ένας άτονος χαριτωμένος Κύκνος και η Ζαχάροβα σχημάτισε μια νέα - αστική - εικόνα της ρομαντικής Ζιζέλ, ο Βίσνεβα εκτελούσε τη λειτουργία της θεάς του ανέμου. Πριν αποφοιτήσει από την Ακαδημία Ρωσικού Μπαλέτου, χόρεψε ήδη στη σκηνή του Mariinsky Kitri - κύριος χαρακτήραςστον Δον Κιχώτη, λίγους μήνες αργότερα έδειξε τα κατορθώματά της στη Μόσχα στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι. Και σε ηλικία 20 ετών έγινε η πρώτη μπαλαρίνα του θεάτρου Mariinsky, αν και πολλοί πρέπει να περιμένουν την προώθηση σε αυτό το καθεστώς έως και 30 χρόνια ή περισσότερο. Στα 18 (!) η Vishneva δοκίμασε τον ρόλο της Carmen σε έναν αριθμό που συνέθεσε ειδικά για εκείνη ο Igor Belsky. Στα τέλη της δεκαετίας του '90, η Vishneva θεωρήθηκε δικαίως η καλύτερη Ιουλιέτα στην κανονική έκδοση του Leonid Lavrovsky, έγινε επίσης η πιο χαριτωμένη Manon Lesko στο ομώνυμο μπαλέτο του Kenneth MacMillan. Από τις αρχές της δεκαετίας του 2000, παράλληλα με την Αγία Πετρούπολη, όπου συμμετείχε σε πολλές παραγωγές χορογράφων όπως οι George Balanchine, Jerome Robbins, William Forsyth, Alexei Ratmansky, Angelin Preljocaj, άρχισε να παίζει στο εξωτερικό ως guest étoile («αστέρι του μπαλέτου» ). Τώρα η Vishneva εργάζεται συχνά στα δικά της έργα, παραγγέλνοντας μπαλέτα για τον εαυτό της. διάσημους χορογράφους(John Neumeier, Alexey Ratmansky, Carolyn Carlson, Moses Pendleton, Dwight Rhoden, Jean-Christophe Maillot). Η μπαλαρίνα χορεύει τακτικά στις πρεμιέρες των θεάτρων της Μόσχας. Τεράστια επιτυχία συνόδευσε τη Vishneva στο μπαλέτο του θεάτρου Μπολσόι στη χορογραφία του Mats Ek "Apartment" (2013) και το έργο του John Neumeier "Tatyana" βασισμένο στον "Eugene Onegin" του Alexander Pushkin στο Μουσικό Θέατρο Stanislavsky and Nemirovich-Danchenko της Μόσχας στο 2014. Το 2013 έγινε μια από τις διοργανώτριες του Νοέμβρη φεστιβάλ σύγχρονου χορού Context, το οποίο από το 2016 πραγματοποιείται όχι μόνο στη Μόσχα, αλλά και στην Αγία Πετρούπολη.
Ντοκιμαντέρ «Πάντα σε κίνηση. Diana Vishneva»
Σβετλάνα Ζαχάροβα
Η νεότερη στην πρώτη τριάδα των διάσημων νεοσσών της Ακαδημίας A. Vaganova από τη δεκαετία του '90, η Svetlana Zakharova (γεννημένη το 1979) ξεπέρασε αμέσως τους αντιπάλους της και κάπως τους ξεπέρασε, ενεργώντας όπως οι κάποτε μεγάλες μπαλαρίνες του Λένινγκραντ Marina Semyonova και Galina Ulanova. να υπηρετήσει» στο Θέατρο Μπολσόι της Μόσχας το 2003. Πίσω από τους ώμους της μελετούσε με την εξαιρετική δασκάλα του ARB Elena Evteeva, εμπειρία συνεργασίας με την Olga Moiseeva, την πρωταγωνίστρια του μπαλέτου Kirov της δεκαετίας του '70, και μια γιγάντια λίστα επιτευγμάτων. Σε οποιαδήποτε παράσταση της περιόδου της Αγίας Πετρούπολης, η Ζαχάροβα ξεχώριζε ξεκάθαρα. Το δυνατό της σημείο, αφενός, ήταν η ερμηνεία ηρωίδων στα παλιά μπαλέτα από τον Marius Petipa, που αναστηλώθηκε από τον Sergei Vikharev, και σολίστ σε πρωτοποριακές παραγωγές κορυφαίων χορογράφων, από την άλλη. Σύμφωνα με φυσικά δεδομένα και τεχνικές προδιαγραφές» Η Ζαχάροβα όχι μόνο ξεπέρασε τους συναδέλφους της στο Θέατρο Μαριίνσκι και μετά στο Μπολσόι, μπήκε στην κοόρτα των πιο περιζήτητων μπαλαρινών στον κόσμο που χορεύουν παντού ως guest. Και η πιο σημαντική εταιρεία μπαλέτου στην Ιταλία - το μπαλέτο La Scala - της πρόσφερε μόνιμη σύμβαση το 2008. Η Ζαχάροβα κάποια στιγμή παραδέχτηκε ότι χόρεψε τη Λίμνη των Κύκνων, τη La Bayadère και την Ωραία Κοιμωμένη σε όλες τις πιθανές σκηνικές εκδοχές από το Αμβούργο μέχρι το Παρίσι και το Μιλάνο. ΣΕ Θέατρο Μπολσόι, λίγο αφότου η Ζαχάροβα μετακόμισε στη Μόσχα, ο John Neumeier ανέβασε το πρόγραμμά του μπαλέτο "Dream in μεσοκαλοκαιρινή νύχτα”, και η μπαλαρίνα έλαμψε σε αυτό στον διπλό ρόλο της Ιππολύτα-Τιτάνια, σε συνδυασμό με τον Oberon Nikolai Tsiskaridze. Συμμετείχε επίσης στην παραγωγή του Neumeier's Lady of the Camellias στα Μπολσόι. Η Ζαχάροβα συνεργάζεται επιτυχώς με τον Γιούρι Ποσόχοφ - χόρεψε την πρεμιέρα της Σταχτοπούτας του στο Θέατρο Μπολσόι το 2006 και το 2015 ερμήνευσε τον ρόλο της Πριγκίπισσας Μαρίας στο A Hero of Our Time.
Ταινία ντοκιμαντέρ «Πρίμα μπαλαρίνα του θεάτρου Μπολσόι Σβετλάνα Ζαχάροβα. Αποκάλυψη"
Μαρία Αλεξάντροβα
Ταυτόχρονα, όταν η τριάδα των χορευτών της Αγίας Πετρούπολης κατέκτησε τη Βόρεια Παλμύρα, το αστέρι της Μαρίας Αλεξάντροβα (γεννημένη το 1978) αναδύθηκε στη Μόσχα. Η καριέρα της εξελίχθηκε με μια μικρή καθυστέρηση: όταν ήρθε στο θέατρο, οι μπαλαρίνες της προηγούμενης γενιάς - Nina Ananiashvili, Nadezhda Gracheva, Galina Stepanenko - χόρεψαν τον αιώνα τους. Στα μπαλέτα με τη συμμετοχή τους, η Αλεξάνδροβα - φωτεινή, ιδιοσυγκρασιακή, ακόμη και εξωτική - ήταν στο περιθώριο, αλλά ήταν αυτή που πήρε όλες τις πειραματικές πρεμιέρες του θεάτρου. Οι κριτικοί είδαν τη νεαρή ακόμα μπαλαρίνα στα Dreams of Japan του Alexei Ratmansky και σύντομα ερμήνευε ήδη την Catherine II στο Russian Hamlet του Boris Eifman και άλλους. », «Raymonda», «Legend of Love», περίμενε υπομονετικά για χρόνια.
Το 2003 έγινε μοιραίο, όταν ο χορογράφος επέλεξε την Αλεξάντροβα ως Ιουλιέτα νέο κύμα Radu Poklitaru. Ήταν μια σημαντική παράσταση που άνοιξε το δρόμο για μια νέα χορογραφία (χωρίς παπούτσια πουέντ, χωρίς κλασικές θέσεις) στο Θέατρο Μπολσόι και η Αλεξάντροβα κράτησε το επαναστατικό πανό. Το 2014, επανέλαβε την επιτυχία της σε ένα άλλο σαιξπηρικό μπαλέτο - "The Taming of the Shrew" σε χορογραφία Mayo. Το 2015, η Alexandrova άρχισε να συνεργάζεται με τον χορογράφο Vyacheslav Samodurov. Ανέβασε ένα μπαλέτο για τα θεατρικά παρασκήνια - "Curtain" στο Αικατερινούπολη, και το καλοκαίρι του 2016 επέλεξε τον ρόλο του Ondine στο ομώνυμο μπαλέτο στο Θέατρο Μπολσόι. Η μπαλαρίνα κατάφερε να χρησιμοποιήσει τον αναγκαστικό χρόνο αναμονής για να βελτιώσει τη δραματική πλευρά του ρόλου. Η μυστική πηγή της δημιουργικής της ενέργειας, που στοχεύει στην υποκριτική, δεν στεγνώνει και η Αλεξάντροβα βρίσκεται πάντα σε εγρήγορση.
Ταινία ντοκιμαντέρ «Μονόλογοι για τον εαυτό μου. Μαρία Αλεξάντροβα"
Βικτώρια Τερέσκινα
Όπως η Αλεξάντροβα στο Μπολσόι, η Βικτόρια Τερέσκινα (γεννημένη το 1983) ήταν στη σκιά της προαναφερθείσας τριάδας των μπαλαρινών. Αλλά δεν περίμενε κάποιον να αποσυρθεί, άρχισε να συλλαμβάνει δυναμικά παράλληλους χώρους: πειραματίστηκε με αρχάριους χορογράφους, δεν χάθηκε στα δύσκολα μπαλέτα του William Forsythe (Προσέγγιση Σονάτα, για παράδειγμα). Συχνά έκανε αυτό που οι άλλοι δεν ανέλαβαν, ή ανέλαβαν, αλλά δεν μπορούσε να αντεπεξέλθει, αλλά η Tereshkina πέτυχε και εξακολουθεί να κάνει τα πάντα. Το κύριο πλεονέκτημά της ήταν η άψογη κατοχή της τεχνικής, η αντοχή και η παρουσία ενός αξιόπιστου δασκάλου κοντά, του Lyubov Kunakova, βοήθησαν. Είναι περίεργο ότι, σε αντίθεση με την Αλεξάντροβα, η οποία πήγε στο γνήσιο δράμα, το οποίο είναι δυνατό μόνο στη σκηνή του μπαλέτου, η Τερέσκινα «στήθηκε» στη βελτίωση της τεχνικής και ανύψωσε τη θριαμβευτική ασυνέπεια σε λατρεία. Το αγαπημένο της θέμα, το οποίο παίζει πάντα στη σκηνή, ξεφεύγει από την αίσθηση της φόρμας.
Το ντοκιμαντέρ «Royal box. Βικτώρια Τερέσκινα"
