विदेशों का संगीत साहित्य, भाग 2. टी

संगीत लाइब्रेरी हमें खुशी है कि आपने हमारी संगीत लाइब्रेरी में अपनी रुचि की सामग्री ढूंढ ली है और डाउनलोड कर ली है। लाइब्रेरी को लगातार नए कार्यों और सामग्रियों के साथ अद्यतन किया जाता है, और अगली बार आपको निश्चित रूप से आपके लिए कुछ नया और दिलचस्प मिलेगा। प्रोजेक्ट की लाइब्रेरी पाठ्यक्रम के साथ-साथ शिक्षण और छात्रों के क्षितिज के विस्तार के लिए अनुशंसित सामग्रियों के आधार पर पूरी की जाती है। छात्रों और शिक्षकों दोनों को यहां उपयोगी जानकारी मिलेगी। पुस्तकालय पद्धति संबंधी साहित्य भी प्रस्तुत करता है। हमारे पसंदीदा संगीतकार और कलाकार समकालीन कलाकार यहां आपको प्रमुख कलाकारों, संगीतकारों, प्रसिद्ध संगीतकारों की जीवनियां और साथ ही उनके काम भी मिलेंगे। कार्य अनुभाग में, हम प्रदर्शन की रिकॉर्डिंग पोस्ट करते हैं जो आपको सीखने में मदद करेगी, आप सुनेंगे कि यह काम कैसा लगता है, काम के लहजे और बारीकियाँ। हम classON.ru पर आपका इंतजार कर रहे हैं। वीएन ब्रायंटसेवा जोहान सेबेस्टियन बाख 1685 - 1750 वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट 1756 - 1791 फ्रांज शुबर्ट 1797 - 1828 www.classON.ru जोसेफ हेडन 1732 - 1809 लुडविग वान बीथोवेन 1770 - 1827 फ्राइडेरिक चोपिन 1810 - 19 49 बच्चे रूस में कला की शिक्षा के बारे में जानकारी लगभग 10वीं शताब्दी ईसा पूर्व से अधिक से अधिक प्रचुर मात्रा में। दृश्य कलाएँ विकसित हो रही हैं - और कलाकार संगीतकारों को चित्रित करते हैं जो धार्मिक संस्कारों, सैन्य अभियानों, शिकार, गंभीर जुलूसों, गायन और वादन के साथ नृत्य करते हैं। ऐसी छवियां, विशेष रूप से, मंदिरों की दीवारों और खुदाई के दौरान पाए गए चीनी मिट्टी के फूलदानों पर संरक्षित की गई हैं। लेखन प्रकट होता है - और पांडुलिपियों के लेखक उनमें गीतों और भजनों के काव्यात्मक पाठ पेश करते हैं, संगीतमय जीवन के बारे में दिलचस्प जानकारी प्रदान करते हैं। समय के साथ, लेखक संगीत के बारे में दार्शनिक चर्चा, इसकी महत्वपूर्ण सामाजिक, शैक्षिक भूमिका के साथ-साथ इसकी भाषा के तत्वों के सैद्धांतिक अध्ययन पर बहुत ध्यान देते हैं। संगीत के बारे में इनमें से अधिकांश जानकारी प्राचीन विश्व के कुछ देशों में संरक्षित की गई है, उदाहरण के लिए, प्राचीन चीन, प्राचीन भारत, प्राचीन मिस्र, विशेष रूप से तथाकथित प्राचीन देशों में बहुत कुछ - प्राचीन ग्रीस और प्राचीन रोम, जहां यूरोपीय संस्कृति की नींव रखी गई थी2। जे.एस. बाख के लिए प्राचीन काल से संगीत का परिचय प्रिय बच्चों! पिछले वर्ष आपके पास पहले से ही संगीत साहित्य का पाठ था। उन्होंने संगीत भाषा के मूल तत्वों, कुछ संगीत रूपों और शैलियों, संगीत की अभिव्यंजक और दृश्य संभावनाओं और ऑर्केस्ट्रा पर चर्चा की। साथ ही, बातचीत विभिन्न प्रकार के युगों के बारे में स्वतंत्र रूप से आयोजित की गई - या तो प्राचीनता के बारे में, या आधुनिकता के बारे में, या हमसे कम या अधिक दूर की सदियों में लौटने के बारे में। और अब संगीत साहित्य से कालानुक्रमिक-ऐतिहासिक-क्रम1 में परिचित होने का समय आ गया है। प्राचीन ग्रीस में संगीत के बारे में हमें प्राचीन विश्व के संगीत के बारे में जानकारी कैसे मिली? खेल - ओलिंपिक खेलों। और दो शताब्दियों के बाद, वहां संगीत प्रतियोगिताएं आयोजित की जाने लगीं - पाइथियन गेम्स, जिन्हें आधुनिक प्रतियोगिताओं का दूर का पूर्वज माना जा सकता है। कला के संरक्षक, सूर्य और प्रकाश के देवता, अपोलो के सम्मान में बनाए गए मंदिर में पाइथियन खेल आयोजित किए गए थे। मिथकों के अनुसार उन्होंने ही राक्षसी नाग अजगर को हराकर इन खेलों की स्थापना की थी। यह ज्ञात है कि एक बार उन्हें आर्गोस के सक्कड़ ने औलोस पर बजाते हुए जीता था, जो ओबो के करीब एक पवन वाद्ययंत्र था, अपोलो के संघर्ष के बारे में एक कार्यक्रम नाटक, पायथन के साथ। प्राचीन ग्रीक संगीत के लिए कविता के साथ एक विशिष्ट संबंध था, नृत्य, रंगमंच. महान कवि होमर की वीरतापूर्ण महाकाव्य कविताएँ "इलियड" और "ओडिसी" गाए गए थे। गायक आमतौर पर, पौराणिक ऑर्फ़ियस की तरह, काव्य पाठ और संगीत दोनों के लेखक थे, और वे स्वयं वीणा बजाते थे। उत्सव में मूकाभिनय भाव-भंगिमाओं के साथ समूह नृत्य गाने प्रस्तुत किए गए। प्राचीन ग्रीक त्रासदियों और हास्य में, एक बड़ी भूमिका गायक मंडल की थी: उन्होंने कार्रवाई पर टिप्पणी की, अपना दृष्टिकोण व्यक्त किया। खुदाई करते समय, पुरातत्वविदों को सबसे सरल संगीत वाद्ययंत्र मिले (उदाहरण के लिए, पवन वाद्ययंत्र - ड्रिल किए गए छेद वाले जानवरों की हड्डियां) और निर्धारित किया गया कि इनका निर्माण लगभग चालीस हजार वर्ष पूर्व हुआ था। नतीजतन, संगीत की कला पहले से ही अस्तित्व में थी। 1877 में फोनोग्राफ के आविष्कार के बाद - यांत्रिक रिकॉर्डिंग और ध्वनि के पुनरुत्पादन के लिए पहला उपकरण, संगीतकारों-शोधकर्ताओं ने दुनिया के उन कोनों की यात्रा करना शुरू कर दिया जहां कुछ जनजातियों के पास अभी भी जीवन का एक आदिम तरीका था। ऐसी जनजातियों के प्रतिनिधियों से, उन्होंने फोनोग्राफ की मदद से गायन और वाद्य धुनों के नमूने रिकॉर्ड किए। लेकिन ऐसी रिकॉर्डिंग, निश्चित रूप से, केवल एक अनुमानित विचार देती है कि उन प्राचीन काल में संगीत कैसा था। शब्द "क्रोनोलॉजी" (इसका अर्थ है "समय में ऐतिहासिक घटनाओं का क्रम") दो ग्रीक शब्दों - "क्रोनोस" ("समय") और "लोगो" ("सिद्धांत") से आया है। 1 लैटिन शब्द "एंटीगुअस" का अर्थ "प्राचीन" है। इससे प्राप्त "प्राचीन" शब्द प्राचीन ग्रीस और प्राचीन रोम के इतिहास और संस्कृति को दर्शाता है। 2 2 www.classON.ru नायकों के कार्यों के आधार पर रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा। आधुनिक संगीतशास्त्रियों के पास प्राचीन विश्व के संगीत के बारे में कुछ जानकारी है और फिर भी वे अन्य कलाओं के इतिहासकारों से ईर्ष्या करते हैं। बड़ी संख्या में प्राचीन वास्तुकला, प्राचीन ललित कलाओं, विशेष रूप से मूर्तिकला के शानदार स्मारकों को संरक्षित किया गया है, महान प्राचीन नाटककारों द्वारा त्रासदियों और हास्य के ग्रंथों के साथ कई पांडुलिपियां पाई गई हैं। लेकिन उसी युग में और बहुत बाद में भी बनाई गई संगीत रचनाएँ हमारे लिए अनिवार्य रूप से अज्ञात बनी हुई हैं। ऐसा क्यों हुआ? तथ्य यह है कि संगीत संकेतन (नोटेशन) की एक पर्याप्त सटीक और सुविधाजनक प्रणाली का आविष्कार करना एक बहुत ही कठिन काम साबित हुआ, जिसमें आप में से प्रत्येक ने तब महारत हासिल की जब आप संगीत सीखना शुरू कर रहे थे। इसे सुलझाने में कई सदियां लग गईं. सच है, प्राचीन यूनानियों ने अक्षर संकेतन का आविष्कार किया था। उन्होंने संगीत विधाओं के चरणों को वर्णमाला के कुछ अक्षरों से निर्दिष्ट किया। लेकिन लयबद्ध संकेत (डैश से) हमेशा नहीं जोड़े जाते थे। केवल 19वीं शताब्दी ई. के मध्य में ही वैज्ञानिकों ने अंततः इस अंकन के रहस्यों को उजागर किया। हालाँकि, यदि वे प्राचीन ग्रीक संगीत पांडुलिपियों में ऊंचाई में ध्वनियों के अनुपात को सटीक रूप से समझने में सक्षम थे, तो अवधि में अनुपात केवल लगभग है। इसके अलावा, ऐसी बहुत कम पांडुलिपियाँ पाई गई हैं, और उनमें केवल कुछ मोनोफोनिक कार्यों (उदाहरण के लिए, भजन) और अधिक बार - उनके टुकड़े के रिकॉर्ड शामिल हैं। पर्याप्त दृश्यता. इसलिए, संगीतकारों ने लंबे समय से सहायक संकेत चिह्नों का उपयोग किया है। ये चिह्न मंत्रों के शब्दों के ऊपर रखे गए थे और या तो व्यक्तिगत ध्वनियों या उनके छोटे समूहों को दर्शाते थे। उन्होंने न तो ऊंचाई में और न ही अवधि में ध्वनियों के सटीक अनुपात का संकेत दिया। लेकिन अपने शिलालेख के साथ, उन्होंने कलाकारों को माधुर्य आंदोलन की दिशा की याद दिलाई, जो इसे दिल से जानते थे और इसे एक पीढ़ी से दूसरी पीढ़ी तक पहुंचाते थे। पश्चिमी और मध्य यूरोप के देशों में, जिनके संगीत की चर्चा इस पाठ्यपुस्तक में बाद में की जाएगी, ऐसे प्रतीकों को न्यूम्स कहा जाता था। नीम्स का उपयोग प्राचीन कैथोलिक धार्मिक भजनों - ग्रेगोरियन मंत्र - को रिकॉर्ड करने के लिए किया जाता था। यह सामान्य नाम पोप ग्रेगरी I3 के नाम से लिया गया है। किंवदंती के अनुसार, छठी शताब्दी के अंत में, उन्होंने इन मोनोफोनिक मंत्रों का मुख्य संग्रह संकलित किया। चर्च सेवा के दौरान केवल पुरुषों और लड़कों द्वारा प्रदर्शन करने का इरादा - एकल और गायक मंडली द्वारा एकजुट होकर, वे लैटिन प्रार्थना ग्रंथों में लिखे गए हैं। लेकिन 11वीं शताब्दी में, इतालवी भिक्षु गुइडो डी'अरेज़ो ("अरेज़ो से") ने संकेतन का एक नया तरीका ईजाद किया। उन्होंने मठ में लड़कों को गाना सिखाया और चाहते थे कि उनके लिए आध्यात्मिक मंत्रों को याद करना आसान हो जाए। उस समय तक, नीम्स को एक क्षैतिज रेखा पर, ऊपर और नीचे रखा जाने लगा। यह रेखा एक विशिष्ट ध्वनि के अनुरूप थी और इस प्रकार रिकॉर्डिंग का अनुमानित पिच स्तर स्थापित हुआ। और गुइडो एक साथ चार समानांतर रेखाएँ खींचने का विचार लेकर आए ("शासकों") को एक-दूसरे से समान दूरी पर रखना और उनके ऊपर और उनके बीच में न्यूम रखना। इस प्रकार आधुनिक संगीत स्टाफ के पूर्वज का उदय हुआ - एक प्रकार का कड़ाई से पंक्तिबद्ध कैनवास, जिसने टोन और सेमीटोन द्वारा ध्वनियों की ऊंचाई के अनुपात को सटीक रूप से इंगित करना संभव बना दिया। और साथ ही, संगीत संकेतन अधिक दृश्य बन गया - जैसे कि एक चित्र जो किसी राग की गति, उसके मोड़ को दर्शाता हो। जो ध्वनियाँ शासकों के अनुरूप थीं, गुइडो ने लैटिन वर्णमाला के अक्षरों को नामित किया। उनके शिलालेख बाद में बदलने लगे और अंततः संकेतों में बदल गए, जिन्हें कुंजी कहा जाता था। और न्यूम्स, शासकों पर और उनके बीच "बैठे", अंततः अलग-अलग नोटों में बदल गए, जिसमें सिरों में पहले वर्गों का आकार था। प्रश्न एवं कार्य 1 . वैज्ञानिकों के अनुसार, सबसे पुराने संगीत वाद्ययंत्र कब बनाये गये थे? यह क्या कहता है? 2. फोनोग्राफ क्या है, इसका आविष्कार कब हुआ और शोधकर्ताओं ने इसका उपयोग कैसे शुरू किया? 3. प्राचीन विश्व के किन देशों के संगीत के बारे में सबसे अधिक जानकारी संरक्षित की गई है? मानचित्र पर निर्धारित करें - ऐसे तीन देश किस समुद्र के आसपास स्थित थे। 4. प्राचीन संगीत प्रतियोगिताएँ - पाइथियन गेम्स - कब और कहाँ आयोजित होने लगीं? 5. प्राचीन ग्रीस में संगीत किस कला से निकटता से जुड़ा था? 6. प्राचीन यूनानियों ने किस संकेतन का आविष्कार किया था? यह किस प्रकार ग़लत है? "रोम के पोप" की उपाधि एक पादरी के पास होती है जो एक अंतरराष्ट्रीय आध्यात्मिक संगठन के रूप में कैथोलिक चर्च का प्रमुख होता है। कैथोलिकवाद रूढ़िवादी और प्रोटेस्टेंटवाद के साथ ईसाई पंथों में से एक है। 4 प्राचीन रोमवासी लैटिन भाषा बोलते थे। 476 में रोमन साम्राज्य के पतन के बाद धीरे-धीरे लैटिन भाषा बोली जाना बंद हो गई। इससे तथाकथित रोमांस भाषाएँ आईं - इतालवी, फ्रेंच, स्पेनिश, पुर्तगाली। 3 मध्य युग (इसकी शुरुआत) में कैसे सुविधाजनक संकेतन बनाया गया था ऐतिहासिक काल छठी शताब्दी ई. पर विचार करें) अक्षर संकेतन लगभग भुला दिया गया था। 3 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा अंकन की एक नई पद्धति के बारे में अफवाहें - किसी तरह के चमत्कार की तरह - पोप जॉन XIX तक पहुंच गईं। उन्होंने गुइडो को अपने पास बुलाया और एक आविष्कृत रिकॉर्डिंग के अनुसार एक अज्ञात राग गाया। भविष्य में समानांतर शासकों की संख्या कई बार बदली, हुई-यहाँ तक कि बढ़कर अठारह हो गई। केवल 17वीं शताब्दी के अंत तक वर्तमान पांच-पंक्ति कर्मचारी "जीत" पाए। कई अलग-अलग चाबियों का भी इस्तेमाल किया गया। केवल 19वीं सदी में ही ट्रेबल और बास फांक सबसे आम हो गए। गुइडो डी'अरेज़ो के आविष्कार के बाद, एक और कठिन कार्य लंबे समय तक हल किया गया था - अंकन को कैसे सुधारें ताकि यह न केवल ऊंचाई में, बल्कि अवधि में भी ध्वनियों के सटीक अनुपात को इंगित करे। कुछ समय बाद, उन्होंने सोचा इसके लिए अलग-अलग आकार के संगीत संकेतों का उपयोग किया जाता है। शुरुआत में इसमें कई पारंपरिक नियम जोड़े गए, जिससे इसे व्यवहार में लागू करना मुश्किल हो गया। और कई शताब्दियों के दौरान, धीरे-धीरे एक अधिक सुविधाजनक संकेतन विकसित किया गया - बिल्कुल वही जिसे हम जारी रखते हैं अब उपयोग करने के लिए। 17वीं शताब्दी की शुरुआत के बाद, इसमें केवल विवरणों में सुधार किया गया था। और इसका लयबद्ध सिद्धांत, जो इतने लंबे समय से खोजा जा रहा था, अब सबसे सरल प्रतीत होता है। इसमें इस तथ्य को समाहित किया गया है कि एक संपूर्ण नोट अवधि में हमेशा दो हिस्सों के बराबर होता है - शैली में भिन्न, एक आधा - दो चौथाई, एक चौथाई - दो आठवां, और इसी तरह। बार लाइन 16 वीं शताब्दी में बार को अलग करना शुरू कर दिया, और आकार की शुरुआत में संगीत संकेतन का संकेत बिना किसी असफलता के 17वीं शताब्दी से दिया गया था। हालाँकि, उस समय न केवल संगीत पांडुलिपियाँ पहले से ही मौजूद थीं, बल्कि मुद्रित नोट भी थे। संगीत के लिए मुद्रण मुद्रण के आविष्कार के तुरंत बाद शुरू हुआ - 15वीं शताब्दी के अंत में। प्राचीन दुनिया में और मध्य युग में लंबे समय तक, संगीत, एक नियम के रूप में, मोनोफोनिक था। केवल कुछ छोटे-मोटे अपवाद थे। उदाहरण के लिए, एक गायक ने एक वाद्ययंत्र बजाते समय एक गाना प्रस्तुत किया और उसे डब किया (अर्थात उसे उसी समय बजाया)। उसी समय, आवाज और वाद्ययंत्र कभी-कभी थोड़ा बिखर सकते हैं, एक-दूसरे से भटक सकते हैं और जल्द ही फिर से एक साथ आ सकते हैं। इस प्रकार, एक मोनोफोनिक ध्वनि धारा में, दो-स्वर के "द्वीप" उत्पन्न हुए और गायब हो गए। लेकिन हमारे युग की पहली और दूसरी सहस्राब्दी के मोड़ पर, पॉलीफोनिक गोदाम लगातार विकसित होना शुरू हुआ और बाद में पेशेवर संगीत कला में प्रमुख हो गया। यह जटिल और लंबा गठन मुख्य रूप से कैथोलिक चर्च संगीत के क्षेत्र में केंद्रित था। मामला निम्नलिखित तकनीक के आविष्कार (किसके द्वारा - अज्ञात) से शुरू हुआ। एक गायक (या कई गायकों) ने मुख्य स्वर प्रस्तुत किया - ग्रेगोरियन मंत्र की धीमी, मधुर धुन। और दूसरी आवाज़ सख्ती से समानांतर में चलती थी - बिल्कुल उसी लय में, केवल हर समय एक सप्तक, या एक क्वार्ट, या एक क्विंट की दूरी पर। अब, हमारे कानों को, यह बहुत ख़राब, "खाली" लगता है। लेकिन एक हजार साल पहले, एक चर्च, एक गिरजाघर के मेहराबों के नीचे गूंजने वाले इस तरह के गायन ने आश्चर्यचकित और प्रसन्न होकर संगीत के लिए नई अभिव्यंजक संभावनाएं खोलीं। कुछ समय बाद, चर्च के संगीतकारों ने दूसरी आवाज़ का नेतृत्व करने के लिए अधिक लचीले और विविध तरीकों की तलाश शुरू कर दी। और फिर वे अधिक से अधिक कुशलता से तीन, चार आवाजों को संयोजित करने लगे, बाद में कभी-कभी इससे भी अधिक आवाजें। प्रश्न एवं कार्य 1 . अभ्यास पत्र अंकन में क्या असुविधाजनक था? 2. न्यूम्स ने मध्यकालीन गायकों को क्या सुझाव दिया? 3. ग्रेगोरियन मंत्र क्या है और इसे ऐसा क्यों कहा जाता है? 4. गुइडो डी'अरेज़ो के आविष्कार का सार स्पष्ट करें। 5. गुइडो के आविष्कार के बाद हल किया जाने वाला अगला कार्य क्या था? 6. कब से संकेतन में महत्वपूर्ण परिवर्तन नहीं हुआ? चर्च संगीतकार पेरोटीन। वह गायन के एक उत्कृष्ट प्रतिनिधि थे कला - पेरिस का "स्कूल ऑफ़ नोट्रे डेम" ("स्कूल ऑफ़ आवर लेडी")। उल्लेखनीय सुंदरता की इमारत में पेरोटिन के मंत्र बज रहे थे। यह मध्ययुगीन गोथिक वास्तुकला का एक प्रसिद्ध स्मारक है, जिसका वर्णन फ्रांसीसी द्वारा किया गया है 19वें लेखकप्रसिद्ध उपन्यास नोट्रे डेम कैथेड्रल में विक्टर ह्यूगो द्वारा लिखित शताब्दी। संगीत में पॉलीफोनी का विकास कैसे शुरू हुआ तो पॉलीफोनी का विकास कैसे शुरू हुआ। ग्रीक से अनुवादित इस शब्द का अर्थ है "पॉलीफोनी"। लेकिन पॉलीफोनी केवल इस प्रकार की पॉलीफोनी कहलाती है, जिसमें दो या दो से अधिक समान स्वर एक साथ बजते हैं, उनमें से प्रत्येक की अपनी स्वतंत्र मधुर रेखा होती है। यदि एक स्वर मुख्य राग का नेतृत्व करता है, जबकि अन्य उसके अधीन हैं (उसके साथ हैं, उसके साथ हैं), तो यह समरूपता है - दूसरा। संकेतन के सुधार के लिए धन्यवाद, धीरे-धीरे, विशेष रूप से 13वीं शताब्दी से, संगीत पांडुलिपियां अधिक होने लगीं और अधिक सटीक रूप से समझा गया। इससे न केवल संगीत संस्कृति के बारे में जानकारी से, बल्कि पिछले युगों के संगीत से भी परिचित होना संभव हो गया। यह कोई संयोग नहीं था कि अंकन की सफलताएँ पॉलीफोनी के विकास की शुरुआत के साथ मेल खाती थीं - मील का पत्थरसंगीत कला के इतिहास में. 4 www.classON.ru रूसी कला मास के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा एक प्रमुख संगीत शैली बन गई है। साधारण मास 5 में भक्तिपूर्ण लैटिन ग्रंथों के छह मुख्य मंत्र शामिल हैं। ये हैं "किरियो एलिसन" ("भगवान, दया करो"), "ग्लोरिया" ("महिमा"), "क्रेडो" ("आई बिलीव"), "सैंक्टस" ("पवित्र"), "बेनेडिक्टस" ("धन्य") ) और "अग्नुस देई" ("भगवान का मेम्ना")। प्रारंभ में, ग्रेगोरियन मंत्र जनसमूह में एक स्वर में बजता था। लेकिन लगभग 15वीं शताब्दी तक, द्रव्यमान जटिल पॉलीफोनिक भागों 6 के एक चक्र में बदल गया था। साथ ही, नकल का उपयोग बहुत कुशलता से किया जाने लगा। लैटिन से अनुवादित "इमिटेटियो" का अर्थ है "अनुकरण"। संगीत में, कोई कभी-कभी अतिरिक्त-संगीत ध्वनियों की नकल कर सकता है, उदाहरण के लिए, कोकिला की ट्रिल, कोयल की आवाज़, समुद्र की लहरों की आवाज़। तब इसे ओनोमेटोपोइया या ओनोमेटोपोइया कहा जाता है। और संगीत में नकल एक ऐसी तकनीक है, जब एक स्वर में एक राग समाप्त होने के बाद, दूसरा स्वर उसे किसी अन्य ध्वनि से हूबहू (या बिल्कुल सटीक नहीं) दोहराता है। फिर अन्य आवाजें भी उसी तरह प्रवेश कर सकती हैं। होमोफ़ोनिक संगीत में, नकलें संक्षेप में प्रकट हो सकती हैं। और पॉलीफोनिक संगीत में, यह विकास के मुख्य तरीकों में से एक है। यह मधुर गति को लगभग निरंतर बनाने में मदद करता है: सभी आवाजों में एक साथ विराम और ताल पॉलीफोनिक संगीत में केवल दुर्लभ अपवादों के रूप में होते हैं। नकल को अन्य पॉलीफोनिक उपकरणों के साथ जोड़कर, संगीतकारों ने अपने समूह को बड़े कोरल कार्यों में बनाया जिसमें चार या पांच आवाजें एक जटिल ध्वनि कपड़े में अंतर्निहित होती हैं। इसमें ग्रेगोरियन मंत्र की धुन को पहचानना पहले से ही मुश्किल है और प्रार्थना के शब्दों को सुनना भी उतना ही मुश्किल है। ऐसे जनसमूह भी थे जहां लोकप्रिय धर्मनिरपेक्ष गीतों की धुनों को मुख्य के रूप में इस्तेमाल किया जाता था। इस स्थिति ने सर्वोच्च कैथोलिक आध्यात्मिक अधिकारियों को चिंतित कर दिया। 16वीं शताब्दी के मध्य में, यह आम तौर पर चर्च सेवाओं के दौरान पॉलीफोनिक गायन पर प्रतिबंध लगाने जा रहा था। लेकिन इस तरह का प्रतिबंध उल्लेखनीय इतालवी संगीतकार फ़िलिस्तीना की बदौलत नहीं हुआ, जिन्होंने अपना लगभग पूरा जीवन रोम में बिताया और पोप दरबार के करीब थे (उनका) पूरा नाम- जियोवन्नी पियरलुइगी दा फिलिस्तीना, यानी, "फिलिस्तीना से" - रोम के पास एक छोटा सा शहर)। फ़िलिस्तीना, अपने जनसमूह के साथ (और उन्होंने उनमें से सौ से अधिक लिखे), पॉलीफोनी की उपस्थिति में कामयाब रहे। चूँकि संगत का आधार कॉर्ड-हार्मोनिक है, इसलिए संगीत प्रस्तुति के होमोफ़ोनिक गोदाम को होमोफ़ोनिक-हार्मोनिक भी कहा जाता है। प्रश्न एवं कार्य 1 . संगीत की पांडुलिपियाँ कब से अधिकाधिक सटीकता से समझी जाने लगीं? 2. संगीत कला के इतिहास में संकेतन की सफलता किस महत्वपूर्ण नए चरण से मेल खाती है? 3. कब, किस संगीत में और किन धुनों के आधार पर धीरे-धीरे पॉलीफोनी का निर्माण हुआ? 4. समानांतर दो स्वर क्या थे? कई समानान्तर चतुर्थ, पंचम और सप्तक एक साथ गाएँ। 5. पॉलीफोनी और होमोफोनी के बीच क्या अंतर है? पॉलीफोनी का विकास कैसे जारी रहा जबकि चर्च गायन में पॉलीफोनी का विकास शुरू हुआ धर्मनिरपेक्ष संगीतएकरसता कायम रही. उदाहरण के लिए, 12वीं-14वीं शताब्दी में मध्ययुगीन कवियों-गायकों द्वारा रचित और प्रस्तुत किए गए मोनोफोनिक गीतों की कई रिकॉर्डिंग को समझ लिया गया है। फ़्रांस के दक्षिण में, प्रोवेंस में, उन्हें ट्रौबैडोर्स कहा जाता था, फ़्रांस के उत्तर में - ट्रौवर्स, जर्मनी में - मिनेसिंगर्स। उनमें से कई प्रसिद्ध शूरवीर थे और अपने गीतों में अक्सर उस "सुंदर महिला" की सुंदरता और गुण गाते थे जिसकी वे पूजा करते थे। इन कवियों-गायकों के गीतों की धुन अक्सर नृत्य सहित लोक धुनों के करीब होती थी, और लय काव्य पाठ की लय के अधीन होती थी। बाद में, XIV-XVI शताब्दियों में, कारीगरों के बीच से जर्मन कवि-गायक कार्यशालाओं में एकजुट हुए, खुद को मिस्टरसिंगर्स ("मास्टर गायक") कहा। चर्च पॉलीफोनी और धर्मनिरपेक्ष गीत मोनोफोनी एक दूसरे से अलग नहीं हुए। इस प्रकार, में ग्रेगोरियन मंत्र में आध्यात्मिक मंत्रों में जो आवाजें जोड़ी गईं, उनमें धर्मनिरपेक्ष गीतों (उदाहरण के लिए, ट्रौबैडोर्स और ट्रौवेर्स के गीत) का प्रभाव ध्यान देने योग्य हो गया। उसी समय, 13 वीं शताब्दी के अंत तक, फ्रांस में विशुद्ध रूप से धर्मनिरपेक्ष पॉलीफोनिक रचनाएँ सामने आईं। , जहां सभी आवाजों की पार्टियां एक गीत चरित्र की धुनों पर आधारित थीं, और ग्रंथों की रचना लैटिन में नहीं, बल्कि फ्रेंच में की गई थी। समय के साथ, कैथोलिक चर्च संगीत में, चर्च की छुट्टियों के लिए समर्पित विशेष जनसमूह अभी भी मौजूद हैं। याद रखें कि ए साइकिल कई अलग-अलग हिस्सों (या टुकड़ों) का एक काम है, जो एक आम विचार से एकजुट है। 5 6 5 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा यह साबित करने के लिए कि पॉलीफोनिक रचनाएं, बहुत कुशल रहते हुए, पारदर्शी रूप से ध्वनि कर सकती हैं और धार्मिक पाठ स्पष्ट रूप से सुने जा सकते हैं। फिलिस्तीन का संगीत तथाकथित सख्त शैली की प्राचीन कोरल पॉलीफोनी की चोटियों में से एक है। यह हमें प्रबुद्ध उदात्त चिंतन की दुनिया में ले जाता है - मानो यह एक सम, शांत करने वाली चमक बिखेरता है। कवि, संगीतकार, वैज्ञानिक और कला प्रेमी। वे संगत के साथ एक नए प्रकार का अभिव्यंजक एकल गायन बनाने और उसके संयोजन के विचार से प्रभावित हुए नाटकीय कार्रवाई. इस तरह पहले ओपेरा का जन्म हुआ, जिनके कथानक प्राचीन पौराणिक कथाओं से लिए गए थे। सबसे पहले "डाफ्ने" है, जो संगीतकार जैकोपो पेरी (वाई. कोरिया के साथ) और कवि ओ. रिनुकिनी द्वारा रचित है। यह 1597 में फ्लोरेंस में प्रदर्शित किया गया था (पूरा काम संरक्षित नहीं किया गया है)। प्राचीन ग्रीक पौराणिक कथाओं में, डाफ्ने नदी देवता लाडन और पृथ्वी देवी गैया की बेटी है। अपोलो के उत्पीड़न से भागते हुए, उसने देवताओं से मदद की प्रार्थना की और उसे लॉरेल (ग्रीक में "डाफ्ने" - "लॉरेल") - अपोलो का पवित्र वृक्ष - में बदल दिया गया। चूँकि अपोलो को कला का संरक्षक देवता माना जाता था, पाइथियन खेलों के विजेताओं को लॉरेल पुष्पांजलि से ताज पहनाया जाने लगा, जिसके संस्थापक अपोलो को माना जाता था। लॉरेल पुष्पांजलि और लॉरेल की एक अलग शाखा जीत, महिमा और इनाम का प्रतीक बन गई है। 1600 में रचित दो अन्य ओपेरा (एक जे. पेरी द्वारा, दूसरा जी. कैसिनी द्वारा), दोनों को "यूरीडाइस" कहा जाता है, क्योंकि वे दोनों एक ही का उपयोग करते हैं काव्यात्मक पाठ, प्रसिद्ध गायक ऑर्फ़ियस के प्राचीन ग्रीक मिथक पर आधारित। पहले इतालवी ओपेरा का प्रदर्शन महलों और कुलीन लोगों के घरों में किया जाता था। ऑर्केस्ट्रा में कुछ प्राचीन वाद्ययंत्र शामिल थे। इसका नेतृत्व एक संगीतकार ने किया था जो सेम्बालो (हार्पसीकोर्ड का इतालवी नाम) बजाता था। अभी तक कोई प्रस्ताव नहीं था, और प्रदर्शन की शुरुआत तुरही धूमधाम से की गई थी। और मुखर भागों में सस्वर पाठ का बोलबाला था, जिसमें संगीत का विकास काव्यात्मक पाठ के अधीन था। हालाँकि, जल्द ही, संगीत ने ओपेरा में तेजी से स्वतंत्र और महत्वपूर्ण महत्व हासिल करना शुरू कर दिया। यह पहले उत्कृष्ट ओपेरा संगीतकार - क्लाउडियो मोंटेवेर्डी की योग्यता है। उनका पहला ओपेरा - "ऑर्फ़ियस" - 1607 में मंटुआ में मंचित किया गया था। उनका हीरो फिर वही है महान गायकजिसने पाताल लोक के देवता को प्रसन्न किया अंडरवर्ल्ड मर गया, और उसने ऑर्फ़ियस की प्रिय पत्नी यूरीडाइस को पृथ्वी पर छोड़ दिया। लेकिन पाताल लोक की शर्त - अपना राज्य छोड़ने से पहले, यूरीडाइस को कभी न देखें - ऑर्फ़ियस ने उल्लंघन किया और फिर से, हमेशा के लिए, उसे खो दिया। मोंटेवेर्डी के संगीत ने इस दुखद कहानी को एक अभूतपूर्व गीतात्मक और नाटकीय अभिव्यक्ति दी। मोंटेवेर्डी के ऑर्फ़ियस में गायन भाग, गायक मंडली, आर्केस्ट्रा एपिसोड प्रकृति में बहुत अधिक विविध हो गए। इस कार्य में, एक मधुर एरियोज़ शैली ने आकार लेना शुरू किया - इतालवी ओपेरा संगीत का सबसे महत्वपूर्ण विशिष्ट गुण। फ्लोरेंस के उदाहरण के बाद, ओपेरा की रचना और प्रदर्शन न केवल मंटुआ में, बल्कि रोम, वेनिस और नेपल्स जैसे इतालवी शहरों में भी किया जाने लगा। अन्य यूरोपीय देशों में नई शैली में रुचि पैदा होने लगी और उनके प्रश्न और कार्य 1। ट्रौबडॉर, ट्रौवर्स, मिनेसिंगर और मास्टरसिंगर कौन हैं? 2. क्या प्राचीन चर्च पॉलीफोनी और धर्मनिरपेक्ष गीत की धुनों के बीच कोई संबंध है? 3. एक साधारण द्रव्यमान के मुख्य भागों के नाम बताइये। 4. संगीत में ओनोमेटोपोइया के उदाहरण दीजिए। 5. संगीत में अनुकरण किसे कहते हैं? 6. फ़िलिस्तीन अपनी जनता के बीच क्या हासिल करने में कामयाब रहा? ओपेरा का जन्म. ओरटोरियो और कैंटाटा 17वीं शताब्दी की शुरुआत से ठीक पहले - ऐतिहासिक काल की पहली शताब्दी जिसे नया युग कहा जाता है - संगीत की कला में अत्यधिक महत्व की एक घटना घटी: ओपेरा का जन्म इटली में हुआ था। प्राचीन काल से ही विभिन्न नाट्य प्रदर्शनों में संगीत का उपयोग किया जाता रहा है। उनमें, वाद्य और कोरल नंबरों के साथ, व्यक्तिगत गायन एकल, जैसे गाने, का प्रदर्शन किया जा सकता है। और ओपेरा में, गायक और गायिका अभिनेता और अभिनेत्री बन गए। ऑर्केस्ट्रा के साथ उनका गायन, मंचीय कार्रवाई के साथ मिलकर प्रदर्शन की मुख्य सामग्री को व्यक्त करने लगा। यह दृश्यों, वेशभूषा और अक्सर नृत्य - बैले से पूरित होता है। इस प्रकार, ओपेरा में, संगीत ने विभिन्न कलाओं के करीबी समुदाय का नेतृत्व किया। इससे उनके लिए बड़ी नई कलात्मक संभावनाएं खुल गईं। ओपेरा गायकों ने अभूतपूर्व शक्ति के साथ लोगों के व्यक्तिगत भावनात्मक अनुभवों को व्यक्त करना शुरू किया - हर्षित और दुखद दोनों। उसी समय, ओपेरा में सबसे महत्वपूर्ण अभिव्यंजक साधन आर्केस्ट्रा संगत के साथ एकल गायन आवाज का होमोफोनिक संयोजन था। और यदि 17वीं शताब्दी तक पश्चिमी यूरोप में पेशेवर संगीत मुख्य रूप से चर्च में विकसित हुआ, और जनसमूह सबसे बड़ी शैली थी, तो संगीत थिएटर मुख्य केंद्र बन गया, और सबसे बड़ी शैली ओपेरा थी। 16वीं शताब्दी के अंत में इतालवी शहर फ्लोरेंस में, सर्कल 6 ने www.classON.ru को इकट्ठा किया, रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा, शासकों ने इतालवी संगीतकारों को अपनी अदालती सेवा में आमंत्रित करने को एक रिवाज के रूप में लिया। इसने इस तथ्य में योगदान दिया कि लंबे समय तक इतालवी संगीत यूरोप में सबसे प्रभावशाली रहा। फ्रांस में, 17वीं शताब्दी में, इसका अपना राष्ट्रीय ओपेरा उभरा, जो इतालवी से अलग था। इसके संस्थापक - जीन-बैप्टिस्ट एल युल एल और - जन्म से इतालवी। फिर भी, उन्होंने फ्रांसीसी संस्कृति की विशिष्टताओं को सही ढंग से महसूस किया और एक प्रकार की फ्रांसीसी ओपेरा शैली बनाई। लूली के ओपेरा में, एक ओर, सस्वर प्रकृति के सस्वर पाठ और छोटे अरिया ने एक बड़े स्थान पर कब्जा कर लिया, और दूसरी ओर, बैले नृत्य, गंभीर मार्च और स्मारकीय गायन। पौराणिक कथानकों, शानदार वेशभूषा, नाटकीय मशीनों की मदद से जादुई चमत्कारों का चित्रण, यह सब फ्रांसीसी राजा लुई XIV के शासनकाल के दौरान अदालती जीवन की प्रतिभा और वैभव के अनुरूप था। जर्मनी में पहला ओपेरा, डाफ्ने (1627), पूर्व-बाख युग के महानतम जर्मन संगीतकार, हेनरिक शुट्ज़ द्वारा बनाया गया था। लेकिन उनका संगीत नहीं बचा। और देश में ओपेरा शैली के विकास के लिए कोई परिस्थितियाँ नहीं थीं: उन्होंने वास्तव में केवल 19वीं शताब्दी की शुरुआत के साथ ही आकार लिया। और शुट्ज़ के काम में, मुख्य स्थान आध्यात्मिक ग्रंथों पर अभिव्यंजक स्वर-वाद्य रचनाओं द्वारा कब्जा कर लिया गया था। 1689 में, उल्लेखनीय प्रतिभा के धनी संगीतकार हेनरी पुरसेल द्वारा पहला अंग्रेजी ओपेरा, डिडो एंड एनीस, लंदन में प्रदर्शित किया गया था। इस ओपेरा का संगीत हृदयस्पर्शी गीतों, काव्यात्मक कल्पना और रंगीन रोजमर्रा की छवियों से मंत्रमुग्ध कर देता है। हालाँकि, परसेल की मृत्यु के बाद, लगभग दो शताब्दियों तक, अंग्रेजी संगीतकारों के बीच कोई उत्कृष्ट संगीत रचनाकार नहीं था। 16वीं-17वीं शताब्दी के मोड़ पर, ओपेरा के साथ-साथ इटली में भी ऑर आर्टी और कैंट अटा का जन्म हुआ। यह ओपेरा के समान है जिसमें एकल कलाकार, गायक दल और ऑर्केस्ट्रा भी अपने प्रदर्शन में भाग लेते हैं, और इसमें वे अरिया, सस्वर ध्वनि भी बजाते हैं। स्वर समूह, गायन मंडली, आर्केस्ट्रा एपिसोड। लेकिन ओपेरा में हम घटनाओं (कथानक) के विकास के बारे में न केवल एकल कलाकारों द्वारा गाए गए गीतों से सीखते हैं, बल्कि वे क्या करते हैं और आम तौर पर मंच पर क्या होता है, उससे भी सीखते हैं। और ओटोरियो और कैंटाटा में कोई मंचीय कार्रवाई नहीं होती है। इन्हें बिना वेशभूषा और दृश्यावली के एक संगीत कार्यक्रम में प्रस्तुत किया जाता है। लेकिन ऑरेटोरियो और कैंटाटा के बीच भी अंतर है, हालांकि यह हमेशा स्पष्ट नहीं होता है। आमतौर पर एक वक्तृत्व बड़े आकार की और अधिक विकसित धार्मिक कथानक वाली कृति होती है। इसमें अक्सर एक महाकाव्य-नाटकीय चरित्र होता है। इस संबंध में, गायक-कथावाचक का कथात्मक सस्वर भाग अक्सर भाषण में शामिल किया जाता है। एक विशेष प्रकार का आध्यात्मिक भाषण "जुनून" या "निष्क्रिय" (लैटिन से अनुवादित - "पीड़ा") है। "जुनून" क्रूस पर चढ़ाए गए यीशु मसीह की पीड़ा और मृत्यु के बारे में बताता है। 7 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा मौखिक पाठ की सामग्री के आधार पर कैंटटास को आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष में विभाजित किया गया है। 17वीं शताब्दी में और 18वीं शताब्दी की शुरुआत में, इटली में कई छोटे, कक्ष कैंटटा उत्पन्न हुए। इनमें दो या तीन अरिया के साथ दो या तीन सस्वर पाठों को बारी-बारी से शामिल किया गया था। भविष्य में, मुख्य रूप से गंभीर प्रकृति के कैंटटा व्यापक हो गए। विभिन्न निर्माणों के आध्यात्मिक कैंटटा और "जुनून" जर्मनी में सबसे अधिक विकसित हुए थे। एरियस, और एक कलाप्रवीण मार्ग आंदोलन को तैनात करना आकर्षक है। कोरेली और विवाल्डी की विरासत में एक बड़ा स्थान तिकड़ी सोनाटा शैली का है। अधिकांश तिकड़ी सोनाटा में, दो मुख्य भाग वायलिन द्वारा बजाए जाते हैं, और तीसरा भाग एक हार्पसीकोर्ड या ऑर्गन के साथ होता है, जिसमें बास की आवाज़ सेलो या बैसून द्वारा दोगुनी हो जाती है। तिकड़ी सोनाटा के बाद, वायलिन के लिए एक सोनाटा या हार्पसीकोर्ड के साथ एक अन्य वाद्ययंत्र दिखाई दिया। साथ ही कंसर्टो ग्रोसो - ऑर्केस्ट्रा के लिए एक कॉन्सर्टो (प्रथम - स्ट्रिंग्स)। इन शैलियों के कई कार्यों को पुराने सोनाटा के रूप में चित्रित किया गया है। यह आमतौर पर धीमी-तेज़-धीमी-तेज़ गति अनुपात के साथ चार-भाग वाला चक्र होता है। कुछ समय बाद, 18वीं शताब्दी में, विवाल्डी ने ऑर्केस्ट्रा संगत के साथ वायलिन और कुछ अन्य वाद्ययंत्रों के लिए एकल संगीत कार्यक्रम तैयार करना शुरू किया। तीन भागों का एक चक्र था: "तेज़-धीमा-तेज़"। प्रश्न एवं कार्य 1 . ओपेरा का जन्म कहाँ और कब हुआ? बताएं कि ओपेरा किस प्रकार भिन्न है नाट्य प्रदर्शन संगीत के साथ। 2. ओपेरा संगीत में अभिव्यक्ति का सबसे महत्वपूर्ण साधन क्या है? 3. क्लाउडियो मोंटेवेर्डी के पहले ओपेरा का नाम क्या है और इसके संगीत में कौन से गुण प्रकट होते हैं? 4. पुराने फ्रांसीसी ओपेरा की विशेषताओं के बारे में बताएं। 5. जर्मनी में लिखे गए पहले ओपेरा और इंग्लैंड में लिखे गए पहले ओपेरा का नाम बताइए। 6. ऑरेटोरियो और कैंटाटा और ओपेरा के बीच मुख्य अंतर क्या है? 7. "जुनून" ("निष्क्रिय") क्या हैं? प्राचीन मिस्र में भी, अंग ने अपना सदियों पुराना इतिहास शुरू किया। 17वीं शताब्दी तक, यह व्यापक कलात्मक संभावनाओं वाला एक बहुत ही जटिल उपकरण बन गया था। तब छोटे अंग निजी घरों में भी पाए जा सकते थे। उनका उपयोग प्रशिक्षण सत्रों के लिए किया जाता था, वे लोक गीतों और नृत्यों की धुनों पर विभिन्न प्रकार बजाते थे। और नक्काशीदार लकड़ी के ढांचे के साथ पाइपों की चमचमाती पंक्तियों वाले महान अंग, चर्चों और गिरिजाघरों में बजते थे, जैसे अब बजते हैं। आजकल कई कॉन्सर्ट हॉल में ऑर्गन भी होते हैं। आधुनिक अंगों में कई हजार पाइप और सात कीबोर्ड (मैनुअल) तक होते हैं, जो सीढ़ियों की तरह एक के ऊपर एक स्थित होते हैं। इतने सारे पाइप इसलिए हैं क्योंकि वे समूहों - रजिस्टरों में विभाजित हैं। ध्वनि का एक अलग रंग (समय) प्राप्त करने के लिए रजिस्टरों को विशेष लीवर के साथ चालू और स्विच किया जाता है। अंग भी पैडल से सुसज्जित हैं। यह कई बड़ी कुंजियों का एक संपूर्ण फ़ुट कीबोर्ड है। उन्हें अपने पैरों से दबाकर, ऑर्गेनिस्ट बास ध्वनि को निकाल सकता है और लंबे समय तक बनाए भी रख सकता है (ऐसी निरंतर ध्वनियों को पैडल या ऑर्गन पॉइंट भी कहा जाता है)। लकड़ी की समृद्धि के संदर्भ में, यदि संभव हो तो, सबसे हल्के पियानिसिमो की तुलना गरजने वाले फोर्टिसिमो से करने के लिए, संगीत वाद्ययंत्रों के बीच अंग का कोई समान नहीं है। 17वीं शताब्दी में, जर्मनी में अंग कला विशेष रूप से उच्च स्तर पर पहुंच गई। अन्य देशों की तरह, जर्मन चर्च ऑर्गेनिस्ट संगीतकार और कलाकार दोनों थे। उन्होंने न केवल आध्यात्मिक मंत्रोच्चार किया, बल्कि एकल गायन भी किया। उनमें से कई प्रतिभाशाली गुणी और सुधारक थे जिन्होंने अपने खेल से लोगों की पूरी भीड़ को आकर्षित किया। उनमें से सबसे उल्लेखनीय में से एक है डायट्रिच बक्सटेहुड। युवा जोहान सेबेस्टियन बाख उनका खेल सुनने के लिए दूसरे शहर से पैदल आये थे। बक्सटेहुड का विविध और व्यापक कार्य उस समय के मुख्य प्रकार के अंग संगीत का प्रतिनिधित्व करता है। एक ओर, ये 17वीं शताब्दी की प्रस्तावनाएं, कल्पनाएं और वाद्य संगीत, इसकी शैलियां और रूप हैं। लंबे समय तक, वाद्ययंत्र बजाने से अक्सर मुखर कार्यों या नृत्यों के साथ आवाज के हिस्से दोगुने हो जाते थे। स्वर रचनाओं की वाद्य व्यवस्था भी वितरित की गई। वाद्य संगीत का स्वतंत्र विकास 17वीं शताब्दी में ही तीव्र हुआ। साथ ही, वोकल पॉलीफोनी में जो कलात्मक तकनीकें विकसित हुई थीं, वे भी इसमें विकसित होती रहीं। वे गीत और नृत्य पर आधारित एक होमोफ़ोनिक गोदाम के तत्वों से समृद्ध थे। इसी समय, ऑपरेटिव संगीत की अभिव्यंजक उपलब्धियों ने वाद्य रचनाओं को प्रभावित करना शुरू कर दिया। शानदार गुणी क्षमताओं के साथ-साथ वायलिन की आवाज बहुत मधुर है। और यह ओपेरा के जन्मस्थान, इटली में था, कि वायलिन संगीत विशेष रूप से सफलतापूर्वक विकसित होना शुरू हुआ। 17वीं शताब्दी के अंत में, आर्कान्जेलो कोरेली का काम फला-फूला और एंटोनियो विवाल्डी की रचनात्मक गतिविधि शुरू हुई। इन उत्कृष्ट इतालवी संगीतकारों ने वायलिन की भागीदारी और अग्रणी भूमिका के साथ कई वाद्य रचनाएँ बनाईं। उनमें, वायलिन एक ओपेरा 8 www.classON.ru में एक मानवीय आवाज के रूप में स्पष्ट रूप से गा सकता है रूसी कला टोकाटा के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा। उनमें, पॉलीफोनिक एपिसोड स्वतंत्र रूप से कामचलाऊ मार्ग और तारों के साथ वैकल्पिक होते हैं। दूसरी ओर, ये अधिक सख्ती से निर्मित टुकड़े हैं, जिसके कारण फ्यूगू का उदय हुआ, जो अनुकरणात्मक पॉलीफोनी का सबसे जटिल रूप है। बक्सटेहुड ने कोरल प्रस्तावना के रूप में प्रोटेस्टेंट कोरल के कई अंग रूपांतरण भी किए। ग्रेगोरियन मंत्र के विपरीत, यह लैटिन में नहीं, बल्कि जर्मन में आध्यात्मिक मंत्रों का सामान्य नाम है। वे 16वीं शताब्दी में प्रकट हुए, जब एक नए प्रकार का ईसाई सिद्धांत, प्रोटेस्टेंटवाद, कैथोलिक धर्म से अलग हो गया। प्रोटेस्टेंट मंत्र का मधुर आधार जर्मन लोक गीत थे। 17वीं शताब्दी में, प्रोटेस्टेंट मंत्र का गायन अंग के सहयोग से सभी पैरिशियनों द्वारा किया जाने लगा। इस तरह के लिए सामूहिक व्यवस्थाऊपरी स्वर में एक राग के साथ एक विशिष्ट चार स्वर वाला राग भंडार। इसके बाद, ऐसे गोदाम को कोरल कहा जाता था, भले ही यह वाद्ययंत्र के काम में होता हो। ऑर्गेनिस्टों ने तार वाले कीबोर्ड वाद्ययंत्र भी बजाए और उनके लिए रचनाएँ कीं। इन वाद्ययंत्रों के कार्यों का सामान्य नाम क्लैवियर म्यूज़िक8 है। तार वाले कीबोर्ड उपकरणों के बारे में पहली जानकारी 14वीं-15वीं शताब्दी से मिलती है। 17वीं शताब्दी तक, हार्पसीकोर्ड इनमें से सबसे आम बन गया था। इसलिए इसे फ्रांस में कहा जाता है, इटली में इसे सेम्बालो कहा जाता है, जर्मनी में - किलफ्लुगेल, इंग्लैंड में - हार्पसीकोर्ड। फ़्रांस में छोटे वाद्ययंत्रों का नाम एपिनेट, इटली में स्पिनेट्स और इंग्लैंड में वर्जिनेल है। हार्पसीकोर्ड पियानो का पूर्वज है, जो 18वीं शताब्दी के मध्य से उपयोग में आना शुरू हुआ। जब आप हार्पसीकोर्ड की चाबियाँ दबाते हैं, तो छड़ों पर लगे पंख या चमड़े की जीभ, तारों को चुभने लगती हैं। यह झटकेदार, सुरीली और साथ ही थोड़ी सरसराहट वाली आवाजें निकलती हैं। हार्पसीकोर्ड पर, ध्वनि की ताकत चाबियों पर प्रहार की ताकत पर निर्भर नहीं करती है। इसलिए, इस पर क्रैसेन्डो और डिमिन्यूएन्डो बनाना असंभव है - पियानो के विपरीत, जिस पर तारों पर प्रहार करने वाले हथौड़ों के साथ चाबियों के अधिक लचीले कनेक्शन के कारण यह संभव है। हार्पसीकोर्ड में दो या तीन कीबोर्ड और एक उपकरण हो सकता है जो आपको ध्वनि का रंग बदलने की अनुमति देता है। एक अन्य छोटे कीबोर्ड उपकरण - क्लैविकॉर्ड - की ध्वनि हार्पसीकोर्ड की ध्वनि से कमजोर है। लेकिन दूसरी ओर, क्लैविकॉर्ड पर अधिक मधुर वादन संभव है, क्योंकि इसके तारों को तोड़ा नहीं जाता, बल्कि धातु की प्लेटों को उन पर दबाया जाता है। प्राचीन काल की प्रमुख शैलियों में से एक हार्पसीकोर्ड संगीत- एक ही कुंजी में लिखे गए फॉर्म में पूर्ण किए गए कई हिस्सों का एक सूट। प्रत्येक भाग में सामान्यतः किसी न किसी प्रकार के नृत्य की गति का प्रयोग किया जाता है। पुराने सूट का आधार अलग-अलग, हमेशा स्पष्ट रूप से स्पष्ट राष्ट्रीय मूल के चार नृत्य नहीं हैं। ये हैं इत्मीनान से चलने वाली अल्लेमांडे (संभवतः जर्मनी से), अधिक फुर्तीली झंकार (फ्रांस से), धीमी सरबंदे (स्पेन से), और तेज़ गिग (आयरलैंड या इंग्लैंड से)। 17वीं सदी के अंत से, पेरिस के हार्पसीकोर्डिस्टों के उदाहरण का अनुसरण करते हुए, सुइट्स को मिनुएट, गावोटे, बौरे और पासेपीड जैसे फ्रांसीसी नृत्यों के साथ पूरक किया जाने लगा। उन्हें मुख्य नृत्यों के बीच डाला गया, जिससे इंटरमीडिया अनुभाग बने (लैटिन में "इंटेग" का अर्थ है "बीच")। प्राचीन फ्रांसीसी हार्पसीकोर्ड संगीत लालित्य, अनुग्रह और मोर्डेंट्स और ट्रिल्स जैसे छोटे मधुर आभूषणों की प्रचुरता से प्रतिष्ठित है। फ्रांसीसी हार्पसीकोर्ड शैली फ्रांकोइस कूपेरिन (1668 - 1733) के काम में विकसित हुई, जिसे महान उपनाम दिया गया था। उन्होंने लगभग ढाई सौ नाटकों की रचना की और उन्हें सत्ताईस सुइट्स में संयोजित किया। धीरे-धीरे विभिन्न कार्यक्रम नामों वाले नाटकों पर उनका वर्चस्व होने लगा। अक्सर, ये महिलाओं के लघु हार्पसीकोर्ड चित्रों की तरह होते हैं - कुछ चरित्र लक्षण, उपस्थिति, आचरण के सुव्यवस्थित ध्वनि रेखाचित्र। उदाहरण के लिए, नाटक "ग्लॉमी", "टचिंग", "फुर्तीला", "स्कैटरड", "शरारती" हैं। उनके महान समकालीन जोहान सेबेस्टियन बाख ने फ्रेंच हार्पसीकोर्ड संगीत में बहुत रुचि दिखाई, जिसमें फ्रेंकोइस कूपेरिन के नाटक भी शामिल थे। प्रश्न एवं कार्य 1 . जब यह तीव्र हो गया स्वतंत्र विकासवाद्य शैलियाँ? 2. आर्कान्जेलो कोरेली और एंटोनियो विवाल्डी का पसंदीदा वाद्ययंत्र कौन सा है? 3. अंग की संरचना के बारे में बताएं। 4. अंग कला किस देश में विशेष रूप से विकसित हुई? प्रोटेस्टेंट मंत्र क्या है? 5. हमें हार्पसीकोर्ड के उपकरण के बारे में बताएं। पुराने हार्पसीकोर्ड सुइट के मुख्य भागों में कौन सी नृत्य गतिविधियों का उपयोग किया जाता है? इसलिए, पाठ्यपुस्तक के परिचयात्मक खंड में प्राचीन काल से संगीत की दुनिया में कुछ महत्वपूर्ण घटनाओं का संक्षेप में परिचय दिया गया है। यह 18वीं और 19वीं शताब्दी में काम करने वाले महान पश्चिमी यूरोपीय संगीतकारों की विरासत से परिचित होने में मदद करने के लिए एक ऐतिहासिक "भ्रमण" था। कुछ समय के लिए, क्लैवियर को सभी के लिए संगीत कहा जाता था। कुंजीपटल उपकरण, कीबोर्ड-विंड उपकरण - अंग सहित। 8 9 www.classON.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा जोहान का जीवन पथ, परिवार, बचपन। जोहान सेबेस्टियन बाख का जन्म 1685 में थुरिंगिया में हुआ था - मध्य जर्मनी के क्षेत्रों में से एक, जंगलों से घिरे छोटे से शहर ईसेनच में। थुरिंगिया में, तीस साल के युद्ध (1618-1648) के गंभीर परिणाम, जिसमें यूरोपीय शक्तियों के दो बड़े समूह आपस में भिड़े थे, अभी भी महसूस किए जा रहे थे। यह विनाशकारी युद्ध जोहान सेबेस्टियन के पूर्वजों के साथ हुआ था, जो जर्मन शिल्प और किसान पर्यावरण से निकटता से जुड़े थे। उनके परदादा, जिनका नाम वीट था, एक बेकर थे, लेकिन उन्हें संगीत से इतना प्यार था कि उन्होंने कभी भी सितार (मैंडोलिन जैसा एक वाद्ययंत्र) को नहीं छोड़ा, यहां तक ​​कि मिल में जाते समय भी वे आटा पीसते समय बजाते थे। और उनके वंशजों में, जो थुरिंगिया और पड़ोसी क्षेत्रों में बस गए, इतने सारे संगीतकार थे कि इस पेशे को अपनाने वाले प्रत्येक व्यक्ति को वहां "बाख" कहा जाता था। ये चर्च के आयोजक, वायलिन वादक, बांसुरी वादक, तुरही वादक थे, उनमें से कुछ ने संगीतकार के रूप में प्रतिभा दिखाई। वे शहर की नगर पालिकाओं की सेवा में थे और उन छोटी रियासतों और डचियों के शासकों के दरबार में थे जिनमें जर्मनी विभाजित था। सेबस्टियन बाख 1685-1750 इस महान जर्मन संगीतकार के संगीत का भाग्य अद्भुत है, जिनके जन्म को तीन सौ से अधिक वर्ष बीत चुके हैं। अपने जीवनकाल के दौरान, उन्हें मुख्य रूप से एक ऑर्गेनिस्ट और संगीत वाद्ययंत्र के पारखी के रूप में पहचान मिली, और उनकी मृत्यु के बाद कई दशकों तक उन्हें लगभग भुला दिया गया। लेकिन फिर धीरे-धीरे उन्होंने उनके काम को फिर से खोजना शुरू कर दिया और उन्हें एक अनमोल कलात्मक खजाने के रूप में सराहा, कौशल में अद्वितीय, गहराई में अटूट और सामग्री की मानवता में। "धारा नहीं! "समुद्र उसका नाम होना चाहिए।" एक अन्य संगीत प्रतिभा - बीथोवेन9 ने बाख के बारे में यही कहा। बाख स्वयं अपने कार्यों का केवल एक बहुत छोटा हिस्सा ही प्रकाशित कर पाए। अब उनमें से एक हजार से अधिक प्रकाशित हो चुके हैं (कई लुप्त हो गए हैं)। बाख की पहली पूर्ण कृतियाँ उनकी मृत्यु के सौ साल बाद जर्मनी में छपनी शुरू हुईं और इसमें छियालीस बड़े खंड लगे। और कम से कम मोटे तौर पर तो हिसाब लगाओ कि कितना छप चुका है और कितना छपना जारी है विभिन्न देशबाख के संगीत का व्यक्तिगत संस्करण असंभव है। इसकी मांग इतनी अधिक है कि इसकी मांग लगातार बढ़ रही है। इसके लिए एक विशाल और व्याप्त है सम्मान का स्थानन केवल विश्व संगीत कार्यक्रम में, बल्कि शैक्षिक प्रदर्शन में भी। जोहान सेबेस्टियन बाख वस्तुतः संगीत से जुड़े सभी लोगों के शिक्षक बने हुए हैं। वह एक गंभीर और सख्त शिक्षक हैं, उन्हें पॉलीफोनिक कार्यों को करने की कला में महारत हासिल करने के लिए ध्यान केंद्रित करने की क्षमता की आवश्यकता होती है। लेकिन जो कठिनाइयों से नहीं डरता और अपनी आवश्यकताओं पर पूरा ध्यान देता है, वह अपनी कठोरता के पीछे हृदय की बुद्धिमत्ता और दयालुता को महसूस करेगा, जो वह अपनी सुंदर अमर रचनाओं से सिखाता है। आइसेनच में वह घर जहां जेएसबाख का जन्म हुआ था 9 जर्मन में "बाख" का अर्थ "धारा" होता है। 10 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा जोहान सेबेस्टियन के पिता आइसेनच में एक वायलिन वादक, शहर और दरबारी संगीतकार थे। उन्होंने अपने सबसे छोटे बेटे को संगीत सिखाना शुरू किया और उसे एक चर्च स्कूल में भेजा। सुंदर ऊँची आवाज़ के मालिक, लड़के ने स्कूल गाना बजानेवालों में गाया। जब वह दस वर्ष के थे, तब उनके माता-पिता की मृत्यु हो गई। बड़े भाई, जो पड़ोसी शहर ओहरड्रूफ़ में एक चर्च ऑर्गेनिस्ट थे, ने अनाथ की देखभाल की। उन्होंने अपने छोटे भाई को स्थानीय लिसेयुम में नियुक्त किया और स्वयं उसे अंग प्रशिक्षण दिया। बाद में, जोहान सेबेस्टियन एक हार्पसीकोर्डिस्ट, एक वायलिन वादक और एक वायलिन वादक भी बन गए। और बचपन से ही उन्होंने अपने दम पर संगीत रचना में महारत हासिल की, विभिन्न लेखकों की रचनाओं को फिर से लिखा। उन्हें अपने बड़े भाई से गुप्त रूप से चांदनी रातों में एक संगीत नोटबुक को फिर से लिखना पड़ा, जिसमें उनकी विशेष रुचि थी। लेकिन जब लंबी मेहनत पूरी हुई, तो उन्हें इसका पता चला, जोहान सेबेस्टियन के अनधिकृत कार्य के लिए वे क्रोधित हुए और निर्दयतापूर्वक पांडुलिपि उनसे छीन ली। शुरू अकेले रहना. लूनबर्ग. पंद्रह साल की उम्र में, जोहान सेबेस्टियन ने एक निर्णायक कदम उठाया - वह सुदूर उत्तरी जर्मन शहर लुनेबर्ग चले गए, जहाँ उन्होंने छात्रवृत्ति धारक के रूप में मठ चर्च में स्कूल में प्रवेश किया। में स्कूल पुस्तकालयवह जर्मन संगीतकारों की रचनाओं की बड़ी संख्या में पांडुलिपियों से परिचित होने में सक्षम थे। लूनबर्ग और हैम्बर्ग में, जहां वह देश की सड़कों से गुज़रे, कोई भी प्रतिभाशाली ऑर्गेनिस्ट का वादन सुन सकता था। यह संभव है कि जोहान सेबेस्टियन ने हैम्बर्ग में ओपेरा हाउस का दौरा किया था - उस समय जर्मनी में एकमात्र ओपेरा हाउस जिसने इतालवी में नहीं, बल्कि जर्मन में प्रदर्शन दिया था। उन्होंने तीन साल बाद सफलतापूर्वक स्कूल से स्नातक की उपाधि प्राप्त की और अपनी जन्मभूमि के करीब नौकरी की तलाश शुरू कर दी। वाइमर. तीन शहरों में थोड़े समय के लिए वायलिन वादक और ऑर्गेनिस्ट के रूप में काम करने के बाद, 1708 में बाख, जो पहले से ही शादीशुदा थे, नौ साल के लिए वेइमर (थुरिंगिया) में बस गए। वहां वह ड्यूक के दरबार में एक ऑर्गेनिस्ट थे, और फिर वाइस-कैपेला मास्टर (चैपल के प्रमुख के सहायक - गायकों और वाद्ययंत्रवादियों का एक समूह)। एक किशोर के रूप में, ओहरड्रूफ़ में, बाख ने विशेष रूप से, अपने पसंदीदा वाद्ययंत्र, ऑर्गन के लिए प्रोटेस्टेंट कोरल की व्यवस्था करने के लिए संगीत रचना शुरू की। और वीमर में, उनके कई उल्लेखनीय परिपक्व अंग कार्य सामने आए, जैसे डी माइनर में टोकाटा और फ्यूग्यू, सी माइनर में पासाकाग्लिया10, कोरल प्रील्यूड्स। उस समय तक, बाख ऑर्गन और हार्पसीकोर्ड पर एक नायाब कलाकार और सुधारक बन गया था। इसकी पुख्ता पुष्टि की गई अगला मामला. एक बार बाख सैक्सोनी की राजधानी ड्रेसडेन गए, जहां उन्होंने उनके और प्रसिद्ध फ्रांसीसी ऑर्गेनिस्ट और हार्पसीकोर्डिस्ट लुईस मारचंद के बीच एक प्रतियोगिता की व्यवस्था करने का फैसला किया। लेकिन उसने पहले सुना था कि कैसे बाख अद्भुत रचनात्मक सरलता के साथ हार्पसीकोर्ड में सुधार करता है, उसने गुप्त रूप से ड्रेसडेन छोड़ने की जल्दबाजी की। प्रतियोगिता नहीं हुई. वाइमर दरबार में इतालवी और के कार्यों से परिचित होने का अवसर मिला फ़्रांसीसी संगीतकार. बाख ने अपनी उपलब्धियों को बड़ी रुचि और कलात्मक पहल के साथ माना। उदाहरण के लिए, उन्होंने एंटोनियो विवाल्डी के वायलिन कॉन्सर्टो के हार्पसीकोर्ड और ऑर्गन के लिए कई मुफ्त व्यवस्थाएं कीं। इस प्रकार संगीत कला के इतिहास में पहले क्लैवियर संगीत कार्यक्रम का जन्म हुआ। वीमर में तीन वर्षों तक, बाख को हर चौथे रविवार को एक नया आध्यात्मिक कैंटटा लिखना था। कुल मिलाकर, तीस से अधिक कार्य इस प्रकार उत्पन्न हुए। हालाँकि, जब बुजुर्ग कोर्ट बैंडमास्टर, जिनके कर्तव्य वास्तव में बाख द्वारा निभाए गए थे, की मृत्यु हो गई, तो रिक्त पद उन्हें नहीं, बल्कि मृतक के अक्षम बेटे को दिया गया। इस तरह के अन्याय से क्षुब्ध होकर बाख ने अपना इस्तीफा सौंप दिया। "अपमानजनक मांग" के लिए उन्हें घर में नजरबंद कर दिया गया। लेकिन उन्होंने अपने आप पर जोर देते हुए साहसी, गौरवान्वित दृढ़ता का परिचय दिया। और एक महीने बाद, ड्यूक को अनिच्छा से अड़ियल संगीतकार को जंगल में छोड़ने के लिए "निर्दयी आदेश" देना पड़ा। कोथेन. 1717 के अंत में, बाख और उनका परिवार कोथेन चले गए। कोथेन के शासक प्रिंस लियोपोल्ड एनहाल्ट ने उन्हें कोर्ट बैंडमास्टर की जगह की पेशकश की थी छोटा राज्यथुरिंगिया के बगल में. वह एक अच्छा संगीतकार था - वह गाता था, हार्पसीकोर्ड और वायोला दा गाम्बा बजाता था 11. राजकुमार ने अपने नए बैंडमास्टर को अच्छी वित्तीय सहायता प्रदान की और उसके साथ बहुत सम्मान से व्यवहार किया। बाख के कर्तव्यों में, जिसमें उनका अपेक्षाकृत कम समय लगता था, अठारह गायकों और वाद्ययंत्रवादियों के एक चैपल का निर्देशन करना, राजकुमार के साथ जाना और स्वयं वीणावादन बजाना शामिल था। कोथेन में, विभिन्न उपकरणों के लिए कई बाख कार्य सामने आए। उनमें से क्लेवियर संगीत बहुत विविध है। एक ओर, ये शुरुआती लोगों के लिए हैं - पासाकाग्लिया स्पेनिश मूल का एक धीमा तीन-तरफ़ा नृत्य है। इसके आधार पर, बास में बार-बार दोहराई जाने वाली धुन के साथ विविधताओं के रूप में वाद्य यंत्र उभरे। 10 11 वियोला दा गाम्बा - पुराना वाद्य यंत्र, जो सेलो की तरह दिखता है। 11 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा छोटे प्रस्तावना, दो-भाग और तीन-भाग आविष्कार। इन्हें बाख ने अपने सबसे बड़े बेटे विल्हेम फ्रीडेमैन के साथ अध्ययन करने के लिए लिखा था। दूसरी ओर, यह एक स्मारकीय कार्य के दो खंडों में से पहला है - "द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर", जिसमें कुल मिलाकर 48 प्रस्तावनाएं और फ्यूग्यू शामिल हैं, और कॉन्सर्ट योजना की एक बड़ी रचना - "क्रोमैटिक फैंटेसी एंड फ्यूग्यू"। क्लैवियर सुइट्स के दो संग्रहों का निर्माण, जिन्हें "फ़्रेंच" और "इंग्लिश" के नाम से जाना जाता है, भी कोथेन काल से संबंधित हैं। प्रिंस लियोपोल्ड बाख को पड़ोसी राज्यों की यात्राओं पर अपने साथ ले गए। जब जोहान सेबेस्टियन 1720 में ऐसी यात्रा से लौटे, तो उन्हें भारी दुःख का सामना करना पड़ा - उनकी पत्नी मारिया बारबरा की हाल ही में मृत्यु हो गई थी, उनके चार बच्चे थे (तीन अन्य की जल्दी मृत्यु हो गई)। डेढ़ साल बाद, बाख ने दोबारा शादी की। उनकी दूसरी पत्नी, अन्ना मैग्डेलेना की आवाज़ बहुत अच्छी थी और वह बहुत संगीतमय थीं। उनके साथ अध्ययन करते हुए, बाख ने अपने स्वयं के टुकड़ों से और आंशिक रूप से अन्य लेखकों के टुकड़ों से दो क्लैवियर "नोट बुक्स" संकलित कीं। एना मैग्डेलेना जोहान सेबेस्टियन के जीवन में एक दयालु और देखभाल करने वाली साथी थी। उसने उसके लिए तेरह बच्चों को जन्म दिया, जिनमें से छह वयस्क होने तक जीवित रहे। लीपज़िग. 1723 में, बाख थुरिंगिया के पड़ोसी सैक्सोनी के एक प्रमुख वाणिज्यिक और सांस्कृतिक केंद्र लीपज़िग में चले गए। प्रिंस लियोपोल्ड के साथ उन्होंने रखा अच्छे संबंध . लेकिन कोथेन में, संगीत गतिविधि की संभावनाएँ सीमित थीं - वहाँ न तो कोई बड़ा अंग था और न ही कोई गायन मंडली। इसके अलावा, बाख के बड़े बेटे थे जिन्हें वह अच्छी शिक्षा देना चाहते थे। लीपज़िग में, बाख ने कैंटर का पद संभाला - लड़कों के गायक मंडल के प्रमुख और गायन स्कूलों के शिक्षक; सेंट थॉमस चर्च (थॉमस्किरचे) में। उन्हें कई प्रतिबंधात्मक शर्तों को स्वीकार करना पड़ा, उदाहरण के लिए "बर्गोमास्टर की अनुमति के बिना शहर नहीं छोड़ना।" कैंटर बाख के पास कई अन्य कर्तव्य थे। उन्हें एक छोटे से स्कूल गायक मंडल और एक बहुत छोटे ऑर्केस्ट्रा (या बल्कि, एक समूह) को भागों में विभाजित करना पड़ा ताकि संगीत दो चर्चों में सेवाओं के साथ-साथ शादियों, अंत्येष्टि और विभिन्न उत्सवों में बज सके। और सभी कोरस लड़कों के पास अच्छा संगीत डेटा नहीं था। स्कूल का घर गंदा था, उपेक्षित था, विद्यार्थियों को खराब खाना खिलाया जाता था और भिखारी जैसे कपड़े पहनाए जाते थे। बाख, जिन्हें उसी समय लीपज़िग का "संगीत निर्देशक" माना जाता था, ने चर्च के अधिकारियों और शहर प्रशासन (मजिस्ट्रेट) का ध्यान इस सब ओर आकर्षित किया। लेकिन बदले में उन्हें भौतिक सहायता तो बहुत कम मिली, लेकिन कार्यालय की बहुत सारी छोटी-मोटी गलतियाँ और फटकारें मिलीं। छात्रों के साथ, वह न केवल गायन में, बल्कि वाद्ययंत्र बजाने में भी व्यस्त थे, इसके अलावा, उन्होंने अपने खर्च पर उनके लिए एक लैटिन शिक्षक नियुक्त किया। लीपज़िग में सेंट थॉमस का चर्च और स्कूल (बाएं)। (एक पुरानी उत्कीर्णन से)। कठिन जीवन परिस्थितियों के बावजूद, बाख उत्साहपूर्वक रचनात्मकता में लगे रहे। अपनी सेवा के पहले तीन वर्षों में, उन्होंने लगभग हर हफ्ते गायक मंडली के साथ एक नई आध्यात्मिक कैंटटा की रचना की और उसका अभ्यास किया। कुल मिलाकर, इस शैली में बाख के लगभग दो सौ कार्य संरक्षित किए गए हैं। और उनके कई दर्जन धर्मनिरपेक्ष कैनटाटा भी जाने जाते हैं। वे, एक नियम के रूप में, स्वागत और बधाई देने वाले थे, विभिन्न महान व्यक्तियों को संबोधित करते थे। लेकिन उनमें से लीपज़िग में लिखी गई कॉमिक "कॉफ़ी कैंटाटा" जैसा एक अपवाद है, जो कॉमिक ओपेरा के एक दृश्य के समान है। यह बताता है कि कैसे एक युवा, जीवंत लिज़ेन अपने पिता, बूढ़े बड़बड़ाने वाले श्लेंड्रियन की इच्छा और चेतावनियों के विरुद्ध, कॉफी के नए फैशन की आदी है। लीपज़िग में, बाख ने अपनी सबसे उत्कृष्ट स्मारकीय गायन-वाद्य रचनाएँ बनाईं - जॉन के अनुसार जुनून, मैथ्यू 12 के अनुसार जुनून और बी माइनर में मास, सामग्री में उनके करीब, साथ ही साथ बड़ी संख्या में विभिन्न वाद्य रचनाएँ भी शामिल हैं। दूसरा खंड "वेल-टेम्पर्ड क्लेवियर", जॉन और मैथ्यू (साथ ही मार्क और ल्यूक) का एक संग्रह, यीशु मसीह की शिक्षाओं के अनुयायी हैं, जिन्होंने सुसमाचार संकलित किया - उनके सांसारिक जीवन, पीड़ा ("जुनून") और के बारे में कहानियां मौत। "सुसमाचार" से अनुवादित यूनानी का अर्थ है "अच्छी खबर"। 12 12 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा "द आर्ट ऑफ़ द फ्यूग्यू"। उन्होंने ड्रेसडेन, हैम्बर्ग, बर्लिन और अन्य जर्मन शहरों की यात्रा की, वहां ऑर्गन बजाया, नए उपकरणों का परीक्षण किया। दस वर्षों से अधिक समय तक, बाख ने लीपज़िग में "म्यूजिक कॉलेज" का नेतृत्व किया - एक ऐसा समाज जिसमें विश्वविद्यालय के छात्र और संगीत प्रेमी - वादक और गायक शामिल थे। बाख के निर्देशन में, उन्होंने धर्मनिरपेक्ष प्रकृति के कार्यों से सार्वजनिक संगीत कार्यक्रम दिए। संगीतकारों के साथ संवाद करते हुए, वह किसी भी अहंकार से अनजान थे और उन्होंने अपने दुर्लभ कौशल के बारे में इस प्रकार बताया: "मुझे कड़ी मेहनत करनी पड़ी, जो जितना कठिन होगा वह उतना ही हासिल करेगा।" बाख के बड़े परिवार में ढेर सारी चिंताएँ, लेकिन ढेर सारी खुशियाँ भी आईं। अपने सर्कल में, वह पूरे घरेलू संगीत कार्यक्रम की व्यवस्था कर सकता था। उनके चार बेटे प्रसिद्ध संगीतकार बने। ये हैं विल्हेम फ़्रीडेमैन और कार्ल फिलिप इमानुएल (मारिया बारबरा के बच्चे), जोहान क्रिस्टोफ़ फ्रेडरिक और जोहान क्रिश्चियन (अन्ना मैग्डेलेना के बच्चे)। पिछले कुछ वर्षों में बाख का स्वास्थ्य बिगड़ता गया। उनकी दृष्टि तेजी से ख़राब हो गई। 1750 की शुरुआत में, उनकी आँखों की दो असफल सर्जरी हुईं, वे अंधे हो गए और 28 जुलाई को उनकी मृत्यु हो गई। जोहान सेबेस्टियन बाख ने शानदार रचनात्मक प्रेरणा से प्रकाशित एक कठिन और मेहनती जीवन जीया। उन्होंने कोई महत्वपूर्ण संपत्ति नहीं छोड़ी और दस साल बाद गरीबों के लिए एक चैरिटी होम में अन्ना मैग्डेलेना की मृत्यु हो गई। और बाख की सबसे छोटी बेटी, रेजिना सुज़ाना, जो 19वीं शताब्दी तक जीवित रहीं, को निजी दान द्वारा गरीबी से बचाया गया, जिसमें बीथोवेन ने एक बड़ा हिस्सा लिया। रचनात्मकता बाख का संगीत उनके मूल देश की संस्कृति से जुड़ा हुआ है। दोनों जर्मन द्वारा काम करता है और विदेशी संगीतकार। अपने काम में, उन्होंने शानदार ढंग से यूरोपीय संगीत कला की उपलब्धियों को सामान्यीकृत और समृद्ध किया। अधिकांश कैंटटा, "जॉन पैशन", "मैथ्यू पैशन", मास इन बी माइनर और आध्यात्मिक ग्रंथों पर कई अन्य रचनाएँ बाख द्वारा लिखी गईं थीं। न केवल एक चर्च संगीतकार के कर्तव्य या अभ्यस्त रिवाज के अनुसार, बल्कि एक ईमानदार धार्मिक भावना से प्रेरित। वे मानवीय दुखों के प्रति करुणा से भरे हुए हैं, मानवीय खुशियों की समझ से ओत-प्रोत हैं। समय के साथ, वे मंदिरों से बहुत आगे निकल गए और ऐसा करते हैं विभिन्न राष्ट्रीयताओं और धर्मों के श्रोताओं को गहराई से प्रभावित करना बंद नहीं करते। बाख की आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष रचनाएँ अपनी सच्ची मानवता में एक-दूसरे से संबंधित हैं, साथ में वे संगीतमय छवियों की एक पूरी दुनिया बनाते हैं। बाख का नायाब पॉलीफोनिक कौशल होमोफोनिक-हार्मोनिक साधनों से समृद्ध है। उनके स्वर विषयों को वाद्य विकास तकनीकों के साथ व्यवस्थित रूप से व्याप्त किया गया है, और वाद्य विषय अक्सर इतने भावनात्मक रूप से संतृप्त होते हैं, जैसे कि कुछ महत्वपूर्ण गाया और बिना शब्दों के उच्चारित किया जा रहा हो। ऑर्गन13 के लिए डी माइनर में टोकाटा और फ्यूग्यू यह बेहद लोकप्रिय काम इच्छाशक्ति की एक खतरनाक लेकिन साहसी पुकार के साथ शुरू होता है। इसे तीन बार सुना जाता है, एक सप्तक से दूसरे सप्तक में गिरते हुए, और निचले रजिस्टर में एक जोरदार कॉर्डल गड़गड़ाहट की ओर ले जाता है। इस प्रकार, टोकाटा की शुरुआत में, एक गहरे छायांकित, भव्य ध्वनि स्थान की रूपरेखा तैयार की गई है। 1 एडैगियो प्रश्न और कार्य 1 . बाख के संगीत के भाग्य में क्या असामान्य है? 2. हमें बाख की मातृभूमि, उनके पूर्वजों और उनके बचपन के वर्षों के बारे में बताएं। 3. बाख का स्वतंत्र जीवन कब और कहाँ शुरू हुआ? 4. वाइमर में बाख की गतिविधि कैसे आगे बढ़ी और इसका अंत कैसे हुआ? 5. हमें कोथेन में बाख के जीवन और इन वर्षों के उनके कार्यों के बारे में बताएं। 6. बाख कौन से वाद्ययंत्र बजाते थे और उनका पसंदीदा वाद्ययंत्र कौन सा था? 7. बाख ने लीपज़िग जाने का निर्णय क्यों लिया और वहाँ उसे किन कठिनाइयों का सामना करना पड़ा? 8. लीपज़िग में एक संगीतकार के रूप में बाख और एक कलाकार के रूप में बाख की गतिविधियों के बारे में बताएं। उनके द्वारा वहां बनाए गए कार्यों के नाम बताइए। टोकाटा (इतालवी में "टोकाटा" - "स्पर्श", क्रिया "टोकरे" से "हिट", "स्पर्श", "स्पर्श") कीबोर्ड उपकरणों के लिए एक कलाप्रवीण टुकड़ा है। 13 13 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा इसके अलावा, शक्तिशाली "घूमता हुआ" सदाचार मार्ग और विस्तृत कॉर्डल "विस्फोट" सुनाई देते हैं। वे कई बार विस्तारित स्वरों पर विराम और विराम द्वारा अलग हो जाते हैं। यह तेजी और के बीच विरोधाभास है धीमी गति हिंसक तत्वों के साथ लड़ाई के बीच सतर्क राहत की याद दिलाती है। और एक स्वतंत्र, कामचलाऊ तरीके से निर्मित टोकाटा के बाद, एक फ्यूग्यू बजता है। यह एक विषय के अनुकरणात्मक विकास पर ध्यान केंद्रित करता है, जिसमें मजबूत इरादों वाला सिद्धांत मौलिक ताकतों पर अंकुश लगाता है, जैसे कि: 2 एलेग्रो मॉडरेटो व्यापक रूप से विस्तार करते हुए, फ्यूग्यू एक कोडा में विकसित होता है - अंतिम, अंतिम खंड। यहां फिर से टोकाटा का कामचलाऊ तत्व फूट पड़ता है। लेकिन आख़िरकार तनावपूर्ण अनिवार्य टिप्पणियों से वह शांत हो गई। और पूरे कार्य की अंतिम पट्टियों को कठोर मानवीय इच्छा की कठोर और राजसी जीत के रूप में माना जाता है। बाख के अंग कार्यों का एक विशेष समूह कोरल प्रस्तावना है। उनमें से, गेय प्रकृति के कई अपेक्षाकृत छोटे टुकड़े गहरी अभिव्यक्ति द्वारा प्रतिष्ठित हैं। उनमें, कोरल राग की ध्वनि स्वतंत्र रूप से विकसित संगत स्वरों से समृद्ध होती है। उदाहरण के लिए, बाख की उत्कृष्ट कृतियों में से एक, एफ माइनर में कोरल प्रस्तावना को इस प्रकार प्रस्तुत किया गया है। क्लेवियर संगीत आविष्कार बाख ने अपने सबसे बड़े बेटे विल्हेम फ्रीडेमैन को पढ़ाते समय बनाई गई रचनाओं में से सरल टुकड़ों के कई संग्रह संकलित किए। इनमें से एक संग्रह में, उन्होंने पंद्रह दो-आवाज़ वाले पॉलीफोनिक टुकड़ों को पंद्रह कुंजियों में रखा और उन्हें "आविष्कार" कहा। लैटिन से अनुवादित, "आविष्कार" शब्द का अर्थ है "आविष्कार", "आविष्कार"। नौसिखिया संगीतकारों द्वारा प्रदर्शन के लिए उपलब्ध बाख के दो-भाग वाले आविष्कार, पॉलीफोनिक सरलता और साथ ही, कलात्मक अभिव्यक्ति के मामले में वास्तव में उल्लेखनीय हैं। इस प्रकार, सी मेजर में पहला दो-भाग का आविष्कार एक शांत, उचित चरित्र के छोटे, सहज और इत्मीनान वाले विषय से पैदा हुआ है। यह ऊपरी स्वर द्वारा गाया जाता है और तुरंत नकल करता है _ दूसरे सप्तक में दोहराता है - निचला वाला: 14 www.classON.ru रूसी कला उछाल वाली गेंदों के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा। ऊपरी एक की पुनरावृत्ति (अनुकरण) के दौरान, आवाज मधुर गति जारी रखती है। इस प्रकार बास में बजने वाले विषय का विरोध बनता है। इसके अलावा, यह विरोध - एक ही मधुर पैटर्न के साथ - कभी-कभी लगता है जब विषय एक या दूसरे स्वर में फिर से प्रकट होता है (बार 2-3, 7-8, 8-9)। ऐसे मामलों में, विपक्ष को बरकरार रखा गया कहा जाता है (गैर-बरकरार विरोध के विपरीत, जो हर बार विषय पेश किए जाने पर नए सिरे से बनाया जाता है)। अन्य पॉलीफोनिक कार्यों की तरह, इस आविष्कार में ऐसे खंड हैं जहां विषय अपने पूर्ण रूप में नहीं लगता है, लेकिन केवल इसके व्यक्तिगत मोड़ का उपयोग किया जाता है। ऐसे अनुभागों को विषय की प्रस्तुतियों के बीच रखा जाता है और अंतराल कहा जाता है। सी में आविष्कार की सामान्य पूर्णता एक विषय पर आधारित विकास द्वारा दी गई है, जो पॉलीफोनिक संगीत के लिए विशिष्ट है। टुकड़े के मध्य में, मुख्य कुंजी से प्रस्थान किया जाता है, और अंत में यह वापस आ जाता है। इस आविष्कार को सुनकर, कोई कल्पना कर सकता है कि दो छात्र परिश्रमपूर्वक पाठ को दोहराते हैं, एक-दूसरे को अधिक अभिव्यक्ति के साथ बेहतर ढंग से बताने की कोशिश करते हैं। इस टुकड़े में, सी प्रमुख आविष्कार की संरचना के समान, एक विशेष तकनीक एक बड़ी भूमिका निभाती है। विषय के प्रारंभिक परिचय के बाद ऊपरी आवाज़ में, निचली आवाज़ न केवल इसकी नकल करती है, बल्कि इसकी निरंतरता (प्रतिस्थिति) की भी नकल करती है। इस प्रकार, कुछ समय के लिए, एक निरंतर विहित और अनुकरण, या लाइकानन, उत्पन्न होता है। दो-आवाज़ वाले आविष्कारों के साथ-साथ, बाख ने एक ही कुंजी में पंद्रह तीन-आवाज़ वाले पॉलीफोनिक टुकड़ों की रचना की। उसने उनका नाम रखा! "सिम्फनीज़" (ग्रीक से अनुवादित - "व्यंजन")। पुराने दिनों में, पॉलीफोनिक वाद्य कार्यों को अक्सर ऐसा कहा जाता था। लेकिन बाद में इन टुकड़ों को तीन-भागीय आविष्कार कहने की प्रथा बन गई। वे पॉलीफोनिक विकास की अधिक जटिल तकनीकों का उपयोग करते हैं। अधिकांश एक प्रमुख उदाहरण- एफ माइनर (नौवां) में तीन-भाग का आविष्कार। इसकी शुरुआत दो विपरीत विषयों के एक साथ परिचय से होती है। उनमें से एक का आधार, बास आवाज में बजना, रंगीन सेमीटोन के साथ एक मापा तनावपूर्ण वंश है। पुराने ओपेरा के दुखद एरिया में ऐसी हरकतें अक्सर होती हैं। यह बुरे भाग्य, भाग्य की एक उदास आवाज की तरह है। बीच में दूसरा विषय, आल्टो आवाज शोकपूर्ण रूपांकनों-आहों से व्याप्त है: भविष्य में, तीसरा विषय और भी अधिक मर्मज्ञ विस्मयादिबोधक के साथ इन दो विषयों के साथ घनिष्ठ रूप से जुड़ा हुआ है। नाटक के अंत तक दुष्ट नियति की आवाज अनमनी बनी रहती है। लेकिन इंसान के दुख की आवाजें थम नहीं रही हैं. उनमें मानवीय आशा की कभी न बुझने वाली चिंगारी है। और एक पल के लिए यह अंतिम एफ प्रमुख राग में चमकता हुआ प्रतीत होता है। आइसेनच 15 में बाख हाउस में बी माइनर हार्पसीकोर्ड में बाख की सिम्फनी www.classON.ru रूसी कला क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा (तीन-भाग आविष्कार संख्या 15) भी अपनी गीतात्मक पैठ से प्रतिष्ठित है। अपने आविष्कारों और "सिम्फनीज़" की पांडुलिपि की प्रस्तावना में, बाख ने संकेत दिया कि उन्हें "वादन का गायन तरीका" विकसित करने में मदद करनी चाहिए। हार्पसीकोर्ड पर, इसे पूरा करना कठिन था। इसलिए, बाख ने घर पर, छात्रों के साथ कक्षाओं सहित, एक अन्य तार वाले कीबोर्ड उपकरण - क्लैविकॉर्ड का उपयोग करना पसंद किया। इसकी कमजोर ध्वनि संगीत कार्यक्रम के प्रदर्शन के लिए अनुपयुक्त है। लेकिन, जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, हार्पसीकोर्ड के विपरीत, क्लैविकॉर्ड के तारों को तोड़ा नहीं जाता है, बल्कि धीरे से धातु की प्लेटों से जकड़ दिया जाता है। यह ध्वनि की मधुरता में योगदान देता है और आपको गतिशील शेड्स बनाने की अनुमति देता है। इस प्रकार, बाख ने, जैसे कि, पियानो पर मधुर और सुसंगत आवाज़ की संभावनाओं का पूर्वाभास किया - एक ऐसा उपकरण जो उनके समय में डिजाइन में अभी भी अपूर्ण था। और महान संगीतकार की यह इच्छा सभी आधुनिक पियानोवादकों को याद रखनी चाहिए। कूरेंटे - तीन ताल नृत्य फ़्रेंच मूल. लेकिन फ्रांसीसी हार्पसीकोर्ड की झंकार के लिए, कुछ लयबद्ध परिष्कार और व्यवहार विशिष्ट थे। सी माइनर में बाख के सुइट में कूरेंटे इस नृत्य शैली की इतालवी विविधता के समान है - अधिक जीवंत और गतिशील। यह दो आवाजों के लचीले संयोजन से सुगम होता है जो एक-दूसरे को उकसाते प्रतीत होते हैं: सी माइनर में "फ्रेंच सूट" बाख के क्लैवियर सूट के तीन संग्रहों के अलग-अलग नाम हैं। उन्होंने स्वयं तीसरे संग्रह में शामिल छह सुइट्स को "पार्टिटास" कहा (सुइट का नाम "पार्टिटा" न केवल उनमें पाया जाता है14)। और अन्य दो संग्रह - छह टुकड़े प्रत्येक - को बाख की मृत्यु के बाद "फ्रेंच सूट" और "इंग्लिश सूट" कहा जाने लगा, कारणों को स्पष्ट रूप से स्पष्ट नहीं किया गया। "फ़्रेंच सुइट्स" का दूसरा भाग सी माइनर की कुंजी में लिखा गया था। प्राचीन सुइट्स में स्थापित परंपरा के अनुसार, इसमें चार मुख्य भाग शामिल हैं - अल्लेमांडे, कूरेंटे, सरबांडे और गीग, साथ ही दो और इंटरमीडिया भाग - एरिया और मिनुएट, जो सरबंदे और गीग के बीच डाले गए हैं। अल्लेमांडे एक नृत्य है जो XVI-XVII सदियों में कई यूरोपीय देशों - इंग्लैंड, नीदरलैंड, जर्मनी, फ्रांस और इटली में बनाया गया था। इसलिए, उदाहरण के लिए, पुराना जर्मन अल्लेमांडे थोड़ा कठिन समूह नृत्य था। लेकिन, क्लैवियर सुइट्स में प्रवेश करने पर, अल्लेमांडे XVIII सदी उसकी नृत्य संबंधी विशेषताएँ लगभग समाप्त हो गईं। अपने "पूर्वजों" से उसने केवल चार या दो चौथाई के आकार के साथ एक इत्मीनान वाली शांत चाल बरकरार रखी। यह अंततः एक शिथिल रूप से निर्मित प्रस्तावना बन गया। यह सी माइनर में बाख के सुइट से एक विचारशील गीतात्मक प्रस्तावना और अल्लेमांडे जैसा दिखता है। यहां अक्सर तीन आवाजें अपनी पंक्ति का नेतृत्व करती हैं। लेकिन कभी-कभी उनसे कोई चौथी आवाज भी जुड़ी होती है. वहीं, सबसे सुरीली आवाज ऊपरी है: साराबंदे एक तीन-भाग वाला स्पेनिश नृत्य है। एक बार यह तेज़, मनमौजी था, और बाद में यह धीमा, गंभीर और अक्सर अंतिम संस्कार जुलूस के करीब हो गया। बाख सुइट का साराबंदे तीन-भाग वाले गोदाम में शुरू से अंत तक रखा गया है। मध्य और निचली आवाज़ों की गति हमेशा सख्त, केंद्रित होती है (चौथाई और आठवीं प्रबल होती है)। और ऊपरी आवाज़ की गति बहुत अधिक स्वतंत्र और गतिशील है, बहुत अभिव्यंजक है। यहां सोलहवें स्वर प्रचलित हैं, व्यापक अंतराल (पांचवें, छठे, सातवें) पर चालें अक्सर पाई जाती हैं। इस प्रकार, संगीत प्रस्तुति की दो विपरीत परतें बनती हैं, एक लयात्मक रूप से तीव्र ध्वनि बनाई जाती है15: "भागों में विभाजित" - शब्द "पार्टिटा" का इतालवी से अनुवाद किया गया है (क्रिया "पार्टायर" से - "विभाजित करना")। सरबंदे में, अग्रणी ऊपरी आवाज़ बाकियों से इतनी भिन्न नहीं होती, बल्कि उनके द्वारा पूरक होती है। 14 15 16 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा द वेल-टेम्पर्ड क्लेवियर के पहले खंड से सी माइनर में प्रील्यूड और फ्यूग्यू, सी मेजर में प्रील्यूड और फ्यूग्यू, सी माइनर में प्रील्यूड और फ्यूग्यू। सी शार्प मेजर, प्रील्यूड और फ्यूग्यू सी-शार्प माइनर - और इसी तरह सप्तक में शामिल सभी बारह सेमीटोन के माध्यम से। परिणाम सभी प्रमुख और छोटी कुंजियों में कुल 24 दो-भाग "प्रस्तावना और फ्यूग्यू" चक्र है। इस प्रकार बाख के वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर के दोनों खंड (कुल मिलाकर - 48 प्रस्तावना और फ्यूग्यू) बनाए गए हैं। इस भव्य कृति को विश्व संगीत कला में महानतम में से एक माना जाता है। इन दो खंडों की प्रस्तावनाएँ और फ्यूग्यू सभी पेशेवर पियानोवादकों के प्रशिक्षण और संगीत कार्यक्रम में शामिल हैं। बाख के समय में, कीबोर्ड उपकरणों की ट्यूनिंग में, अंततः एक समान स्वभाव स्थापित किया गया - सप्तक को बारह समान सेमीटोन में विभाजित किया गया। पहले, अनुकूलन प्रणाली अधिक जटिल थी। उसके साथ, तीन या चार से अधिक वर्णों वाली कुंजियों में, कुछ अंतराल और तार धुन से बाहर बजते थे। इसलिए, संगीतकार ऐसी कुंजियों का उपयोग करने से बचते थे। बाख द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर में शानदार ढंग से साबित करने वाले पहले व्यक्ति थे कि समान स्वभाव के साथ, सभी 24 कुंजियों का समान सफलता के साथ उपयोग किया जा सकता है। इससे संगीतकारों के लिए नए क्षितिज खुल गए, उदाहरण के लिए, एक कुंजी से दूसरी कुंजी में मॉड्यूलेशन (संक्रमण) करने की क्षमता बढ़ गई। वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर में, बाख ने दो-आंदोलन चक्र "प्रस्तावना और फ्यूग्यू" के प्रकार की स्थापना की। प्रस्तावना स्वतंत्र रूप से बनाई गई है। इसमें एक महत्वपूर्ण भूमिका होमोफोनिक-हार्मोनिक वेयरहाउस और इम्प्रोवाइजेशन की हो सकती है। यह कड़ाई से पॉलीफोनिक कार्य के रूप में फ्यूग्यू के विपरीत बनाता है। साथ ही, "प्रस्तावना और फ्यूग्यू" चक्र के हिस्से न केवल एक सामान्य स्वर से एकजुट होते हैं। उनके बीच, प्रत्येक मामले में, सूक्ष्म आंतरिक संबंध अपने तरीके से प्रकट होते हैं। इन सामान्य विशिष्ट विशेषताओं का पता द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर के पहले खंड से सी माइनर में प्रील्यूड और फ्यूग्यू में लगाया जा सकता है। प्रस्तावना में दो मुख्य भाग हैं। अधिक विशाल प्रथम पूरी तरह से दोनों हाथों में सोलहवें की त्वरित समान गति से भरा हुआ है। यह अंदर से अभिव्यंजक मधुर और हार्मोनिक तत्वों से संतृप्त है। ऐसा लगता है जैसे, तटों से विवश होकर, एक बेचैन धारा उबल रही है: गीग एक तेज़, दिलेर नृत्य है, जो आयरलैंड और इंग्लैंड से उत्पन्न हुआ है।16। पुराने दिनों में, अंग्रेजी नाविकों को जिग नृत्य करना पसंद था। सुइट्स में, गिग आमतौर पर अंतिम, अंतिम गतिविधि होती है। अपने सी माइनर गिगुएट में, बाख अक्सर दो आवाज़ों के बीच विहित नकल की तकनीक का उपयोग करते हैं (जैसा कि एफ मेजर में आविष्कार में)। इस नाटक की प्रस्तुति एक "उछलती" बिंदीदार लय के साथ व्याप्त है: अल्लेमांडे और कूरेंटे के बीच विरोधाभास की तुलना में, सरबंदे और गीग के बीच विरोधाभास तेज है। लेकिन यह उनके बीच डाले गए दो अतिरिक्त हिस्सों से नरम हो जाता है। "एरिया" नामक भाग किसी ओपेरा में एकल गायन संख्या की तरह नहीं, बल्कि एक शांत, सरल गीत की तरह लगता है। अगला मिनुएट एक फ्रांसीसी नृत्य है जो गतिशीलता को अनुग्रह के साथ जोड़ता है। तो इस सुइट में, एक ही सामान्य स्वर के साथ, सभी भागों की आलंकारिक दृष्टि से अलग-अलग तुलना की जाती है। जिग के आयाम मुख्यतः तीन-तरफ़ा हैं। XVIII सदी में यह मुख्य रूप से 3/8, 6/8, 9/8, 12/8 है। 16 17 www.classON.ru मध्यम आवाज़ में रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा, एक लोचदार नृत्य लय के साथ एक स्पष्ट, उभरा हुआ, अच्छी तरह से याद किया जाने वाला विषय: 11 मॉडरेटो ऊर्जावान दृढ़ता विषय में अनुग्रह, धूर्त शरारत झाँक के साथ संयुक्त है दृढ़ इच्छाशक्ति वाले संयम के माध्यम से। यह आगे विविध और गतिशील विकास के अवसर प्रदान करता है। विकास की शुरुआत में, विषय हल्का लगता है - केवल तभी जब इसे प्रमुख कुंजी (ई-फ्लैट मेजर) में प्रदर्शित किया जाता है। पुनरावृत्ति में, मुख्य कुंजी (सी माइनर) में विषय के तीन मुख्य अंशों में से दूसरा, बास में, इतना शक्तिशाली दायरा प्राप्त कर लेता है कि यह प्रस्तावना में उग्र प्राकृतिक शक्तियों को याद करने पर मजबूर कर देता है। और एक और बात, फ्यूगू थीम का अंतिम कार्यान्वयन एक प्रबुद्ध घर प्रमुख राग के साथ समाप्त होता है। प्रस्तावना और फ्यूग्यू के अंत के बीच ऐसी समानता में, चक्र के विपरीत भागों के आंतरिक भावनात्मक संबंध का पता चलता है। शक्तिशाली ऊर्जा संचित करने के बाद, पहले खंड के अंत में यह प्रवाह मानो किनारे पर बह जाता है और अगले खंड की शुरुआत में यह और भी अधिक तीव्र हो जाता है और अपने रास्ते में आने वाली हर चीज़ को बहा ले जाने की धमकी देता है। प्रस्तावना के इस चरमोत्कर्ष को टेम्पो में सबसे तेज़ (पगेस्टो) में बदलाव और एक पॉलीफोनिक डिवाइस - दो-आवाज़ वाले कैनन के उपयोग द्वारा चिह्नित किया गया है। लेकिन उग्र तत्वों को अचानक स्वरों के ज़ोरदार प्रहार और सस्वर पाठ के सार्थक वाक्यांशों द्वारा रोक दिया जाता है। यहां गति का दूसरा परिवर्तन आता है - सबसे धीमी (एडैगियो) तक। और प्रस्तावना की अंतिम पट्टियों में गति के तीसरे परिवर्तन के बाद मध्यम तेज़ A11eggo में, बास में टॉनिक अंग बिंदु धीरे-धीरे दाहिने हाथ में सोलहवें की गति को धीमा कर देता है। यह धीरे से फैलता है और सी प्रमुख तार पर जम जाता है। वहां शांति है, शांति है. प्रस्तावना के ऐसे मुक्त, कामचलाऊ समापन के बाद, ध्यान एक अलग, विपरीत योजना पर जाता है। तीन स्वरों वाला फ़्यूग शुरू होता है। लैटिन और इतालवी में इस शब्द का अर्थ है "दौड़ना", "उड़ना", "तेज धारा"। संगीत में, फ्यूग्यू एक जटिल पॉलीफोनिक कार्य है, जहां आवाजें एक-दूसरे को पकड़ती हुई गूँजती हुई प्रतीत होती हैं। अधिकांश फ्यूग्यू एक ही थीम पर आधारित होते हैं। दो के साथ फ़्यूग कम आम हैं, तीन या चार विषयों के साथ और भी कम आम हैं। और आवाजों की संख्या के अनुसार, फ्यूग्यू दो-, तीन-, चार- और पांच-भाग वाले होते हैं। एकल-अंधेरे फ्यूग्यूज़ की शुरुआत किसी एक स्वर में मुख्य कुंजी में विषय की प्रस्तुति से होती है। फिर विषय का अन्य आवाजों द्वारा बारी-बारी से अनुकरण किया जाता है। इस प्रकार फ़्यूग्यू का पहला खंड, प्रदर्शनी, बनता है। दूसरे खंड में - विकास - विषय केवल अन्य कुंजियों में दिखाई देता है। और तीसरे, अंतिम खंड में - रिप्राइज़9 - इसे फिर से मुख्य कुंजी में किया जाता है, लेकिन इसे अब एक स्वर में प्रस्तुत नहीं किया जाता है। यहाँ प्रदर्शनी निश्चित रूप से दोहराई नहीं गई है। फ़्यूग्यूज़ में, बनाए गए काउंटरपोज़िशन और इंटरल्यूड्स का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है। प्रश्न में, बाख का सी-माइनर फ्यूग्यू, फ्यूग्यू में प्रदर्शित होना शुरू होता है - पॉलीफोनिक संगीत का उच्चतम रूप - बाख के काम में अपनी पूर्ण परिपक्वता और सबसे उज्ज्वल फूल तक पहुंच गया है। 19वीं सदी के प्रसिद्ध रूसी संगीतकार और पियानोवादक, एंटोन ग्रिगोरीविच रुबिनस्टीन ने अपनी पुस्तक "म्यूजिक एंड इट्स रिप्रेजेंटेटिव्स" में "वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर" की प्रशंसा करते हुए लिखा है कि कोई भी वहां "धार्मिक, वीर, उदासी के फ्यूग्स" पा सकता है। राजसी, शोकाकुल, विनोदी, देहाती, नाटकीय चरित्र; एक बात में वे सभी एक जैसे हैं - सुंदरता में। .." जोहान सेबेस्टियन बाख की उम्र भी महान के समान ही थी जर्मन संगीतकारजॉर्ज फ्रेडरिक हैंडेल (1685-1759) - पॉलीफोनी के एक अद्भुत गुरु, एक गुणी ऑर्गेनिस्ट। उनकी किस्मत अलग थी. उन्होंने अपना अधिकांश जीवन जर्मनी के बाहर, एक देश से दूसरे देश में जाते हुए बिताया (वे कई दशकों तक इंग्लैंड में रहे)। 18 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा हैंडेल कई ओपेरा, ऑरेटोरियो, विभिन्न वाद्य कार्यों के लेखक हैं। एफ ओ आरएम एम ए एन आईएनजी शास्त्रीय शैली संगीत में प्रश्न और कार्य 1 . बाख के आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष कार्यों में क्या समानता है? 2. अंग के लिए डी माइनर में टोकाटा और फ्यूग्यू की आलंकारिक प्रकृति के बारे में बताएं। 3. बाख के आविष्कारों के उन विषयों को गाएँ जिन्हें आप जानते हैं। जब इसे रोका गया कहा जाता है तो विरोध किस बात का है? 4. पॉलीफोनिक कार्य में अंतराल क्या है? किस अनुकरण को कैनोनिकल या कैनन कहा जाता है? 5. सी माइनर में "फ्रेंच सूट" के मुख्य भागों का नाम और वर्णन करें। 6. बाख का वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर कैसे बनाया गया है? 7. प्रस्तावना और फ्यूग्यू के बीच मुख्य अंतर क्या है? इसे द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर के पहले खंड से सी माइनर में प्रील्यूड और फ्यूग्यू के उदाहरण के साथ दिखाएं। क्या इनमें भी समानताएं हैं? 18वीं शताब्दी का संगीत थिएटर, विशेष रूप से इसका मध्य और उत्तरार्ध, यूरोपीय संगीत कला के सभी क्षेत्रों में महान परिवर्तन का समय है। इस सदी की शुरुआत के साथ, इतालवी ओपेरा में दो शैलियाँ धीरे-धीरे उभरीं - ओपेरा सेरिया (गंभीर) और ओपेरा बफ़ा (कॉमिक)। पौराणिक और ऐतिहासिक कथानक अभी भी सीरिया ओपेरा में प्रचलित हैं, जिसमें तथाकथित "उच्च" नायक दिखाई देते हैं - पौराणिक देवता, प्राचीन राज्यों के राजा, पौराणिक कमांडर। और बफ़ा ओपेरा में, कथानक मुख्य रूप से आधुनिक रोज़मर्रा के हो गए हैं। यहां के नायक सामान्य लोग थे जिन्होंने ऊर्जावान और यथार्थवादी अभिनय किया। जियोवन्नी बतिस्ता पेर्गोलेसी की द सर्वेंट लेडी, जो 1733 में नेपल्स में जनता के सामने आई, ओपेरा बफ़ा का पहला उल्लेखनीय उदाहरण थी। नायिका, उद्यमशील नौकरानी सर्पिना, चतुराई से अपने चिड़चिड़े मालिक उबर्टो से शादी करती है और खुद एक रखैल बन जाती है। कई शुरुआती इतालवी बफ़ा ओपेरा की तरह, द सर्वेंट-मिस्ट्रेस को मूल रूप से पेर्गोलेसी के ओपेरा सेरिया द प्राउड प्रिज़नर के कृत्यों के बीच अंतराल के दौरान एक स्टेज इंटरल्यूड के रूप में प्रदर्शित किया गया था (याद रखें कि "इंटरल्यूड" शब्द मूल रूप से लैटिन है और इसका अर्थ "इंटरैक्शन" है)। जल्द ही, द सर्वेंट-मैडम ने एक स्वतंत्र कार्य के रूप में कई देशों में बहुत प्रसिद्धि प्राप्त की। कॉमिक ओपेरा का जन्म 18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में फ्रांस में हुआ था। यह पेरिस के मेलों के थिएटरों में दिए जाने वाले संगीत के साथ हर्षित, मजाकिया हास्य प्रदर्शन से उत्पन्न हुआ। और एक कॉमिक ओपेरा में बदलने के लिए, जहां मुखर संख्या पात्रों की मुख्य विशेषता बन गई, इतालवी बफ़ा ओपेरा के उदाहरण ने फ्रांसीसी निष्पक्ष कॉमेडीज़ की मदद की। पेरिस में इस प्रदर्शन के लिए, इतालवी "बफ़न्स" की ओपेरा मंडली का बहुत महत्व था, जब फ्रांस की राजधानी सचमुच पेर्गोलेसी की "सर्वेंट मैडम" से मंत्रमुग्ध थी। इतालवी ओपेरा बफ़ा के विपरीत, फ़्रेंच कॉमिक ओपेरा में, संख्याएँ सस्वर पाठ के साथ नहीं, बल्कि संवादी संवादों के साथ वैकल्पिक होती हैं। सिंगस्पायर भी बनाया गया है - एक जर्मन और ऑस्ट्रियाई किस्म का कॉमिक ओपेरा, जो दूसरे में दिखाई दिया। मुख्य कार्य स्वर और वाद्य कार्य "जॉन के अनुसार जुनून", "मैथ्यू के अनुसार जुनून" बी माइनर सेक्रेड कैंटटास में मास (लगभग 200) बच गए) और सेकुलर कैनटाटा (20 से अधिक बचे) ऑर्केस्ट्रा कार्य 4 सुइट्स ("ओवरचर") 6 "ब्रैंडेनबर्ग कॉन्सर्टोस" चैम्बर ऑर्केस्ट्रा के साथ एकल वाद्ययंत्रों के लिए कॉन्सर्टोस हार्पसीकोर्ड के लिए 7 कॉन्सर्टोस दो के लिए 3 कॉन्सर्टोस, तीन हार्पसीकोर्ड्स के लिए 2 कॉन्सर्टोस वायलिन के लिए 2 कॉन्सर्टोस झुके हुए वाद्ययंत्रों के लिए दो वायलिन कार्य, वायलिन सोलो के लिए 3 सोनाटा और 3 पार्टिटास, वायलिन और हार्पसीकोर्ड के लिए 6 सोनाटा, सेलो सोलो के लिए 6 सुइट्स ("सोनाटा"), ऑर्गन कार्य, 70 कोरल प्रस्तावनाएं, डी माइनर में टोकाटा और फ्यूग्यू, सी माइनर कीबोर्ड कार्यों में पासाकाग्लिया संग्रह "लिटिल प्रील्यूड्स एंड फ्यूग्स" दो-भाग वाले आविष्कारों में से 15 और तीन-भाग वाले 15 आविष्कार ("सिम्फनी") वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर के 48 प्रस्तावनाएं और फ्यूग्स 6 "फ्रेंच" और 6 "इंग्लिश" सुइट्स 6 सुइट्स (पार्टिटास) " हार्पसीकोर्ड सोलो के लिए इटालियन कॉन्सर्टो "क्रोमैटिक फंतासी और फ्यूग्यू" "आर्ट फ्यूग्यूज़" 19 www.classON.ru 18वीं शताब्दी के मध्य में रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा17। कॉमिक ओपेरा की सभी किस्मों की संगीत भाषा को लोक गीत और नृत्य धुनों के साथ घनिष्ठ संबंध की विशेषता है। 18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, गंभीर ओपेरा शैलियाँ महान जर्मन संगीतकार क्रिस्टोफ़ विलीबाल्ड ग्लक (1714-1787) ने मौलिक रूप से सुधार किया। उन्होंने अपना पहला सुधारवादी ओपेरा, ऑर्फ़ियस और यूरीडाइस (1762) लिखा, जो प्रसिद्ध प्राचीन यूनानी गायक की कहानी पर आधारित था, जिसका उपयोग शुरुआती दौर से ही ओपेरा में बार-बार किया जाता रहा है (इसकी चर्चा परिचय में की गई थी)। ग्लुक ने ओपेरा में अपने सुधार के लिए एक कठिन रास्ता अपनाया। उन्हें कई यूरोपीय देशों - जर्मनी, ऑस्ट्रिया, डेनमार्क के साथ-साथ इंग्लैंड में इटली के साथ-साथ स्लाव द्वारा आबादी वाले चेक गणराज्य का दौरा करने का मौका मिला। वियना में मजबूती से बसने से पहले, ग्लक ने मिलान, वेनिस, नेपल्स, लंदन, कोपेनहेगन, प्राग और अन्य शहरों के थिएटरों के मंच पर अपनी ओपेरा श्रृंखला के 17 नाटकों का मंचन किया। इस शैली के ओपेरा कई यूरोपीय देशों के दरबारी थिएटरों में प्रदर्शित किए गए। अपवाद फ्रांस था. वहां, 18वीं शताब्दी के मध्य में, उन्होंने केवल पारंपरिक फ्रांसीसी शैली में गंभीर ओपेरा की रचना और मंचन करना जारी रखा। लेकिन ग्लक ने प्रसिद्ध फ्रांसीसी संगीतकार जीन-बैप्टिस्ट लूली और जीन-फिलिप रमेउ के ओपेरा स्कोर का ध्यानपूर्वक अध्ययन किया। इसके अलावा, ग्लुक ने फ्रेंच कॉमिक ओपेरा की नई शैली में वियना में आठ रचनाएँ लिखीं और उनका सफलतापूर्वक मंचन किया। वह निस्संदेह इतालवी बफ़ा ओपेरा, जर्मन और ऑस्ट्रियाई सिंगस्पील से अच्छी तरह परिचित थे। इस सारे ज्ञान ने ग्लक को गंभीर ओपेरा के लिए रचना के पहले से ही पुराने सिद्धांतों को दृढ़ता से नवीनीकृत करने में सक्षम बनाया। अपने सुधारवादी ओपेरा में, जिसका मंचन पहले वियना और फिर पेरिस में किया गया, ग्लक ने पात्रों के भावनात्मक अनुभवों को बहुत अधिक सच्चाई और नाटकीय तीव्रता, प्रभावशीलता के साथ व्यक्त करना शुरू किया। उन्होंने अरियास में उत्कृष्ट अंशों को ढेर करने से इनकार कर दिया, और सस्वर पाठ की अभिव्यक्ति में वृद्धि की। उनके ओपेरा संगीत और मंच विकास के मामले में अधिक उद्देश्यपूर्ण और रचना में अधिक सामंजस्यपूर्ण बन गए। इस प्रकार, संगीत की भाषा में और नए हास्य और सुधारित गंभीर ओपेरा के निर्माण में, नई, शास्त्रीय शैली की महत्वपूर्ण विशिष्ट विशेषताओं की पहचान की गई - विकास की सक्रिय प्रभावशीलता, अभिव्यंजक साधनों की सादगी और स्पष्टता, रचनात्मक सामंजस्य और सामान्य महानता और संगीत का उदात्त चरित्र. इस शैली ने 18वीं सदी के दौरान धीरे-धीरे यूरोपीय संगीत में आकार लिया, 1770-1780 तक परिपक्व हुई और 19वीं सदी के दूसरे दशक के मध्य तक हावी रही। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि "क्लासिक" की परिभाषा का एक और व्यापक अर्थ हो सकता है। "क्लासिक" (या "क्लासिक") को संगीतमय और कला के अन्य कार्य भी कहा जाता है जिन्हें अनुकरणीय, उत्तम, नायाब के रूप में मान्यता दी गई है - चाहे उनकी रचना का समय कुछ भी हो। इस अर्थ में, इतालवी जनता संगीतकार XVI सदी फिलिस्तीन, और प्रोकोफ़िएव का ओपेरा, और शोस्ताकोविच की सिम्फनी - XX सदी के रूसी संगीतकार। वाद्य संगीत, ग्लक के ऑपरेटिव सुधार के समान व्यापक अंतरराष्ट्रीय आधार पर, 18वीं शताब्दी में वाद्य संगीत का गहन विकास हुआ। यह कई यूरोपीय देशों के संगीतकारों के संयुक्त प्रयासों से किया गया था। गीत और नृत्य के आधार पर, संगीत भाषा की शास्त्रीय स्पष्टता और गतिशीलता को विकसित करते हुए, उन्होंने धीरे-धीरे चक्रीय वाद्ययंत्र कार्यों की नई शैलियों का गठन किया - जैसे शास्त्रीय सिम्फनी, शास्त्रीय सोनाटा, शास्त्रीय स्ट्रिंग चौकड़ी। इनमें सोनाटा फॉर्म का बहुत महत्व है। इसलिए, वाद्य चक्रों को सोनाटा या सोनाटा-सिम्फनी कहा जाता है। सोनाटा फॉर्म. आप पहले से ही जानते हैं कि पॉलीफोनिक संगीत का उच्चतम रूप फ्यूग्यू है। और सोनाटा रूप होमोफोनिक हार्मोनिक संगीत का उच्चतम रूप है, जहां केवल कभी-कभी पॉलीफोनिक तकनीकों का उपयोग किया जा सकता है। अपनी रचना में ये दोनों रूप एक-दूसरे के समान हैं। फ़्यूग्यू की तरह, सोनाटा रूप में तीन मुख्य खंड हैं: प्रदर्शनी, विकास और पुनर्पूंजीकरण। लेकिन उनके बीच महत्वपूर्ण अंतर भी हैं। सोनाटा रूप और फ्यूग्यू के बीच मुख्य अंतर प्रदर्शनी 18 में तुरंत दिखाई देता है। फ्यूग्यू का विशाल बहुमत पूरी तरह से एक ही विषय पर बनाया गया है, जिसे प्रत्येक प्रदर्शनी में वैकल्पिक रूप से प्रदर्शित किया जाता है। यह जर्मन शब्द "सिंगन" ("गाओ") से आया है। और "स्पील" ("प्ले")। 18 यह शब्द लैटिन मूल का है, जिसका अर्थ है "प्रस्तुति", "शो"। 20 www.classON.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा आवाज। और सोनाटा रूप की प्रदर्शनी में, एक नियम के रूप में, दो मुख्य विषय सामने आते हैं, जो चरित्र में कमोबेश भिन्न होते हैं। पहले मुख्य भाग का विषय लगता है, बाद में पार्श्व भाग का विषय आता है। लेकिन किसी भी स्थिति में आपको "पक्ष" की परिभाषा को "माध्यमिक" नहीं समझना चाहिए। वास्तव में पार्श्व भाग का विषय सोनाटा रूप में मुख्य भाग के विषय से कम महत्वपूर्ण भूमिका नहीं निभाता है। यहां "माध्यमिक" शब्द का उपयोग किया गया है, क्योंकि पहले के विपरीत, यह आवश्यक रूप से मुख्य कुंजी में नहीं, बल्कि दूसरे में, जैसे कि एक माध्यमिक कुंजी में लगता है। शास्त्रीय संगीत में, यदि प्रदर्शनी में मुख्य भाग प्रमुख है, तो पार्श्व भाग को प्रमुख की कुंजी में बताया गया है (उदाहरण के लिए, यदि मुख्य भाग की कुंजी सी प्रमुख है, तो पार्श्व भाग की कुंजी जी है) प्रमुख)। यदि प्रदर्शनी में मुख्य भाग लघु है, तो पार्श्व भाग को समानांतर प्रमुख में बताया गया है (उदाहरण के लिए, यदि मुख्य भाग की कुंजी सी लघु है, तो पार्श्व भाग की कुंजी ई-फ्लैट प्रमुख है)। मुख्य और साइड पार्टियों के बीच या तो एक छोटा बंडल या एक कनेक्टिंग बैच रखा जाता है। एक स्वतंत्र, मधुर रूप से उभरा हुआ विषय भी यहां दिखाई दे सकता है, लेकिन अधिक बार मुख्य भाग के विषय के स्वरों का उपयोग किया जाता है। कनेक्टिंग भाग साइड भाग में संक्रमण के रूप में कार्य करता है, यह साइड भाग की कुंजी में मॉड्यूलेट होता है। इस प्रकार, तानवाला स्थिरता का उल्लंघन होता है। अफवाह कुछ नए "संगीत कार्यक्रम" की शुरुआत की उम्मीद करने लगती है। यह एक साइड पार्टी की थीम की उपस्थिति साबित होती है। कभी-कभी प्रदर्शनी किसी परिचय से पहले हो सकती है। और एक पार्श्व भाग के बाद, या तो एक छोटा निष्कर्ष लगता है, या एक पूरा अंतिम भाग, अक्सर एक स्वतंत्र विषय के साथ। पार्श्व भाग के स्वर को ठीक करते हुए, प्रदर्शनी इस प्रकार समाप्त होती है। संगीतकार के निर्देश पर, संपूर्ण प्रदर्शनी को दोहराया जा सकता है। विकास - सोनाटा फॉर्म का दूसरा खंड। इसमें, प्रदर्शनी से परिचित विषय नए संस्करणों में दिखाई देते हैं, अलग-अलग तरीकों से वैकल्पिक होते हैं और उनकी तुलना की जाती है। इस तरह की बातचीत में अक्सर संपूर्ण विषय-वस्तु शामिल नहीं होती, बल्कि उनसे पृथक रूपांकन और वाक्यांश शामिल होते हैं। अर्थात्, विकास के विषय, जैसे थे, अलग-अलग तत्वों में विभाजित हैं, उनमें निहित ऊर्जा को प्रकट करते हैं। इस मामले में, चाबियाँ बार-बार बदलती रहती हैं (मुख्य कुंजी यहां शायद ही कभी प्रभावित होती है और लंबे समय तक नहीं)। अलग-अलग कुंजियों में दिखाई देने पर, थीम और उनके तत्व नए तरीके से प्रकाशित होते प्रतीत होते हैं, नए दृष्टिकोण से दिखाए जाते हैं। विकास के चरमोत्कर्ष पर एक महत्वपूर्ण तनाव तक पहुँचने के बाद, इसकी दिशा बदल जाती है। इस खंड के अंत में, मुख्य कुंजी पर वापसी तैयार की जा रही है, पुनरावृत्ति की बारी है। पुनरावृत्ति सोनाटा रूप का तीसरा खंड है। इसकी शुरुआत मुख्य कुंजी में मुख्य भाग की वापसी से होती है। कनेक्टिंग भाग नई कुंजी की ओर नहीं ले जाता है। इसके विपरीत, यह मुख्य कुंजी को ठीक करता है, जिसमें द्वितीयक और अंतिम दोनों भाग अब दोहराए जाते हैं। तो पुनरावृत्ति, अपनी तानवाला स्थिरता के साथ, विकास की अस्थिर प्रकृति को संतुलित करती है और संपूर्ण को एक शास्त्रीय सामंजस्य प्रदान करती है। पुनरावृत्ति को कभी-कभी अंतिम निर्माण द्वारा पूरक किया जा सकता है - एक कोडा (लैटिन शब्द से लिया गया है जिसका अर्थ है "पूंछ")। इसलिए, जब कोई फ़्यूग बजता है, तो हमारा ध्यान एक विषय द्वारा सन्निहित एक संगीत विचार को सुनने, सोचने और महसूस करने पर केंद्रित होता है। जब कोई काम सोनाटा रूप में सुना जाता है, तो हमारी सुनवाई दो मुख्य (और पूरक) विषयों की तुलना और बातचीत का अनुसरण करती है - जैसे कि विभिन्न संगीत कार्यक्रमों, संगीत क्रिया के विकास का अनुसरण कर रही हो। इन दोनों संगीत रूपों की कलात्मक संभावनाओं के बीच यही मुख्य अंतर है। शास्त्रीय सोनाटा (सोनाटा-सिम्फनी) चक्र। लगभग 18वीं शताब्दी के अंतिम तीसरे में, शास्त्रीय सोनाटा चक्र ने अंततः संगीत में आकार लिया। पूर्व में वाद्य कार्यसुइट का रूप हावी था, जहाँ धीमे और तेज़ हिस्से बारी-बारी से आते थे, और पुराने सोनाटा का रूप उसके करीब था। अब, शास्त्रीय सोनाटा चक्र में, भागों की संख्या (आमतौर पर तीन या चार) सटीक रूप से निर्धारित की गई है, लेकिन उनकी सामग्री अधिक जटिल हो गई है। पहला आंदोलन आमतौर पर सोनाटा रूप में लिखा जाता है, जिसकी चर्चा पिछले पैराग्राफ में की गई थी। वह तेज़ या मध्यम तेज़ गति से चलती है। अधिकतर यह A11eggo होता है। इसलिए, ऐसे आंदोलन को आमतौर पर सोनाटा रूपक कहा जाता है। इसमें संगीत अक्सर ऊर्जावान, प्रभावी, अक्सर तनावपूर्ण, नाटकीय होता है। दूसरा आंदोलन हमेशा गति और सामान्य चरित्र में पहले से भिन्न होता है। अक्सर यह धीमा, सबसे अधिक गेय और मधुर होता है। लेकिन यह भिन्न भी हो सकता है, उदाहरण के लिए, एक धीमी कथा या नृत्य-सुशोभित के समान। तीन-भाग के चक्र में, अंतिम, तीसरा भाग, अंतिम फिर से तेज़ होता है, आमतौर पर अधिक तेज़, लेकिन तुलना में विकास में कम आंतरिक रूप से तीव्र होता है पहले को. शास्त्रीय सोनाटा चक्रों (विशेष रूप से सिम्फनी) के समापन अक्सर भीड़ भरे उत्सव की मस्ती के चित्र चित्रित करते हैं, और उनके विषय एक-दूसरे के करीब होते हैं। लोक संगीत और नांचना। इस मामले में, रोंडो फॉर्म का अक्सर उपयोग किया जाता है (फ्रांसीसी "रोंडे" से - "सर्कल")। जैसा कि आप जानते हैं, यहां पहला खंड (बचाव) कई बार दोहराया जाता है, नए खंडों (एपिसोड) के साथ बारी-बारी से। 21 www.classON.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा उनका पहला ओपेरा? 3. शास्त्रीय शैली किस समय तक परिपक्व हुई और संगीत में शास्त्रीय शैली किस समय तक हावी रही? "क्लासिक" की दो परिभाषाओं के बीच अंतर स्पष्ट करें। 4. फ़्यूग्यू और सोनाटा फॉर्म के बीच सामान्य निर्माण में क्या समानता है? और उनके बीच मुख्य अंतर क्या है? 5. सोनाटा फॉर्म के मुख्य और अतिरिक्त अनुभागों का नाम बताइए। उसका चित्र बनाओ. 6. सोनाटा फॉर्म के मुख्य और पार्श्व हिस्से इसके प्रदर्शन और इसके पुनरुत्पादन में एक दूसरे से कैसे संबंधित हैं? 7. सोनाटा रूप में विकास की विशेषता क्या है? 8. शास्त्रीय सोनाटा चक्र के भागों का वर्णन करें। 9. कलाकारों की संरचना के आधार पर शास्त्रीय सोनाटा चक्रों के मुख्य प्रकारों के नाम बताइए। यह सब चार भाग वाले चक्रों के कई फाइनल को अलग करता है। लेकिन उनमें चरम भागों (प्रथम और चतुर्थ) के बीच में दो मध्य भाग रखे जाते हैं। एक - धीमा - सिम्फनी में आमतौर पर दूसरा होता है, और चौकड़ी में - तीसरा। 18वीं शताब्दी की शास्त्रीय सिम्फनी का तीसरा आंदोलन मिनुएट है, जो चौकड़ी में दूसरा स्थान लेता है। तो, हमने "सोनाटा", "चौकड़ी", "सिम्फनी" शब्दों का उल्लेख किया। इन चक्रों के बीच का अंतर कलाकारों की संरचना पर निर्भर करता है। एक विशेष स्थान सिम्फनी का है - ऑर्केस्ट्रा के लिए एक काम, जिसे कई श्रोताओं के सामने एक बड़े कमरे में बजाने के लिए डिज़ाइन किया गया है। इस अर्थ में, कॉन्सर्टो सिम्फनी के करीब है - ऑर्केस्ट्रा संगत के साथ एकल वाद्ययंत्र के लिए तीन-आंदोलन रचना। सबसे आम कक्ष वाद्य चक्र सोनाटा (एक या दो उपकरणों के लिए), तिकड़ी (तीन उपकरणों के लिए), चौकड़ी (चार उपकरणों के लिए), पंचक (पांच उपकरणों के लिए) 19 हैं। सोनाटा रूप और सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र, संगीत में संपूर्ण शास्त्रीय शैली की तरह, 18वीं शताब्दी में बने थे, जिसे "ज्ञानोदय का युग" (या "ज्ञानोदय का युग") कहा जाता है, साथ ही "युग" भी कहा जाता है। कारण का"। इस शताब्दी में, विशेष रूप से इसके उत्तरार्ध में, कई यूरोपीय देशों में तथाकथित "तीसरी संपत्ति" के प्रतिनिधियों को नामांकित किया गया था। ये वे लोग थे जिनके पास न तो कुलीन उपाधियाँ थीं और न ही आध्यात्मिक उपाधियाँ। उनकी सफलता का श्रेय उनके अपने काम और पहल को जाता है। उन्होंने "प्राकृतिक मनुष्य" के आदर्श की घोषणा की, जो स्वभाव से ही रचनात्मक ऊर्जा, उज्ज्वल दिमाग और गहरी भावनाओं से संपन्न था। यह आशावादी लोकतांत्रिक आदर्श संगीत और कला और साहित्य के अन्य रूपों में अपने तरीके से परिलक्षित हुआ। इसलिए, उदाहरण के लिए, ज्ञानोदय की शुरुआत में मानव मन और अथक हाथों की जीत को 1719 में प्रकाशन द्वारा महिमामंडित किया गया था। प्रसिद्ध उपन्यासअंग्रेजी लेखक डेनियल डेफो ​​की जिंदगी और रॉबिन्सन क्रूसो के अद्भुत कारनामे। जोसेफ हेडन 1732-1809 संगीत में शास्त्रीय शैली जोसेफ हेडन, वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट और लुडविग वान बीथोवेन के कार्यों में अपनी परिपक्वता और समृद्धि तक पहुंची। उनमें से प्रत्येक का जीवन और कार्य ऑस्ट्रिया की राजधानी वियना में एक लंबा समय बीता। इसलिए, हेडन, मोजार्ट और बीथोवेन को विनीज़ क्लासिक्स कहा जाता है। ऑस्ट्रिया एक बहुराष्ट्रीय साम्राज्य था। इसमें, ऑस्ट्रियाई लोगों के साथ, जिनकी मूल भाषा जर्मन है, हंगेरियन और चेक, सर्ब, क्रोएट सहित विभिन्न स्लाव लोग रहते थे। उनके गीत और प्रश्न और कार्य 1. 18वीं शताब्दी के कॉमिक ओपेरा की राष्ट्रीय किस्मों के नाम बताइए। इटालियन बफ़ा ओपेरा के निर्माण और फ़्रेंच कॉमिक ओपेरा के निर्माण के बीच क्या अंतर है? 2. महान ओपेरा सुधारक क्रिस्टोफ़ विलीबाल्ड ग्लक की गतिविधियाँ किन देशों और शहरों से जुड़ी थीं? उन्होंने किस कथानक पर अन्य कक्ष टुकड़ियों के नाम लिखे वाद्य चक्र- सेक्सेट (6), सेप्टेट (7), ऑक्टेट (8), नोनेट (9), डेसीमेट (10)। "चैम्बर संगीत" की परिभाषा इतालवी शब्द "कैमरा" - "कमरा" से आई है। 19वीं शताब्दी तक, कई वाद्ययंत्रों की रचनाएँ अक्सर घर पर ही प्रस्तुत की जाती थीं, अर्थात उन्हें "कमरे का संगीत" समझा जाता था। 19 22 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा, नृत्य की धुनें गांवों और शहरों दोनों में सुनी जा सकती हैं। वियना में, लोक संगीत हर जगह बजता था - केंद्र में और बाहरी इलाके में, सड़क चौराहों पर, सार्वजनिक उद्यानों और पार्कों में, रेस्तरां और पब में, अमीर और गरीब निजी घरों में। वियना पेशेवर संगीत संस्कृति का भी एक प्रमुख केंद्र था, जो शाही दरबार, कुलीनों के चैपल 1 और कुलीन सैलून, कैथेड्रल और चर्चों के आसपास केंद्रित था। ऑस्ट्रियाई राजधानी में, इतालवी ओपेरा सेरिया की खेती लंबे समय से की गई है; जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, इसकी शुरुआत यहीं हुई थी ओपेरा सुधारगड़बड़। दरबारी उत्सवों में संगीत प्रचुर मात्रा में होता था। लेकिन विनीज़ ने स्वेच्छा से संगीत के साथ मनोरंजक प्रहसन प्रदर्शनों में भाग लिया, जहाँ से सिंगशपिल्स का जन्म हुआ, और उन्हें नृत्य का बहुत शौक था। तीन महान विनीज़ में से संगीत क्लासिक्सहेडन सबसे उम्रदराज़ हैं। जब मोज़ार्ट का जन्म हुआ तब वह 24 वर्ष के थे और जब बीथोवेन का जन्म हुआ तब वह 38 वर्ष के थे। हेडन ने लंबा जीवन जिया। वह लगभग दो दशकों तक मोजार्ट से बचे रहे, जिनकी मृत्यु जल्दी हो गई थी और वह तब भी जीवित थे जब बीथोवेन ने पहले ही अपने अधिकांश परिपक्व कार्यों का निर्माण कर लिया था। निजी राजसी थिएटर के लिए, उन्होंने सेरिया, बफ़ा की शैलियों में दो दर्जन से अधिक ओपेरा लिखे, साथ ही कठपुतलियों द्वारा बजाए जाने वाले प्रदर्शन के लिए कई "कठपुतली" ओपेरा भी लिखे। लेकिन उनकी मुख्य रचनात्मक रुचियों और उपलब्धियों का क्षेत्र सिम्फोनिक और चैम्बर2 वाद्य संगीत है। कुल मिलाकर यह 800 से अधिक रचनाएँ हैं3। इनमें 100 से अधिक सिम्फनी, 80 से अधिक स्ट्रिंग चौकड़ी और 60 से अधिक क्लैवियर सोनाटा विशेष रूप से महत्वपूर्ण हैं। उनके परिपक्व नमूनों में सबसे बड़ी पूर्णता, चमक और मौलिकता, महान का आशावादी विश्वदृष्टिकोण है ऑस्ट्रियाई संगीतकार . केवल कभी-कभी यह उज्ज्वल रवैया एक उदास मनोदशा से उत्पन्न होता है। वे हमेशा हेडन के जीवन के प्रति अटूट प्रेम, गहन अवलोकन, हर्षित हास्य, सरल, स्वस्थ और साथ ही आसपास की वास्तविकता की काव्यात्मक धारणा से अभिभूत हो जाते हैं। जीवन पथ प्रारंभिक बचपन। रोरौ और हैनबर्ग। फ्रांज जोसेफ हेडन का जन्म 1732 में रोराउ गांव में हुआ था, जो पूर्वी ऑस्ट्रिया में, हंगरी की सीमा के पास और वियना से ज्यादा दूर नहीं था। हेडन के पिता एक कुशल प्रशिक्षक थे, उनकी माँ रोराउ के मालिक, काउंट की संपत्ति में रसोइया के रूप में काम करती थीं। उनके सबसे बड़े बेटे जोसेफ, जिन्हें परिवार में प्यार से ज़ेपरल कहा जाता था, माता-पिता ने जल्दी ही उन्हें मेहनती, सटीकता, स्वच्छता का आदी बनाना शुरू कर दिया। हेडन के पिता संगीत बिल्कुल नहीं जानते थे, लेकिन उन्हें खुद वीणा बजाकर गाना पसंद था, खासकर वीणा बजाते समय। एक छोटे से घर में मेहमान इकट्ठे हुए। ज़ेपरल ने स्पष्ट चांदी जैसी आवाज में गाया, जिससे संगीत के प्रति उनकी अद्भुत रुचि का पता चला। और जब लड़का केवल पाँच वर्ष का था, तो उसे पड़ोसी शहर हैनबर्ग में एक दूर के रिश्तेदार के पास भेज दिया गया, जो चर्च स्कूल और गाना बजानेवालों का नेतृत्व करता था। हैनबर्ग में, सेपरल ने पढ़ना, लिखना, गिनना, गाना बजानेवालों में गाना सीखा, और क्लैविकॉर्ड और वायलिन बजाने के कौशल में भी महारत हासिल करना शुरू कर दिया। लेकिन उनके लिए एक अजीब परिवार में रहना आसान नहीं था। कई वर्षों बाद, उन्हें याद आया कि तब उन्हें "भोजन से अधिक पिटाई" मिलती थी। जैसे ही ज़ेपरल हैनबर्ग पहुंचे, उन्हें संगीत के साथ उसी चर्च जुलूस में भाग लेने के लिए टिमपनी बजाना सीखने का आदेश दिया गया। लड़के ने एक छलनी ली, उसके ऊपर कपड़े का एक टुकड़ा खींचा और लगन से व्यायाम करने लगा। उन्होंने सफलतापूर्वक अपना कार्य पूरा किया। केवल जुलूस का आयोजन करते समय उन्हें एक बहुत छोटे व्यक्ति की पीठ पर एक वाद्य यंत्र लटकाना पड़ता था। और वह कूबड़ वाला था, जिससे दर्शकों में हंसी आ गई। वियना में सेंट स्टीफ़न कैथेड्रल के चैपल में। हैनबर्ग का दौरा करने के बाद, विनीज़ कैथेड्रल बैंडमास्टर और कोर्ट संगीतकार जॉर्ज रॉयटर ने उत्कृष्ट संगीत क्षमताओं की ओर ध्यान आकर्षित किया, हेडन एक ईमानदार आस्तिक थे। वह आध्यात्मिक ग्रंथों पर आधारित कई सामूहिक और अन्य गायन और वाद्य कार्यों के लेखक हैं। 23 www.classON.ru रूसी कला ज़ेपरल के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा। तो 1740 में, आठ वर्षीय हेडन ने खुद को ऑस्ट्रिया की राजधानी में पाया, जहां उन्हें सेंट स्टीफन के कैथेड्रल (मुख्य) कैथेड्रल के चैपल में एक गायक के रूप में स्वीकार किया गया था। यह मैं स्वयं कर रहा हूँ। स्वतंत्र जीवन की कठिन शुरुआत. जब, अठारह वर्ष की आयु तक, युवक की आवाज़ टूटने लगी - यह अस्थायी रूप से कर्कश हो गई और लचीलापन खो गया, तो उसे बेरहमी से और बेरहमी से चैपल से बाहर निकाल दिया गया। खुद को आश्रय और धन के बिना पाकर, वह भूख और ठंड से मर सकता था यदि उसे एक परिचित गायक द्वारा कुछ समय के लिए आश्रय नहीं दिया गया होता, जो छत के नीचे एक छोटे से कमरे में अपनी पत्नी और बच्चे के साथ रहता था। हेडन ने किसी पर भी कब्ज़ा करना शुरू कर दिया संगीत कार्य : नोट्स की नकल की, गायन में पेनी सबक दिया, क्लैवियर बजाना, स्ट्रीट वाद्य यंत्रों में एक वायलिन वादक के रूप में भाग लिया, जिसने शहरवासियों में से एक के सम्मान में रात में सेरेनेड प्रस्तुत किया। आख़िरकार, वह वियना के केंद्र में एक घर की छठी और आखिरी मंजिल पर एक छोटा कमरा किराए पर लेने में सक्षम हो गया। कमरे में हवा घुसी हुई थी, उसमें कोई स्टोव नहीं था, सर्दियों में पानी अक्सर जम जाता था। हेडन दस वर्षों तक ऐसी ही दुर्दशा में रहे। लेकिन उन्होंने हिम्मत नहीं हारी और पूरे उत्साह से अपनी पसंदीदा कला में लगे रहे। उन्होंने अपने बुढ़ापे को याद करते हुए कहा, "जब मैं अपने पुराने, कीड़े खाए हुए क्लेवियर के पास बैठा था," मैंने किसी भी राजा की खुशी से ईर्ष्या नहीं की। हेडन को उसके जीवंत, हंसमुख चरित्र से रोजमर्रा की कठिनाइयों पर काबू पाने में मदद मिली। एक बार, उदाहरण के लिए, रात में उन्होंने अपने साथी संगीतकारों को वियना की एक सड़क पर एकांत कोने में रखा, और उनके संकेत पर, सभी ने वही बजाया जो उन्हें पसंद था। परिणाम एक "बिल्ली संगीत कार्यक्रम" था, जिससे आसपास के निवासियों में हलचल मच गई। दो संगीतकार पुलिस के हत्थे चढ़ गए, लेकिन निंदनीय "सेरेनेड" के भड़काने वाले को प्रत्यर्पित नहीं किया गया। एक लोकप्रिय हास्य अभिनेता से परिचित होने के बाद, हेडन ने उनके साथ मिलकर सिंगस्पील "द लेम डेमन" की रचना की और थोड़ी सी धनराशि अर्जित की, जिससे उन्हें एक फुटमैन के रूप में सेवा मिली। धीरे-धीरे, हेडन को एक शिक्षक और संगीतकार दोनों के रूप में वियना में प्रसिद्धि मिलने लगी। वह प्रसिद्ध लोगों से मिले; संगीतकार और संगीत प्रेमी। एक प्रमुख अधिकारी के घर में, उन्होंने चैंबर कलाकारों की टुकड़ियों के प्रदर्शन में भाग लेना शुरू किया और अपने देश की संपत्ति में संगीत कार्यक्रमों के लिए अपनी पहली स्ट्रिंग चौकड़ी बनाई। और हेडन ने अपनी पहली सिम्फनी 1759 में लिखी, जब उन्हें अपने निपटान में एक छोटा ऑर्केस्ट्रा मिला, जो काउंट मोरज़िन के चैपल के प्रमुख बन गए। गिनती में केवल अविवाहित संगीतकारों को रखा गया। हेडन, जिसने एक विनीज़ हेयरड्रेसर की बेटी से शादी की थी, उसे इसे गुप्त रखने के लिए मजबूर किया गया था। लेकिन यह केवल 1760 तक जारी रहा, जब वियना में, शानदार इमारतों और स्थापत्य कलाकारों की टुकड़ी के साथ एक बड़ा सुंदर शहर, लड़के पर नए ज्वलंत छापों की लहर दौड़ गई। चारों ओर बहुराष्ट्रीय लोक संगीत बज रहा था। कैथेड्रल और शाही दरबार में, जहां गाना बजानेवालों ने भी प्रदर्शन किया, गंभीर गायन और वाद्य कार्य किए गए। लेकिन अस्तित्व की स्थितियाँ फिर से कठिन हो गईं। कक्षा में, रिहर्सल और प्रदर्शन में, गाना बजानेवालों के लड़के बहुत थक गए थे। उन्हें ख़राब खाना दिया जाता था, उन्हें लगातार आधा भूखा रखा जाता था। उन्हें उनकी शरारतों के लिए कड़ी सज़ा दी गई। लिटिल हेडन ने गायन, क्लैवियर और वायलिन बजाने की कला का परिश्रमपूर्वक अध्ययन करना जारी रखा और वह वास्तव में संगीत रचना करना चाहते थे। हालाँकि, रॉयटर ने इस पर कोई ध्यान नहीं दिया। अपने स्वयं के मामलों में बहुत व्यस्त, हेडन के चैपल में रहने के पूरे नौ वर्षों के दौरान, उन्होंने उसे रचना में केवल दो पाठ दिए। लेकिन जोसेफ ने अपने लक्ष्य का हठपूर्वक, लगन से पीछा किया। कुछ साल बाद उन्होंने "द न्यू लेम इम्प" नामक एक और गीत लिखा। 20 24 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा से काउंट के भौतिक मामले हिल गए और उन्होंने अपना चैपल भंग कर दिया। हेडन का विवाह असफल रहा। उनका चुना हुआ एक भारी, क्रोधी चरित्र से प्रतिष्ठित था। उन्हें अपने पति के रचना कार्यों में बिल्कुल भी दिलचस्पी नहीं थी - इस हद तक कि उन्होंने उनकी रचनाओं की पांडुलिपियों से पीट के लिए पेपिलोट्स और लाइनिंग बनाईं। कुछ साल बाद हेडन अपनी पत्नी से अलग रहने लगे। उनके कोई संतान नहीं थी. प्रिंसेस एस्टरहाज़ी के चैपल में। 1761 में एक धनी हंगेरियन; प्रिंस पाल एंटल एस्टरहाज़ी ने हेडन को वाइस-कपेलमिस्टर के रूप में ईसेनस्टेड में आमंत्रित किया। उसी क्षण से, एस्टरहाज़ी परिवार के साथ हेडन की सेवा शुरू हुई, जो पूरे तीन दशकों तक चली। पांच साल बाद, वह बैंडमास्टर बन गए - इस पद पर कार्यरत बुजुर्ग संगीतकार की मृत्यु के बाद। पाला अंतल के उत्तराधिकारी, जिनकी मृत्यु 1762 में हुई थी, विलासिता और महंगे मनोरंजन के प्रति अपनी प्रतिबद्धता से प्रतिष्ठित थे, उनके भाई मायक्लोश 1 को मैग्निफिसेंट उपनाम दिया गया था। कुछ साल बाद, उन्होंने अपने निवास को आइसेनस्टेड से 126 कमरों के एक नए देशी महल में स्थानांतरित कर दिया, इसके चारों ओर एक विशाल पार्क बनाया और इसका निर्माण किया ओपेरा थियेटर 400 सीटों और एक कठपुतली थिएटर के कारण, चैपल में संगीतकारों की संख्या में उल्लेखनीय वृद्धि हुई। इसमें काम करने से हेडन को अच्छा वित्तीय समर्थन मिला, और इसके अलावा - अपने नए कार्यों के आर्केस्ट्रा प्रदर्शन को निर्देशित करते हुए, बहुत कुछ लिखने और तुरंत अभ्यास में खुद को परखने का अवसर मिला। एस्टरहाज़ में (जैसा कि नई रियासत का निवास कहा जाता था), अक्सर भीड़ भरे स्वागत समारोह आयोजित किए जाते थे, जिनमें अक्सर उच्च रैंकिंग वाले विदेशी मेहमानों की भागीदारी होती थी। इसके कारण, हेडन का काम धीरे-धीरे ऑस्ट्रिया के बाहर भी जाना जाने लगा। लेकिन जैसा कि वे कहते हैं, इस सब में सिक्के का दूसरा पहलू भी था। जब उन्होंने सेवा में प्रवेश किया, तो हेडन ने एक अनुबंध पर हस्ताक्षर किए, जिसके अनुसार वह एक प्रकार का संगीत सेवक बन गए। राजकुमार के आदेशों को सुनने के लिए, उसे रोजाना, रात के खाने से पहले और बाद में, पाउडर विग और सफेद मोज़ा में महल के सामने उपस्थित होना पड़ता था। अनुबंध ने हेडन को तत्काल "कोई भी संगीत जो उनके आधिपत्य की इच्छा हो, लिखने के लिए बाध्य किया, किसी को भी नई रचनाएँ नहीं दिखाने के लिए, और इससे भी अधिक किसी को उन्हें लिखने की अनुमति नहीं देने के लिए, बल्कि उन्हें केवल उनके आधिपत्य के लिए और उनकी जानकारी और अनुग्रह के बिना रखने के लिए बाध्य किया। किसी के लिए कुछ भी रचना न करने की अनुमति।" इसके अलावा, हेडन को चैपल में व्यवस्था और संगीतकारों के व्यवहार का निरीक्षण करना, गायकों को सबक देना और वाद्ययंत्रों और नोट्स की सुरक्षा के लिए जिम्मेदार होना आवश्यक था। वह किसी महल में नहीं बल्कि पड़ोस के गाँव में एक छोटे से घर में रहता था। आइसेनस्टेड से, रियासत का दरबार सर्दियों में वियना चला जाता था। और एस्टरहाज़ी से, हेडन कभी-कभी राजकुमार के साथ या विशेष अनुमति से ही राजधानी में आ सकते थे। ईसेनस्टेड और एस्टरहेज़ में बिताए कई वर्षों में, हेडन एक नौसिखिया संगीतकार से एक महान संगीतकार बन गए, जिनका काम उच्च कलात्मक पूर्णता तक पहुंच गया और न केवल ऑस्ट्रिया में, बल्कि इसकी सीमाओं से परे भी मान्यता प्राप्त हुई। तो, छह "पेरिस सिम्फनीज़" (नंबर 82-87) फ्रांस की राजधानी से आदेश द्वारा उनके द्वारा लिखे गए थे, जहां उन्होंने 1786 में सफलतापूर्वक प्रदर्शन किया था। हेडन की वियना में वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट के साथ मुलाकात 1780 के दशक की है। मैत्रीपूर्ण मेल-मिलाप का दोनों महान संगीतकारों के काम पर लाभकारी प्रभाव पड़ा। समय के साथ, हेडन को अपनी आश्रित स्थिति के बारे में अधिक से अधिक जानकारी होने लगी। 1790 के पूर्वार्द्ध में वियना में एस्टरहाज़ी के मित्रों को लिखे गए उनके पत्रों में, ऐसे वाक्यांश हैं: "अब - मैं अपने जंगल में बैठा हूँ - परित्यक्त - एक गरीब अनाथ की तरह - लगभग लोगों की संगति के बिना - उदास .. एस्टरहाज़ी के अंतिम राजकुमारों के पास विशाल संपत्ति थी, उनके पास कई नौकर थे और वे अपने महलों में शाही जीवन जीते थे। विशेष 25 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा मुझे कई दिनों तक नहीं पता था कि मैं बैंडमास्टर हूं या बैंडलीडर... हर समय गुलाम बने रहना दुखद है...» में एक नया मोड़ भाग्य। इंग्लैण्ड की यात्राएँ। 1790 की शरद ऋतु में मिक्लोस एस्टरहाज़ी की मृत्यु हो गई। वह एक प्रबुद्ध संगीत प्रेमी थे, तार वाले वाद्ययंत्र बजाते थे और हेडन जैसे "संगीत सेवक" की अपने तरीके से सराहना नहीं कर सकते थे। राजकुमार ने उसे वसीयत में आजीवन बड़ी पेंशन दी। संगीत के प्रति उदासीन मिकलोस के उत्तराधिकारी एंटल ने चैपल को बर्खास्त कर दिया। लेकिन यह चाहते हुए कि प्रसिद्ध संगीतकार उनके कोर्ट बैंडमास्टर बने रहें, उन्होंने हेडन को नकद भुगतान भी बढ़ा दिया, जो इस प्रकार, आधिकारिक कर्तव्यों से मुक्त हो गए और खुद को पूरी तरह से निपटाने में सक्षम हो गए। हेडन संगीत रचना के इरादे से वियना चले गए, और पहले तो उन्होंने अन्य देशों की यात्रा के प्रस्तावों को ठुकरा दिया। लेकिन फिर वह इंग्लैंड की लंबी यात्रा करने के प्रस्ताव पर सहमत हो गए और 1791 की शुरुआत में लंदन पहुंचे। इस प्रकार, अपने साठवें जन्मदिन के करीब आते हुए, हेडन ने पहली बार अपनी आँखों से समुद्र देखा और पहली बार खुद को किसी अन्य राज्य में पाया। ऑस्ट्रिया के विपरीत, जो अभी भी अपने तरीकों से सामंती-कुलीन था, इंग्लैंड लंबे समय से एक बुर्जुआ देश था, और लंदन में संगीत सहित सामाजिक जीवन वियना से बहुत अलग था। लंदन में, कई औद्योगिक और वाणिज्यिक उद्यमों वाला एक विशाल शहर, संगीत कार्यक्रम कुलीनों के महलों और सैलून में आमंत्रित चुनिंदा व्यक्तियों के लिए नहीं, बल्कि सार्वजनिक हॉलों में आयोजित किए जाते थे, जहां हर कोई शुल्क लेकर आता था। इंग्लैंड में हेडन का नाम पहले से ही महिमा की आभा से घिरा हुआ था। प्रसिद्ध संगीतकारों और उच्च पदस्थ व्यक्तियों दोनों ने उनके साथ न केवल एक समान व्यवहार किया, बल्कि विशेष सम्मान भी दिया। उनके नए काम, जिनके प्रदर्शन में उन्होंने एक कंडक्टर के रूप में काम किया, उत्साहपूर्वक मिले और उन्हें उदारतापूर्वक भुगतान किया गया। हेडन ने 40-50 लोगों का एक बड़ा ऑर्केस्ट्रा आयोजित किया, जो कि एस्टरहाज़ी चैपल के आकार का दोगुना था। ऑक्सफ़ोर्ड विश्वविद्यालय ने उन्हें डॉक्टर ऑफ़ म्यूज़िक की मानद उपाधि से सम्मानित किया। हेडन डेढ़ साल बाद वियना लौट आए। रास्ते में उन्होंने जर्मन शहर बॉन का दौरा किया। वहां उनकी पहली मुलाकात युवा लुडविग वान बीथोवेन से हुई, जो जल्द ही हेडन के साथ अध्ययन करने के इरादे से वियना चले गए। लेकिन बीथोवेन ने लंबे समय तक उनसे सबक नहीं लिया। उम्र और स्वभाव में बहुत भिन्न, दो संगीत प्रतिभाओं को तब वास्तविक आपसी समझ नहीं मिली। हालाँकि, बीथोवेन ने प्रकाशन के दौरान अपने तीन पियानो सोनाटा (नंबर 1-3) हेडन को समर्पित किए। हेडन की इंग्लैंड की दूसरी यात्रा 1794 में शुरू हुई और डेढ़ साल से कुछ अधिक समय तक चली। सफलता फिर से विजयी रही। निर्मित अनेक कार्यों से; इन यात्राओं के दौरान और उनके संबंध में, बारह तथाकथित "लंदन सिम्फनीज़" विशेष रूप से महत्वपूर्ण थीं। जीवन और रचनात्मकता के अंतिम वर्ष। एस्टरहाज़ी के अगले राजकुमार, मिकलोस द्वितीय को अपने पूर्ववर्ती की तुलना में संगीत में अधिक रुचि थी। इसलिए, हेडन ने कभी-कभी वियना से ईसेनस्टेड तक दौड़ना शुरू कर दिया और राजकुमार के आदेश पर कई जनसमूह लिखे। हाल के वर्षों के संगीतकार की मुख्य रचनाएँ - दो स्मारकीय भाषण "द क्रिएशन ऑफ़ द वर्ल्ड" और "द सीज़न्स" - वियना में बड़ी सफलता के साथ प्रदर्शित की गईं (एक 1799 में, दूसरी 1801 में)। प्राचीन अराजकता का चित्रण, जिससे दुनिया फिर उत्पन्न होती है, पृथ्वी का निर्माण, पृथ्वी पर जीवन का जन्म और मनुष्य का निर्माण - ऐसी पहली वक्ता की सामग्री है। दूसरे भाषण के चार भाग ("स्प्रिंग", "ग्रीष्म", "ऑटम", "विंटर") ग्रामीण प्रकृति और किसान जीवन के सुविचारित संगीतमय रेखाचित्रों से बने हैं। 26 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा 1803 के बाद हेडन ने और कुछ नहीं रचा। उन्होंने गौरव और सम्मान से घिरे हुए चुपचाप अपना जीवन व्यतीत किया। हेडन की मृत्यु 1809 के वसंत में, नेपोलियन युद्धों के चरम पर, जब फ्रांसीसी ने वियना में प्रवेश किया। सेलो और डबल बेस। वुडविंड वाद्ययंत्रों के समूह में बांसुरी, ओबो, शहनाई और बेसून शामिल हैं 21. हेडन के पीतल के वाद्ययंत्रों का समूह सींग और तुरही से बना है, और उन्होंने ताल वाद्ययंत्रों से केवल टिमपनी का उपयोग किया और केवल अंतिम, बारहवीं लंदन सिम्फनी में उन्होंने एक त्रिकोण जोड़ा , झांझ और एक ड्रम। प्रश्न एवं कार्य 1 . किन तीन महान संगीतकारों को विनीज़ संगीत क्लासिक्स कहा जाता है? ऐसी परिभाषा क्या बताती है? 2. 18वीं शताब्दी में वियना के संगीतमय जीवन के बारे में बताएं। 3. हेडन के काम में मुख्य संगीत शैलियों का नाम बताइए। 4. हेडन का बचपन और युवावस्था कहाँ और कैसे गुजरी? 5. हेडन ने अपनी स्वतंत्र यात्रा कैसे शुरू की? 6..प्रिंसेस एस्टरहाज़ी के चैपल में अपनी सेवा के दौरान हेडन का जीवन और कार्य कैसे आगे बढ़ा? 7. हमें हेडन की इंग्लैंड यात्राओं और उनकी यात्राओं के बारे में बताएं हाल के वर्षज़िंदगी। सिम्फोनिक कार्य जब 1759 में हैडनउन्होंने अपनी पहली सिम्फनी लिखी, इस शैली में कई रचनाएँ पहले से मौजूद थीं और बनाई जाती रहीं। वे इटली, जर्मनी, ऑस्ट्रिया और अन्य यूरोपीय देशों में उभरे। उदाहरण के लिए, 18वीं सदी के मध्य में, जर्मन शहर मैनहेम में, जहां उस समय का सबसे अच्छा ऑर्केस्ट्रा था, रचना और प्रदर्शन की जाने वाली सिम्फनी ने सामान्य प्रसिद्धि प्राप्त की। तथाकथित "मैनहेम स्कूल" के रचनाकारों में कई चेक थे। सिम्फनी के पूर्वजों में से एक तीन-भाग वाला इतालवी ओपेरा ओवरचर है (टेम्पो के अनुसार भागों के अनुपात के साथ: "त्वरित-धीमी-त्वरित"।)। प्रारंभिक ("पूर्व-शास्त्रीय") सिम्फनी में, भविष्य की शास्त्रीय सिम्फनी का मार्ग अभी भी प्रशस्त हो रहा था, पहचानजो आलंकारिक सामग्री और रूप की पूर्णता का महत्व बन गया। इस रास्ते पर चलते हुए, हेडन 1780 के दशक में अपनी परिपक्व सिम्फनी तक पहुंचे। और उसी समय, अभी भी बहुत युवा मोजार्ट की परिपक्व सिम्फनी दिखाई दी, जो आश्चर्यजनक रूप से तेजी से कलात्मक महारत की ऊंचाइयों तक आगे बढ़ रही थी। मोजार्ट की असामयिक मृत्यु के बाद, हेडन ने अपनी लंदन सिम्फनीज़ बनाई, जिसने इस शैली में उनकी उपलब्धियों को ताज पहनाया, जिससे उन्हें गहरा सदमा लगा। हेडन की परिपक्व सिम्फनी में, चार-आंदोलन चक्र की निम्नलिखित विशिष्ट संरचना स्थापित की गई थी: सोनाटा रूपक, धीमी गति, मिनुएट और समापन (आमतौर पर रोंडो या सोनाटा रूपक के रूप में)। साथ ही, वाद्ययंत्रों के चार समूहों से ऑर्केस्ट्रा की शास्त्रीय रचना इसकी मुख्य विशेषताओं में निर्धारित की गई थी। अग्रणी समूह - स्ट्रिंग. इसमें वायलिन, वायलास शामिल हैं, हेडन ने हमेशा शहनाई का उपयोग नहीं किया। यहां तक ​​कि उनकी लंदन सिम्फनीज़ में भी, वे केवल पांच (बारह में से) में दिखाई देते हैं। 21 27 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा इस सिम्फनी को "मिलिट्री" के नाम से जाना जाता है। हेडन की कुछ अन्य सिम्फनी के नाम भी हैं। ज्यादातर मामलों में, वे स्वयं संगीतकार द्वारा नहीं दिए जाते हैं और केवल एक विवरण को चिह्नित करते हैं, अक्सर सचित्र, उदाहरण के लिए, सिम्फनी "चिकन" या "टिकिंग" के धीमे भाग में क्लकिंग की नकल - सिम्फनी के धीमे भाग में " घंटे"। एफ-शार्प माइनर में सिम्फनी के साथ एक विशेष कहानी जुड़ी हुई है, जिसे "फेयरवेल" नाम दिया गया था। इसमें एक अतिरिक्त पाँचवाँ भाग है (अधिक सटीक रूप से, कोडा प्रकार का एक एडैगियो)। इसके प्रदर्शन के दौरान, ऑर्केस्ट्रा के सदस्य एक-एक करके अपने कंसोल पर मोमबत्तियाँ बुझाते हैं, अपने वाद्ययंत्र लेते हैं और चले जाते हैं। केवल दो वायलिन वादक बचे हैं, जो चुपचाप और उदासी से आखिरी बार बजाते हैं और चले भी जाते हैं। इसके लिए निम्नलिखित स्पष्टीकरण है. मानो एक बार गर्मियों में, प्रिंस मिकलोस प्रथम ने एस्टरहाज़ में अपने चैपल के संगीतकारों को सामान्य से अधिक समय तक विलंबित किया। और वे ईसेनस्टेड में रहने वाले अपने परिवारों से मिलने के लिए जल्द से जल्द छुट्टी लेना चाहते थे। और फेयरवेल सिम्फनी के असामान्य दूसरे समापन ने इन परिस्थितियों के संकेत के रूप में कार्य किया। सिम्फनीज़ के अलावा, हेडन के पास ऑर्केस्ट्रा के लिए कई अन्य कार्य हैं, जिनमें सौ से अधिक व्यक्तिगत मिनट शामिल हैं। और अचानक सब कुछ खुशी से बदल जाता है: सोनाटा रूपक की प्रदर्शनी शुरू हो जाती है। के बजाय धीमी गति - तेज (एलेग्रो कॉन स्पिरिटो - "जल्दी, उत्साह के साथ"), भारी बास यूनिसन के बजाय - एक उच्च रजिस्टर में जी और ए-फ्लैट की समान ध्वनियों से, मोबाइल का पहला मकसद, संक्रामक रूप से हर्षित, नृत्य विषय मुख्य भाग का जन्म होता है। इस विषय के सभी रूपांकन, मुख्य कुंजी में बताए गए, पहली ध्वनि की पुनरावृत्ति के साथ शुरू होते हैं - जैसे कि एक उत्कट रौंदने के साथ: ई-फ्लैट प्रमुख में सिम्फनी यह हेडन की बारह "लंदन सिम्फनीज़" में से ग्यारहवीं है। इसकी मुख्य कुंजी ई-फ्लैट मेजर है। इसे "टिम्पनी ट्रैमोलो सिम्फनी" 22 के रूप में जाना जाता है। सिम्फनी चार गतियों में है। पहला भाग धीमे परिचय के साथ शुरू होता है। टॉनिक से जुड़े टिमपनी का ट्रेमोलो ("अंश") धीरे-धीरे बजता है। यह दूर की गड़गड़ाहट की तरह है। फिर परिचय का विषय ही चिकने चौड़े "आगे" में सामने आता है। सबसे पहले, इसे सेलो, डबल बेस और बेसून द्वारा ऑक्टेव यूनिसन में बजाया जाता है। ऐसा लगता है मानो कुछ रहस्यमयी परछाइयाँ चुपचाप तैर रही हों, कभी-कभी रुक भी जाती हों। यहां वे झिझकते हैं और रुक जाते हैं: परिचय के अंतिम उपायों में, पड़ोसी ध्वनियों जी और ए-फ्लैट पर एकसमान कई बार वैकल्पिक होते हैं, जिससे कान को उम्मीद करने के लिए मजबूर होना पड़ता है - आगे क्या होगा? थीम को पियानो स्ट्रिंग वाद्ययंत्रों द्वारा दो बार दोहराया जाता है, जो पूरे ऑर्केस्ट्रा में बजने वाली नृत्य मस्ती की जंगली गर्जना से पूरित होता है। यह गड़गड़ाहट तेजी से फैलती है, और कनेक्टिंग भाग में रहस्य का एक संकेत फिर से दिखाई देता है। टोनल स्थिरता टूट गई है. बी-फ्लैट मेजर (ई-फ्लैट मेजर का प्रमुख) में एक मॉड्यूलेशन है - साइड भाग की कुंजी। कनेक्टिंग भाग में कोई नया विषय नहीं है, लेकिन टिमपनी के विषय का मूल मकसद सुनाई देता है - गोलार्ध जिनके ऊपर त्वचा फैली हुई है, जिन पर दो छड़ियों से वार किया जाता है। प्रत्येक गोलार्ध केवल एक पिच की ध्वनि उत्पन्न कर सकता है। शास्त्रीय सिम्फनी में आमतौर पर टॉनिक और डोमिनेंट से जुड़े दो गोलार्धों का उपयोग किया जाता है। 22 28 www.classON.ru मुख्य भाग की रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा और परिचय के विषय का एक दूर का अनुस्मारक: प्रदर्शनी पार्श्व भाग (बी-फ्लैट प्रमुख) की कुंजी की पुष्टि के साथ समाप्त होती है। प्रदर्शनी दोहराई जाती है, और विकास अनुसरण करता है। यह मुख्य भाग के विषय से अलग किए गए रूपांकनों के पॉलीफोनिक अनुकरण और टोनल-हार्मोनिक विकास से संतृप्त है। साइड गेम का विषय विकास के अंत की ओर प्रकट होता है। यह पूरी तरह से डी-फ्लैट मेजर की कुंजी में किया जाता है, मुख्य कुंजी से बहुत दूर, यानी, यह एक नई, असामान्य रोशनी में दिखाई देता है। और एक दिन (फ़र्माटा के साथ एक सामान्य विराम के बाद) परिचय के रहस्यमय विषय के स्वर भी बास में दिखाई देते हैं। विकास मुख्य रूप से पियानो और पियानिसिमो लगता है, और केवल कभी-कभी - फोर्टे और फोर्टिसिमो अलग-अलग सफ़ोरज़ांडो लहजे के साथ। इससे रहस्य का आभास बढ़ता है। अपने विकास में मुख्य पार्टी की थीम के रूपांकन कभी-कभी एक शानदार नृत्य से मिलते जुलते हैं। कोई कल्पना कर सकता है कि यह कुछ रहस्यमय रोशनी का नृत्य है, जो कभी-कभी चमकती है। ई-फ्लैट मेजर की कुंजी में पुनरावृत्ति में, न केवल मुख्य भाग, बल्कि पार्श्व भाग भी दोहराया जाता है, और बाइंडर को छोड़ दिया जाता है। कोड में कुछ रहस्य दिखाई देता है। इसकी शुरुआत, परिचय की तरह, एडैगियो टेम्पो, एक शांत टिमपनी ट्रेमोलो और धीमी एकसमान चाल के साथ होती है। लेकिन जल्द ही, पहले भाग के अंत में, तेज़ गति, तेज़ ध्वनि और हर्षित नृत्य "स्टॉम्पिंग" वापस आ जाता है। सिम्फनी का दूसरा भाग - एन्डांटे - दो विषयों पर एक भिन्नता है - सी माइनर में गीत और सी मेजर में गीत-मार्चिंग। इन तथाकथित दोहरे रूपों का निर्माण इस प्रकार है: पहले और दूसरे विषयों की रूपरेखा तैयार की जाती है, फिर अनुसरण किया जाता है: पहले विषय का पहला रूपांतर, दूसरे विषय का पहला रूपांतर, पहले विषय का दूसरा रूपांतर, दूसरा दूसरे विषय की सामग्री के आधार पर दूसरे विषय और कोड में भिन्नता। आज तक, शोधकर्ता पहले विषय की राष्ट्रीयता के बारे में बहस करते हैं। क्रोएशियाई संगीतकारों का मानना ​​है कि यह अपनी विशेषताओं के संदर्भ में एक क्रोएशियाई लोक गीत है, जबकि हंगेरियन संगीतकारों का मानना ​​है कि यह एक हंगेरियन गीत है। सर्ब, बुल्गारियाई, पोल्स भी इसमें अपनी राष्ट्रीय विशेषताएं पाते हैं। इस विवाद को निश्चितता के साथ हल नहीं किया जा सकता है, क्योंकि पार्श्व भाग की ऐसी थीम की रिकॉर्डिंग फिर से एक हर्षित नृत्य है। लेकिन मुख्य पार्टी की तुलना में, वह इतनी ऊर्जावान नहीं है, बल्कि अधिक सुंदर, स्त्री है। वायलिन पर राग ओबो के साथ बजता है। एक विशिष्ट वाल्ट्ज संगत इस विषय को लैंडर के करीब लाती है - एक ऑस्ट्रियाई और दक्षिण जर्मन नृत्य, वाल्ट्ज के पूर्वजों में से एक: 29 www.classON.ru पुराने राग और उसके शब्दों की रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा नहीं मिली। जाहिर है, कई स्लाविक और हंगेरियन धुनों की विशेषताएं इसमें विलीन हो गई हैं; ऐसा, विशेष रूप से, एक संवर्धित दूसरे (ई-फ्लैट - फ़ैडीज़) के लिए एक अजीब चाल है: दूसरे विषय की विविधताएं वीर मार्चिंग ट्रेड को फिर से शुरू करती हैं, जो कि उत्कृष्ट मार्ग - बांसुरी की कृपा से अलंकृत है। और एक बड़े कोड में, "संगीत कार्यक्रमों" के विकास में अप्रत्याशित मोड़ आते हैं। सबसे पहले, मार्चिंग थीम एक सौम्य, पारदर्शी ध्वनि में बदल जाती है। फिर बिंदीदार लय के साथ उससे पृथक एक रूपांकन तीव्रता से विकसित होता है। इससे ई-फ्लैट मेजर की टोन अचानक सामने आ जाती है, जिसके बाद मार्च थीम का अंतिम अंश सी मेजर में उज्ज्वल और गंभीर रूप से सुनाई देता है। सिम्फनी का तीसरा भाग - मिनुएट - मूल रूप से एक उच्च-समाज नृत्य की गरिमामय चाल को राग में मनमौजी व्यापक छलांग और समन्वय के साथ जोड़ता है: एक मंत्र और दूसरा, मार्चिंग प्रमुख विषय। पहले के साथ तुलना करते हुए, इसके साथ ही इसमें कुछ समानता भी है - एक चौथी लय, राग की एक आरोही और फिर अवरोही दिशा और एक उन्नत चौथा चरण (फैडीज़): यह सनकी विषय एक सहज, शांत गति से शुरू होता है तिकड़ी में - मीनू का मध्य खंड, पहले खंड और उसके सटीक दोहराव के बीच स्थित है23: पियानो और पियानिसिमो स्ट्रिंग वाद्ययंत्रों द्वारा पहले विषय का प्रदर्शन एक इत्मीनान से वर्णन की तरह है, जैसे कुछ असामान्य घटनाओं के बारे में एक कहानी की शुरुआत। इनमें से पहले को दूसरे, मार्चिंग थीम की अचानक तेज़ प्रस्तुति के साथ प्रस्तुत किया जा सकता है, जिसमें स्ट्रिंग समूह में पवन वाद्ययंत्र जोड़े जाते हैं। प्रथम विषय के पहले रूपांतर में कथात्मक स्वर बरकरार रखा गया है। लेकिन शोकपूर्ण और सावधान गूँज उसकी आवाज़ में शामिल हो जाती है। दूसरे विषय के पहले संस्करण में, एकल वायलिन मनमौजी पैटर्न वाले अंशों के साथ राग को रंग देता है। पहले विषय के दूसरे संस्करण में, कथन अचानक एक तूफानी, उत्तेजित चरित्र पर ले जाता है (टिमपानी सहित सभी उपकरणों का उपयोग किया जाता है)। दूसरे में, मिनुएट (या बल्कि, उनके चरित्र के संदर्भ में इसके अत्यंत सूक्ष्म रूप से विचित्र खंड) लोक और रोजमर्रा के विषयों के साथ विरोधाभासी है, एक तरफ, सिम्फनी के पहले और दूसरे भाग, और दूसरी तरफ, इसके अंतिम, चौथा भाग - समापन। यहां, जैसा कि शास्त्रीय सोनाटा रूपक में होना चाहिए, प्रदर्शनी में मुख्य भाग ई-फ्लैट मेजर की मुख्य कुंजी में प्रस्तुत किया गया है, पार्श्व भाग बी-फ्लैट मेजर की प्रमुख कुंजी में है, और दोनों के पुनरुत्पादन में वे ई-फ्लैट मेजर में ध्वनि करते हैं। हालाँकि, पार्श्व भाग में, लंबे समय तक, आर्केस्ट्रा कार्यों का मध्य भाग आमतौर पर तीन उपकरणों द्वारा किया जाता था। यहीं से "तिकड़ी" नाम आता है। 23 30 www.classON.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा पूरी तरह से प्रकट होती है नया विषय . यह मुख्य पार्टी की थीम की सामग्री पर बनाया गया है। फ्रांसीसी शब्द "रोंडे" से लिया गया है, जिसका अर्थ है "वृत्त" या "गोल नृत्य"। प्रश्न एवं कार्य 1 . हेडन और मोजार्ट अपनी परिपक्व सिम्फनी की रचना करने के लिए कब आए? 2. हेडन सिम्फनी में आमतौर पर कौन से भाग होते हैं? हेडन के ऑर्केस्ट्रा में वाद्ययंत्रों के समूहों के नाम बताइए। 3. आप हेडन की सिम्फनी के कौन से शीर्षक जानते हैं? 4. ई-फ्लैट मेजर में हेडन की सिम्फनी को "ट्रेमोलो या टॉरस के साथ" क्यों कहा जाता है? यह किस अनुभाग से प्रारंभ होता है? 5. इस सिम्फनी के पहले आंदोलन में सोनाटा फॉर्म के मुख्य विषयों का वर्णन करें। 6. सिम्फनी का दूसरा भाग किस रूप में और किन विषयों पर लिखा गया था? 7. तीसरे भाग के मुख्य विषयों एवं अनुभागों का वर्णन करें। 8. समापन में मुख्य और पार्श्व भागों के विषयों के बीच सहसंबंध की ख़ासियत क्या है? सिम्फनी के पहले भाग और उसके समापन में संगीत के चरित्र के बीच क्या संबंध है? इस प्रकार, यह पता चलता है कि संपूर्ण समापन एक ही विषय पर आधारित है। संगीतकार, जैसे कि एक जटिल खेल में, या तो विषय को पूरी तरह से फिर से शुरू करता है, या कुशलता से इसके वेरिएंट और व्यक्तिगत तत्वों को जोड़ता है। और वह अपने आप में दिलचस्प है। आखिरकार, इसमें सबसे पहले एक हार्मोनिक आधार दिखाई देता है - दो सींगों की तथाकथित "सुनहरी चाल" - शिकार सींगों का एक विशिष्ट संकेत। और तभी इस आधार पर क्रोएशियाई लोक गीतों के करीब एक नृत्य राग लगाया जाता है। इसकी शुरुआत एक ध्वनि पर "स्टॉम्पिंग" से होती है और भविष्य में यह मकसद कई बार दोहराया जाता है, नकल किया जाता है, एक आवाज से दूसरी आवाज में ले जाया जाता है। यह पहले आंदोलन के मुख्य विषय के प्रारंभिक रूपांकन और वहां इसे कैसे विकसित किया गया है, की याद दिलाता है। इसके अलावा, संगीतकार ने फाइनल में उसी गति का संकेत दिया - एलेग्रो कॉन स्पिरिटो। इस प्रकार, समापन में, एक हर्षित लोक नृत्य का तत्व अंततः राज करता है। लेकिन यहां इसका एक विशेष चरित्र है - यह एक जटिल गोल नृत्य जैसा दिखता है, एक समूह नृत्य जिसमें नृत्य को गीत और खेल क्रिया के साथ जोड़ा जाता है। इसकी पुष्टि इस तथ्य से भी होती है कि प्रदर्शनी में मुख्य भाग को मुख्य कुंजी में दो अतिरिक्त बार दोहराया जाता है - एक छोटे संक्रमणकालीन प्रकरण के बाद और एक पार्श्व भाग के बाद। अर्थात्, ऐसा लगता है कि यह फिर से शुरू हो गया है, एक सर्कल में एक आंदोलन बना रहा है। और यह रोन्डो रूप की विशेषताओं को सोनाटा रूप में प्रस्तुत करता है। शब्द "रोंडो", जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, क्लैवियर रचनात्मकता जब हेडन ने अपने क्लैवियर कार्यों का निर्माण किया, तो पियानो ने धीरे-धीरे संगीत अभ्यास से हार्पसीकोर्ड और क्लैविकॉर्ड की जगह ले ली। हेडन ने अपनी शुरुआती रचनाएँ इन प्राचीन कीबोर्ड उपकरणों के लिए लिखीं, और बाद के संस्करणों में उन्होंने "हार्पसीकोर्ड या पियानो के लिए" और अंत में, कभी-कभी केवल "पियानो के लिए" इंगित करना शुरू किया। उनके शानदार कार्यों में सबसे महत्वपूर्ण स्थान एकल सोनाटा का है। पहले, यह माना जाता था कि हेडन के पास उनमें से केवल 52 थे। लेकिन फिर, शोधकर्ताओं की खोज के लिए धन्यवाद, यह संख्या बढ़कर 62 हो गई। उनमें से सबसे प्रसिद्ध डी मेजर और ई माइनर24 में सोनाटा हैं। डी मेजर में सोनाटा मुख्य भाग का विषय, जो इस सोनाटा के पहले भाग से शुरू होता है, बच्चों की तरह शरारती सप्तक छलांग, अनुग्रह नोट्स, मोर्डेंट्स और ध्वनियों की पुनरावृत्ति के साथ खुशी और उत्साह से भरा एक नृत्य है। इस तरह के संगीत की कल्पना एक ओपेराबफ़ा में बजाए जाने के रूप में भी की जा सकती है: पहले के संस्करणों में, ये सोनाटा "नंबर 37" और "नंबर 34" के रूप में मुद्रित होते हैं, और बाद के संस्करणों में "नंबर 50" और "नंबर 53" के रूप में मुद्रित होते हैं। . 24 31 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा लेकिन फिर मुख्य भाग से शरारती छलांग पार्श्व भाग के विषय के विकास में प्रवेश करती है, और फिर - कनेक्टिंग भाग से उधम मचाते हुए आंदोलन। यह अधिक तनावपूर्ण, व्यापक हो जाता है, और अचानक तुरंत शांत हो जाता है - जैसे कि किसी तात्कालिक निर्णय से। उसके बाद, प्रदर्शनी एक बेपरवाह नृत्य वाली अंतिम पार्टी के साथ समाप्त होती है। विकास में एक बार फिर हलचल तेज हो गई है। यहां सप्तक मुख्य भाग के विषय से कूदकर अंदर चला जाता है बायां हाथ , वे और भी अधिक शरारती हो जाते हैं, और मार्ग आंदोलन प्रदर्शनी में पार्श्व भाग के विषय के विकास की तुलना में और भी अधिक तनाव और व्यापक दायरे तक पहुँच जाता है। पुनरावृत्ति में, मुख्य कुंजी (डी मेजर) में पार्श्व और अंतिम भागों की ध्वनि एक हर्षित मनोदशा के प्रभुत्व को मजबूती से स्थापित करती है। सबसे मजबूत कंट्रास्ट को संक्षिप्त दूसरे आंदोलन द्वारा सोनाटा में पेश किया गया है, जो धीमा और चरित्र में संयमित है। इसे डी माइनर में इसी नाम की कुंजी में लिखा गया है। संगीत में सरबंदे की भारी धुन सुनाई देती है - एक पुराना नृत्य, जो अक्सर अंतिम संस्कार के जुलूस का रूप धारण कर लेता है। और ट्रिपलेट्स और बिंदीदार लयबद्ध आंकड़ों के साथ अभिव्यंजक मधुर विस्मयादिबोधक में हंगेरियन जिप्सियों की शोकपूर्ण धुनों के साथ समानता है: सोलहवें के हर्षित, उधम मचाते मार्ग लिंकिंग पार्टी को भर देते हैं। और पार्श्व भाग का विषय (ए मेजर की कुंजी में) भी नृत्य योग्य है, केवल अधिक संयमित, सुरुचिपूर्ण: 32 www.classON.ru ई माइनर में रूसी कला सोनाटा के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा। उन्होंने लगन से इसके लिए तैयारी की, लेकिन एस्टरहाज़ी चैपल में अपने आधिकारिक कर्तव्यों के कारण वह इसे पूरा नहीं कर सके। यह संभव है कि दूर की "विदेशी" यात्रा के सपने और उनसे जुड़े अनुभव उस समय उभरे ई माइनर सोनाटा में प्रतिबिंबित हुए हों। यह हेडन द्वारा रचित कुछ छोटे सोनाटाओं में से एकमात्र है जहां पहले आंदोलन में एक स्पष्ट गीतात्मक चरित्र को बहुत तेज गति के साथ जोड़ा गया है। इस आंदोलन के मुख्य भाग का विषय, जिसके साथ सोनाटा शुरू होता है, भी अजीब है: लेकिन हेडन की आशावादी कला में, मृत्यु की उदास छवियां हमेशा जीवन की उज्ज्वल छवियों से दूर हो जाती हैं। और इस सोनाटा का डी माइनर दूसरा भाग, टॉनिक पर नहीं, बल्कि प्रमुख राग पर समाप्त होता है, सीधे तेज डी प्रमुख समापन 25 से गुजरता है। समापन एक रोंडो के रूप में बनाया गया है, जहां मुख्य विषय - रिफ्रेन ( डी मेजर की मुख्य कुंजी में) - तीन बार दोहराया जाता है, और इसकी पुनरावृत्ति के बीच बदलते खंड होते हैं - एपिसोड: पहला एपिसोड डी माइनर में है, और दूसरा - जी मेजर में है। यहां, केवल पहले, डी माइनर एपिसोड में, शोकपूर्ण यादें फिसल जाती हैं - मध्य भाग की एक प्रतिध्वनि। जी मेजर में दूसरा एपिसोड, पहले से ही लापरवाही से हर्षित है और एक ही नोट पर दाएं और बाएं हाथों की एक कॉमिक "रोल कॉल" की ओर ले जाता है। और समापन का मुख्य विषय उड़ना और नृत्य करना (रोन्डो को रोकना) हेडन के सबसे हर्षोल्लास में से एक है: विषय के शुरुआती वाक्यांश यहां दो तत्वों के संयोजन से बने हैं। बास में, बाएं हाथ में, पियानो एक छोटे टॉनिक ट्रायड पर चलता है - जैसे कहीं दूर जाने के लिए कॉल। और वहीं दाहिने हाथ में कांपना, मानो संदेह करना, ढुलमुल इरादे-जवाब का अनुसरण करना। थीम की सामान्य गति नरम, लहरदार, लहराती हुई है। इसके अलावा, पहले आंदोलन का आकार - 6/8 - बारकारोल शैली का विशिष्ट है - "पानी पर गाने"26। लिंकिंग भाग में, ई माइनर के समानांतर जी मेजर में एक मॉड्यूलेशन होता है - साइड और अंतिम भागों की कुंजी। कनेक्टिंग और अंतिम भाग, सोलहवीं के गतिशील अंशों से भरे हुए, साइड भाग को फ्रेम करते हैं - हल्का, स्वप्निल। यह इतालवी शब्द "अटाका सबिटो इल फिनाले" द्वारा इंगित किया गया है, जिसका अर्थ है "तुरंत समापन शुरू करना।" प्रारंभ में, विनीशियन गोंडोलियर्स के गीतों को बारकारोल्स कहा जाता था। शैली का नाम इतालवी शब्द "बार्का" - "नाव" से आया है। 25 26 33 www.classON.ru कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा रूस मानो ऊपर की ओर बढ़ रहा हो: प्रकृति, संकेतों की ध्वनि के साथ, मानो वापसी यात्रा के लिए बुला रही हो, हृदय हर्षित चिंता में शुरू होने लगा! और यहां, तार परिवर्तन के बाद, तीसरे आंदोलन (अंतिम) का मुख्य विषय प्रकट होता है। यह रोन्डो फॉर्म का खंडन है जिसमें फिनाले लिखा गया है। यह एक प्रेरित गीत की तरह दिखता है जो "पूरी तरह से" अपनी मूल भूमि पर जाने में मदद करता है: तो, समापन में रोंडो फॉर्म की योजना इस प्रकार है: रिफ्रेन (ई माइनर), पहला एपिसोड (ई मेजर) , रिफ्रेन (ई माइनर), दूसरा एपिसोड (ई मेजर), रिफ्रेन (ई माइनर)। दोनों प्रसंग राग से तथा एक दूसरे से मधुर आत्मीयता से जुड़े हुए हैं। जब लिंकिंग, द्वितीयक और अंतिम भाग बजते हैं, तो कल्पना आकर्षक छवियां खींचती है - कितनी स्वतंत्र हवा बहती है, कितनी खुशी से तेज गति से आगे बढ़ती है। इसके अलावा, मुख्य, कनेक्टिंग और अंतिम भागों की सामग्री पर निर्मित विकास में, छोटी कुंजियों में विचलन प्रबल होता है। मुख्य में, अर्थात्, प्रमुख नहीं, बल्कि गौण स्वर, द्वितीयक और अंतिम भाग जो पुनरावृत्ति में अधिक विस्तृत ध्वनि बन गए हैं। फिर भी, अज्ञात दूरी में प्रयास करने से दुःख और आध्यात्मिक संदेह अंततः पराजित हो जाते हैं। पहले आंदोलन की अंतिम पट्टियों का यही अर्थ है, जहां मुख्य पार्टी के विषय की आह्वानात्मक शुरुआत उल्लेखनीय रूप से दोहराई गई है। सोनाटा का दूसरा भाग, धीमा, जी मेजर में, एक प्रकार का वाद्य अरिया है, जो हल्के चिंतनशील मूड से ओत-प्रोत है। उसका हल्का रंगतुरा पक्षियों के चहचहाने, बड़बड़ाती धाराओं की गूँज से भरा है: प्रश्न और कार्य 1. हेडन के क्लैवियर संगीत की मुख्य शैली का नाम बताइए। उनके कितने सोनाटा ज्ञात हैं? 2. डी मेजर में सोनाटा के पहले आंदोलन के मुख्य खंडों का वर्णन करें। क्या इस भाग में मुख्य और पार्श्व भागों के बीच कोई संबंध है? 3. डी मेजर में सोनाटा का दूसरा आंदोलन संगीत में क्या विरोधाभास लाता है? इसका समापन से क्या संबंध है? 4. ई माइनर में सोनाटा के पहले भाग के मुख्य भाग की संरचना और विषय की प्रकृति की विशेषताओं के बारे में बताएं। इस भाग के बाकी विषयों और अनुभागों को परिपक्व करें और उनका वर्णन करें। 5. ई माइनर में सोनाटा के दूसरे आंदोलन का चरित्र क्या है? 6. ई माइनर में सोनाटा के समापन के स्वरूप और इसके मुख्य विषय की प्रकृति के बारे में बताएं। प्रमुख कार्य 100 से अधिक सिम्फनी (104) विभिन्न वाद्ययंत्रों और ऑर्केस्ट्रा के लिए संगीत कार्यक्रमों की श्रृंखला 80 से अधिक चौकड़ी (दो वायलिन, वायोला और सेलो के लिए) (83) 62 क्लैवियर सोनाटा क्रिएशन और सीज़न्स ऑरेटोरियो 24 ओपेरा स्कॉटिश और आयरिश गीतों की व्यवस्था हालाँकि, कोई फर्क नहीं पड़ता कहीं दूर, गर्भ में कितना मधुर शांतिपूर्ण विश्राम है 34 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा कई शैलियों में लिखी गई है - उनकी सिम्फनी, वाद्य संगीत कार्यक्रम, विभिन्न कक्ष समूह, पियानो सोनाटा, गाना बजानेवालों के लिए रिक्वेम, एकल कलाकार और ऑर्केस्ट्रा। मोजार्ट की असामान्य रूप से प्रारंभिक और तेजी से विकसित अभूतपूर्व प्रतिभा ने उसके नाम के इर्द-गिर्द निर्माण किया; पौराणिक "संगीत चमत्कार" का प्रभामंडल। उज्ज्वल विशेषता; उन्हें नाटक ("छोटी त्रासदी") "मोजार्ट और सालियरी" में ए.एस. पुश्किन द्वारा एक प्रेरित कलाकार के रूप में दिया गया था। इसके अनुसार, एन. ए. रिमस्की कोर्साकोव द्वारा इसी नाम का ओपेरा लिखा गया था 27. मोजार्ट पी. आई. त्चैकोव्स्की का पसंदीदा संगीतकार था 28. वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट 1756-1791 जीवन पथ परिवार। बचपन। वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट का जन्मस्थान, जिनका जन्म जनवरी 1756 में हुआ था, ऑस्ट्रियाई शहर साल्ज़बर्ग है। यह तेज़ साल्ज़ाच नदी के पहाड़ी तटों पर सुरम्य रूप से फैला हुआ है, जिसने आल्प्स की पूर्वी तलहटी में अपना रास्ता बना लिया है। साल्ज़बर्ग एक छोटी रियासत की राजधानी थी, जिसके शासक को एक आर्चबिशप की आध्यात्मिक गरिमा प्राप्त थी। वोल्फगैंग अमाडेस के पिता लियोपोल्ड मोजार्ट ने उनके चैपल में सेवा की थी। वह एक गंभीर और उच्च शिक्षित संगीतकार थे - एक विपुल संगीतकार, वायलिन वादक, ऑर्गेनिस्ट और शिक्षक। उनके द्वारा प्रकाशित "स्कूल ऑफ़ वायलिन प्लेइंग" का वितरण रूस सहित कई देशों में किया गया। लियोपोल्ड और उनकी पत्नी अन्ना मारिया के सात बच्चों में से केवल दो ही जीवित बचे थे - सबसे छोटा बेटा वोल्फगैंग अमाडेस और बेटी मारिया अन्ना (नैनेरल), जो बड़ी थी! भाई साढ़े चार साल तक. जब उनके पिता ने नाननेरल, जिनके पास उत्कृष्ट क्षमता थी, को हार्पसीकोर्ड बजाना सिखाना शुरू किया, तो उन्होंने जल्द ही तीन वर्षीय वोल्फगैंग के साथ अध्ययन करना शुरू कर दिया, उसके बेहतरीन कान और अद्भुत संगीत स्मृति को देखते हुए, चार साल तक लड़का पहले ही कोशिश कर चुका था। संगीत लिखें, और उनके पहले जीवित हार्पसीकोर्ड टुकड़े उनके पिता द्वारा रिकॉर्ड किए गए थे, जब लेखक केवल पांच वर्ष का था। एक कहानी है कि कैसे चार वर्षीय वोल्फगैंग ने एक क्लैवियर कॉन्सर्टो की रचना करने की कोशिश की। कलम के साथ, उन्होंने अपनी उंगलियाँ स्याही के कुएँ में डुबोईं और संगीत पत्र पर दाग लगा दिए। जब मेरे पिता ने इस बचकानी रिकॉर्डिंग को देखा, तो धब्बों के माध्यम से उन्हें इसमें निस्संदेह संगीतमय सार्थकता का पता चला। सबसे महान संगीत प्रतिभाओं में से एक, ऑस्ट्रियाई संगीतकार वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट केवल 35 वर्ष तक जीवित रहे। इनमें से उन्होंने तीस वर्षों तक संगीत रचना की और 600 से अधिक कृतियों की विरासत छोड़कर विश्व कला के स्वर्ण कोष में अमूल्य योगदान दिया। मोजार्ट के जीवनकाल के दौरान उसके रचनात्मक उपहार का सबसे विश्वसनीय, उच्चतम मूल्यांकन उसके वरिष्ठ समकालीन जोसेफ हेडन ने दिया था। "...आपका बेटा," उन्होंने एक बार वोल्फगैंग अमाडेस के पिता से कहा था, " महानतम संगीतकारजिन्हें मैं व्यक्तिगत रूप से और नाम से जानता हूँ; उसके पास स्वाद है, और इसके अलावा, रचना में सबसे बड़ा ज्ञान है। हेडन और मोजार्ट का संगीत, जिसे विनीज़ क्लासिक्स कहा जाता है, आम तौर पर दुनिया की एक आशावादी सक्रिय-प्रभावी धारणा है, उनकी काव्यात्मक उदात्तता और गहराई के साथ भावनाओं को व्यक्त करने में सादगी और स्वाभाविकता का संयोजन है। वहीं, उनकी कलात्मक रुचियों में भी काफी अंतर है। हेडन लोक-रोज़मर्रा और गीतात्मक-महाकाव्य छवियों के करीब है, और मोजार्ट के - वास्तव में गीतात्मक और गीतात्मक-नाटकीय। मोजार्ट की कला किसी व्यक्ति के भावनात्मक अनुभवों के प्रति अपनी संवेदनशीलता के साथ-साथ विभिन्न मानवीय पात्रों के अवतार में सटीकता और जीवंतता के कारण विशेष रूप से लुभावना है। इसने उसे महान बना दिया ओपेरा संगीतकार. उनके ओपेरा, और सबसे बढ़कर द मैरिज ऑफ फिगारो, डॉन जियोवानी और द मैजिक फ्लूट, को सभी संगीत थिएटरों के मंच पर मंचित करते हुए तीसरी शताब्दी तक अपरिवर्तित सफलता मिली है। विश्व कॉन्सर्ट प्रदर्शनों की सूची में सबसे सम्मानजनक स्थानों में से एक पर मोजार्ट के कार्यों का कब्जा है। यह संस्करण कि सालिएरी ने मोजार्ट को ईर्ष्या से जहर दिया था, केवल एक किंवदंती है। त्चिकोवस्की ने चार का आयोजन किया पियानो के टुकड़े मोजार्ट और उनसे सुइट "मोजार्टियाना" संकलित किया गया। 27 28 35 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा एक वायलिन संगीत कार्यक्रम का प्रदर्शन करेगी... रूमाल से ढके कीबोर्ड पर खेलें और साथ ही अगर यह उसकी आंखों के सामने होगा, तो दूर से वह सभी का नाम बताएगा ध्वनियाँ जो एक-एक करके या तारों में उन्हें क्लैवियर या किसी अन्य उपकरण पर ले जाया जाएगा या वस्तुओं द्वारा प्रकाशित किया जाएगा - एक घंटी, एक गिलास, एक घड़ी। अंत में, वह न केवल हार्पसीकोर्ड पर, बल्कि ऑर्गन पर भी, जब तक दर्शक चाहेंगे, सुधार करेगा, और किसी भी, यहां तक ​​कि सबसे कठिन, चाबियों में भी, जिसे वे उसे कहते हैं ... ”पहली संगीत यात्राएं। लियोपोल्ड मोजार्ट ने अपने प्रतिभाशाली बच्चों के साथ प्रमुख संगीत केंद्रों की संगीत यात्राएं शुरू करने का फैसला किया। पहली यात्रा - जर्मन शहर म्यूनिख की - 1762 की शुरुआत में हुई, जब वोल्फगैंग मुश्किल से छह साल का था। छह महीने बाद मोजार्ट परिवार वियना चला गया। वहाँ, वोल्फगैंग और नाननेरल ने शाही दरबार में प्रदर्शन किया, उन्हें ज़बरदस्त सफलता मिली और उन पर उपहारों की बौछार की गई। 1763 की गर्मियों में मोजार्ट ने पेरिस और लंदन की एक बड़ी यात्रा की। लेकिन पहले उन्होंने कई जर्मन शहरों का दौरा किया, और वापस जाते समय - फिर पेरिस में, साथ ही एम्स्टर्डम, द हेग, जिनेवा और कई अन्य शहरों में भी गए। छोटे मोजार्ट्स, विशेष रूप से वोल्फगैंग के प्रदर्शन ने हर जगह आश्चर्य और प्रशंसा जगाई, यहां तक ​​कि सबसे शानदार शाही दरबारों में भी। उस समय के रिवाज के अनुसार, वोल्फगैंग एक कढ़ाई वाले काले सूट और एक पाउडर विग में एक महान दर्शकों के सामने आया, लेकिन साथ ही उसने पूरी तरह से बचकानी सहजता के साथ व्यवहार किया, उदाहरण के लिए, वह महारानी के सामने अपने घुटनों के बल कूद सकता था। . लगातार 4-5 घंटे तक चलने वाले संगीत कार्यक्रम छोटे संगीतकारों के लिए बहुत थका देने वाले होते थे और जनता के लिए यह एक तरह के मनोरंजन में बदल जाते थे। यहाँ घोषणाओं में से एक में कहा गया है: "... बारहवें वर्ष में एक लड़की और सातवें वर्ष में एक लड़का हार्पसीकोर्ड पर एक संगीत कार्यक्रम खेलेंगे ... इसके अलावा, लड़का 36 www.classON.ru बच्चों का रूसी कला के क्षेत्र में शिक्षा संगीत कार्यक्रम का दौरा तीन साल से अधिक समय तक जारी रहा और वोल्फगैंग को कई तरह के प्रभाव मिले। उन्होंने बड़ी संख्या में वाद्य और गायन रचनाएँ सुनीं, कुछ उत्कृष्ट संगीतकारों से मुलाकात की (लंदन में - जोहान सेबेस्टियन बाख के सबसे छोटे बेटे, जोहान क्रिश्चियन के साथ)। प्रदर्शनों के बीच, वोल्फगैंग ने उत्साहपूर्वक रचना का अध्ययन किया। पेरिस में, वायलिन और हार्पसीकोर्ड के लिए उनके चार सोनाटा प्रिंट से बाहर आए, जिससे पता चला कि ये सात साल के लड़के की कृतियाँ थीं। लंदन में उन्होंने अपनी पहली सिम्फनी लिखी। साल्ज़बर्ग लौटें और वियना में रहें। पहला ओपेरा. 1766 के अंत में पूरा परिवार साल्ज़बर्ग लौट आया। वोल्फगैंग ने अपने पिता के मार्गदर्शन में व्यवस्थित रूप से रचना तकनीक में संलग्न होना शुरू किया। मोज़ार्ट ने पूरा 1768 वियना में बिताया। थिएटर के साथ एक अनुबंध के तहत, बारह वर्षीय वोल्फगैंग ने इतालवी मॉडलों का अनुसरण करते हुए तीन महीने में बफ़ा ओपेरा द इमेजिनरी सिंपल गर्ल लिखी। रिहर्सल शुरू हुई, लेकिन प्रदर्शन स्थगित होने लगा और फिर पूरी तरह से रद्द कर दिया गया (शायद ईर्ष्यालु लोगों की साज़िशों के कारण)। यह अगले वर्ष ही साल्ज़बर्ग में हुआ। वियना में, वोल्फगैंग ने पांच सिम्फनी सहित संगीत के कई अन्य टुकड़ों की भी रचना की, और एक नए चर्च के अभिषेक में अपना पवित्र मास सफलतापूर्वक आयोजित किया। इटली की यात्राएँ. 1769 के अंत से 1773 की शुरुआत तक, वोल्फगैंग अमाडेस ने अपने पिता के साथ इटली की तीन लंबी यात्राएँ कीं। इस "संगीत की भूमि" में, युवा मोजार्ट ने रोम, नेपल्स, मिलान, फ्लोरेंस सहित एक दर्जन से अधिक शहरों में बड़ी सफलता के साथ प्रदर्शन किया। उन्होंने अपनी सिम्फनी का संचालन किया, हार्पसीकोर्ड, वायलिन और ऑर्गन बजाया, दिए गए विषयों पर तात्कालिक सोनाटा और फ्यूग्यूज़, दिए गए ग्रंथों पर एरियास, दृष्टि से कठिन कार्यों को उत्कृष्ट रूप से बजाया और उन्हें अन्य कुंजियों में दोहराया। दो बार उन्होंने बोलोग्ना का दौरा किया, जहां कुछ समय के लिए उन्होंने प्रसिद्ध शिक्षक - सिद्धांतकार और संगीतकार पाद्रे मार्टिनी से शिक्षा ली। कठिन परीक्षा (जटिल पॉलीफोनिक तकनीकों का उपयोग करके एक पॉलीफोनिक रचना लिखने के बाद) को शानदार ढंग से पास करने के बाद, चौदह वर्षीय मोजार्ट को एक विशेष अपवाद के रूप में बोलोग्ना फिलहारमोनिक अकादमी का सदस्य चुना गया था। और चार्टर के अनुसार, केवल संगीतकार जो बीस वर्ष की आयु तक पहुँच चुके थे और इस आधिकारिक संस्थान में प्रारंभिक प्रवास का अनुभव रखते थे, उन्हें इसमें अनुमति दी गई थी। रोम में, वेटिकन (पोप निवास) 29 में सिस्टिन चैपल का दौरा करते हुए, मोजार्ट ने एक बार 17वीं शताब्दी के इतालवी संगीतकार ग्रेगोरियो एलेग्री द्वारा दो गायकों के लिए एक बड़ी पॉलीफोनिक आध्यात्मिक रचना सुनी। इस कार्य को पोप की संपत्ति माना जाता था और इसकी प्रतिलिपि बनाने या वितरित करने की अनुमति नहीं थी। लेकिन मोजार्ट ने पूरे जटिल कोरल स्कोर को स्मृति से लिख लिया, और पोप कोरिस्टर ने रिकॉर्डिंग की सटीकता की पुष्टि की। इटली - न केवल संगीत के लिए, बल्कि ललित कला और वास्तुकला के लिए भी एक महान देश - ने मोजार्ट को प्रचुर मात्रा में कलात्मक छापें दीं। वह विशेष रूप से ओपेरा हाउसों में जाकर आकर्षित हुए। युवक ने इतालवी ओपेरा शैली में इतनी महारत हासिल कर ली कि उसने थोड़े ही समय में तीन ओपेरा लिखे, जिनका बाद में मिलान में बड़ी सफलता के साथ मंचन किया गया। ये दो ओपेरा-श्रृंखला हैं - "मिथ्रिडेट्स, पोंटस के राजा" और "लुसियस सुल्ला" - और पौराणिक कथानक पर एक देहाती ओपेरा "अल्बा में एस्केनियो"30। वियना, म्यूनिख, मैनहेम, पेरिस की यात्राएँ। शानदार रचनात्मक और संगीत कार्यक्रम की सफलता के बावजूद, वोल्फगैंग अमाडेस इतालवी राज्यों के किसी भी शासक के दरबार में सेवा पाने में असफल रहा। मुझे साल्ज़बर्ग लौटना पड़ा। यहां, मृत आर्चबिशप के स्थान पर, एक नए, अधिक निरंकुश और असभ्य शासक ने शासन किया। मोज़ार्ट के लिए, जो उनकी सेवा में थे, नई यात्राओं के लिए छुट्टी प्राप्त करना अधिक कठिन हो गया। और ओपेरा हाउस, जिसके लिए मोजार्ट रचना करना चाहता था, साल्ज़बर्ग में उपलब्ध नहीं था, और संगीत गतिविधि के अन्य अवसर सीमित थे। दोनों संगीतकारों के लिए वियना की यात्रा केवल इस तथ्य के कारण संभव हो सकी कि साल्ज़बर्ग आर्कबिशप स्वयं ऑस्ट्रिया की राजधानी का दौरा करना चाहते थे। अनिच्छा से, उन्होंने मोज़ार्ट को यात्रा करने की अनुमति भी दी; म्यूनिख, जहां युवा संगीतकार के नए ओपेरा बफ़ा का मंचन किया गया था। और अगली यात्रा के लिए केवल वोल्फगैंग अमाडेस को बड़ी मुश्किल से अनुमति मिल पाई। उनके पिता को साल्ज़बर्ग में रहने के लिए मजबूर किया गया, और उनकी माँ अपने बेटे के साथ चली गईं। पहला लंबा पड़ाव जर्मन शहर मैनहेम में हुआ। यहां वोल्फगैंग अमाडेस और अन्ना मारिया का तत्कालीन प्रसिद्ध सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के नेताओं में से एक, पूर्व-शास्त्रीय मैनहेम संगीतकार स्कूल के एक प्रतिनिधि ने अपने घर में गर्मजोशी से स्वागत किया। मैनहेम में, मोजार्ट की रचना माइकल एंजेलो सहित इतालवी कलाकारों ने की। 30 पोंटस साम्राज्य काला सागर पर एक प्राचीन राज्य है, मुख्य रूप से वर्तमान तुर्की तट ("पोंट एक्सिनस", यानी, "मेहमाननवाज समुद्र", काले सागर का प्राचीन ग्रीक नाम)। लूसियस सुल्ला एक प्राचीन यूनानी सैन्य और राजनीतिक व्यक्ति हैं। पास्टोरल (इतालवी शब्द "पादरी" से - "चरवाहा") एक कथानक के साथ एक काम है जो प्रकृति की गोद में जीवन को आदर्श बनाता है। सिस्टिन चैपल - घर का चर्चवेटिकन में पोप; इसे 15वीं शताब्दी में पोप सिक्सटस IV के तहत बनाया गया था। चैपल की दीवारों और छत को बड़े पैमाने पर चित्रित किया गया है 29 37 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा, पहले से ही परिपक्व संगीत शैली द्वारा चिह्नित कई काम, ज्यादातर वाद्ययंत्र। लेकिन वोल्फगैंग अमाडेस के लिए यहां भी कोई स्थाई नौकरी की वैकेंसी नहीं थी. 1778 के वसंत में, मोजार्ट और उसकी माँ पेरिस पहुंचे। हालाँकि, वहाँ वास्तविक पहचान पाने और प्रमुख स्थान पाने की उम्मीदें पूरी नहीं हुईं। फ्रांस की राजधानी में, चमत्कारिक बच्चा, यह प्रतीत होता है कि जीवित खिलौना, पहले ही भुला दिया गया है, और वे युवा संगीतकार की समृद्ध प्रतिभा को पहचानने में असफल रहे। मोज़ार्ट न तो संगीत कार्यक्रमों के आयोजन में, न ही ओपेरा के लिए ऑर्डर प्राप्त करने में भाग्यशाली नहीं था। वह पाठों से दयनीय आय पर रहते थे, थिएटर के लिए वह केवल एक छोटे बैले "ट्रिंकेट" के लिए संगीत लिख सकते थे। उनकी कलम से नए उल्लेखनीय कार्य सामने आए, लेकिन तब उन्होंने अपनी ओर गंभीरता से ध्यान आकर्षित नहीं किया। और वोल्फगैंग की गर्मियों में अमेडियस को भारी दुःख का सामना करना पड़ा: उसकी माँ बीमार पड़ गई और मर गई। सर्वप्रथम अगले वर्ष मोजार्ट साल्ज़बर्ग लौट आया। ओपेरा आइडोमेनियो। आर्चबिशप से नाता तोड़ो और वियना चले जाओ। मोजार्ट के लिए आने वाले वर्षों की सबसे महत्वपूर्ण घटनाएँ म्यूनिख में क्रेते के राजा, ओपेरा इडोमेनियो का निर्माण और मंचन थीं, जो इसकी बड़ी सफलता थी। यहां इतालवी ओपेरा सेरिया के सर्वोत्तम गुणों को ग्लुक के ऑपरेटिव सुधार के सिद्धांतों के साथ जोड़ा गया था। इसने मोजार्ट की विशद मौलिक ओपेरा कृतियों के उद्भव का मार्ग प्रशस्त किया। ...यह 1781 था। मोजार्ट 25 साल का है. वे नये रचनात्मक विचारों से परिपूर्ण साढ़े तीन सौ कृतियों के लेखक हैं। और साल्ज़बर्ग आर्चबिशप के लिए, वह केवल एक संगीत सेवक है, जिसे अभिमानी और निरंकुश स्वामी अधिक से अधिक प्रताड़ित और अपमानित करता है, उसे लोगों के कमरे में "रसोइयों से ऊपर, लेकिन कमीने से नीचे" मेज पर बैठने के लिए मजबूर करता है, उसे अनुमति नहीं देता है बिना अनुमति के कहीं भी जाना, न ही कहीं प्रदर्शन करना। मोजार्ट के लिए यह सब असहनीय हो गया और उसने अपना इस्तीफा सौंप दिया। आर्चबिशप ने दो बार उसे शाप और अपमान देकर मना कर दिया और उसके दल ने संगीतकार को बेरहमी से दरवाजे से बाहर निकाल दिया। लेकिन आध्यात्मिक आघात का अनुभव करने के बाद भी वह अपने निर्णय पर दृढ़ रहे। मोजार्ट पहले महान संगीतकार थे जिन्होंने दरबारी संगीतकार की आर्थिक रूप से सुरक्षित लेकिन आश्रित स्थिति को गर्व से तोड़ दिया। वियना: पिछला दशक। मोजार्ट वियना में बस गये। केवल कभी-कभार ही उन्होंने कुछ समय के लिए ऑस्ट्रिया की राजधानी छोड़ी, उदाहरण के लिए, प्राग में अपने ओपेरा डॉन जियोवानी के पहले उत्पादन के सिलसिले में या जर्मनी में दो संगीत कार्यक्रमों के दौरान। 1782 में उन्होंने कॉन्स्टेंस वेबर से शादी की, जो अपने हंसमुख स्वभाव और संगीतमयता से प्रतिष्ठित थीं। एक के बाद एक, बच्चे पैदा हुए (लेकिन छह में से चार बच्चे के रूप में ही मर गए)। अपने शानदार संगीत के कलाकार के रूप में संगीत कार्यक्रम के प्रदर्शन से, रचनाओं के प्रकाशन और ओपेरा की प्रस्तुतियों से मोजार्ट की कमाई अनियमित थी। इसके अलावा, मोजार्ट, एक दयालु, भरोसेमंद और अव्यवहारिक व्यक्ति होने के कारण, यह नहीं जानता था कि पैसे के मामलों को विवेकपूर्ण तरीके से कैसे प्रबंधित किया जाए। 1787 के अंत में कोर्ट चैंबर संगीतकार के अल्प वेतन वाले पद पर नियुक्ति, जिसे केवल नृत्य संगीत रचने का निर्देश दिया गया था, ने उसे पैसे की अक्सर अनुभव होने वाली आवश्यकता से नहीं बचाया। इन सबके बावजूद, दस विनीज़ वर्षों में, मोजार्ट ने ढाई सौ से अधिक नई रचनाएँ बनाईं। उनमें से कई शैलियों में उनकी सबसे चमकदार कलात्मक उपलब्धियाँ चमकीं। मोजार्ट की शादी के वर्ष में, उनके सिंगस्पील द एबडक्शन फ्रॉम द सेराग्लियो, स्पार्कलिंग का वियना में बड़ी सफलता के साथ मंचन किया गया था; हास्य31. और ओपेरा-बफा "द मैरिज ऑफ फिगारो", मूल रूप से; "जॉली ड्रामा" "डॉन जुआन" और ओपेरा परी कथा "मैजिक फ्लूट" की शैली, जो पिछले विनीज़ वर्षों में उत्पन्न हुई, संबंधित हैं सबसे ऊँची चोटियाँ, संपूर्ण संगीत थिएटर द्वारा हासिल किया गया! उसकी कहानी। मोजार्ट ने 1788 की गर्मियों में उनकी तीन बेहतरीन सिम्फनी लिखीं, जो आखिरी साबित हुईं, जिसमें जी माइनर (नंबर 40) की सिम्फनी भी शामिल है। उसी दशक में, संगीतकार की कई अन्य वाद्य रचनाएँ सामने आईं - चार-भाग वाला आर्केस्ट्रा "लिटिल नाइट सेरेनेड", कई पियानो कॉन्सर्टो, सोनाटा और विभिन्न चैम्बर पहनावा। मोजार्ट ने अपनी छह स्ट्रिंग चौकड़ी हेडन को समर्पित की, जिनके साथ उनके मधुर संबंध थे। मैत्रीपूर्ण संबंध . इन वर्षों के दौरान मोजार्ट ने बड़ी रुचि के साथ बाख और हैंडेल के कार्यों का अध्ययन किया। मोजार्ट का सबसे हालिया काम रिक्विम है, जो गाना बजानेवालों, एकल कलाकारों और ऑर्केस्ट्रा के लिए मृतकों के लिए एक प्रार्थना सभा है। जुलाई 1791 में, इसे एक ऐसे व्यक्ति ने संगीतकार को ऑर्डर किया था जो अपना नाम नहीं बताना चाहता था। यह रहस्यमय लग रहा था, निराशाजनक पूर्वाभास को जन्म दे सकता था। कुछ साल बाद ही यह पता चला कि ऑर्डर एक विनीज़ काउंट से आया था जो किसी और का काम खरीदना चाहता था और उसे अपना बताना चाहता था। गंभीर रूप से बीमार मोजार्ट रिक्विम को पूरी तरह से पूरा करने में असमर्थ था। इसे संगीतकार के एक छात्र द्वारा ड्राफ्ट के अनुसार पूरा किया गया था। एक कहानी है कि महान संगीतकार की मृत्यु की पूर्व संध्या पर, जो 5 दिसंबर, 1791 की रात को हुई, दोस्तों ने उनके साथ अभी भी अधूरे काम के कुछ हिस्से गाए। रिक्विम में शोकपूर्ण डिजाइन के अनुसार, मोजार्ट के संगीत की प्रेरित गीतात्मक और नाटकीय अभिव्यक्ति ने एक विशेष उदात्तता और गंभीरता हासिल कर ली। धन की कमी के कारण, मोजार्ट को 31 32 सेराग्लियो - अमीर पूर्वी रईसों के घरों में आधी महिला - के लिए एक आम कब्र में दफनाया गया था। लैटिन शब्द "requiem" का अर्थ "शांति" है। 38 www.classON.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा ख़राब है, और उनके दफ़नाने का सही स्थान अज्ञात है। सुज़ाना के लिए, काउंटेस ने अपनी पोशाक पहनी थी। अपनी पत्नी से शर्मिंदा होकर, अल्माविवा अब फिगारो और सुज़ाना को अपनी शादी का जश्न मनाने से नहीं रोकने के लिए मजबूर है, जो सभी प्रकार की अप्रत्याशित घटनाओं से भरा एक "पागल दिन" खुशी और खुशी से समाप्त होता है। ओपेरा एक ऐसे ओवरचर से शुरू होता है जिसने काफी लोकप्रियता हासिल की है और इसे अक्सर सिम्फनी कॉन्सर्ट 34 में प्रदर्शित किया जाता है। कई अन्य ओवरचर के विपरीत, यह ओवरचर उन विषयों का उपयोग नहीं करता है जो ओपेरा में ही सुनाई देते हैं। यहां आगामी कार्रवाई की सामान्य मनोदशा, उसकी आकर्षक तीव्रता और उत्साहपूर्ण प्रसन्नता को स्पष्ट रूप से व्यक्त किया गया है। ओवरचर सोनाटा रूप में लिखा गया है, लेकिन विकास के बिना, जिसे प्रदर्शनी और पुनरावृत्ति के बीच एक संक्षिप्त संबंध द्वारा प्रतिस्थापित किया गया है। एक ही समय में, पांच विषय स्पष्ट रूप से प्रतिष्ठित हैं, जो तेजी से एक दूसरे की जगह ले रहे हैं। उनमें से पहला और दूसरा मुख्य बैच बनाते हैं, तीसरा और चौथा - साइड बैच, पांचवां - अंतिम बैच। वे सभी ऊर्जावान हैं, लेकिन साथ ही प्रत्येक का अपना विशेष चरित्र भी है। मुख्य भाग का पहला विषय, स्ट्रिंग वाद्ययंत्रों और बेसूनों द्वारा एक साथ बजाया जाता है, शरारती चपलता के साथ तेजी से आगे बढ़ता है: प्रश्न और असाइनमेंट 1। मोजार्ट के संगीत और हेडन के संगीत में क्या समानता है? और इन दो विनीज़ क्लासिक्स की कलात्मक रुचियों में क्या अंतर है? 2. वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट के परिवार और प्रारंभिक बचपन के बारे में बताएं। 3. मोजार्ट ने एक छोटे लड़के के रूप में किन देशों और शहरों में प्रदर्शन किया? ये प्रदर्शन कैसा था? 4. मोजार्ट ने अपना पहला ओपेरा बफ़ा किस उम्र में लिखा था? इसे क्या कहा जाता था और इसे कहाँ रखा गया था? 5. हमें युवा मोजार्ट की इटली यात्राओं के बारे में बताएं। 6. मोजार्ट ने बाद में किन शहरों का दौरा किया? क्या उनकी पेरिस यात्रा सफल रही? 7. हमें साल्ज़बर्ग आर्कबिशप के साथ मोजार्ट के ब्रेक के बारे में बताएं। 8. मोजार्ट के जीवन और कार्य के अंतिम दशक का वर्णन करें। इस अवधि में उनके द्वारा रचित प्रमुख कार्यों के नाम बताइये। ओपेरा "द मैरिज ऑफ फिगारो" मोजार्ट के ओपेरा "द मैरिज ऑफ फिगारो" का प्रीमियर 1786 में वियना में हुआ था। संगीतकार ने स्वयं पहले दो प्रदर्शनों के लिए वीणावादन का संचालन किया। सफलता बहुत बड़ी थी, लेकिन यह उपाय बार-बार दोहराया गया। चार कृत्यों में इस ओपेरा का लिब्रेटो (मौखिक पाठ) लोरेंजो दा पोंटे द्वारा इतालवी में लिखा गया था, जो फ्रांसीसी लेखक ब्यूमरैचिस क्रेजी डे, या द मैरिज ऑफ फिगारो की कॉमेडी पर आधारित था। 1875 में, पी. आई. त्चिकोवस्की ने इस लिब्रेटो का रूसी में अनुवाद किया, और उनके अनुवाद में ओपेरा का प्रदर्शन हमारे देश में किया जाता है। मोजार्ट ने द मैरिज ऑफ फिगारो को ओपेरा बफा कहा। लेकिन यह केवल मज़ेदार स्थितियों वाली मनोरंजक कॉमेडी नहीं है। मुख्य पात्र संगीत द्वारा विभिन्न जीवित मानवीय पात्रों के रूप में चित्रित किया गया है। और ब्यूमरैचिस के नाटक का मुख्य विचार मोजार्ट के करीब था। क्योंकि यह इस तथ्य में निहित है कि काउंट अल्माविवा फिगारो के नौकर और उसकी दुल्हन, नौकर सुज़ाना, अपने शीर्षक वाले स्वामी की तुलना में अधिक चतुर और सभ्य निकलते हैं, जिनकी साज़िशों को वे चतुराई से प्रकट करते हैं। काउंट को खुद सुज़ाना पसंद आ गई है और वह उसकी शादी में देरी करने की कोशिश कर रहा है। लेकिन फिगारो और सुज़ाना ने आविष्कारी ढंग से उत्पन्न होने वाली सभी बाधाओं को पार कर लिया, एक महान व्यक्ति की सेवा में काउंट की पत्नी और युवा पेज चेरुबिनो को अपनी ओर आकर्षित किया। मुख्य पार्टी का कनेक्टिंग थीम, पार्टी भरी हुई मुख्य रूप से भिन्न होती है। याद रखें कि "ओवरचर" शब्द फ्रांसीसी क्रिया "ओउवर" से लिया गया है, जिसका अर्थ है "खोलना", "शुरू करना"। 33 34 39 www.classON.ru स्केल मार्ग के साथ रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की साहसी शिक्षा, पार्श्व भाग का पहला विषय प्रकट होता है, जिसकी धुन वायलिन द्वारा प्रस्तुत की जाती है। थीम में लयबद्ध रूप से सनकी, थोड़ा मनमौजी, लेकिन लगातार चरित्र है: मुखर संख्याएं। तो, फिगारो के हिस्से में पहला एकल नंबर (उसे बैरिटोन को सौंपा गया था) - एक छोटा अरिया (कैवेटिना) - सुज़ाना द्वारा अपने मंगेतर को सूचित करने के तुरंत बाद लगता है कि काउंट ने उसके प्रेमालाप को आगे बढ़ाना शुरू कर दिया है। इस संबंध में, फिगारो मजाक में मीनू की गति में एक राग गाता है - एक वीरतापूर्ण उच्च समाज नृत्य (कैवेटिना के तीन-भाग वाले आश्चर्य रूप के चरम खंड): पार्श्व भाग का दूसरा विषय निर्णायक विस्मयादिबोधक जैसा दिखता है: और अंतिम भाग का विषय सबसे संतुलित है, जैसे कि सब कुछ व्यवस्थित हो रहा हो: पुनरावृत्ति में, पक्ष और अंतिम भाग पहले से ही डी प्रमुख की मुख्य कुंजी में दोहराए जाते हैं। वे एक कोडा से जुड़े हुए हैं, जो ओवरचर के हर्षित और जीवंत चरित्र पर और अधिक जोर देता है। इस मोजार्ट ओपेरा में, एक बड़े स्थान पर गायन समूहों का कब्जा है, मुख्य रूप से युगल (दो पात्रों के लिए) और टेरसेट्स (तीन पात्रों के लिए)। वे वीणावादन के साथ सस्वर गायन द्वारा अलग किए जाते हैं। और दूसरा, तीसरा और आखिरी, चौथा, कार्य फाइनल के साथ समाप्त होता है - छह से ग्यारह पात्रों की भागीदारी के साथ बड़े समूह। एकल को अलग-अलग तरीकों से क्रिया के गतिशील विकास में शामिल किया जाता है। कैवेटिना के मध्य भाग में, संयमित गति को तेज गति से बदल दिया जाता है, एक सुंदर तीन-बीट राग को एक मुखर दो-बीट वाली धुन से बदल दिया जाता है। यहां फिगारो पहले से ही अपने मालिक की कपटी "योजनाओं को हर कीमत पर रोकने के इरादे को दृढ़ता से व्यक्त करता है: यह युवा पेज चेरुबिनो को संबोधित है। उसने गलती से सुना कि कैसे काउंट ने सुज़ैन से अपने प्यार का इज़हार करने की कोशिश की, और ऐसे अवांछित गवाह को सैन्य सेवा में जाने का आदेश दिया गया। अपने अरिया में, फिगारो प्रसन्नतापूर्वक और चतुराई से स्थिति पर तंज कसता है, अदालती जीवन से लाड़-प्यार कर रहे एक युवक को चित्रित करता है, कठोर सैन्य जीवन की तस्वीरें खींचता है। संगीत में, यह "उग्रवादी" धूमधाम वाली चालों के साथ उत्तेजक नृत्यशीलता के कुशल संयोजन द्वारा परिलक्षित होता है। यह वह स्वर है जो रोन्डो के रूप में तीन बार बजता है: दूसरा गीत जैसी प्रकृति का एक छोटा अरिया है "गर्म खून दिल को उत्तेजित करता है।" यह कोमल भावनाओं की अधिक संयमित स्वीकारोक्ति है, जिसे स्वयं काउंटेस को डरपोक रूप से संबोधित किया गया है: सुज़ाना (सोप्रानो) को कई समूहों में ऊर्जावान, निपुण और साधन संपन्न के रूप में वर्णित किया गया है, जो इस मामले में फिगारो से कमतर नहीं है। साथ ही, चौथे अंक से उज्ज्वल स्वप्निल अरिया में उनकी छवि को सूक्ष्मता से काव्यात्मक रूप दिया गया है। इसमें, सुज़ाना मानसिक रूप से फिगारो को एक सौम्य अपील के साथ संबोधित करती है: जहां तक ​​खुद चेरुबिनो का सवाल है (उसकी भूमिका एक धीमी महिला आवाज़ - मेज़ो-सोप्रानो द्वारा निभाई गई है), उसे दो एरिया में एक उत्साही युवा व्यक्ति के रूप में वर्णित किया गया है, जो अभी भी अपने आप को समझने में असमर्थ है। भावनाएँ, हर कदम पर प्यार में पड़ने को तैयार। उनमें से एक हर्षित और कांपता हुआ एरिया दोनों है "बताओ, मैं समझा नहीं सकता"। यह लय के साथ माधुर्य को जोड़ता है, मानो उत्साह के साथ रुक-रुक कर स्पंदित हो रहा हो: 41 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा प्रश्न और कार्य 1। मोजार्ट के ले नोज़े डि फिगारो का प्रीमियर कब और कहाँ हुआ? 2. इसका लिब्रेटो किस कॉमेडी पर आधारित है? 3. इस कार्य का मुख्य विचार क्या है? 4. ओपेरा का ओवरचर कैसे बनाया जाता है? 5. फिगारो के हिस्से में दो एकल नंबरों की विशेषताओं के बारे में बताएं। 6. चेरुबिनो की भूमिका किस आवाज़ को सौंपी गई है? उसकी अरिआस की धुन गाओ। 7. सुज़ाना को पहनावे में कैसे चित्रित किया गया है और कैसे - चौथे अधिनियम से अरिया में? इसके विपरीत, चौथा बदलाव (बाएं हाथ को दाहिनी ओर फेंकने के साथ), अधिक साहसपूर्वक स्वीपिंग है। पाँचवाँ रूपांतर, जहाँ एंडांटे ग्राज़ियोसो की प्रारंभिक धीमी गति को बहुत धीमी गति से बदल दिया जाता है - एडैगियो, एक मधुर वाद्य अरिया है, जो रंगतुरा से रंगा हुआ है। और फिर गति का तेज (एलेग्रो) में परिवर्तन अंतिम, छठे संस्करण के हर्षित नृत्य चरित्र से मेल खाता है। सोनाटा का दूसरा आंदोलन मिनुएट है। हमेशा की तरह, इसे पहले मूवमेंट के संगीत की पुनरावृत्ति में सटीक दोहराव के साथ तीन-आंदोलन वाले पुनरावृत्ति रूप में बनाया गया है। उनके बीच मध्य भाग (त्रिकोणीय) 35 है। मिनुएट के सभी भागों में, मर्दाना दृढ़ और शक्तिशाली व्यापक स्वरों की तुलना स्त्रीलिंग कोमल और चिकने स्वरों से की जाती है, जो अभिव्यंजक गीतात्मक विस्मयादिबोधक-संबोधनों के समान हैं। क्लेवियर शिरोको के लिए एक प्रमुख में सोनाटा प्रसिद्ध सोनाटा मोजार्ट इन ए मेजर, जिसे आमतौर पर तुर्की मार्च सोनाटा कहा जाता है, एक असामान्य रूप से निर्मित चक्र है। यहां पहला आंदोलन सोनाटा रूपक नहीं है, बल्कि हल्के और शांत, सहज रूप से सुंदर विषय पर छह विविधताएं हैं। ऐसा लगता है कि यह एक गाना है जिसे विनीज़ संगीतमय जीवन में अच्छे, शांतिपूर्ण मूड में गाया जा सकता है। इसकी धीरे-धीरे लहराती लय में, सिसिलियाना के आंदोलन की समानता है - एक पुराना इतालवी नृत्य या नृत्य गीत: संगीतकार ने सोनाटा (अंतिम) के तीसरे भाग को "ए11ए तुरका" कहा - "तुर्की तरीके से।" बाद में, इस समापन को "तुर्की मार्च" नाम दिया गया। तुर्की लोक और पेशेवर संगीत की अन्तर्राष्ट्रीय संरचना में कोई समानता नहीं है, जो यूरोपीय कानों के लिए असामान्य है। लेकिन 18वीं शताब्दी में, यूरोपीय, मुख्य रूप से नाट्य संगीत में, मार्च के लिए एक फैशन उभरा, जिसे पारंपरिक रूप से "तुर्की" कहा जाता था। वे "जनिसरी" ऑर्केस्ट्रा के टिमबर रंग का उपयोग करते हैं, जिसमें हवा और ताल वाद्ययंत्रों का प्रभुत्व था - बड़े और स्नेयर ड्रम, झांझ, त्रिकोण। तुर्की सेना की पैदल सेना इकाइयों के सैनिकों को जनिसरीज़ कहा जाता था। उनके मार्च के संगीत को यूरोपीय लोग जंगली, शोरगुल वाला, "बर्बर" मानते थे। विविधताओं के बीच कोई तीव्र विरोधाभास नहीं है, लेकिन उन सभी का चरित्र अलग-अलग है। पहले बदलाव में, सुंदर सनकी मधुर गति प्रबल होती है, दूसरे में - सुंदर चंचलता को एक विनोदी स्पर्श के साथ जोड़ा जाता है (बाएं हाथ के हिस्से में "शरारती" अनुग्रह नोट्स उल्लेखनीय हैं)। तीसरी भिन्नता - एकमात्र जो ए मेजर में नहीं, बल्कि ए माइनर में लिखी गई है - थोड़ी उदास मधुर आकृतियों से भरी हुई है, समान रूप से चलती है, जैसे कि कोमल शर्म के साथ: तिकड़ी के अंत में पदनाम "मिनुएटो दा कैपो" है। . इतालवी - "सिर से", "शुरुआत से"। 35 "दा कैपो" 42 www.classON.ru से अनुवादित रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा समापन एक असामान्य रूप में लिखा गया है। इसे तीन-भाग वाले कोरस (एक प्रमुख में) के रूप में परिभाषित किया जा सकता है। कोरस की बार-बार पुनरावृत्ति समापन की संरचना को रोंडो की विशेषताएं प्रदान करती है। पहला आंदोलन - आसानी से "परिक्रमा" रूपांकनों (ए माइनर) के साथ - और मध्य आंदोलन - एक मधुर मार्ग आंदोलन (एफ-शार्प माइनर) के साथ - स्वाभाविक रूप से एक स्पष्ट मार्चिंग ट्रेड के साथ सुंदर नृत्यशीलता को जोड़ता है: लंबे समय से यह माना जाता था कि मोजार्ट ने पेरिस में 1778 वर्ष की गर्मियों में ए मेजर में सोनाटा की रचना की। लेकिन फिर उन्हें जानकारी मिली कि यह कुछ साल बाद वियना में हुआ था। ऐसी जानकारी और भी अधिक प्रशंसनीय है क्योंकि 1782 में, मोजार्ट के सिंगस्पील "द एब्डक्शन फ्रॉम द सेराग्लियो" का प्रीमियर वहीं हुआ था। इसमें, कार्रवाई तुर्की में होती है, और ओवरचर के संगीत में, और दो मार्च-जैसे गायकों में, "जनिसरी" संगीत की नकल ध्यान देने योग्य है। इसके अलावा, क्या यह शोर है? मोजार्ट ने ए मेजर में फोर्जिंग "जेनिसरी" कोडा को सीनेट के समापन समारोह में केवल 1784 में जोड़ा, जब काम प्रकाशित हुआ था। यह भी उल्लेखनीय है कि सोनाटा में, जैसा कि "द एबडक्शन फ्रॉम द सेराग्लियो" में, एक बड़ी भूमिका गीत और मार्च की शैलियों की है। इस सब में, नाटकीय संगीत के साथ वाद्य संगीत का संबंध प्रकट हुआ, जो मोजार्ट की बहुत विशेषता है। प्रश्न एवं कार्य 1 . ए मेजर में मोजार्ट के सोनाटा में चक्र के बारे में क्या असामान्य है? इस कार्य के पहले भाग में विषय की प्रकृति और उस पर छह विविधताओं के बारे में बताएं। 2. सोनाटा के दूसरे भाग में किस नृत्य शैली का प्रयोग किया गया है? 3. बताएं कि ए मेजर में सोनाटा के समापन को तुर्की मार्च क्यों कहा जाता है। इसके निर्माण की विशेषता क्या है? इसके मुख्य विषयों पर गाएँ। 4. मोजार्ट के किस संगीत और नाट्य कार्य से उनके "तुर्की मार्च" का संगीत गूंजता है? जी माइनर में सिम्फनी 1788 में वियना में रचित, जी माइनर में सिम्फनी! (नंबर 40) महान संगीतकार की सबसे प्रेरित कृतियों में से एक है। सिम्फनी का पहला आंदोलन बहुत तेज़ गति से सोनाटा रूपक है। इसकी शुरुआत मुख्य भाग के विषय से होती है, जो तुरंत एक गोपनीय, ईमानदार गीतात्मक स्वीकारोक्ति के रूप में आकर्षित करती है। इसे वायलिन द्वारा अन्य तार वाले वाद्ययंत्रों की धीमी-धीमी धुन पर गाया जाता है। इसके माधुर्य में वैसी ही उत्साहित लय पहचानी जा सकती है जैसी ओपेरा द मैरिज ऑफ फिगारो से चेरुबिनो के पहले अरिया की शुरुआत में (उदाहरण 37 देखें)। लेकिन अब यह अधिक "वयस्क", गंभीर और साहसी गीत है: कोरस (एक प्रमुख में) तीन बार लगता है, यह एक प्रकार का "जनिसरी शोर रिफ्रेन" जैसा है, बाएं हाथ के हिस्से में ड्रम रोल की नकल है सुना जाता है: इस संबंध में, "तुर्की मार्च" को कभी-कभी "तुर्की शैली में रोंडो" ("रोंडो अल्ला तुर्का") कहा जाता है। 36 43 www.classON.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा एक छोटा सा विकास)। लेकिन इसमें कोई विरोधाभास नहीं है, सब कुछ सामान्य उज्ज्वल मनोदशा का पालन करता है, जो शुरुआत से ही मुख्य भाग में निर्धारित होता है जो तार वाले उपकरणों पर बजता है: चरित्र की मर्दानगी को कनेक्टिंग भाग में बढ़ाया जाता है, जिसमें मुख्य भाग विकसित होता है . जी माइनर के समानांतर बी-फ्लैट मेजर में एक मॉड्यूलेशन है - साइड भाग की कुंजी। इसका विषय मुख्य विषय की तुलना में हल्का, अधिक सुंदर और स्त्रियोचित है। यह रंगीन स्वरों के साथ-साथ तार वाले और वुडविंड वाद्ययंत्रों के समय के विकल्प से रंगीन होता है: सातवीं पट्टी में, दो बत्तीस सेकंड के नोटों की हल्की "फड़फड़ाती" आकृति यहां दिखाई देती है। भविष्य में, यह फिर सभी विषयों की मधुर पंक्तियों में प्रवेश करता है, फिर उनके चारों ओर लिपटता हुआ, अलग-अलग वाद्ययंत्रों के साथ अलग-अलग रजिस्टरों में प्रकट होता हुआ प्रतीत होता है। यह शांतिपूर्ण प्रकृति की आवाज़ों की गूँज की तरह है। केवल कभी-कभी थोड़ा परेशान होने पर, वे कभी करीब, कभी दूरी पर सुनाई देते हैं। स्थापित परंपरा के अनुसार, सिम्फनी का तीसरा आंदोलन मिनुएट है। लेकिन इसमें केवल मध्य भाग - तिकड़ी - स्पष्ट रूप से पारंपरिक है। जी मेजर में अपनी सहज गति, आवाज़ों की मधुरता और स्वर-शैली के साथ, तिकड़ी इस मीनू के जी-माइनर मुख्य, चरम खंडों को स्थापित करती है, जो कुल मिलाकर गीतात्मक और नाटकीय तनाव के मामले में असामान्य है। ऐसा लगता है कि एंडांटे में सन्निहित प्रकृति के शांत चिंतन के बाद, अब मुझे आध्यात्मिक चिंताओं और अशांति की दुनिया में लौटना पड़ा जो सिम्फनी के पहले भाग पर हावी थी। यह सिम्फनी की मुख्य कुंजी - जी माइनर की वापसी से मेल खाती है: अंतिम भाग में ऊर्जा का एक नया विस्फोट होता है। यहां अग्रणी भूमिका मुख्य भाग के विषय के पहले - तीन-ध्वनि - रूपांकन के बार-बार और लगातार विकास की है। एक विस्तृत विकास की शुरुआत के साथ, उत्सुकता से बादल घिरते दिख रहे हैं। प्रकाश बी-फ्लैट मेजर से एफ-शार्प माइनर की उदास दूर की कुंजी में एक तीव्र मोड़ है। विकास में, मुख्य पार्टी का विषय नाटकीय रूप से विकसित होता है। यह कुंजियों की एक पूरी श्रृंखला से गुज़रता है, अलग-अलग वाक्यांशों और रूपांकनों में विभाजित होता है, और उन्हें अक्सर ऑर्केस्ट्रा की विभिन्न आवाज़ों में अनुकरण किया जाता है। इस विषय का पहला उद्देश्य बहुत तीव्रता से स्पंदित होता है। लेकिन आख़िरकार उसकी धड़कन कमज़ोर हो जाती है, उसकी कंपकंपी रुक जाती है, और एक आश्चर्य आता है। हालाँकि, विकास में प्राप्त उच्च नाटकीय तीव्रता का प्रभाव पहले भाग के इस खंड में परिलक्षित होता है। यहां कनेक्टिंग भाग की लंबाई काफी बढ़ जाती है, इससे साइड और अंतिम भागों की प्रस्तुति अब प्रमुख में नहीं, बल्कि जी माइनर की मुख्य कुंजी में हो जाती है, जिससे उनकी ध्वनि अधिक नाटकीय हो जाती है। सिम्फनी का दूसरा आंदोलन ई फ्लैट मेजर में एंडांटे है। यह अपनी नरम और कोमल शांति के साथ गीतात्मक-नाटकीय पहले भाग के विपरीत है। एंडांटे रूप भी सोनाटा है (जी माइनर मुख्य कुंजी है और सिम्फनी का चौथा भाग - समापन, बहुत तेज गति से चल रहा है। समापन सोनाटा रूप में लिखा गया है। सिम्फनी के इस भाग में प्रमुख विषय है मुख्य भाग का विषय। पहले भाग के मुख्य भाग के विषय के साथ, यह संदर्भित करता है लेकिन यदि पहले भाग में विषय एक सौम्य और श्रद्धेय गीतात्मक स्वीकारोक्ति की तरह लगता है, तो समापन का विषय एक भावुक गीतात्मक है -नाटकीय अपील, साहस से भरपूर और हम तय करेंगे 44 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा 2. हमें मुख्य विषयों, सिम्फनी के पहले आंदोलन और उनके विकास के बारे में बताएं। 3. सिम्फनी के दूसरे और तीसरे भाग में संगीत का क्या चरित्र है? 4. सिम्फनी के समापन में प्रमुख विषय क्या है? इसका चरित्र पहले आंदोलन के मुख्य भाग के विषय के चरित्र से किस प्रकार भिन्न है? 5. समापन के मुख्य भाग का विषय कैसे बनाया गया है? विकास में विकास किस पर आधारित है? मुख्य कार्य यह उग्र आकर्षण रागों की ध्वनि के साथ राग के तीव्र उभार से निर्मित होता है, और एक ध्वनि के चारों ओर चक्कर लगाने वाली ऊर्जावान मधुर आकृतियाँ इसके आवेग का जवाब देती प्रतीत होती हैं। सिम्फनी के पहले आंदोलन की तरह, समापन के पार्श्व भाग का सुंदर विषय विशेष रूप से प्रदर्शनी में उज्ज्वल होता है जब इसे बी फ्लैट मेजर में प्रदर्शित किया जाता है: 19 ओपेरा रेक्विम लगभग 50 सिम्फनी क्लैवियर और ऑर्केस्ट्रा के लिए 27 कॉन्सर्टो वायलिन के लिए 5 कॉन्सर्टो और ऑर्केस्ट्रा बांसुरी, शहनाई, अलगोजा, सींग, वीणा के साथ बांसुरी स्ट्रिंग चौकड़ी (20 से अधिक) और पंचक के लिए ऑर्केस्ट्रा संगत के साथ कॉन्सर्टो, क्लैवियर के लिए सोनाटा, वायलिन और क्लैवियर के लिए विविधताएं, कल्पनाएं, रोंडो, क्लैवियर के लिए मीनू अंतिम भाग पर आधारित है मुख्य भाग के विषय का दूसरा तत्व। समापन के विकास में, मुख्य पार्टी के विषय का पहला, आह्वानात्मक तत्व विशेष रूप से गहनता से विकसित होता है। उच्च नाटकीय तनाव विकास के हार्मोनिक और पॉलीफोनिक तरीकों की एकाग्रता द्वारा प्राप्त किया जाता है - कई कुंजी और अनुकरणात्मक रोल कॉल में संचालन। पुनः आश्चर्य में, जी माइनर की मुख्य कुंजी में पार्श्व भाग का प्रदर्शन उदासी से थोड़ा सा ढका हुआ है। और मुख्य भाग के विषय का दूसरा तत्व (सकारात्मक, ऊर्जावान आंकड़े), जैसा कि प्रदर्शनी में है, पुनरावृत्ति में अंतिम भाग के केंद्र में लगता है। परिणामस्वरूप, इस सरल मजार्ट रचना का समापन संपूर्ण सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र का एक उज्ज्वल गीतात्मक और नाटकीय शिखर बनाता है, जो आलंकारिक विकास के माध्यम से अपनी उद्देश्यपूर्णता में अभूतपूर्व है। लुडविग वान बीथोवेन 1770-1827 महान जर्मन संगीतकार लुडविग वान बीथोवेन उन तीन प्रतिभाशाली संगीतकारों में सबसे कम उम्र के हैं जिन्हें विनीज़ क्लासिक्स कहा जाता है। बीथोवेन 17वीं और 19वीं सदी के मोड़ पर, भव्य सामाजिक परिवर्तनों और उथल-पुथल के युग में रहते थे और रचना करते थे। उनकी युवावस्था समय, प्रश्न और कार्य 1 के साथ मेल खाती थी। मोजार्ट ने जी माइनर नंबर 40 में सिम्फनी कब और कहाँ बनाई? 45 www.classON.ru रूस में बच्चों की कला शिक्षा

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शीर्षक: संगीत साहित्य विदेशों

आई. ए. प्रोखोरोव की पुस्तक "म्यूजिकल लिटरेचर ऑफ फॉरेन कंट्रीज" के बारे में

आई. प्रोखोरोवा द्वारा संकलित "विदेशी देशों का संगीत साहित्य" नामक पाठ्यपुस्तक स्वतंत्र अध्ययन के लिए है। यह सामग्री की प्रस्तुति की संक्षिप्तता और पहुंच की व्याख्या करता है।

"म्यूजिकल लिटरेचर ऑफ फॉरेन कंट्रीज" पुस्तक छात्रों को लघु जीवनियों और बेहतरीन रचनाओं से परिचित कराएगी प्रसिद्ध संगीतकार. बच्चे आई.एस. जैसी प्रतिभाओं के जीवन और कार्य के बारे में जान सकेंगे। बाख, जे. हेडन, डब्ल्यू.ए. मोजार्ट, एल. बीथोवेन, एफ. शूबर्ट और एफ. चोपिन। आई. प्रोखोरोवा ने प्रतिभाशाली संगीतकारों की कहानियों का बहुत अधिक विस्तार से वर्णन नहीं किया है, पाठ्यपुस्तक में आपको जीवन की मुख्य तिथियां, उत्पत्ति, शीर्षक और शीर्षक, गतिविधि का क्षेत्र, पेशे की पसंद को प्रभावित करने वाली स्थितियां मिलेंगी। पुस्तक संगीतकारों के जीवन और कार्य के मुख्य चरणों, उनके सामाजिक और राजनीतिक विचारों के बारे में बताएगी।

प्रकाशन "विदेशी देशों का संगीत साहित्य" संगीत विद्यालयों के छात्रों के लिए है, हालांकि, हर कोई जो इसके प्रति उदासीन नहीं है शास्त्रीय कार्यइस पुस्तक में कुछ दिलचस्प मिलेगा। आई. प्रोखोरोवा ने कुछ संगीत और गैर-संगीत अवधारणाओं की व्याख्या के साथ पाठ को समृद्ध किया, जो इसे कम अकादमिक बनाता है। संगीतकारों के जीवन का वर्णन करने वाला भाग उस काल के यूरोपीय देशों के ऐतिहासिक और सांस्कृतिक जीवन के संदर्भ में प्रस्तुत किया गया है। इससे छात्रों को उन परिस्थितियों को गहराई से और व्यापक रूप से समझने का अवसर मिलता है जिनमें महान संगीतकार रहते थे और काम करते थे।

चूंकि पुस्तक "म्यूजिकल लिटरेचर ऑफ फॉरेन कंट्रीज" घर पर पढ़ने के लिए है, इसमें शामिल सभी सिम्फोनिक कार्यों को चार-हाथ की व्यवस्था में पेश किया गया है। यह ध्यान देने योग्य है कि बाख के काम के बारे में कहानी, जो कार्यक्रम के अनुसार, वर्ष के अंत में अध्ययन की जाती है, शुरुआत में रखी गई है। प्रस्तुति के कालक्रम का अवलोकन करने के लिए लेखक ने यह कदम उठाया।

इस पुस्तक के संकलनकर्ता को यकीन है कि पाठ्यपुस्तक के नियमित उपयोग से छात्रों में लोकप्रिय और वैज्ञानिक संगीत साहित्य के साथ आत्म-परिचय की रुचि जागृत होगी। इसके अलावा, बच्चे दृष्टि से पढ़ने के संगीत के कौशल को विकसित और मजबूत करने में सक्षम होंगे, साथ ही चार हाथों से प्रदर्शन करने की आदत डालेंगे।
प्रसिद्ध कार्यों का स्व-सीखने से उन्हें पाठ के दौरान अन्य बच्चों की उपस्थिति में प्रदर्शित किया जा सकेगा, जिससे सामूहिक कक्षाएं अधिक सक्रिय हो जाएंगी और शास्त्रीय संगीत की धारणा में काफी सुधार होगा।

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विदेशी देशों के संगीत साहित्य पर सहायक नोट्स संगीत साहित्य पर मौजूदा पाठ्यपुस्तकों के अतिरिक्त हैं। मैनुअल की सामग्री विषय PO.02.UP.03 के कार्यक्रम से मेल खाती है। संगीत कला के क्षेत्र में अतिरिक्त पूर्व-पेशेवर सामान्य शैक्षिक कार्यक्रमों का "संगीत साहित्य" "पियानो", "स्ट्रिंग वाद्ययंत्र", "पवन और ताल वाद्ययंत्र", "लोक वाद्ययंत्र", " सामूहिक गायन”, रूसी संघ के संस्कृति मंत्रालय द्वारा अनुशंसित।

संगीत साहित्य पर सहायक नोट्स विशेष रूप से मानवीय शिक्षा और छात्रों की विशेष दक्षताओं को विकसित करने के लिए डिज़ाइन किए गए हैं: "... संगीतमय सोच, धारणा के कौशल और संगीत कार्यों का विश्लेषण करने के लिए, संगीत रूप के पैटर्न के बारे में ज्ञान प्राप्त करने के लिए, संगीत भाषा की बारीकियों के बारे में, संगीत के अभिव्यंजक साधनों के बारे में" 1 .

पाठ्यपुस्तक सांस्कृतिक और ऐतिहासिक युगों के संदर्भ में संगीतकारों के काम को प्रस्तुत करती है, जिसका निकट संबंध में अध्ययन किया जाता है ऐतिहासिक घटनाओंऔर संबंधित कलाएँ। अमूर्त सामग्री वी.एन. ब्रायंटसेवा, वी.एस. गलात्स्काया, एल.वी. किरिलिना, वी.डी. कोनेन, टी.एन. लिवानोवा, आई.डी. प्रोखोरोवा और अन्य प्रसिद्ध संगीतज्ञों द्वारा संगीत और संगीत साहित्य के इतिहास पर शोध का मुख्य सिद्धांत है, जो सामान्यीकृत और संक्षिप्त रूप में निर्देशात्मक सामग्री है। तालिकाओं, आरेखों और दृश्य समर्थनों की। दृश्य समर्थन (प्रसिद्ध कलाकारों द्वारा चित्रों का पुनरुत्पादन, संगीतकारों, उनके रिश्तेदारों और दोस्तों के चित्र, प्रख्यात हस्तियाँसंस्कृति और कला, ऐतिहासिक शख्सियतें, आदि) न केवल मौखिक जानकारी के साथ और पूरक हैं, बल्कि ललित कला के क्षेत्र में जानकारी के वाहक हैं, संगीत में युगों और प्रवृत्तियों से सीधे संबंधित हैं, संगीतकारों का काम, इतिहास, संस्कृति को दर्शाता है। और यूरोपीय देशों की कला.

संदर्भ नोट्स की सामग्री में चार खंड शामिल हैं, जो बदले में, प्राचीन ग्रीस की संगीत संस्कृति से लेकर 19वीं शताब्दी के रोमांटिक संगीतकारों के काम तक यूरोपीय संगीत के विकास की अवधि को कवर करने वाले विषयों में विभाजित हैं। इसलिए पहला खंड प्राचीन ग्रीस, मध्य युग और पुनर्जागरण की संगीत संस्कृति की जांच करता है। दूसरा खंड बारोक युग, जे.एस. बाख और जी.एफ. हैंडेल के कार्यों का अध्ययन करता है। तीसरा खंड क्लासिकिज्म के युग को समर्पित है, जहां विनीज़ क्लासिक्स - जे हेडन, डब्ल्यू ए मोजार्ट और एल बीथोवेन के काम पर जोर दिया गया है। चौथा खंड रूमानियत के युग पर एफ. शूबर्ट और एफ. चोपिन के कार्यों पर सामग्री प्रस्तुत करता है। संक्षिप्त समीक्षा 19वीं सदी के रोमांटिक संगीतकार एफ. मेंडेलसोहन, एफ. लिस्ज़त, आर. शुमान, जी. बर्लियोज़ की कृतियाँ, डी. वर्डी, आर. वैगनर, जे. ब्राह्म्स, जे. बिज़ेट।

मैनुअल में पाठ में पाए जाने वाले अर्थों, शब्दों और अवधारणाओं के शब्दकोश, एक संक्षिप्त विश्लेषण और अध्ययन किए गए कार्यों के संगीत उदाहरण भी शामिल हैं।

तालिकाओं और आरेखों में सामग्री की सख्त प्रस्तुति के साथ, मैनुअल में संगीतकारों के जीवन से दिलचस्प तथ्य शामिल हैं, जो एक कथा के रूप में प्रस्तुत किए गए हैं और रंगीन कलात्मक चित्रों के साथ हैं, जो बच्चों की धारणा और ध्यान को ताज़ा करते हैं।

विदेशी देशों के संगीत साहित्य पर संदर्भ नोट्स चिल्ड्रन आर्ट स्कूल, चिल्ड्रन म्यूजिक स्कूल के दूसरे और तीसरे वर्ष के अध्ययन (कक्षा 5 और 6) के छात्रों के लिए हैं, जो क्षेत्र में अतिरिक्त पूर्व-पेशेवर सामान्य शैक्षिक कार्यक्रमों का अध्ययन कर रहे हैं। संगीत कला का. बच्चों के संगीत विद्यालयों, बच्चों के कला विद्यालयों के संगीत-सैद्धांतिक और विशेष विषयों के शिक्षक नई सामग्री का अध्ययन करते समय, कवर किए गए विषयों को दोहराते और व्यवस्थित करते समय, छात्रों के मध्यवर्ती और अंतिम प्रमाणीकरण की तैयारी करते समय, संगीत-सैद्धांतिक ओलंपियाड की तैयारी करते समय, स्वतंत्र कार्य करते समय पाठ्यपुस्तक का उपयोग कर सकते हैं। अतिरिक्त सामान्य विकास कार्यक्रमों को लागू करते समय छात्रों, समूह और व्यक्तिगत प्रशिक्षण का हिस्सा संगीत कला के क्षेत्र, सांस्कृतिक और शैक्षिक गतिविधियों में।

संदर्भ नोट्स के साथ एक कार्यपुस्तिका भी होती है, जिसे कक्षा में काम करने के लिए डिज़ाइन किया गया है।

नीचे मैनुअल "विदेशी देशों के संगीत साहित्य पर सहायक नोट्स" के अंश दिए गए हैं।

तात्याना गुरयेवना सेवलीवा के मैनुअल "विदेशी देशों के संगीत साहित्य पर संदर्भ नोट्स" की खरीद के लिए कृपया लेखक से संपर्क करें। [ईमेल सुरक्षित]

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विषय PO.02 के लिए 1 अनुकरणीय कार्यक्रम। यूपी.03. संगीत साहित्य. - मॉस्को 2012

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संकलनकर्ताओं से
यह पुस्तक उस ऐतिहासिक काल के संगीत साहित्य पर एक पाठ्यपुस्तक है, जो 19वीं शताब्दी के अंतिम दशकों में शुरू होती है। ऐसी पाठ्यपुस्तक पहली बार सामने आई है: पाँचवाँ अंक, जैसा कि आप जानते हैं, के-डेबसी और एम. रवेल के काम के साथ समाप्त होता है।
पुस्तक में विभिन्न राष्ट्रीय संगीत विद्यालयों का विवरण शामिल है, जिसने इसकी समग्र संरचना निर्धारित की। पहला खंड उन सामान्य प्रक्रियाओं का विवरण देता है जिन्हें विभिन्न देशों की संगीत कला में और विभिन्न व्यक्तित्वों के संगीतकारों के काम में अपने तरीके से लागू किया गया था। प्रत्येक बाद के अनुभाग में किसी दिए गए देश की संगीत संस्कृति का अवलोकन होता है, साथ ही इस स्कूल के सबसे महत्वपूर्ण संगीतकारों के काम के लिए समर्पित एक मोनोग्राफिक अनुभाग भी शामिल होता है। केवल आई. स्ट्राविंस्की के काम के लिए समर्पित अनुभाग इसकी संरचना में भिन्न है: इसमें कोई परिचयात्मक समीक्षा नहीं है। और यह समझने योग्य है: आखिरकार, विशेष परिस्थितियों के कारण अपना अधिकांश जीवन रूस के बाहर बिताने के बाद, स्ट्राविंस्की एक रूसी मास्टर बने रहे और किसी भी विदेशी स्कूल से संबंधित नहीं थे। इसका निर्णायक प्रभाव रचनात्मक सिद्धांतहमारी सदी के लगभग सभी प्रमुख संगीतकार स्ट्राविंस्की को हटाने की अनुमति नहीं देते हैं समग्र चित्र XX सदी की संगीत कला का विकास। विदेशी संगीत साहित्य पर पाठ्यपुस्तक में इस मोनोग्राफिक अध्याय का समावेश स्कूल में पाठ्यक्रम की ख़ासियत के कारण भी है: अध्ययन के समय तक विदेशी संगीत 20वीं सदी में, छात्र आई. स्ट्राविंस्की के व्यक्तित्व या संगीत से बिल्कुल भी परिचित नहीं हैं। वे चौथे पाठ्यक्रम के अंत में ही संगीत कला के इस पृष्ठ की ओर रुख करेंगे, जहां संगीतकार के काम की केवल पहली, रूसी अवधि पर विचार किया जाता है।

पाठ्यपुस्तक के संकलनकर्ताओं और लेखकों का ध्यान समीक्षाधीन अवधि की सामान्य संगीत और ऐतिहासिक प्रक्रियाओं को दिखाने और सबसे उत्कृष्ट कार्यों का विश्लेषण करने पर केंद्रित है जो हमारी सदी के क्लासिक्स बन गए हैं। 20वीं सदी की संगीत कला की घटनाओं की असाधारण जटिलता, उनकी विविधता, पारस्परिक अंतर्संबंध और उनके तीव्र परिवर्तन को देखते हुए, समीक्षा अध्यायों ने पिछले संस्करणों की तुलना में इस पुस्तक में बहुत बड़ा स्थान ले लिया है। फिर भी, विषय के पद्धतिगत सिद्धांतों के अनुसार, संकलनकर्ताओं ने संगीत कार्यों के विश्लेषण पर ध्यान केंद्रित रखने की मांग की, जो इस मामले में रचनात्मक तरीकों, सोचने के तरीकों, विभिन्न शैलीगत निर्णयों और की बहुलता को प्रकट करने के लिए डिज़ाइन किए गए हैं। हमारी सदी के उस्तादों की संगीतकार तकनीकें।

इस तथ्य को ध्यान में रखते हुए कि पुस्तक संगीत कला का एक विस्तृत चित्रमाला प्रदान करती है, और कई मामलों में विश्लेषण बहुत जटिल है (जो काफी हद तक सामग्री द्वारा पूर्व निर्धारित है), संकलनकर्ता इस पाठ्यपुस्तक को न केवल छात्रों को संबोधित करना संभव मानते हैं प्रदर्शन, लेकिन सैद्धांतिक विभागों का भी। संगीत विद्यालय. पुस्तक की सामग्री शैक्षिक प्रक्रिया में इसके लिए एक चयनात्मक दृष्टिकोण की अनुमति देती है; अध्यायों के अध्ययन की गहराई और विवरण स्वयं शिक्षकों द्वारा निर्धारित किया जाता है, जो छात्रों की तैयारी के स्तर, नोट्स और संगीत रिकॉर्डिंग के साथ शैक्षिक प्रक्रिया के भौतिक उपकरण और इस भाग के लिए पाठ्यक्रम द्वारा आवंटित घंटों की संख्या पर निर्भर करता है। पाठ्यक्रम के।
इस पुस्तक पर लेखकों के एक बड़े समूह ने काम किया। इसलिए सामग्री प्रस्तुत करने के विभिन्न तरीकों की अनिवार्यता; साथ ही, इसके दृष्टिकोण में ही, संकलकों ने समान कार्यप्रणाली सिद्धांतों को संरक्षित करने का प्रयास किया।

संतुष्ट
संकलकों से
XX सदी की विदेशी संगीत कला के विकास के तरीके।
ऑस्ट्रिया की संगीत संस्कृति
गुस्ताव महलर
स्वर रचनात्मकता. "एक यात्रा प्रशिक्षु के गीत"
सिम्फोनिक रचनात्मकता. पहली सिम्फनी
अर्नोल्ड शेनबर्ग
जीवन और रचनात्मक पथ
"वारसॉ से उत्तरजीवी"
एल्बन बर्ग
जीवन और रचनात्मक पथ
संगीत नाटक वोज़ेक
वायलिन और ऑर्केस्ट्रा के लिए कॉन्सर्टो
एंटोन वेबरन.
जीवन और रचनात्मक पथ
जर्मनी की संगीत संस्कृति
रिचर्ड स्ट्रॉस
जीवन और रचनात्मक पथ
सिम्फोनिक रचनात्मकता. सिम्फोनिक कविताएँ "डॉन जुआन" और "टिल उलेन्सपीगेल"
पॉल हिंडेमिथ
जीवन और रचनात्मक पथ
सिम्फोनिक रचनात्मकता. सिम्फनी "कलाकार मैथिस"।
कार्ल ओआरएफ
जीवन और रचनात्मक पथ
कार्ल ऑर्फ़ के काम की मुख्य शैलियाँ और उनकी विशेषताएं।
ओपेरा "चतुर लड़की"
"कारमिना बुराना"
इगोर स्ट्राविंस्की
जीवन और रचनात्मक पथ
"भजन की सिम्फनी"
ओपेरा "ओडिपस रेक्स"
फ्रांस की संगीत संस्कृति।
आर्थर ओनेगर
जीवन और रचनात्मक पथ
नाटकीय और वक्तृत्व रचनात्मकता. ओरटोरियो "जोन ऑफ आर्क दांव पर"
सिम्फोनिक रचनात्मकता. तीसरी सिम्फनी ("लिटर्जिकल")
डेरियस मिजो
जीवन और रचनात्मक पथ
स्वर-वाद्य, रचनात्मकता। "आग का महल"
फ्रांसिस पोलेन्क
जीवन और रचनात्मक पथ
ओपेरा "द ह्यूमन वॉइस"
स्पेन की संगीत संस्कृति
मैनुएल डी फ़ला
जीवन और रचनात्मक पथ
बैले "प्यार एक जादूगरनी है"
ओपेरा "लघु जीवन"