Japanska umjetnost gledanja u daljinu. CraftsGirl
Himeji je jedan od najstarijih dvoraca u Japanu.
Japanska umjetnost antičkog razdoblja
Japanska se kultura oblikovala i razvijala u posebnim prirodnim i povijesnim uvjetima. Japan se nalazi na četiri velika i mnogo malih otoka koje zapljuskuju mora. Budući da se nalazila na samom rubu istoka, iskusila je povremeno sve veći, a zatim opet sve slabiji utjecaj kopnenih kultura poput Kine i Koreje. Razdoblja interakcije s vanjskim svijetom u japanskoj su povijesti zamijenjena dugim stoljećima kulturne izolacije (razdoblja od 10. do 14. i od 17. do sredine 19. stoljeća). Posljednja okolnost pridonijela je razvoju i konsolidaciji mnogih jedinstvenih značajki Japanska kultura općenito i umjetnost posebno. Upoznavanje s kulturom Zapada dogodilo se u 16. stoljeću, kada su već bile formirane glavne značajke izvorne japanske civilizacije. Do 1854. Japan je trgovao s Kinom i Nizozemskom kroz samo jednu luku.
Od drevnih stanovnika japanskih otoka - lovaca i ribara - potječu kamene sjekire, harpuni, vrhovi strijela i ručno klesane keramičke posude otkrivene kao rezultat arheoloških iskapanja, koje su dobile ime zbog uzorka "Jomon" utisnutog na njima, koji znači "trag užeta". Stoga se neolitska kultura u Japanu naziva i Jomon. Doseljenici koji su stigli iz Sibira, Polinezije, a kasnije iz Koreje i Kine stajali su na različitim razinama kulturni razvoj. To objašnjava činjenicu da se u nekim kulturnim slojevima nalaze spomenici i neolitika i brončanog doba. Japanski jezik blizak je jezicima altajske skupine. Kada je kao rezultat kontakata sa kineske kulture oh, Japanci su se upoznali s kineskim hijeroglifskim pismom, pokazalo se da je vrlo teško prilagoditi kineske hijeroglife za prenošenje usmenog japanskog govora.
Početno razdoblje japanske kulture, o kojem su sačuvani pouzdani podaci, naziva se doba kofuna (humci) - grobova, čiji je prizemni dio bio zemljani humak karakterističnog oblika - kombinacija kruga i trapeza, nalik na ključanicu, što je simboliziralo spoj zemlje i vode. Bile su znatne veličine, bile su okružene dvostrukim jarkom s vodom, nad humkom je rasla trava, a duž unutarnjeg oboda humka nalazile su se šuplje glinene figure ljudi, životinja, modeli čamaca i kuća od 30 cm do jednog. i pol metara visok. Zvali su se "haniwa". Unutar grobne komore nalazili su se lijesovi s mrtvim predstavnicima plemstva, gdje su postavljeni ritualni predmeti: ogledalo, zvono dotaku, čiji je zvuk trebao uplašiti zle duhove i privući bogove - pokrovitelje zemljoradnika. Ukopi kraljeva Yamato uvijek su sadržavali ritualne simbole moći poput privjesaka i mačeva od žada. Da bi se uzdigli kraljevi klana Yamato, uspostavljen je početak povijesti, određena je hijerarhija bogova, izdvojeno je božanstvo Amaterasu ("Sjajno s neba"), koje je prenijelo vlast nad Japanski otoci kraljevi klana Yamato. Naziv "Nippon" ili "Nihon", što znači "zemlja izlazećeg sunca", pojavio se u 7. stoljeću. Godine 608. započela su studijska putovanja u Kinu, koja su trajala više od dva stoljeća.
Dotaku - ritualna brončana zvona - cilindri suženi do vrha, na čijem su vrhu široke petlje s kovrčavim izbočinama, čije su stijenke podijeljene na kvadrate ispunjene grafičkim slikama
Heterogena vjerovanja Japanaca, koja imaju mnoge značajke primitivnog animizma i fetišizma, odražavaju se u šintoizmu. Shinto ("put bogova") u svojoj biti odražava japanske ideje o univerzalnoj duhovnosti prirode. Nebrojeni broj takozvanih "kami" (duhova) postoji kako u čudesnim pejzažnim objektima, kao što su jezero Biwa i planina Fuji, tako i u predmetima koje su stvorili ljudi - mačevima, ogledalima, obdarenim zahvaljujući tome magična svojstva. Šintoističko svetište odlikovalo se jednostavnošću svoje drvene konstrukcije: soba s jednom dvoranom bila je smještena na stupovima, okružena sa svih strana verandom. Unutrašnjost šintoističkog svetišta bila je polumračna i prazna. Vjernici nisu ulazili u hram.
Para razdoblje (645.-794. po Kr.)
Nara je ime prve prijestolnice i jedinog grada Japana u to vrijeme. To je vrijeme uspostave japanske državnosti, uvođenja budizma i stvaranja spomenika budističke umjetnosti - hramova, pagoda, raznih kipova budističkih božanstava. Budizam u tom razdoblju nije bio toliko vjera naroda koliko nastavak politike dvora. Različite sekte budizma imale su vrlo značajnu ulogu na dvoru, zemljišni posjedi budističkih samostana su rasli, redovnici su imali veliki utjecaj na dvoru. Pojavljuju se budistički samostani, skupine drvenih zgrada smještenih na pravokutnom zidom ograđenom prostoru. Od posebne je važnosti bila široka aleja koja je vodila do ulaznih vrata, trg ispred hrama i višeslojna pagoda vidljiva iz daljine. Drveni hramovi bili su obojeni crvenim lakom, podignuti na kamenim temeljima i imali široke zakrivljene dvostruke krovove - irimoya.
Među ranim budističkim hramovima su Asukadera, Horyuji, gradnja potonjeg je započela 607. godine po nalogu tada vladajućeg prijestolonasljednika Shotoku Taishija. Samostan se sastojao od 53 zgrade smještene na površini od 90 tisuća četvornih metara. Pročelje hrama je okrenuto prema jugu, glavne zgrade su smještene na osi sjever-jug, sveta zona je sjeverna, bila je dvorana za propovijedi - kodo, kondo i pagoda s pet katova. U Horyujiju je bilo 265 statua, glavna skulpturalna slika bila je trojstvo Shakyamunija, predstavljeno skulpturom utemeljitelja vjere, u pratnji dvojice bodhisattvi. U 8.st pri velikim samostanima već su postojale radionice kipara. Širio se kult bodhisattve Kannona, čije je ime bilo prijevod sanskrtskog imena Avalokiteshvara (Pozornost na zvukove svijeta). Ispunjen suosjećanjem za živa bića, bodhisattva je u stanju slušati zvukove onih koji pate, gdje god se nalazili. Kult Avalokiteshvare nastao je u sjeverozapadnoj Indiji i proširio se u Kinu. U Lotos sutri je rečeno da je bodhisattva preuzeo oblik onih bića koja ga zovu. U Japanu je širenje kulta Kannona dovelo do pojave velikog broja njezinih slika - svetac Kannon koji pomaže u paklu, Kannon s glavom konja širi milost na stoku, zle duhove - asure spašava tisuće -naoružani Kannon, Kannon sa ribarskom šumom spašava ljude.
Razdoblje Heian (794.-1185.)
Godine 794. glavni grad države premješten je u grad Heian (danas Kyoto). Tijekom razdoblja Heian cvjetala je sofisticirana dvorska kultura. Stvoren je japanski slog - kana (jap. - posuđeni hijeroglif). U početku su samo žene koristile ovo pismo, dok je službeno pismo i dalje ostalo kinesko. Tijekom X stoljeća. žensko pismo počelo se koristiti u privatnoj praksi. U XI stoljeću. započeo je procvat japanske klasične književnosti, sjajan primjer za to je roman "Genji Monogatari", koji je stvorila dvorska dama Murasaki Shikibu.
U umjetnosti Heian glavno mjesto zauzimaju budističke slike ezoteričnih sekti Tendai i Shingon koje su tada došle iz Kine, a koje su naučavale da sva živa bića imaju Buddhinu suštinu. Treniranjem duha i tijela, ispunjavanjem zavjeta, svatko je u stanju steći esenciju Bude u procesu nekoliko ponovnih rođenja. Hramovi ovih sekti građeni su na vrhovima planina i stjenovitim izbočinama, kapele u njima podijeljene su na dva dijela. Unutra, gdje se nalazila sveta slika, obični vjernici nisu bili dopušteni.
Heian doba je vrijeme luksuza za vladajuće krugove. U to vrijeme formiran je tip stanova shinden. Zidovi i uvjeti tople klime nisu bili kapitalni i nisu imali referentnu vrijednost. Mogli bi se vrlo lako razdvojiti, zamijeniti izdržljivijima za hladno vrijeme ili potpuno ukloniti za toplog vremena. Također nije bilo prozora. Umjesto stakla, preko rešetkastog okvira bio je napet bijeli papir koji je propuštao prigušeno difuzno svjetlo u prostoriju. Široki krovni vijenac štitio je zidove od vlage i sunčeve svjetlosti. interijer, bez stalnog namještaja, imao je klizne pregradne stijene, zahvaljujući kojima je bilo moguće po želji napraviti ili hodnik ili nekoliko malih izoliranih prostorija, pod je bio prekriven slamnatim prostirkama - tatamijem, iste veličine (180 x 90). cm).
Konfucijanski i budistički tekstovi doneseni su iz Kine tijekom razdoblja Heian. Često su bili ukrašeni slikama. U početku su japanski umjetnici kopirali kineska "slavna mjesta", ali počevši od 10.st. okrenuti slici krajolika i običaja domovina. Osmišljena je slika “Yamato-e”, koja se od kineskog slikarstva razlikovala korištenjem tema iz japanske poezije, kratkih priča, romana ili iz narodne legende. Slika je dobila ime po nazivu regije Yamato - jugozapadnog dijela otoka Honshu, gdje je formirana državnost Japana.
Slika je često predstavljala svitak ilustracija s pripadajućim tekstom, koji se uzimao rukom i vrtio s desna na lijevo, dok se čitajući odgovarajući odjeljak razmatrala ilustracija koja slijedi.
Slikarstvo Yamato-e doseglo je vrhunac u kasnom razdoblju Heian. U to su se vrijeme pojavili profesionalni umjetnici koji su slikali slike na svjetovne teme na ekranima, kliznim pregradama (shoji) i svicima - emakimono. Najstariji od svitaka je Genji Monogatari. Emakimano svici bili su slike-priče. Do danas je preživio svitak "Genji-monogatari-emaki", poznatog romana Murasakija Shikibua, koji živim bojama prikazuje dokoni život aristokracije, sinteza je kaligrafije, književnosti i slikarstva. U sačuvanih 19 od 54 poglavlja romana nema jedinstvene radnje i niza radnji u ilustracijama. Većina prikazanih scena odvija se u interijerima, sve vidljivo prikazano je odozgo, ne postoji jedinstvena točka nestajanja linija, velika korespondencija likova i arhitekture, lica svih likova su ista, samo su frizure i odjeća različiti . Glavni predmet umjetnikove pozornosti je prijenos emocionalnog sadržaja događaja koji se odvijaju u romanu, a koji su svima dobro poznati. Glavne tehnike su konstrukcija prostora i korištenje mogućnosti boja. Da bi prenio unutarnje stanje likova i atmosferu svake scene, umjetniku je važno pod kojim su kutom u odnosu na donji rub svitka usmjerene dijagonalne linije, označavajući ili grede konstrukcija ili vijence zastora ili ruba verande. Ovisno o stupnju emocionalne napetosti, ovaj kut varira od 30 do 54 stupnja.
Bodhisattva - Kannon pojavljuje se u Kini, Koreji i Japanu uglavnom u ženskom obliku, u rukama s vrčem, granom vrbe i lasom
U kućama aristokrata nije bilo pregrada, paravana i zavjesa najbolji umjetnici naslikao slike yamato-e. Yamato-e slike bile su jedinstvo sa književna djela, koji su također bili postavljeni na paravane i zavjese. U antologijama poezije X-XIII stoljeća. stihovi ispisani na ekranima 9.-10. stoljeća nisu neuobičajeni. Najveći broj takvih pjesama sadrži antologija "Sui-shu". Baš kao što je poezija bila o četiri godišnja doba, tako je bilo i slikanje za ekrane. U skladu s narodnim pjesmama razvio se određeni sustav pjesničkih formula, koji je potom postao temeljem japanske klasične poetike. Dakle, znak proljeća bila je maglovita izmaglica, vrba, znak ljeta - kukavica, cikade, jeseni - grimizno javorovo lišće, jelen, mjesec, zime - snijeg i cvijeće šljive.
Kyoto je drevni dragulj Japana.
Obilje homonima u jeziku omogućilo je da se stihovima daju mnoga značenja. Teme i sižei omogućili su da se kroz detalj ili nagovještaj, u krajnje jezgrovitoj pjesničkoj formi (31 slog po tanki), iskaže raznolikost svih nijansi emocionalnih stanja. Došlo je do postupnog prijelaza s ekrana s tekstom na ekrane bez teksta. Tako su se razvile stvarne podpodjele slikarskog žanra - shiki-e ("slike četiriju godišnjih doba") i mei-se-e(“slike poznatih mjesta”).
Kompozicija takvih slika nije odgovarala niti jednoj kategoriji kineskog slikarstva. Najveći spoj prirode i čovjeka postat će obilježje raznih žanrova japanske umjetnosti.
Razdoblje Kamakura (1185.-1333.) i razdoblje Muromachi (1333.-1568.)
Krajem 12. stoljeća, prijestolnica je ponovno premještena, vlast u zemlji kao rezultat krvavog građanskog sukoba preuzeo je klan Minamoto, čiji je glava preselio prijestolnicu u svoje naselje Kamakura, čije je ime postalo ime sljedeća faza u povijesti Japana. Vojna klasa samuraja došla je na vlast u zemlji, među kojima su došli šoguni - stvarni vojni vladari Japana, car, koji je ostao u Nari, zadržao je samo nominalne atribute moći. Sofisticiranost dvorske kulture samuraja preferirala je jednostavnost. Samostani zen sekte više nisu uključivali pagode, hramovi su nalikovali seoskim kolibama. Od kraja XIII stoljeća. pod utjecajem panteističkih ideja zen sekte, krajolik je počeo utjelovljivati ideju o prisutnosti budističkih božanstava u svim pejzažnim objektima. U samostanima Kamakure razvila se ikonografija portreta minskog patrijarha: sjedeći i smireni stav s naglašenom karakteristikom lica, hipnotičkom snagom pogleda. Pod utjecajem zen sekte, skulptura je potisnuta u drugi plan, slikarstvo, posebno pejzažno slikarstvo, izražava stav ljudi ovog doba.
Razdoblje Muromachi počinje događajima iz 1333. godine, kada su feudalni gospodari jugoistočnih regija otoka Honshu zauzeli i spalili Kamakura, vraćajući prijestolnicu Heianu. Bilo je to vrijeme unutarnjih sukoba i ratova feudalnih klanova. Vodeće za vrijeme nevolja bilo je učenje pristaša zen sekte da se, postigavši jedinstvo s prirodom, može pomiriti s nedaćama života i postići jedinstvo sa svijetom. Prvo mjesto u japanska umjetnost pod utjecajem zen učenja da je Buddhino “tijelo” priroda dolazi do izražaja pejzažno slikarstvo. U drugoj polovici XII stoljeća. slikanje crnom tintom prodrlo je u Japan iz Kine. Japanci koji su se pretežno bavili takvim slikanjem bili su pripadnici zen sekte. Stvorili su novi stil koji je objasnio novu vjeru (shigaku – spoj slikarstva i poezije). 15. i 16. stoljeća - vrijeme najvećeg procvata slikarstva tušem, čiji je vodeći majstor bio Sesshu Toyo (1420.-1506.). Paralelno s ovim stilom postojao je i stil yamato-e.
Promjene u društveno-političkim odnosima koje su u prvi plan izbacile vojni stalež dovele su i do pojave u 16.st. arhitektonski stil"sein". Prethodno jedinstveni volumen kuće sada je podijeljen uz pomoć kliznih vrata (shoji), kliznih pregrada (fusuma). U sobama se pojavilo posebno mjesto za nastavu - polica za knjige i prozor sa širokim prozorskim pragom i nišom (tokonoma) u koju je stavljen buket ili kamen čudnovatog oblika i obješen okomiti svitak.
U XVI. stoljeću. U povijesti japanske arhitekture paviljoni za čaj pojavljuju se u vezi s potrebom za ispravnim vođenjem ceremonije čaja. Čaj su u Japan tijekom razdoblja Kamakura donijeli budistički redovnici kao napitak. Ritual čaja (cha-no-yu) uveden je na inicijativu zen monaha Murata Shukoa i zahtijevao je posebnu metodu za njegovo provođenje. Tako se i dogodilo novi tip arhitektonska građevina - chashitsu (paviljon za ceremoniju čaja), u svojoj konstruktivnoj osnovi bila je bliska stambenoj zgradi, au funkciji - budističkom hramu. Nosači paviljona za čaj bili su drveni, strop je bio obložen bambusom ili trskom. Unutar kolibe obložene prostirkama, 1,5 ili 2 tatamija sa zidovima od čerpića, malim prozorima različitih razina, tokonoma nišom s obješenim jednobojnim krajolikom i cvijetom u vazi, bilo je ognjište, polica za posuđe.
Tijekom razdoblja Muromachi, umjetnost vrtlarstva je cvjetala. Japanski vrtovi su drugačiji. Mali vrtovi najčešće su smješteni u hramovima ili povezani s tradicionalnim domom, dizajnirani su za promatranje. Veliki uređeni vrtovi dizajnirani su tako da ih se percipira iznutra.
Kondo - (jap. zlatna dvorana) - glavni hram Budistički kompleks koji sadrži ikone, kipove, zidne slike
Vrt Zen hrama izgrađen je prema principu jednobojnog pejzažnog svitka. Umjesto lista papira, umjetnik je koristio prostranstvo jezera ili platforme prekrivene šljunkom, umjesto mrlja i ispiranja debelog - kamenja, mahovine, lišća drveća i grmlja. Postupno je cvijeće nestalo iz vrta, zamijenile su ga mahovine i grmlje, kamenje se počelo koristiti umjesto mostova. Neki su vrtovi bili pejzažni, brdoviti (tsukiyama). Vrtovi Tsukiyama bili su kombinacija prirodnih elemenata poput kamenja, mahovine, drveća, jezerca, uz obavezni paviljon na obali. Najstariji pejzažni vrt nalazi se u Kyotu i pripada samostanu Sohoji. Suhi vrtovi zvali su se "hiraniva", tj. ravan. Hiraniva je "filozofski" vrt, jer je od gledatelja zahtijevao razvijenu maštu. Vrt hiraniwa “ostao je od kamenja, pijeska, šljunka. S tri strane zatvoren zidom koji ga je okruživao, vrt je bio namijenjen samo za razmišljanje. Krajem XV stoljeća. stvorio jedan od najpoznatijih suhih vrtova u samostanu Ryoanji. Uključuje 15 kamenova smještenih na pravokutnoj šljunčanoj površini. U vrtu hiraniwa samostana Daitokuji, stvorenom 1509. godine, priroda je predstavljena kompozicijama od kamenja i šljunka. Jedan od dijelova vrta nazvan je "ocean praznine" i sastoji se od dva niska šljunčana brežuljka u sredini pravokutnog prostora. Vrtovi bi se mogli nadopunjavati.
Krajem XV stoljeća. nastala je dvorska škola dekorativnog slikarstva Kano. Utemeljitelj škole Kano Masanobu (1434.-1530.) potječe iz vojnog sloja, postavši priznati dvorski profesionalni umjetnik. Njegovi krajolici imali su samo prvi plan, sve ostalo bilo je prekriveno maglovitom izmaglicom. Naglasak na jednom određenom subjektu slike postat će karakterističan za školu Kano. Glavno mjesto u radu umjetnika škole Kano zauzimale su dekorativne zidne slike i zasloni s žanrovskim slikarstvom. Zidne slike postale su glavna komponenta sinteze s arhitektonskom formom i sredstvo utjecaja na figurativno značenje arhitektonskog prostora. S druge strane, značajke arhitektonskog oblika zahtijevale su određene stilske kvalitete slika, zbog čega se postupno formirao novi stilski kanon, koji se u japanskom slikarstvu očuvao do 19. stoljeća.
Shinden je vrsta stambene zgrade. Pravokutna tlocrtna jednodvorana glavna zgrada, južnim pročeljem okrenuta prema trgu, s istočne i zapadne strane uokvirena galerijama
Razdoblje Momoyame (1X73.-1614.)
I ovaj put je era feudalnih ratova došla kraju, vlast u zemlji je prešla na uzastopne vojne diktatore - Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi i Iyaesu Tokugawa. Bilo je to vrijeme urbanog rasta, sekularizacije i demokratizacije kulture, prodora novih vrijednosnih orijentacija. Kultna arhitektura izgubila je nekadašnji značaj. Novi vladari Japana proglasili su svoju moć izgradnjom grandioznih dvoraca, čija je izgradnja uzrokovana pojavom vatrenog oružja u Japanu i odgovarajućom promjenom taktike borbe i obrane. Dvorac je postao temeljno nova vrsta japanske arhitekture. Asimetrično smješten teritorij dvorca, okružen jarkom te stražarskim i ugaonim kulama, uključivao je središnji trg te mnoga dvorišta i prostorije, podzemna skloništa i prolaze. Stambeni prostor nalazio se u drvenoj zgradi smještenoj na području dvorca sa strogom hijerarhijom unutarnjeg prostora, odražavajući društvenu hijerarhiju. Interijeri dvoraca, uronjeni u sumrak, bili su najprikladniji za dekorativne zidne slike, grandiozne veličine, ispunjene jarkim bojama na zlatnoj pozadini.
Kano Eitoku (1543-1590). Tvorac novog stila zidnih slika, osmišljenih da veličaju vojne diktatore. Prvi je razvio princip jedinstvene kompozicije na velikim vodoravnim površinama, povećavajući oblike, napuštajući male dijelove prenijeti ne samo siluete, već i dinamiku njihovih oblika. Eitoku karakterizira želja da se poveća ravnost slike, da se poboljšaju njezine dekorativne kvalitete. Dakle, na mjestima koja simboliziraju prazan prostor, postoje mrlje s primjesom zlatnog praha. Prostor kompozicije nije se odvijao u dubini, već duž pogleda.
Godine 1576. na obali jezera Biwa podignut je do tada nepoznati dvorac s kolosalnom sedmokatnom kulom, koja je trebala demonstrirati moć diktatora Oda Nobunage. Značajka dvorca bila je prisutnost ne samo službenih, već i privatnih odaja. Glavni ukrasi prostorija bile su zidne slike, koje je naručio Kano Eitoku, koji je na njima radio tri godine s velikom grupom pomoćnika. Kano Eitoku, kojeg je diktator požurivao s izvršenjem naredbe, počeo je povećavati forme, koristeći debeli kist od rižine slame, pribjegavajući lakonskom umjetničkom jeziku. Glavno mjesto zauzela je slika drveća, cvijeća, ptica i životinja. Shema boja bila je svijetla, nije bilo nijansi boja.
Promjena društvene situacije u zemlji nakon dolaska Tokugawa šoguna na vlast dovela je do zabrane gradnje dvoraca.
U djelu umjetnika prve trećine XVII. nove osobine počinju preuzimati. U slikarstvu je postala zamjetnija želja za uravnoteženim, smirenim kompozicijama, rast ornamentalnih oblika, interes za kulturu Heian ere i djela yamato-e. Posebnost Kano škole ovog vremena je ornamentalnost i povećana dekorativnost. Kada je u drugoj četvrtini XVII. zabranjena je gradnja dvoraca, paravan je postao glavni oblik dekorativnog slikarstva. Monumentalnost Kano Eitoku ostavila je dekorativno slikarstvo. Umjetnost je dobila osobni kolorit koji je utjecao na njezine stilske kvalitete. Dekorativni slika XVII V. najčešće inspiriran junacima i temama klasične književnosti, odražavajući raspon interesa plemenske aristokracije, te jazavčar nadolazeće buržoaske elite. U staroj prijestolnici - Kyotu razvilo se dekorativno slikarstvo.
Ogata Korin postala je glasnogovornica ukusa novih konzumenata umjetnosti - stanovnika grada, trgovaca i obrtnika. novi predstavnik Kano škole.
Emakimano je vodoravni svitak izrađen od papira ili svile nalijepljen na podlogu uokvirenu brokatnim rubom s drvenim valjkom na kraju.
Ogata Korin (1658.-1716.) živio je kao bogataš, neprestano obilazeći "zabavne četvrti". Tek nakon propasti, suočen s teškom potrebom za zaradom za život, počeo je oslikavati tkanine i slikati. Ogata Korin bavila se i keramikom i lakom, oslikanim kimonima i lepezama. Kako
majstor, započeo je upoznavanjem tradicionalno slikarstvo i njezine metode. Korin je uvijek težio kompaktnosti, ravnoteži oblika, istaknuta značajka stvaralački način - usmjerenost na razvoj nekoliko motiva radnje, njihovo opetovano ponavljanje i varijacije. U djelu Ogate Korin prvi put se pojavljuje rad iz prirode. U slici paravana “Šljiva crvena i bijela” motiv radnje koji preuzima Korin seže u klasičnu poeziju sa slikama ranog proljeća i prirode koja se budi. S obje strane potoka, na zlatnoj podlozi, ispisana su rascvjetana stabla: zdepasto, s debelim zakrivljenim deblom i gotovo okomito uzdignutim granama, crvena šljiva i još jedna, naznačena samo podnožjem debla i oštro zakrivljena, kao da pada u vodu, i stoga iznenada pucao uvis grana, posuta bijelim cvijećem.
Kano Eitoku jastreb na boru. Zaslon. Detalj s kraja 16. stoljeća.
Ogata Kenzan (1663-1743), za razliku od svog starijeg brata Ogata Korina, od mladosti je težio duhovnim vrijednostima, bio je sljedbenik zen budizma, poznavao je kineski i japanski klasična književnost, kazalište Noh, čajni ritual. Na području koje pripada hramu Ninnaji, Kenzan je dobio dopuštenje za izgradnju vlastite keramičke peći, koja je proizvodila proizvode 13 godina do 1712. Nije težio profitabilnosti, vodio se idejom stvaranja visokoumjetničkih proizvoda . U volumetrijskom slikarstvu prvi je put upotrijebio tradicionalne tehnike slikanja tušem. Kenzan je počeo koristiti boju, pisao je na vlažnoj krhotini, porozna glina upijala je boju, poput papira u slikanju tušem. Poput svog velikog suvremenog pjesnika Bashoa, koji je popularni niski žanr haikua pretvorio u otkrovenje, Ogata Kenzan je pokazao da obični keramički tanjuri, šalice, vaze mogu biti i utilitarni predmeti, ali u isto vrijeme poetsko remek-djelo umjetnosti.
Edo razdoblje (1614.-1868.)
Godine 1615. samuraji su preseljeni iz Kyota u Edo. Porastao je značaj klase trgovaca, trgovaca i lihvara, koncentriranih u Mari, Kyotu i Osaki. Za predstavnike ovih društvene grupe karakterizirala je sekularna percepcija života, želja da se oslobode utjecaja feudalnog morala. Umjetnost se po prvi put bavi temama svakodnevnog života, uključujući i život tzv. zabavne četvrti - svijet čajana, Kabuki teatra, sumo hrvača. Pojava drvoreza povezana je s demokratizacijom kulture, budući da gravure karakterizira cirkulacija, jeftinoća i pristupačnost. Nakon kućno slikarstvo graviranje je postalo poznato kao ukiyo-e (doslovno - smrtni promjenjivi svijet).
Proizvodnja gravura dobila je širok opseg. Rano razdoblje u razvoju ukiyo-e grafike povezano je s imenom Hasikawe Moronobua (1618.-1694.), koji je prikazivao jednostavne scene iz života stanovnika čajana, obrtnika, kombinirajući događaje u različitim vremenima, međusobno nepovezane. drugi, na jednoj graviri. Pozadina gravura ostala je bijela, linije su bile jasne. Postupno se raspon tema gravura proširio, zanimanje ne samo za vanjski, već i za unutarnji svijet likova postalo je dublje. Japanska gravura 1780-1790. ulazi u svoj procvat. Suzuki Haranobu (1725-1770) prvi je počeo otkrivati unutrašnji svijet heroji u gravurama poput “Ljepotice čupaju granu šljive”, “Ljubavnici u snijegom prekrivenom vrtu”. Prvi je upotrijebio tehniku valjanja, koja stvara prijelaz iz tamnog u svijetli ton, mijenjao je debljinu i teksturu linija. Nikad nije mario za prave boje, more na njegovim gravurama je ružičasto, nebo je pjeskovito, trava plava, sve ovisi o općem emocionalno raspoloženje scene. Jedno od njegovih najboljih djela, “Lovers Playing the Same Shamisen”, inspirirano je japanskom poslovicom “Ako glazba promiče ljubav, sviraj”.
Tokonoma - niša u unutrašnjosti kuće za čaj
Kitagawa Utamaro (1753-1806) - izvanredan ukiyo-e majstor. Njegov rad započeo je albumima "The Book of Insects", "Songs of Shells". U svojim dopojasnim portretima žena do poprsja, Utamaro prvi put koristi tinjac u prahu koji stvara svjetlucavu pozadinu. Savršena ljepota Utamaro s gracioznim oblikom i pristajanjem glave,
tanak vrat, mala usta, kratke crne obrve. U seriji „Deset ženski likovi"i" Dani i sati žene "nastojao je prepoznati različite tipove izgleda i karaktera žena. Krajem 90-ih. u Utamaro se bavi temom majčinstva u gravirama kao što su "Majka s djetetom" i "Igra s loptom", u isto vrijeme stvara triptihe i poliptihe na povijesne teme, pribjegavajući neizravnom označavanju (heroji zemlje prikazani su kao ljepotice). Teshusai Shyaraku stvorio je niz portreta glumaca kabuki kazališta i sumo hrvača. Napustio je općeprihvaćene tradicije, učinivši grotesku svojom glavnom tehnikom. Treće razdoblje u razvoju ukiyo-e grafika pada na 1800-1868. U to se vrijeme povećao utjecaj nizozemskih i njemačkih bakropisa na japansku umjetnost. Za kreativnost umjetničke dinastije Utagawa, odbacivanje potrage za individualnošću, želja za formalnom elegancijom postali su likovi. Procvat pejzažnog žanra u graviranju povezan je s imenom Katsushike Hokusaija (1760.-1849.). Hokusai je proučavao drevnu i modernu japansku umjetnost, poznavao umjetnost Kine i upoznao se s europskim graviranjem. Do gotovo 50. godine Hokusai je radio u tradicionalnoj maniri ukiyo-e umjetnika. Tek u Manga albumima (knjiga skica), čiji je prvi svezak objavljen 1812., Hokusai je pronašao svoje polje umjetnosti. Sada je slikao svakodnevne scene, krajolike, mnoštvo.
japanski pejzažni vrtovi
U dobi od 70 godina, Hokusai je stvorio svoju seriju "36 pogleda na planinu Fuji", na svakoj od gravura umjetnik prikazuje planinu Fuji. Kombinacija žanrovske teme s krajolikom značajka je Hokusaija. Za razliku od drevnih pejzažista, Hokusai prikazuje zemlju odozdo. U isto vrijeme stvara serije "Putovanje kroz slapove zemlje", "Mostovi", "Veliko cvijeće", "100 pogleda na Fuji". Hokusai je mogao prenijeti stvari iz neočekivanog kuta. Na gravirama 100 pogleda na Fuji, planine ili izranjaju iz noćne tame, poput vizije, ili su vidljive iza stabljika bambusa, ili se odražavaju u jezeru. Hokusaijev sljedbenik Ando Hiroshige (1797.-1858.) mnogo je realističnije slikao prirodu. Riječni agent po zanimanju, puno je putovao po zemlji, stvarajući svoje serije "53 Tokaido Stations", "8 Views of Lake Omi", "69 Views of Kishikaido". Umjetnost Hiroshigea približava se europskom slikarstvu, dovršavajući dvjestogodišnji vrhunac ukiyo-e graviranja.
ArtelinoVeliki val kod Kanagawe Katsushike Hokusaija (1760.-1849.) jedna je od najpoznatijih grafika i prvi list serije Trideset i šest pogleda na Fuji. Početkom 1830-ih Katsushika Hokusai, po narudžbi izdavačke kuće Eijudo, počeo je stvarati seriju od 46 listova (36 glavnih i 10 dodatnih), a Veliki val kod Kanagawe bila je gravura koja otvara cijelu seriju.
Takve zbirke gravura služile su ondašnjim građanima kao svojevrsno "virtualno putovanje", zgodan i jeftin način za zadovoljenje znatiželje. Otisci nalik Fujiju koštaju oko 20 moneta - otprilike isto kao dvostruka porcija rezanaca u japanskom restoranu tog vremena. Međutim, uspjeh je bio toliki da je do 1838. cijena Hokusaijevih listova narasla na gotovo 50 mon, a nakon smrti majstora samo je Val ponovno tiskan s novih ploča više od 1000 puta.
Iznenađujuće, unatoč navedenoj temi cijele serije, čini se da Fuji u Valu igra sporednu ulogu. Glavni "lik" na ovoj graviri je val, au prvom planu se odvija dramatična scena borbe čovjeka sa stihijom. Rubovi pjenastog grba izgledaju poput uvrnutih prstiju fantastičnog bijesnog demona, a bezličnost i neaktivnost ljudskih figura u čamcima ne ostavljaju sumnju tko će biti pobjednik u ovoj borbi. Međutim, to sučeljavanje nije sukob koji stvara zaplet gravure.
Zaustavljajući trenutak nakon kojeg se brodovi sudare, Hokusai omogućuje gledatelju da na trenutak vidi Fuji naspram sivog neba koje se tamni prema horizontu. Iako su japanski graveri već bili upoznati s načelima europskog linearnog i zračna perspektiva, nisu osjećali potrebu za ovom tehnikom. Tamna pozadina, kao i dugo putovanje oka iz prvog plana s čamcima kroz kretanje vala do Fujia, uvjeravaju oko da je sveta planina od nas odvojena morskim prostranstvom.
Fuji se uzdiže daleko od obale kao simbol stabilnosti i postojanosti, nasuprot olujnim stihijama. Jedinstvo i međuovisnost suprotnosti podloga je ideje kozmičkog reda i apsolutnog sklada u svjetonazoru Dalekog istoka, a upravo su one postale glavna tema gravure "Veliki val kod Kanagawe", koja je otvorila niz Katsushika Hokusai.
"Ljepotica Nanivaya Okita" Kitagave Utamaroa, 1795.-1796.
Umjetnički institut u Chicagu
Kitagawa Utamaro (1753.-1806.) s pravom se može nazvati pjevačem ženske ljepote japanskih grafika. ukiyo-e: stvorio je niz kanonskih slika japanskih ljepotica ( bijinga) - stanovnici čajana i poznate zabavne četvrti Yoshiwara u glavnom gradu Japana, Edu edo — ime Tokija prije 1868..
U bijinga gravuri nije sve baš onako kako se čini modernom gledatelju. Bogato odjevene plemenite dame u pravilu su se bavile sramotnim zanatom i pripadale su nižoj klasi, a gravure s portretima ljepotica imale su otvoreno reklamnu funkciju. U isto vrijeme, gravura nije dala ideju o izgledu djevojke, a iako se Okita iz čajane Nanivaya u blizini hrama Asakusa smatrala prvom ljepotom Eda, njeno lice u gravuri je potpuno lišen individualnosti.
Od 10. stoljeća ženske slike u japanskoj umjetnosti podliježu kanonu minimalizma. "Crta-oko, kuka-nos" - prijem hikime-kagihana dopustio je umjetniku samo da naznači da je prikazana određena žena: u japanskoj tradicionalnoj kulturi pitanje fizičke ljepote često je izostavljano. Kod žena plemenitog porijekla puno se više cijenila "ljepota srca" i obrazovanje, a stanovnici veselih četvrti nastojali su u svemu oponašati najviše uzore. Prema Utamaru, Okita je bila uistinu lijepa.
List “Ljepotica Nanivaya Okita” tiskan je 1795.-1796. u seriji “Slavne ljepotice uspoređene sa šest besmrtnih pjesnika”, u kojoj je svakoj ljepotici odgovarao jedan od pisaca 9. stoljeća. Na listu s portretom Okite u gornjem lijevom kutu nalazi se slika Arivare no Narihire (825.-880.), jednog od najcjenjenijih pjesnika u Japanu, kojemu se tradicionalno pripisuje roman Ise Monogatari. Ovaj plemeniti plemić i briljantni pjesnik proslavio se i svojim ljubavnim aferama od kojih su neke bile temelj romana.
Ovaj list je osebujna upotreba tehnike mitirati(usporedbe) u japanskoj graviri. Svojstva autoritativnog “prototipa” prenose se na prikazanu ljepoticu, a elegantnu kurtizanu, spokojna lica koja gostu poslužuje šalicu čaja, gledatelj već čita kao damu vještu poeziji i ljubavnim djelima. Usporedba s Arivarom no Narihirom doista je bila priznanje njezine nadmoći među ljepoticama iz Eda.
Istodobno, Utamaro stvara iznenađujuće lirsku sliku. Balansirajući tamne i svijetle mrlje na listu i ocrtavajući formu melodičnim, elegantnim linijama, on stvara doista savršenu sliku ljupkosti i sklada. „Oglašavanje“ se povlači, a ljepota koju je uhvatio Utamaro ostaje bezvremenska.
Ekran "Irises" Ogate Korin, 1710
Wikimedia Commons / Muzej Nezu, Tokio
Par šarenica sa šest panela - sada nacionalno blago Japana - stvorio je Ogata Korin (1658.-1716.) oko 1710. godine za hram Nishi Hongan-ji u Kyotu.
Od 16. stoljeća slikanje na zidnim panoima i papirnatim paravanima postalo je jedan od vodećih žanrova dekorativne umjetnosti u Japanu, a Ogata Korin, utemeljitelj umjetničke škole Rinpa, jedan je od njezinih najvećih majstora.
Zasloni u japanskom interijeru odigrali su važnu ulogu. Prostrane prostorije palače strukturno se nisu razlikovale od stanova jednostavnog Japanca: gotovo da nisu imale unutarnje zidove, a prostor je bio zoniran sklopivim zaslonima. Visoki nešto više od jednog i pol metra, paravani su dizajnirani za uobičajenu japansku tradiciju svih klasa da žive na podu. U Japanu se visoke stolice i stolovi nisu koristili sve do 19. stoljeća, a visina paravana, kao i kompozicija njegove slike, dizajnirani su za pogled osobe koja sjedi na koljenima. S ove točke gledišta nastaje nevjerojatan učinak: perunike kao da okružuju osobu koja sjedi - i osoba se osjeća na obali rijeke, okružena cvijećem.
Perunike su naslikane bez kontura - gotovo impresionistički, široki potezi tamnoplave, lila i ljubičaste tempere dočaravaju raskošnost ovog cvijeta. Slikoviti učinak pojačan je mutnim svjetlucanjem zlata na kojem su prikazane perunike. Zasloni prikazuju samo cvijeće, ali njihova kutna linija rasta sugerira da se cvijeće savija oko vijugavog toka rijeke ili cik-cak drvenih mostova. Za Japance bi bilo prirodno da na ekranu nedostaje most, poseban "most od osam dasaka" ( yatsuhashi slušajte)), povezan s perunikama u klasičnoj japanskoj književnosti. Roman Ise Monogatari (9. st.) opisuje tužno putovanje junaka protjeranog iz prijestolnice. Smjestivši se sa svojom pratnjom na odmor na obali rijeke u blizini mosta Yatsuhashi, junak, ugledavši perunike, prisjeća se svoje voljene i piše pjesme:
moja voljena u odjeći
Graciozna tamo, u glavnom gradu,
Ljubav je ostala...
I s čežnjom razmišljam koliko
Daleko sam od nje... Prijevod N.I.Konrad.
“Tako se presavijao, a svi su suze lijevali na svoju osušenu rižu, tako da je nabubrila od vlage”, dodaje autor i lirski junak priče, Arivara no Narihira.
Obrazovanom Japancu poveznica perunika kraj mosta i Ise monogatari, perunika i teme rastavljene ljubavi bila je jasna, a Ogata Korin izbjegava opširnost i ilustrativnost. Uz pomoć dekorativnog slikarstva on samo stvara idealan prostor ispunjen svjetlom, bojom i literarnim konotacijama.
Zlatni paviljon Kinkakuji, Kyoto, 1397
Jevgen Pogorelov / flickr.com, 2006
Zlatni hram jedan je od simbola Japana, koji je, ironično, više proslavljen svojim uništenjem nego gradnjom. Godine 1950. mentalno nestabilni redovnik samostana Rokuonji, kojem pripada ova zgrada, zapalio je jezerce koje je stajalo na površini
paviljon U požaru 1950. godine hram je gotovo uništen. Restauratorski radovi u Kinkaku-ji započeli su 1955., do 1987. cjelovita rekonstrukcija je završena, ali obnova potpuno izgubljenog unutarnjeg uređenja nastavljena je do 2003.. Pravi motivi njegova čina ostali su nejasni, no u interpretaciji pisca Yukia Mishime za to je kriva nedostižna, gotovo mistična ljepota ovog hrama. Doista, Kinkakuji se nekoliko stoljeća smatrao oličenjem japanske ljepote.
Godine 1394. šogun Ashikaga Yoshimitsu (1358.-1408.), koji je podčinio gotovo cijeli Japan svojoj volji, formalno se povukao i nastanio u namjenski sagrađenoj vili u sjevernom Kyotu. Troslojna zgrada na umjetnom jezeru Kyokoti ("jezero-ogledalo") imala je ulogu svojevrsne pustinje, osamljenog paviljona za opuštanje, čitanje i molitvu. Sadržao je zbirku slika šoguna, knjižnicu i zbirku budističkih relikvija. Smješten na vodi blizu obale, Kinkakuji je imao samo komunikaciju čamcem s obalom i bio je isti otok kao i umjetni otoci s kamenjem i borovima raštrkani oko Kyokotija. Ideja o "otoku nebesnika" posuđena je iz kineske mitologije, u kojoj je otok Penglai, otok besmrtnika, služio kao slika nebeskog prebivališta. Odraz paviljona u vodi već budi budističke asocijacije na ideje o iluzornosti svijeta smrtnika koji je samo blijed odraz sjaja svijeta budističke istine.
Iako su svi ti mitološki prizvuci spekulativni, položaj paviljona daje nevjerojatan sklad i sklad. Refleksija skriva zdepastu zgradu, čineći je višom i vitkijom; u isto vrijeme, visina paviljona omogućuje da se vidi s bilo koje obale jezera, uvijek na tamnoj pozadini zelenila.
Ostaje, međutim, nejasno koliko je ovaj paviljon bio zlatan izvorni oblik. Vjerojatno je pod Ashikaga Yoshimitsuom doista bila prekrivena zlatnim listićima i zaštitni sloj lak. Ali ako vjerujete fotografijama iz 19. - početka 20. stoljeća i Yukio Mishime, tada se do sredine 20. stoljeća pozlata gotovo ogulila i njezini ostaci bili su vidljivi samo na gornjem sloju zgrade. U ovo doba, on je dirnuo dušu šarmom pustoši, tragom vremena, neumoljivim i prema najljepšim stvarima. Ovaj melankolični šarm odgovarao je estetskom principu sabi vrlo cijenjen u japanskoj kulturi.
Na ovaj ili onaj način, sjaj ove građevine uopće nije bio u zlatu. Izuzetna strogost Kinkakuji oblika i njegov besprijekoran sklad s krajolikom čine ga jednim od remek-djela japanske arhitekture.
Zdjela "Iris" u stilu karatsu, XVI-XVII stoljeća
Diane Martineau /pinterest.com/Muzej umjetnosti Metropolitan, New York
Riječ meibutsu- stvar s imenom. Zaista je sačuvan samo naziv ove čaše, budući da nije sačuvano točno vrijeme i mjesto njezina nastanka, kao ni ime majstora. Ipak, uvršten je među nacionalno blago Japana i jedan je od najsjajnijih primjera keramike u nacionalnom stilu.
Krajem 16. stoljeća ceremonija ispijanja čaja ča-no-ju napustila sofisticiranu Kineski porculan te keramika s glazurama koje podsjećaju na plemenite materijale. Njihova spektakularna ljepota činila se majstorima čaja previše umjetnom i otvorenom. Savršeni i skupi predmeti - zdjele, posude za vodu i spremnici za čaj - nisu odgovarali gotovo asketskim duhovnim kanonima zen budizma, u čijem se duhu razvila ceremonija čaja. Prava revolucija u djelovanju čaja bila je privlačnost japanskoj keramici, mnogo jednostavnijoj i neumjetnijoj u vrijeme kada su japanske radionice tek počele svladavati tehnologije kontinentalne keramike.
Oblik peruničke zdjele je jednostavan i nepravilan. Lagana zakrivljenost stijenki, lončarska udubljenja vidljiva po cijelom tijelu daju zdjeli gotovo naivnu lakoću. Krhotina gline prekrivena je svijetlom glazurom s mrežom pukotina - krakelurom. Na prednjoj strani, koja se obraća gostu tijekom ceremonije čaja, ispod glazure je nanesena slika irisa: crtež je naivan, ali izveden energičnim kistom, točno, kao u jednom pokretu, u duhu zena kaligrafija. Čini se da su i forma i dekor mogli biti izrađeni spontano i bez primjene posebnih snaga.
Ova spontanost odražava ideal wabi- jednostavnost i bezumnost, rađajući osjećaj duhovne slobode i sklada. Svaka osoba ili čak neživi predmet u pogledima japanskih sljedbenika zen budizma ima prosvijetljenu prirodu Bude, a napori adepta usmjereni su na otkrivanje ove prirode u sebi i svijetu oko sebe. Stvari korištene u ceremoniji čaja, uza svu svoju nespretnost, trebale su pobuditi duboki doživljaj istine, aktualnosti svakog trenutka, natjerati da se zaviri u najobičnije oblike i u njima vidi istinsku ljepotu.
Kontrast gruboj teksturi zdjelice i njezinoj jednostavnosti je restauracija sitno otkrhnutim zlatnim lakom (ova tehnika tzv. kintsugi). Restauracija je izvršena u 18. stoljeću i pokazuje poštovanje s kojim su se japanski majstori čaja odnosili prema priboru za čajnu ceremoniju. Dakle, ceremonija čaja pruža sudionicima "put" da otkriju pravu ljepotu stvari, kao što je zdjela s perunikom. Implicitnost, tajnovitost postala je osnova estetskog koncepta wabija i važan dio japanskog svjetonazora.
Portret redovnika Gandzina, Nara, 763
Toshodaiji, 2015. (enciklopedijska natuknica).
U VIII stoljeću skulptura je postala glavni oblik umjetničkog izražavanja epohe, Nara ere (710-794), povezane s formiranjem japanske državnosti i jačanjem budizma. Japanski majstori već su prošli fazu naukovanja i slijepog oponašanja kontinentalnih tehnika i slika te počeli slobodno i živo izražavati duh svoga vremena u kiparstvu. Širenje i rast autoriteta budizma uzrokovali su pojavu budističkog kiparskog portreta.
Jedno od remek-djela ovog žanra je portret Gandzina, nastao 763. godine. Izrađena u tehnici suhog laka (nagradnjom slojeva laka na drveni okvir obložen tkaninom), skulptura gotovo u prirodnoj veličini realistično je oslikana, a u sumraku hrama Ganjin je sjedio u pozi meditacije „kao ako je živ«. Ova životna sličnost bila je glavna kultna funkcija takvih portreta: učitelj je uvijek morao biti unutar zidina samostana Todaiji u gradu Nara i biti prisutan na najvažnijim božanskim službama.
Kasnije, u 11.-13. stoljeću, kiparski portreti dostigli su gotovo nemilosrdni iluzionizam, prikazujući staračku nemoć časnih učitelja, njihova udubljena usta, opuštene obraze i duboke bore. Ovi portreti gledaju pristaše budizma živim očima, umetnutim kamenim kristalom i drvom. Ali Gandzinovo lice izgleda mutno, u njemu nema jasnih kontura i jasnih oblika. Kapci poluzatvorenih i neinkrustiranih očiju izgledaju natečeni; napeta usta i duboke nazolabijalne bore više izražavaju uobičajeni oprez nego koncentraciju meditacije.
Sve te značajke otkrivaju dramatičnu biografiju ovog redovnika, priču o nevjerojatnom asketizmu i tragedijama. Ganjin, kineski budistički redovnik, pozvan je u Japan na ceremoniju posvećenja najvećeg samostana u Nari, Todaiji. Brod su zarobili pirati, neprocjenjivi svici i budističke skulpture koje su bile namijenjene udaljenom japanskom hramu nestali su u požaru, Ganjin je opekao lice i izgubio vid. Ali nije ostavio želju da propovijeda na dalekim rubovima civilizacije - naime, kako je Japan percipiran od strane kontinenta u to vrijeme.
Još nekoliko pokušaja prelaska mora završilo je na isti neuspješan način, a tek u petom pokušaju već sredovječni, slijepi i boležljivi Ganjin stiže do japanske prijestolnice Nare.
U Japanu Ganjin nije dugo podučavao budistički zakon: dramatični događaji u njegovu životu potkopali su njegovo zdravlje. Ali njegov je autoritet bio toliko visok da je, vjerojatno, čak i prije njegove smrti, odlučeno stvoriti njegovu skulpturu. Bez sumnje, umjetnici-redovnici nastojali su skulpturi dati što je moguće više sličnosti s modelom. Ali to nije učinjeno da se spasi izgled osobe, već uhvatiti njezino individualno duhovno iskustvo, taj teški put koji je Ganjin prošao i na koji je pozivalo budističko učenje.
Daibutsu - Veliki Buda iz hrama Todaiji, Nara, sredina 8. stoljeća
Todd/flickr.com
Sredinom 8. stoljeća Japan je stradao od prirodnih katastrofa i epidemija, a spletke utjecajne obitelji Fujiwara i pobuna koju su podigli natjerali su cara Shomua da pobjegne iz prijestolnice, grada Nare. U egzilu se zavjetovao da će slijediti put budističkih učenja i 743. naredio početak izgradnje glavnog hrama u zemlji i izlijevanje kolosalnog brončani kip Buddha Vairochana (Buddha Veliko sunce ili Sveobuhvatna svjetlost). Ovo se božanstvo smatralo univerzalnom inkarnacijom Buddhe Shakyamunija, utemeljitelja budističkih učenja, i trebalo je postati jamac zaštite cara i cijele zemlje tijekom razdoblja nemira i pobune.
Radovi su započeli 745. godine i rađeni su po uzoru na divovsku statuu Bude u pećinskim hramovima Longmen u blizini kineske prijestolnice Luoyanga. Kip u Nari, kao i svaka slika Buddhe, trebao je prikazivati "velike i male znakove Buddhe". Ovaj ikonografski kanon uključivao je izdužene ušne resice, što je podsjećalo na činjenicu da je Buddha Shakyamuni potjecao iz kneževske obitelji i da je od djetinjstva nosio teške naušnice, uzvišenje na vrhu glave (ushnisha), točku na čelu (urnu).
Visina kipa bila je 16 metara, širina lica 5 metara, duljina ispruženog dlana 3,7 metara, a urna je bila veća od ljudske glave. Izgradnja je odnijela 444 tone bakra, 82 tone kositra i golemu količinu zlata za kojim se posebno tragalo na sjeveru zemlje. Dvorana, Daibutsuden, podignuta je oko kipa kako bi zaštitila svetište. U svom malom prostoru blago pognuta figura Bude koja sjedi sjedi ispunjava cijeli prostor, ilustrirajući jedan od glavnih postulata budizma - ideju da je božanstvo sveprisutno i sveprožimajuće, ono obuhvaća i ispunjava sve. Transcendentalna smirenost lica i gesta ruke božanstva (mudra, gesta pružanja zaštite) nadopunjuju osjećaj smirene veličine i moći Buddhe.
Međutim, danas je ostalo samo nekoliko fragmenata izvornog kipa: požari i ratovi nanijeli su ogromnu štetu kipu u 12. i 16. stoljeću, a moderni kip uglavnom je odljev iz 18. stoljeća. Tijekom obnove u 18. stoljeću brončana figura više nije bila prekrivena zlatom. Budistički žar cara Shomua u 8. stoljeću praktički je ispraznio riznicu i raskrvario ionako šokiranu zemlju, a kasniji si vladari više nisu mogli priuštiti tako neumjereno trošenje.
Ipak, značaj Daibutsua ne leži u zlatu, pa čak ni u pouzdanoj autentičnosti - sama ideja tako grandioznog utjelovljenja budističkih učenja spomenik je eri kada su Japanci monumentalna umjetnost doživjela istinski procvat, oslobodila se slijepog kopiranja kontinentalnih uzora i postigla cjelovitost i izražajnost, koji su kasnije izgubljeni.
Japan? Kako se razvijao? Na ova i druga pitanja odgovorit ćemo u članku. Japanska kultura nastala je kao rezultat povijesnog kretanja koje je započelo kada su se Japanci preselili s kopna na arhipelag i rodila se civilizacija iz razdoblja Jomon.
Današnja prosvijećenost ovoga naroda bila je pod snažnim utjecajem Europe, Azije (osobito Koreje i Kine) i Sjeverna Amerika. Jedan od znakova japanske kulture je njezin dugi razvoj u doba potpune izolacije države (sakoku politika) od svih ostalih zemalja tijekom vladavine Tokugawa Shogunata, koja je trajala do sredine 19. stoljeća - početka Meiji era.
Utjecaj
Kako se razvijala umjetnička kultura Japana? Na civilizaciju su značajno utjecali izolirani regionalni položaj zemlje, klimatske i geografske značajke, kao i prirodne pojave (tajfuni i česti potresi). To se izražavalo u izuzetnom odnosu stanovništva prema prirodi kao živom biću. značajka nacionalni karakter Japanski je sposobnost divljenja trenutnoj ljepoti svemira, koja se izražava u mnogim vrstama umjetnosti u maloj zemlji.
Umjetnička kultura Japana nastala je pod utjecajem budizma, šintoizma i konfucijanizma. Isti ti trendovi utjecali su na njegov daljnji razvoj.
drevna vremena
Slažem se, umjetnička kultura Japana je veličanstvena. Šintoizam vuče korijene iz davnih vremena. Budizam se, iako se pojavio prije naše ere, počeo širiti tek od petog stoljeća. Razdoblje Heian (8.-12. st.) smatra se zlatnim dobom japanske državnosti. U istom je razdoblju slikovita kultura ove zemlje dosegla svoj najviši vrhunac.
Konfucijanizam se pojavio u 13. stoljeću. U ovoj fazi došlo je do odvajanja Konfucijeve filozofije od budizma.
Hijeroglifi
Slika umjetničke kulture Japana utjelovljena je u jedinstvenoj versifikaciji, koja se zove U ovoj zemlji je visoko razvijena i umjetnost kaligrafije, koja je, prema legendi, nastala iz nebeskih božanskih slika. Upravo su oni udahnuli život pisanju, pa je stanovništvo blagonaklono prema svakom znaku u pravopisu.
Priča se da su japanskoj kulturi dali hijeroglifi, jer su se iz njih pojavile slike koje okružuju natpis. Nešto kasnije počinje se uočavati snažan spoj elemenata slikarstva i poezije u jednom djelu.
Proučite li japanski svitak, otkrit ćete da djelo sadrži dvije vrste simbola. To su znakovi pisma - pečati, pjesme, kolofeni, kao i slikoviti. U isto vrijeme Kabuki teatar stekao je veliku popularnost. Drugačiju vrstu kazališta - Ali - preferira uglavnom vojno osoblje. njihova strogost i okrutnost snažno su utjecali na br.
Slika
Umjetničku kulturu proučavali su mnogi stručnjaci. Ogromnu ulogu u njegovom formiranju odigralo je kaiga slikarstvo, što na japanskom znači crtanje ili slikanje. Ova se umjetnost smatra najstarijom vrstom slikarstva države, koju određuje veliki broj rješenja i oblika.
U njemu posebno mjesto zauzima priroda koja određuje sveto načelo. Podjela slikarstva na sumi-e i yamato-e postoji od desetog stoljeća. Prvi stil razvio se bliže četrnaestom stoljeću. To je vrsta jednobojnog akvarela. Yamato-e su vodoravno presavijeni svici koji se obično koriste za ukrašavanje književnih djela.
Nešto kasnije, u 17. stoljeću, u zemlji se pojavio tisak na pločama - ukiyo-e. Majstori su prikazivali krajolike, gejše, poznate glumce kazališta Kabuki. Ova vrsta slikarstva u 18. stoljeću imala je snažan utjecaj na umjetnost Europe. Trend u nastajanju nazvan je "japanizam". U srednjem vijeku, kultura Japana nadišla je granice zemlje - počela se koristiti u dizajnu modernih i modernih interijera širom svijeta.
Kaligrafija
O, kako je lijepa umjetnička kultura Japana! Shvaćanje sklada s prirodom uočava se u svakom njezinom segmentu. Što je moderna japanska kaligrafija? Zove se shodo ("način obavijesti"). Kaligrafija je, kao i pisanje, obavezna disciplina. Znanstvenici su otkrili da je ova umjetnost tamo došla istodobno s kineskim pismom.
Usput, u davnim vremenima kultura osobe procjenjivala se prema razini kaligrafije. Danas postoji veliki broj stilova pisanja, a razvijaju ih budistički redovnici.
Skulptura
Kako je nastala japanska kultura? Proučit ćemo razvoj i vrste ovog područja ljudskog života što je moguće detaljnije. Skulptura je najstarija vrsta umjetnosti u Japanu. U davna vremena ljudi ove zemlje izrađivali su figurice idola i posuđe od keramike. Tada su ljudi počeli postavljati kipove khaniva, stvorene od pečene gline, na grobove.
Razvoj kiparskog zanata u modernoj japanskoj kulturi povezan je sa širenjem budizma u državi. Jedan od najstarijih predstavnika japanskih spomenika smatra se statua Buddhe Amitabhe, izrađena od drveta, smještena u hramu Zenko-ji.
Skulpture su se vrlo često izrađivale od greda, ali su izgledale vrlo bogato: majstori su ih prekrivali lakom, zlatom i svijetlim bojama.
Origami
Sviđa li vam se umjetnička kultura Japana? Shvaćanje sklada s prirodom donijet će nezaboravno iskustvo. karakteristična značajka Japanska kultura postala je nevjerojatan proizvod origamija ("presavijeni papir"). Ova vještina svoje podrijetlo duguje Kini, gdje je, zapravo, pergament i izumljen.
Isprva se "presavijeni papir" koristio u vjerskim obredima. Ovu umjetnost mogla je proučavati samo viša klasa. Ali nakon Drugog svjetskog rata origami je napustio domove plemića i pronašao svoje poklonike diljem svijeta.
Ikebana
Svatko bi trebao znati što je umjetnička kultura zemalja Istoka. Japan je uložio mnogo rada u njegov razvoj. Još jedna komponenta ove kulture divna zemlja je ikebana (“živo cvijeće”, “novi život cvijeća”). Japanci su ljubitelji estetike i jednostavnosti. Upravo su te dvije kvalitete uložene u radove. Sofisticiranost slika postiže se korisnim korištenjem prirodne ljepote vegetacije. Ikebana je, poput origamija, također služila kao dio vjerskog obreda.
Minijature
Vjerojatno su mnogi već shvatili da je umjetnička kultura drevne Kine i Japana usko isprepletena. A što je bonsai? Japanska je jedinstvena vještina uzgajati gotovo točnu minijaturnu repliku pravog stabla.
U Japanu je također uobičajeno izrađivati netsuke - male skulpture koje su svojevrsni privjesci za ključeve. Često su takve figurice u ovom svojstvu bile pričvršćene na odjeću Japanaca, koja nije imala džepove. Ne samo da su ga ukrašavali, već su služili i kao originalna protuteža. Privjesci za ključeve izrađivali su se u obliku ključa, torbice, pletene košare.
Povijest slikarstva
Umjetnička kultura drevnog Japana zanima mnoge ljude. Slikarstvo u ovoj zemlji nastalo je tijekom japanskog paleolitika i razvijalo se na ovaj način:
- Yamato razdoblje. U doba Asuke i Kofuna (4.-7. st.), uz uvođenje hijeroglifa, stvaranje državnog uređenja kineskog tipa i popularizaciju budizma, iz Kine su u Japan donesena mnoga umjetnička djela. Nakon toga, slike u kineskom stilu počele su se reproducirati u Zemlji izlazećeg sunca.
- Nara vrijeme. U VI i VII stoljeću. Budizam se nastavio razvijati u Japanu. U tom je pogledu počelo cvjetati religiozno slikarstvo, kojim su se ukrašavali brojni hramovi koje je gradila aristokracija. Općenito, u doba Nara doprinos razvoju kiparstva i umjetnosti bio je veći nego u slikarstvu. Rane slike u ovom ciklusu uključuju murale na unutarnjim zidovima hrama Horyu-ji u prefekturi Nara, koji prikazuju život Shakyamuni Buddhe.
- Heian doba. U japanskom slikarstvu, počevši od 10. stoljeća, ističe se trend yamato-e, o čemu smo gore pisali. Takve slike su horizontalni svici koji se koriste za ilustraciju knjiga.
- Era Muromachija. U XIV. stoljeću pojavio se stil Supi-e (jednobojni akvarel), au prvoj polovici XVII. umjetnici su počeli tiskati gravure na daskama – ukiyo-e.
- Slikarstvo ere Azuchi-Momoyama u oštrom je kontrastu sa slikarstvom Muromachijevog razdoblja. Ima polikromni stil s opsežnom upotrebom srebra i. Tijekom tog razdoblja uživao je veliki ugled i slavu obrazovna ustanova Kano. Njegov osnivač bio je Kano Eitoku, koji je oslikao stropove i klizna vrata za odvojene prostorije. Takvi crteži ukrašavali su dvorce i palače vojnog plemstva.
- Maiji doba. Od druge polovica XIX stoljeća, umjetnost se podijelila na konkurentne tradicionalne i europske stilove. Tijekom Maiji ere Japan je doživio velike društvene i političke promjene kroz proces modernizacije i europeizacije koji su organizirale vlasti. Mladi perspektivni umjetnici slani su u inozemstvo na studij, a inozemni umjetnici dolazili su u Japan kako bi kreirali školske umjetničke programe. Bilo kako bilo, nakon početnog naleta znatiželje o zapadnom umjetničkom stilu, visak se vratio i japanski tradicionalni stil je ponovno rođen. Godine 1880. zapadnjačke umjetničke prakse bile su zabranjene na službenim izložbama i žestoko kritizirane.
Poezija
Umjetnička kultura drevnog Japana još se proučava. Njegova značajka je svestranost, poneka sintetika, jer je nastala pod utjecajem različitih religija. Poznato je da je japanska klasična poezija izranjala iz svakodnevice, djelovala u njoj, a ta njena prizemnost donekle je sačuvana iu tradicionalnim oblicima današnje poezije – trostihu haiku i peterostihu tanki, koji se odlikuju naglašenim masovni karakter. Inače, upravo ih to svojstvo razlikuje od "slobodnog stiha" koji gravitira elitizmu, a koji se u Japanu pojavio početkom 20. stoljeća pod utjecajem europske poezije.
Jeste li primijetili da su faze razvoja umjetničke kulture Japana višestruke? Poezija je u društvu ove zemlje imala posebnu ulogu. Jedan od najpoznatijih žanrova je haiku, možete ga razumjeti samo ako se upoznate s njegovom poviješću.
Prvi put se pojavio u doba Heian, bio je sličan renga stilu, koji je bio svojevrsni ispušni ventil za pjesnike koji su se htjeli odmoriti od promišljenih stihova waha. Haikai se razvio u zaseban žanr u 16. stoljeću kada je renga postala previše ozbiljna i haiku se oslanjao na kolokvijalni i dalje je bio duhovit.
Naravno, umjetnička kultura Japana ukratko je opisana u mnogim djelima, ali pokušat ćemo o tome govoriti detaljnije. Poznato je da je u srednjem vijeku jedan od najpoznatijih japanskih književnih žanrova bila tanka („lakonična pjesma“). U većini slučajeva riječ je o peterostihu koji se sastoji od para strofa s fiksnim brojem slogova: 5-7-5 slogova u tri retka prve strofe i 7-7 u dva retka druge. Što se sadržaja tiče, tanka koristi sljedeću shemu: prva strofa predstavlja određenu prirodnu sliku, a druga odražava osjećaj osobe koja odjekuje tom slikom:
- U dalekim planinama
Dugorepi fazan drijema -
Ova duga, duga noć
Mogu li spavati sam? ( Kakinomoto no Hitovaro, početak 8. stoljeća, preveo Sanovich.)
Japanska dramaturgija
Mnogi tvrde da je umjetnička kultura Kine i Japana očaravajuća. Volite li izvedbene umjetnosti? Tradicionalna dramaturgija Zemlje izlazećeg sunca dijeli se na joruri (lutkarsko kazalište), dramaturgiju Noh teatra (kyogen i yokyoku), kabuki teatar i shingeki. Običaji ove umjetnosti uključuju pet osnovnih kazališnih žanrova: kyogen no, bugaku, kabuki i bunraku. Svih ovih pet tradicija i danas su prisutne. Unatoč kolosalnim razlikama, povezuju ih zajednička estetska načela koja podupiru japansku umjetnost. Inače, dramaturgija Japana nastala je na pozornici br.
Kabuki kazalište pojavilo se u 17. stoljeću, a vrhunac je doseglo krajem 18. stoljeća. Forma predstava koja se razvila u navedenom razdoblju sačuvana je na suvremenoj pozornici Kabukija. Predstave ovog kazališta, za razliku od pozornica No, usmjerenih na uski krug štovatelja antičke umjetnosti, namijenjene su masovnoj publici. Korijeni kabuki vještine potječu iz nastupa komičara – izvođača malih farsi, scena koje su se sastojale od plesa i pjevanja. Kazališna vještina Kabukija apsorbirala je elemente jorurija i br.
Pojava Kabuki kazališta povezana je s imenom radnika budističkog svetišta O-Kuni u Kyotu (1603.). O-Kuni je nastupio na pozornici s vjerskim plesovima, koji su uključivali pokrete narodnih plesova Nembutsu-odori. Njezini su nastupi bili prošarani komičnim igrokazima. U ovoj fazi, produkcije su se nazivale yujo-kabuki (kabuki kurtizana), o-kuni-kabuki ili onna-kabuki (kabuki za žene).
gravure
U prošlom stoljeću Europljani, a zatim i Rusi, susreli su se s fenomenom japanske umjetnosti kroz graviranje. U međuvremenu, u Zemlji izlazećeg sunca crtanje po drvetu isprva se uopće nije smatralo vještinom, iako je imalo sva svojstva masovne kulture - jeftinost, dostupnost, tiraž. Ukiyo-e poznavatelji uspjeli su postići najvišu razumljivost i jednostavnost kako u utjelovljenju zapleta tako iu svom izboru.
Ukiyo-e je bila posebna umjetnička škola, pa je uspjela iznijeti brojne izvanredne majstore. Tako se ime Hisikawa Moronobu (1618.-1694.) povezuje s početnom fazom razvoja graviranja zapleta. Sredinom 18. stoljeća stvara Suzuki Harunobu, prvi poznavatelj višebojnog graviranja. Glavni motivi njegova rada bili su lirski prizori, u kojima se pozornost nije posvećivala radnji, već prijenosu raspoloženja i osjećaja: ljubavi, nježnosti, tuge. Poput izvrsne drevne umjetnosti Heian ere, ukiyo-e virtuozi oživjeli su izvanredan kult izuzetne ljepote žene u obnovljenom urbanom okruženju.
Jedina je razlika bila u tome što su umjesto ponosnih Heian aristokrata, grafike prikazivale graciozne gejše iz zabavnih četvrti Eda. Umjetnik Utamaro (1753-1806) možda je jedinstven primjer profesionalca u povijesti slikarstva, koji je svoje stvaralaštvo u potpunosti posvetio prikazivanju dama u raznim pozama i haljinama, u različitim životnim okolnostima. Jedno od njegovih najboljih djela je gravura "Geisha Osama", koja se čuva u Moskvi, u Puškinovom muzeju slikarstva. Umjetnik je neobično suptilno prenio jedinstvo geste i raspoloženja, izraza lica.
Manga i anime
Mnogi umjetnici pokušavaju proučavati slikarstvo Japana. Što je anime (japanska animacija)? Od ostalih žanrova animacije razlikuje se po tome što je više prilagođen odraslom gledatelju. Ovdje postoji dvostruka podjela na stilove za jednoznačnost ciljanu publiku. Mjera simpatije je spol, dob ili psihološki portret gledatelja. Vrlo često, anime je filmska adaptacija japanskih manga stripova, koji su također dobili veliku slavu.
Osnovni dio mange dizajniran je za odraslog gledatelja. Prema podacima iz 2002. oko 20% cjelokupnog japanskog tržišta knjiga zauzimali su manga stripovi.
Japan nam je geografski blizu, ali je, unatoč tome, dugo vremena ostao nerazumljiv i nedostupan cijelom svijetu. Danas znamo mnogo o ovoj zemlji. Duga dobrovoljna izolacija dovela je do toga da se njezina kultura potpuno razlikuje od kultura drugih država.
Ima vrlo bogatu povijest; njegova je tradicija opsežna, s jedinstvenim položajem Japana u svijetu koji uvelike utječe na dominantne stilove i tehnike japanskih umjetnika. Poznata činjenica To što je Japan stoljećima bio prilično izoliran nije posljedica samo geografskog položaja, već i dominantne japanske kulturne sklonosti izolaciji koja je obilježila povijest zemlje. Tijekom stoljeća onoga što bismo mogli nazvati "japanskom civilizacijom", kultura i umjetnost razvijale su se odvojeno od onih u ostatku svijeta. I to je čak vidljivo u praksi japanskog slikarstva. Na primjer, slike Nihonge među glavnim su elementima japanske slikarske prakse. Temelji se na više od tisuću godina tradicije, a slike se najčešće stvaraju kistovima na vašem (japanski papir) ili egini (svila).
Međutim, japanska umjetnost i slikarstvo bili su pod utjecajem strane umjetničke prakse. Prvo, kineska umjetnost u 16. stoljeću i kinesko slikarstvo i kineska umjetnička tradicija bili su posebno utjecajni na nekoliko načina. Od 17. stoljeća japansko je slikarstvo također bilo pod utjecajem zapadne tradicije. Osobito je u predratnom razdoblju, koje je trajalo od 1868. do 1945., japansko slikarstvo bilo pod utjecajem impresionizma i europskog romantizma. U isto vrijeme, novi europski umjetnički pokreti također su bili pod značajnim utjecajem japanskog umjetničke tehnike. U povijesti umjetnosti taj se utjecaj naziva "japanizam", a posebno je značajan za impresioniste, kubiste i umjetnike povezane s modernizmom.
Duga povijest japanskog slikarstva može se promatrati kao sinteza nekoliko tradicija koje stvaraju dijelove priznate japanske estetike. Prije svega, budistička umjetnost i metode slikanja, kao i religijsko slikarstvo, ostavili su značajan trag u estetici japanskog slikarstva; slikanje krajolika vodenom tušem u tradiciji kineskog književnog slikarstva još je jedan važan element prepoznat u mnogim slavnim japanskim slikama; slikanje životinja i biljaka, posebno ptica i cvijeća, ono je što se obično povezuje s japanskim kompozicijama, kao i krajolici i scene iz Svakidašnjica. Konačno, antičke ideje o ljepoti iz filozofije i kulture starog Japana imale su velik utjecaj na japansko slikarstvo. Wabi, što znači prolazna i surova ljepota, sabi (ljepota prirodne patine i starenja) i yugen (duboka gracioznost i suptilnost) još uvijek utječu na ideale u praksi japanskog slikarstva.
Na kraju, ako se fokusiramo na odabir deset najpoznatijih japanskih remek-djela, moramo spomenuti ukiyo-e, koji je jedan od najpopularnijih žanrova umjetnosti u Japanu, iako pripada grafiki. Dominirao je japanskom umjetnošću od 17. do 19. stoljeća, a umjetnici koji su pripadali ovom žanru stvarali su drvoreze i slike tema kao što su lijepe djevojke, kabuki glumci i sumo hrvači, kao i scene iz povijesti i narodnih priča, prizore s putovanja i krajolike, floru i faunu pa i erotiku.
Uvijek je teško napraviti popis najbolje slike iz umjetničke tradicije. Mnoga nevjerojatna djela bit će isključena; međutim, ovaj popis sadrži deset najprepoznatljivijih japanskih slika u svijetu. U ovom će članku biti prikazane samo slike nastale od 19. stoljeća do danas.
Japansko slikarstvo ima izuzetno bogatu povijest. Tijekom stoljeća japanski su umjetnici razvili velik broj jedinstvenih tehnika i stilova koji su najvrjedniji doprinos Japana svijetu umjetnosti. Jedna od tih tehnika je sumi-e. Sumi-e doslovno znači "crtež tušem", kombinirajući kaligrafiju i tuš za stvaranje rijetke ljepote kompozicija naslikanih kistom. Ova ljepota je paradoksalna - drevna, ali moderna, jednostavna, ali složena, odvažna, ali prigušena, nedvojbeno odražava duhovnu osnovu umjetnosti u zen budizmu. Budistički svećenici su u šestom stoljeću iz Kine u Japan donijeli tvrdu tintu i bambusov kist, a tijekom proteklih 14 stoljeća Japan je razvio bogato nasljeđe slikanja tintom.
Pomaknite se prema dolje i pogledajte 10 remek-djela japanskog slikarstva
1. Katsushika Hokusai "San ribarske žene"
Jedna od najprepoznatljivijih japanskih slika je San ribarske žene. Naslikao ju je 1814. godine poznati umjetnik Hokusai. Prema strogim definicijama, ovo nevjerojatno Hokusaijevo djelo ne može se smatrati slikom, budući da se radi o ukiyo-e drvorezu iz Mladih borova (Kinoe no Komatsu), koji je trotomna šunga knjiga. Kompozicija prikazuje mladu ama ronilicu seksualno isprepletenu s parom hobotnica. Ova je slika bila vrlo utjecajna u 19. i 20. stoljeću. Djelo je utjecalo na kasnije umjetnike kao što su Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf i Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro piše nostalgičnu pjesmu dok gleda mjesec"
Tessai Tomioka pseudonim je poznatog japanskog umjetnika i kaligrafa. Smatra se posljednjim velikim umjetnikom u tradiciji Bunjing i jednim od prvih velikih umjetnika stila Nihonga. Bunjinga je bila škola japanskog slikarstva koja je cvjetala tijekom kasnog razdoblja Edo među umjetnicima koji su sebe smatrali književnicima ili intelektualcima. Svaki od ovih umjetnika, uključujući i Tessaiu, razvio je vlastiti stil i tehniku, no svi su bili veliki obožavatelji kineske umjetnosti i kulture.
3. Fujishima Takeji "Izlazak sunca nad istočnim morem"
Fujishima Takeji bio je japanski umjetnik poznat po svom radu na razvoju romantizma i impresionizma u umjetničkom pokretu Yoga (zapadnjački stil) kasnog 19. i ranog 20. stoljeća. Godine 1905. otputovao je u Francusku, gdje je bio pod utjecajem francuskih pokreta tog vremena, osobito impresionizma, što se može vidjeti na njegovoj slici Izlazak sunca nad Istočnim morem iz 1932. godine.
4. Kitagawa Utamaro "Deset tipova ženskih lica, zbirka dominantnih ljepotica"
Kitagawa Utamaro bio je istaknuti japanski umjetnik koji je rođen 1753., a umro 1806. godine. Daleko je najpoznatiji po seriji Deset tipova ženskih lica. Zbirka vladajućih ljepotica, teme Velika ljubav Klasična poezija" (ponekad nazvana "Zaljubljene žene", koja sadrži zasebne gravure "Gola ljubav" i "Zamišljena ljubav"). Jedan je od najznačajnijih umjetnika koji pripada žanru ukiyo-e drvoreza.
5. Kawanabe Kyosai "Tigar"
Kawanabe Kyosai bio je jedan od najpoznatijih japanskih umjetnika iz razdoblja Edo. Na njegovu umjetnost utjecao je Tohaku, kano slikar iz 16. stoljeća koji je bio jedini slikar svog vremena koji je u potpunosti slikao ekrane tintom na nježnoj pozadini od zlata u prahu. Iako je Kyosai poznat kao karikaturist, on je napisao neke od njih najviše poznate slike u japanskoj povijesti Umjetnost XIX stoljeća. "Tigar" je jedna od onih slika za koje je Kyosai koristio akvarel i tuš.
6. Hiroshi Yoshida Fuji iz jezera Kawaguchi
Hiroshi Yoshida poznat je kao jedna od glavnih figura stila Shin-Hanga (Shin-Hanga je umjetnički pokret u Japanu početkom 20. stoljeća, tijekom razdoblja Taisho i Showa, koji je oživio tradicionalna umjetnost ukiyo-e, koji se ukorijenio u razdoblju Edo i Meiji (XVII - XIX st.)). Bio je obučen u tradiciji zapadnjačkog uljanog slikarstva, koje je usvojeno u Japanu tijekom razdoblja Meiji.
7. Takashi Murakami "727"
Takashi Murakami vjerojatno je najpopularniji japanski umjetnik našeg vremena. Njegovi radovi prodaju se po astronomskim cijenama na velikim aukcijama, a njegov rad već nadahnjuje nove generacije umjetnika ne samo u Japanu nego i šire. Murakamijeva umjetnost uključuje niz medija i obično se opisuje kao super-ravna. Njegov je rad poznat po korištenju boja, uključujući motive iz japanske tradicionalne i popularne kulture. Sadržaj njegovih slika često se opisuje kao "simpatični", "psihodelični" ili "satirični".
8. Yayoi Kusama "Bundeva"
Yaoi Kusama također je jedan od najpoznatijih japanskih umjetnika. Radi u raznim medijima, uključujući slikarstvo, kolaž, scat skulpturu, umjetnost performansa, umjetnost okoliša i instalacije, od kojih većina pokazuje njezin tematski interes za psihodelične boje, ponavljanje i uzorke. Jedna od najpoznatijih serija ovog velikog umjetnika je serija Pumpkin. Točkasta pravilna tikva jarko žute boje prikazana je naspram mreže. Zajedno, svi takvi elementi tvore vizualni jezik koji je nepogrešiv za umjetnikov stil, a razvijao se i usavršavao tijekom desetljeća mukotrpne izrade i reprodukcije.
9. Tenmyoya Hisashi "Japanese Spirit #14"
Tenmyoya Hisashi je suvremeni japanski umjetnik koji je poznat po svojim neo-nihonga slikama. Sudjelovao je u oživljavanju stare tradicije japanskog slikarstva, koje je sušta suprotnost modernom japanskom slikarstvu. Godine 2000. stvara i svoj novi stil, butouha, koji svojim slikama pokazuje nepokolebljiv stav prema autoritativnom umjetničkom sustavu. "Japanski duh br. 14" nastao je u sklopu umjetničke sheme "BASARA", koja se u japanskoj kulturi tumači kao buntovničko ponašanje niže aristokracije u razdoblju Zaraćenih država, kako bi se vlastima oduzela mogućnost postizanja ideala. način života oblačeći se u raskošnu i raskošnu odjeću i ponašajući se slobodno.volja koja nije odgovarala njihovom društvenom sloju.
10. Katsushika Hokusai "Veliki val kod Kanagawe"
Konačno, Veliki val kod Kanagawe vjerojatno je najprepoznatljiviji japansko slikarstvo ikada napisano. Stvarno je najviše poznato djelo umjetnost proizvedena u Japanu. Prikazuje ogromne valove koji prijete brodovima u blizini obale prefekture Kanagawa. Iako se ponekad pogrešno smatra tsunamijem, val, kako naziv slike govori, najvjerojatnije jednostavno ima nenormalno visoku visinu. Slika je napravljena u tradiciji ukiyo-e.
Od: , 18346 pogleda
Japan je najmanja država na Dalekom istoku - 372 tisuće četvornih kilometara. Ali doprinos koji je Japan dao povijesti svjetske kulture nije manji od doprinosa velikih drevnih država.
Počeci umjetnosti ove drevne zemlje sežu u 8. tisućljeće pr. Ali najznačajnija etapa na svim područjima njezina umjetničkog života bilo je razdoblje koje počinje u 6.-7. st. nove ere. i nastavio se do sredine 19. stoljeća. Razvoj japanske umjetnosti odvijao se neravnomjerno, ali nije poznavao previše oštre promjene ili oštre padove.
Japanska umjetnost razvijala se u posebnim prirodnim i povijesnim uvjetima. Japan se nalazi na četiri velika otoka (Honshu, Hokkaido, Kyushu i Shioku) i mnogo manjih. Dugo je bila neosvojiva i nije poznavala vanjske ratove. Blizina Japana kopnu utjecala je na uspostavljanje kontakata s Kinom i Korejom u antičko doba. To je ubrzalo razvoj japanske umjetnosti.
Japanska srednjovjekovna umjetnost rasla je pod utjecajem korejske i kineske kulture. Japan je prihvatio kinesko pismo i značajke kineskog svjetonazora. budizam je postao državna religija Japana. No, Japanci su prelomili kineske ideje na svoj način i prilagodili ih svom načinu života.
Japanska kuća, japanski interijer
Japanska kuća jednako je jasna i jednostavna iznutra kao i izvana. Održavao se stalno čistim. Pod, ulašten do sjaja, bio je prekriven svijetlim slamnatim prostirkama - tatamijem, dijeleći prostoriju na ravne pravokutnike. Cipele su se skidale na kućnom pragu, stvari su držane u ormarima, kuhinja je bila odvojena od dnevnog boravka. U sobama, u pravilu, nije bilo stalnih stvari. Dovođeni su i odvođeni prema potrebi. Ali svaka stvar u praznoj sobi, bilo da je to cvijet u vazi, slika ili lakirani stol, privukla je pozornost i stekla posebnu izražajnost.
Sve vrste umjetnosti povezane su s dizajnom prostora kuće, hrama, palače ili dvorca u srednjovjekovnom Japanu. Svaki je služio kao nadopuna drugome. Na primjer, vješto odabrani buket nadopunio je i pokrenuo raspoloženje preneseno na pejzažnoj slici.
Ista besprijekorna preciznost, isti osjećaj za materijal, kao u uređenju japanske kuće, osjetio se u proizvodima dekorativne umjetnosti. Ne bez razloga se na čajnim ceremonijama, kao najveći dragulj, koristilo ručno oblikovano posuđe. Njegova mekana i neravna zemlja zadržala je trag prstiju koji su oblikovali mokru glinu. Ružičasto-biserne, tirkizno-lila ili sivo-plave glazure nisu bile upečatljive, ali su osjetile sjaj same prirode, s čijim je životom povezan svaki predmet japanske umjetnosti.
Japanska keramika
Neglazirane, ručno oblikovane i pečene na niskoj temperaturi, glinene posude sličile su keramici drugih starih naroda. Ali oni su već imali značajke koje su jedinstvene za japansku kulturu. Uzorci vrčeva i posuđa raznih oblika odražavali su ideje o elementima uragana, mora i planina koje bljuju vatru. Činilo se da je fantaziju ovih proizvoda potaknula sama priroda.
Masivni, gotovo metar visoki vrčevi s nalijepljenim uzorkom konveksnih glinenih snopova nalikuju ili vijugavim školjkama, ili razgranatim koraljnim grebenima, ili spletovima algi, ili nazubljenim rubovima vulkana. Ove veličanstvene i monumentalne vaze i zdjele nisu služile samo u kućanstvu, već iu ritualne svrhe. No, sredinom 1. tisućljeća pr. brončani predmeti ušli su u uporabu, a keramičko posuđe izgubilo je ritualnu namjenu.
Uz keramiku pojavljuju se novi proizvodi umjetničkog obrta - oružje, nakit, brončana zvona i ogledala.
Japanski predmeti za kućanstvo
U 9. do 12. stoljeću nove ere, ukusi japanske aristokracije otkriveni su u dekorativnoj umjetnosti. Glatki lakirani predmeti otporni na vlagu, posuti zlatnim i srebrnim prahom, lagani i elegantni, kao da osvjetljavaju sumrak japanskih soba, činili su veliki izbor svakodnevnih predmeta. Lak je korišten za izradu zdjela i kovčega, škrinja i stolova, glazbenih instrumenata. Svaka sitnica hrama i svakodnevnog života - srebrni pribor za jelo, vaze za cvijeće, šareni papir za pisma, izvezeni pojasevi - otkrivala je poetičan i emotivan odnos Japanaca prema svijetu.
Japansko slikarstvo
S razvojem monumentalne arhitekture palača znatno se aktivizirala djelatnost slikara dvorske škole. Umjetnici su morali slikati velike površine ne samo zidova, već i višestrukih papirnatih preklopnih paravana, koji su igrali ulogu i slika i prijenosnih pregrada u sobi. Značajka kreativnog načina talentiranih obrtnika bio je odabir velikog, višebojnog detalja krajolika na ogromnoj ravnini zidne ploče ili zaslona.
Kompozicije cvijeća, bilja, drveća i ptica, koje je Kano Eitoku izvodio na zlatnim sjajnim podlogama s gustim i sočnim mrljama, generalizirale su ideje o snazi i sjaju svemira. Predstavnici škole Kano, uz prirodne motive, uključili su u slike i nove predmete koji odražavaju život i život japanskog grada 16. stoljeća.
Bilo je i jednobojnih pejzaža na paravanima palače. Ali imaju veliki dekorativni učinak. Takav je ekran koji je naslikao Sesshuov sljedbenik, Hasegawa Tohaku (1539-1610). Njezinu bijelu mat površinu slikar tumači kao gusti veo magle iz kojeg poput priviđenja iznenada izbijaju siluete starih borova. Sa samo nekoliko masnih mrljica tinte, Tohaku stvara poetsku sliku jesenje šume.
Jednobojni pejzažni svici, svojom nježnom ljepotom, nisu se mogli mjeriti sa stilom odaja palače. No zadržali su svoj značaj kao neizostavni dio paviljona čaja chashitsu, namijenjenog duhovnoj koncentraciji i miru.
Umjetnička djela japanskih majstora ne samo da ostaju vjerna starim stilovima, već uvijek u sebi nose nešto novo što nijedno drugo umjetničko djelo nema. U japanskoj umjetnosti nema mjesta za klišeje i predloške. U njoj, kao i u prirodi, ne postoje dvije potpuno identične tvorevine. Pa čak i sada, umjetnička djela japanskih majstora ne mogu se zamijeniti s umjetninama iz drugih zemalja. U japanskoj umjetnosti vrijeme je usporilo, ali nije stalo. U japanskoj umjetnosti, tradicija drevnih vremena preživjela je do danas.
