Genre Barok dalam Simfoni Shostakovich. Kreativitas d

Kirim karya bagus Anda di basis pengetahuan itu sederhana. Gunakan formulir di bawah ini

Pelajar, mahasiswa pascasarjana, ilmuwan muda yang menggunakan basis pengetahuan dalam studi dan pekerjaan mereka akan sangat berterima kasih kepada Anda.

Dihosting di http://www.allbest.ru/

Universitas Negeri Saint Petersburg

Karanganpada topik:

“ Kreativitas D.D. Shostakovich”

Petersburg, 2011

DI DALAMmelakukan

Shostakovich Dmitry Dmitrievich (1906-1975) - salah satu komposer terhebat di zaman kita, seorang pianis, guru, dan tokoh masyarakat yang luar biasa. Shostakovich dianugerahi gelar tersebut Artis Rakyat Uni Soviet (1954), Pahlawan Buruh Sosialis (1966), Penghargaan Negara USSR (1941, 1942, 1946, 1950, 1952, 1968), Hadiah Negara RSFSR (1974), Hadiah. Sibelius, Penghargaan Perdamaian Internasional (1954). Anggota kehormatan akademi dan universitas di banyak negara di dunia.

Hari ini Shostakovich adalah salah satu komposer paling berprestasi di dunia. Ciptaannya adalah ekspresi sejati dari drama batin manusia dan kronik penderitaan mengerikan yang menimpa abad ke-20, di mana yang sangat pribadi terkait dengan tragedi umat manusia.

Keragaman genre dan estetika musik Shostakovich sangat besar. Jika kita menggunakan konsep yang diterima secara umum, maka menggabungkan unsur musik tonal, atonal dan modal, modernisme, tradisionalisme, ekspresionisme dan "gaya agung" yang terjalin dalam karya komposer.

Banyak yang telah ditulis tentang Shostakovich. Hampir semua karyanya telah dipelajari secara detail, sikapnya terhadap genre musik telah ditentukan, berbagai segi gaya dan kehidupannya telah dieksplorasi. Hasilnya, literatur yang besar dan beragam telah berkembang: dari studi mendalam hingga publikasi semi-tabloid.

Karya seniDD. Shostakovich

puisi komposer simfoni shostakovich

Asal Polandia, Dmitry Shostakovich lahir di St. Petersburg pada 12 (25) September 1906, meninggal di Moskow pada 9 Agustus 1975. Ayah adalah seorang insinyur kimia, pencinta musik. Ibu - seorang pianis berbakat, dia memberikan keterampilan awal bermain piano. Setelah belajar di sekolah musik swasta pada tahun 1919, Shostakovich diterima di Petrograd Conservatory di kelas piano, dan kemudian mulai belajar komposisi. Saat masih menjadi mahasiswa, dia mulai bekerja - dia adalah seorang pianis selama pemutaran film "diam".

Pada tahun 1923 Shostakovich lulus dari konservatori sebagai pianis (di bawah L.V. Nikolaev), dan pada tahun 1925 sebagai komposer. Tesisnya adalah First Simony. Itu menjadi peristiwa terbesar dalam kehidupan musik dan menandai awal dari ketenaran dunia penulis.

Sudah di Simfoni Pertama orang bisa melihat bagaimana pengarang melanjutkan tradisi P.I. Tchaikovsky, N.A. Rimsky-Korsakov, M.P. Mussorgsky, Lyadov. Semua ini memanifestasikan dirinya sebagai sintesis dari arus utama, dibiaskan dengan caranya sendiri dan segar. Simfoni terkenal karena aktivitasnya, tekanan dinamis, dan kontras yang tidak terduga.

Selama tahun-tahun ini, Shostakovich mengadakan konser sebagai pianis. Dia menerima diploma kehormatan di Kompetisi Internasional pertama. F. Chopin di Warsawa, untuk beberapa waktu dihadapkan pada pilihan - menjadikan komposisi musik atau aktivitas konser sebagai profesinya.

Setelah Simfoni Pertama, periode percobaan singkat dimulai, pencarian alat musik baru. Saat ini muncul: Piano Sonata Pertama (1926), lakon "Kata Mutiara" (1927), Simfoni Kedua "Oktober" (1927), Simfoni Ketiga "May Day" (1929).

Munculnya film dan musik teater ("New Babylon" 1929), "Golden Mountains" 1931, pertunjukan "The Bedbug" 1929 dan "Hamlet" 1932) dikaitkan dengan pembentukan citra baru, terutama karikatur sosial. Kelanjutan dari ini ditemukan di opera The Nose (berdasarkan N.V. Gogol 1928) dan di opera Lady Macbeth dari Distrik Mtsensk (Katerina Izmailova) berdasarkan N.S. Leskov (1932).

Plot cerita dengan nama yang sama oleh N.S. Leskov dipikirkan kembali oleh Shostakovich sebagai drama dengan sifat perempuan yang luar biasa dalam tatanan sosial yang tidak adil. Penulis sendiri menyebut operanya "tragedi-satir". Dalam bahasa musiknya, keanehan dalam semangat "The Nose" dipadukan dengan unsur romansa Rusia dan lagu yang melekat. Pada tahun 1934 opera dipentaskan di Leningrad dan Moskow dengan judul "Katerina Izmailova"; diikuti oleh serangkaian pemutaran perdana di bioskop Amerika Utara dan Eropa (opera dirilis 36 kali di (berganti nama) Leningrad, 94 kali di Moskow, itu juga dipentaskan di Stockholm, Praha, London, Zurich dan Kopenhagen. Itu adalah kemenangan dan Shostakovich diberi selamat sebagai seorang jenius.)

Simfoni Keempat (1934), Kelima (1937), Keenam (1939) mewakili tahap baru dalam karya Shostakovich.

Mengembangkan genre simfoni, Shostakovich secara bersamaan memberikan segalanya nilai yang lebih besar musik instrumental kamar.

Sonata yang jernih, cerah, anggun, seimbang untuk Cello dan Piano (1934), Kuartet Senar Pertama (1938), Kuintet untuk Kuartet Senar dan Piano (1940) muncul sebagai peristiwa besar dalam kehidupan musik.

Simfoni Ketujuh (1941) menjadi monumen musik Agung Perang patriotik. Kelanjutan dari idenya adalah Simfoni Kedelapan.

Pada tahun-tahun pascaperang, Shostakovich semakin memperhatikan genre vokal.

Gelombang baru serangan terhadap Shostakovich di pers secara signifikan melampaui serangan yang terjadi pada tahun 1936. Terpaksa tunduk pada perintah, Shostakovich, "menyadari kesalahannya", membawakan oratorio Song of the Forests (1949), kantata The Sun Shines Over Our Homeland (1952) , musik untuk sejumlah film berkonten sejarah dan militer-patriotik, dll., Yang sebagian meringankan posisinya. Pada saat yang sama, karya-karya lain disusun: Konser No. 1 untuk biola dan orkestra, siklus vokal "Dari Puisi Rakyat Yahudi" (keduanya tahun 1948) (siklus terakhir sama sekali tidak konsisten dengan kebijakan anti-Semit dari negara), kuartet string N4 dan N5 (1949, 1952), siklus "24 Preludes and Fugues" untuk piano (1951); kecuali yang terakhir, semuanya dieksekusi hanya setelah kematian Stalin.

Simfoni Shostakovich memberikan contoh penggunaan yang paling menarik warisan klasik genre sehari-hari, lagu massal (simfoni kesebelas "1905" (1957), simfoni kedua belas "1917" (1961)). Kelanjutan dan pengembangan warisan L.-V. Beethoven adalah Simfoni Ketiga Belas (1962), ditulis untuk syair E. Yevtushenko. Penulis sendiri mengatakan bahwa dalam Fourteenth Symphony (1969) gagasan "nyanyian dan tarian kematian" Mussorgsky digunakan.

Sebuah tonggak penting - puisi "The Execution of Stepan Razin" (1964), menjadi puncak dari baris epik dalam karya Shostakovich.

The Fourteenth Symphony menggabungkan pencapaian genre chamber-vocal, chamber-instrumental, dan simfoni. Lirik oleh F. Garcia Loki, T. Appolinaro, V. Kuchelbecker dan R.M. Rilke menciptakan karya liris yang sangat filosofis.

Penyelesaian karya besar pengembangan genre simfoni adalah Fifteenth Symphony (1971), yang menggabungkan semua yang terbaik yang dicapai pada berbagai tahapan D.D. Shostakovich.

Komposisi:

Opera - Hidung (setelah N.V. Gogol, libretto oleh E.I. Zamyatin, G.I. Ionin, A.G. Preis dan penulis, 1928, dipentaskan tahun 1930, Leningradsky Maly Teater Opera), Lady Macbeth dari Distrik Mtsensk (Katerina Izmailova, setelah N.S. Leskov, libretto oleh Preis dan penulis, 1932, dipentaskan 1934, Gedung Opera Leningrad Maly, Teater Musik Moskow dinamai V.I. Nemirovich-Danchenko; edisi baru 1956, didedikasikan untuk NV Shostakovich, dipentaskan tahun 1963, Teater Musik Moskow dinamai KS Stanislavsky dan VI Nemirovich-Danchenko), Pemain (menurut Gogol, belum selesai, pertunjukan konser 1978, Leningrad Philharmonic Society);

Ballets - The Golden Age (1930, Leningrad Opera and Ballet Theatre), Bolt (1931, ibid.), Bright Stream (1935, Leningrad Maly Opera Theatre); komedi musikal Moskow, Cheryomushki (libretto oleh V.Z. Mass dan M.A. Chervinsky, 1958, dipentaskan pada tahun 1959, Teater Operetta Moskow);

untuk solois, paduan suara dan orkestra - oratorio Song of the Forests (kata-kata oleh E.Ya. Dolmatovsky, 1949), kantata Atas Tanah Air kita matahari bersinar (kata-kata oleh Dolmatovsky, 1952), puisi - Puisi tentang Tanah Air (1947), Eksekusi Stepan Razin (kata-kata oleh E .A. Evtushenko, 1964);

untuk paduan suara dan orkestra - Himne ke Moskow (1947), Himne RSFSR (kata-kata oleh S. P. Shchipachev, 1945);

untuk orkestra - 15 simfoni (No. 1, f-moll op. 10, 1925; No. 2 - Oktober, dengan paduan suara terakhir dari kata-kata A.I. Bezymensky, H-dur op. 14, 1927; No. 3, Pervomaiskaya , untuk orkestra dan paduan suara, kata-kata oleh S. I. Kirsanov, Es-dur op.20, 1929; No.4, c-moll op.43, 1936; No.5, d-moll op.47, 1937; No.6, h-moll op.54, 1939; No.7, C-dur op.60, 1941, didedikasikan untuk kota Leningrad; No.8, c-moll op.65, 1943, didedikasikan untuk E. A. Mravinsky; No.9 , Es-dur op.70 , 1945; No.10, e-moll op.93, 1953; No.11, 1905, g-moll op.103, 1957; No.12-1917, didedikasikan untuk mengenang V.I. Lenin, d-moll op.112 , 1961; No.13, b-moll op.113, lirik oleh E. A. Yevtushenko, 1962; No.14, op.135, lirik oleh F. Garcia Lorca, G. Apollinaire, V. K. Kuchelbecker dan R. M. Rilke , 1969, didedikasikan untuk B. Britten, No. 15, op. 141, 1971), puisi simfoni Oktober (op. 131, 1967), pembukaan dalam bahasa Rusia dan Kyrgyz tema rakyat(op. 115, 1963), Holiday Overture (1954), 2 scherzos (op. 1, 1919; op. 7, 1924), pembukaan untuk Christopher Columbus oleh Dressel (op. 23, 1927), 5 fragmen (op. 42 , 1935), lonceng Novorossiysk (1960), Pemakaman dan pembuka kemenangan untuk mengenang para pahlawan Pertempuran Stalingrad (op. 130, 1967), suite - dari opera The Nose (op. 15-a, 1928), dari musik untuk balet The Golden Age ( op. 22-a, 1932), 5 suite balet (1949; 1951; 1952; 1953; op. 27-a, 1931), dari skor film Golden Mountains (op. 30-a , 1931), Meeting on the Elbe ( op. 80-a, 1949), First Echelon (op. 99-a, 1956), dari musik hingga tragedi Shakespeare Hamlet (op. 32-a, 1932);

concerto untuk instrumen dan orkestra - 2 untuk piano (c-moll op. 35, 1933; F-dur op. 102, 1957), 2 untuk biola (a-moll op. 77, 1948, didedikasikan untuk D. F. Oistrakh; cis -minor op.129, 1967, didedikasikan untuknya), 2 untuk cello (Es-dur op.107, 1959; G-dur op.126, 1966);

Untuk pita kuningan- Maret polisi Soviet (1970);

untuk orkestra jazz - suite (1934);

ansambel instrumental kamar - untuk sonata biola dan piano (d-moll op. 134, 1968, didedikasikan untuk D. F. Oistrakh); untuk viola dan piano sonata (op. 147, 1975); untuk cello dan piano sonata (d-moll op. 40, 1934, didedikasikan untuk V. L. Kubatsky), 3 buah (op. 9, 1923-24); 2 piano trio (op. 8, 1923; op. 67, 1944, untuk mengenang I.P. Sollertinsky), 15 senar, kuartet (No. l, C-dur op. 49, 1938: No. 2, A-dur op. 68 , 1944, didedikasikan untuk V.Ya.Shebalin, No.3, F-dur op.73, 1946, didedikasikan untuk Kuartet Beethoven, No.4, D-dur op.1952, didedikasikan untuk Kuartet Beethoven, No. 6, G mayor op.101, 1956, No.7, fis-moll op.108, 1960, didedikasikan untuk mengenang N. V. Shostakovich, No.8, c-moll op.110, 1960, didedikasikan untuk mengenang sang korban fasisme dan perang, No.9, Es-dur op.117, 1964, didedikasikan untuk I. A. Shostakovich, No.10, As-dur op.118, 1964, didedikasikan untuk M.S. Weinberg, No.11, f-moll op .122, 1966, untuk mengenang V. P. Shiriisky, No. 12, Des-dur op.133, 1968, didedikasikan untuk D. M. Tsyganov, No. 13, b-moll, 1970, didedikasikan untuk V. V. Borisovsky ; No. 14, Fis- dur op.142, 1973, didedikasikan untuk S. P. Shirinsky; No.15, es-moll op.144, 1974), kwintet piano (g-moll op. 57, 1940), 2 buah untuk string octet (op. 11, 1924 -25);

untuk piano - 2 sonata (C-dur op. 12, 1926; h-moll op. 61, 1942, didedikasikan untuk L.N. Nikolaev), 24 prelude (op. 32, 1933), 24 prelude dan fugues (op. 87 , 1951 ), 8 pendahuluan (op. 2, 1920), Kata-Kata Mutiara (10 buah, op. 13, 1927), 3 tarian fantastis (op. 5, 1922), Buku catatan anak-anak (6 buah, op. 69, 1945), Tarian Boneka (7 buah, no op., 1952);

untuk 2 piano - concertino (op. 94, 1953), suite (op. 6, 1922, didedikasikan untuk mengenang D. B. Shostakovich);

untuk suara dan orkestra - 2 dongeng oleh Krylov (op. 4, 1922), 6 roman untuk kata-kata penyair Jepang (op. 21, 1928-32, didedikasikan untuk N.V. Varzar), 8 lagu rakyat Inggris dan Amerika untuk teks oleh R .Burns and others diterjemahkan oleh S.Ya.Marshak (tanpa op., 1944);

untuk paduan suara dengan piano - Sumpah kepada Komisaris Rakyat (kata-kata oleh V.M. Sayanov, 1942);

untuk paduan suara a cappella - Sepuluh puisi untuk kata-kata penyair revolusioner Rusia (op. 88, 1951), 2 aransemen lagu rakyat Rusia (op. 104, 1957), Loyalitas (8 balada untuk kata-kata E.A. Dolmatovsky, op. 136 , 1970 );

untuk suara, biola, cello dan piano - 7 roman dengan kata-kata oleh A. A. Blok (op. 127, 1967); siklus vokal Dari puisi rakyat Yahudi untuk soprano, contralto dan tenor dengan piano (op. 79, 1948); untuk suara dari piano - 4 roman hingga kata-kata oleh A.S. Pushkin (op. 46, 1936), 6 roman ke kata-kata oleh W. Raleigh, R. Burns dan W. Shakespeare (op. 62, 1942; versi dengan orkestra kamar), 2 lagu ke kata-kata oleh M.A. Svetlov (op. 72, 1945), 2 roman ke kata-kata oleh M.Yu. Lermontov (op. 84, 1950), 4 lagu dari kata-kata E.A. Dolmatovsky (op. 86, 1951), 4 monolog dari kata-kata A.S. Pushkin (op. 91, 1952), 5 roman dengan kata-kata E.A. Dolmatovsky (op. 98, 1954), lagu Spanyol (op. 100, 1956), 5 sindiran atas kata-kata S. Cherny (op. 106, 1960), 5 roman berdasarkan kata-kata dari majalah "Crocodile" (op. 121, 1965) , Spring (kata-kata oleh Pushkin, op. 128, 1967), 6 puisi oleh M.I. Tsvetaeva (op. 143, 1973; varian dengan orkestra kamar), Soneta suite oleh Michelangelo Buonarroti (op. 148, 1974; varian dengan orkestra kamar); 4 puisi oleh Kapten Lebyadkin (kata-kata oleh F. M. Dostoevsky, op. 146, 1975);

untuk solois, paduan suara dan piano - aransemen lagu rakyat Rusia (1951);

musik untuk pertunjukan teater drama - Mayakovsky's Bedbug (1929, Moscow, V.E. Meyerhold Theatre), Bezymensky's Shot (1929, Leningrad TRAM), Gorbenko dan Lvov's Virgin Land (1930, ibid), " Rule, Britannia!" Piotrovsky (1931, ibid.), Hamlet Shakespeare (1932, Moskow, Teater Vakhtangov), " komedi manusia Sukhotin, setelah O. Balzac (1934, ibid), Salute Afinogenov, Spanyol (1936, Teater Drama Leningrad Pushkin), King Lear karya Shakespeare (1941, Teater Drama Gorky Leningrad Bolshoi);

musik untuk film - "New Babylon" (1929), "One" (1931), "Golden Mountains" (1931), "Counter" (1932), "Love and Hate" (1935), "Girlfriends" (1936), trilogi - Maxim's Youth (1935), Maxim's Return (1937), Vyborg Side (1939), Volochaev Days (1937), Friends (1938), Man with a Gun (1938), "Great Citizen" (2 episode, 1938-39 ), "Tikus Bodoh" (kartun, 1939), "Petualangan Korzinkina" (1941), "Zoya" (1944), " Orang sederhana"(1945), "Pirogov" (1947), "Pengawal Muda" (1948), "Michurin" (1949), "Pertemuan di Elbe" (1949), "Tak Terlupakan 1919" (1952), "Belinsky" (1953 ), "Unity" (1954), "The Gadfly" (1955), "First Echelon" (1956), "Hamlet" (1964), "A Year Like Life" (1966), "King Lear" (1971) dan dll.;

instrumentasi karya penulis lain - M.P. Mussorgsky - opera Boris Godunov (1940), Khovanshchina (1959), siklus vokal Songs and Dances of Death (1962); opera "Biola Rothschild" oleh V.I. Fleishman (1943); Horov A.A. Davidenko - "Pada ayat kesepuluh" dan "Jalanan khawatir" (untuk paduan suara dan orkestra, 1962).

TENTANGmasyarakat danDD. Wostakovich

Shostakovich memasuki musik abad ke-20 dengan cepat dan gemilang. Simfoni pertamanya berkeliling ke banyak gedung konser di dunia dalam waktu singkat, mengumumkan lahirnya bakat baru. Pada tahun-tahun berikutnya, komposer muda itu menulis banyak dan dengan cara yang berbeda - berhasil dan tidak terlalu baik, menyerah pada idenya sendiri dan memenuhi perintah dari teater dan bioskop, tertular pencarian lingkungan artistik yang beragam dan membayar upeti untuk keterlibatan politik . Cukup sulit untuk memisahkan radikalisme artistik dari radikalisme politik pada tahun-tahun itu. Futurisme, dengan gagasannya tentang "kemanfaatan industri" seni, anti-individualisme yang jujur, dan daya tarik "massa", dalam beberapa hal terkait dengan estetika Bolshevik. Karenanya dualitas karya (simfoni kedua dan ketiga), yang diciptakan dengan tema revolusioner yang begitu populer di tahun-tahun itu. Pengalamatan ganda seperti itu umumnya khas pada waktu itu (misalnya, teater Mayerhold atau puisi Mayakovsky). Bagi para inovator seni pada masa itu, revolusi sesuai dengan semangat pencarian mereka yang berani dan hanya dapat berkontribusi pada mereka. Nanti mereka akan melihat betapa naifnya keyakinan mereka terhadap revolusi. Tetapi pada tahun-tahun ketika karya besar pertama Shostakovich lahir - simfoni, opera "The Nose", pendahuluan - kehidupan artistik benar-benar mendidih dan mendidih, dan dalam suasana usaha inovatif yang cerah, ide-ide luar biasa, pencampuran warna-warni arah artistik dan eksperimen yang tak terkendali, bakat muda dan kuat mana pun dapat menemukan aplikasi untuk energi kreatifnya yang melimpah. Dan Shostakovich pada tahun-tahun itu benar-benar terpikat oleh arus kehidupan. Dinamika sama sekali tidak kondusif untuk menenangkan meditasi, dan sebaliknya, menuntut seni yang efektif, modern, dan non-topikal. Dan Shostakovich, seperti banyak artis pada masa itu, untuk beberapa waktu secara sadar berusaha menulis musik yang selaras dengan nada umum zaman itu.

Shostakovich menerima pukulan serius pertamanya dari mesin budaya totaliter pada tahun 1936 sehubungan dengan produksi opera keduanya (dan terakhir) Lady Macbeth dari Distrik Mtsensk. Makna yang tidak menyenangkan dari perpecahan politik semacam itu terletak pada fakta bahwa pada tahun 1936 mekanisme represi yang mematikan sudah beroperasi secara maksimal. Kritik ideologis hanya berarti satu hal: apakah Anda berada di "sisi lain dari barikade", dan karenanya berada di sisi lain keberadaan, atau Anda mengakui "keadilan kritik", dan kemudian hidup diberikan kepada Anda. Dengan mengorbankan "aku" miliknya, Shostakovich untuk pertama kalinya harus membuat pilihan yang menyakitkan. Dia "memahami" dan "mengenali", dan terlebih lagi, menarik simfoni keempat dari pemutaran perdana.

Simfoni berikutnya (kelima dan keenam) ditafsirkan oleh propaganda resmi sebagai tindakan "realisasi", "koreksi". Nyatanya, Shostakovich menggunakan formula simfoni dengan cara baru, menyamarkan isinya. Namun demikian, pers resmi mendukung (dan tidak bisa tidak mendukung) tulisan-tulisan ini, karena jika tidak, Partai Bolshevik harus mengakui ketidakkonsistenan kritiknya.

Shostakovich mengukuhkan reputasinya sebagai "patriot Soviet" selama perang dengan menulis simfoni "Leningrad" ketujuhnya. Untuk ketiga kalinya (setelah yang pertama dan kelima), komposer menuai buah kesuksesan, dan tidak hanya di negaranya sendiri. Otoritasnya sebagai master musik kontemporer sepertinya sudah diakui. Namun, hal ini tidak mencegah pihak berwenang pada tahun 1948 untuk melakukan pemukulan dan pelecehan politik sehubungan dengan penerbitan resolusi Komite Sentral Partai Komunis Semua-Persatuan Bolshevik “On the opera The Great Friendship oleh V. Muradeli ”. Kritik itu sengit. Shostakovich dikeluarkan dari Konservatorium Moskow dan Leningrad, tempat dia sebelumnya mengajar, kinerja karyanya dilarang. Namun sang komposer tidak menyerah dan terus berkarya. Baru pada tahun 1958, 5 tahun setelah kematian Stalin, keputusan tersebut secara resmi diakui sebagai kesalahan, jika tidak dalam ketentuannya, tetapi dalam hal apa pun terkait dengan beberapa komposer. Sejak saat itu, posisi resmi Shostakovich mulai membaik. Dia adalah musik klasik Soviet yang diakui, negara tidak lagi mengkritik, tetapi mendekatkan dirinya. Di belakang kesejahteraan eksternal adalah tekanan yang konstan dan meningkat pada komposer, di mana Shostakovich menulis sejumlah komposisi. Tekanan terberat datang ketika Shostakovich, yang dipertimbangkan untuk kepemimpinan Persatuan Penggubah RSFSR, mulai memaksanya untuk bergabung dengan partai, yang diwajibkan oleh status jabatan ini. Saat itu, tindakan seperti itu dianggap sebagai penghargaan terhadap aturan main dan hampir menjadi fenomena rencana rumah tangga. Keanggotaan dalam partai telah memperoleh karakter yang murni formal. Namun, Shostakovich mengalami dengan menyakitkan bergabung dengan pesta itu.

Tradiasi

Di penghujung abad ke-20, ketika pemandangan masa lalu terbuka dari ketinggian dekade terakhirnya, tempat Shostakovich ditentukan sejalan dengan tradisi klasik. Klasik bukan dengan fitur gaya dan bukan dalam arti retrospeksi neoklasik, tetapi dengan esensi pemahaman yang mendalam tentang tujuan musik, dalam totalitas komponen pemikiran musik. Segala sesuatu yang dioperasi oleh komposer, menciptakan karya-karyanya, tidak peduli seberapa inovatif kelihatannya pada saat itu, pada akhirnya memiliki sumbernya Klasisisme Wina, serta - dan lebih luas lagi - sistem homofonik secara keseluruhan, bersama dengan dasar nada-harmonik, sekumpulan bentuk tipikal, komposisi genre, dan pemahaman tentang kekhususannya. Shostakovich menyelesaikan era dalam sejarah musik Eropa modern, yang permulaannya berasal dari abad ke-18 dan dikaitkan dengan nama Bach, Haydn, dan Mozart, meskipun tidak terbatas pada mereka. Dalam pengertian ini, Shostakovich memainkan peran yang sama dalam kaitannya dengan era klasik-romantis yang dimainkan Bach dalam kaitannya dengan era Barok. Komposer mensintesis dalam karyanya banyak baris dalam perkembangan musik Eropa abad terakhir dan melakukan fungsi terakhir ini pada saat arah yang sama sekali berbeda telah dikembangkan sepenuhnya, dan konsep musik baru lepas landas.

Shostakovich jauh asing dengan sikap terhadap musik sebagai permainan bentuk suara yang mandiri. Dia hampir tidak setuju dengan Stravinsky bahwa musik, jika ada, hanya mengekspresikan dirinya sendiri. Shostakovich tradisional dalam hal itu, seperti pencipta musik hebat sebelumnya, dia melihat di dalamnya sarana realisasi diri komposer - tidak hanya sebagai musisi yang mampu menciptakan, tetapi juga sebagai pribadi. Tidak hanya dia tidak menjauh dari kenyataan mengerikan yang dia amati di sekitarnya, tetapi, sebaliknya, dia mengalaminya sebagai takdir sendiri sebagai nasib seluruh generasi, negara secara keseluruhan.

Bahasa karya Shostakovich hanya dapat dibentuk sebelum avant-garde pascaperang, dan bersifat tradisional dalam arti bahwa faktor-faktor seperti intonasi, mode, nada suara, harmoni, metroritme, bentuk tipikal, dan sistem genre yang mapan secara historis. tradisi akademik Eropa sepenuhnya mempertahankan signifikansinya untuk itu. Dan meskipun ini adalah intonasi yang berbeda, jenis mode khusus, pemahaman baru tentang nada suara, sistem harmoninya sendiri, interpretasi baru atas bentuk dan genre, kehadiran level bahasa musik ini sudah berbicara tentang tradisi. Pada saat yang sama, semua penemuan pada masa itu menyeimbangkan di ambang kemungkinan, mengguncang sistem bahasa yang mapan secara historis, tetapi tetap berada dalam kategori yang dikembangkan olehnya. Berkat inovasi, konsep homofonik bahasa musik mengungkapkan cadangan yang masih belum habis, peluang yang belum terpakai, membuktikan luasnya dan prospek pengembangannya. Sebagian besar sejarah musik di abad ke-20 berlalu di bawah tanda prospek ini, dan Shostakovich memberikan kontribusi yang tidak diragukan lagi.

simfoni Soviet

Pada musim dingin tahun 1935, Shostakovich berpartisipasi dalam diskusi tentang simfoni Soviet yang berlangsung di Moskow selama tiga hari - dari 4 hingga 6 Februari. Itu adalah salah satu pertunjukan terpenting dari komposer muda, yang menguraikan arah pekerjaan selanjutnya. Dia terus terang menekankan kompleksitas masalah pada tahap pembentukan genre simfoni, bahaya menyelesaikannya dengan "resep" standar, menentang melebih-lebihkan manfaat karya individu, mengkritik, khususnya, Simfoni Ketiga dan Kelima dari L. K. Knipper untuk "bahasa yang dikunyah", kemalangan dan keprimitifan gaya . Dia dengan berani menegaskan bahwa “... tidak ada simfoni Soviet. Kita harus rendah hati dan mengakui bahwa kita masih belum memiliki karya musik yang dalam bentuk yang diperluas mencerminkan bagian gaya, ideologis dan emosional dari hidup kita, dan mencerminkannya dalam bentuk yang sangat baik ... Harus diakui bahwa dalam musik simfoni kita kami hanya memiliki beberapa kecenderungan untuk mendidik pemikiran musik baru, sketsa malu-malu gaya masa depan...”.

Shostakovich terpanggil untuk melihat pengalaman dan pencapaian sastra Soviet, di mana masalah serupa yang dekat telah ditemukan penerapannya dalam karya M. Gorky dan ahli kata lainnya. Musik tertinggal dari sastra, menurut Shostakovich.

Mempertimbangkan perkembangan kreativitas artistik modern, ia melihat tanda-tanda konvergensi antara proses sastra dan musik, yang dimulai dalam musik Soviet sebagai gerakan mantap menuju simfonisme liris-psikologis.

Baginya, tidak diragukan lagi bahwa tema dan gaya Simfoni Kedua dan Ketiganya bukan hanya tahap yang dilewati kreativitas sendiri, tetapi juga simfonisme Soviet secara keseluruhan: gaya umum metaforis telah menjadi usang. Manusia sebagai simbol, semacam abstraksi, meninggalkan karya seni untuk menjadi individualitas dalam karya baru. Pemahaman yang lebih dalam tentang plot diperkuat, tanpa menggunakan teks episode paduan suara yang disederhanakan dalam simfoni. Muncul pertanyaan tentang plot simfonisme "murni".

Menyadari keterbatasan pengalaman simfoni baru-baru ini, komposer menganjurkan untuk memperluas konten dan sumber gaya simfoni Soviet. Untuk tujuan ini, ia menarik perhatian pada studi simfonisme asing, menekankan perlunya musikologi untuk mengidentifikasi perbedaan kualitatif antara simfonisme Soviet dan simfonisme Barat.

Mulai dari Mahler, dia berbicara tentang simfoni pengakuan liris dengan cita-cita dunia batin kontemporer. Uji coba terus dilakukan. Sollertinsky, yang tahu lebih baik dari siapa pun tentang rencana Shostakovich, berkata pada sebuah diskusi tentang simfoni Soviet: "Kami mengharapkan kemunculan Simfoni Keempat Shostakovich dengan penuh minat" dan menjelaskan dengan jelas: "... pekerjaan ini akan sangat jauh dari ketiga simfoni yang ditulis Shostakovich sebelumnya. Tapi simfoni itu masih dalam tahap embrio.”

Dua bulan setelah diskusi, pada bulan April 1935, komposer mengumumkan: “Sekarang saya memiliki pekerjaan besar di depan saya - Simfoni Keempat.

Semua mantan saya miliki materi musik untuk pekerjaan ini sekarang ditolak oleh saya. Simfoni sedang ditulis ulang. Karena ini adalah tugas yang sangat sulit dan bertanggung jawab bagi saya, pertama-tama saya ingin menulis beberapa komposisi dalam gaya chamber dan instrumental.

Pada musim panas 1935, Shostakovich sama sekali tidak dapat melakukan apa pun, kecuali bagian ruang dan simfoni yang tak terhitung jumlahnya, termasuk musik untuk film "Girlfriends".

Pada musim gugur di tahun yang sama, dia sekali lagi mulai menulis Simfoni Keempat, dengan tegas memutuskan, tidak peduli kesulitan apa yang menunggunya, untuk menyelesaikan pekerjaannya, untuk mewujudkan kanvas fundamental, yang dijanjikan di musim semi sebagai "semacam kredo karya kreatif."

Setelah mulai menulis simfoni pada 13 September 1935, pada akhir tahun ia telah menyelesaikan sepenuhnya gerakan pertama dan sebagian besar gerakan kedua. Dia menulis dengan cepat, terkadang bahkan dengan kejang, membuang seluruh halaman dan menggantinya dengan yang baru; tulisan tangan sketsa clavier tidak stabil, lancar: imajinasi mengambil alih rekaman, catatan berada di depan pena, mengalir seperti longsoran salju di atas kertas.

Artikel-artikel tahun 1936 berfungsi sebagai sumber pemahaman yang sempit dan sepihak tentang masalah fundamental penting seni Soviet seperti pertanyaan tentang sikap terhadap warisan klasik, masalah tradisi dan inovasi. Tradisi musik klasik tidak dipandang sebagai dasar pengembangan lebih lanjut, tetapi sebagai semacam standar yang tidak berubah, yang tidak mungkin dilampaui. Pendekatan seperti itu membelenggu pencarian inovatif, melumpuhkan inisiatif kreatif para komposer.

Sikap dogmatis ini tidak dapat menghentikan pertumbuhan seni musik Soviet, tetapi tidak diragukan lagi memperumit perkembangannya, menyebabkan sejumlah benturan, dan menyebabkan bias yang signifikan dalam penilaian.

Perselisihan dan diskusi yang tajam saat itu menjadi saksi benturan dan pergeseran penilaian terhadap fenomena musik.

Orkestrasi Simfoni Kelima dicirikan, dibandingkan dengan Simfoni Keempat, dengan keseimbangan yang lebih besar antara alat musik tiup dan senar, dengan keunggulan pada senar: di Largo, tidak ada grup alat tiup sama sekali. Sorotan timbre tunduk pada momen-momen penting perkembangan, mengikuti darinya, didikte olehnya. Dari kemurahan hati yang tak tertahankan dari skor balet, Shostakovich beralih ke ekonomi warna nada. Dramaturgi orkestra ditentukan oleh orientasi dramatis umum dari bentuk. Ketegangan intonasi diciptakan oleh kombinasi relief melodi dan framing orkestranya. Komposisi orkestranya sendiri juga ditentukan dengan mantap. Setelah melalui uji coba yang berbeda (hingga empat kali lipat dalam Simfoni Keempat), Shostakovich kini menganut komposisi rangkap tiga - ia didirikan justru dari Simfoni Kelima. Baik dalam pengaturan modal materi maupun dalam orkestrasi tanpa putus, dalam kerangka komposisi yang diterima secara umum, komposer bervariasi, memperluas kemungkinan timbre, seringkali karena suara solo, penggunaan piano (perlu dicatat bahwa, setelah memperkenalkan itu ke dalam partitur Simfoni Pertama, Shostakovich kemudian membagikan piano selama simfoni Kedua, Ketiga, Keempat dan sekali lagi memasukkannya ke dalam partitur Kelima). Pada saat yang sama, pentingnya pemotongan timbre tidak hanya meningkat, tetapi juga fusi timbre, pergantian lapisan timbre yang besar; dalam fragmen puncak, teknik penggunaan instrumen dalam register ekspresif tertinggi, tanpa bass atau dengan dukungan bass yang tidak signifikan (ada banyak contohnya di Symphony) berlaku.

Bentuknya menandai penataan, sistematisasi implementasi sebelumnya, pencapaian monumentalitas yang sangat logis.

Mari kita perhatikan ciri-ciri pembentukan yang khas dari Simfoni Kelima, yang dipertahankan dan dikembangkan dalam karya Shostakovich selanjutnya.

Nilai entri prasasti meningkat. Dalam Simfoni Keempat itu adalah motif yang keras dan kejang, ini adalah kekuatan nyanyian yang keras dan agung.

Pada bagian pertama, peran eksposisi dikedepankan, volume dan integritas emosionalnya ditingkatkan, yang juga dipicu oleh orkestrasi (suara senar dalam eksposisi). Batasan struktural antara pihak utama dan pihak samping teratasi; tidak begitu banyak mereka yang dikontraskan sebagai bagian penting baik dalam eksposisi maupun dalam pengembangan. Rekapitulasi berubah secara kualitatif, berubah menjadi klimaks dramaturgi dengan kelanjutan perkembangan tematik: terkadang tema memperoleh makna kiasan baru, yang mengarah pada pendalaman lebih lanjut dari fitur konflik-dramatis dari siklus tersebut.

Pengembangan juga tidak berhenti di kode. Dan di sini transformasi tematik, transformasi modal tema, dinamisasinya melalui orkestrasi terus berlanjut.

Di final Simfoni Kelima, pengarang tidak memberikan konflik aktif, seperti di final Simfoni sebelumnya. Finalnya mudah. “Dengan nafas panjang, Shostakovich membawa kita ke cahaya yang menyilaukan di mana semua pengalaman menyedihkan, semua konflik tragis dari jalan yang sulit sebelumnya menghilang” (D. Kabalevsky). Kesimpulannya terdengar sangat positif. “Saya menempatkan seorang pria dengan semua pengalamannya di pusat ide pekerjaan saya,” Shostakovich menjelaskan, “dan akhir dari Symphony menyelesaikan momen menegangkan yang tragis dari bagian pertama dengan cara yang ceria dan optimis.”

Akhir cerita seperti itu menekankan asal-usul klasik, kesinambungan klasik; dalam kesembronoannya, kecenderungan itu paling jelas terlihat: menciptakan jenis interpretasi bebas dari bentuk sonata, tidak menyimpang dari landasan klasik.

Pada musim panas 1937, persiapan dimulai selama satu dekade musik Soviet untuk memperingati dua puluh tahun Revolusi Sosialis Oktober Besar. Simfoni itu termasuk dalam program dekade ini. Pada bulan Agustus, Fritz Stiedry pergi ke luar negeri. M. Shteiman yang menggantikannya tidak mampu menghadirkan karya baru yang kompleks pada level yang semestinya. Eksekusi dipercayakan kepada Evgeny Mravinsky. Shostakovich hampir tidak mengenalnya: Mravinsky memasuki konservatori pada tahun 1924, ketika Shostakovich berada di tahun terakhirnya; Balet Shostakovich di Leningrad dan Moskow dibawakan oleh A. Gauk, P. Feldt, Y. Fayer, simfoni "dipentaskan" oleh N. Malko, A. Gauk. Mravinsky berada dalam bayang-bayang. Individualitasnya terbentuk perlahan: pada tahun 1937 dia berusia tiga puluh empat tahun, tetapi dia jarang muncul di konsol philharmonic. Tertutup, meragukan kekuatannya sendiri, kali ini dia menerima tawaran untuk mempersembahkan simfoni Shostakovich baru kepada publik tanpa ragu-ragu. Mengingat ketegasannya yang tidak biasa, kondektur kemudian sendiri tidak dapat menjelaskannya secara psikologis.

Selama hampir dua tahun, musik Shostakovich tidak terdengar di Aula Besar. Beberapa musisi mewaspadainya. Disiplin orkestra tanpa konduktor kepala yang berkemauan keras menurun. Repertoar Philharmonic dikritik oleh pers. Kepemimpinan Philharmonic berubah: komposer muda Mikhail Chudaki, yang menjadi direktur, baru saja memasuki bisnis, berencana melibatkan I.I. Sollertinsky, komposer dan pemain musik muda.

Tanpa ragu M.I. Chudaki mendistribusikan program yang bertanggung jawab di antara tiga konduktor yang memulai aktivitas konser aktif: E.A. Mravinsky, N.S. Rabinovich dan K.I. Eliasberg.

Sepanjang September, Shostakovich hidup hanya untuk nasib simfoni. Komposisi musik untuk film "Volochaev days" diundur. Dia menolak perintah lain, dengan alasan pekerjaan.

Dia menghabiskan sebagian besar waktunya di Philharmonic. Memainkan Symphony. Mravinsky mendengarkan dan bertanya.

Persetujuan konduktor untuk memulai debutnya dengan Simfoni Kelima dipengaruhi oleh harapan untuk menerima bantuan dari penulis dalam proses melakukan pekerjaan, mengandalkan pengetahuan dan pengalamannya. Metode Mravinsky yang telaten pada awalnya membuat Shostakovich khawatir. “Tampak bagi saya bahwa dia terlalu banyak menggali hal-hal kecil, terlalu memperhatikan hal-hal khusus, dan menurut saya hal ini akan merusak rencana keseluruhan, gagasan keseluruhan. Tentang setiap kebijaksanaan, tentang setiap pemikiran, Mravinsky membuat saya benar-benar diinterogasi, menuntut dari saya jawaban atas semua keraguan yang muncul dalam dirinya.

Wkesimpulan

DD. Shostakovich adalah seniman kompleks nasib tragis. Dianiaya hampir sepanjang hidupnya, dia dengan berani menanggung pukat dan penganiayaan demi hal utama dalam hidupnya - demi kreativitas. Kadang-kadang, dalam kondisi represi politik yang sulit, dia harus bermanuver, tetapi tanpa ini, karyanya tidak akan ada sama sekali. Banyak dari mereka yang memulai dengannya meninggal, banyak yang putus asa. Dia bertahan dan bertahan, menanggung segalanya dan berhasil mewujudkan panggilannya. Penting tidak hanya bagaimana dia dilihat dan didengar hari ini, tetapi juga siapa dia bagi orang-orang sezamannya. Musiknya tahun yang panjang tetap menjadi pelampiasan yang selama berjam-jam memungkinkan Anda untuk melebarkan dada dan bernapas lega. Suara musik Shostakovich selalu bukan hanya perayaan seni. Mereka tahu bagaimana mendengarkannya dan membawanya pergi dari ruang konser.

Daftar literatur yang digunakan

1. L. Tretyakova "Halaman Musik Soviet", M.

2. M. Aranovsky, Musikal "Anti-Utopias" oleh Shostakovich, bab 6 dari buku "Musik Rusia Abad ke-20".

3. Khentova S.D. Shostakovich. Kehidupan dan pekerjaan: Monograf. Dalam 2 buku, buku 1.-L.: Sov. komposer, 1985. S. 420.

5. Portal internet http://peoples.ru/

Dihosting di Allbest.ru

Dokumen Serupa

Tahun-tahun masa kanak-kanak komposer Soviet Rusia, pianis, guru, dan tokoh masyarakat yang luar biasa Dmitry Dmitrievich Shostakovich. Belajar di Gimnasium Komersial Maria Shidlovskaya. Pelajaran piano pertama. Karya-karya utama komposer.

presentasi, ditambahkan 25/05/2012


Biografi dan karier Shostakovich - komposer, pianis, guru, dan tokoh masyarakat Soviet. Simfoni Kelima Shostakovich, melanjutkan tradisi komposer seperti Beethoven dan Tchaikovsky. Komposisi tahun-tahun perang. Prelude dan Fugue di D mayor.

tes, ditambahkan 09/24/2014


Deskripsi biografi dan karya D. Shostakovich - salah satu komposer terhebat pada periode Soviet, yang musiknya dibedakan oleh kekayaan konten figuratif. Rentang genre karya komposer (vokal, instrumental, simfoni).

abstrak, ditambahkan 01/03/2011


Musik film dalam karya D.D. Shostakovich. Tragedi W. Shakespeare. Sejarah penciptaan dan kehidupan dalam seni. Sejarah penciptaan musik untuk film oleh G. Kozintsev. Inkarnasi musik karakter utama film. Peran musik dalam dramaturgi film "Hamlet".

makalah, ditambahkan 06/23/2016


Jalur kreatif Dmitry Dmitrievich Shostakovich, kontribusinya pada budaya musik. Penciptaan komposer brilian simfoni, instrumental dan ansambel vokal, komposisi paduan suara (oratorios, kantata, siklus paduan suara), opera, musik untuk film.

abstrak, ditambahkan 03/20/2014


Masa kecil. Perkembangan musik seorang pianis dan komposer muda. Shostakovich - pemain dan komposer. Cara kreatif. tahun-tahun pasca perang. Karya utama: "Symphony Ketujuh", opera "Katerina Izmailova".

tesis, ditambahkan 06/12/2007


Metode bekerja dengan model genre dalam karya Shostakovich. Dominasi genre tradisional dalam kreativitas. Ciri-ciri pilihan pengarang tentang prinsip dasar tematik genre dalam Simfoni Kedelapan, analisis fungsi artistiknya. Peran utama semantik genre.

makalah, ditambahkan 04/18/2011


sekolah komposer Rusia. "Salin" dengan Vivaldi di Bortnyansky. Pendiri musik profesional Rusia adalah Mikhail Glinka. Banding ke asal-usul pagan Igor Stravinsky. Dampak musik Dmitri Shostakovich. Karya Frederick Chopin.

abstrak, ditambahkan 11/07/2009


Tren cerita rakyat dalam musik paruh pertama abad ke-20 dan karya Bela Bartok. Skor balet oleh Ravel. Karya teater D.D. Shostakovich. Karya piano oleh Debussy. Puisi Simfoni oleh Richard Strauss. Kreativitas komposer grup "Enam".

lembar contekan, ditambahkan 29/04/2013


Zaman Perak sebagai periode dalam sejarah budaya Rusia, secara kronologis dikaitkan dengan awal abad ke-20. Singkat Daftar Riwayat Hidup dari kehidupan Alexander Scriabin. Mencocokkan warna dan nada. Sifat revolusioner dari pencarian kreatif komposer dan pianis.

Dmitri Shostakovich menjadi dunia komposer terkenal pada usia 20 tahun, ketika Simfoni Pertama-nya dipertunjukkan di ruang konser Uni Soviet, Eropa, dan Amerika Serikat. Setelah 10 tahun, opera dan baletnya menjadi teater terkemuka di dunia. 15 simfoni Shostakovich disebut "era besar musik Rusia dan dunia" oleh orang-orang sezaman.

Simfoni Pertama

Dmitri Shostakovich lahir di St. Petersburg pada tahun 1906. Ayahnya bekerja sebagai seorang insinyur dan sangat menyukai musik, ibunya adalah seorang pianis. Dia memberi putranya pelajaran piano pertamanya. Pada usia 11 tahun, Dmitry Shostakovich mulai belajar di sekolah musik swasta. Para guru mencatat bakat penampilannya, ingatannya yang luar biasa, dan nada yang sempurna.

Pada usia 13 tahun, pianis muda itu sudah masuk Petrograd Conservatory di kelas piano, dan dua tahun kemudian - di fakultas komposisi. Shostakovich bekerja di bioskop sebagai pianis. Selama sesi, dia bereksperimen dengan tempo komposisi, memilih melodi utama untuk karakter, dan mengaransemen episode musik. Dia kemudian menggunakan yang terbaik dari bagian-bagian ini dalam komposisinya sendiri.

Dmitri Shostakovich. Foto: filarmonia.kh.ua

Dmitri Shostakovich. Foto: propianino.ru

Dmitri Shostakovich. Foto: cps-static.rovicorp.com

Sejak 1923, Shostakovich mengerjakan Simfoni Pertama. Karya tersebut menjadi karya kelulusannya, pemutaran perdana berlangsung pada tahun 1926 di Leningrad. Komposer itu kemudian mengenang: “Simfoni berjalan sangat baik kemarin. Performanya luar biasa. Keberhasilannya sangat besar. Saya pergi untuk membungkuk lima kali. Semuanya terdengar hebat."

Segera Simfoni Pertama dikenal di luar Uni Soviet. Pada tahun 1927, Shostakovich berpartisipasi dalam Kompetisi Piano Chopin Internasional Pertama di Warsawa. Salah satu anggota juri kompetisi, konduktor dan komposer Bruno Walter, meminta Shostakovich untuk mengirimkan skor simfoni kepadanya di Berlin. Itu dilakukan di Jerman dan Amerika Serikat. Setahun setelah pemutaran perdana, Simfoni Pertama Shostakovich dimainkan oleh orkestra di seluruh dunia.

Mereka yang salah mengira Simfoni Pertama-nya sebagai orang muda yang riang, ceria, salah. Itu diisi dengan drama manusia yang bahkan aneh membayangkan seorang anak laki-laki berusia 19 tahun menjalani kehidupan seperti itu... Itu dimainkan di mana-mana. Tidak ada negara di mana simfoni tidak akan dibunyikan segera setelah kemunculannya.

Leo Arnshtam, sutradara film dan penulis skenario Soviet

"Begitulah cara saya mendengar perang"

Pada tahun 1932, Dmitry Shostakovich menulis opera Lady Macbeth dari Distrik Mtsensk. Itu dipentaskan dengan nama "Katerina Izmailova", pemutaran perdana berlangsung pada tahun 1934. Selama dua musim pertama, opera dipertunjukkan di Moskow dan St. Petersburg lebih dari 200 kali, dan juga diputar di bioskop-bioskop di Eropa dan Amerika Utara.

Pada tahun 1936 Joseph Stalin menonton opera Katerina Izmailova. Pravda menerbitkan sebuah artikel berjudul "Kekacauan Alih-alih Musik", dan opera tersebut dinyatakan sebagai "anti-rakyat". Segera sebagian besar komposisinya menghilang dari repertoar orkestra dan teater. Shostakovich membatalkan pemutaran perdana Symphony No. 4 yang dijadwalkan pada musim gugur, tetapi terus menulis karya baru.

Setahun kemudian, pemutaran perdana Symphony No.

Shostakovich, Meyerhold, Mayakovsky, Rodchenko. Foto: doseng.org

Dmitri Shostakovich membawakan Konserto Piano Pertama

Poster Orkestra Simfoni Shostakovich. Foto: icsanpetersburgo.com

Pada bulan-bulan pertama perang, Dmitry Shostakovich berada di Leningrad. Dia bekerja sebagai profesor di Conservatory, bertugas di pemadam kebakaran sukarela - memadamkan bom pembakar di atap Conservatory. Saat bertugas, Shostakovich menulis salah satu simfoni paling terkenalnya, simfoni Leningrad. Penulis menyelesaikannya di evakuasi di Kuibyshev pada akhir Desember 1941.

Saya tidak tahu bagaimana hal ini akan terjadi. Kritikus yang menganggur mungkin akan mencela saya karena meniru Ravel's Bolero. Biarkan mereka mencela, tapi begitulah cara saya mendengar perang.

Dmitry Shostakovich

Simfoni ini pertama kali dibawakan pada Maret 1942 oleh Orkestra Teater Bolshoi yang dievakuasi ke Kuibyshev. Beberapa hari kemudian, komposisi itu dimainkan di Hall of Columns of Moscow House of Unions.

Pada Agustus 1942, Simfoni Ketujuh dipertunjukkan di Leningrad yang terkepung. Untuk memainkan komposisi yang ditulis untuk komposisi ganda orkestra, para musisi dipanggil kembali dari depan. Konser berlangsung 80 menit, musik disiarkan dari Philharmonic Hall di radio - didengarkan di apartemen, di jalanan, di depan.

Saat orkestra memasuki panggung, seluruh aula berdiri ... Acaranya hanya berupa simfoni. Sulit untuk menyampaikan suasana yang ada di aula Leningrad Philharmonic yang penuh sesak. Aula didominasi oleh orang-orang berseragam militer. Banyak tentara dan perwira datang ke konser langsung dari garis depan.

Karl Eliasberg, konduktor Orkestra Simfoni Bolshoi dari Komite Radio Leningrad

Simfoni Leningrad menjadi terkenal di seluruh dunia. Di New York, terbitan majalah Time dengan Shostakovich di sampulnya. Dalam potret tersebut, sang komposer mengenakan helm pemadam kebakaran, tulisannya berbunyi: “Pemadam kebakaran Shostakovich. Di antara ledakan bom di Leningrad, saya mendengar akord kemenangan. Pada tahun 1942–1943, Simfoni Leningrad dimainkan lebih dari 60 kali di berbagai gedung konser di Amerika Serikat.

Dmitri Shostakovich. Foto: cdn.tvc.ru

Dmitri Shostakovich di sampul majalah Time

Dmitri Shostakovich. Foto media.tumblr.com

Minggu lalu simfoni Anda dipertunjukkan untuk pertama kalinya di seluruh Amerika. Musik Anda memberi tahu dunia tentang orang-orang hebat dan bangga, orang-orang tak terkalahkan yang berjuang dan menderita untuk berkontribusi pada perbendaharaan jiwa dan kebebasan manusia.

Penyair Amerika Carl Sandburg, kutipan dari kata pengantar pesan puitis untuk Shostakovich

"Era Shostakovich"

Pada tahun 1948, Dmitri Shostakovich, Sergei Prokofiev dan Aram Khachaturian dituduh melakukan "formalisme", "dekadensi borjuis", dan "menyedihkan di hadapan Barat". Shostakovich dipecat dari Moscow Conservatory, musiknya dilarang.

Pada tahun 1948, ketika kami tiba di Conservatory, kami melihat sebuah perintah di papan buletin: “D.D. Shostakovich. bukan lagi profesor di kelas komposisi karena ketidakcocokan kualifikasi profesor… ”Saya tidak pernah mengalami penghinaan seperti itu.

Mstislav Rostropovich

Setahun kemudian, larangan tersebut resmi dicabut, sang komposer dikirim ke Amerika Serikat sebagai bagian dari kelompok tokoh budaya Uni Soviet. Pada tahun 1950, Dmitri Shostakovich menjadi anggota juri di Kompetisi Bach di Leipzig. Dia terinspirasi oleh karya komposer Jerman: " jenius musik Bach sangat dekat dengan saya. Tidak mungkin untuk melewatinya dengan acuh tak acuh... Setiap hari saya memainkan salah satu karyanya. Ini adalah kebutuhan mendesak saya, dan kontak terus-menerus dengan musik Bach memberi saya banyak hal. Setelah kembali ke Moskow, Shostakovich mulai menulis siklus musik baru - 24 prelude dan fugues.

Pada tahun 1957, Shostakovich menjadi sekretaris Persatuan Penggubah Uni Soviet, pada tahun 1960 - Persatuan Penggubah RSFSR (pada 1960–1968 - sekretaris pertama). Selama tahun-tahun ini, Anna Akhmatova menghadiahkan komposer dengan bukunya dengan dedikasi: "Kepada Dmitry Dmitrievich Shostakovich, yang pada zamannya saya hidup di bumi."

Pada pertengahan 1960-an, komposisi Dmitri Shostakovich tahun 1920-an, termasuk opera Katerina Izmailova, dikembalikan ke orkestra dan teater Soviet. Komposer menulis Simfoni No. 14 untuk puisi karya Guillaume Apollinaire, Rainer Maria Rilke, Wilhelm Küchelbecker, siklus roman hingga karya Marina Tsvetaeva, rangkaian kata-kata oleh Michelangelo. Dalam hal ini, Shostakovich terkadang menggunakan kutipan musik dari musik dan melodi awalnya oleh komposer lain.

Selain balet, opera dan karya simfoni Dmitry Shostakovich menciptakan musik untuk film - "Ordinary People", "Young Guard", "Hamlet", dan kartun - "Dances of the Dolls" dan "The Tale of the Stupid Mouse".

Berbicara tentang musik Shostakovich, saya ingin mengatakan bahwa itu sama sekali tidak bisa disebut musik untuk bioskop. Itu ada dengan sendirinya. Itu mungkin terkait dengan sesuatu. Ini mungkin dunia batin pengarang, yang berbicara tentang sesuatu yang diilhami oleh beberapa fenomena kehidupan atau seni.

Direktur Grigory Kozintsev

Pada tahun-tahun terakhir hidupnya, sang komposer sakit parah. Dmitri Shostakovich meninggal di Moskow pada Agustus 1975. Dia dimakamkan di pemakaman Novodevichy.

Berbicara tentang karya Shostakovich, kami harus menyentuh beberapa fitur gaya kreativitasnya. Sekarang kita perlu meringkas apa yang telah dikatakan dan menunjukkan ciri-ciri gaya yang bahkan belum mendapat penjelasan singkat dalam buku ini. Tugas yang sekarang dihadapi penulis itu sendiri rumit. Mereka menjadi lebih sulit karena buku ini tidak hanya untuk musisi profesional. Saya harus menghilangkan banyak hal yang berhubungan dengan teknologi musik, analisis musik khusus. Namun, tidak mungkin berbicara tentang gaya karya komposer, tentang bahasa musik, tanpa menyentuh masalah teoretis sama sekali. Saya harus menyentuh mereka, meskipun sedikit.
Salah satu masalah mendasar gaya musik tetap menjadi masalah melo. Kami akan berpaling padanya.
Suatu kali, selama pelajaran Dmitry Dmitrievich, perselisihan muncul dengan para siswa: yang lebih penting - melodi (tema) atau perkembangannya. Beberapa siswa merujuk pada gerakan pertama Simfoni Kelima Beethoven. Tema gerakan ini sendiri mendasar, biasa-biasa saja, dan Beethoven menciptakan karya brilian atas dasar itu! Dan di Allegro pertama dari Simfoni Ketiga oleh penulis yang sama, yang utama bukan terletak pada temanya, tetapi pada perkembangannya. Terlepas dari argumen ini, Shostakovich berpendapat bahwa materi tematik, melodi, masih sangat penting dalam musik.
Konfirmasi kata-kata ini adalah karya Shostakovich sendiri.
Di antara kualitas penting dari seni musik realistik adalah lagu, yang dimanifestasikan secara luas dalam genre instrumental. Kata tersebut digunakan dalam konteks ini dalam arti luas. Penulisan lagu tidak serta merta tampil dalam bentuknya yang "murni" dan sering dipadukan dengan tren lain. Ini juga terjadi pada musik komposer yang kepadanya karya ini dipersembahkan.
Beralih ke berbagai sumber lagu, Shostakovich tidak mengabaikan cerita rakyat Rusia kuno. Beberapa melodinya tumbuh dari lagu-lagu liris yang melekat, ratapan dan ratapan, lagu-lagu epik epik, tarian. Komposer tidak pernah mengikuti jalur stilisasi, etnografi kuno; ia mengerjakan ulang putaran melodi cerita rakyat secara mendalam sesuai dengan karakteristik individu dari bahasa musiknya.
Ada implementasi vokal dari lagu-lagu daerah lama di "The Execution of Stepan Razin", di "Katerina Izmailova". Kita berbicara, misalnya, tentang paduan suara narapidana. Di bagian Kaverina sendiri, intonasi romansa urban sehari-hari yang liris pada paruh pertama abad terakhir (yang telah disebutkan) dibangkitkan. Lagu "pria kecil terbungkus" ("Aku punya ayah baptis") penuh dengan lagu dan lagu dansa.
Mari kita mengingat bagian ketiga dari oratorio "Song of the Forests" ("Remembrance of the Past"), yang melodinya mengingatkan pada "Lucinushka". Di bagian kedua oratorio ("Ayo Mendandani Ibu Pertiwi di Hutan"), di antara lagu-lagu lainnya, pergantian awal lagu "Hei, ayo pergi" berkedip. Dan tema fugue terakhir menggemakan melodi lagu lama "Glory".
Ratapan dan ratapan yang menyedihkan muncul di bagian ketiga oratorio, dan dalam puisi paduan suara "The Ninth of January", dan di Eleventh Symphony, dan di beberapa pendahuluan piano dan fugues.
Shostakovich menciptakan banyak melodi instrumental yang berhubungan dengan genre lagu lirik rakyat. Ini termasuk tema gerakan pertama Trio, final Kuartet Kedua, gerakan lambat Konserto Cello Pertama - daftar ini, tentu saja, dapat dilanjutkan. Tidak sulit menemukan butiran lagu dalam melodi Shostakovich berdasarkan ritme waltz. Lingkup tarian rakyat Rusia terungkap di akhir Konser Biola Pertama, Simfoni Kesepuluh (bagian samping).
Penulisan lagu revolusioner menempati tempat penting dalam musik Shostakovich. Banyak yang telah dikatakan tentang ini. Bersamaan dengan intonasi aktif yang heroik dari lagu-lagu perjuangan revolusioner, Shostakovich memperkenalkan pergantian melodi dari lagu-lagu sedih yang berani tentang kerja keras politik dan pengasingan (gerakan triplet halus dengan dominasi gerakan ke bawah). Intonasi seperti itu mengisi beberapa puisi paduan suara. Jenis gerakan melodi yang sama ditemukan dalam simfoni Keenam dan Kesepuluh, meskipun isinya jauh dari puisi paduan suara.
Dan lagu lain "reservoir" yang memberi makan musik Shostakovich - lagu massal Soviet. Ia sendiri yang menciptakan karya bergenre ini. Hubungan dengan bola melodinya paling terlihat dalam oratorio "The Song of the Forests", kantata "The Sun Shines Over Our Motherland", Festive Overture.
Ciri-ciri gaya ariose opera, selain "Katerina Izmailova", muncul dalam Simfoni Ketiga Belas dan Keempat Belas karya Shostakovich, siklus vokal kamar. Dia juga memiliki cantilena instrumental yang mengingatkan pada aria atau romansa (tema oboe dari gerakan kedua dan seruling solo dari Adagio dari Simfoni Ketujuh).
Semua yang disebutkan di atas merupakan komponen penting dari karya komposer. Tanpa mereka, itu tidak bisa ada. Namun, individualitas kreatifnya paling jelas terlihat dalam beberapa elemen gaya lainnya. Maksud saya, misalnya, pengulangan - tidak hanya vokal, tetapi terutama instrumental.
Resitatif yang kaya melodi, yang tidak hanya menyampaikan intonasi percakapan, tetapi juga pikiran dan perasaan para karakter, memenuhi Katerina Izmailova. Siklus "Dari Puisi Rakyat Yahudi" memberikan contoh baru karakteristik musik tertentu, yang diwujudkan dengan teknik vokal dan ucapan. Deklamasi vokal didukung oleh deklamasi instrumental (bagian piano). Tren ini dikembangkan dalam siklus vokal berikutnya oleh Shostakovich.
Resitatif instrumental mengungkapkan keinginan kuat sang komposer untuk menyampaikan "musik ucapan" yang berubah-ubah dengan sarana instrumental. Di sini, sebelum dia membuka ruang lingkup besar untuk penelitian inovatif.
Saat kita mendengarkan beberapa simfoni Shostakovich dan karya instrumental lainnya, tampak bagi kita instrumen tersebut menjadi hidup, berubah menjadi manusia, aktor dalam drama, tragedi, dan terkadang komedi. Ada perasaan bahwa ini adalah "teater di mana semuanya terlihat jelas, untuk tertawa atau menangis" (kata-kata K. Fedin tentang musik Shostakovich). Seruan marah digantikan oleh bisikan, seruan sedih, erangan berubah menjadi tawa mengejek. Instrumen bernyanyi, menangis dan tertawa. Tentunya kesan ini tercipta tidak hanya dari intonasinya sendiri; peran timbre sangat luar biasa.
Sifat deklamasi instrumentalisme Shostakovich terkait dengan monolog presentasi. Ada monolog instrumental di hampir semua simfoninya, termasuk yang terakhir - Fifteenth, dalam konser biola dan cello, kuartet. Ini adalah melodi yang diperluas dan dikembangkan secara luas yang ditetapkan untuk beberapa instrumen. Mereka ditandai oleh kebebasan ritmis, terkadang gaya improvisasi, ekspresi oratoris melekat di dalamnya.
Dan satu lagi "zona" melo, di mana individualitas kreatif Shostakovich memanifestasikan dirinya dengan kekuatan besar. - "zona" instrumentalisme murni, jauh dari lagu, m dari intonasi "percakapan". Ini termasuk topik di mana ada banyak "kekusutan", "sudut tajam". Salah satu ciri dari tema tersebut adalah banyaknya lompatan melodi (keenam, ketujuh, oktaf, tidak ada). Namun, lompatan atau lemparan suara melodi seperti itu sering kali juga mengungkapkan prinsip oratoris deklamasi. Melodi instrumental Shostakovich terkadang sangat ekspresif, dan terkadang menjadi bermotor, sengaja "mekanis", dan sangat jauh dari intonasi yang hangat secara emosional. Contohnya adalah fugue dari bagian pertama Symphony Keempat, "toccata" dari Eighth, piano fugue Des-dur.
Seperti beberapa komposer lain di abad ke-20, Shostakovich banyak menggunakan putaran melodi dengan dominasi langkah keempat (gerakan seperti itu sebelumnya tidak banyak berguna). Mereka penuh dengan Konser Biola Pertama (tema kedua dari bagian samping Nocturne, Scherzo, Passacaglia). Tema fugue piano di B-dur dijalin dari keempat. Gerakan di urutan keempat dan kelima membentuk tema bagian "On the Guard" dari Simfoni Keempat Belas. Tentang peran gerakan seperempat dalam romansa "Dari mana datangnya kelembutan seperti itu?" kata-kata M. Tsvetaeva telah diucapkan. Shostakovich menafsirkan belokan semacam ini dengan cara yang berbeda. Gerakan seperempat adalah butir tematik dari melodi liris yang indah Andantino dari Kuartet Keempat. Namun serupa dalam strukturnya, ada juga gerakan dalam tema scherzo, tragis, dan heroik sang komposer.
Urutan melodi quart sering digunakan oleh Scriabin; bersamanya mereka memiliki sifat yang sangat spesifik, menjadi properti utama dari tema heroik ("The Poem of Ecstasy", "Prometheus", sonata piano akhir). Dalam karya Shostakovich, intonasi semacam itu memperoleh makna universal.
Ciri-ciri melo komposer kami, serta harmoni dan polifoni, tidak terlepas dari prinsip pemikiran modal. Di sini ciri-ciri individual dari gayanya memiliki pengaruh terbesar. lebih nyata. Namun, area ini, mungkin lebih banyak dari area musik lainnya sarana ekspresi, membutuhkan percakapan profesional menggunakan konsep teoretis yang diperlukan.
Tidak seperti beberapa komposer kontemporer lainnya, Shostakovich tidak mengikuti jalan penolakan sembarangan terhadap hukum kreativitas musik yang telah dikembangkan dan ditingkatkan selama berabad-abad. Dia tidak mencoba membuangnya dan menggantinya dengan sistem musik yang lahir di abad ke-20. Miliknya prinsip kreatif termasuk pengembangan dan pembaharuan yang lama. Inilah jalan semuanya artis hebat, karena inovasi sejati tidak mengecualikan kesinambungan, sebaliknya, ia mengandaikan keberadaannya: "hubungan waktu" tidak pernah bisa, dalam keadaan apa pun, berantakan. Ini juga berlaku untuk evolusi mode dalam karya Shostakovich.
Bahkan Rimsky-Korsakov dengan tepat melihat salah satu ciri nasional musik Rusia dalam penggunaan mode kuno (Lydian, Mixolydian, Frigia, dll.) Yang terkait dengan mode modern yang lebih umum - mayor dan minor. Shostakovich melanjutkan tradisi ini. Modus Aeolian ( minor alami) memberikan pesona khusus pada tema indah fugue dari kuintet, meningkatkan semangat penulisan lagu liris Rusia. Melodi Intermezzo yang penuh perasaan dan tegas dari siklus yang sama disusun dalam harmoni yang sama. Mendengarkannya, Anda kembali mengingat lagu-lagu Rusia, lirik musik Rusia - folk dan profesional. Saya juga akan menunjukkan tema dari bagian pertama Trio, yang dipenuhi dengan pergantian cerita rakyat. Awal dari Simfoni Ketujuh adalah contoh mode lain - mode Lydian "Putih" (yaitu, dilakukan hanya pada tuts putih) fugue C-dur dari koleksi "24 Preludes and Fugues" adalah buket mode yang berbeda . S. S. Skrebkov menulis tentang itu: “Tema, yang masuk dari langkah-langkah berbeda pada skala C mayor, mendapat pewarnaan modal baru: ketujuh mood modal diatonis yang mungkin digunakan dalam fugue”1.
Shostakovich menggunakan mode ini dengan cerdik dan halus, menemukan warna segar di dalamnya. Namun, hal utama di sini bukanlah penerapannya, tetapi rekonstruksi kreatifnya.
Di Shostakovich, terkadang satu mode dengan cepat digantikan oleh yang lain, dan ini terjadi dalam kerangka satu struktur musik, satu tema. Teknik ini termasuk dalam jumlah sarana yang memberikan orisinalitas pada bahasa musik. Tetapi yang paling signifikan dalam interpretasi mode adalah seringnya pengenalan langkah-langkah skala yang diturunkan (jarang ditinggikan). Mereka secara dramatis mengubah "gambaran besar". Mode baru lahir, beberapa di antaranya tidak digunakan sebelum Shostakovich... Struktur modal baru ini terwujud tidak hanya dalam melodi, tetapi juga dalam harmoni, dalam semua aspek pemikiran musik.
Orang dapat mengutip banyak contoh penggunaan komposernya sendiri, mode "Shostakovich", secara mendetail. menganalisa. Tapi ini masalah pekerjaan khusus.2 Di sini saya akan membatasi diri pada beberapa catatan.

1 Skrebkov S. Preludes dan Fugues oleh D. Shostakovich. - "Musik Soviet", 1953, No. 9, hal. 22.
Ahli musik Leningrad A.N. Dolzhansky. Dia adalah orang pertama yang menemukan sejumlah keteraturan penting dalam pemikiran modal komposer.
Apakah salah satu dari mode Shostakovich ini memainkan peran besar? dalam Simfoni Kesebelas. Seperti yang sudah disebutkan, dia menentukan struktur butir intonasional utama dari seluruh siklus. Leittonasi ini menembus seluruh simfoni, meninggalkan jejak modal tertentu pada bagian terpentingnya.
Piano Sonata Kedua sangat menunjukkan gaya modal komposer. Salah satu mode favorit Shostakovich (minor dengan derajat keempat yang rendah) membenarkan rasio kunci utama yang tidak biasa pada gerakan pertama (tema pertama adalah h-moll, yang kedua adalah Es-dur; ketika tema digabungkan dalam reprise, kedua tombol ini berbunyi bersamaan). Saya perhatikan bahwa dalam sejumlah karya lain, mode Shostakovich mendikte struktur rencana tonal.
Terkadang Shostakovich secara bertahap memenuhi melodi dengan langkah rendah, meningkatkan arah modal. Hal ini tidak hanya terjadi pada tema instrumental khusus dengan profil melodi yang kompleks, tetapi juga pada beberapa tema lagu yang tumbuh dari intonasi yang sederhana dan jelas (tema final Kuartet Kedua).
Selain tangga rendah lainnya, Shostakovich memperkenalkan VIII rendah. Fakta ini sangat penting. Sebelumnya, dikatakan tentang perubahan (perubahan) yang tidak biasa dari langkah-langkah "sah" dari skala tujuh langkah. Sekarang kita berbicara tentang fakta bahwa komposer melegitimasi langkah yang tidak diketahui oleh musik klasik lama, yang secara umum hanya dapat eksis dalam bentuk yang direduksi. Mari saya jelaskan dengan sebuah contoh. Bayangkan, setidaknya, skala D-minor: re, mi, fa, sol, la, b-flat, do. Dan alih-alih D dari oktaf berikutnya, D-flat, langkah rendah kedelapan, tiba-tiba muncul. Dalam mode inilah (dengan partisipasi langkah rendah kedua) tema bagian utama dari bagian pertama Simfoni Kelima disusun.,
Langkah rendah kedelapan menegaskan prinsip non-penutupan oktaf. Nada utama mode (dalam contoh yang diberikan - re) satu oktaf lebih tinggi berhenti menjadi nada utama dan oktaf tidak menutup. Penggantian oktaf murni dengan yang tereduksi juga dapat terjadi sehubungan dengan langkah-langkah mode lainnya. Ini berarti bahwa jika dalam satu register suara modal, misalnya, C, maka di register lain akan menjadi C-flat. Kasus semacam ini biasa terjadi di Shostakovich. Non-penutupan oktaf mengarah ke register "pemisahan" langkah.
Sejarah musik mengetahui banyak kasus ketika teknik terlarang kemudian menjadi diperbolehkan bahkan normatif. Teknik yang baru saja dibahas tadi disebut “listing”. Itu dianiaya, dan dalam kondisi pemikiran musik lama itu benar-benar terkesan salah. Dan dalam musik Shostakovich, hal itu tidak menimbulkan keberatan, karena hal itu disebabkan oleh kekhasan struktur modalnya.
Mode yang dikembangkan oleh komposer memunculkan seluruh dunia intonasi karakteristik - tajam, terkadang seolah-olah "berduri". Mereka memperkuat ekspresi tragis atau dramatis dari banyak halaman musiknya, memberinya kesempatan untuk menyampaikan berbagai nuansa perasaan, suasana hati, konflik internal, dan kontradiksi. Keunikan gaya modal penggubah dikaitkan dengan kekhususan citra multinilainya, yang mengandung suka dan duka, ketenangan dan kewaspadaan, kecerobohan dan kedewasaan yang berani. Gambar seperti itu tidak mungkin dibuat hanya dengan bantuan teknik modal tradisional.
Dalam beberapa kasus yang jarang terjadi, Shostakovich menggunakan bitonicity, yaitu membunyikan dua tuts secara bersamaan. Di atas, kami berbicara tentang bitonisitas dalam gerakan pertama Sonata Piano Kedua. Salah satu bagian fugue di bagian kedua Simfoni Keempat ditulis secara politon: empat kunci digabungkan di sini - d-moll, es-moll, e-moll, dan f-moll.
Berdasarkan mayor dan minor, Shostakovich dengan bebas menafsirkan mode fundamental ini. Terkadang dalam episode pengembangan, dia meninggalkan lingkup tonal; tapi dia selalu kembali ke sana. Jadi sang navigator, terbawa badai dari pantai, dengan percaya diri mengarahkan kapalnya ke pelabuhan.
Harmoni yang digunakan oleh Shostakovich sangat beragam. Di adegan kelima "Katerina Izmailova" (adegan dengan hantu) ada harmoni yang terdiri dari ketujuh suara dari rangkaian diatonis (suara kedelapan dalam bass ditambahkan ke dalamnya). Dan di akhir pengembangan bagian pertama Simfoni Keempat, kami menemukan akor yang dibangun dari dua belas suara berbeda! Bahasa harmonik komposer memberikan contoh kompleksitas dan kesederhanaan yang sangat besar. Harmoni kantata "Matahari bersinar di atas Tanah Air kita" sangat sederhana. Namun gaya harmonis karya ini bukanlah ciri khas Shostakovich. Hal lainnya adalah keharmonisan karya-karyanya yang belakangan, menggabungkan kejernihan yang luar biasa, terkadang transparansi, dengan ketegangan. Menghindari kompleks polifonik yang kompleks, komposer tidak menyederhanakan bahasa harmonik yang mempertahankan ketajaman dan kesegaran.
Banyak bidang harmoni Shostakovich dihasilkan oleh pergerakan suara melodi ("garis"), terkadang membentuk kompleks suara yang kaya. Dengan kata lain, harmoni sering muncul atas dasar polifoni.
Shostakovich adalah salah satu polifonis terbesar abad ke-20. Baginya, polifoni adalah salah satu sarana seni musik yang paling penting. Prestasi Shostakovich di bidang ini telah memperkaya budaya musik dunia; pada saat yang sama, mereka menandai tahap yang bermanfaat dalam sejarah polifoni Rusia.
Fugue adalah bentuk polifonik tertinggi. Shostakovich menulis banyak fugue - untuk orkestra, paduan suara dan orkestra, kwintet, kuartet, piano. Dia memperkenalkan bentuk ini tidak hanya ke dalam simfoni dan karya kamar, tetapi juga ke balet ("Golden Age"), musik film ("Golden Mountains"). Ia menghembuskan nafas baru ke dalam fuga, membuktikan bahwa ia mampu mewujudkan berbagai tema dan citra modernitas.
Shostakovich menulis fugues dalam dua, tiga, empat dan lima suara, sederhana dan ganda, menggunakan berbagai teknik di dalamnya yang membutuhkan keterampilan polifonik tinggi.
Komposer juga menginvestasikan banyak kecerdikan kreatif dalam passacaglia. Ini bentuk kuno, serta bentuk fugue, ia tunduk pada penyelesaian masalah yang berkaitan dengan perwujudan realitas modern. Hampir semua passacaglia Shostakovich tragis dan membawa konten humanis yang hebat. Mereka berbicara tentang korban kejahatan dan menentang kejahatan, menegaskan kemanusiaan yang tinggi.
Gaya polifonik Shostakovich tidak terbatas pada bentuk-bentuk yang disebutkan di atas. Itu juga muncul dalam bentuk lain. Yang saya pikirkan adalah segala macam jalinan berbagai tema, perkembangan polifoniknya dalam eksposisi, perkembangan bagian-bagian yang berbentuk sonata. Komposer tidak melewatkan polifoni sub-suara Rusia, yang lahir dari kesenian rakyat (puisi paduan suara "Di Jalan", "Lagu", tema utama dari bagian pertama Simfoni Kesepuluh).
Shostakovich memperluas kerangka gaya klasik polifonik. Dia menggabungkan teknik yang dikembangkan selama berabad-abad dengan teknik baru yang terkait dengan bidang yang disebut linearisme. Ciri-cirinya terwujud di mana gerakan garis melodi "horizontal" sepenuhnya mendominasi, mengabaikan harmonik "vertikal". Bagi komposer, tidak masalah harmoni apa yang muncul, kombinasi suara yang simultan, yang penting adalah garis suara, otonominya. Shostakovich, pada umumnya, tidak menyalahgunakan prinsip struktur struktur musik ini (minat yang berlebihan pada linearisme hanya memengaruhi beberapa karya awalnya, misalnya, dalam Second Symphony). Dia menggunakan itu pada acara-acara khusus; pada saat yang sama, inkonsistensi yang disengaja dari elemen polifonik memberikan efek yang mendekati efek kebisingan - teknik seperti itu diperlukan untuk mewujudkan prinsip anti-humanistik (fuga dari bagian pertama Simfoni Keempat).
Seorang seniman yang ingin tahu dan mencari, Shostakovich tidak mengabaikan fenomena yang tersebar luas dalam musik abad ke-20 sebagai dodecaphony. Tidak ada kesempatan di halaman ini untuk menjelaskan secara detail inti dari sistem kreatif yang sekarang dibahas. Saya akan sangat singkat. Dodecaphony muncul sebagai upaya untuk merampingkan materi suara dalam kerangka musik atonal, yang asing dengan hukum dan prinsip musik tonal - mayor atau minor. Namun, tren kompromi muncul belakangan, berdasarkan kombinasi teknologi dodecaphone dengan musik tonal. Basis teknologi dodecaphony adalah sistem aturan dan teknik yang kompleks dan dikembangkan dengan cermat. Awal "konstruksi" yang konstruktif dikedepankan. Komposer, beroperasi dengan dua belas suara, menciptakan berbagai kombinasi suara di mana semuanya tunduk pada perhitungan yang ketat, prinsip-prinsip logis. Ada banyak diskusi tentang dodecaphony dan kemungkinannya; tidak ada kekurangan suara pro dan kontra. Banyak yang menjadi jelas sekarang. Pembatasan kreativitas dalam kerangka sistem ini dengan kepatuhan tanpa syarat pada aturannya yang ketat memiskinkan seni musik dan mengarah pada dogmatisme. Penggunaan beberapa elemen teknik dodecaphone secara bebas (misalnya rangkaian dua belas bunyi) sebagai salah satu dari sekian banyak komponen materi musik dapat memperkaya dan memperbaharui bahasa musik.
Posisi Shostakovich sesuai dengan proposisi umum ini. Hal itu diungkapkannya dalam salah satu wawancaranya. Ahli musik Amerika, Brown, menarik perhatian Dmitry Dmitrievich pada fakta bahwa dalam dirinya tulisan terbaru dia terkadang menggunakan teknik dodecaphone. “Saya benar-benar menggunakan beberapa elemen dodecaphony dalam karya ini,” Shostakovich membenarkan. - Saya harus, bagaimanapun, mengatakan bahwa saya adalah lawan tegas dari metode di mana komposer menerapkan semacam sistem, membatasi dirinya hanya pada kerangka dan standarnya. Tetapi jika komposer merasa bahwa dia membutuhkan elemen dari teknik ini atau itu, dia berhak mengambil semua yang tersedia untuknya dan menggunakannya sesuai keinginannya.
Suatu ketika saya berkesempatan untuk berbicara dengan Dmitry Dmitrievich tentang dodecaphony di Fourteenth Symphony. Mengenai satu tema, yaitu serial (bagian dari "On the Lookout"), dia berkata: "Tapi saat saya menggubahnya, saya lebih memikirkan yang keempat dan kelima." Dmitry Dmitrievich menyiratkan struktur interval dari tema tersebut, yang juga dapat terjadi pada tema-tema dari asal yang berbeda. Kemudian kami berbicara tentang episode polifonik dodekafonik (fugato) dari gerakan "Di penjara Sayte". Dan kali ini Shostakovich mengklaim bahwa dia tidak terlalu tertarik dengan teknik dodecaphone itu sendiri. Pertama-tama, dia berusaha menyampaikan dengan musik apa yang diceritakan oleh puisi Apollinaire (keheningan penjara yang mengerikan, gemerisik misterius yang lahir di dalamnya).
Pernyataan ini menegaskan bahwa bagi Shostakovich, elemen individu dari sistem dodecaphonic memang hanya salah satu dari banyak cara yang dia gunakan untuk menerjemahkan konsep kreatifnya.
Shostakovich adalah penulis sejumlah siklus sonata, simfoni dan kamar (simfoni, konserto, sonata, kuartet, kwintet, trio). Formulir ini menjadi sangat penting baginya. Itu paling cocok dengan esensi karyanya, memberi banyak kesempatan untuk menunjukkan "dialektika kehidupan". Seorang simfonis berdasarkan panggilan, Shostakovich menggunakan siklus sonata untuk mewujudkan konsep kreatif utamanya.
Cakupan bentuk universal ini, atas kehendak komposer, diperluas, menutupi bentangan makhluk yang tak berujung, atau dikontrak, tergantung pada tugas apa yang dia tetapkan untuk dirinya sendiri. Mari kita bandingkan, misalnya, bekerja dengan panjang dan skala pengembangan yang berbeda seperti Simfoni Ketujuh dan Kesembilan, Trio dan Kuartet Ketujuh.
Sonata untuk Shostakovich paling tidak merupakan skema yang mengikat komposer dengan "aturan" akademis. Dia menafsirkan dengan caranya sendiri bentuk siklus sonata dan itu bagian penyusun. Banyak yang telah dikatakan tentang ini di bab-bab sebelumnya.
Saya telah berulang kali mencatat bahwa Shostakovich sering menulis bagian pertama dari siklus sonata langkah lambat, meskipun menganut struktur "sonata allegro" (eksposisi, pengembangan, reprise). Bagian dari jenis ini berisi refleksi dan tindakan yang dihasilkan oleh refleksi. Bagi mereka, penyebaran materi musik yang tidak tergesa-gesa, akumulasi bertahap dari dinamika internal adalah tipikal. Ini mengarah pada "ledakan" emosional (perkembangan).
Tema utama seringkali didahului dengan pendahuluan, tema yang kemudian memegang peranan penting. Ada pengantar dalam simfoni Pertama, Keempat, Kelima, Keenam, Kedelapan, Kesepuluh. Dalam Twelfth Symphony, tema pendahuluan juga menjadi tema bagian utama.
Tema utama tidak hanya digariskan, tetapi segera dikembangkan. Ini diikuti oleh bagian yang kurang lebih terpisah dengan materi tematik baru (permainan sampingan).
Kontras antar tema eksposisi dalam Shostakovich seringkali belum mengungkap konflik utamanya. Dia benar-benar telanjang dalam eksposisi yang rumit dan berlawanan secara emosional. Tempo dipercepat, bahasa musik memperoleh ketajaman intonasi-modal yang lebih besar. Perkembangan menjadi sangat dinamis, intens secara dramatis.
Terkadang Shostakovich menggunakan jenis perkembangan yang tidak biasa. Jadi, di bagian pertama Simfoni Keenam, perkembangannya diperpanjang solo, seolah-olah improvisasi alat musik tiup. Izinkan saya mengingatkan Anda tentang elaborasi liris yang "tenang" di akhir Kelima. Di bagian pertama dari perkembangan Ketujuh digantikan oleh episode invasi.
Komposer menghindari pengulangan yang persis mengulangi apa yang ada di eksposisi. Biasanya dia mendinamiskan reprise, seolah-olah mengangkat citra yang sudah dikenalnya ke tingkat emosional yang jauh lebih tinggi. Dalam hal ini, permulaan pengulangan bertepatan dengan klimaks umum.
Scherzo Shostakovich terdiri dari dua jenis. Salah satu jenisnya adalah interpretasi genre tradisional (musik ceria, lucu, terkadang dengan sentuhan ironi, ejekan). Jenis lainnya lebih spesifik: genre ditafsirkan oleh komposer bukan secara langsung, tetapi dalam arti kondisionalnya; kesenangan dan humor digantikan oleh fantasi yang aneh, satire, dan kelam. Kebaruan artistik tidak terletak pada bentuk, bukan pada struktur komposisi; baru adalah konten, citra, metode "penyajian" materi. Hampir tidak yang paling contoh utama scherzo semacam ini adalah gerakan ketiga dari Simfoni Kedelapan.
Scherzoness "Jahat" juga menembus bagian pertama dari siklus Shostakovich (Simfoni Keempat, Kelima, Ketujuh, Kedelapan).
Pada bab-bab sebelumnya telah disinggung tentang arti khusus prinsip scherzo dalam karya pencipta lagu. Itu berkembang secara paralel dengan tragedi dan terkadang bertindak sebagai kebalikan dari gambaran dan fenomena tragis. Shostakovich mencoba mensintesis bidang figuratif ini bahkan di Katerina Izmailova, tetapi sintesis semacam itu tidak berhasil dalam segala hal, tidak meyakinkan di mana-mana. Di masa depan, mengikuti jalan ini, sang komposer mencapai hasil yang luar biasa.
Tragedi dan scherzo - tetapi tidak menyeramkan, tetapi, sebaliknya, meneguhkan hidup - Shostakovich dengan berani bergabung dalam Simfoni Ketiga Belas.
Kombinasi elemen artistik yang berbeda dan bahkan berlawanan adalah salah satu manifestasi penting dari inovasi Shostakovich, "I" kreatifnya.
Gerakan lambat, yang terletak di dalam siklus sonata yang diciptakan oleh Shostakovich, sangat kaya akan konten. Jika scherzo-nya sering mencerminkan sisi negatif kehidupan, maka di bagian yang lambat, gambaran positif tentang kebaikan, keindahan, kebesaran jiwa manusia, alam terungkap. Ini menentukan signifikansi etis dari refleksi musik komposer - terkadang sedih dan kasar, terkadang tercerahkan.
Shostakovich memecahkan masalah paling sulit di final dengan berbagai cara. Dia ingin, mungkin, menjauh dari pola, yang terutama sering dirasakan di bagian akhir. Beberapa ujungnya tidak terduga. Pertimbangkan Simfoni Ketigabelas. Bagian pertamanya tragis, dan di bagian kedua dari belakang ("Ketakutan") ada banyak kesuraman. Dan di bagian akhir, tawa mengejek yang ceria terdengar! Akhir ceritanya tidak terduga dan pada saat yang sama organik.
Jenis final simfoni dan kamar apa yang ditemukan di Shostakovich?
Pertama-tama - final dari rencana heroik. Mereka menutup beberapa siklus di mana tema tragedi heroik terungkap. Efektif, dramatis, penuh perjuangan, terkadang berlanjut hingga hitungan terakhir. Jenis gerakan terakhir ini sudah digariskan di Simfoni Pertama. Kami menemukan contoh paling khasnya di simfoni Kelima, Ketujuh, Kesebelas. Final Trio sepenuhnya milik dunia tragis. Gerakan terakhir singkat dalam Simfoni Keempat Belas adalah sama.
Shostakovich memiliki akhir pesta yang ceria, jauh dari heroik. Mereka kekurangan gambaran perjuangan, mengatasi rintangan; sukacita tak terbatas memerintah. Ini adalah Allegro terakhir dari Kuartet Pertama. Begitulah akhir dari Simfoni Keenam, tetapi di sini, sesuai dengan persyaratan bentuk simfoni, diberikan gambaran yang lebih luas dan lebih berwarna. Final beberapa concerto harus dimasukkan dalam kategori yang sama, meskipun dilakukan secara berbeda. Bagian akhir dari Konserto Piano Pertama didominasi oleh keanehan dan lawakan; Burlesque dari First Violin Concerto menggambarkan festival rakyat.
Saya harus mengatakan tentang final lirik. Gambar-gambar liris terkadang memahkotai bahkan karya-karya Shostakovich, di mana badai mengamuk, kekuatan hebat yang tidak dapat didamaikan bentrok. Gambar-gambar ini ditandai dengan penggembalaan. Komposer beralih ke alam, yang memberi seseorang kegembiraan, menyembuhkan luka spiritualnya. Di final Kuintet, Kuartet Keenam, penggembalaan dipadukan dengan elemen tarian sehari-hari. Izinkan saya juga mengingatkan Anda tentang akhir dari Simfoni Kedelapan ("katarsis").
Final baru yang tidak biasa, berdasarkan perwujudan lingkungan emosional yang berlawanan, saat komposer menggabungkan yang "tidak sesuai". Ini adalah akhir dari Kuartet Kelima: kesederhanaan, ketenangan dan badai. Di akhir Kuartet Ketujuh, fugue yang marah digantikan oleh musik romantis - sedih dan memikat. Final dari Fifteenth Symphony adalah multi-komponen, menangkap kutub keberadaan.
Teknik favorit Shostakovich adalah kembali ke final ke topik yang diketahui pendengar dari bagian sebelumnya. Ini adalah kenangan akan jalan yang ditempuh dan pada saat yang sama pengingat - "pertempuran belum berakhir." Episode seperti itu sering kali merupakan klimaks. Mereka berada di final simfoni Pertama, Kedelapan, Kesepuluh, Kesebelas.
Bentuk final menegaskan peran yang sangat penting yang dimiliki oleh prinsip sonata dalam karya Shostakovich. Di sini juga, pencipta rela menggunakan bentuk sonata (sekaligus bentuk rondo sonata). Seperti pada gerakan pertama, dia dengan bebas menafsirkan bentuk ini (paling bebas di akhir simfoni Keempat dan Ketujuh).
Shostakovich membangun siklus sonata-nya dengan cara yang berbeda, mengubah jumlah bagian, urutan pergantiannya. Ini menggabungkan bagian non-putus yang berdekatan, membuat lingkaran dalam satu lingkaran. Kecenderungan menuju kesatuan keseluruhan mendorong Shostakovich di Simfoni Kesebelas dan Keduabelas untuk sepenuhnya meninggalkan jeda antar gerakan. Dan di Keempat Belas, ia menyimpang dari pola umum bentuk siklus simfoni sonata, menggantinya dengan prinsip konstruktif lainnya.
Kesatuan keseluruhan juga diekspresikan oleh Shostakovich dalam sistem koneksi intonasional yang kompleks dan bercabang, yang mencakup sifat tematik dari semua bagian. Ia juga menggunakan tema lintas sektoral, berpindah dari bagian ke bagian, dan terkadang tema motif utama.
Puncak Shostakovich sangat penting - emosional dan formatif. Dia dengan hati-hati menyoroti klimaks umum, yang merupakan puncak dari keseluruhan bagian, dan terkadang keseluruhan karya. Skala umum perkembangan simfoni biasanya sedemikian rupa sehingga puncaknya adalah "dataran tinggi", dan cukup diperpanjang. Komposer memobilisasi berbagai cara, berusaha memberikan bagian klimaks karakter yang monumental, heroik atau tragis.
Terhadap apa yang telah dikatakan, harus ditambahkan bahwa proses pengungkapan bentuk-bentuk besar di Shostakovich sebagian besar bersifat individual: ia condong ke arah kontinuitas arus musik, menghindari konstruksi pendek dan caesura yang sering. Setelah mulai mengungkapkan ide musiknya, ia tidak terburu-buru untuk menyelesaikannya. Jadi, tema oboe (dicegat oleh cor anglais) pada gerakan kedua Simfoni Ketujuh adalah satu konstruksi besar (periode) yang berlangsung selama 49 bar (tempo sedang). Seorang ahli kontras yang tiba-tiba, Shostakovich, pada saat yang sama, sering kali mempertahankan satu suasana hati, satu warna di seluruh bagian musik yang besar. Ada lapisan musik yang diperluas. Terkadang mereka adalah monolog instrumental.
Shostakovich tidak suka mengulangi dengan tepat apa yang telah dikatakan - baik itu motif, frasa, atau konstruksi besar. Musik mengalir semakin jauh, tidak kembali ke "tahapan yang telah dilewati". "Fluiditas" ini (terkait erat dengan gudang presentasi polifonik) adalah salah satunya fitur penting gaya komposer. (Episode invasi dari Simfoni Ketujuh didasarkan pada pengulangan tema yang berulang; ini disebabkan oleh kekhasan tugas yang telah ditetapkan penulis untuk dirinya sendiri.) Passacaglia didasarkan pada pengulangan tema (dalam bass) ; namun di sini perasaan "fluiditas" tercipta dari pergerakan suara atas.
Sekarang perlu dikatakan tentang Shostakovich sebagai ahli "dramaturgi timbre" yang hebat.
Dalam karya-karyanya, warna nada orkestra tidak terlepas dari musik, dari isi dan bentuk musiknya.
Shostakovich tertarik bukan pada lukisan timbre, tetapi pada pengungkapan esensi emosional dan psikologis dari timbre, yang dia kaitkan dengan perasaan dan pengalaman manusia. Dalam hal ini, dia jauh dari master seperti Debussy, Ravel; dia lebih dekat dengan gaya orkestra Tchaikovsky, Mahler, Bartok.
Orkestra Shostakovich adalah orkestra yang tragis. Ekspresi warna nada mencapai intensitas terbesarnya. Shostakovich, lebih dari semua komposer Soviet lainnya, menguasai warna nada sebagai alat drama musikal, mengungkapkan dengan bantuan mereka kedalaman pengalaman pribadi yang tak terbatas dan konflik sosial dalam skala global.
Musik simfoni dan opera memberikan banyak contoh perwujudan timbre dari konflik dramatis dengan bantuan alat tiup dan senar. Ada contoh seperti itu dalam karya Shostakovich. Dia sering mengaitkan timbre "kolektif" dari kelompok kuningan dengan gambaran kejahatan, agresi, dan serangan gencar pasukan musuh. Izinkan saya mengingatkan Anda tentang gerakan pertama Simfoni Keempat. Tema utamanya adalah menginjak-injak legiun "besi tuang", yang ingin mendirikan tahta yang kuat di atas tulang musuh mereka. Itu dipercayakan dengan kuningan - dua terompet dan dua trombon oktaf. Mereka diduplikasi oleh biola, tetapi timbre biola diserap oleh suara tembaga yang kuat. Fungsi dramaturgi kuningan (serta perkusi) dalam perkembangan terungkap dengan sangat jelas. Sebuah fugue kekerasan mengarah ke klimaks. Di sini langkah orang Hun modern terdengar lebih jelas. Timbre grup alat tiup telanjang dan ditampilkan secara "close-up". Temanya terdengar forte fortissimo, dibawakan oleh delapan terompet secara serempak. Kemudian empat terompet masuk, lalu tiga trombon. Dan semua itu dilatarbelakangi ritme pertarungan yang dipercayakan pada empat instrumen perkusi.
Prinsip dramatis yang sama dalam menggunakan kelompok alat tiup terungkap dalam pengembangan gerakan pertama Simfoni Kelima. Kuningan dan di sini mencerminkan garis negatif drama musikal, garis aksi balasan. Sebelumnya, eksposisi didominasi oleh timbre senar. Di awal pengembangan, tema utama yang dipikirkan kembali, yang kini menjadi perwujudan kekuatan jahat, dipercayakan pada tanduk. Sebelumnya, komposer menggunakan register yang lebih tinggi dari instrumen ini; mereka terdengar lembut, ringan. Sekarang, untuk pertama kalinya, bagian klakson menangkap nada bass yang sangat rendah, sehingga timbre mereka menjadi teredam dan tidak menyenangkan. Sedikit lebih jauh, topik beralih ke pipa, sekali lagi diputar dengan nada rendah. Saya akan menunjuk lebih jauh ke klimaks, di mana tiga terompet memainkan tema yang sama, yang telah berubah menjadi pawai yang kejam dan tidak berjiwa. Ini adalah klimaks klimaks. Tembaga dibawa ke depan, solo, benar-benar menarik perhatian pendengar.
Contoh-contoh yang diberikan menunjukkan, khususnya, peran dramatis dari berbagai register. Instrumen yang satu dan sama dapat memiliki makna dramatis yang berbeda, bahkan berlawanan, tergantung pada daftar warna mana yang termasuk dalam palet timbre karya tersebut.
Kelompok angin tembaga terkadang menjalankan fungsi yang berbeda, menjadi pembawa awal yang positif. Mari kita beralih ke dua gerakan terakhir dari Simfoni Kelima Shostakovich. Setelah nyanyian senar yang menyentuh hati di Largo, bar pertama dari bagian akhir, yang menandai perubahan tajam dalam aksi simfoni, ditandai dengan pengenalan yang sangat energik pada alat tiup. Mereka mewujudkannya di final melalui tindakan, menegaskan citra optimis berkemauan keras.
Yang sangat khas dari Shostakovich sang simfonis adalah kontras yang ditekankan antara bagian penutup Largo dan awal bagian akhir. Ini adalah dua kutub: sonoritas yang paling halus dan meleleh dari pianissimo senar, harpa, yang dijuluki oleh celesta, dan fortissimo yang kuat dari pipa dan trombon dengan latar belakang deru timpani.
Kami berbicara tentang pergantian warna nada yang kontras-konflik, perbandingan "dari kejauhan". Perbandingan semacam itu bisa disebut horizontal. Tetapi ada juga kontras vertikal, ketika timbre yang berlawanan satu sama lain berbunyi secara bersamaan.
Di salah satu bagian pengembangan bagian pertama dari Simfoni Kedelapan, suara melodi atas menyampaikan penderitaan, kesedihan. Suara ini dipercayakan pada senar (biola pertama dan kedua, biola, dan kemudian cello). Mereka bergabung dengan alat musik tiup kayu, tetapi peran dominan dimiliki oleh alat musik gesek. Pada saat yang sama, kami mendengar langkah perang yang "bersuara keras". Terompet, trombon, timpani mendominasi di sini. Kemudian ritme mereka berpindah ke snare drum. Itu memotong seluruh orkestra dan suaranya yang kering, seperti whiplash, sekali lagi menciptakan konflik timbre yang paling tajam.
Seperti simfonis besar lainnya, Shostakovich beralih ke senar ketika musik harus menyampaikan perasaan yang tinggi, perasaan yang sangat kuat, kemanusiaan yang menaklukkan segalanya. Tetapi juga terjadi bahwa alat musik gesek melakukan fungsi dramatis yang berlawanan untuknya, mewujudkan citra negatif, seperti alat musik tiup. Dalam kasus ini, komposer merampas senar merdu, kehangatan timbre. Suara menjadi dingin, keras. Ada contoh kemerduan seperti itu di Simfoni Keempat, dan Kedelapan, dan di Simfoni Keempat Belas.
Instrumen grup musik tiup kayu dalam musik solo Shostakovich banyak. Biasanya ini bukan solo virtuoso, tapi monolog - liris, tragis, lucu. Seruling, oboe, cor anglais, klarinet terutama sering mereproduksi melodi liris, terkadang dengan semburat dramatis. Shostakovich sangat menyukai timbre bassoon; dia mempercayakannya dengan beragam tema - dari duka yang suram hingga komedi-aneh. Bassoon sering bercerita tentang kematian, penderitaan yang parah, dan terkadang dia adalah "badut orkestra" (ekspresi E. Prout).
Peran instrumen perkusi di Shostakovich sangat bertanggung jawab. Dia menggunakannya, sebagai aturan, bukan untuk tujuan dekoratif, bukan untuk membuat kemerduan orkestra menjadi elegan. Drum baginya adalah sumber drama, membawa ketegangan batin yang luar biasa dan ketajaman saraf ke dalam musik. Secara halus merasakan kemungkinan ekspresif dari instrumen individu semacam ini, Shostakovich mempercayakan mereka dengan solo yang paling penting. Jadi, sudah di Simfoni Pertama, dia menjadikan solo timpani sebagai puncak umum dari keseluruhan siklus. Episode invasi dari Ketujuh terkait erat dalam imajinasi kita dengan ritme snare drum. Dalam Simfoni Ketiga Belas, timbre lonceng menjadi timbre utama. Izinkan saya mengingatkan Anda tentang pertunjukan perkusi solo grup di Simfoni Kesebelas dan Kedua Belas.
Gaya orkestra Shostakovich adalah subjek studi besar khusus. Di halaman-halaman ini, saya hanya menyentuh beberapa aspeknya.
Karya Shostakovich memiliki pengaruh yang kuat pada musik zaman kita, terutama pada musik Soviet. Fondasinya yang kokoh bukan hanya tradisi komposer klasik abad ke-18 dan ke-19, tetapi juga tradisi, yang pendirinya adalah Prokofiev dan Shostakovich.
Tentu saja, kita tidak berbicara tentang peniruan sekarang: peniruan tidak membuahkan hasil, terlepas dari siapa yang ditiru. Kita berbicara tentang perkembangan tradisi, pengayaan kreatifnya.
Pengaruh Shostakovich pada komposer kontemporer mulai terlihat sejak lama. Simfoni Pertama tidak hanya didengarkan, tetapi juga dipelajari dengan cermat. V.Ya Shebalin berkata bahwa dia belajar banyak dari skor muda ini. Shostakovich, saat masih menjadi komposer muda, memengaruhi komposer muda Leningrad, misalnya, V. Zhelobinsky (ingin tahu bahwa Dmitry Dmitrievich sendiri berbicara tentang pengaruhnya ini).
Pada tahun-tahun pasca perang, jangkauan pengaruh musiknya semakin meluas. Itu merangkul banyak komposer di Moskow dan kota-kota kami yang lain.
Yang sangat penting adalah karya Shostakovich untuk karya komposer G. Sviridov, R. Shchedrin, M. Weinberg, B. Tchaikovsky, A. Eshpay, K. Khachaturian, Yu.Levitin, R. Bunin, L. Solin, A .Shnittke. Saya ingin menyebutkan opera Dead Souls Shchedrin, di mana tradisi Mussorgsky, Prokofiev, Shostak-< вича. Талантливая опера С. Слонимского «Виринея» сочетает традиции Мусоргского с традициями автора «Катерины Измайловой». Назову А. Петрова; его симфоническая Поэма памяти жертв blokade Leningrad, sebagai karya yang sepenuhnya independen dalam gayanya, dikaitkan dengan tradisi Simfoni Ketujuh Shostakovich (lebih tepatnya, bagiannya yang lambat). Simfoni dan musik kamar guru kita yang terkenal memiliki pengaruh besar pada B. Tishchenko.
Kepentingannya juga bagus untuk sekolah musik nasional Soviet. Kehidupan telah menunjukkan bahwa daya tarik para komposer republik kita kepada Shostakovich dan Prokofiev sangat bermanfaat, tanpa melemahkan basis nasional karya mereka sama sekali. Fakta bahwa demikian dibuktikan, misalnya, oleh praktik kreatif para komposer Transcaucasia. Master kontemporer terbesar musik Azerbaijan, komposer terkenal dunia Kara Karaev adalah murid Shostakovich. Dia, tidak diragukan lagi, memiliki orisinalitas kreatif yang dalam dan kepastian gaya nasional. Namun, kelas dengan Shostakovich, studi tentang karyanya membantu Kara Abulfasovich tumbuh secara kreatif, menguasai cara baru seni musik realistik. Hal yang sama harus dikatakan tentang komposer terkemuka Azerbaijan Dzhevdet Hajiyev. Saya akan mencatat Simfoni Keempatnya, yang didedikasikan untuk mengenang V.I. Lenin. Itu dibedakan dengan kepastian citra nasional. Pengarangnya menyadari kekayaan intonasi dan modal mugham Azerbaijan. Pada saat yang sama, Gadzhiev, seperti komposer terkemuka lainnya di republik Soviet, tidak membatasi dirinya pada bidang sarana ekspresif lokal. Dia mengambil banyak dari simfoni Shostakovich. Secara khusus, beberapa ciri polifoni komposer Azerbaijan dikaitkan dengan karyanya.
Dalam musik Armenia, bersama dengan simfoni bergambar epik, simfoni yang dramatis dan mendalam secara psikologis berhasil berkembang. Musik A. I. Khachaturian dan D. D. Shostakovich berkontribusi pada pertumbuhan kreativitas simfoni Armenia. Hal ini dibuktikan setidaknya oleh Simfoni Pertama dan Kedua D. Ter-Tatevosyan, karya E. Mirzoyan dan pengarang lainnya.
Komposer Georgia belajar banyak hal berguna dari skor master Rusia yang luar biasa. Saya akan tunjukkan sebagai contoh Simfoni Pertama oleh A. Balanchivadze, yang ditulis pada tahun-tahun perang, kuartet oleh S. Tsintsadze.
Dari komposer luar biasa Soviet Ukraina, B. Lyatoshinsky, perwakilan terbesar simfoni Ukraina, paling dekat dengan Shostakovich. Pengaruh Shostakovich telah mempengaruhi komposer muda Ukraina yang tampil kedepan dalam beberapa tahun terakhir.
Komposer Belarusia E. Glebov dan banyak komposer dari negara-negara Baltik Soviet, misalnya, J. Ryazts dan A. Pyart dari Estonia, harus disebutkan di baris ini.
Intinya, semua komposer Soviet, termasuk mereka yang secara kreatif sangat jauh dari jalur yang diikuti Shostakovich, mengambil sesuatu darinya. Studi tentang karya Dmitry Dmitrievich membawa manfaat yang tidak diragukan lagi bagi mereka masing-masing.
T. N. Khrennikov, dalam pidato pembukaannya di konser peringatan pada 24 September 1976, untuk memperingati 70 tahun kelahiran Shostakovich, mengatakan bahwa Prokofiev dan Shostakovich sangat menentukan tren kreatif penting dalam perkembangan musik Soviet. Seseorang tidak bisa tidak setuju dengan pernyataan ini. Pengaruh simfonis hebat kita pada seni musik di seluruh dunia juga tidak diragukan lagi. Tapi di sini kita menyentuh tanah perawan yang belum terurai. Topik ini belum dipelajari sama sekali, masih harus dikembangkan.

Seni Shostakovich ditujukan untuk masa depan. Itu membawa kita bersama jalan besar hidup ke dalam dunia yang indah dan mengganggu, "dunia yang terbuka lebar untuk amukan angin." Kata-kata Eduard Bagritsky ini diucapkan seolah-olah tentang Shostakovich, tentang musiknya. Dia milik generasi yang tidak dilahirkan untuk hidup dalam damai. Generasi ini telah mengalami banyak hal, tetapi menang

Jalur kreatif Dmitry Dmitrievich Shostakovich (1906-1975) terkait erat dengan sejarah seluruh budaya artistik Soviet dan secara aktif tercermin dalam pers (banyak artikel, buku, esai, dll. diterbitkan tentang komposer selama masa hidupnya) . Di halaman pers, dia disebut jenius (komposer itu baru berusia 17 tahun):

“Dalam permainan Shostakovich ... kepercayaan diri seorang jenius yang sangat tenang. Kata-kata saya merujuk tidak hanya pada permainan Shostakovich yang luar biasa, tetapi juga pada komposisinya” (V. Walter, kritikus).

Shostakovich adalah salah satu yang paling orisinal, orisinal, seniman yang cemerlang. Seluruh biografi kreatifnya adalah jalan seorang inovator sejati yang telah membuatnya seluruh baris penemuan di bidang kiasan dan - genre dan bentuk, modal-intonasi. Pada saat yang sama, karyanya secara organik menyerap tradisi seni musik terbaik. Peran besar baginya dimainkan oleh kreativitas, yang prinsip-prinsipnya (opera dan vokal kamar) dibawa oleh komposer ke bidang simfoni.

Selain itu, Dmitry Dmitrievich melanjutkan baris simfoni heroik Beethoven, simfoni lirik-dramatis. Gagasan yang meneguhkan hidup dari karyanya kembali ke Shakespeare, Goethe, Beethoven, Tchaikovsky. Secara artistik

“Shostakovich adalah “orang teater”, dia mengenal dan mencintainya” (L. Danilevich).

Pada saat yang sama, hidupnya sebagai seorang komposer dan sebagai pribadi terhubung dengan halaman tragis sejarah Soviet.

Balet dan opera oleh D. D. Shostakovich

Balet pertama - "Golden Age", "Bolt", "Bright Stream"

Pahlawan kolektif dari karya tersebut adalah tim sepak bola (yang bukan kebetulan, karena komposernya menyukai olahraga, secara profesional memahami seluk-beluk permainan, yang memberinya kesempatan untuk menulis laporan tentang pertandingan sepak bola, adalah penggemar aktif, lulus dari sekolah wasit sepak bola). Berikutnya adalah balet "Bolt" dengan tema industrialisasi. Libretto itu ditulis oleh seorang mantan kavaleri dan dengan sendirinya, dari sudut pandang modern, hampir bersifat parodi. Balet diciptakan oleh komposer dalam semangat konstruktivisme. Orang-orang sezaman mengenang pemutaran perdana dengan cara yang berbeda: beberapa mengatakan bahwa penonton proletar tidak mengerti apa-apa dan mencemooh penulisnya, yang lain ingat bahwa balet disambut dengan tepuk tangan. Musik balet The Bright Stream (premiere - 01/04/35), yang berlangsung di pertanian kolektif, tidak hanya dipenuhi dengan lirik, tetapi juga dengan intonasi komik, yang juga tidak bisa tidak mempengaruhi nasib komposer. .

Shostakovich banyak mengarang di tahun-tahun awalnya, tetapi beberapa karya ternyata dihancurkan olehnya secara pribadi, seperti, misalnya, opera pertama "Gipsi" setelah Pushkin.

Opera "Hidung" (1927-1928)

Itu menimbulkan kontroversi sengit, akibatnya untuk waktu yang lama dihapus dari repertoar teater, dan kemudian dibangkitkan kembali. Dengan kata-kata Shostakovich sendiri, dia:

“... Paling tidak dipandu oleh fakta bahwa opera pada dasarnya adalah karya musik. Dalam "The Nose" elemen aksi dan musik disamakan. Tidak satu pun atau yang lain menempati tempat yang dominan.

Dalam upaya untuk mensintesis musik dan pertunjukan teater, sang komposer secara organik menggabungkan individualitas kreatifnya sendiri dan berbagai tren artistik dalam karya tersebut (Love for Three Oranges, Wozzeck Berg, Jump Over the Shadow Krenek). Estetika teater realisme memiliki pengaruh besar pada komposer Secara keseluruhan, The Nose meletakkan dasar, di satu sisi, metode realistis, di sisi lain, arahan "Gogolian" dalam drama opera Soviet.

Opera Katerina Izmailova (Lady Macbeth dari Distrik Mtsensk)

Itu ditandai dengan transisi tajam dari humor (dalam balet Bolt) ke tragedi, meskipun elemen tragis sudah terlihat di The Nose, yang membentuk subteksnya.

Ini - “... perwujudan dari perasaan tragis dari dunia yang tidak masuk akal yang digambarkan oleh sang komposer, di mana segala sesuatu yang manusia diinjak-injak, dan manusia adalah boneka yang menyedihkan; Yang Mulia Hidung menjulang di atas mereka” (L. Danilevich).

Dalam kontras seperti itu, peneliti L. Danilevich melihat peran luar biasa mereka dalam aktivitas kreatif Shostakovich, dan lebih luas lagi - dalam seni abad ini.

Opera "Katerina Izmailova" didedikasikan untuk istri komposer N. Varzar. Ide aslinya berskala besar - sebuah trilogi yang menggambarkan nasib seorang wanita di era yang berbeda. "Katerina Izmailova" akan menjadi bagian pertamanya, menggambarkan protes spontan dari pahlawan wanita terhadap "kerajaan gelap", mendorongnya ke jalur kejahatan. Pahlawan wanita di bagian selanjutnya seharusnya seorang revolusioner, dan di bagian ketiga komposer ingin menunjukkan nasib seorang wanita Soviet. Rencana ini tidak ditakdirkan untuk menjadi kenyataan.

Dari penilaian opera oleh orang-orang sezaman, kata-kata I. Sollertinsky menunjukkan:

“Dapat dikatakan dengan penuh tanggung jawab bahwa dalam sejarah teater musikal Rusia setelah The Queen of Spades belum pernah muncul karya sebesar dan sedalam Lady Macbeth.

Komposernya sendiri menyebut opera itu sebagai "tragedi-satir", sehingga menyatukan dua aspek terpenting dari karyanya.

Namun, pada 28 Januari 1936, surat kabar Pravda menerbitkan sebuah artikel berjudul "Muddle Alih-alih Musik" tentang opera (yang telah mendapat pujian dan pengakuan tinggi dari publik), di mana Shostakovich dituduh formalisme. Artikel tersebut ternyata merupakan hasil dari kesalahpahaman tentang masalah estetika kompleks yang diangkat oleh opera tersebut, namun akibatnya, nama penggubahnya diindikasikan secara tajam dengan cara yang negatif.

Selama masa sulit ini, dukungan dari banyak rekan ternyata sangat berharga baginya, dan yang secara terbuka menyatakan bahwa dia menyambut Shostakovich dengan kata-kata Pushkin tentang Baratynsky:

"Dia asli dengan kita - karena dia berpikir."

(Meskipun dukungan Meyerhold hampir tidak dapat didukung pada tahun-tahun itu. Sebaliknya, itu menimbulkan bahaya bagi kehidupan dan karya komposer.)

Terlebih lagi, pada 6 Februari, surat kabar yang sama menerbitkan artikel berjudul "Ballet Falsity", yang sebenarnya mencoret balet "Bright Stream".

Karena artikel-artikel ini, yang memberikan pukulan telak bagi komposer, aktivitasnya sebagai komposer opera dan balet berakhir, terlepas dari kenyataan bahwa mereka terus-menerus mencoba menarik minatnya pada berbagai proyek selama bertahun-tahun.

Simfoni oleh Shostakovich

Dalam karya simfoni (komposer menulis 15 simfoni), Shostakovich sering menggunakan metode transformasi kiasan berdasarkan pemikiran ulang yang mendalam tentang tema musik, yang menghasilkan pluralitas makna.

• TENTANG Simfoni Pertama Sebuah majalah musik Amerika menulis pada tahun 1939:

Simfoni (karya tesis) ini menyelesaikan masa magang dalam biografi kreatif pencipta.

• Simfoni kedua- ini adalah cerminan dari kehidupan kontemporer sang komposer: ia bernama "Oktober", dipesan untuk peringatan 10 tahun Revolusi Oktober oleh departemen propaganda Sektor Musik Rumah Penerbitan Negara. Itu menandai awal dari pencarian cara baru.

• Simfoni Ketiga ditandai dengan bahasa musik yang demokratis dan mirip lagu dibandingkan dengan Yang Kedua.

Prinsip dramaturgi montase, teatrikal, dan visibilitas gambar mulai ditelusuri pada relief.

• Simfoni keempat- sebuah tragedi simfoni, menandai babak baru dalam perkembangan simfoni Shostakovich.

Seperti "Katerina Izmailova", dia untuk sementara dilupakan. Komposer membatalkan pemutaran perdana (seharusnya berlangsung pada tahun 1936), percaya bahwa itu akan "kehabisan waktu". Baru pada tahun 1962 karya tersebut dibawakan dan diterima dengan antusias, terlepas dari kerumitan, ketajaman konten dan bahasa musiknya. G. Khubov (kritikus) berkata:

"Dalam musik Simfoni Keempat, kehidupan itu sendiri mendidih dan menggelembung."

• Simfoni Kelima sering dibandingkan dengan jenis dramaturgi Shakespeare, khususnya, dengan "Hamlet".

"harus diresapi dengan ide positif, seperti, misalnya, kesedihan yang meneguhkan hidup dari tragedi Shakespeare."

Jadi, tentang Simfoni Kelimanya, dia berkata:

“Tema simfoni saya adalah pembentukan kepribadian. Pria dengan semua pengalamannya itulah yang saya lihat sebagai inti dari konsep karya ini.

• Benar-benar ikonik Simfoni Ketujuh ("Leningrad"), ditulis di Leningrad yang terkepung di bawah kesan langsung dari peristiwa mengerikan Perang Dunia II.

Menurut Koussevitzky, musiknya

“Luar biasa dan manusiawi dan dapat dibandingkan dengan universalitas kemanusiaan dari kejeniusan Beethoven, yang lahir, seperti Shostakovich, di era pergolakan dunia…”.

Penayangan perdana Seventh Symphony berlangsung di Leningrad yang terkepung pada 09/08/42 dengan siaran konser di radio. Maxim Shostakovich, putra sang komposer, percaya bahwa karya ini tidak hanya mencerminkan anti-humanisme dari invasi fasis, tetapi juga anti-humanisme dari teror Stalinis di Uni Soviet.

• Simfoni Kedelapan(ditampilkan perdana pada 04.11.1943) adalah puncak pertama dari garis tragis karya komposer (klimaks kedua adalah Simfoni Keempat Belas), musik yang menimbulkan kontroversi dengan upaya untuk meremehkan signifikansinya, tetapi diakui sebagai salah satu karya luar biasa abad ke-20.

• Dalam Simfoni Kesembilan(selesai tahun 1945) sang komposer (ada pendapat seperti itu) menanggapi akhir perang.

Dalam upaya untuk menghilangkan pengalaman itu, dia berusaha menarik emosi yang tenang dan gembira. Namun, mengingat masa lalu, hal ini tidak mungkin lagi - garis ideologis utama pasti dipicu oleh elemen dramatis.

• Simfoni Kesepuluh melanjutkan baris yang ditetapkan di Symphony No.4.

Setelah itu, Shostakovich beralih ke jenis simfoni yang berbeda, mewujudkan epik revolusioner rakyat. Jadi, sebuah dilogi muncul - simfoni No. 11 dan 12, bertuliskan nama "1905" (simfoni No. 11, didedikasikan untuk peringatan 40 tahun Oktober) dan "1917" (simfoni No. 12).

• Simfoni Ketiga Belas dan Keempat Belas juga ditandai dengan fitur genre khusus (fitur oratorio, pengaruh gedung opera).

Ini adalah siklus simfoni vokal multi-bagian, di mana kecenderungan ke arah sintesis genre vokal dan simfoni terwujud sepenuhnya.

Karya simfoni komposer Shostakovich memiliki banyak segi. Di satu sisi, ini adalah karya yang ditulis di bawah pengaruh ketakutan akan apa yang terjadi di negara ini, beberapa di antaranya ditulis atas perintah, beberapa untuk melindungi diri mereka sendiri. Di sisi lain, ini adalah refleksi yang jujur ​​\u200b\u200bdan mendalam tentang hidup dan mati, pernyataan pribadi komposer, yang hanya bisa berbicara dengan lancar dalam bahasa musik. Takova Simfoni Keempat Belas. Ini adalah karya vokal-instrumental, di mana ayat-ayat F. Lorca, G. Apollinaire, V. Kuchelbecker, R. Rilke digunakan. Tema utama simfoni ini adalah refleksi tentang kematian dan manusia. Dan meskipun Dmitry Dmitrievich sendiri mengatakan pada pemutaran perdana bahwa ini adalah musik dan kehidupan, materi musik itu sendiri berbicara tentang jalan tragis seseorang, tentang kematian. Sungguh, sang komposer naik ke sini ke puncak refleksi filosofis.

Karya piano oleh Shostakovich

Arah gaya baru musik pianika Abad ke-20, dalam banyak hal menyangkal tradisi romantisme dan impresionisme, penyajian grafis yang dibudidayakan (terkadang sengaja dibuat kering), terkadang menekankan ketajaman dan kemerduan; ritme sangat penting. Peran penting dalam pembentukannya adalah milik Prokofiev, dan banyak yang menjadi ciri khas Shostakovich. Misalnya, dia banyak menggunakan register yang berbeda, membandingkan sonoritas yang kontras.

Sudah di kreativitas anak ia mencoba menanggapi peristiwa sejarah (karya piano "Soldier", "Hymn to Freedom", "Funeral March in Memory of the Victims of the Revolution").

Catatan N. Fedin, mengenang tahun-tahun konservatori komposer muda:

"Musiknya berbicara, mengobrol, terkadang cukup nakal."

Komposer menghancurkan sebagian dari karya awalnya dan, kecuali Tarian Fantastis, tidak menerbitkan karya apa pun yang ditulis sebelum Simfoni Pertama. "Fantastic Dances" (1926) dengan cepat mendapatkan popularitas dan dengan mantap memasuki repertoar musik dan pedagogis.

Siklus "Preludes" ditandai dengan pencarian teknik dan cara baru. Bahasa musik di sini tidak memiliki kepura-puraan, kerumitan yang disengaja. Ciri-ciri terpisah dari gaya masing-masing komposer terkait erat dengan melo khas Rusia.

Piano Sonata No. 1 (1926) awalnya disebut "Oktober", merupakan tantangan berani terhadap konvensi dan akademisi. Karya tersebut dengan jelas menunjukkan pengaruh gaya piano Prokofiev.

Sifat siklus karya piano "Kata Mutiara" (1927) yang terdiri dari 10 buah justru sebaliknya ditandai dengan keintiman, penyajian grafis.

Dalam Sonata Pertama dan Kata-Kata Mutiara, Kabalevsky melihat "pelarian dari kecantikan lahiriah".

Pada tahun 1930-an (setelah opera Katerina Izmailova) 24 pendahuluan piano (1932-1933) dan Konserto Piano Pertama (1933) muncul; dalam karya-karya ini ciri-ciri gaya piano individu Shostakovich terbentuk, yang kemudian dengan jelas ditunjukkan dalam Sonata Kedua dan bagian piano dari Quintet dan Trio.

Pada 1950-51, siklus "24 Preludes and Fugues" op. 87, dalam strukturnya mengacu pada CTC Bach. Selain itu, tidak ada komposer Rusia yang membuat siklus seperti itu sebelum Shostakovich.

Sonata piano kedua (op. 61, 1942) ditulis di bawah pengaruh kematian L. Nikolaev (pianis, komposer, guru) dan didedikasikan untuk ingatannya; pada saat yang sama mencerminkan peristiwa perang. Keintiman tidak hanya menandai genre, tetapi juga dramaturgi karya tersebut.

“Mungkin di tempat lain Shostakovich adalah pertapa di bidang tekstur piano seperti di sini” (L. Danilevich).

Seni kamar

Komposer menciptakan 15 kuartet. Untuk mengerjakan Kuartet Pertama (op. 40, 1938), menurut pengakuannya sendiri, dia memulai "tanpa pemikiran dan perasaan khusus".

Namun, karya Shostakovich tidak hanya memikat, tetapi berkembang menjadi ide untuk membuat siklus 24 kuartet, satu untuk setiap tuts. Namun, kehidupan memutuskan bahwa rencana ini tidak ditakdirkan untuk terwujud.

Komposisi tonggak yang melengkapi garis kreativitasnya sebelum perang adalah Kuintet untuk dua biola, viola, cello dan piano (1940).

Ini adalah “ranah refleksi tenang yang dikipasi oleh puisi liris. Inilah dunia pikiran luhur, terkendali, perasaan jernih murni, dikombinasikan dengan kesenangan meriah dan gambaran pastoral” (L. Danilevich).

Belakangan, sang komposer tidak dapat menemukan kedamaian seperti itu dalam karyanya.

Jadi, Trio untuk mengenang Sollertinsky mewujudkan ingatan seorang teman yang telah meninggal dan pikiran semua orang yang tewas dalam masa perang yang mengerikan.

Kreativitas kantata-oratorio

Shostakovich menciptakan jenis oratorio baru, yang ciri-cirinya adalah meluasnya penggunaan lagu dan genre dan bentuk lainnya, serta publisitas dan keturunan.

Ciri-ciri ini diwujudkan dalam oratorio cahaya matahari "Song of the Forests", yang diciptakan "segera di tengah peristiwa" yang terkait dengan aktivasi "konstruksi hijau" - penciptaan sabuk pelindung hutan. Isinya terungkap dalam 7 bagian

("Ketika perang berakhir", "Kami akan mendandani Tanah Air di hutan", "Mengingat masa lalu", "Perintis menanam hutan", "Stalingraders maju", "Perjalanan masa depan", "Kemuliaan").

Dekat dengan gaya kantata oratorio "The Sun Shines Over Our Homeland" (1952) di op. Dolmatovsky.

Baik dalam oratorio maupun kantata, terdapat kecenderungan sintesis baris lagu-paduan suara dan simfoni karya penggubah.

Sekitar periode yang sama, siklus 10 puisi muncul paduan suara campuran tidak disertai dengan kata-kata para penyair revolusioner pergantian abad (1951), yang merupakan contoh luar biasa dari epik revolusioner. Siklus adalah karya pertama dalam karya komposer, yang tidak ada musik instrumental. Beberapa kritikus percaya bahwa karya-karya yang dibuat dengan kata-kata Dolmatovsky, biasa-biasa saja, tetapi menempati tempat yang luas dalam nomenklatur Soviet, membantu komposer untuk terlibat dalam kreativitas. Jadi, salah satu siklus kata-kata Dolmatovsky dibuat segera setelah simfoni ke-14, seolah-olah bertentangan dengannya.

Musik film

Musik film memainkan peran besar dalam karya Shostakovich. Dia adalah salah satu pelopor seni musik semacam ini, yang mewujudkan keinginan abadi untuk segala sesuatu yang baru, tidak diketahui. Saat itu, bioskop masih sunyi, dan musik film dipandang sebagai eksperimen.

Membuat musik untuk film, Dmitry Dmitrievich berusaha bukan untuk mengilustrasikan rentang visual itu sendiri, tetapi untuk dampak emosional dan psikologis, ketika musik mengungkapkan subteks psikologis yang dalam dari apa yang terjadi di layar. Selain itu, bekerja di bioskop mendorong komposer untuk beralih ke lapisan nasional yang sebelumnya tidak dikenal Kesenian rakyat. Musik untuk film membantu komposer ketika karya utamanya tidak terdengar. Sama seperti terjemahan membantu Pasternak, Akhmatova, Mandelstam.

Beberapa film dengan musik oleh Shostakovich (ini adalah film yang berbeda):

"Youth of Maxim", "Young Guard", "Gadfly", "Hamlet", "King Lear", dll.

Bahasa musik komposer seringkali tidak sesuai dengan norma yang ditetapkan, dan dalam banyak hal mencerminkan kualitas pribadinya: dia menghargai humor, kata yang tajam, dia sendiri jenaka.

“Keseriusannya dipadukan dengan keaktifan karakter” (Tyulin).

Namun, perlu dicatat bahwa bahasa musik Dmitry Dmitrievich menjadi semakin suram seiring berjalannya waktu. Dan jika kita berbicara tentang humor, maka dengan penuh keyakinan kita bisa menyebutnya sarkasme (siklus vokal pada teks dari majalah "Crocodile", pada syair Kapten Lebyadkin, pahlawan novel Dostoevsky "Demons")

Komposer, pianis, Shostakovich juga seorang guru (profesor Konservatorium Leningrad), yang membesarkan sejumlah komposer terkemuka, termasuk G. Sviridov, K. Karaev, M. Weinberg, B. Tishchenko, G. Ustvolskaya dan lainnya.

Baginya, luasnya pandangan sangat penting, dan dia selalu merasakan dan mencatat perbedaan antara sisi musik yang spektakuler secara eksternal dan sisi emosional yang dalam. Kelebihan komposer sangat dihargai: Shostakovich adalah salah satu pemenang pertama Hadiah Negara Uni Soviet, dia dianugerahi Order of the Red Banner of Labour (yang pada saat itu hanya dapat dicapai oleh sangat sedikit komposer).

Namun, nasib yang sangat manusiawi dan musikal dari sang komposer adalah ilustrasi dari tragedi kejeniusan di.

Apakah kamu menyukainya? Jangan sembunyikan kegembiraan Anda dari dunia - bagikan

Setiap seniman melakukan dialog khusus dengan waktunya, tetapi sifat dialog ini sangat bergantung pada sifat kepribadiannya.D. Shostakovich, tidak seperti banyak orang sezamannya, tidak takut untuk sedekat mungkin dengan realitas yang tidak menarik dan menjadikan kreasi penggambaran simbolis yang digeneralisasikan tanpa ampun sebagai masalah dan kewajiban hidupnya sebagai seorang seniman. Pada dasarnya, menurut I. Sollertinsky, dia ditakdirkan untuk menjadi "penyair tragis" yang hebat.

Dalam karya ahli musik dalam negeri, konflik tingkat tinggi dalam karya Shostakovich berulang kali dicatat (karya M. Aranovsky, T. Leie, M. Sabinina, L. Mazel). Menjadi komponen refleksi artistik realitas, konflik mengungkapkan sikap pencipta terhadap fenomena realitas di sekitarnya. L. Berezovchuk secara meyakinkan menunjukkan bahwa konflik dalam musik Shostakovich seringkali terwujud melalui interaksi gaya dan genre. Masalah. 15. - L.: Musik, 1977. - S. 95-119 .. Tanda-tanda berbagai gaya dan genre musik masa lalu, yang diciptakan kembali dalam karya modern, dapat mengambil bagian dalam konflik; tergantung pada niat pembuatnya, mereka bisa menjadi simbol awal yang positif atau gambaran kejahatan. Ini adalah salah satu varian dari "generalisasi melalui genre" (istilah A. Alschwang) dalam musik abad 20. Secara umum, tren retrospektif (menarik gaya dan genre masa lalu) menjadi yang terdepan dalam berbagai gaya pengarang pada masa itu. abad ke-20 (karya M. Reger, P. Hindemith , I. Stravinsky, A. Schnittke dan banyak lainnya).

Menurut M. Aranovsky, salah satu aspek terpenting dari musik Shostakovich adalah kombinasi dari berbagai metode implementasi ide artistik, seperti:

pernyataan langsung terbuka secara emosional, seolah-olah "pidato musikal langsung";

· teknik visual, sering dikaitkan dengan gambar sinematik yang terkait dengan konstruksi "plot simfoni";

· metode penunjukan atau simbolisasi yang terkait dengan personifikasi kekuatan "aksi" dan "kontraaksi" Aranovsky M. Tantangan waktu dan tanggapan artis // Academy of Music. - M.: Musik, 1997. - No.4. - H.15 - 27..

Dalam semua manifestasi metode kreatif Shostakovich ini, ada ketergantungan yang jelas pada genre tersebut. Dan dalam ekspresi langsung perasaan, dan dalam teknik visual, dan dalam proses simbolisasi - di mana-mana basis genre tematik yang eksplisit atau tersembunyi membawa beban semantik tambahan.

Karya Shostakovich didominasi oleh genre tradisional - simfoni, opera, balet, kuartet, dll. Bagian dari siklus juga sering memiliki sebutan genre, misalnya: Scherzo, Recitative, Etude, Humoresque, Elegy, Serenade, Intermezzo, Nocturne, Funeral March. Komposer juga menghidupkan kembali sejumlah genre kuno - chaconne, sarabande, passacaglia. Keunikan pemikiran artistik Shostakovich adalah bahwa genre yang dikenal dengan baik diberkahi dengan semantik yang tidak selalu sesuai dengan prototipe sejarahnya. Mereka berubah menjadi model asli - pembawa nilai tertentu.

Menurut V. Bobrovsky, passacaglia berfungsi untuk mengekspresikan ide-ide etis yang luhur Bobrovsky V. Implementasi Genre Passacaglia dalam Sonata-Symphonic Cycles of D. Shostakovich // Musik dan Modernitas. Masalah 1. - M., 1962.; peran serupa dimainkan oleh genre chaconne dan sarabande, dan dalam komposisi kamar periode terakhir - elegi. Seringkali ada monolog resitatif dalam karya Shostakovich, yang pada periode tengah berfungsi sebagai pernyataan dramatis atau menyedihkan-tragedi, dan pada periode selanjutnya mereka memperoleh makna filosofis yang digeneralisasikan.

Polifoni pemikiran Shostakovich secara alami memanifestasikan dirinya tidak hanya dalam tekstur dan metode pengembangan seni tematik, tetapi juga dalam kebangkitan genre fuga, serta tradisi penulisan siklus pendahuluan dan fuga. Selain itu, konstruksi polifonik memiliki semantik yang sangat berbeda: polifoni yang kontras, serta fugato, sering dikaitkan dengan bidang figuratif positif, bidang manifestasi dari prinsip manusia yang hidup. Sementara anti-manusia diwujudkan dalam kanon yang ketat ("episode invasi" dari simfoni ke-7, bagian dari pengembangan bagian I, tema utama bagian II dari simfoni ke-8) atau sederhana, terkadang homofonik primitif yang disengaja. formulir.

Scherzo ditafsirkan oleh Shostakovich dengan cara yang berbeda: ini adalah gambar yang ceria, nakal, dan boneka mainan, selain itu, scherzo adalah genre favorit bagi komposer untuk mewujudkan kekuatan negatif dari tindakan, yang menerima gambar yang sangat aneh dalam hal ini. genre. Kosa kata scherzo, menurut M. Aranovsky, menciptakan lingkungan intonasi yang subur untuk penerapan metode topeng, sebagai akibatnya "... yang dipahami secara rasional terjalin secara aneh dengan yang irasional dan di mana garis antara kehidupan dan absurditas benar-benar terhapus "(1, 24 ). Peneliti melihat dalam hal ini kesamaan dengan Zoshchenko atau Kharms, dan, mungkin, pengaruh Gogol, yang puisinya berhubungan dekat dengan komposer dalam karyanya di opera The Nose.

B.V. Asafiev memilih genre berpacu yang spesifik untuk gaya penggubahnya: "... sangat khas bahwa musik Shostakovich berisi ritme berpacu, tetapi bukan berpacu yang naif pada 20-30-an abad lalu dan bukan cancan bergigi Offenbach, tetapi bioskop berpacu, berpacu dari pengejaran terakhir dengan segala macam petualangan Dalam musik ini ada perasaan cemas, dan sesak napas gugup, dan keberanian kurang ajar, tetapi hanya tawa, menular dan gembira, yang hilang.<…>Mereka gemetar, kejang, aneh, seolah-olah rintangan sedang diatasi "(4, 312 ) Gallop atau cancan sering menjadi dasar untuk "danses macabres" Shostakovich - tarian asli kematian (misalnya, di Trio untuk mengenang Sollertinsky atau di bagian III dari Simfoni Kedelapan).

Komposer banyak menggunakan musik sehari-hari: pawai militer dan olahraga, tarian sehari-hari, urban musik liris dan seterusnya. Seperti yang Anda ketahui, musik urban sehari-hari dipuitiskan oleh lebih dari satu generasi komposer romantis, yang melihat bidang kreativitas ini terutama sebagai "perbendaharaan suasana hati yang indah" (L. Berezovchuk). Jika dalam kasus yang jarang terjadi, genre sehari-hari diberkahi dengan semantik negatif dan negatif (misalnya, dalam karya Berlioz, Liszt, Tchaikovsky), ini selalu meningkatkan beban semantik, memilih episode ini dari konteks musik. Namun, apa yang unik dan tidak biasa di abad ke-19 menjadi ciri khas metode kreatif Shostakovich. Banyaknya pawai, waltz, polka, gallop, dua langkah, cancan telah kehilangan nilai (etis) netralitasnya, jelas termasuk dalam bidang kiasan negatif.

L. Berezovchuk L. Berezovchuk. Kutipan Op. menjelaskan hal ini dengan sejumlah alasan sejarah. Masa dimana bakat komposer terbentuk sangatlah sulit budaya Soviet. Proses penciptaan nilai-nilai baru dalam masyarakat baru dibarengi dengan benturan kecenderungan yang paling kontradiktif. Di satu sisi, ini adalah metode ekspresi baru, tema baru, plot. Di sisi lain - longsoran produksi musik yang beramai-ramai, histeris, dan sentimental, yang melanda orang awam di tahun 20-30-an.

Musik sehari-hari, atribut budaya borjuis yang tidak dapat dicabut, pada abad ke-20 menjadi gejala cara hidup borjuis kecil, pikiran sempit, dan kurangnya spiritualitas bagi seniman terkemuka di abad ke-20. Lingkungan ini dianggap sebagai sarang kejahatan, alam naluri dasar yang dapat berkembang menjadi bahaya yang mengerikan bagi orang lain. Oleh karena itu, bagi sang komposer, konsep Evil dipadukan dengan lingkup genre keseharian yang "rendah". Seperti yang dicatat M. Aranovsky, "dalam hal ini Shostakovich bertindak sebagai pewaris Mahler, tetapi tanpa idealismenya" (2, 74 ). Apa yang dipuitiskan, diagungkan oleh romantisme, menjadi objek distorsi yang aneh, sarkasme, ejekan Shostakovich tidak sendirian dalam sikap terhadap "pidato urban" ini. M. Aranovsky menarik kesejajaran dengan bahasa M. Zoshchenko, yang dengan sengaja mengubah ucapannya karakter negatif... Contohnya adalah "Police Waltz" dan sebagian besar jeda dari opera "Katerina Izmailova", pawai dalam "Episode Invasi " dari Simfoni Ketujuh, tema utama bagian kedua Simfoni Kedelapan, tema minuet dari bagian kedua Simfoni Kelima dan banyak lagi.

Apa yang disebut "paduan genre" atau "campuran genre" mulai memainkan peran penting dalam metode kreatif Shostakovich yang matang. Sabinina dalam monografnya Sabinina M. Shostakovich adalah seorang simfonis. - M .: Musik, 1976. mencatat bahwa, dimulai dengan Simfoni Keempat, sangat penting memperoleh tema-proses di mana ada pergantian dari mencetak peristiwa eksternal menjadi ekspresi keadaan psikologis. Perjuangan Shostakovich untuk menangkap dan merangkul rantai fenomena dalam satu proses perkembangan mengarah pada kombinasi dalam satu tema fitur dari beberapa genre, yang terungkap dalam proses penyebarannya. Contohnya adalah tema utama dari bagian pertama Simfoni Kelima, Ketujuh, Kedelapan, dan karya lainnya.

Dengan demikian, model genre dalam musik Shostakovich sangat beragam: kuno dan modern, akademis dan sehari-hari, terbuka dan tersembunyi, homogen dan bercampur. Ciri penting gaya Shostakovich adalah keterkaitan genre tertentu dengan kategori etis Baik dan Jahat, yang, pada gilirannya, merupakan komponen terpenting yang bertindak sebagai kekuatan dalam konsep simfoni penggubah.

Pertimbangkan semantik model genre dalam musik D. Shostakovich menggunakan contoh Simfoni Kedelapannya.