Cultura dell'Europa occidentale nel XVIII secolo. Le principali dominanti della cultura dell'Illuminismo europeo del XVIII secolo Cultura occidentale del XVIII secolo

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introduzione

Capitolo I I valori fondamentali dell'Illuminismo

Capitolo II Sviluppo della scienza nell'età dell'Illuminismo

Capitolo III Caratteristiche stilistiche e di genere dell'arte del Settecento

Conclusione

Bibliografia

INTRODUZIONE

La rilevanza dello studio di questo argomento è direttamente correlata al significato del periodo considerato per lo sviluppo degli studi culturali.

Cultura europea dei secoli XVII-XIX. È consuetudine combinare la cultura della New Age con un concetto comune, caratterizzato dalla formazione e dallo sviluppo del modo di produzione capitalista.

Per i paesi d'Europa, l'inizio del XVII secolo. segnata in gran parte dalla reazione politica che si verificò in seguito agli eventi della fine del XVI secolo. La guerra contadina in Germania (1524-1525), che per molti versi fu una continuazione del movimento popolare contro la Chiesa cattolica, si concluse con la sconfitta dei ribelli.

La conseguenza di ciò fu il trionfo del potere feudale, con la sua frammentazione, il basso livello di sviluppo socio-economico e culturale. Di fatto, la prima rivoluzione borghese in Europa fu sconfitta. La Francia è inghiottita da guerre religiose e civili.

L'oggetto dello studio è il processo di sviluppo culturale nell'Europa occidentale nel XVIII secolo.

L'oggetto dello studio sono i principali risultati dello sviluppo culturale nell'Europa occidentale.

Lo scopo di questo lavoro è la necessità di caratterizzare il processo di sviluppo culturale nell'Europa occidentale nel XVIII secolo.

Il raggiungimento di questo obiettivo comporta la risoluzione di una serie dei seguenti compiti:

1. Identificare i principali valori dell'Illuminismo.

2. Descrivere lo sviluppo della scienza nell'Illuminismo.

3. Evidenzia le principali caratteristiche stilistiche e di genere dell'arte nel XVIII secolo.

Nel lavoro sono stati utilizzati i seguenti metodi: descrittivo, sintesi, analisi, induzione, deduzione, statistica.

In questo lavoro, abbiamo utilizzato principalmente letteratura monografica ed educativa. L'uso di questo tipo di letteratura ci consente di caratterizzare i principali risultati nello sviluppo della cultura del XVIII secolo.

CapitoloIO. Valori fondamentali dell'Illuminismo

L'illuminazione è un passo necessario nello sviluppo culturale di qualsiasi paese che si sta separando dallo stile di vita feudale. L'illuminismo è fondamentalmente democratico, è una cultura per il popolo.

Vede il suo compito principale nell'educazione e nell'educazione, nel familiarizzare tutti e tutti con la conoscenza.

Come ogni epoca culturale e storica significativa, l'Illuminismo ha formato il suo ideale e ha cercato di confrontarlo con la realtà, per attuarlo il prima possibile e il più pienamente possibile nella pratica.

Avendo avanzato l'idea della formazione della personalità, gli educatori hanno dimostrato che una persona ha forza mentale, spirituale e fisica. Le persone vengono al mondo uguali, con i propri bisogni, interessi, la cui soddisfazione sta nell'istituzione di forme ragionevoli ed eque di comunità umana. Le menti degli illuministi sono eccitate dall'idea di uguaglianza: non solo davanti a Dio, ma anche davanti alle leggi, davanti agli altri.

L'idea dell'uguaglianza di tutte le persone davanti alla legge, davanti all'umanità è la prima caratteristica l'età dell'Illuminismo.

Non sorprende che la religione nella forma in cui è stata presentata dalla chiesa sia sembrata agli educatori atei nel fervore della lotta per gli estremi come il nemico dell'uomo. Agli occhi dei deisti illuminanti, Dio si è trasformato in una forza che ha solo introdotto un certo ordine nella materia eternamente esistente. Durante l'Illuminismo, l'idea di Dio come grande meccanico e del mondo come enorme meccanismo divenne particolarmente popolare.

Grazie ai risultati delle scienze naturali, è nata l'idea che il tempo dei miracoli e dei misteri sia passato, che tutti i segreti dell'universo siano stati svelati e che l'Universo e la società siano soggetti a leggi logiche accessibili alla mente umana. La vittoria della ragione è il secondo tratto caratteristico dell'epoca.

Il terzo tratto caratteristico dell'Illuminismo è l'ottimismo storico.

L'Età dell'Illuminismo può essere giustamente definita "l'età d'oro dell'utopia". L'illuminazione, prima di tutto, includeva la fede nella capacità di cambiare una persona in meglio, trasformando "razionalmente" le basi politiche e sociali.

Una guida per i creatori di utopie del XVIII secolo. servito come lo stato "naturale" o "naturale" della società, non conoscendo la proprietà privata e l'oppressione, la divisione in classi, non annegando nel lusso e non gravato dalla povertà, non influenzato dai vizi, vivendo secondo ragione e non "secondo alle leggi "artificiali". Era un tipo di società esclusivamente immaginario e speculativo, che, secondo Rousseau, potrebbe non essere mai esistito e che, molto probabilmente, non esisterà mai nella realtà.

L'ideale rinascimentale di una persona libera acquista l'attributo dell'universalità. E responsabilità: una persona dell'Illuminismo pensa non solo a se stessa, ma anche agli altri, al suo posto nella società. Gli illuministi si concentrano sul problema della migliore struttura sociale. Gli illuministi credevano nella possibilità di costruire una società armoniosa.

Profondi cambiamenti nella vita socio-politica e spirituale dell'Europa, associati all'emergere e allo sviluppo delle relazioni economiche borghesi, determinarono i principali dominanti cultura XVIII secolo.

I principali centri dell'Illuminismo erano Inghilterra, Francia, Germania.

Dal 1689 - l'anno dell'ultima rivoluzione in Inghilterra - inizia l'Età dell'Illuminismo. Fu un'era gloriosa, iniziata con una rivoluzione e terminata con tre: industriale in Inghilterra, politica in Francia, filosofica ed estetica in Germania. Per cento anni - dal 1689 al 1789. - il mondo è cambiato. I resti del feudalesimo si erodevano sempre di più, i rapporti borghesi, che furono finalmente stabiliti dopo la Grande Rivoluzione Francese, erano sempre più rumorosi.

Il Settecento preparò anche la strada al predominio della cultura borghese. La vecchia ideologia feudale è stata sostituita dal tempo di filosofi, sociologi, economisti, scrittori della nuova era dell'Illuminismo.

In filosofia, l'Illuminismo si oppose a qualsiasi metafisica (la scienza dei principi soprasensibili e dei principi dell'essere). Ha contribuito allo sviluppo di qualsiasi tipo di razionalismo (riconoscendo la ragione come base della conoscenza e del comportamento umano), nella scienza - allo sviluppo della scienza naturale, il cui raggiungimento spesso utilizza per giustificare la legittimità scientifica delle opinioni e della fede in progresso. Non è un caso che lo stesso periodo dell'Illuminismo in alcuni paesi fosse chiamato con i nomi dei filosofi. In Francia, ad esempio, questo periodo era chiamato l'età di Voltaire, in Germania l'età di Kant.

Nella storia dell'umanità, gli illuministi erano preoccupati per i problemi globali:

Come è nato lo stato? Quando e perché è nata la disuguaglianza? Cos'è il progresso? E c'erano risposte altrettanto razionali a queste domande come in quei casi in cui si trattava del "meccanismo" dell'universo.

Nel campo della morale e della pedagogia, l'Illuminismo predicava gli ideali dell'umanità e riponeva grandi speranze nel potere magico dell'educazione.

Nel campo della politica, della giurisprudenza e della vita socio-economica - la liberazione dell'uomo da legami ingiusti, l'uguaglianza di tutte le persone davanti alla legge, davanti all'umanità. Per la prima volta l'epoca doveva risolvere in forme così acute la nota questione della dignità dell'uomo. IN diverse aree attività, è stata trasformata in modi diversi, ma ha inevitabilmente portato a scoperte fondamentalmente nuove, innovative nella sua essenza.

Se parliamo di arte, ad esempio, non è un caso che questa particolare epoca sia stata così inaspettata per se stessa, ma così efficacemente costretta a rispondere non solo al problema di "arte e rivoluzione", ma anche al problema della scoperta artistica, nato nelle profondità del nuovo tipo emergente di coscienza.

Gli illuministi erano materialisti e idealisti, sostenitori del razionalismo, del sensazionalismo (le sensazioni erano considerate la base della conoscenza e del comportamento) e persino della provvidenza divina (confidavano nella volontà di Dio). Alcuni di loro credevano nell'inevitabile progresso dell'umanità, mentre altri vedevano la storia come una regressione sociale. Da qui la particolarità del conflitto tra coscienza storica epoca e la conoscenza storica da essa sviluppata - il conflitto è tanto più aggravato, quanto più a fondo l'epoca stessa ha determinato le sue preferenze storiche, un ruolo speciale nello sviluppo attuale e futuro dell'umanità. In quanto corrente di pensiero sociale, l'Illuminismo fu una sorta di unità. Consisteva in uno stato d'animo speciale, inclinazioni intellettuali e preferenze. Prima di tutto, questi sono gli obiettivi e gli ideali dell'Illuminismo, come la libertà, il benessere e la felicità delle persone, la pace, la non violenza, la tolleranza religiosa, ecc., nonché il famoso pensiero libero, un atteggiamento critico nei confronti delle autorità di ogni tipo, rifiuto dei dogmi, compresi quelli ecclesiastici.

L'Età dell'Illuminismo fu un importante punto di svolta nello sviluppo spirituale dell'Europa, che influenzò quasi tutte le sfere della vita socio-politica e culturale. Dopo aver sfatato le norme politiche e legali, i codici estetici ed etici della vecchia società di classe, gli Illuministi hanno svolto un lavoro titanico sulla creazione di un sistema positivo di valori, rivolto principalmente a una persona, indipendentemente dalla sua appartenenza sociale, che è entrata organicamente nel sangue e carne della civiltà occidentale.

Gli illuministi provenivano da classi e tenute diverse: aristocrazia, nobili, clero, impiegati, rappresentanti di circoli commerciali e industriali. Anche le condizioni in cui vivevano erano varie. In ogni paese, il movimento illuminista portava l'impronta dell'identità nazionale.

CapitoloII. Lo sviluppo della scienza nell'età dei Lumi

La Francia all'inizio del secolo è caratterizzata da un significativo sviluppo di tendenze antireligiose, che divennero uno degli aspetti più importanti dell'Illuminismo.

La prima e più radicale opera atea che circolò in Francia all'inizio degli anni '30 fu il “Testamento” del prete di campagna J. Mellier, secondo il quale “tutto ciò che i vostri teologi e sacerdoti con tanto ardore ed eloquenza vi predicano sulla grandezza, la superiorità e la santità dei sacramenti che ti costringono ad adorare, tutto ciò che ti dicono con tanta serietà sui loro miracoli immaginari, tutto ciò che ti descrivono con tanto zelo e fiducia sulle ricompense celesti e sui terribili tormenti infernali - tutto questo, in sostanza, nient'altro che illusioni, delusioni, inganno, fabbricazione e truffa ... ".

Tuttavia, di regola, una posizione così dura non era caratteristica dell'Illuminismo, che fino alla metà del XVIII secolo. basato sui principi del deismo. Questa teoria riconosce la creazione del mondo da parte di Dio, ma procede dal fatto che in futuro il Signore cessa di interferire negli affari della natura e della società. I deisti, a cui appartenevano Voltaire, Montesquieu, così come le figure successive dell'Illuminismo - Rousseau, Condillac, criticavano tutte le religioni comuni e parlavano della necessità di una "religione naturale" finalizzata al beneficio della ragione e dell'uomo. La "spada che ha tagliato la testa al deismo" è stata la Critica della ragion pura di Immanuel Kant.

Se nel 17 ° secolo ruolo di primo piano la matematica giocava nella scienza, poi nel XVIII secolo la biologia, la fisica, la geografia la "recuperavano".

La scienza diventa sistemica. Razionalismo del XVII secolo sta gradualmente cambiando. Lascia il posto alla convinzione della possibilità e della necessità dello sviluppo della mente, dell'illuminazione della personalità umana.

Seconda metà degli anni '40. 18esimo secolo caratterizzato dalla formazione di visioni materialistiche.

Le opere di J. La Mettrie contengono affermazioni che persona pensante non troverà né basi teoriche né interessi pratici per la sua fede in Dio. Tuttavia, credeva che l'ateismo non fosse soggetto a distribuzione tra la gente comune e fosse compreso solo da pochi eletti, che erano al di sopra degli altri in termini intellettuali.

Alla fine degli anni '40. le visioni materialistiche si sostanziano nelle opere di D. Diderot e P. Holbach, che consideravano l'ateismo necessario e accessibile a tutti.

La scienza naturalistica meccanicistica, che ha dominato fino alla seconda metà del XVIII secolo, ha studiato il movimento trasmesso da un corpo all'altro, spiegando l'inizio del movimento con le azioni di Dio, come, ad esempio, Newton con la sua teoria della "prima spinta ".

Voltaire ha anche riconosciuto l'esistenza di un essere eterno, che è la causa di tutti gli altri. Il deismo di Voltaire è stato la base per la formazione delle opinioni dei materialisti degli anni 30-40, poiché riconosceva Dio solo come la creazione del mondo, e in seguito, secondo Voltaire, Dio non interferisce negli affari del mondo. La Mettrie, Diderot, Helvetius, Holbach, il cui lavoro ha coinciso con lo sviluppo della chimica, della geologia e della biologia, hanno ricevuto una base per affermare lo sviluppo della natura da se stessa.

Negli anni '60 e '70. Voltaire rinuncia anche all'affermazione della creazione divina del mondo, ma non all'esistenza di Dio in generale. Allo stesso tempo, non trova risposta a domande come l'origine del mondo, l'ubicazione di Dio.

Diderot iniziò la creazione dell'"Enciclopedia, o Dizionario esplicativo di scienze, arti e mestieri", la cui pubblicazione durò dal 1751 al 1780.

Divenne il centro che univa gli illuministi. Il libro conteneva informazioni su matematica, astronomia, geografia, descriveva la tecnologia di produzione di prodotti industriali.

La manifattura sta gradualmente cedendo il passo a un'organizzazione del lavoro più complessa.

Lo sviluppo delle manifatture fu caratterizzato dalla divisione del lavoro fino all'operazione più semplice, che fu l'impulso per lo sviluppo dell'attività inventiva. L'invenzione della navetta "volante" nella tessitura, la sostituzione della mano umana con un meccanismo fu l'inizio della rivoluzione industriale.

L'accelerazione della tessitura richiese la creazione di un filatoio, inventato dal tessitore James Hargreaves. Nel 1784, Edmund Cartwright dà all'umanità un telaio meccanico. Nel 1771 apparve un'impresa in cui la macchina era azionata da una ruota idraulica. Non era più una manifattura, ma la prima fabbrica in cui le operazioni venivano svolte dalle macchine.

Nel 1784 il meccanico James Watt creò una macchina a vapore che poteva essere utilizzata indipendentemente dalla presenza di un fiume nelle vicinanze, a differenza della ruota idraulica. Questo ha già segnato il passaggio dalla manifattura alla fabbrica.

La prima locomotiva a vapore funzionante fu creata dall'ingegnere autodidatta George Stephenson nel 1814.

Costruzione di massa linee ferroviarie inizia negli anni '20. 19esimo secolo Vengono utilizzati nuovi materiali e fonti di energia.

Pertanto, lo sviluppo della scienza nell'Illuminismo si è sviluppato in linea con la metodologia del razionalismo.

CapitoloIII. Caratteristiche di stile e generearteXVIIIsecolo

La natura era il modello di tutto ciò che è buono e bello per gli illuministi. Il suo vero culto sarà creato dai sentimentalisti negli anni '60. XVIII secolo, ma il fascino per la naturalezza, la contemplazione entusiasta di essa inizia con lo stesso Illuminismo.

L'incarnazione visibile dei "mondi migliori" per il popolo dell'Illuminismo erano giardini e parchi.

Il parco dell'Illuminismo è stato creato per uno scopo alto e nobile: un ambiente perfetto per una persona perfetta.

I parchi dell'Illuminismo non erano identici alla natura. La composizione di parchi e giardini comprendeva biblioteche, gallerie d'arte, musei, teatri, templi dedicati non solo agli dei, ma anche ai sentimenti umani: amore, amicizia, malinconia. Tutto ciò ha assicurato l'attuazione di idee illuministiche sulla felicità come "stato naturale", su " uomo naturale”, la cui condizione principale era un ritorno alla natura. Tra questi spicca Peterhof (Petrodvorets), realizzato sulle rive del Golfo di Finlandia dagli architetti J. Leblon, M. Zemtsov, T. Usov, J. Quarenghi. Questo magnifico parco con i suoi palazzi unici e le grandiose fontane ha svolto un ruolo eccezionale nello sviluppo dell'architettura russa e arte del giardinaggio paesaggistico e in generale nella storia della cultura russa.

L'arte europea del XVIII secolo combinava due diverse tendenze: il classicismo e il romanticismo.

Classicismo dentro belle arti, musica, letteratura - questo è uno stile basato sul rispetto dei principi dell'antica arte greca e romana: razionalismo, simmetria, determinazione, moderazione e stretta conformità del contenuto con la sua forma.

Il romanticismo mette in primo piano l'immaginazione, l'emotività e la spiritualità creativa dell'artista.

L'arte dell'Illuminismo utilizzava le vecchie forme stilistiche del classicismo, riflettendo con il loro aiuto un contenuto completamente diverso. Nell'arte di diversi paesi e popoli, il classicismo e il romanticismo a volte formano una sorta di sintesi, a volte esistono in ogni sorta di combinazioni e miscele.

Un importante nuovo inizio nell'arte del XVIII secolo fu l'emergere di tendenze che non avevano una propria forma stilistica e non sentivano il bisogno di svilupparla. Una tale tendenza culturologica era, prima di tutto, il sentimentalismo (dal sentimento francese), che rifletteva pienamente le idee illuministiche sulla purezza e la gentilezza originarie della natura umana, che si perdono insieme alla distanza della società dalla natura.

Praticamente sul territorio di quasi tutta l'Europa, c'è un'invasione del principio secolare nella pittura religiosa di quei paesi in cui svolgeva un ruolo importante: Italia, Austria, Germania. La pittura di genere a volte tende a prendere l'iniziativa. Invece di un ritratto cerimoniale - un ritratto intimo, nella pittura di paesaggio - un paesaggio d'atmosfera.

Nella prima metà del XVIII secolo, il rococò divenne la tendenza principale dell'arte francese. Tutta l'arte rococò è costruita sull'asimmetria, che crea un senso di disagio: una sensazione giocosa, beffarda, artistica, stuzzicante. Non è un caso che il termine "rococò" derivi dal francese "rocaille" - letteralmente una decorazione di diamanti e conchiglie. Trame - solo amore, eroine erotiche, amate - ninfe, baccanti, Diana, Venere, che fanno i loro infiniti "trionfi" e "bagni".

Francois Boucher (1703-1770) divenne un importante rappresentante del rococò francese. "Il primo artista del re", come veniva chiamato ufficialmente, il direttore dell'Accademia, Boucher era un vero figlio della sua età, che sapeva fare tutto da solo: pannelli per alberghi, dipinti per ricche case e palazzi, cartoni per la manifattura di arazzi, scenografie teatrali, illustrazioni di libri, disegni di ventagli, carte da parati, caminetti, carrozze, bozzetti di costumi, ecc. Trame tipiche delle sue tele sono "Il trionfo di Venere" o "La toilette di Venere", "Venere con Cupido", "Il bagno di Diana".

Antoine Watteau (1684-1721) - Pittore francese, rivolto alle immagini della vita contemporanea. Le profonde riflessioni di Watteau sull'essenza dell'arte veramente alta si riflettono nelle sue tele. L'arredamento, la raffinatezza delle opere di Watteau servirono come base del rococò as direzione dello stile, e le sue scoperte poetiche furono continuate dai pittori della direzione realistica della metà del XVIII secolo.

In linea con le nuove idee estetiche nell'arte, si sviluppa l'opera di Jean Baptiste Simon Chardin (1699-1779), artista che creò essenzialmente un nuovo sistema pittorico. Chardin iniziò con una natura morta, dipinse oggetti da cucina: caldaie, pentole, serbatoi, poi passò alla pittura di genere: "Preghiera prima di cena", "Lavandaia", e da essa a un ritratto.

Scultura francese del XVIII secolo attraversa le stesse fasi della pittura. Si tratta prevalentemente di forme rocaille della prima metà del secolo e della crescita caratteristiche classiche- nel secondo. Caratteristiche di leggerezza, libertà, dinamica sono visibili nella scultura di Jean Baptiste Pigalle (1714-1785), nel suo pieno fascino, movimento leggero e rapido, immediatezza di grazia di "Mercurio che si allaccia un sandalo".

Jean Antoine Houdon (1741-1828) - un vero storiografo della società francese, ha trasmesso l'atmosfera spirituale dell'epoca nella sua galleria di ritratti scultorei. Il Voltaire di Houdon è la prova dell'alto livello dell'arte francese.

Arte inglese del XVIII secolo. - il periodo di massimo splendore della scuola nazionale di pittura in Inghilterra - inizia con William Hogarth (1697-1764), pittore, grafico, teorico dell'arte, autore di una serie di dipinti « Carriera di una prostituta”, “Carriera di Mota”.

Hogarth è stato il primo pittore-illuminatore in Europa.

Il più grande rappresentante della scuola inglese di ritrattistica Thomas Gainsborough (1727-1888). Lo stile maturo dell'artista si è formato sotto l'influenza di Watteau. Le sue immagini di ritratto sono caratterizzate da raffinatezza spirituale, spiritualità e poesia. La profonda umanità è insita nelle sue immagini di bambini contadini.

Dipinto italiano del XVIII secolo raggiunse il suo apice solo a Venezia. Lo spirito di Venezia fu espresso da Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770), ultimo rappresentante del Barocco nell'arte europea, pittore, disegnatore, incisore. Tiepolo possiede cicli di affreschi monumentali, sia ecclesiastici che profani.

Venezia ha dato al mondo eccellenti maestri della veduta - il paesaggio architettonico urbano: Antonio Canaletto (1697-1768), famoso per le immagini solenni della vita di Venezia sullo sfondo della sua favolosa architettura teatrale; Francesco Guardi (1712-1793), che trovò ispirazione nei motivi semplici della vita quotidiana della città, dei suoi cortili assolati, dei canali, delle lagune, degli argini affollati. Guardi ha creato un nuovo tipo di paesaggio, segnato dalla poesia, dall'immediatezza delle impressioni dello spettatore.

Il Settecento preparò anche la strada al predominio della cultura borghese. Il tempo di filosofi, sociologi, economisti e scrittori è venuto a sostituire la vecchia ideologia feudale.

Il principale genere letterario dell'Illuminismo è il romanzo.

Il successo del romanzo, particolarmente significativo in Inghilterra, è stato preparato dal successo del giornalismo educativo.

Gli scrittori illuministi erano ben consapevoli di quanto fosse imperfetta la loro società moderna e quanto fosse malvagia una persona, e, tuttavia, speravano che, come Robinson dalla prima parte del romanzo di Daniel Defoe (1660-1731), l'umanità, facendo affidamento sul suo propria ragione e diligenza, sarebbe salito alle vette della civiltà. Ma forse questa speranza è illusoria, come testimonia così chiaramente Jonathan Swift (1667-1754) nel romanzo allegorico I viaggi di Gulliver quando manda il suo eroe sull'isola dei cavalli intelligenti. Nell'opuscolo "The Tale of the Barrel" che ha creato, ha riso di cuore dei conflitti in chiesa.

Espandendo un programma positivo nei loro libri, gli educatori hanno anche presentato ampiamente come vive una persona, ingannando ed essendo ingannata. ideale morale invariabilmente fianco a fianco con la satira. Nel romanzo di G. Fielding (1707-1754) "The Story of Tom Jones, a Foundling", viene utilizzata una costruzione parallela della trama, che ricorda una fiaba: sui fratelli buoni e cattivi, ognuno dei quali, nel fine, viene ricompensato secondo i suoi meriti.

Era un'epoca di nuove convinzioni filosofiche, un'epoca in cui le idee non erano solo esposte nei trattati, ma facilmente migrate verso i romanzi, ispirate e glorificate dai poeti.

Un'ampia gamma di pensiero educativo è rappresentata nell'opera del poeta e satirico inglese Alexander Pope (1688-1744). Il suo poema filosofico e didattico "Essay on Man" è diventato un libro di testo di nuova filosofia per l'Europa. La pubblicazione della sua prima edizione russa nel 1757 fu infatti l'inizio dell'Illuminismo russo.

IN ultimo decennio secolo, insieme al classicismo nella narrativa, sta emergendo una nuova tendenza: il sentimentalismo, che si esprime in modo più completo nelle storie di N.M. Karamzin (1766-1826) "Povera Liza" e "Natalia, la figlia del boiardo".

Alla fine dei secoli XVII-XVIII. inizia a prendere forma linguaggio musicale, che poi parlerà tutta l'Europa.

I primi furono Johann Sebastian Bach (1685-1750) e Georg Friedrich Handel (1685-1759).

Bach - il grande compositore e organista tedesco, ha lavorato in tutti i generi musicali tranne l'opera. Fino ad ora, è un maestro insuperabile della polifonia. Handel, come Bach, usava soggetti biblici per le sue opere. I più famosi sono "Saul", "Israele in Egitto", "Messia". Handel ha scritto più di 40 opere, possiede orchestre d'organo, sonate, suite.

La musica viennese ha avuto un enorme impatto sull'arte musicale europea. scuola classica e i suoi maestri più importanti Joseph Haydn (1732-1809), Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) e Ludwig van Beethoven (1770-1827). I classici viennesi hanno ripensato e fatto suonare in modo nuovo tutti i generi e le forme musicali. La loro musica è il risultato più alto dell'era del classicismo nella perfezione delle melodie e delle forme.

Franz Joseph Haydn, il maestro di Mozart e Beethoven, è chiamato il "padre della sinfonia". Ha creato oltre 100 sinfonie. Molti di loro sono basati sul tema canzoni folk e danze, che il compositore ha sviluppato con arte sorprendente. L'apice del suo lavoro sono state le "12 London Symphonies", scritte durante i trionfali viaggi del compositore in Inghilterra negli anni '90.

Nel XVIII secolo Haydn scrisse molti meravigliosi quartetti e sonate più clavicembali.

Possiede oltre 20 opere, 13 messe, un gran numero di canzoni e altre composizioni. Alla fine della sua carriera, creò due oratori monumentali: La creazione del mondo (1798) e Le stagioni (1801), che esprimono l'idea della grandezza dell'universo e della vita umana. Haydn ha portato la sinfonia, il quartetto, la sonata alla perfezione classica.

Wolfgang Amadeus Mozart scriveva musica e suonava il violino e il clavicembalo in un'età in cui gli altri bambini non sapevano ancora scrivere lettere. Le straordinarie capacità di Wolfgang si svilupparono sotto la guida di suo padre, il violinista e compositore Leopold Mozart. Nelle opere Il ratto dal serraglio, Le nozze di Figaro, Don Giovanni, flauto magico» Con straordinaria abilità, Mozart crea personaggi umani diversi e vivaci, mostra la vita nei suoi contrasti, passando dalle battute alla profonda serietà, dal divertimento ai sottili testi poetici.

Le stesse qualità sono insite nelle sue sinfonie, sonate, concerti, quartetti, in cui crea il più alto disegni classici generi. Tre sinfonie scritte nel 1788 divennero le vette del sinfonismo classico (Mozart ne scrisse circa 50 in totale). La sinfonia "Mi bemolle maggiore" (numero 39) mostra un pieno di gioia, gioco, allegria movimento di danza vita umana. Nella sinfonia "Sol minore" (numero 40) si rivela la profonda poesia lirica del movimento dell'animo umano. La sinfonia "in do maggiore" (numero 41), chiamata dai contemporanei "Giove", abbraccia il mondo intero con i suoi contrasti e contraddizioni, afferma la ragionevolezza e l'armonia della sua struttura.

CONCLUSIONE

Il XVIII secolo è caratterizzato da una centralizzazione senza precedenti della produzione, del capitale, dei mercati, dall'emergere di potenti monopoli, dalla loro espansione a spese delle colonie esistenti e create di recente e dalla ridistribuzione delle sfere di influenza tra stati e monopoli.

La conseguenza di queste circostanze fu un netto aggravamento delle contraddizioni tra le varie aree della filosofia, dell'etica, della storia e dell'arte.

Dal 18 ° secolo il potere della borghesia si estende in Europa a un numero crescente di paesi, che espandono e rafforzano le loro colonie. Nel 19 ° secolo l'acutezza dei problemi socio-economici e politici aumenta, che diventano oggetto di considerazione della filosofia, si riflettono nella teoria dell'arte.

A. Schweitzer ha scritto che gli ideali etici delineati dall'Illuminismo e dal razionalismo, interagendo con la vita reale della società, l'hanno trasformata. Tuttavia, dalla metà del XIX secolo. la loro influenza è gradualmente cessata, perché non ha trovato supporto nella visione del mondo esistente.

La filosofia, ignorando i problemi della cultura, ha mostrato il suo completo fallimento, perché non ha tenuto conto del fatto che la base della visione del mondo non può essere solo storia e scienze naturali.

Nel campo dell'arte nella seconda metà del XVIII secolo. vi fu un fiorire dello stile barocco, che era strettamente associato alla chiesa e alla cultura aristocratica di quel tempo. Ha manifestato tendenze a glorificare la vita, tutta la ricchezza della vita reale. Pittura, scultura, architettura, musica barocca glorificavano e glorificavano i monarchi, la chiesa e la nobiltà. Lo splendore, la complessità allegorica, il pathos e la teatralità dello stile artistico barocco, la combinazione dell'illusione con la realtà in esso, sono stati sviluppati in molti monumenti culturali, e soprattutto in Italia (opera dello scultore e architetto Bernini, dell'architetto Borromini, eccetera.). Il barocco si diffuse anche nelle Fiandre, in Spagna, in Austria, in alcune regioni della Germania e in Polonia. Questo stile si è manifestato in modo meno evidente in Inghilterra e in Olanda, la cui arte era più vicina al genere e al realismo quotidiano che alla sublimità, all'eccesso e alla convenzionalità del barocco.

Un diverso tipo di estetica, il contrario mezzi artistici barocco, fu canonizzato nell'arte e nella letteratura europea dal classicismo. Strettamente associato alla cultura del Rinascimento, il classicismo si rivolgeva alle antiche norme dell'arte come modelli perfetti; la chiarezza e il rigore razionalistici ne erano caratteristici. Il classicismo ha legittimato i principi della "natura nobilitata", divisione artificiale in generi - "alto" (tragedia, ode, pittura epica, storica, mitologica e religiosa) e "basso" (commedia, satira, favola, pittura di genere), introducendo la legge di tre unità: luogo, tempo, azione.

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tesina, aggiunta il 23/10/2014


Prerequisiti per lo sviluppo e caratteristiche principali della cultura russa del XVIII secolo. Indicazioni della formazione della sfera dell'istruzione e dell'istruzione, della letteratura, dell'architettura e della pittura. Rappresentanti eccezionali di queste tendenze e una valutazione dei loro principali risultati nel XVIII secolo.

presentazione, aggiunta il 20/05/2012


Conoscenza del patrimonio culturale del XVIII secolo. Considerazione dei principali valori dell'Illuminismo. Caratteristiche dell'Illuminismo in Europa. Stile e caratteristiche di genere dell'arte. Età di grandi scoperte e grandi delusioni; culto della natura.

tesina, aggiunta il 08/09/2014


Correnti intellettuali dell'Illuminismo. Caratteristiche dell'arte rococò. Caratteristiche distintive dell'arte europea all'inizio del XIX secolo: classicismo, romanticismo e realismo. L'essenza e i principi filosofici ed estetici del simbolismo, dell'impressionismo e del post-impressionismo.

abstract, aggiunto il 18/05/2011


Stili e tendenze che dominano la scultura mondiale nel XVIII secolo. Come avvenne il passaggio dal Medioevo alla New Age nella scultura russa nel XVIII secolo. Caratteristiche di diversi stili: barocco, classicismo, rococò, romanticismo, neoclassicismo.

presentazione, aggiunta il 27/05/2015


La cultura europea dei tempi moderni, le sue caratteristiche: umanesimo ed eurocentrismo. Caratteristiche filosofiche ed estetiche dello sviluppo culturale dell'Illuminismo. Idee illuministiche e utopie sociali. Concetti culturali scientifici dell'Illuminismo.

test, aggiunto il 24/12/2013


Caratteristiche generali e caratteristiche cultura dei tempi moderni e dell'Illuminismo. Rococò come stile artistico della New Age. Il classicismo nella cultura artistica dei secoli XIII-XIX. Sentimentalismo: artisti, poeti, grandi opere.

18esimo secolo - scorso fase storica transizione dal feudalesimo al capitalismo. Lo sviluppo della cultura durante questo periodo in tutti i paesi Europa passato sotto il segno idee dell'Illuminismo.

In questo secolo, la Germania si è sviluppata scuola di filosofia idealista tedesca classica. In Francia si formò il più grande distaccamento di illuministi, da lì le idee dell'Illuminismo si diffusero in tutta Europa. Nelle sue opere (-Lettere persiane" e "Sullo spirito delle leggi") Charles Louis Montesquieu si espresse contro la monarchia illimitata e il feudalesimo. Voltaire è stato un leader eccezionale dell'Illuminismo francese. Ha scritto bellissime opere letterarie, filosofiche e storiche che esprimevano l'odio per il fanatismo religioso e lo stato feudale. Le attività di Jean Jacques Rousseau divennero una nuova tappa nello sviluppo dell'Illuminismo francese. Le sue opere contenevano odio per gli oppressori, critiche al sistema statale, disuguaglianza sociale.

Il destino del materialismo francese è legato ai nomi di Denis Diderot, Etienne Bonnot Condillac, Paul Holbach. 50-60 18esimo secolo - fiorente attività dei materialisti francesi. Questo periodo è caratterizzato dallo sviluppo simultaneo della scienza e della tecnologia. Grazie ad Adam Smith, l'economia politica diventa una disciplina scientifica. La scienza si sviluppò rapidamente, era direttamente correlata alla tecnologia e alla produzione. Nel XVIII secolo la letteratura e la musica diventano più significative, gradualmente vengono alla ribalta tra tutti i tipi di arti. La prosa si sta sviluppando come un genere in cui viene mostrato il destino di una singola persona in ambiente sociale di quel tempo... Il genere del romanzo, che descrive l'immagine universale del mondo, si sta sviluppando in modo particolarmente fruttuoso. Alla fine dei secoli XVII-XVIII. quel linguaggio musicale comincia a prendere forma, in cui poi parlerà tutta l'Europa. I primi furono J. S. Bach e G. F. Handel. J. Haydn, W. Mozart, L. van Beethoven hanno avuto un'enorme influenza sull'arte della musica. Ottenuto ottimi risultati arte teatrale, drammaturgia, che era di natura realistica e preromantica.

Una caratteristica distintiva di questo periodo è lo studio delle principali questioni dell'estetica del teatro, la natura della recitazione. Il XVIII secolo è spesso chiamato "l'età d'oro del teatro". Il più grande drammaturgo P. O. Beaumarchais lo considerava "un gigante che ferisce mortalmente chiunque colpisca". I più grandi drammaturghi furono: R. Sheridan (Inghilterra), K, Goldoni (Venezia ], P. Beaumarchais (Francia), G. Lessing, I. Goethe (Germania), F. Schiller.

Il genere principale della pittura del XVIII secolo. era un ritratto.

Tra gli artisti di questo periodo si possono distinguere Gainsborough, Latour, Houdon, Chardin, Watteau, Guardi. La pittura non riflette la pienezza universale della portata della vita spirituale di una persona, come era prima: in diversi paesi, la formazione di una nuova arte non è uniforme. La pittura e la scultura in stile rococò erano di natura decorativa.

Arte del XVIII secolo si conclude con la magnifica opera dell'artista spagnolo Francisco Goya. Beni culturali del XVIII secolo. stupisce ancora per la sua straordinaria diversità, la ricchezza di generi e stili, la profondità della comprensione delle passioni umane, il più grande ottimismo e fede nell'uomo e nella sua mente. L'Età dell'Illuminismo è l'era delle grandi scoperte e delle grandi delusioni. Non è un caso che la fine di quest'epoca cada con l'inizio della Rivoluzione francese. Ha distrutto la fede degli illuministi nell '"età dell'oro" del progresso non violento. Ha rafforzato la posizione dei critici dei suoi obiettivi e ideali.

No, non sarai ignaro, il secolo è folle e saggio! ..
UN. Radishchev

In una serie di secoli di storia europea, il XVIII secolo occupa un posto speciale. Ci sono stati tempi di realizzazioni più grandiose, ma non c'era epoca più completa nello stile, più, per così dire, "intera". Il noto critico d'arte N. Dmitrieva lo definisce l'ultimo secolo del dominio della cultura aristocratica. Da qui la sua raffinatezza e questa stessa “eleganza”, a volte a discapito della profondità. E, allo stesso tempo, questa è l'epoca dell'affermazione di nuovi valori nella vita degli europei, valori che sono vivi ancora oggi e che, di fatto, determinano il volto attuale della civiltà europea.
Sotto i rintocchi melodici di clavicembali e arpe, diverse rivoluzioni hanno avuto luogo simultaneamente nella vita, nella testa e nel cuore degli europei, di cui solo due di solito chiamiamo vere e proprie "rivoluzioni": la Grande Rivoluzione Francese e la Guerra d'Indipendenza degli Stati Uniti d'America America. Nel frattempo, hanno messo solo punti fermi nelle frasi che sapevano di sangue e polvere da sparo, che l'Europa ha scritto diligentemente per tutto il XVIII secolo.
Quindi, prima un po 'delle rivoluzioni.

Rivoluzione sui tavoli

Il risultato principale del "XVIII secolo" è che ha sostanzialmente posto fine alla carestia nei principali paesi d'Europa. Che le "rivolte del pane" a Parigi non ci infastidiscano davvero: più spesso si ribellavano per la mancanza o l'alto costo del già familiare pane bianco. Quindi la frase frivola di Maria Antonietta ("Se la gente non ha pane, lascia che mangi i dolci") non è così frivola. Sì, interruzioni nella fornitura di pane in grandi città successo, però, in termini di assoluta carestia, l'Europa è tornata in pieno proprio all'inizio del XVIII secolo, quando durante un fallimento del raccolto, anche il pane nero cominciò a essere servito alla tavola di Madame Maintenon.
Nel XVIII secolo, il menu europeo è cambiato radicalmente. La vecchia triade (pane carne vino) è completata da nuovi alimenti: patate, mais, spinaci, piselli, tè, caffè e cioccolato (che stanno diventando prelibatezze sempre più apprezzate). Sì, e le ex tre "balene" della dieta europea stanno cambiando significativamente il loro "volto". Dalla metà del XVIII secolo in Francia, il pane di segale è stato sostituito dal pane di frumento nel latte (le famose "cabine francesi" furono portate in Europa con le loro baionette dai soldati di Napoleone).
Con il miglioramento della zootecnia, il mercato della carne si satura progressivamente, estremamente vincolato dal forte incremento demografico dei tre secoli precedenti. Naturalmente, per la maggior parte degli europei, la carne non è ancora disponibile nella forma più utile: sotto forma di carne in scatola e tutti i tipi di carne affumicata. Tuttavia, con il pesce era ancora più difficile: si diceva che i poveri potessero godere solo dell'aroma del pesce fresco.
Infine, le preferenze climatiche e di gusto determinavano le caratteristiche del consumo. bevande alcoliche. Il sud e il sud-ovest dell'Europa hanno scelto il vino, la birra del nord e del nord-ovest e il nord-est più affascinante e freddo, ovviamente, la vodka.
L'afflusso di zucchero (in generale, anche se molto costoso) ha permesso di raccogliere frutta e bacche (e vitamine per l'inverno) per il futuro. È vero, all'inizio del XVIII secolo la marmellata era ancora un prodotto così raro e prezioso che, ad esempio, i parigini la presentarono in dono a Pietro il Grande.
Tutte queste innovazioni apparentemente puramente culinarie hanno fatto una vera rivoluzione. Basti pensare che la Gran Bretagna, che non conosceva la carenza di prodotti a base di carne, deve molto a questa potente crescita demografica nel XVIII secolo, senza la quale, infatti, l'Impero britannico non sarebbe nato. E l'amore dei coloni americani per il tè ha portato alla loro indignazione per l'aumento dei dazi sul tè introdotto dai funzionari inglesi (il cosiddetto "Boston Tea Party"). In senso figurato, gli Stati Uniti d'America sono nati da una tazza di tè versato.
La rivoluzione sui tavoli ha fatto avanzare lo sviluppo della società. Senza di esso, l'Europa e il Nord America non sarebbero diventati l'egemone del resto del mondo nel XIX secolo.
(A proposito, il XVIII secolo fece i conti con la posa della tavola europea, che fu notevolmente facilitata dalla produzione di porcellane, dal buongustaio invece della gola e dall'aumento delle norme igieniche. Le regole di condotta a tavola, i piatti e le posate ci sono arrivate (almeno a livello di banchetti di ambasciate e ristoranti) da lì, dal "Settecento").

Rivoluzione nella mente

Il XVIII secolo è solitamente chiamato l'Età dell'Illuminismo, sebbene questa stessa parola sia troppo lenta e definisca approssimativamente i processi che si sono svolti nella mente degli europei tra il 1700 e il 1804 (indico l'anno della morte di I. Kant).
I pensatori europei rompono con la teologia e delimitano l'ambito proprio della filosofia dalle scienze naturali. Secondo l'immagine meccanicistica newtoniana del mondo, Dio è necessario solo come colui che ha dato il primo impulso allo sviluppo della natura, e poi il mondo si è allontanato da lui in modo del tutto separato.
Il XVIII secolo è il secolo dei praticanti, motivo per cui i pensatori non si accontentano di vuote speculazioni scolastiche. Il criterio della verità è l'esperienza. Qualsiasi pathos e retorica sembrano fuori luogo in qualsiasi circostanza. Morendo di cancro, la marchesa, che Rousseau ha servito, emette gas, dichiara che una donna capace di una cosa del genere vivrà ancora e dona la sua anima a Dio, si potrebbe dire, con un sorriso audacemente distratto.
I filosofi ammirano la perfezione del mondo (Leibniz) e la criticano senza pietà (enciclopedisti), inneggiano alla ragione e al progresso della civiltà (Voltaire) e dichiarano il progresso e la ragione nemici dei diritti naturali dell'uomo (Rousseau). Ma tutte queste teorie ormai, a distanza di anni, non sembrano escludersi a vicenda. Ruotano tutti attorno a una persona, alla sua capacità di comprendere il mondo e trasformalo in base alle tue esigenze e alle tue idee di "migliore".
Allo stesso tempo, per molto tempo, i filosofi sono convinti che una persona sia ragionevole e buona per natura, che solo le "circostanze" siano da biasimare per le sue disgrazie. L'alfabetizzazione e le patate sono piantate dagli stessi monarchi. Lo stato d'animo generale della filosofia europea del XVIII secolo può essere definito "cauto ottimismo", e il suo slogan è l'appello di Voltaire a tutti "coltivare il proprio giardino".
Ahimè, i sanguinosi orrori della Rivoluzione francese costringeranno a riconsiderare radicalmente la benevola delusione dei filosofi, ma il prossimo secolo lo farà. Tuttavia, l'idea puramente europea dei diritti individuali sarà stabilita poi, nel XVIII secolo, come valore fondamentale.

Rivoluzione nei cuori

L'"Età della Ragione" non si sarebbe compiuta in tutto il suo splendore senza una rivoluzione nei cuori. La persona si emancipa gradualmente, realizza il suo mondo interiore come importante e prezioso. La vita emotiva degli europei sta diventando più ricca e raffinata.
La prova immortale di ciò è stata la grande musica del XVIII secolo, forse una delle più alte conquiste nella storia dell'umanità.
Meraviglioso compositore francese inizio del XVIII secolo J.F. Rameau è stato il primo a formulare il ruolo intrinsecamente prezioso della musica, che in precedenza era considerata solo un aiuto alla parola. Ha scritto: "Per godere veramente della musica, dobbiamo dissolverci completamente in essa" (citato da: G. Koenigsberger, p. 248).
La musica esprimeva le emozioni del tempo in modo molto più preciso e sottile della parola censurata, repressa dalle convenzioni. Per l'europeo istruito, è diventato un bisogno urgente. Nelle biblioteche dei castelli cechi e austriaci, le cartelle musicali sono affollate sugli scaffali insieme ai libri: qui le novità musicali venivano lette dal foglio, come i giornali, e con altrettanto entusiasmo!
La musica del XVIII secolo è ancora piena di una massa di convenzioni e formule date. È stata la presenza di questi luoghi comuni che ha permesso ai compositori di essere così prolifici (oltre 40 opere di G.F. Handel, più di 200 concerti per violino di A. Vivaldi, più di 100 sinfonie di I. Haydn!) Allo stesso tempo, è ancora così democratico che dà anche una possibilità e dilettanti: Zh.Zh. Rousseau compone un'opera, che è un successo a corte, e il re stesso, terribilmente stonato, canta da lì la sua arietta preferita.
La musica del XVIII secolo era strettamente connessa con la vita e la quotidianità. Bach sperava che la sua musica sacra potesse essere eseguita dal coro dei parrocchiani della chiesa, e il ballo domestico più amato, il minuetto, divenne parte integrante di qualsiasi sinfonia fino all'era di Beethoven.
Ogni paese nel XVIII secolo realizzava la propria identità attraverso la musica. Tedesco G.F. Handel ha portato la magnifica opera seria italiana nella nebbiosa Londra. Ma le storie antiche sembravano al pubblico britannico troppo astratte e senza vita. Praticamente nessun cambiamento forma musicale, Handel procede alla creazione di oratori, che, per così dire, sono le stesse opere, ma solo in un'esecuzione da concerto, mentre sono scritte su storie della Bibbia che gli ascoltatori hanno vissuto con passione. E il pubblico più vasto risponde con entusiasmo a questo, gli oratori spirituali di Handel stanno diventando un tesoro nazionale, la loro esecuzione si riversa in manifestazioni patriottiche.
Il risultato dello sviluppo musicale del XVIII secolo è l'opera di V.A. Mozart. Il geniale austriaco introduce un nuovo tema nella musica: il tema del destino del suo creatore, ovvero introduce la personalità di un contemporaneo con i suoi desideri, gioie e paure semplici e urgenti. "In generale, l'uomo è una creatura di Dio" grazie a questo, nella musica, si trasforma in una persona di un'epoca particolare, acquisisce i tratti di una vera personalità e destino

Rivoluzione nei costumi

Una società feudale strettamente gerarchica presta sempre particolare attenzione all'etichetta. È un mezzo per enfatizzare lo status (disuguaglianza ordinata) della posizione sociale.
Naturalmente, l'etichetta continua a dominare i rapporti tra le persone nel XVIII secolo. Gli ambasciatori ritardano la presentazione delle credenziali se i documenti non arrivano in tempo per confermare che la loro nobiltà risale almeno al XIV secolo. Altrimenti, durante la cerimonia di presentazione a Versailles, il re non potrà abbracciare e baciare la moglie dell'ambasciatore, ma solo salutarla! L'etichetta domina a tal punto le menti dei cortigiani che alcuni di loro in tutta serietà assicurano che il Grande Rivoluzione francese scoppiò a causa del fatto che il controllore generale delle finanze Necker apparve davanti al re con scarpe con fiocchi e non con fibbie!
Tuttavia, gli stessi monarchi sono già piuttosto stanchi di tutte queste convenzioni. Luigi XV si nasconde dai vincoli dell'etichetta nei boudoir della sua amata, Caterina la Grande nel suo eremo, e Maria Antonietta non può inghiottire un boccone al tradizionale pasto reale pubblico e dopo è sazia, già sola.
Alla corte si oppone il salone, aristocratico e borghese, dove i proprietari e gli ospiti comunicano brevemente. Il tono è dato dalle persone più auguste. Il reggente di Francia, Philippe d'Orléans Jr., proclama alle sue orge: "Tutto è proibito qui tranne il piacere!"
Ma il lastrone di ghiaccio dell'etichetta feudale si sta sciogliendo lentamente e in modo irregolare. Nel 1726, i lacchè di un nobile signore possono picchiare con i bastoni l'autore alla moda de Voltaire per un'audace risposta al loro padrone. Già nel 1730, la chiesa poteva rifiutarsi di seppellire la famosa attrice Adrienne Lecouvreur (nonostante fosse l'amante del maresciallo di Francia), perché durante la sua vita era impegnata nel "mestiere vergognoso di un ipocrita".
Ma vent'anni dopo, nella stessa Francia, lo status dell'artista sta cambiando, l'artista costringerà letteralmente il re a rispettare la sua dignità umana. Ed è stato così. Offeso da Luigi XV, il famoso maestro del ritratto a pastello Latour rifiutò a lungo di perpetuare la marchesa de Pompadour. Quando è riuscita a persuadere i capricciosi, l'artista si è spogliata davanti a lei quasi fino alla maglietta. Durante la seduta entrò il re. "Come, signora, mi hai giurato che non saremmo stati disturbati!" urlò Latour e si precipitò a raccogliere i pastelli. Il re e il suo maestro persuasero a malapena il virtuoso del pastello a continuare la sessione.
Certo, in una società feudale tutto è determinato dal rango, non dal talento. Mozart scrive che alla tavola dell'arcivescovo di Salisburgo il suo posto è più alto di un lacchè, ma più basso di un cuoco. Ma più o meno in questo periodo, l'Inghilterra già borghese stava seppellendo "l'attore", il grande attore D. Garrick, nell'abbazia di Westminster!
La crisi della società feudale fa nascere una nuova idea dell'uomo. Ora l'ideale non è un signore feudale o un nobile di corte, ma un privato ", " una persona gentile in Francia, un gentiluomo in Inghilterra. Entro la fine del secolo in questi paesi, non la nobiltà, ma il successo, il talento e la ricchezza determinano lo status di un individuo nella società.
Ecco un tipico aneddoto sull'argomento. Napoleone odiava il compositore Cherubini. Una volta, a un ricevimento a palazzo, dopo la presentazione di tutti i presenti, l'imperatore chiese di nuovo con aria di sfida il nome di "questo signore". "Ancora Cherubini, signore!" Il maestro gli rispose seccamente.
In altri paesi, l'emancipazione dell'individuo richiederà quasi la metà del prossimo secolo.

Peter scopre l'Europa

Nel XVIII secolo, un'altra grande potenza, la Russia, entrò nella scena politica europea. La "presentazione" del nuovo gigante politico avvenne nella primavera-estate del 1717, quando l'ambasciata degli ancora misteriosi, ma già un po' europeizzati "moscoviti" visitò alcune capitali europee.
Purtroppo, né a Parigi né a Berlino erano affascinati dagli eroi russi, guidati dallo zar Pietro.
E ora i dettagli.
Alla fine di aprile di quell'anno, i russi apparvero al confine francese. Versailles mandò loro incontro uno dei suoi cortigiani più eleganti, il marchese de Mailly-Nesle. Il marchese ha trovato i russi, ovviamente, in una taverna, che russavano e vomitavano. Solo Pietro parlava con la sua lingua.

"La cultura dell'Europa nei secoli XVII-XVIII"

1. Vita spirituale

Nella storia dell'Europa, il XVII secolo fu segnato dal trionfo del nuovo stile barocco nell'arte e dallo scetticismo nella vita spirituale della società. Dopo il pieno di entusiasmo e fiducia nelle capacità di un uomo del Rinascimento, arriva la delusione, la disperazione e la tragica discordia di un individuo con il mondo esterno. Un uomo, abituato fin dal Medioevo a sentirsi al centro dell'universo, si è ritrovato improvvisamente perso su un enorme pianeta, le cui dimensioni gli sono diventate note. Il cielo stellato in alto cessò di essere una cupola affidabile e si trasformò in un simbolo dell'illimitatezza dello spazio, che faceva cenno e allo stesso tempo respingeva e spaventava. Gli europei hanno dovuto riscoprire se stessi e adattarsi al mondo fortemente mutato che li circondava.

All'inizio del XVIII secolo nell'Europa continentale, lo scetticismo e il razionalismo del barocco furono sostituiti dall'età dell'Illuminismo e dall'arte del rococò. L'idea principale dell'Illuminismo era l'ottimismo e la ferma convinzione che l'umanità potesse essere cambiata aumentando la sua educazione (da qui il nome di questa tendenza). L'illuminismo ebbe origine in Francia, che tirò un sospiro di sollievo dopo la morte di Luigi XIV e guardò al futuro con speranza.

Un ruolo enorme nella diffusione delle idee dell'Illuminismo è stato svolto dalla società segreta dei massoni - i massoni. L'origine della Massoneria è ancora un mistero. Gli stessi massoni si considerano i successori dei Cavalieri Templari, sopravvissuti al massacro dell'inizio del XIV secolo, i cui membri fondarono la prima loggia - la sezione segreta. Gli scienziati ritengono che i massoni come organizzazione politica siano sorti all'inizio del XVIII secolo sulla base di unioni artigianali di costruttori. I membri delle logge massoniche sostenevano la costruzione di un nuovo mondo sulla base dell'uguaglianza e della fraternità universali e combattevano contro la Chiesa cattolica, per la quale furono ripetutamente anatemizzati.

2. Arte barocca e rococò

Alla fine del XVI secolo, il manierismo iniziò gradualmente a lasciare il posto al barocco, lo stile alto del potere assoluto stabilito dai monarchi che sopravvisse alla crisi del cattolicesimo e difese il diritto all'esistenza del protestantesimo. La più alta fioritura del barocco cadde il 2 metà del XVII secolo, quando l'Europa superò con successo i cataclismi delle guerre di religione.

L'architettura barocca era caratterizzata da sontuose finiture decorative con molti dettagli, modanature multicolori, abbondanza di dorature, intagli, sculture e pittoreschi plafoni che creano l'illusione di volte che si aprono salendo. Questo è il momento del predominio delle curve, linee intricate e curve che scorrono l'una nell'altra, solenni facciate di edifici e maestosi complessi architettonici. Dominato nella pittura ritratto formale, le tele sono piene di allegorie e virtuose composizioni decorative.

Nonostante il predominio del barocco, quest'epoca non fu uniforme in termini di stile. In Francia, dove erano forti le tendenze del rigoroso classicismo, si cercò di seguire schemi antichi. Nei Paesi Bassi erano più inclini a uno stile naturalistico.

Il barocco come stile ha avuto origine in Italia, da dove avrebbe dovuto portare la luce di un cattolicesimo rinato in Europa. Lorenzo Bernini è stato uno degli architetti più importanti del barocco. Fu nominato capo architetto della Cattedrale di San Paolo, la principale chiesa cattolica di Roma. Secondo il suo progetto, nel 1623-1624, sopra l'altare della cattedrale fu costruito un enorme baldacchino di bronzo, materiale per il quale, per ordine di papa Urbano VIII, fu utilizzato l'antico tetto del Pantheon. Sempre nel 1656-1665 Bernini costruì un grandioso colonnato ovale davanti alla facciata della cattedrale. Nel 1658 l'architetto eresse la chiesa di Sant'Andrea al Quirinale, nel 1663-1666 - la "Scala Reale" in Vaticano. La brillante abilità del Bernini si è manifestata nella costruzione delle famose fontane romane: la Fontana del Tritone e la Fontana dei Quattro Fiumi. Oltre a un brillante dono architettonico, Bernini aveva una brillante abilità come scultore. È autore delle tombe di Papa Urbano VIII e di Alessandro VII nella Cattedrale di San Pietro, sculture "David" (1623), "Apollo e Dafne" (1622-1625), numerosi busti. In particolare, durante un viaggio in Francia nel 1665, Bernini realizzò un busto di Luigi XIV.

La principale scuola di pittura in Italia dell'era barocca era la scuola bolognese, fondata da tre artisti: Aodovico Carracci e i suoi cugini Annibale e Agostino. Nel 1585 fondarono a Bologna una bottega, denominata "Accademia di coloro che entrarono nella retta via", nella quale svilupparono i principi fondamentali della pittura barocca. Nel 1597 Annibale e Agostino si trasferirono a Roma, dove ricevettero l'incarico di dipingere la galleria di Palazzo Farnese. Secondo Carracci, la realtà è troppo grezza, quindi dovrebbe essere nobilitata creando immagini ideali sulla tela.

Un altro importante artista barocco italiano, Caravaggio Michelangelo, al contrario, ha cercato il massimo realismo. Creando dipinti su soggetti biblici, l'artista ha cercato in particolare di renderli il più democratici e semplici possibile. Queste sono le sue tele "La conversione di Saul" (1600-1601), "The Entombment" (1602 - 1604) , "La morte di Maria" (1606). Inoltre, ha trasformato la natura morta in genere indipendente pittura.

Lo stile barocco in Spagna ha trasformato il XVII secolo nell '"età dell'oro" della cultura nazionale di questo paese. Il re Filippo IV patrocinò i pittori in ogni modo possibile, creando per loro le migliori condizioni e pagando generosamente per il loro lavoro.

il primo maggiore Artista spagnolo Il barocco è considerato Jusepe Ribera, nonostante sia partito per l'Italia in gioventù, dove ha vissuto per il resto della sua vita. Il suo lavoro è stato influenzato da Caravaggio e l'artista ha cercato di rendere i suoi personaggi il più realistici possibile. Le opere più famose di Ribera sono "San Girolamo" (1626), "Il supplizio di San Bartolomeo" (1630), "Lo zoppo" (1642).

Il più grande pittore spagnolo del XVII secolo fu Diego De Silva Velazquez, dal 1623, pittore di corte di Filippo IV. I modi di Velázquez si distinguevano per il realismo sottolineato, una certa rigidità di scrittura e una sorprendente verità della vita. Nei suoi anni più giovani, ha creato un'intera galleria di brillanti tipi popolari, v anni maturi, vivendo a corte, privilegiava gli aristocratici, i membri della famiglia reale, nonché i soggetti mitologici. Questi sono Bacco (1628-1629), Venere allo specchio (1651), Meninas (1656).

Il barocco spagnolo ebbe un profondo effetto sulle Fiandre, dove prese piede lo stesso stile. L'apice del barocco fiammingo fu opera dell'artista Peter Paul Rubens. Come molti altri pittori, in gioventù Rubens si recò in Italia, dove studiò i monumenti dell'antichità e l'opera dei maestri del Rinascimento. Tornato in patria, creò l'immagine classica della monumentale immagine d'altare barocca - "Esaltazione della Croce" e "Discesa dalla Croce" (1610-1614). Rubens è caratterizzato da corpi umani potenti e magnifici, pieni di vitalità, una grande portata decorativa. Il tema dei suoi dipinti erano soggetti mitologici e biblici, scene storiche. Divenne il creatore del ritratto barocco cerimoniale. Maggior parte dipinti famosi Rubens sono: "Il ratto delle figlie di Leucippo" (1619-1620), "Perseo e Andromeda" (1621), "Bathsheba" (1636), "Fur Coat" (1638).

Allievo di Rubens fu l'artista Anthony van Dyck, pittore di corte di Carlo I. Successore delle idee della scuola fiamminga, Van Dyck lavorò a lungo a Genova, ad Anversa, e nel 1631 si trasferì definitivamente a Londra. Lì divenne un ritrattista preferito della famiglia reale e ricevette un tale numero di ordini che fu costretto a distribuire il lavoro tra i suoi studenti, creando qualcosa come una manifattura artistica. I ritratti appartengono ai suoi pennelli: “Carlo I a caccia” (1633), “ Ritratto di famiglia» (1621).

In Francia, dove la tradizione classica gareggiava di più con il barocco rappresentante di spicco La scuola nazionale di pittura era Nicolas Poussin. Poussin considerava i suoi maestri Raffaello e Tiziano, di cui studiò il lavoro durante una visita in Italia. L'artista ha preferito rappresentare scene mitologiche e bibliche utilizzando un gran numero di personaggi e allegorie. Esempi vividi classicismo erano le sue tele "L'ispirazione del poeta" (1629-1635), "Il regno di Flora" (1632), "Il ratto delle Sabine" (1633), "Bacchanalia".

Il regno di Luigi XIV fu un'intera epoca nello sviluppo dell'arte francese. Artisti e architetti furono fusi nell'Accademia di pittura e scultura e nell'Accademia di architettura. Furono chiamati a glorificare la grandezza del "Re Sole" e, attraverso sforzi congiunti, basati su un compromesso tra barocco e classicismo, crearono una nuova tendenza, che fu chiamata lo stile di Luigi XIV. I grandiosi palazzi e gli insiemi di parchi avrebbero dovuto incarnare visivamente l'idea dell'onnipotenza del monarca assoluto e del potere della nazione francese.

Guidato da questi principi, l'architetto Claude Perrault nel 1667 iniziò la costruzione della facciata orientale del Louvre, il cosiddetto "Colonnato". Secondo il progetto di Liberal Bruant e Jules Hardouin-Mansart, fu costruito Les Invalides, un ostello per veterani di guerra e una cattedrale. L'apice dell'architettura francese di quest'epoca fu la costruzione di Versailles (1668-1689). La costruzione della Reggia di Versailles e dell'insieme del parco è stata guidata dagli architetti Louis Levo e Jules Hardouin-Mansart. A Versailles, la severità delle linee dell'edificio del palazzo, caratteristica del classicismo, si unisce alla magnifica decorazione barocca delle sale. Inoltre, il parco stesso, decorato con numerose fontane, è un prodotto dello stile barocco.

A differenza di Italia, Spagna, Inghilterra e Francia, dove i pittori ricevevano ingenti somme di denaro per le loro tele, in Olanda gli artisti venivano pagati pochissimo. Un buon paesaggio poteva essere acquistato per un paio di fiorini, un buon ritratto, ad esempio, costava solo 60 fiorini e Rembrandt, essendo all'apice della sua fama, ricevette solo 1600 fiorini per The Night Watch. Per confronto, le parcelle di Rubens ammontavano a decine di migliaia di franchi. I maestri olandesi vivevano in una prosperità molto modesta, a volte in povertà in piccoli laboratori. La loro arte riflette vita di ogni giorno paese e non mirava a glorificare la monarchia o la gloria del Signore, ma a rivelare la psicologia di una persona comune.

Il primo grande maestro della scuola pittorica olandese fu Frans Hals. La stragrande maggioranza dei suoi dipinti sono ritratti. Aveva un grande laboratorio, ebbe 12 figli che, seguendo il padre, divennero artisti, molti studenti, condussero uno stile di vita bohémien, furono gravati da numerosi debiti e morirono in completa povertà.

Le opere più significative della prima pittura olandese erano i ritratti di gruppo di Hals. I committenti erano membri delle corporazioni che chiedevano di ritrarli durante una festa o una riunione. Questi sono gli "Ufficiali della compagnia di fucilieri di San Giorgio" (1616), "Frecce della corporazione di Sant'Adriano ad Haarlem" (1627). L'arte di Hals è priva di profonda concentrazione e collisioni psicologiche. Nei suoi dipinti, che riflettono il carattere dell'artista stesso, la gente quasi sempre ride. Hals ha creato una galleria di semplici olandesi, un po 'maleducati, ma franchi nei loro sentimenti: "Gypsy", "Malle Babbe", "Boy-fisherman", "Jester".

Allievo di Hals, lavorava il pittore Adrian van Ostade genere domestico. Le sue scene di vita rurale e urbana sono intrise di umorismo e di un sorriso bonario. Tako sei "Lotta", "In una taverna del villaggio", "Laboratorio dell'artista". Jan van Goyen è diventato un classico del paesaggio olandese, che ha utilizzato i principi di prospettiva aerea. La sua migliore tela è "Veduta di Dordrecht" (1648).

Il secondo grande pittore olandese, il cui lavoro è alla pari di Hals, fu Jan Vermeer di Delft. Preferiva le composizioni liriche quotidiane raffiguranti una o due donne a casa: "Ragazza che legge una lettera", "Donna alla finestra", "Donna che si prova una collana", "Bicchiere di vino", "Merlettaia". Vermeer è riuscito a mostrare la vita personale dei cittadini, nonché una persona in unità con l'ambiente, con grande forza emotiva. È riuscito a trasmettere in modo incredibilmente veritiero la luce del giorno argentea che gioca sulle sue tele con molti punti salienti.

L'apice della scuola olandese fu l'opera di Rembrandt Harmensz van Rijn, con il suo profondo psicologismo e le sue uniche sfumature marrone dorato. Come Hals, Rembrandt visse un periodo di popolarità, ma poi andò in bancarotta e finì la sua vita in una spaventosa povertà.

Rembrandt dipinse principalmente ritratti, sia individuali che di gruppo, così come dipinti su soggetti mitologici e biblici. L'artista era un maestro del chiaroscuro, ei suoi personaggi sembrano essere strappati dall'oscurità da un raggio di luce. Le sue tele "Danaë", "Sacra Famiglia", "Il ritorno del figliol prodigo" sono giustamente considerate capolavori insuperabili. Da ritratti di gruppo i più famosi sono Lezione di anatomia e Ronda di notte del dottor Tulip. La spiritualità e l'incredibile profondità emotiva contraddistinguono "Ritratto di un vecchio in rosso".

Dall'Italia, l'architettura barocca si diffuse non solo a nord, ma anche ad est. Dopo la fine della Guerra dei Trent'anni nella Germania meridionale sotto la guida di Maestri italiani Furono eretti numerosi edifici barocchi. Alla fine del XVII secolo, nelle terre tedesche apparvero i propri maestri, che lavoravano in stile barocco.

L'architetto prussiano Andreas Schlüter costruì il Palazzo Reale e l'edificio dell'arsenale di Berlino. Se Schluter è stato guidato dallo scultore italiano Lorenzo Bernini e dai modelli francesi, allora il lavoro di Daniel Peppelman è del tutto originale. Secondo il suo progetto, il famoso complesso del palazzo Zwinger fu eretto a Dresda per Augusto II il Forte. Inoltre, per ordine di agosto, l'architetto Peppelman fece erigere il Palazzo Reale a Grodno.

La diffusione dello stile barocco nel Commonwealth fu causata dalla penetrazione dei gesuiti nel paese. Il primo monumento barocco in Bielorussia e in Europa in generale al di fuori dell'Italia fu la chiesa dei gesuiti costruita alla fine del XVI secolo dall'architetto italiano Bernardoni per il principe Radziwill a Nesvizh. Questo stile raggiunse il suo vero apogeo nella seconda metà del XVII secolo, quando, avendo acquisito tratti nazionali, prese forma nel barocco bielorusso o di Vilna. Numerose chiese e sviluppi urbani a Vilna, Grodno, Minsk, Mogilev, Brest, Slonim, Pinsk, Cattedrale di Polotsk Sophia ricostruita dopo l'esplosione, monasteri a Golypany, Baruny, Berezveche, complessi di palazzi a Nesvizh e Ruzhany erano esempi classici del barocco bielorusso.

Alla fine del XVII secolo, il barocco penetrò dalla Bielorussia alla Russia, dove fu inizialmente chiamato stile Naryshkin. Un esempio di questa tendenza è la Chiesa dell'Intercessione a Fili e la Chiesa del Segno a Dubrovitsy. Con l'inizio delle riforme di Pietro I, il barocco trionfò finalmente nell'architettura russa, che si manifestò principalmente durante la costruzione di San Pietroburgo. L'apice dello sviluppo barocco in Russia fu opera dell'architetto italiano Bartolomeo Francesco Rastrelli. Ha ricostruito i palazzi di Peterhof e Tsarskoe Selo, ha costruito il complesso del Monastero Smolny e il famoso Palazzo d'Inverno nella capitale.

All'inizio del XVIII secolo nacque in Francia un nuovo stile artistico, il rococò. A differenza del barocco, che era esclusivamente uno stile di corte, il rococò era l'arte dell'aristocrazia e degli strati superiori della borghesia. Ora l'obiettivo principale del maestro non era la glorificazione di nessuno o qualcosa, ma la comodità e il piacere di una persona in particolare. Se il barocco guardava in alto, allora il rococò scendeva dalle altezze celesti alla terra peccaminosa e rivolgeva lo sguardo alle persone che gli stavano intorno. A volte lo stile rococò è chiamato arte per l'arte. Sarebbe più corretto chiamare questo stile arte per una persona.

Gli architetti rococò iniziarono a prendersi cura del comfort umano. Abbandonarono la pomposità dei maestosi edifici barocchi e cercarono di circondare una persona con un'atmosfera di convenienza e grazia. Anche la pittura ha abbandonato le "grandi idee" ed è diventata semplicemente bella. Liberati dalle turbolente emozioni del barocco, i dipinti erano pieni di luce fredda e sottili mezzitoni. Il rococò fu forse il primo stile quasi interamente secolare nella storia dell'arte europea. Come la filosofia dell'Illuminismo, così l'arte rococò si separò dalla chiesa, spingendo i temi religiosi molto in secondo piano. D'ora in poi, sia la pittura che l'architettura dovevano essere leggere e piacevoli. La galante società del XVIII secolo era stanca di moralismi e prediche, la gente voleva godersi la vita, trarne il massimo.

Il più grande maestro rococò fu François Boucher, che trasformò i suoi dipinti in pannelli decorativi per decorare il muro. Tali sono le tele "Il bagno di Diana", "Il trionfo di Venere", "Scena del pastore".

Maurice-Kanter Larut è stato in grado di creare genere del ritratto rococò. Le persone raffigurate nei suoi quadri, nel pieno rispetto delle esigenze del secolo, guardano gentilmente e galantemente lo spettatore, cercando di suscitare in lui non ammirazione, ma un sentimento di simpatia. I veri caratteri dei personaggi sono nascosti sotto la maschera della cortesia secolare.

I dipinti di Honoré Fragonard sono pieni di un sincero sentimento di pienezza della vita, che si svolge in un godimento spensierato. Un esempio di ciò è la tela "Swing" (1766), "Kiss furtively" (1780).

Lo stile rococò arrivò in Germania negli anni '30 del XVIII secolo e rimase nel nord, poiché il barocco regnò sovrano nelle terre della Germania meridionale fino alla fine del secolo.

Nel 1745, l'architetto prussiano Georg Knobelsdorff iniziò la costruzione del Palazzo Sanssouci e del Park Ensemble vicino a Potsdam. Il suo stesso nome (tradotto dal francese come "senza preoccupazioni") rifletteva lo spirito dell'era rococò. Per ordine di Federico II, sulla terrazza dell'uva fu costruito un modesto palazzo a un piano. Tuttavia, ben presto il rococò fu soppiantato dalla crescente forza del classicismo.

L'arte inglese del XVIII secolo era così particolare da sfidare le classificazioni accettate nell'Europa continentale. C'è un bizzarro intreccio di tutti gli stili e le tendenze, tra cui il classicismo prende gradualmente il primo posto.

William Hogarth divenne il fondatore della scuola nazionale inglese di pittura. In pieno accordo con lo spirito della società inglese di quel tempo, dedicò il suo lavoro alla satira politica e sociale. La serie di dipinti "Mot's Career", "Fashionable Marriage", "Elections" ha portato la vera fama all'artista. Per presentare il suo lavoro al maggior numero possibile di spettatori, lo stesso Hogarth realizzò incisioni a olio di tutte le sue opere e le distribuì in gran numero.

L'artista Joshua Reynolds è passato alla storia come teorico dell'arte, primo presidente della Royal (London) Academy of Arts e eccezionale ritrattista. I suoi ritratti sono pieni del pathos di glorificare gli eroi che sono diventati degni di essere impressi per sempre sulla tela.

Se Reynolds si distingueva per un approccio razionale alla pittura, allora il lavoro di Thomas Gainsborough era più emotivo. I suoi ritratti si distinguono per una percezione poetica della natura umana.

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Il XVII secolo è una delle pagine più luminose e brillanti della storia della cultura artistica mondiale. Questo è il momento in cui l'ideologia dell'umanesimo e della fede in possibilità infinite un senso delle drammatiche contraddizioni della vita è venuto all'uomo. Da un lato, è in atto uno sconvolgimento rivoluzionario nelle scienze naturali, nuova foto mondo, nell'arte compaiono nuovi stili, d'altra parte prevalgono il conservatorismo politico, le visioni pessimistiche sulla società e sull'uomo.

L'era del XVII secolo nella cultura e nell'arte è solitamente chiamata l'era barocca. La formazione di una nuova cultura europea era associata a un "quadro del mondo" in rapida evoluzione e alla crisi degli ideali del Rinascimento italiano. Per la vita spirituale della società nel XVII secolo, le grandi scoperte geografiche e le scoperte scientifiche naturali erano di grande importanza. La persona ha iniziato a sentire acutamente la fragilità e l'instabilità della sua posizione, la contraddizione tra illusione e realtà. La nuova visione del mondo è stata rifratta in modo speciale nella cultura artistica: tutto ciò che è insolito, oscuro, spettrale ha cominciato a sembrare bello, attraente, chiaro e semplice: noioso e poco interessante. Questa nuova estetica ha notevolmente soppiantato i precedenti principi rinascimentali di imitazione della natura, chiarezza, equilibrio.

Quindi è nato un nuovo stile: il barocco. Barocco (italiano barocco - "bizzarro", "strano", "eccessivo", port. perola barroca - "perla di forma irregolare" (letteralmente "perla con vizio") - la parola gergale dei marinai portoghesi per riferirsi a perle difettose di irregolare la forma è diventata usata nel significato di "ammorbidire, dissolvere il contorno, rendere la forma più morbida, più pittoresca".

L'architettura barocca era caratterizzata da sontuose finiture decorative con molti dettagli, modanature multicolori, abbondanza di dorature, intagli, sculture e pittoreschi plafoni che creano l'illusione di volte che si aprono salendo. Questo è il momento del predominio delle curve, linee intricate e curve che scorrono l'una nell'altra, solenni facciate di edifici e maestosi complessi architettonici. Il ritratto cerimoniale domina nella pittura, il contrasto, la tensione, il dinamismo delle immagini, il desiderio di grandezza e sfarzo, poiché la combinazione di realtà e illusione sono caratteristici.

L'inizio del barocco italiano è associato alla costruzione della chiesa romana del Gesù (1575), la cui facciata fu progettata da Giacomo della Porta. Ha letteralmente “creato un'epoca”, diventando espressione delle tendenze stilistiche dell'epoca: la tradizionale divisione in 2 piani, semicolonne, nicchie, statue e le immancabili volute (riccioli) agli angoli. Il primo e più grande edificio del palazzo di quell'epoca fu il Palazzo del Quirinale, residenza estiva dei papi, eretto sulla sommità del colle del Quirinale.

Questa tendenza trova la sua espressione più eclatante nella scultura nell'opera di Lorenzo Bernini. La sua scultura "David" raffigura un momento di rapido movimento, una corsa verso il gigante Golia, il passaggio da un movimento all'altro. Bernini non si ferma a deformare il volto, trasmettendo un'espressione dolorosa o beata. Nella scultura "Apollo e Dafne" di Lorenzo Bernini, in un movimento volante, è stato colto il momento della trasformazione della giovane Dafne indifesa, sorpassata dal leggero Apollo, in alloro. La brillante abilità del Bernini si è manifestata nella costruzione delle famose fontane romane: "Fontana del Tritone" e "Fontana dei Quattro Fiumi".

La fase successiva della trasformazione della Cattedrale di San Pietro a Roma è associata al nome del Bernini: progettò la piazza antistante la cattedrale, gallerie-corridoi coperti che si estendevano molto più avanti proprio dai bordi della facciata. L'architetto ha creato 2 piazze: una grande ellittica, incorniciata da colonne, e una piazza trapezoidale direttamente adiacente ad essa, delimitata sul lato opposto dalla facciata principale della cattedrale. Allo stesso tempo, lo spazio antistante la cattedrale era anche una piazza cittadina, decorata con un obelisco al centro dell'ovale e due fontane.

I Paesi Bassi sono alla ribalta nelle arti visive e, soprattutto, nella pittura. Peter Paul Rubens (1577-1640), come i grandi personaggi del Rinascimento, si dimostrò in vari campi di attività: fu diplomatico, cortigiano, fu insignito del titolo di nobiltà, fu amico e collaborò con personaggi di spicco dell'epoca. Come molti altri pittori, in gioventù Rubens si recò in Italia, dove studiò i monumenti dell'antichità e l'opera dei maestri del Rinascimento. Tornato in patria, creò l'immagine classica della monumentale immagine d'altare barocca - "Esaltazione della Croce" e "Discesa dalla Croce" (1610-1614). Un gruppo di carnefici e soldati eressero una grande croce con Cristo inchiodato. Le varie pose delle figure, i loro complessi scorci e muscoli gonfi esprimono l'estrema tensione delle forze fisiche, a questa forza bruta si oppone l'immagine idealizzata di Cristo. Rubens è caratterizzato da corpi umani potenti e magnifici, pieni di vitalità, una grande portata decorativa. Il tema dei suoi dipinti erano soggetti mitologici e biblici, scene storiche.

Rubens "Esaltazione della Croce" "Discesa dalla Croce"

Nel dipinto La caccia ai leoni, il cui bozzetto è uno dei migliori pezzi di Rubens della collezione dell'Hermitage, l'azione è dotata di straordinaria rapidità e passione. Cavalli allevati, un leone che tormenta un cavaliere che cade e cacciatori che lo colpiscono si sono fusi in un gruppo inseparabile, dove la forza e la vitalità sfrenate si trasformano in rabbia.

Fa volentieri riferimento ai temi del mondo antico. Il dipinto dell'Ermitage "Perseo e Andromeda" (1620-1621), che appartiene ai capolavori del maestro, fornisce un esempio di come utilizzi liberamente e realisticamente le immagini dell'antichità classica. Viene raffigurato il momento in cui il mitico eroe Perseo, arrivato sul suo cavallo alato Pegaso, libera Andromeda incatenata a una roccia. Ha sconfitto il drago che la teneva prigioniera e il terribile mostro apre impotente la bocca ai suoi piedi. Affascinato dalla bellezza della prigioniera, Perseo le si avvicina, la gloria incorona il vincitore, gli amorini si precipitano a servirlo.

Il tema principale di Rubens era un uomo, l'amore vivo e terreno, si potrebbe anche dire passione. Era impegnato nella pienezza della vita, della forza, della portata, della tempesta del movimento. Ha spesso raffigurato figure nude, spesso un corpo pesante, caldo, purosangue, pieno del colore lussureggiante della vita e solitamente evidenziato da un punto luminoso su uno sfondo scuro. Quindi scrive "Elena Fourman con una pelliccia". Nei ritratti di Rubens, accessori, sfondi - tende lussureggianti, ecc. Non hanno interferito, ma piuttosto hanno contribuito alla divulgazione del carattere del personaggio, alla penetrazione nel suo mondo interiore ("Ritratto di una cameriera").

Le tendenze realiste nella pittura possono essere osservate nell'opera del grande pittore olandese Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669). I temi del suo lavoro sono diversi: soggetti religiosi, mitologia, storia, ritratti, scene di genere. L'arte di Rembrandt si distingueva, prima di tutto, per l'amore per l'uomo, l'umanesimo, in ogni opera di Rembrandt - un tentativo di trasmettere l'evoluzione spirituale dell'uomo, il tragico percorso della conoscenza della vita. I suoi eroi sono persone con caratteri contraddittori e destini difficili. L'artista studia sempre la natura, il suo modello, non limitandosi a raffigurare tratti comuni. Rembrandt è entrato nella storia della pittura mondiale come maestro dell'autoritratto. Di anno in anno si è ritratto allegro o triste, poi arrabbiato o indifferente. I cento autoritratti da lui realizzati racchiudono la storia della sua vita, la biografia della sua anima, la confessione dell'artista.

Il dipinto “Il ritorno del figliol prodigo” raffigura l'episodio finale della parabola, quando il figliol prodigo torna a casa, “e mentre era ancora lontano, suo padre lo vide e ne ebbe pietà; e, correndo, gli cadde al collo e lo baciò ”, e il suo giusto fratello maggiore, che rimase con suo padre, si arrabbiò e non volle entrare.

"Danae" è scritto sulla base dell'antico mito greco di Danae, la madre di Perseo. Quando il re dell'antica città greca di Argo venne a conoscenza della profezia, secondo la quale era destinato a morire per mano del figlio di Danae, sua figlia, la imprigionò in una prigione e le assegnò una serva. Il dio Zeus, invece, penetrò Danae sotto forma di pioggia dorata, dopo di che diede alla luce un figlio, Perseo.

Il classicismo ha dominato la Francia nel XVII secolo. Il classicismo (classicismo francese, dal latino classicus - esemplare) è uno stile artistico e una tendenza estetica nell'arte europea dei secoli XVII-XIX. Il classicismo si basa sulle idee del razionalismo. Un'opera d'arte, dal punto di vista del classicismo, dovrebbe essere costruita sulla base di canoni rigorosi, rivelando così l'armonia e la logica dell'universo stesso. I maestri del classicismo non hanno trasmesso nelle loro opere la vita immediata e circostante. Hanno ritratto la realtà nobilitata, hanno cercato di creare immagini ideali che corrispondessero alle loro idee sul ragionevole, eroico e bello. I temi dell'arte classica erano limitati principalmente alla storia antica, alla mitologia e alla Bibbia, e linguaggio figurativo e le tecniche artistiche furono prese in prestito dall'arte antica classica, che, secondo i maestri del classicismo, corrispondeva soprattutto all'ideale armonioso del ragionevole e del bello.

Il fondatore del classicismo nella pittura francese fu Nicolas Poussin (1594-1665). Le sue opere si distinguono per idee, pensieri e sentimenti profondi. Credeva che l'arte dovesse ricordare a una persona "la contemplazione e la saggezza, con l'aiuto della quale potrà rimanere ferma e irremovibile di fronte ai colpi del destino". All'interno delle scene da mitologia antica e la Bibbia, Poussin ha rivelato i temi dell'era moderna. Nelle sue opere, ha cercato una calma maestosa, una nobile moderazione, un equilibrio. Il suo ideale è un eroe che mantiene un'imperturbabile tranquillità nelle prove della vita, capace di compiere un'impresa. L'idea della caducità della vita e dell'inevitabilità della morte ha spesso attirato l'attenzione di Poussin ed è stata il tema di molte delle sue opere. Il migliore tra loro è il dipinto "The Arcadian Shepherds" (Louvre), realizzato, a quanto pare, all'inizio del 1650. Raffigura quattro abitanti del leggendario paese felice - Arcadia, che ha trovato una tomba tra i cespugli e ha analizzato le parole scolpite su di essa: "E io ero in Arcadia". Questa scoperta accidentale fa riflettere i pastori arcadici, ricordando loro l'inevitabilità della morte. La profonda idea filosofica alla base di questo quadro è espressa in una forma cristallina e classicamente rigorosa. La natura delle figure, la loro statuaria e la vicinanza a forme e proporzioni antiche sono indicative dell'arte matura del maestro. Il quadro si distingue per una straordinaria integrità di disegno ed esecuzione, e la tristezza nascosta di cui è intriso gli conferisce un fascino del tutto peculiare. Uno dei tratti caratteristici del suo talento è la capacità di rivelare il mondo interiore di una persona in movimento, in gesti, in ritmi.

Nella storia della cultura francese, il periodo dall'inizio del regno di Luigi XV all'inizio della rivoluzione (1789) è chiamato il periodo dell'Illuminismo. Uno di le caratteristiche più importanti la cultura dell'Illuminismo è il processo di sostituzione dei principi religiosi dell'arte con quelli secolari. L'architettura secolare nel XVIII secolo per la prima volta ha la precedenza sull'architettura della chiesa in quasi tutta l'Europa.

La vita sociale dell'Illuminismo era molto controversa. Gli illuministi hanno lottato con il "vecchio ordine", che allora aveva ancora vero potere. Non solo lo stile della creatività artistica, ma anche il modo di vivere delle corti reali, personificando il "Vecchio Ordine" d'Europa, diventa rococò (dal francese "rocaille" - conchiglia). Il titolo comunica caratteristica principale di questo stile è la scelta di una forma complessa, raffinata e di linee estrose, che ricordano la silhouette di una conchiglia.

Il termine "rococò" (o "rocaille") entrò in uso a metà del XIX secolo. Inizialmente, "rocaille" è un modo per decorare gli interni di grotte, ciotole di fontane, ecc. Con vari fossili che imitano le formazioni naturali (naturali). I tratti caratteristici del rococò sono la raffinatezza, il grande carico decorativo di interni e composizioni, il grazioso ritmo ornamentale, la grande attenzione alla mitologia, il comfort personale.

Architettura rococò

A differenza del barocco, che era esclusivamente uno stile di corte, il rococò era l'arte dell'aristocrazia e degli strati superiori della borghesia. Ora l'obiettivo principale del maestro non era la glorificazione di nessuno o qualcosa, ma la comodità e il piacere di una persona in particolare. Gli architetti rococò iniziarono a prendersi cura del comfort umano. Abbandonarono la pomposità dei maestosi edifici barocchi e cercarono di circondare una persona con un'atmosfera di convenienza e grazia. Anche la pittura ha abbandonato le "grandi idee" ed è diventata semplicemente bella. Liberati dalle turbolente emozioni del barocco, i dipinti erano pieni di luce fredda e sottili mezzitoni. Il rococò fu forse il primo stile quasi interamente secolare nella storia dell'arte europea. Come la filosofia dell'Illuminismo, così l'arte rococò si separò dalla chiesa, spingendo i temi religiosi molto in secondo piano. D'ora in poi, sia la pittura che l'architettura dovevano essere leggere e piacevoli. La galante società del XVIII secolo era stanca di moralismi e prediche, la gente voleva godersi la vita, trarne il massimo.

Il rococò non si è manifestato nel design esterno degli edifici, ma solo negli interni, così come nel design di libri, vestiti, mobili e dipinti. Lo stile rococò si espresse brillantemente anche in tutti i rami della produzione artistica e industriale; con particolare successo fu utilizzato nella fabbricazione della porcellana, conferendo una particolare eleganza sia alla forma che all'ornamento dei suoi prodotti; grazie a lui, questa fabbricazione ha fatto un enorme passo avanti nel suo tempo ed è entrata in grande stima tra gli amanti dell'arte. Oltre alla porcellana, va di moda l'argento. Si realizzano ciotole di cioccolato, zuppiere, caffettiere, piatti, piatti e altro ancora. In questo secolo nasce l'arte culinaria nella sua forma moderna, compresa l'arte della tavola. I mobili rococò sono diversi caratteristiche peculiari. Una delle caratteristiche più sorprendenti sono le linee curve, le gambe curve. I mobili diventano più leggeri ed eleganti di prima. Compaiono nuovi mobili: consolle, segretarie, scrittoi, comò, armadi. I due tipi più comuni di sedie sono "Bergere" e "Marquise". Candelabri dorati, orologi, figurine di porcellana, arazzi, paraventi sono elementi indispensabili dello stile rococò. Specchi e dipinti dal peso asimmetrico sono usati in abbondanza. Su divani e poltrone, utilizza cuscini e pouf in seta con ricami a trama. Fatto interessante- è stato lo stile di design rococò che ha introdotto una tale innovazione all'interno come un acquario all'interno.

Interni rococò

I temi principali della pittura rococò sono la vita squisita dell'aristocrazia di corte, le "feste galanti", le immagini idilliache della vita del "pastore" sullo sfondo della natura incontaminata. Uno dei più grandi maestri dell'arte francese del XVIII secolo fu Antoine Watteau (1684-1721), artista dal sottile sentimento poetico e dal grande talento pittorico. Maestro sognante e malinconico di "feste galanti", ha introdotto poesia genuina e profondità di sentimenti nella rappresentazione della vita della società secolare, e un'ombra di una sorta di malinconia e insoddisfazione nell'interpretazione di scene d'amore e divertimenti spensierati. Molto spesso incontriamo nei suoi quadri l'immagine di un sognatore solitario, malinconico e triste, immerso nei suoi pensieri e lontano dal rumoroso divertimento, dalla vana vanità della folla. Questo è il vero eroe di Watteau. Le sue opere sono sempre coperte di tristezza lirica. Non troveremo in loro colori tempestosi divertenti, nitidi e sonori. Gli piace particolarmente ritrarre signore e signori che camminano o si divertono sullo sfondo del paesaggio, in parchi ombrosi ricoperti di vegetazione, sulle rive di stagni e laghi. Tali sono i due affascinanti dipinti della Galleria di Dresda, ad esempio "Società nel parco", dove tutto è intriso di un sottile stato d'animo lirico, e persino statue di marmo divinità antiche sembrano guardare favorevolmente agli innamorati.

“Arrivo all'isola di Citera”

L'artista rococò più famoso fu Francois Boucher, che, oltre alla pittura, lavorò in tutti i tipi di arti decorative e applicate: creò cartoni per arazzi, disegni per porcellane di Sevres, dipinse ventagli, eseguì miniature e pitture decorative. François Boucher era un artista ideologicamente associato alla società aristocratica durante il suo declino; ha catturato nelle sue tele il desiderio di godere di tutte le benedizioni della vita che regnavano tra le classi superiori a metà del XVIII secolo. Nell'opera di Bush sono ampiamente utilizzate trame mitologiche, che danno origine alla raffigurazione di un corpo femminile e infantile nudo. Soprattutto spesso scrive eroine mitologiche - in diversi momenti delle loro relazioni amorose o del bagno occupato. Non meno caratteristici di Boucher sono i cosiddetti pastorali, o scene di pastori. La passione per i temi pastorali, caratteristica dell'intera epoca, era un riflesso delle teorie allora di moda, secondo le quali solo le persone ingenue che vivono lontano dalla civiltà, in seno alla natura, sono felici. I suoi pastori e pastorelle sono giovani uomini e donne eleganti e graziosi, leggermente vestiti e raffigurati sullo sfondo di paesaggi. Oltre a pastorali e dipinti mitologici, dipinse scene di genere della vita di una società aristocratica, ritratti (soprattutto spesso ritratti della marchesa Pompadour), immagini religiose, solitamente risolte nello stesso piano decorativo ("Riposo durante la fuga in Egitto" ), fiori, motivi ornamentali. Boucher aveva un innegabile talento come decoratore, sapeva collegare le sue composizioni con la soluzione degli interni.

Moda rococò

Domande e compiti:

1. Parlaci delle caratteristiche estetiche dello stile barocco

2. Parlaci delle caratteristiche della pittura barocca usando l'esempio di Rubens

3. Parlaci dello stile pittorico di Rembrandt

4. Perché lo stile rococò è considerato lo stile dell'aristocrazia?

5. Fai un giro per corrispondenza a Versailles