Cos'è la fotografia d'arte.
Oggi nessuno di noi mette in dubbio il fatto che la fotografia artistica sia un'arte che riflette la visione creativa del fotografo come artista. Tuttavia, anche all'alba dello sviluppo della fotografia per diversi decenni, c'era un'acuta questione se la fotografia potesse essere attribuita all'arte o semplicemente non fosse altro che un mezzo per catturare e trasmettere informazioni sul mondo che ci circonda.
Per molti anni è stata la fotografia a conquistare il proprio posto nel mondo dell'arte, insieme alla scultura, al cinema, alla pittura e al teatro. Ma ora qualsiasi fotografo può esprimere il proprio atteggiamento nei confronti del mondo e dei fenomeni attraverso mezzi fotografici come l'angolazione, il colore o la scelta del momento dello scatto.
Quando sono apparse le prime stampe fotografiche, nessuno ha preso la fotografia sul serio. Era considerata solo una semplice coccola e un gioco da ragazzi per una ristretta cerchia di persone. Nei primi anni dopo il suo inizio, la fotografia, a causa di limiti tecnici, non poteva rivendicare né documentario, né alcun valore artistico, né libertà di soluzioni di illuminazione e visione creativa del fotografo.
Nell'Ottocento era opinione diffusa che solo un'opera fatta a mano potesse essere classificata come arte. Di conseguenza, le stampe fotografiche, ottenute utilizzando vari metodi fisici e chimici, semplicemente non potevano rivendicare lo status di arte. Nonostante il fatto che già la prima generazione di fotografi abbia cercato di ravvivare in qualche modo la composizione delle loro immagini con alcune tecniche e approcci interessanti, tuttavia, la fotografia ha continuato a essere un simpatico gingillo agli occhi dell'opinione pubblica.
La fotografia era considerata dalla critica dell'epoca solo come una copia meccanica della realtà, capace di essere solo una parvenza di pittura artistica. Fino agli anni '20 e '30, articoli e pubblicazioni hanno preso seriamente in considerazione la questione se la fotografia sia un'arte o sia solo un'abilità applicata e pratica, in cui la tecnica gioca un ruolo chiave, e non il fotografo stesso.
Ci sono diversi periodi nello sviluppo della fotografia come arte. Anche agli albori dello sviluppo della fotografia, non era molto diverso dalla pittura, cioè i fotografi cercavano di utilizzare noti tecniche pittoriche nella fotografia. Hanno filmato principalmente oggetti monumentali e immobili. Tali prime stampe fotografiche appartenevano al genere del ritratto o del paesaggio. Inoltre, a causa dell'emergere dell'industria dei giornali nel XIX secolo, la fotografia occupava la nicchia di una semplice prova documentaria di determinati eventi. Possiamo dire che a quel tempo non c'erano dubbi sull'espressività e l'abilità artistica della fotografia. Quando la fotografia è diventata davvero arte?
Probabilmente non è possibile fornire una data esatta. Ma gli storici della fotografia annotano per sé un evento significativo accaduto nel 1856. Quindi lo svedese Oscar G. Reilander ha realizzato una stampa combinata unica da trenta diversi negativi ritoccati. La sua fotografia, intitolata "Two Roads of Life", sembrava descrivere un'antica saga sull'ingresso nella vita di due giovani. Uno dei personaggi principali nella foto si rivolge a varie virtù, misericordia, religione e artigianato, mentre l'altro, al contrario, ama il fascino peccaminoso della vita come gioco d'azzardo, vino e immoralità. Questa fotografia allegorica divenne immediatamente ampiamente nota. E dopo la mostra a Manchester, la stessa regina Vittoria ha acquisito la fotografia di Reilander per la collezione del principe Alberto.
Questa fotografia combinata può essere giustamente attribuita a uno dei primi lavori indipendenti legati alla fotografia. L'approccio creativo di Oscar G. Reilander si basava, ovviamente, sull'educazione classica alla storia dell'arte ricevuta all'Accademia Romana. In futuro, al suo nome saranno associati vari esperimenti con il fotomontaggio, con lo sviluppo della doppia esposizione e con la straordinaria fotografia a più esposizioni.
Il caso Reilander è continuato artista di talento e il fotografo Henry Peach Robinson, diventato famoso per il suo scatto composito "Leaving", composto da cinque negativi. Questa fotografia artistica ritraeva una ragazza morente su una sedia, sulla quale sua sorella e sua madre stanno tristemente in piedi, mentre suo padre guarda dentro finestra aperta. L'immagine "Leaving" è stata criticata per aver distorto la verità, ma, tuttavia, ha guadagnato ampia popolarità. Fu immediatamente acquisito dalla corte reale inglese e il principe ereditario diede persino a Robinson un ordine permanente per una stampa di una tale fotografia.
"In partenza". GP Robinson Lo stesso Robinson divenne il principale esponente della cosiddetta fotografia pittorica in Inghilterra e in Europa. Questa direzione dell'arte fotografica ha occupato una posizione dominante nella fotografia fino al primo decennio del XX secolo. Molti effetti pittorici e tecniche sono stati utilizzati nella fotografia pittorica.
Devo dire che la fotografia non ha potuto lasciare per molto tempo "l'ombra" della pittura. Tuttavia, lo sviluppo della fotografia come arte indipendente all'inizio del secolo scorso è stato ampiamente facilitato da mostre periodiche, dove, insieme a semplici scatti belli, gli spettatori potevano vedere fotografie interessanti che meritano il titolo di "opera d'arte". Uno dei primi del genere mostre internazionali c'era una galleria fotografica dal modesto nome 291, aperta da Alfred Stieglitz nel 1905 a New York. Questa è stata una vera e propria mostra di arte contemporanea, dove i nomi artisti famosi stava nella stessa fila con i fotografi.
Con l'inizio degli anni '20 e '30, iniziò un nuovo periodo per la fotografia, direttamente correlato alla produzione di massa di giornali e riviste. La fotografia cambia stile a favore della fotografia documentaristica e di reportage. La realizzazione documentaria e artistica si è gradualmente intrecciata nella fotografia in un unico insieme. È apparsa una nuova generazione di fotografi che, attraverso il reportage e la fotografia documentaria, hanno fatto quotidianamente la storia del loro paese e del mondo intero. Durante questo periodo, l'espressività artistica con una componente ideologica e sociale era strettamente collegata alla fotografia.
La fotografia diventa portatrice di una verità storica, un riflesso di eventi reali. Non a caso, negli anni '20 e '30, vari manifesti, album fotografici e riviste avevano un valore particolare. Fu durante questi anni che iniziarono ad apparire comunità e società di artisti della fotografia, che cercavano di trasformare la fotografia in una forma d'arte autosufficiente.
Nel nostro Paese, però, questi processi positivi furono addirittura congelati alla fine degli anni Trenta. Cortina di ferro per lungo tempo ha isolato la fotografia domestica dalle tendenze della vita artistica internazionale. I talentuosi fotografi sovietici furono costretti a occuparsi solo di reportage fotografici realisti socialisti. Durante la seconda guerra mondiale, molti di loro hanno visitato i fronti di battaglia e hanno potuto catturare su pellicola i momenti memorabili della grande vittoria.
Negli anni '60 e '70 le fotografie tornarono ad essere considerate opere d'arte indipendenti. Questa è l'era del fotorealismo e degli audaci esperimenti con varie tecnologie fotografiche e tecniche artistiche. A partire da questo periodo di tempo, tutte le aree della fotografia, che erano ai margini dell'attenzione pubblica, hanno finalmente ricevuto il diritto di essere presentate come valore artistico indipendente nell'arte. Stanno emergendo nuovi generi di fotografia, in cui l'intenzione dell'autore e la visione creativa del fotografo diventano il momento chiave. Famosi fotografi dell'epoca nelle loro opere iniziarono a toccare temi sociali iconici come la disuguaglianza sociale, la povertà, lo sfruttamento del lavoro minorile e molti altri.
Un'altra rivoluzione della fotografia la dobbiamo al passaggio dalla pellicola alle fotocamere digitali. Il formato dell'immagine digitale ha permesso ai fotografi di allontanarsi in qualche modo dal semplice rispecchiamento della realtà che li circonda. Con l'avvento delle fotocamere digitali, dei computer e redattori grafici al fotografo è stata data l'opportunità di trasformare le sue immagini in modo tale che lo spettatore avesse l'opportunità di conoscere la visione creativa del creatore dell'immagine e di immergersi nel suo mondo irreale. Sebbene la fotografia sia diventata un fenomeno di massa in questi giorni, la selettività e una speciale "visione" personale sono ancora importanti per la fotografia come arte, consentendo a una persona di creare una vera opera d'arte utilizzando mezzi fotografici.
Nonostante il fatto che una fotocamera digitale possa scattare diverse centinaia di foto in pochi minuti, ovviamente, non tutti i fotogrammi possono essere classificati come artistici. Un fotografo moderno esprime la sua visione del mondo o l'intenzione dell'autore attraverso uno scorcio, un abile gioco di luci e ombre, una raffinata scelta del momento dello scatto e altre tecniche. Pertanto, al centro della fotografia c'è ancora il fotografo, non il tecnico. Solo una persona è in grado di inserire nell'immagine un pezzo del suo mondo interiore in modo che l'immagine sia “ricoperta” di nuove emozioni e riveli il talento del fotografo stesso.
Kurichev Andrey
Il lavoro educativo e di ricerca è stato scritto come parte dello studio aggiuntivo dell'arte contemporanea. L'argomento è molto interessante per questa età. Lo studente ha tentato di esplorare al suo livello la storia dell'emergere di un tale tipo di arte come la "fotografia". Un adolescente risponde a domande come “La fotografia riflette oggettivamente la realtà? La fotografia è arte? E perché le belle arti non hanno cessato di esistere dopo l'avvento della fotografia? Lo studente ha presentato il suo progetto, oltre a interessanti risultati di uno studio sugli adolescenti su questo argomento, è stata fatta un'analisi.
Il lavoro è di facile lettura e interessante, il materiale è strutturato e presentato in modo logico. Lo studente ha sottolineato la rilevanza dell'argomento, ha stabilito chiaramente gli scopi e gli obiettivi dello studio.
I principali aspetti positivi del lavoro sono:
- Uno sguardo alla fotografia come forma d'arte dal punto di vista di un adolescente.
- L'acquisizione da parte degli studenti delle conoscenze necessarie su questioni di loro interesse, lo sviluppo del proprio pensiero e l'ulteriore auto-miglioramento.
Scaricamento:
Anteprima:
Istituto scolastico di bilancio comunale
media scuola comprensiva N. 10 Pavlov
Dipartimento - Umanitario
Sezione - critica d'arte
Lavoro fatto:
Kurichev Andrey, 15 anni
studente 9 classe "B".
Consulente scientifico: Shitova Olga Konstantinovna,
maestro del mondo cultura artistica
Pavlov
febbraio 2015
- Mantenimento………………………………………………………………………..3
- Parte principale………………………………………………………… .4-12
"La fotografia è un'arte?"
- Nascita e significato della fotografia………………………………. ….4-6
- La fotografia riflette oggettivamente la realtà?……………………………………………….. …………7-8
- La fotografia è arte? E perché le belle arti non hanno cessato di esistere dopo l'avvento della fotografia?................…….8-9
- Ricerca…………………………………………………………………10-12
- Conclusione. Conclusioni………………………………………………………..12
- Letteratura…………………………………………………………………...13
- introduzione
Al giorno d'oggi, tutto esiste per il bene di
per finire con una foto.
La fotografia mummifica il tempo.
Henri Bazin
Penso che a differenza delle arti tradizionali foto ha applicazioni pratiche. È utile in molte aree della vita umana: nella scienza, nel processo educativo, nella medicina legale (fotografia di scene del crimine, prove lasciate, ecc.), nel settore pubblicitario, nelle carte d'identità, nel design, ecc. E se è così, allorala fotografia è un'arte?
Bersaglio:
Scopri se la fotografia è una forma d'arte?
Compiti:
- Scopri la storia della nascita e il significato della fotografia.
- Scopri se la foto rispecchia oggettivamente la realtà?
- Scopri perché, dopo l'avvento della fotografia, le belle arti non hanno cessato di esistere?
La mia ipotesi:
La fotografia è un concetto più ampio dell'arte fotografica: non tutto ciò che viene girato con una macchina fotografica (così come una cinepresa) sarà arte.
Metodi di ricerca
2. Corpo principale
2.1. La nascita e il significato della fotografia
La parola "fotografia" è tradotta dal greco come "pittura leggera". La luce è l'elemento principale della creazione dell'immagine in fotografia. Le origini della tecnica fotografica risiedono in un fenomeno ottico noto fin dall'antichità: se un raggio di luce entra in un piccolo foro in una camera oscura (lat. "stanza buia"), allora apparirà un'immagine capovolta di oggetti illuminati sotto la fotocamera la parete opposta.
La prima persona a catturare un'immagine reale è stata Nicéphore Niépce. È successo negli anni '20 del XIX secolo. Pochi anni dopo gli esperimenti. È successo negli anni '20 del XIX secolo. Pochi anni dopo gli esperimenti di Niepce, Louis Jacques Daguerre ottenne un'immagine fotografica utilizzando una sottile lastra di rame ricoperta da uno strato d'argento in una cassetta. Queste lastre sono chiamate dagherrotipi. Nel 1839, l'Accademia francese delle scienze riconobbe i meriti di Daguerre e rese la scoperta dello scienziato francese proprietà dell'umanità.
Il 1839 è l'anno ufficiale della nascita della fotografia.
I dagherrotipi erano copie singole, cioè era impossibile farne delle copie, e la fotografia, come sapete, si suddivide in due operazioni: ottenere un negativo e realizzare un positivo. La tecnica per realizzare un negativo fu scoperta da Fox Tabol nel 1840.
Da allora molto è cambiato: è apparsa la pellicola, sono state sviluppate tecnologie per realizzare fotografie a colori e non molto tempo fa è apparsa la stampa digitale, basata su una tecnologia elettronica che converte un'immagine ottica in un segnale elettrico.
La nascita della fotografia non può essere spiegata solo con lo sviluppo della tecnologia.
30-40 anni del XIX secolo segnano la nascita di una tale direzione nell'arte come realismo critico. Uno dei postulati del realismo può essere formulato come segue: ogni principio umano è assoluto. Il fatto che ogni persona abbia la sua fotografia (anche se solo su un passaporto) dimostra che ognuno di noi è uguale all'altro nella vita. La fotografia afferma il nostro coinvolgimento nella vita e nell'eternità.
Nelle opere di realismo vita umana affrontato in contesto storico(l'eroe è sempre dato in relazione all'epoca).
Attenzione alla vita quotidiana, ai dettagli: tutto ciò caratterizza sia un'opera realistica che una fotografia.
La fotografia è la custode del passato: studiamo le epoche storiche, la vita familiare e così via. da fotografie. R. Arnheim ha formulato le proprietà generiche della fotografia come segue: “Indissolubilmente legata alla natura fisica del paesaggio e degli insediamenti umani, agli animali e agli esseri umani, alle nostre imprese, sofferenze e gioie, la fotografia è dotata del privilegio di aiutare una persona a studiare se stesso. Espandi e preserva la tua esperienza, scambia messaggi vitali ... ”(Arnheim R. Nuovi saggi sulla psicologia dell'arte. - M., 1994, p. 132).
2.2. La fotografia riflette oggettivamente la realtà?
studiando diverse fonti, ho appreso che gli scienziati hanno stime diverse del potenziale realistico della fotografia. Ad esempio, lo scienziato francese A. Bazin ha sostenuto che l'immagine fotografica di un oggetto "è questo oggetto stesso". La fotografia, secondo il ricercatore, è oggettiva, poiché “non c'è niente tra un oggetto e la sua immagine, tranne un altro oggetto ... Tutte le arti si basano sulla presenza di una persona, e solo nella fotografia possiamo goderci la sua assenza. La fotografia ci colpisce come un fenomeno “naturale”, come un fiore o un cristallo di neve ... ”(Bazen A. Cos'è il cinema? - M., 1972. - p. 44). Le possibilità estetiche della fotografia risiedono nella divulgazione del reale, che appare direttamente senza mediatori verbali e altri artificiali. L'obiettivo fotografico “libera il soggetto da idee e pregiudizi abituali”, e il cinema “si presenta davanti a noi come il compimento dell'oggettività fotografica nella dimensione temporale… Per la prima volta, l'immagine delle cose diventa anche immagine della loro esistenza nel tempo …” (Bazin A., p. 45).
C'è anche un punto di vista opposto. "Sappiamo tutti", scrive Yu.M. Lotman, - quanto dissimili, quanto possono essere distorte le fotografie. Più conosciamo una persona, più differenze troviamo nelle fotografie. Per ogni persona il cui volto ci è veramente familiare, preferiremo un ritratto bravo artista pari a lui in fotografia. In esso troveremo più somiglianze. Ma se ci viene consegnato un ritratto e una fotografia di una persona a noi sconosciuta e ci viene chiesto di sceglierne di più attendibili, non esiteremo a fermarci a una fotografia, tanto è il fascino del carattere “documentaristico” di questo tipo di testi ”(Lotman Yu.M. On Art. - San Pietroburgo, 2000. - p. 297).
Conclusioni: Questo sondaggio ci fa capire che la maggioranza (66,7%) crede che la fotografia rispecchi oggettivamente la realtà, e il resto
(33,3%) non la pensa così.
2.3. La fotografia è arte? E perché le belle arti non hanno cessato di esistere dopo l'avvento della fotografia?
Molte delle immagini sono di passaggio, quotidiane, più precisamente, inespressive, non artistiche, cioè sono una semplice “copia della realtà”. Naturalmente, nelle nostre fotografie domestiche (abbastanza quotidiane), l'oggetto dell'immagine sarà più interessante per noi: noi stessi, i nostri parenti, i nostri cari, gli amici, ecc. Queste foto saranno arte? Per noi - senza dubbio: quante emozioni, ricordi evocano. E per altre persone, a noi sconosciute, l'oggetto raffigurato nella nostra foto sarà interessante? Qui è più difficile.
Quali condizioni sono necessarie affinché una “copia presa dalla realtà” diventi arte? Apparentemente, lo stesso di tutte le altre arti. "L'arte ... è l'unica attività che soddisfa il compito di scoprire, esprimere e comunicare il significato personale dell'attività, della realtà" (Leontiev A.N. Opere psicologiche selezionate. - M., 1983. - p. 237).
Tali eccezionali maestri del 20 ° secolo come A. Rengener-Patch, A. Cartier-Bresson, A. Rodchenko, L. Maholi-Nagy, Mann Ray e altri hanno reso la fotografia un'arte.
Ho fatto un esperimento con il mio amico:gli mise davanti due fotografie.
Guardandoli, il mio amico, basandosi sul suo senso intuitivo, ne identificava uno come "artistico" e l'altro come "non artistico". Alla mia domanda: "Perché ha concluso questo?" - seguito da una risposta un po' vaga: “Beh, è chiaro, è solo la vista che c'era davanti alla macchina fotografica, ma qui si aggiunge qualcosa, una specie di stato d'animo, il fotografo voleva esprimere qualcosa, dire da se stesso, per trasmette, vedi, che sensazione…”
Ho cercato di esprimere questi pensieri in modo più specifico.
Nella produzione di fotografie non artistiche, due partecipanti sono stati nominati amici: paesaggio e macchina fotografica; nella produzione di fotografia artistica, ha nominato tre partecipanti: paesaggio, apparato, fotografo.
Nel primo caso la fotografia ha catturato automaticamente ciò che cadeva nel campo visivo dell'obiettivo, nel secondo qualcosa è stato aggiunto al paesaggio reale.
In effetti, ecco quei segni che di solito vengono chiamati evidenziazione caratteristiche distintive arte: la presenza della soggettività dell'autore, ... l'introduzione di pensieri nell'oggetto raffigurato, la ricostruzione dell'oggetto in connessione con la comprensione generale del mondo da parte dell'artista. Cioè, "diventato un fatto artistico, il mondo materiale diventa umanizzato e spiritualizzato, riceve significato" (Lotman Yu., Tsivyan Yu., Dialogue with the screen, - Talin, 1994. - p. 19-20.)
Quando fotografiamo, interveniamo nel mi circostante, ne “ritagliamo” un “pezzo” di realtà che in qualche modo ci è piaciuto, o semplicemente di cui avevamo bisogno, o che ha coinciso con qualche tipo di nostra esperienza, espresso qualche pensiero.
Certo, la fotografia come arte ha i suoi mezzi di espressione. Quando guardiamo una fotografia, prestiamo attenzione non solo alla trama, ma anche alla pianta, all'angolo, alla composizione dell'inquadratura, alla luce, al colore. Usandoli in modo creativo, usando questa o quell'ottica, pellicola in bianco e nero oa colori, e ora anche le enormi capacità del computer, possiamo interpretare gli oggetti del mondo a modo nostro, creare immagini artistiche complesse. Tuttavia, la conoscenza dell'arsenale di mezzi espressivi non garantisce un'immagine artistica di alta qualità. Come in ogni arte, qui hai bisogno di un tocco, ispirazione e gusto speciali.
Primo sondaggio: perché le belle arti non hanno cessato di esistere dopo l'avvento della fotografia?
Conclusioni: Sulla base di questo sondaggio, posso concludere che l'84% degli intervistati ritiene che la fotografia sia diventata una delle belle arti e il 16% ritiene che la fotografia sia molto più giovane delle belle arti e probabilmente la sostituirà in futuro.
Conclusioni: Il 32 percento degli intervistati ritiene che per diventare un buon fotografo sia necessario disporre delle attrezzature più moderne e di alta qualità e il 64 percento crede ancora che la cosa principale non sia la tecnologia, ma chi la utilizza.
Conclusioni: Questa domanda rimane controversa anche per me. Il numero di sostenitori e oppositori dell'uso di Photoshop nella fotografia è stato diviso in due campi identici e questa domanda rimarrà senza risposta per noi.
Conclusioni: Sulla base di questo sondaggio, possiamo giudicare che l'80% degli intervistati crede che la fotografia sia arte, il 4% ha risposto negativamente e il 16% non conosce la risposta a questa domanda. Cosa ne pensi?
Conclusione
La mia ipotesi è stata confermata: la fotografia non è sempre arte.
Tutti coloro che amano la fotografia, ammirano i capolavori dei professionisti, creano alta qualità, opere uniche e allo stesso tempo non si pone l'obiettivo di vendere la sua creazione - per questo la risposta è ovvia: la fotografia è un'arte!!! E per chi fotografa semplicemente per se stesso, per memoria, la fotografia è semplicemente un beneficio per la vita, una condizione necessaria.
Ebbene, penso che la domanda se la fotografia sia o meno arte sia forse tanto difficile da rispondere quanto la domanda sul significato della nostra esistenza. Alcune persone pensano che se ti piace una foto e vorresti non averla scattata, allora è arte. Ma, secondo me, non tutto ciò che ti piace è arte, e viceversa, l'arte non dovrebbe sempre piacere. Dopotutto, bellezza e bruttezza, bene e male: queste cose sono inseparabili, quindi dovrebbero riempire ugualmente l'arte. Se vediamo solo la bellezza, non la percepiremo. Il male e la bruttezza sono necessari quanto l'ossigeno ai nostri polmoni. Le persone che sognano la felicità assoluta si sbagliano piuttosto, non capiscono che se non ci fosse la guerra, non ci sarebbe la pace, che non saprebbero della felicità nemmeno un grammo, se non provassero dolore. La vita stessa sarebbe noiosa, perderebbe ogni significato. È molto più interessante vivere in un mondo pieno di opposti che rendono la vita di una persona la più intensa e diversificata.
Letteratura
- Arnheim R. Nuovi saggi sulla psicologia dell'arte. - M., 1994, p.132
- Bazin A. Cos'è il cinema? - M., 1972. - p.44
- Leontiev A.N. Opere psicologiche selezionate. - M., 1983. - p. 237
- Lotman Yu., Tsivyan Yu., Dialogo con lo schermo, - Talin, 1994.- dal 19 al 20.
- http://www.adme.ru/tvorchestvo-fotografy/reshayuschij-moment-546455/
- http://pics2.pokazuha.ru/p442/s/w/7897210hws.jpg
Quando ti svegli la mattina, cosa fai di solito? Molto probabilmente, molti prendono uno smartphone e iniziano a scorrere il loro feed di notizie su Vkontakte, Facebook o Twitter, ma uno dei più popolari social networks negli ultimi anni è diventato Instagram. Alcune persone non possono più immaginare la propria vita senza di essa. Mostrare le tue foto è diventato un rito. Grazie a loro è diventato più facile trasmettere emozioni e il momento stesso dell'azione.
L'invenzione della fotografia risale all'inizio del XIX secolo. Diverse persone hanno lavorato alla sua creazione quasi contemporaneamente: Thomas Wedgewood Con Guglielmo Henry Fox in Inghilterra e Giuseppe Niepce Con Luigi Daguerre in Francia. Tuttavia, un tentativo di correggere qualsiasi immagine è stato fatto molto prima. Lo dimostra la camera oscura (“camera oscura”) utilizzata fin dal Medioevo. IN questo momento in questione su una scatola con un piccolo foro, dove in seguito iniziò ad essere inserita una lente. La prima fotocamera era abbastanza difficile da usare, perché sulla parete opposta della fotocamera, la luce che entrava dal foro dava un'immagine capovolta.
La fotografia è stata una vera sensazione per il XIX secolo. In primo luogo, è diventato presto di natura commerciale e, in secondo luogo, ha dato uno slancio diretto al progresso tecnologico, quindi il miglioramento delle immagini è andato a passi da gigante. Appena sotto ci sono due fotografie scattate a 13 anni di distanza. Il loro creatore è Giuseppe Niepce.
Fotocamera stenopeica
La foto è stata scattata nel 1826, la prima fotografia dalla natura
Questa foto è stata scattata nel 1839
In effetti, l'immagine sopra avrebbe dovuto essere una carrozza, ma viaggiava troppo veloce, quindi la fotocamera non ha avuto il tempo di catturarla, questa foto è stata scattata con una "esposizione" di 8 ore. È stato in quest'anno che è apparsa effettivamente la fotografia.
Entro il 1860, riuscirono a ridurre la velocità dell'otturatore da 8 ore a 30 secondi, il che provocò una popolarità senza precedenti nella fotografia.
Lo sviluppo delle fotografie è andato avanti inesorabilmente. A poco a poco sono diventati vere e proprie opere d'arte, è stato attraverso di loro che le persone potevano vedere il mondo com'era e rappresentare nuovi orizzonti in un formato più realistico.
La formazione della fotografia come arte indipendente iniziò a manifestarsi tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. La tecnologia è arrivata al punto in cui ogni scatto di un fotografo cattura le più piccole caratteristiche di un modello o di uno scenario. In quel momento c'era una sintesi di due tendenze nell'arte, che fino ad allora avevano solo senso artistico: così modernismo e impressionismo divennero una cosa sola. Questa combinazione mostra Giorno di Fred Olanda, che espose nel 1898 al Philadelphia Salon il ciclo "Seven ultime parole". Le immagini mostrano gli ultimi momenti della vita di Cristo.
Sette ultime parole di Fred Holland Day. Le foto mostrano l'autore stesso.
Ma se Fred Day ha aderito alla presentazione classica della fotografia, l'approccio all'avanguardia ha cambiato tutto. Alfred Stiglitz che ha fatto della fotografia quello che è per noi mondo moderno. Il suo approccio speciale ha fatto una vera rivoluzione nel settore. Ha iniziato a catturare nature morte e ha portato nuove tendenze ai ritratti fotografici. Stieglitz possedeva diverse gallerie d'arte a New York, dove venivano presentate non solo le sue opere, ma anche opere di artisti europei.
È il suo lavoro che è un classico esempio di fotografia nel 20 ° secolo.
Pochi anni dopo fonda con Fred Day la "Photo-Secession", che diventa il primo movimento di fotografia artistica. Stiglitz ha anche promosso le sue fotografie attraverso riviste da lui create come "CONamera Appunti» E « Telecamera lavoro» , dove una nuova parola d'arte veniva data a ogni persona che acquistava la rivista. Il fotografo ha viaggiato molto, quindi la sua collezione includeva immagini non solo del paesaggio urbano americano, ma anche dall'Europa. Durante il suo viaggio, Stieglitz dovette fare i conti con il disprezzo dell'élite artistica, che riteneva che la fotografia non meritasse lo stesso posto d'onore del dipinto. Come accennato in precedenza, Alfred Stiglitz è stato in grado di rompere questi stereotipi e attirare l'attenzione del pubblico sul suo lavoro. Vale la pena notare che Stieglitz non ha mai perseguito un obiettivo commerciale nella fotografia, era, contrariamente alla credenza popolare, un vero artista, perché ogni scatto richiedeva uno sforzo, sia che si trattasse di una fotografia di una New York innevata o di cercare di impostare la luce giusta per un modello.
L'elenco dei fotografi apparsi dopo Alfred Stieglitz è numeroso. Alcuni lo imitarono, mentre altri concentrarono la loro attività nell'industria commerciale, che in America si sviluppò rapidamente nel corso del XX secolo. Si può concludere che durante la sua breve esistenza la fotografia ha saputo cambiare più volte l'atteggiamento del pubblico verso se stessa. Da attività commerciale è passata all'alta arte, per poi trasformarsi di nuovo in un'industria, ma i capolavori che ci hanno regalato i fotografi dell'inizio del XX secolo rimarranno per sempre. Esistono per ricordare che le persone apprezzavano la fotografia un po' più di noi adesso.
All'epoca della nascita della fotografia, l'estetica era dominata dall'opinione che solo un'opera fatta a mano potesse essere arte. L'immagine della realtà, ottenuta con l'ausilio di metodi tecnici fisici e chimici, non poteva nemmeno rivendicare un tale status. E sebbene i primi fotografi, che gravitavano verso l'arte dell'immagine, mostrassero una notevole ingegnosità compositiva per mostrare la realtà (a volte cambiandola oltre il riconoscimento), il sistema valori pubblici e priorità nel ruolo di una delle muse, la fotografia non si è adattata per molto tempo.Tuttavia, tutti i tipi moderni di "arti tecniche" - fotografia, cinema, televisione - hanno vissuto un'evoluzione simile: all'inizio della loro esistenza erano una sorta di attrazioni divertenti, poi mezzi tecnici per trasmettere informazioni, e solo nel processo di creando una nuova arte, linguaggio all'interno di questi sistemi informativi e di comunicazione, c'è stata una transizione verso funzioni comunicative e artistiche. Ciò non significa, però, che non si sia discusso il problema del rapporto tra fotografia e arte. Il pittore francese Delaroche (1797-1856), sottolineando le possibilità offerte dalla fotografia, scriveva: "La pittura è morta da oggi". Al contrario, una rivista tedesca ha sostenuto il contrario: "... La scoperta della fotografia ha alto valore per la scienza e molto limitato per l'arte". Nel 1913, la rivista di Riga sulla fotografia pratica e artistica "Rays" ("Stari") pubblicò un articolo speciale "Fotografia e arte", discutendo la questione se la fotografia sia arte o solo pratica, abilità applicata, in cui la padronanza della tecnologia gioca un ruolo importante. L'autore di questo articolo è giunto alla conclusione che la questione se la fotografia sia arte rimarrà valida finché esisterà la fotografia. lato tecnico non è nuovo per l'arte, solo nella fotografia si è manifestato da un lato storicamente nuovo. Possesso di attrezzatura fotografica, padroneggiare l'abilità qui sembra un compito più facile che, ad esempio, padroneggiare la tecnica di suonare strumento musicale. Questa leggerezza è ciò che fuorvia i critici della fotografia come arte. L'artista Delaroche ha visto nel nuovo fenomeno il suo caratteristiche artistiche e il suo potente potenziale artistico.
Nei primi anni dopo la sua comparsa (il periodo del dagherrotipo), la fotografia è stata classificata dall'opinione pubblica e da esperti di vari campi della cultura come gingilli divertenti. La fotografia di questo periodo non possedeva ancora né la qualità documentaria, né l'informatività, né la libertà di soluzioni e scoperte luminose, cioè nessuna di quelle caratteristiche che la teoria oggi considera come definizione per la fotografia. Lo sviluppo della fotografia è stato in gran parte determinato dai bisogni sociali. L'ascesa dell'industria dei giornali ha spinto la fotografia nel mainstream del reportage. All'epoca in cui apparvero le prime "immagini in movimento" (cinema) sulla base della fotografia, la fotografia stessa era una modesta prova documentaria, inferiore per espressività e raffinatezza alla pittura e alla grafica. Intorno alla fotografia sono sorte costantemente controversie teoriche: è possibile confrontare la fotografia con la pittura in termini di valore artistico? La fotografia non è forse una pittura degenerata, per la quale la tecnica sostituisce l'abilità dell'artista? Al contrario, non è una fotografia varietà moderna pittura, adottando e approfondendo le sue funzioni, modifica della pittura in una civiltà tecnica, cambiando il significato culturale ed estetico pittura tradizionale? Ma questo non è altro che una giustapposizione di due fenomeni della vita artistica, due tipi di arte che gravitano chiaramente l'uno verso l'altro e interagiscono tra loro. La fotografia ha liberato la pittura dalla sua funzione utilitaristica: la fissazione pittorica del fatto, che, anche nel Rinascimento, era uno dei compiti più importanti della pittura. Si può dire che la fotografia ha aiutato lo sviluppo della pittura, ha contribuito alla piena identificazione della sua specificità unica. Ma la fotografia ha anche assorbito molto dalla secolare esperienza nello sviluppo delle belle arti. La stessa visione del mondo "nella cornice" è un retaggio della pittura. La cornice è il primo storyboard della realtà nella storia della cultura. Scorcio e costruzione della prospettiva, la capacità dello spettatore di "leggere" una fotografia come un'immagine planare dello spazio tridimensionale: tutto questo è un grande eredità culturale ha ereditato la fotografia dalla pittura. L'influenza della pittura sulla fotografia è enorme. Allo stesso tempo, il compito della fotografia è bivalente, bidimensionale: da un lato, separarsi il più completamente possibile dalla pittura e determinare i propri confini e possibilità, la propria specificità, dall'altro, per la maggior parte padroneggiare pienamente l'esperienza artistica della pittura su se stessa.
Uno di questioni centrali l'identificazione di qualsiasi tipo di arte è un problema del suo linguaggio. Analizzando la storia del linguaggio visivo della fotografia, si distinguono diversi periodi del suo sviluppo. All'inizio, a causa dell'inevitabile durata dell'esposizione in passato, i fotografi preferivano riprendere il monumentale, l'immobile (montagne, case). Per i ritratti, le modelle hanno dovuto congelare a lungo. Quelli ritratti nelle fotografie di quel tempo sono tesi, concentrati. Questo primo periodo iniziò nel 1839 e continuò come importante per poco più di un decennio. Il secondo periodo è associato all'emergere della nuova tecnologia fotografica, che ha permesso di ridurre la velocità dell'otturatore da decine di minuti a secondi e allo stesso tempo ampliare sempre di più le possibilità di riflessione un'ampia gamma oggetti della realtà. I fotografi hanno cercato di catturare il tutto il mondo. I viaggiatori-fotografi hanno viaggiato in molti paesi, hanno iniziato a esplorare non solo lo spazio, ma anche le profondità vita pubblica, presentare al pubblico perspicace ritratti psicologici i suoi contemporanei di vari strati sociali in immagini generalizzate. La naturalezza e l'ingegnosità della fotografia hanno creato una freschezza di percezione, affascinata dalla sua semplicità.
Alla fine del XIX - inizio del XX secolo. nella fotografia si sviluppa un metodo associato all'intervento deliberato della mano nella creazione di un'opera: il pittorialismo. È parte integrante dell'innovazione tecnica: la tecnologia a secco. Lo svantaggio di questa tecnologia (mancanza di ricchezza di tonalità) è stato compensato dall'applicazione dell'inchiostro durante la stampa. Quando si crea un'opera, il fotografo e l'artista si uniscono molto spesso in una persona. Il materiale fotografico è stato considerato come un "interlineare" per la traduzione, che richiede lavorazione artistica. L'intonazione manuale offuscava l'immediatezza dell'immagine fotografica. Un tentativo di superare le contraddizioni del pittorialismo è stato fatto da artisti che hanno opposto alla disarmonia e alla rappresentazione una ricchezza di tonalità, una musicalità interiore, che è organicamente inerente alla realtà stessa, e non imposta artificialmente ad essa. Un profondo sentimento umano è stato introdotto nel rapporto delle forme senza alcun montaggio.
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I mezzi tecnici della fotografia hanno ridotto al minimo il costo dello sforzo umano per ottenere un'immagine affidabile: ognuno può catturare l'oggetto scelto. Il lato tecnologico delle riprese è responsabile dell'attrezzatura fotografica. Ci sono tradizioni e parametri specifici dell'artigianato qui. Tuttavia, lo scopo della tecnica è diverso: non garantire il pieno effetto di "imitazione", ma, al contrario, intrusione, deformazione intenzionale del display per evidenziare la natura e il significato del rapporto umano con il visualizzato.
Gli argomenti sulla natura artistica della fotografia sono possibili principalmente in termini di ricerca e affermazione di somiglianze fondamentali con le forme d'arte tradizionali (la fotografia è un'innovazione sintetica della cultura artistica del XX secolo) e in termini di riconoscimento delle caratteristiche fondamentali della fotografia, dei suoi fondamentali differenza dalle forme d'arte tradizionali (la fotografia è una specifica cultura dell'innovazione del XX secolo). Ciascuno di questi aspetti dello studio ha una sua logica interna, e solo la loro combinazione armoniosa, e non l'assolutizzazione dell'uno ignorando l'altro, consente di determinare più o meno oggettivamente le possibilità artistiche e la natura della fotografia. L'abilità artistica dell'opera è evidenziata dall'esperienza della bellezza, dell'armonia, del senso del piacere, dell'effetto dell'influenza personale ed educativa (quest'ultima, tuttavia, è abbastanza difficile da isolare e fissare momentaneamente e concretamente). La specificità della fotografia come forma d'arte è documentaria, l'autenticità dell'immagine, la capacità di perpetuare il momento. Focalizzando l'attenzione sul lavoro fotografico, se ne possono individuare alcuni caratteristiche significative rivelando le caratteristiche della fotografia. Ciascuna delle caratteristiche identificate della fotografia può essere accompagnata da un commento dettagliato. Il compito di definire l'essenza della fotografia come forma d'arte è, in primo luogo, identificare quanto sia possibile astrarre dalla natura del materiale e dirigere la percezione "frontale" per creare un'immagine artistica e, in secondo luogo, quale e funzione culturale svolge questa o quella forma artistica , combinato con un certo materiale, cioè quanto puramente e adeguatamente un'opera artistica sia fissata dall'autocoscienza dell'artista, così come l'opinione pubblica e le forme teoriche di comprensione della vita artistica. La specificità dell'immagine artistica nella fotografia è che essa immagine pittorica valore documentario. La fotografia dà un'immagine che unisce espressività artistica incarnando con certezza e in un'immagine congelata un momento essenziale della realtà. Le famose fotografie che ritraggono il comandante del battaglione che solleva i soldati all'attacco, l'incontro degli eroi della difesa della fortezza di Brest, uniscono il potere artistico e il significato di un documento storico.
L'immagine fotografica, di regola, è un iso-saggio. fatti della vita nella fotografia, quasi senza ulteriori elaborazioni e modifiche, sono stati trasferiti dalla sfera dell'attività alla sfera dell'arte. Tuttavia, la fotografia è in grado di prendere materiale vitale e, per così dire, capovolgere la realtà, costringendoci a vederla e percepirla in un modo nuovo. Il pattern rilevato opera all'intersezione dei suoi significati informativo-comunicativo e comunicativo-artistico: un nudo fatto può essere attribuito alla sfera informativa, ma la sua interpretazione artistica sarà già un fenomeno di ordine diverso. Ed è l'atteggiamento estetico del fotografo nei confronti del fatto filmato che determina il risultato finale e l'effetto dell'immagine.
Considerando la fotografia dal lato artistico, è necessario soffermarsi sulla sua natura documentaristica. La fotografia include e ritratto artistico foto di stampa contemporanee e momentanee (documento) e reportage fotografici. Naturalmente, è impossibile richiedere un'istantanea delle informazioni su ciascun servizio alta arte, ma è anche impossibile vedere solo informazioni video e un documento fotografico in ogni opera altamente artistica. Documentario, autenticità, realtà: questa è la cosa principale nella fotografia. In questa proprietà fondamentale risiede la ragione dell'influenza globale della fotografia sulla cultura moderna. Altre qualità della fotografia, le sue caratteristiche, il loro significato per la cultura nel suo insieme, si cristallizzano confrontando la fotografia e i singoli tipi di arte. Il documentalismo è una qualità che è penetrata per la prima volta nelle arti e nella cultura con l'avvento della fotografia. Essere utilizzato in tipi diversi arte, questa qualità, ogni volta rifratta attraverso la loro specificità, formava qualche nuovo derivato di se stessa. Da altre forme d'arte, questi derivati, arricchendo il documentario, sono tornati alla fotografia, ampliando e arricchendo non solo il fondo della cultura artistica, ma anche le possibilità della pratica estetica della fotografia come forma d'arte. La fotografia non artistica, cioè documentaristica in termini di tecniche utilizzate e giornalistica in termini di funzionalità, oltre al carico informativo, ne porta anche uno estetico. Il fotogiornalismo, come sai, fa appello direttamente al documentario, insito nella fotografia e in tutte le sue varietà dalla nascita. Tuttavia, questa proprietà viene utilizzata in modo diverso a seconda dell'attività. In quei casi in cui si tratta di cronache fotografiche - informazioni coscienziose, esaustive, accurate al protocollo su un evento - l'individualità dell'autore dell'immagine non si rivela. È interamente subordinato alla fissazione del fatto, all'affidabilità ultima del suo riflesso. Un'altra cosa è il fotogiornalismo. Qui il fotografo si occupa anche dei fatti della realtà, però la loro presentazione si svolge fondamentalmente nella visione dell'autore, sono colorati dalla valutazione personale dell'autore. Documentario e arte nel campo della fotografia si fondono, si sovrappongono. In generale, la fotografia moderna esiste nell'unità di tutti i suoi aspetti: ideologico e artistico, semantico ed espressivo, sociale ed estetico.
Alcuni aspetti della fotografia come forma d'arte si manifestano nella scelta del colore, stile artistico, genere, linguaggio pittorico, tecniche specifiche per l'elaborazione di materiali fotografici, l'atteggiamento personale del fotografo nei confronti dell'opera che si sta creando, ecc. Il colore è una delle componenti più importanti della fotografia moderna. È nato nella fotografia sotto l'influenza del desiderio di avvicinare l'immagine fotografica alle forme reali degli oggetti. Il colore rende l'immagine della foto più autentica. Questo fattore ha prima causato la necessità di colorare le cornici e successivamente ha dato impulso allo sviluppo della fotografia a colori. Significativamente qui è l'influenza delle tradizioni della pittura, in cui storicamente crebbe l'uso del colore che forma il significato. Nelle sue più alte realizzazioni, la fotografia artistica ha ripetutamente respinto la tesi che le sue immagini siano statiche. E il colore gioca un ruolo importante in questa negazione dell'immobilità. Sulla base dell'esperienza delle fotografie a colori, possiamo formulare le regole per l'utilizzo del colore nella fotografia. Il primo è scattare a colori solo quando è di fondamentale importanza, quando senza colore è impossibile trasmettere ciò che si intende. La seconda regola: il simbolismo del colore, della luce, il gioco di toni e sfumature, accumulato e accumulato dalla precedente tendenza culturale, l'esperienza delle forme d'arte più antiche - pittura, teatro e successive tecniche correlate - cinema e televisione, può essere efficacemente utilizzato in fotografia. La terza regola: l'uso del contrasto cromatico per creare un contrasto semantico. La fotografia non ha ancora padroneggiato del tutto il colore. Dovrà assorbire tutto palette dei colori pace. Il colore dovrebbe essere dominato esteticamente dalla fotografia e diventare un mezzo non solo dell'immagine, ma anche della comprensione concettuale della realtà.
Lo stile artistico è un problema particolare nella teoria e nella pratica della fotografia. Non è risolto nel quadro della questione dei generi. Nell'aspetto empirico, lo stile è sia pastello, scatti ad acquerello, sia opere fotografiche graficamente rigorose, sia immagini "a olio" generalizzate, fino alla completa imitazione della pittura su tela con mezzi fotografici. Teoricamente, il problema dello stile in estetica è ovviamente poco sviluppato, eppure può essere identificato in relazione alla fotografia. Nella fotografia sono molto evidenti sia la presenza che l'assenza di uno stile artistico. Un filmato naturalistico e documentario dimostrerà scrupolosamente tutte le piccole cose e i dettagli che sono entrati nello spazio dell'obiettivo. Ma sarà un caos di visione disorganizzato. Se un'immagine del genere viene presa dall'angolo di visione dell'autore, artisticamente, decorata stilisticamente, allora risulterà un'opera completamente diversa. La direzione, la natura e la forza della deviazione dell'autore dalla fotografia "specchio", naturalistica, puramente riflessiva determinano lo stile nel lavoro fotografico. Può essere puramente individuale o corrispondente a una certa scuola, tradizione, programma artistico. La caratteristica dello stile fotografico può essere associativa e artistica.
Strettamente correlata al problema dello stile è la questione dell'identità nazionale dell'arte fotografica. Varie tendenze nella fotografia a vari livelli rivelano la dipendenza dal nazionale tradizione culturale. Quindi, ad esempio, la fotografia di reportage o reportage etnografico è direttamente correlata vita culturale persone, con ritmo Vita di ogni giorno, con l'anima del popolo nelle sue manifestazioni quotidiane. Altre tendenze, come quella artistica e costruttiva o decorativa, riproducono il contenuto nazionale in forme artistiche ed esteticamente astratte. Tutti gli stili e i generi della fotografia, tutti i suoi scuole nazionali si basano sulla padronanza specifica del maestro dell'arte del mondo.
Il tempo in una cornice non è univoco, unidimensionale. Qui si distinguono 2 strati principali, che sono, per così dire, fusi sinteticamente. Questi strati sono istantanei e monumentali, che, nonostante la correlazione polare, sono interdipendenti. Il mondo artistico è unito nell'unità armoniosa di tutti i componenti, tutti i dettagli della fotografia artistica.
La fotografia prevede la presenza di un fotografo-artista. Richiede un'attenta selettività, una speciale "visione" personale che permetta di distinguere ciò che è degno di attenzione dall'esterno, casuale, incompleto. Non tutti i fotogrammi catturati diventano un'opera d'arte e, ovviamente, non tutti i film realizzano un lavoro fotografico di successo. Proprio come un artista costantemente, quotidianamente fa schizzi, un fotografo allena il suo occhio, la sua visione fotografica del mondo. Lavoro quotidiano consente di perfezionare la tecnica di esecuzione e sviluppare principi stabili di atteggiamento morale, etico ed estetico nei confronti di possibili oggetti di arte fotografica. Un fotografo deve avere molte qualità. Deve essere uno psicologo, comprendere il carattere della persona ritratta, cogliere il momento della sua auto-rivelazione, essere in grado di trovare un'espressione segreta di sé nella postura, nelle espressioni facciali, nelle espressioni facciali, nello sfondo e nell'angolo di presentazione, al fine di rivelare completamente il suo mondo interiore e il suo atteggiamento nei suoi confronti. Il fotografo deve avere una profonda conoscenza della vita, dei suoi vari aspetti: è impossibile fotografare in maniera altamente artistica la colata dell'acciaio in una bottega a focolare aperto senza immaginare, almeno in termini generali, la tecnologia di questo processo, la il fotografo deve essere un ricercatore. Lavorando in modo sistematico e coerente sul tema, creando un ciclo di opere, il maestro non si limita a catturare momenti documentari che alla fine si trasformano in valore storico. Non solo crea una banca informativa di dati pittorici, che, a seconda del sociologico, etnografico, carattere storico può essere utilizzato in diversi modi. Non solo crea un'opera d'arte, ma agisce anche come ricercatore di un determinato argomento, utilizzando una forma epistemologica così interessante e ricca come la fotografia. Allo stesso tempo si trasforma in un metodo di conoscenza artistica e di valutazione del fenomeno filmato.
Nel volto del fotografo, un uomo di tecnologia ed estetica, un uomo che ama la precisione, la chiarezza e un uomo colto da un impeto di ispirazione, un uomo di sentimento e contemplazione, capace di vedere immagini e armonia, devono essere uniti e sintetizzato, il fotografo funge da cronista dell'epoca, che gli impone una responsabilità speciale. Davanti a lui si apre un campo non edificato, in cui è necessario tracciare percorsi e percorsi, contrassegnare aree delimitate da vari funzionalità fotografie. L'estetica non dà all'artista una ricetta e non garantisce il successo. Fornisce solo linee guida per la ricerca, il cui risultato, in ultima analisi, dipende dal talento e dal lavoro dell'autore. Nella fase finale processo creativo L'estetica aiuta a sviluppare un apprezzamento artistico dell'immagine.
La critica gioca un ruolo importante nello sviluppo della fotografia, compreso il pensiero teorico e critico degli stessi fotografi. La critica e la teoria, purché autorevoli e competenti, possono fermare le dispute dilettantistiche che interferiscono e distraggono sia i fotografi che gli spettatori. Per la fotocritica, è importante considerare in modo completo la fotografia come un fenomeno socio-artistico. Alcuni aspetti di analisi critica sono: la sociologia della fotografia (la fotografia come documento dell'epoca, il fotogiornalismo, metodo di comunicazione interpersonale e mezzo di comunicazione di massa, un esordio giornalistico nella fotografia, su questa base si possono trovare e sviluppare criteri di il significato sociale di un'opera fotografica); studi culturali della fotografia (la fotografia come fenomeno della cultura moderna e il suo posto nel sistema dei valori culturali; i criteri sono definiti in quest'area significato culturale opere fotografiche); psicologia della fotografia (la fotografia come memoria visiva fissa e fattore di "presenza" dell'assente, questo aspetto aiuta a sviluppare un criterio di significato personale); epistemologia della fotografia (la scelta di un oggetto e la specificità del suo riflesso nella fotografia, incondizionato e condizionale nella fotografia, "avvicinamento" e "distanza" dalla realtà nella fotografia; problemi di verosimiglianza sono collegati a questo - i criteri dell'arte, della verità ); assiologia della fotografia (la possibilità di un atteggiamento soggettivo nei confronti dell'oggetto in fotografia, i problemi di valutazione del raffigurato; a questo livello si formano i criteri per valutare l'abilità artistica); semiotica della fotografia (il linguaggio della fotografia, il suo alfabeto, la morfologia, la sintassi, la grammatica; qui si determinano i criteri per il contenuto informativo); estetica della fotografia (la fotografia come fenomeno estetico, le possibilità figurative e artistiche della fotografia, la ricchezza estetica del mondo e il suo sviluppo artistico nella fotografia, è qui che si esprimono i criteri del significato estetico).
Tenere in considerazione vari aspetti fotografia d'arte, puoi formulare la sua essenza, provare a definire la fotografia. L'arte fotografica è la creazione con mezzi chimici e tecnici di un'immagine visiva di valore documentario, artisticamente espressiva e che cattura autenticamente un momento essenziale della realtà in un'immagine congelata. Nella fotografia si sono cristallizzate diverse tendenze ben definite: etnografico-sociologica, reportage, manifesto-pubblicitario, artistico-costruttiva, decorativa, simbolico-concettuale, impressionista. Ognuna di queste direzioni svolge una sua funzione culturale e comunicativa specifica e ben definita. Queste direzioni non si escludono a vicenda. Lo stesso fotografo, di regola, lavora in molti di essi. È molto importante tenere presente la semifunzionalità della fotografia artistica, in modo che, ad esempio, la sua funzione artistica e costruttiva non escluda quella etnografica e sociologica, e viceversa, in modo che la concettualità della fotovisione vada di pari passo con la tradizione nazionale. Come ogni tipo di arte, la fotografia è soggetta alle leggi generali dello sviluppo delle arti, della coscienza e della visione artistica del mondo. L'immagine artistica cresce storicamente sulla base della realtà percepita empiricamente e riflette la formazione e lo sviluppo della mediazione culturale e semantica tra l'artista e il mondo esterno.
Lo sviluppo di qualsiasi tipo di arte può essere visto come autocoscienza propria funzione culturale, cioè come la formazione dell'autocoscienza artistica all'interno di un certo tipo di arte. Per la fotografia ciò significa che, a contatto con la realtà moderna in linea con la fotografia etnografico-sociologica, di reportage, di cartellonistica, l'artista-fotografo continua necessariamente a sviluppare e ad approfondire immagine artistica nell'ambito della fotografia simbolico-concettuale. In questo senso, la fotografia concettuale è, per così dire, il risultato di quella vita artistica ed esperienza personale, grazie alla quale il fotografo diventa un maestro e crea valori duraturi. Ma ne consegue qualcos'altro: tutte le direzioni e i generi della fotografia artistica costituiscono la specificità integrale della fotografia come forma d'arte, e solo attraverso la comprensione delle caratteristiche e delle possibilità artistiche di ciascuno di essi è possibile creare un'idea cumulativa e integrale di la fotografia come nuova, forma moderna arte, per certi versi tipica della comprensione esistente dell'arte, e per certi versi introducendo i propri adattamenti storici e semantici alla comprensione del sistema, delle relazioni e delle funzioni delle forme d'arte sia nel quadro della cultura artistica che nel quadro della moderna cultura in generale.
