"Notturni. Debussy
Debussy. "Notturni"
"Nuvole"
Composizione dell'orchestra: 2 flauti, 2 oboi, corno inglese, 2 clarinetti, 2 fagotti, 4 corni, timpani, arpa, archi.
"Celebrazioni"
Composizione dell'orchestra: 3 flauti, ottavino, 2 oboi, corno inglese, 2 clarinetti, 3 fagotti, 4 corni, 3 trombe, 3 tromboni, tuba, 2 arpe, timpani, rullante (lontano), piatti, archi.
"Sirene"
Composizione dell'orchestra: 3 flauti, 2 oboi, corno inglese, 2 clarinetti, 3 fagotti, 4 corni, 3 trombe, 2 arpe, archi; coro femminile (8 soprani e 8 mezzosoprani).
Storia della creazione
Non ancora terminato il suo primo lavoro sinfonico maturo" Pomeriggio di un fauno”, Debussy nel 1894 concepì i “Notturni”. Il 22 settembre scrive in una lettera: “Sto lavorando a tre Notturni per violino solo e orchestra; l'orchestra del primo è rappresentata da archi, la seconda da flauti, quattro corni, tre flauti e due arpe; l'orchestra del terzo combina entrambi. In generale si tratta di una ricerca delle varie combinazioni che lo stesso colore può dare, come, ad esempio, nel dipingere uno studio sui toni del grigio. Questa lettera è indirizzata a Eugène Ysaye, il famoso violinista belga, fondatore del quartetto d'archi, che fu il primo a suonare il Debussy Quartet l'anno precedente. Nel 1896, il compositore affermò che i "Notturni" erano stati creati appositamente per Izaya - "la persona che amo e ammiro ... Solo lui può eseguirli. Se lo stesso Apollo me li chiedesse, lo rifiuterei! Tuttavia, già dentro l'anno prossimo l'idea cambia, e da tre anni Debussy lavora a tre "Notturni" per Orchestra Sinfonica.
Riferisce del loro completamento in una lettera del 5 gennaio 1900 e scrive nello stesso luogo: “Mademoiselle Lily Texier ha cambiato il suo nome dissonante nella molto più armoniosa Lily Debussy ... È incredibilmente bionda, bella, come nelle leggende, e aggiunge a questi doni che non è affatto nello "stile moderno". Ama la musica... solo secondo la sua immaginazione, la sua canzone preferita è il ballo rotondo, dove noi stiamo parlando su un piccolo granatiere con una faccia rubiconda e un cappello su un lato. La moglie del compositore era una modella, figlia di un minore impiegato di provincia, per il quale accese nel 1898 una passione che lo spinse quasi al suicidio l'anno successivo, quando Rosalia decise di separarsi da lui.
La prima di "Notturni", che ebbe luogo a Parigi ai Lamoureux Concerts il 9 dicembre 1900, non fu completata: poi, sotto la direzione di Camille Chevillard, suonarono solo "Nuvole" e "Festività", e "Sirene" si unirono loro un anno dopo, il 27 dicembre 1901 . Questa pratica di esibizioni separate è stata preservata un secolo dopo: l'ultimo "Notturno" (con un coro) suona molto meno frequentemente.
Il programma Notturni è noto dallo stesso Debussy:
Il titolo "Notturni" ha un significato più generale, e soprattutto più decorativo. Qui il punto non è nella forma abituale del notturno, ma in tutto ciò che questa parola contiene dall'impressione e sensazione di luce.
"Clouds" è un'immagine immobile del cielo con nuvole grigie che fluttuano e si sciolgono lentamente e malinconia; allontanandosi, si spengono, leggermente tinte di luce bianca.
"Celebrations" è un movimento, un ritmo danzante dell'atmosfera con esplosioni di luce improvvise, è anche un episodio di una processione (visione abbagliante e chimerica) che attraversa la festa e si fonde con essa; ma lo sfondo rimane sempre: questa è una vacanza, questo è un misto di musica con polvere luminosa, che fa parte del ritmo generale.
“Sirens” è il mare e il suo ritmo infinitamente vario; tra le onde inargentate dalla luna si alza, si sgretola di risate e si toglie il misterioso canto delle sirene.
Allo stesso tempo, le spiegazioni di altri autori sono state conservate. Riguardo a Clouds, Debussy ha detto ai suoi amici che era “uno sguardo da un ponte alle nuvole sospinte da un temporale; il movimento di un battello a vapore lungo la Senna, il cui fischio è ricreato da un breve tema cromatico di un corno inglese. Le "celebrazioni" resuscitano "la memoria degli antichi divertimenti della gente nel Bois de Boulogne, illuminata e inondata di folla; il trio di trombe è la musica della guardia repubblicana che suona l'aurora." Secondo un'altra versione, qui si riflettono le impressioni dell'incontro dell'imperatore russo Nicola II nel 1896 da parte dei parigini.
Sorgono molti parallelismi con i dipinti degli artisti impressionisti francesi che amavano dipingere l'aria che scorre, la brillantezza delle onde del mare e la variegatura della folla in festa. Il titolo stesso "Notturni" trae origine dal nome dei paesaggi dell'artista preraffaellita inglese James Whistler, a cui il compositore si interessò in gioventù, quando, dopo essersi diplomato al conservatorio con il Premio Roma, visse in Italia , presso Villa Medici (1885-1886). Questa passione è continuata fino alla fine della sua vita. Le pareti della sua stanza erano decorate con riproduzioni a colori dei dipinti di Whistler. Dall'altro lato, critici francesi ha scritto che i tre "Notturni" di Debussy sono una registrazione sonora di tre elementi: aria, fuoco e acqua, o un'espressione di tre stati: contemplazione, azione ed estasi.
Musica
« Nuvole” sono dipinti con sottili colori impressionistici di una piccola orchestra (vengono usati solo corni di rame). L'instabile sfondo cupo è creato dall'oscillazione misurata dei legni, che formano fantasiose armonie scorrevoli. Il timbro peculiare del corno inglese esalta l'inconsuetudine modale del breve motivo principale. Il colore si ravviva nella sezione centrale, dove l'arpa entra per la prima volta. Insieme al flauto conduce un tema pentatonico nell'ottava, come saturo d'aria; è ripetuto da violino solo, viola, violoncello. Poi ritorna la cupa melodia del corno inglese, sorgono echi di altri motivi - e tutto sembra fluttuare in lontananza, come nuvole che si sciolgono.
« Festeggiamenti» forma un netto contrasto: la musica è impetuosa, piena di luce e movimento. Il suono volante di strumenti a corda e in legno è interrotto da sonore esclamazioni di ottoni, tremolo timpani e spettacolari glissando di arpe. Un nuovo quadro: sullo stesso sfondo danzante dell'oboe a corde conduce un tema fervente, ripreso da altri strumenti a fiato in un'ottava. All'improvviso tutto si rompe. Da lontano si avvicina un corteo (tre trombe con sordina). Il rullante finora silenzioso (in lontananza) e gli ottoni bassi entrano, costruendo un climax assordante del tutti. Quindi ritornano passaggi leggeri del primo tema e altri motivi tremolano, finché i suoni della festa svaniscono.
IN " Sirene"di nuovo, come in "Nuvole", domina ritmo lento, ma l'atmosfera qui non è crepuscolare, ma illuminata dalla luce. La risacca schizza silenziosamente, le onde si infrangono e in questo tonfo si possono distinguere le voci seducenti delle sirene; accordi ripetuti senza parole in piccoli gruppi coro femminile completa il suono dell'orchestra con un altro colore bizzarro. I motivi più piccoli di due note variano, crescono, si intrecciano polifonicamente. Riecheggiano i temi dei Notturni precedenti. Nella parte centrale le voci delle sirene si fanno più insistenti, la loro melodia più estesa. La variante alle trombe si avvicina inaspettatamente al tema del corno inglese di Clouds, e la somiglianza è ancora più forte nell'appello di questi strumenti. Alla fine il canto delle sirene si affievolisce, mentre le nuvole si dissolvono e i suoni della festa si dissolvono in lontananza.
A. Königsberg
MKOU "Scuola secondaria Novousmanskaya n. 4"
Lezione di musica
nella 7a elementare
Dipinto sinfonico "Celebrazioni" di C. Debussy.
Concerto strumentale.
MKOU "Scuola secondaria Novousmanskaya n. 4"
Makukhina Marina Nikolaevna
Con. Nuovo Usman
anno 2014
Argomento della lezione: quadro sinfonico "Celebrazioni" di C. Debussy.
DIAPOSITIVA 1
Scopo di questa lezione:
Arricchimento culturale e mondo spirituale bambini, attraverso il patrimonio musicale, letterario e artistico dei popoli del mondo.
Compiti:
Usando Tecnologie informatiche rivelare la diversità e la ricchezza della cultura dei popoli.
Sviluppo di interessi versatili in vari campi delle arti, educazione dell'amore e rispetto per la musica, la letteratura e patrimonio artistico altri popoli, per gettare le basi per la percezione estetica della vita circostante.
Arricchimento del mondo spirituale dei bambini. Educazione del loro gusto musicale, artistico ed estetico.
DIAPOSITIVA 2
Piano della lezione:
N. p / p
Fasi della lezione
Tempo, min.
Preparazione all'assimilazione attiva e consapevole di nuovo materiale.
Formazione della conoscenza. Presentazione di nuovo materiale, sia musicale che letterario
Lavoro pratico
Consolidamento di nuove conoscenze
Canzone "Estate arancione"
Riassumendo
DIAPOSITIVA 3
Insegnante: Ragazzi, cosa vedete sullo schermo?
Alunni: Cornice
Insegnante: Qual è lo scopo di questa cornice?
Alunni: Questa è una cornice.
Insegnante: Come puoi chiamare le immagini in modo diverso?
Alunni: Pittura
Insegnante: Come puoi chiamare pittura e musica?
Allievi: art.
Insegnante: Per favore, dia una definizione: che cos'è l'arte?
Alunni: L'arte è il processo e il risultato di un'espressione significativa di sentimenti in un'immagine.
L'arte è una delle forme di coscienza sociale, parte integrante di...
La musica può essere vista e l'arte può essere ascoltata. La pittura esprimerà ciò che non si può dire a parole, rivelerà le sfumature più sottili dell'animo umano. Insegnante: Quindi, la nostra lezione può essere chiamata, non solo musica?
DIAPOSITIVA 4
Alunni: "Musica pittoresca"
DIAPOSITIVA 5
Traguardi e obbiettivi; creare un'atmosfera di coinvolgimento e interesse in classe. Sviluppare le capacità di analisi musicale olistica. Invita i bambini a esprimere il loro stato d'animo attraverso la musica che hanno ascoltato. Evidenzia le intonazioni per rivelare l'immagine dell'opera. Risvegliare la creatività.
Formare negli studenti una percezione emotivamente consapevole dell'immagine musicale.
Insegnante: La musica ha direzioni diverse. Quali STILI MUSICALI conosci?
Studenti:
2 Musica sacra
3 indiano musica classica
4 Musica classica araba
5 Musica classica europea
6 Musica latinoamericana
7 blu
8 R&B
9 Jazz
10 Paese
13 Roccia
14 Pop
15 rap (hip-hop)
16. Folclore
17. Classico, ecc.
DIAPOSITIVA 6
Ascoltando la musica "Celebrazioni" - Claude Debussy
DIAPOSITIVA 7
Insegnante: chi conosce quest'opera e l'autore7
Alunni: "Celebrazioni" di Claude Debussy
Insegnante: Achille-Claude Debussy - Compositore francese, critico musicale.
Nel 1872, all'età di dieci anni, Claude entrò al Conservatorio di Parigi. Nella classe di pianoforte, ha studiato con famoso pianista e l'insegnante Albert Marmontel, nella classe elementare di solfeggio - con l'eminente tradizionalista Albert Lavignac, e lo stesso Cesar Franck gli insegnò l'organo. Debussy ha studiato con successo al conservatorio, anche se da studente non ha brillato con niente di speciale. Solo nel 1877 i professori apprezzarono il talento pianistico di Debussy, assegnandogli un secondo premio per l'esecuzione della sonata di Schumann.
Debussy iniziò a studiare sistematicamente composizione solo nel dicembre 1880 con un professore, membro dell'Accademia di Belle Arti, Ernest Guiraud. Sei mesi prima di entrare nella classe di Guiro, Debussy si recò in Svizzera e in Italia come pianista e insegnante di musica nella famiglia di una ricca filantropa russa Nadezhda von Meck. Debussy trascorse le estati del 1881 e del 1882 vicino a Mosca, nella sua tenuta Pleshcheyevo. La comunicazione con la famiglia von Meck e il soggiorno in Russia hanno avuto un effetto benefico sullo sviluppo del giovane musicista. A casa sua, Debussy ha conosciuto la nuova musica russa di Čajkovskij, Borodin, Balakirev e compositori a loro vicini.
DIAPOSITIVA 8
La composizione di Debussy "Moonlight" brilla d'amore. Claude Debussy generalmente amava la luce del satellite argenteo della Terra. Scriveva meglio nelle notti di luna.
Il compositore N. Ya Moskovsky ha scritto del lavoro di Debussy: "... Nei momenti in cui lui (Debussy) si impegna a catturare la sua percezione della natura, accade qualcosa di incomprensibile: una persona scompare, come se si dissolvesse o si trasformasse in un inafferrabile granello di polvere , e regna su tutto come l'eterna, immutabile, immutabile, pura e silenziosa, la natura stessa che consuma tutto, tutte queste "nuvole" silenziose e scorrevoli, soffici trabocchi e sollevamenti di "onde che giocano", fruscii e fruscii di "danze primaverili ", dolci sussurri e languidi sospiri del vento che parla al mare - Non è questo il vero respiro della natura! E l'artista che ricrea la natura nei suoni non è un grande artista, un poeta eccezionale?
La sua musica si basa su immagini visive, piene di giochi di chiaroscuro, trasparenti, come colori senza peso che creano la sensazione di punti sonori.
L'influenza della pittura sui compositori è stata così grande che ha dato a molte delle sue composizioni nomi associati belle arti: "Stampe", "Schizzi", ecc. Capire come un'orchestra può disegnare immagini pittoresche è venuto a C. Debussy in gran parte dal compositore russo N. Rimsky-Korsakov.
Debussy non è stato solo uno dei compositori francesi più significativi, ma anche una delle figure più significative della musica a cavallo tra il XIX e il XX secolo; la sua musica rappresenta una forma di transizione dalla musica tardo romantica al modernismo nella musica del XX secolo.
Insegnante: Ragazzi, quali altri compositori conoscete:
Allievi: Ciajkovskij, Liszt, Glinka, Bach, Beethoven, Chopin, Mozart, Shostakovich, Schnittke e altri.
Insegnante? Cosa sai opere musicali?
Alunni: "Il lago dei cigni", "Lo schiaccianoci", la Sinfonia di Leningrado - "l'invasione dei nazisti durante il Grande Guerra patriottica”, “Chiaro di luna”, “Stagioni”. "Valzer" e altri.
Insegnante: Puoi definire la musica?
Alunni: La musica è ritmo, suono, tempo…… La musica è necessaria per l'anima.
DIAPOSITIVA 9
Ascoltando la musica "Moonlight" di Claude Debussy
DIAPOSITIVA 10 - 16
Insegnante: Quando hai ascoltato la musica, hai immaginato qualcosa? Forse hai visto colori, vernici o qualcos'altro?
Le risposte sono varie. Dai toni caldi a quelli più freddi, dal bianco al nero.
Insegnante: Ragazzi, tutto ciò che abbiamo appena sentito può essere rappresentato?
Studenti: Sì.
Insegnante: ORA FAREMO UN PICCOLO LAVORO PRATICO. Descrivi ciò che ora hai SENTITO. Dividiamoci in tre gruppi. Alcuni lavorano con guazzo. Altri lavorano con inchiostro e filo. Altri ancora lavorano con carta colorata, cartoncino e colla. Andiamo a lavorare.
Protezione del lavoro.
DIAPOSITIVA 17
Melodeclamazione di poesie alla musica di C. Debussy
"Al chiaro di luna"
Nei momenti di tristezza nell'ora della notte
Stanco delle avversità
Non nella vanità delle gioie mondane,
Nella pace cerchi la felicità.
Dimentica, fondendoti con il silenzio,
Buttare via tutto ciò che è terreno
Solo con la tristezza da solo
Parla con Luna.
Luna, ecco perché ti amo
Cosa c'è solo al chiaro di luna
Mi dimentico dell'inverno
E penso a Lete.
Carnefice della mia mente
Severa, ma bella: la Luna!
io, guardandola,
Sto perdendo la testa.
La luna turba e attrae,
E, sciogliendosi al chiaro di luna,
Mi riposo dalle preoccupazioni
Dimenticare il passato.
Il luminare notturno diverte lo sguardo
Sono ubriaco di sogni
E nel tessuto dei sogni al chiaro di luna
Si riversa, intrecciandosi -
Tessitura in un velo sottile
Dal pizzo senza peso...
Rumore. Le porte scricchiolano.
Mi sono bloccato di nuovo, non trovandomi.
"Chiaro di luna"
Vladimir Vodnev
Dammi una pietra di luna
Dammi il chiaro di luna!
Colpi leggermente evidenti
Disegno la luce della luna
Quello che si riversa sul terreno da secoli
Quello più vicino a tutti i pianeti.
Lascia che sia già cantato più di una volta,
Ma ancora invitante
E affascina tutti i poeti
Il colore pallido delle sue guance.
Solo se siamo soli
(Già controllato più di una volta!) -
L'umore si solleverà
La luce dei suoi occhi freddi.
E guidato dall'insonnia
Sia artista che poeta
Disegna per la persona amata
Chiaro di luna d'argento.
Non c'è regalo migliore
Nella notte di una breve primavera
Cielo stellato sotto l'arco -
Lo sguardo della luna ammaliante...
"NOTTE DI LUNA"
E ancora la sera sostituisce la notte,
L'oscurità circonda il mondo
E inizia il sentiero del paradiso
Luna Viandante Notturna.
Di anno in anno, riecheggiando la stessa strada,
Lei illumina debolmente l'oscurità,
E la sua luce è compresa solo da pochi,
Chi potrebbe comprendere la bellezza della natura.
La luce della luna è fioca, ma non ne valiamo la pena
Per incolpare la sua innocente per quel peccato,
Buia notte terrena, ma ancora,
In esso, senza la luna, non puoi vedere proprio niente.
Ci siamo talmente abituati che ci siamo fermati
La sua campagna celeste da notare
Solo gli eletti, chiamando con loro in lontananza,
Non ha mai smesso di stupire.
E c'è qualcosa al chiaro di luna,
Che non riuscivo a capire
Non c'è da stupirsi che gli amanti amino così tanto
Per fissare date al chiaro di luna.
DIAPOSITIVA 18 - 19
Insegnante:
E alle dieci, alle sette e alle cinque
Tutti i bambini amano disegnare.
E tutti disegnano coraggiosamente
Tutto ciò che lo interessa.
Tutto è interessante:
Lontano spazio, vicino alla foresta,
Fiori, macchine, fiabe, balli...
Disegniamo tutto!
Ci sarebbero i colori
Sì, un pezzo di carta sul tavolo
Sì, pace in famiglia e sulla Terra.
DIAPOSITIVA 20 - 21
Insegnante: Facciamo un quiz. Scopriamo la risposta corretta.
Insegnante: Ragazzi, ora vorrei davvero sapere: che novità avete imparato oggi nella lezione?
Risposte degli studenti.
Insegnante: Riesci a vedere la canzone?
Studenti: Sì.
Insegnante: Cos'è un penny?
DIAPOSITIVA 22
Alunni: Una canzone è un ponte tra poesia e musica.
DIAPOSITIVA 23 - 31
Insegnante: Facciamo un po' di riscaldamento con te. E finiremo la nostra lezione con una canzone meravigliosa. "Pianeta arancione"
Riassumendo.
DIAPOSITIVA 32
Insegnante: Grazie per la lezione.
Claude Achille Debussy nasce il 22 agosto 1862 a Saint-Germain, Parigi. I suoi genitori - piccoli borghesi - amavano la musica, ma erano lontani dalla vera arte professionale. Le impressioni musicali casuali della prima infanzia hanno contribuito poco sviluppo artistico futuro compositore. Le più sorprendenti di queste erano le rare visite all'opera. Solo all'età di nove anni Debussy iniziò a imparare a suonare il pianoforte. Su insistenza di un pianista vicino alla loro famiglia, che riconobbe le straordinarie capacità di Claude, i suoi genitori lo mandarono nel 1873 al Conservatorio di Parigi.
Gli studi diligenti dei primi anni hanno portato a Debussy i premi annuali di solfeggio. Nelle lezioni di solfeggio e accompagnamento, ha mostrato il suo interesse per nuove svolte armoniche, ritmi vari e complessi.
Il talento di Debussy si è sviluppato molto rapidamente. Già nei suoi anni da studente, il suo modo di suonare si distingueva per contenuto interiore, emotività, rara varietà e ricchezza della tavolozza sonora. Ma l'originalità del suo stile esecutivo, privo di virtuosismi e genialità esterni alla moda, non ha trovato il dovuto riconoscimento né da parte degli insegnanti del conservatorio né dei suoi coetanei. Per la prima volta, il suo talento fu premiato solo nel 1877 per l'esecuzione della sonata di Schumann.
I primi seri scontri con i metodi esistenti di insegnamento del conservatorio si sono verificati con Debussy nella classe di armonia. Solo il compositore E. Guiraud, per il quale Debussy ha studiato composizione, è veramente intriso delle aspirazioni del suo allievo e ha scoperto la loro somiglianza nelle visioni artistiche ed estetiche e nei gusti musicali.
Notturni
"Nuvole"
Composizione dell'orchestra: 2 flauti, 2 oboi, corno inglese, 2 clarinetti, 2 fagotti, 4 corni, timpani, arpa, archi.
"Celebrazioni"
Composizione dell'orchestra: 3 flauti, ottavino, 2 oboi, corno inglese, 2 clarinetti, 3 fagotti, 4 corni, 3 trombe, 3 tromboni, tuba, 2 arpe, timpani, rullante (lontano), piatti, archi.
"Sirene"
Composizione dell'orchestra: 3 flauti, 2 oboi, corno inglese, 2 clarinetti, 3 fagotti, 4 corni, 3 trombe, 2 arpe, archi; coro femminile (8 soprani e 8 mezzosoprani).
Storia della creazione
Non avendo ancora completato la sua prima opera sinfonica matura, Il pomeriggio di un fauno, Debussy concepì i Notturni nel 1894. Il 22 settembre scrive in una lettera: “Sto lavorando a tre Notturni per violino solo e orchestra; l'orchestra del primo è rappresentata da archi, la seconda da flauti, quattro corni, tre flauti e due arpe; l'orchestra del terzo combina entrambi. In generale si tratta di una ricerca delle varie combinazioni che lo stesso colore può dare, come, ad esempio, nel dipingere uno studio sui toni del grigio. Questa lettera è indirizzata a Eugène Ysaye, il famoso violinista belga, fondatore del quartetto d'archi, che fu il primo a suonare il Debussy Quartet l'anno precedente. Nel 1896, il compositore affermò che i "Notturni" erano stati creati appositamente per Izaya - "la persona che amo e ammiro ... Solo lui può eseguirli. Se lo stesso Apollo me li chiedesse, lo rifiuterei! Tuttavia, l'anno successivo l'idea cambia e da tre anni Debussy lavora a tre "Notturni" per un'orchestra sinfonica.
Riferisce del loro completamento in una lettera del 5 gennaio 1900 e scrive nello stesso luogo: “Mademoiselle Lily Texier ha cambiato il suo nome dissonante nella molto più armoniosa Lily Debussy ... È incredibilmente bionda, bella, come nelle leggende, e aggiunge a questi doni che non è affatto nello "stile moderno". Ama la musica ... solo secondo la sua immaginazione, la sua canzone preferita è una danza rotonda, che parla di un piccolo granatiere con una faccia rubiconda e un cappello su un lato. La moglie del compositore era una modella, figlia di un minore impiegato di provincia, per il quale accese nel 1898 una passione che lo spinse quasi al suicidio l'anno successivo, quando Rosalia decise di separarsi da lui.
La prima di "Notturni", che ebbe luogo a Parigi ai Lamoureux Concerts il 9 dicembre 1900, non fu completata: poi, sotto la direzione di Camille Chevillard, suonarono solo "Nuvole" e "Festività", e "Sirene" si unirono loro un anno dopo, il 27 dicembre 1901 . Questa pratica di esibizioni separate è stata preservata un secolo dopo: l'ultimo "Notturno" (con un coro) suona molto meno frequentemente.
Il programma Notturni è noto dallo stesso Debussy:
Il titolo "Notturni" ha un significato più generale, e soprattutto più decorativo. Qui il punto non è nella forma abituale del notturno, ma in tutto ciò che questa parola contiene dall'impressione e sensazione di luce.
"Clouds" è un'immagine immobile del cielo con nuvole grigie che fluttuano e si sciolgono lentamente e malinconia; allontanandosi, si spengono, leggermente tinte di luce bianca.
"Celebrations" è un movimento, un ritmo danzante dell'atmosfera con esplosioni di luce improvvise, è anche un episodio di una processione (visione abbagliante e chimerica) che attraversa la festa e si fonde con essa; ma lo sfondo rimane sempre: questa è una vacanza, questo è un misto di musica con polvere luminosa, che fa parte del ritmo generale.
“Sirens” è il mare e il suo ritmo infinitamente vario; tra le onde inargentate dalla luna si alza, si sgretola di risate e si toglie il misterioso canto delle sirene.
Allo stesso tempo, le spiegazioni di altri autori sono state conservate. Riguardo a Clouds, Debussy ha detto ai suoi amici che era “uno sguardo da un ponte alle nuvole sospinte da un temporale; il movimento di un battello a vapore lungo la Senna, il cui fischio è ricreato da un breve tema cromatico di un corno inglese. Le "celebrazioni" resuscitano "la memoria degli antichi divertimenti della gente nel Bois de Boulogne, illuminata e inondata di folla; il trio di trombe è la musica della guardia repubblicana che suona l'aurora." Secondo un'altra versione, qui si riflettono le impressioni dell'incontro dell'imperatore russo Nicola II nel 1896 da parte dei parigini.
Sorgono molti parallelismi con i dipinti degli artisti impressionisti francesi che amavano dipingere l'aria che scorre, la brillantezza delle onde del mare e la variegatura della folla in festa. Il titolo stesso "Notturni" trae origine dal nome dei paesaggi dell'artista preraffaellita inglese James Whistler, a cui il compositore si interessò in gioventù, quando, dopo essersi diplomato al conservatorio con il Premio Roma, visse in Italia , presso Villa Medici (1885-1886). Questa passione è continuata fino alla fine della sua vita. Le pareti della sua stanza erano decorate con riproduzioni a colori dei dipinti di Whistler. D'altra parte, i critici francesi hanno scritto che i tre "Notturni" di Debussy sono una registrazione sonora di tre elementi: aria, fuoco e acqua, o un'espressione di tre stati: contemplazione, azione ed estasi.
Musica
« Nuvole” sono dipinti con sottili colori impressionistici di una piccola orchestra (vengono usati solo corni di rame). L'instabile sfondo cupo è creato dall'oscillazione misurata dei legni, che formano fantasiose armonie scorrevoli. Il timbro peculiare del corno inglese esalta l'inconsuetudine modale del breve motivo principale. Il colore si ravviva nella sezione centrale, dove l'arpa entra per la prima volta. Insieme al flauto conduce un tema pentatonico nell'ottava, come saturo d'aria; è ripetuto da violino solo, viola, violoncello. Poi ritorna la cupa melodia del corno inglese, sorgono echi di altri motivi - e tutto sembra fluttuare in lontananza, come nuvole che si sciolgono.
« Festeggiamenti» forma un netto contrasto: la musica è impetuosa, piena di luce e movimento. Suono di volo di archi e strumenti di legno interrotto da sonore esclamazioni di ottoni, tremolo timpani e spettacolari glissando di arpe. Un nuovo quadro: sullo stesso sfondo danzante dell'oboe a corde conduce un tema fervente, ripreso da altri strumenti a fiato in un'ottava. All'improvviso tutto si rompe. Da lontano si avvicina un corteo (tre trombe con sordina). Il rullante finora silenzioso (in lontananza) e gli ottoni bassi entrano, costruendo un climax assordante del tutti. Quindi ritornano passaggi leggeri del primo tema e altri motivi tremolano, finché i suoni della festa svaniscono.
IN " Sirene"Ancora una volta, come nelle Nuvole, prevale un ritmo lento, ma l'atmosfera qui non è crepuscolare, ma illuminata dalla luce. La risacca schizza silenziosamente, le onde si infrangono e in questo tonfo si possono distinguere le voci seducenti delle sirene; accordi ripetuti senza parole di un piccolo gruppo di coro femminile completano il suono dell'orchestra con un altro colore stravagante. I motivi più piccoli di due note variano, crescono, si intrecciano polifonicamente. Riecheggiano i temi dei Notturni precedenti. Nella parte centrale le voci delle sirene si fanno più insistenti, la loro melodia più estesa. La variante alle trombe si avvicina inaspettatamente al tema del corno inglese di Clouds, e la somiglianza è ancora più forte nell'appello di questi strumenti. Alla fine il canto delle sirene si affievolisce, mentre le nuvole si dissolvono e i suoni della festa si dissolvono in lontananza.
A. Königsberg
Prélude à l "après-midi d" un faune
Composizione dell'orchestra: 3 flauti, 2 oboi, corno inglese, 2 clarinetti, 2 fagotti, 4 corni, piatti antichi, 2 arpe, archi.
Storia della creazione
The Afternoon of a Faun è la prima opera sinfonica di Debussy, in cui il suo stile impressionista individuale è perfettamente espresso; si ispira all'omonima ecloga di Stéphane Mallarmé (1842-1898). Il poeta francese, capostipite della scuola simbolista, che univa intorno a sé giovani poeti e artisti impressionisti, scrisse questo lungo poema su un'antica trama mitologica nel lontano 1865-1866 (fu pubblicato 10 anni dopo), forse ispirato a un dipinto di l'artista francese del XVIII secolo Boucher della National Gallery di Londra. Lo stile poetico di Mallarmé - volutamente complesso, incomprensibile, allegorico - si distingue allo stesso tempo per la luminosità sensuale delle immagini, l'eleganza del gusto, la percezione raffinata e gioiosa della vita. Lo stesso Mallarmé paragonava la sua poesia alla musica: si sforzava che le sue frasi, arrangiate in un certo modo, colpissero poeticamente il lettore, come i suoni della musica sull'ascoltatore.
L'egloga "Pomeriggio di un fauno" era destinata al famoso attore francese Coquelin Sr. - per la recitazione, illustrata da danze. Debussy, che conobbe l'egloga nel 1886, decise di integrare la lettura con una composizione in tre parti: preludio, interludio e finale (parafrasi). Tuttavia, il significato del poema era completamente esaurito già nel preludio, senza richiedere la continuazione. Sentendolo per la prima volta nell'esibizione dell'autore al pianoforte, Mallarmé ne fu felicissimo: “Non mi aspettavo niente del genere! Questa musica continua l'atmosfera della mia poesia e la completa in modo più vivido dei colori.
Il programma sopravvissuto è probabilmente di Debussy: "La musica di questo Preludio è un'illustrazione molto libera del bel poema di Mallarmé. Non pretende affatto di essere una sintesi del poema. Si tratta piuttosto di paesaggi che si susseguono, tra i quali aleggiano nella calura pomeridiana i desideri ei sogni di un fauno. Poi, sfinito dall'inseguimento di ninfe timidamente in fuga, si abbandona a un sonno delizioso, pieno di sogni finalmente realizzati della pienezza del possesso in una natura totalizzante.
E in una lettera scritta un anno dopo il completamento di The Afternoon of a Faun (1894), Debussy ha spiegato il principio della sua programmazione in tono scherzoso: “Questa è l'impressione generale della poesia, poiché se si cercasse di seguire più accuratamente la musica si strozzerebbe come un cavallo da carrozza che gareggia con un purosangue per il Gran Premio".
La prima ebbe luogo il 22 dicembre 1894 a Parigi, in un concerto Società Nazionale diretto da Gustave Dorè. Come ha ricordato in seguito il direttore d'orchestra, già durante l'esibizione ha sentito improvvisamente che gli ascoltatori erano completamente affascinati da questa musica, e subito dopo la fine è stata suonata di nuovo. Questo è stato il primo vero successo di Debussy.
Nel 1912, sulla musica di "Pomeriggio di un fauno" in Teatro parigino Chatelet ha messo in scena un balletto in un atto. Il coreografo e interprete del ruolo del Fauno era il famoso ballerino russo Vaslav Nijinsky, a cui non piaceva affatto il compositore, che definiva Nijinsky un giovane genio selvaggio e vizioso.
Musica
L'assolo di flauto introduce immediatamente sia nel lontano mondo della luminosa antichità pastorale sia nel mondo della musica di Debussy, così tipico per il compositore. La melodia sensuale cromatizzata si dispiega in modo libero e improvvisato nei timbri delle ance degli strumenti a fiato alti. Il glissando delle arpe e l'appello dei corni francesi, gli unici ottoni usati nel preludio, danno un sapore speciale alla musica. Nella sezione centrale, un tema più ampio e melodioso appare, come illuminato dal sole, nel suono ricco di tutti. Quando si ferma al violino solo, la melodia del flauto ritorna di nuovo sullo sfondo dell'arpa traboccante. La sua esposizione è interrotta da brevi motivi di presa in giro. La musica acquisisce, secondo la definizione dell'autore, il carattere di "ancor maggiore languore", la brillantezza è esaltata dall'inserimento di lastre antiche. Il loro pianissimo sullo sfondo degli armonici dell'arpa e del pizzicato degli archi bassi completa l'opera - come se una bella visione si fosse dissolta in una leggera foschia di mezzogiorno.
Già nelle prime composizioni vocali di Debussy, risalenti alla fine degli anni '70 e all'inizio degli anni '80 ("Wonderful Evening" alle parole di Paul Bourget e soprattutto "Mandolin" alle parole di Paul Verlaine), si manifestava l'originalità del suo talento.
Ancor prima di diplomarsi al conservatorio, Debussy ha intrapreso il suo primo viaggio all'estero Europa occidentale su invito del filantropo russo N.F. von Meck, che è stato per molti anni un caro amico di PI Tchaikovsky. Nel 1881 Debussy venne in Russia come pianista per partecipare ai concerti casalinghi di von Meck. Questo primo viaggio in Russia (poi vi si recò altre due volte - nel 1882 e nel 1913) suscitò il grande interesse del compositore per la musica russa, che non si indebolì fino alla fine della sua vita.
Dopo tre stagioni estive, la sua studentessa Sonya (quindici anni) ha voltato la testa. Ha chiesto il permesso di sposarla a sua madre - Nadezhda Filaretovna Frolovskaya von Meck ... Ed è stato immediatamente, molto amichevole, invitato a lasciare Vienna, dove si trovavano in quel momento.
Quando tornò a Parigi, si scoprì che il suo cuore e il suo talento erano maturi per i sentimenti per Madame Vanier, che definì il tipo "la donna della sua vita": era più anziana di lui, musicista e regnava in un modo insolitamente attraente casa.
La conobbe e iniziò ad accompagnarla nei corsi di canto di Madame Moreau-Sainty, in cui Gounod era il presidente.
Dal 1883 Debussy iniziò a partecipare come compositore ai concorsi per il Gran Premio di Roma. L'anno successivo le viene premiato per la cantata " Figliol prodigo". Questo saggio, scritto sotto l'influenza dei francesi opera lirica, si distingue per la vera drammaticità delle singole scene. Il soggiorno di Debussy in Italia (1885-1887) si rivelò fruttuoso per lui: conobbe l'antica musica corale italiana del XVI secolo e allo stesso tempo l'opera di Wagner.
Allo stesso tempo, il periodo del soggiorno di Debussy in Italia è segnato da un aspro scontro con i circoli artistici ufficiali della Francia. Le relazioni dei vincitori davanti all'Accademia sono state presentate sotto forma di opere che sono state esaminate a Parigi da una giuria speciale. Le recensioni delle opere del compositore - l'ode sinfonica "Zuleima", la suite sinfonica "Primavera" e la cantata "Il prescelto" - questa volta hanno scoperto un divario insormontabile tra le aspirazioni innovative di Debussy e l'inerzia che regnava nel più grande istituto artistico Francia. Debussy ha espresso chiaramente il suo desiderio di innovazione in una lettera a un amico a Parigi: “Non posso chiudere la mia musica in frame troppo corretti... voglio lavorare per creare un'opera originale, e non cadere sempre sullo stesso cammini...” Al suo ritorno dall'Italia a Parigi, Debussy rompe definitivamente con l'accademia. A quel punto, i sentimenti per Madame Vanier si erano notevolmente raffreddati.
Il desiderio di avvicinarsi alle nuove tendenze dell'arte, il desiderio di espandere le proprie connessioni e conoscenze nel mondo dell'arte portarono Debussy alla fine degli anni Ottanta dell'Ottocento nel salone di un grande poeta francese della fine del XIX secolo e leader ideologico dei simbolisti - Stefan Mallarmé. Qui Debussy incontrò scrittori e poeti, le cui opere costituirono la base di molte delle sue composizioni vocali, create negli anni Ottanta e Novanta dell'Ottocento. Tra questi spiccano: "Mandolin", "Arietta", "Belgian landscapes", "Watercolors", "Moonlight" alle parole di Paul Verlaine, "Songs of Bilitis" alle parole di Pierre Louis, "Five Poems" alle parole del più grande poeta francese 1850-1860 di Charles Baudelaire (soprattutto Balcone, Armonie serali, Alla fontana) e altri.
La netta preferenza data musica vocale nel primo periodo di creatività, è in gran parte dovuto alla passione del compositore per la poesia simbolista. Tuttavia, nella maggior parte delle opere di questi anni, Debussy cerca di evitare sia l'incertezza simbolista che l'understatement nell'esprimere i suoi pensieri.
Gli anni 1890 - il primo periodo della fioritura creativa di Debussy nel campo non solo vocale, ma anche pianistico ("Bergamas Suite", "Little Suite" per pianoforte a quattro mani), strumentale da camera (quartetto d'archi) e soprattutto musica sinfonica. In questo momento, due dei più significativi opere sinfoniche- Preludio "Pomeriggio di un fauno" e "Notturni".
Il preludio "Pomeriggio di un fauno" è stato scritto sulla base di una poesia di Stéphane Mallarmé nel 1892. Il lavoro di Mallarmé ha attratto il compositore principalmente dalla vivida pittoricità di una creatura mitologica che sogna in una calda giornata bellissime ninfe.
Nel preludio, come nel poema di Mallarmé, non c'è trama sviluppata, nessuno sviluppo dinamico dell'azione. Al centro della composizione c'è, in sostanza, un'immagine melodica di "languore", costruita su intonazioni cromatiche "striscianti". Debussy usa per la sua incarnazione orchestrale quasi sempre lo stesso timbro strumentale specifico: un flauto in un registro grave.
L'intero sviluppo sinfonico del preludio si riduce a variare la trama della presentazione del tema e la sua orchestrazione. Lo sviluppo statico è giustificato dalla natura stessa dell'immagine.
Le caratteristiche dello stile maturo di Debussy sono apparse in quest'opera principalmente nell'orchestrazione. L'estrema differenziazione dei gruppi orchestrali e delle parti dei singoli strumenti all'interno dei gruppi consente di combinare i colori orchestrali e creare le migliori sfumature. Molti dei risultati della scrittura orchestrale in quest'opera divennero in seguito tipici della maggior parte delle opere sinfoniche di Debussy.
Solo dopo l'esecuzione di "Fauno" nel 1894 il compositore Debussy parlò in ampi circoli musicali a Parigi. Ma l'isolamento e alcuni limiti dell'ambiente artistico a cui apparteneva Debussy, così come lo stile originale delle sue composizioni, impedirono alla musica del compositore di apparire sul palcoscenico del concerto.
Anche un'opera sinfonica così eccezionale di Debussy come il ciclo dei Notturni, creato nel 1897-1899, fu accolta con moderazione. In "Notturni" si manifestava il desiderio di Debussy di immagini artistiche reali. Per la prima volta nell'opera sinfonica di Debussy, un vivace dipinto di genere (la seconda parte dei Notturni - "Celebrazioni") e immagini della natura ricche di colori (la prima parte - "Nuvole") hanno ricevuto una vivida incarnazione musicale.
Durante gli anni 1890, Debussy lavorò alla sua unica opera completata, Pelléas et Mélisande. Il compositore cercava da tempo una trama a lui vicina e alla fine ha optato per il dramma dello scrittore simbolista belga Maurice Maeterlinck "Pelléas et Mélisande". La trama di quest'opera ha attratto Debussy, nelle sue parole, dal fatto che in essa "i personaggi non discutono, ma sopportano la vita e il destino". L'abbondanza di sottotesto ha permesso al compositore di adempiere al suo motto: "La musica inizia dove la parola è impotente".
Debussy ha conservato nell'opera una delle caratteristiche principali di molti dei drammi di Maeterlinck: il destino fatale dei personaggi prima dell'inevitabile epilogo fatale, l'incredulità di una persona nella propria felicità. Debussy, in una certa misura, è riuscito ad ammorbidire il tono irrimediabilmente pessimista del dramma con lirismo sottile e sobrio, sincerità e veridicità nell'incarnazione musicale della vera tragedia dell'amore e della gelosia.
La novità dello stile dell'opera è in gran parte dovuta al fatto che è scritta testo in prosa. Le parti vocali dell'opera di Debussy incarnano le sottili sfumature del discorso francese colloquiale. Lo sviluppo melodico dell'opera è una linea melodiosa-declamativa espressiva. Non c'è un'impennata emotiva significativa nella linea melodica anche nei drammatici episodi culminanti dell'opera. Ci sono alcune scene nell'opera in cui Debussy è riuscito a trasmettere una complessa e ricca gamma di esperienze umane: la scena con l'anello presso la fontana nel secondo atto, la scena con i capelli di Mélisande nel terzo, la scena al fontana nel quarto e la scena della morte di Mélisande nel quinto atto.
La prima dell'opera ebbe luogo il 30 aprile 1902 al teatro " Opera comica". Nonostante la magnifica interpretazione, l'opera non ha avuto un vero successo con un vasto pubblico. La critica è stata generalmente ostile e si è concessa attacchi acuti e maleducati dopo le prime esibizioni. Solo pochi grandi musicisti hanno apprezzato i meriti di questo lavoro.
Quando Pelléas fu messo in scena, nella vita di Debussy si stavano verificando eventi significativi. Il 19 ottobre 1899 sposa Lily Texier. La loro unione durerà solo cinque anni. E nel 1901 iniziò la sua carriera come critico musicale professionista. Ciò ha contribuito alla formazione delle visioni estetiche di Debussy, dei suoi criteri artistici. I suoi principi e punti di vista estetici sono espressi in modo estremamente chiaro negli articoli e nel libro di Debussy. Vede la fonte della musica nella natura: "La musica è la più vicina alla natura ..." "Solo i musicisti hanno il privilegio di abbracciare la poesia della notte e del giorno, della terra e del cielo, ricreando l'atmosfera e il ritmo del maestoso tremito della natura. "
Lo stile di Debussy è stato fortemente influenzato dal lavoro dei maggiori compositori russi: Borodin, Balakirev e soprattutto Mussorgsky e Rimsky-Korsakov. Debussy è rimasto molto colpito dalla brillantezza e dal pittoresco della scrittura orchestrale di Rimsky-Korsakov.
Ma Debussy percepiva solo alcuni aspetti dello stile e del metodo dei più grandi artisti russi. Era estraneo alle tendenze accusatorie democratiche e sociali nel lavoro di Mussorgsky. Debussy era lontano dalle trame profondamente umane e filosoficamente significative delle opere di Rimsky-Korsakov, dal legame costante e inscindibile tra il lavoro di questi compositori e le origini popolari.
Nel 1905 Debussy si sposò una seconda volta. Aveva la stessa età di Claude Achille, sposata con Sigismund Bardak, un banchiere parigino. "Madame Bardak aveva la seduzione di alcune donne laiche all'inizio del secolo", ha scritto di lei una delle sue amiche.
Debussy ha studiato composizione con suo figlio e presto ha accompagnato Madame Bardac, che ha eseguito i suoi romanzi. “Questa è un'estasi languida”... e allo stesso tempo è un colpo di fulmine con tutte le sue conseguenze. Presto hanno una ragazza adorabile, Claude - Emme.
L'inizio del secolo è la fase più alta dell'attività creativa del compositore. Le opere create da Debussy in questo periodo parlano di nuove tendenze creative e, prima di tutto, dell'allontanamento di Debussy dall'estetica del simbolismo. Sempre più il compositore è attratto dalle scene di genere, ritratti musicali e immagini della natura. Insieme a nuovi temi e trame, nel suo lavoro compaiono caratteristiche di un nuovo stile. La prova di questo sono opere per pianoforte, come "An Evening in Grenada" (1902), "Gardens in the Rain" (1902), "Isle of Joy" (1904). In queste opere Debussy trova un forte legame con le origini nazionali della musica.
Tra le composizioni sinfoniche realizzate da Debussy in questi anni spiccano "Mare" (1903-1905) e "Immagini" (1909), tra cui la celebre "Iberia".
La tavolozza timbrica orchestrale, l'originalità modale e altre caratteristiche di "Iberia" hanno deliziato molti compositori. “Debussy, che non conosceva veramente la Spagna, spontaneamente, direi, creava inconsapevolmente musica spagnola che poteva suscitare l'invidia di tanti altri, che conoscono il paese abbastanza buono..." - ha scritto il famoso compositore spagnolo Falla. Credeva che se Claude Debussy "usava la Spagna come base per rivelare uno degli aspetti più belli del suo lavoro, allora lo pagava così generosamente che ora la Spagna è in debito con lui".
“Se, tra tutte le opere di Debussy”, ha detto il compositore Honegger, “dovevo scegliere una partitura in modo che qualcuno che prima non la conosceva completamente potesse farsi un'idea della sua musica usando i suoi esempi, io prenderebbe il trittico“ Mare ”per questo scopo. . Questa, a mio avviso, è l'opera più tipica, in essa l'individualità dell'autore è impressa con la massima completezza. Se la musica stessa sia buona o cattiva è il punto centrale della questione. E Debussy è geniale. Tutto nel suo "Sea" è ispirato: tutto fino ai più piccoli tratti di orchestrazione - qualsiasi nota, qualsiasi timbro - tutto è pensato, sentito e contribuisce all'animazione emotiva di cui è pieno questo tessuto sonoro. "Mare" è un vero miracolo dell'arte impressionista... "
L'ultimo decennio della vita di Debussy si distingue per un'incessante attività creativa e performativa fino allo scoppio della prima guerra mondiale. I viaggi di concerti come direttore d'orchestra in Austria-Ungheria hanno portato il compositore alla fama all'estero. Fu accolto particolarmente calorosamente in Russia nel 1913. I concerti a San Pietroburgo e Mosca sono stati un grande successo. Il contatto personale di Debussy con molti musicisti russi rafforzò ulteriormente il suo attaccamento alla cultura musicale russa.
Particolarmente grandi sono i risultati artistici di Debussy nell'ultimo decennio della sua vita lavoro al pianoforte: "L'angolo dei bambini" (1906-1908), "Scatola dei giocattoli" (1910), Ventiquattro preludi (1910 e 1913), "Sei antiche epigrafi" a quattro mani (1914), dodici studi (1915).
La suite per pianoforte "Children's Corner" è dedicata alla figlia di Debussy. Il desiderio di rivelare nella musica il mondo attraverso gli occhi di un bambino nelle immagini a lui familiari - insegnante severo, pupazzi, un pastorello, un elefante giocattolo - fa sì che Debussy utilizzi ampiamente sia i generi di danza e canzone di tutti i giorni, sia i generi musicali professionali in una forma grottesca e caricaturale.
I dodici studi di Debussy sono legati ai suoi lunghi esperimenti nel campo dello stile pianistico, alla ricerca di nuovi tipi di tecnica e mezzi espressivi. Ma anche in queste opere si sforza di risolvere non solo problemi puramente virtuosistici, ma anche sonori.
Due taccuini dei suoi preludi per pianoforte sono da considerarsi degna conclusione dell'intero percorso creativo di Debussy. Qui, per così dire, si concentrano gli aspetti più caratteristici e tipici della visione artistica del mondo, metodo creativo e lo stile del compositore. Il ciclo ha sostanzialmente completato lo sviluppo di questo genere nella musica dell'Europa occidentale, i cui fenomeni più significativi sono stati finora i preludi di Bach e Chopin.
In Debussy questo genere riassume il suo modo creativo ed è una sorta di enciclopedia di tutti i più caratteristici e tipici nel campo del contenuto musicale, la cerchia delle immagini poetiche e lo stile del compositore.
L'inizio della guerra fece aumentare i sentimenti patriottici di Debussy. Nelle dichiarazioni stampate, si definisce enfaticamente: "Claude Debussy - musicista francese". Tutta la linea opere di questi anni ispirate al patriottismo. Il suo compito principale .. considerava il canto della bellezza in contrapposizione ai terribili atti di guerra, paralizzando i corpi e le anime delle persone, distruggendo i valori della cultura. Debussy era profondamente depresso dalla guerra. Dal 1915 il compositore era gravemente malato, il che influì anche sul suo lavoro. Fino agli ultimi giorni della sua vita - morì il 26 marzo 1918 durante il bombardamento di Parigi da parte dei tedeschi - nonostante una grave malattia, Debussy non interruppe la sua ricerca creativa.
L'impressionismo musicale ha come precursore, soprattutto, l'impressionismo in pittura francese. Non hanno solo radici comuni, ma anche relazioni di causa ed effetto. E il principale impressionista della musica, Claude Debussy, e soprattutto Eric Satie, suo amico e predecessore su questa strada, e Maurice Ravel, che subentrò a Debussy, cercarono e trovarono non solo analogie, ma anche mezzi di espressione nelle opere di Claude Monet, Paul Cezanne, Puvis de Chavannes e Henri de Toulouse-Lautrec.
Il termine stesso "impressionismo" in relazione alla musica è enfaticamente condizionale e speculativo (in particolare, lo stesso Claude Debussy lo ha ripetutamente obiettato, tuttavia, senza offrire nulla di definito in cambio). È chiaro che i mezzi della pittura, associati alla visione e i mezzi dell'arte musicale, basati principalmente sull'udito, possono essere collegati tra loro solo con l'aiuto di speciali, sottili parallelismi associativi che esistono solo nella mente. In poche parole, la vaga immagine di Parigi "sotto la pioggia autunnale" e gli stessi suoni, "smorzati dal rumore delle gocce che cadono" hanno di per sé la proprietà di un'immagine artistica, ma non un vero e proprio meccanismo. Dirette analogie tra i mezzi della pittura e della musica sono possibili solo attraverso personalità del compositore che hanno sperimentato l'influenza personale degli artisti o dei loro dipinti. Se un artista o un compositore nega o non riconosce tali connessioni, diventa almeno difficile parlarne. Tuttavia, abbiamo le confessioni come artefatto importante e, (che è il più importante) le opere degli stessi personaggi principali dell'impressionismo musicale. È stato Erik Satie a esprimere questa idea in modo più chiaro rispetto agli altri, concentrandosi costantemente su quanto deve agli artisti nel suo lavoro. Ha attirato a sé Debussy con l'originalità del suo pensiero, il carattere indipendente, maleducato e l'arguzia caustica, che non ha risparmiato alcuna autorità. Inoltre, Satie ha interessato Debussy con le sue innovative composizioni per pianoforte e voce, scritte con una mano audace, anche se non del tutto professionale. Ecco, di seguito, le parole con cui nel 1891 Satie si rivolse al suo ritrovato amico, Debussy, spingendolo a passare alla formazione di un nuovo stile:
Puvis de Chavannes (1879) "Ragazze in riva al mare" (foto preferita di Sati in gioventù)
Quando ho incontrato Debussy, era pieno di Mussorgsky e cercava costantemente modi che non sono così facili da trovare. A questo proposito, l'ho superato da tempo. Non ero gravato né dal Premio Romano né da altri, poiché ero come Adamo (dal Paradiso), che non ha mai ricevuto alcun premio - decisamente pigro!…
In quel periodo stavo scrivendo Il figlio delle stelle su libretto di Péladan e spiegando a Debussy la necessità per il francese di liberarsi dall'influenza dei principi wagneriani, che non corrispondono alle nostre aspirazioni naturali. Ho anche detto che, sebbene non sia affatto un antiwagnerista, penso ancora che dovremmo avere la nostra musica e, se possibile, senza "cavolo acido tedesco". Ma perché non utilizzare per questi scopi gli stessi mezzi visivi che vediamo in Claude Monet, Cézanne, Toulouse-Lautrec e altri? Perché non trasferire questi fondi alla musica? Non c'è niente di più facile. Non è questa la vera espressività?
- (Erik Saty, "Claude Debussy", Parigi, 1923).
Ma se Satie derivò il suo impressionismo trasparente e avaro dalla pittura simbolica di Puvis de Chavannes, allora Debussy (attraverso lo stesso Satie) sperimentò l'influenza creativa degli impressionisti più radicali, Claude Monet e Camille Pissarro.
Basta elencare i nomi delle opere più sorprendenti di Debussy o Ravel per avere un quadro completo dell'impatto sul loro lavoro sia delle immagini visive che dei paesaggi degli artisti impressionisti. Così, nei primi dieci anni Debussy scrisse "Nuvole", "Stampe" (il più figurativo dei quali, uno schizzo sonoro ad acquerello - "Giardini sotto la pioggia"), "Immagini" (il primo dei quali, uno dei capolavori di impressionismo pianistico, "Riflessi sull'acqua", evoca associazioni dirette con il famoso dipinto di Claude Monet "Impressione: alba")… Di celebre espressione Mallarmé, hanno studiato i compositori impressionisti "ascolta la luce", trasmettono nei suoni il movimento dell'acqua, il fluttuare del fogliame, il soffio del vento e la rifrazione dei raggi del sole nell'aria della sera. La suite sinfonica "Il mare dall'alba a mezzogiorno" riassume adeguatamente gli schizzi paesaggistici di Debussy.
Nonostante il suo rifiuto personale spesso pubblicizzato del termine "impressionismo", Claude Debussy si è ripetutamente espresso come un vero artista impressionista. Quindi, parlando della prima delle sue famose opere orchestrali, i Notturni, Debussy ha ammesso che l'idea del primo di essi (Nuvole) gli è venuta in mente in uno dei giorni nuvolosi in cui guardava la Senna dal Pont de la Concorde... Ebbene Per quanto riguarda il corteo della seconda parte (“Celebrazioni”), questa idea è nata da Debussy: “... mentre contemplava in lontananza il distaccamento equestre di soldati della Guardia Repubblicana i cui elmi scintillavano sotto i raggi del sole al tramonto... in nubi di polvere d'oro”. Allo stesso modo, le opere di Maurice Ravel possono servire come una sorta di prova materiale dei collegamenti diretti tra la pittura e la musica che esistevano all'interno del movimento impressionista. Il famoso sonoro-visivo "Play of water", il ciclo di brani "Reflections", la raccolta per pianoforte "Rustle of the Night" - questo elenco è tutt'altro che completo e può essere continuato. Sati si distingue in qualche modo, come sempre, una delle opere che si possono chiamare a questo proposito è, forse, "The Heroic Prelude to the Gates of Heaven".
Il mondo circostante nella musica dell'impressionismo si rivela attraverso una lente d'ingrandimento di sottili riflessi psicologici, sensazioni sottili nate dalla contemplazione di piccoli cambiamenti in atto intorno. Queste caratteristiche rendono l'impressionismo correlato a un altro movimento artistico che esisteva in parallelo: il simbolismo letterario. Eric Satie è stato il primo a rivolgersi alle opere di Josephine Péladan. Poco dopo, l'opera di Verlaine, Mallarmé, Louis e soprattutto Maeterlinck trovò diretta attuazione nella musica di Debussy, Ravel e di alcuni dei loro seguaci.
Ramon Casas (1891) "Money Mill" (Dipinto impressionista con la figura di Satie)
Nonostante l'evidente novità del linguaggio musicale, l'impressionismo ricrea spesso alcune tecniche espressive caratteristiche dell'arte del tempo precedente, in particolare la musica dei clavicembalisti francesi del XVIII secolo, epoca rococò. Basta ricordare le famose opere pittoriche di Couperin e Rameau come "Piccoli mulini a vento" o "La gallina".
Nel 1880, prima di incontrare Eric Satie e il suo lavoro, Debussy era affascinato dal lavoro di Richard Wagner ed era completamente sulla scia del suo estetica musicale. Dopo l'incontro con Satie e dal momento della creazione delle sue prime opere impressionistiche, Debussy si è mosso con sorprendente acutezza verso le posizioni dell'antiwagnerismo militante. Questa transizione fu così improvvisa e brusca che uno degli amici intimi (e biografo) di Debussy, il famoso musicologo Émile Vuyermeaux, espresse direttamente il suo sconcerto:
L'antiwagnerismo di Debussy è privo di grandezza e nobiltà. Non si comprende come un giovane musicista, la cui intera giovinezza sia intossicata dall'ebbrezza di Tristano, e che, nella formazione del suo linguaggio, nella scoperta di una melodia senza fine, debba indubbiamente tanto a questa partitura innovativa, sprezzantemente ridicola il genio che gli ha dato tanto!
- (Emile Vuillermoz, “Claude Debussy”, Ginevra, 1957.)
Allo stesso tempo, Vuyermeaux, legato internamente da rapporti di ostilità personale e inimicizia con Eric Satie, non lo menzionò specificamente e lo rilasciò come l'anello mancante nella creazione quadro completo. Infatti l'arte francese di fine Ottocento, schiacciata dai drammi musicali wagneriani, si affermò attraverso l'impressionismo. Per molto tempo è stata proprio questa circostanza (e il nazionalismo cresciuto tra le tre guerre con la Germania) a rendere difficile parlare dell'influenza diretta dello stile e dell'estetica di Richard.
Il secondo "nocturne" - "Celebrations" - spicca tra le altre opere di Debussy con un brillante sapore di genere. Nel tentativo di avvicinare la musica di "Celebrations" a una scena dal vivo di vita popolare il compositore si è rivolto ai generi musicali quotidiani. È sull'opposizione contrastante delle due principali immagini musicali - danza e marcia - che è costruita la composizione in tre parti "Celebrations" (a differenza di "Clouds").
Il dispiegamento graduale e dinamico di queste immagini conferisce alla composizione un significato programmatico più specifico. Scrive il compositore nella prefazione: “Celebrations” è un movimento, un ritmo danzante dell'atmosfera con esplosioni di luce improvvise, è anche un episodio di una processione (una visione abbagliante e chimerica) che attraversa la festa e si fonde con essa; ma lo sfondo rimane sempre: questa è una vacanza; è una miscela di musica con polvere luminosa, che fa parte del ritmo generale.
Fin dalle prime battute, un senso di festa è creato da un elastico ritmo energico: (che è una sorta di scheletro ritmico dell'intera seconda parte dei Notturni), le caratteristiche consonanze quarto-quinta dei violini su segg in un registro acuto, che danno un brillante colore solare all'inizio del movimento.
Su questo sfondo colorato appare il tema principale della prima parte di "Celebrations", che ricorda una tarantella. La sua melodia è costruita su un movimento a gradini con numerosi suoni di riferimento, ma il ritmo di terzine tipico della tarantella e il tempo veloce danno leggerezza e rapidità al movimento del tema:
Nella sua divulgazione, Debussy non utilizza le tecniche di sviluppo melodico (il ritmo e i contorni del tema quasi non cambiano durante il movimento), ma ricorre invece a una sorta di variazione, in cui ogni successiva esecuzione del tema è affidata a nuovi strumenti, accompagnati da una diversa colorazione armonica.
La predilezione del compositore per i timbri "puri" questa volta lascia il posto a colori orchestrali sottilmente mescolati (il suono del tema al corno inglese con clarinetto è sostituito dal suo strimpellare ai flauti con oboi, poi ai violoncelli con fagotti). Nell'accompagnamento armonico compaiono triadi maggiori di tonalità lontane e catene di non accordi (simile a una pennellata densamente sovrapposta su una tela pittorica). In una delle esecuzioni del tema, il suo schema melodico si basa sulla scala a toni interi, che gli conferisce una nuova sfumatura modale (modalità aumentata), spesso utilizzata da Debussy in combinazione con maggiore e minore.
Per tutta la prima parte dell'episodio "Celebrazioni". immagini musicali(ad esempio, per un oboe su due suoni - la E Prima). Ma uno di loro, intonazionalmente imparentato con la tarantella e allo stesso tempo in contrasto figurativamente e ritmicamente con essa, alla fine del movimento inizia gradualmente ad occupare una posizione sempre più dominante. Il ritmo chiaro e punteggiato del nuovo tema conferisce all'intera sezione finale della prima parte di "Celebrazioni" un carattere dinamico e volitivo:
Debussy affida quasi tutta l'esecuzione di questo tema a strumenti a fiato, ma alla fine della prima parte entra il gruppo d'archi dell'orchestra, che fino ad ora ha svolto principalmente il ruolo di accompagnamento. La sua introduzione conferisce alla nuova immagine un'espressione significativa e prepara l'episodio culminante dell'intera prima parte.
Raro per Debussy, un lungo aumento della dinamica alla fine della prima parte delle "Celebrazioni", ottenuto dalla connessione graduale di tutti i nuovi strumenti (eccetto ottoni e percussioni), un crescente movimento vorticoso, crea l'impressione di un emergere spontaneamente danza di massa.
È interessante notare che al momento del culmine dominano nuovamente il ritmo di terzine e il nucleo intonativo del primo tema, la tarantella. Ma questo episodio top di tutto quadro musicale il primo movimento termina in modo piuttosto impressionistico. La sensazione di un completamento chiaramente espresso della parte non viene creata. Confluisce direttamente, senza cesure, nella parte centrale delle Feste.
Il contrasto maggiore, quasi teatrale (rarissimo in Debussy) sta nei Notturni proprio nel brusco passaggio alla seconda parte delle Feste, la marcia. Il movimento impetuoso della tarantella è sostituito da un misurato e lento movimento di quinto basso ostinato in un ritmo di marcia. Il tema principale della marcia suona per la prima volta a tre trombe con sordina (come dietro le quinte):
L'effetto di una "processione" che si avvicina gradualmente è creato da un aumento della sonorità e da un cambiamento nell'orchestra
presentazione e armonia. L'orchestrazione di questa parte dei "Notturni" coinvolge nuovi strumenti - trombe, tromboni, tuba, timpani, rullante, cembali - e prevale una logica di sviluppo orchestrale molto più coerente e rigorosa che in "Nuvole" (il tema è eseguito prima da trombe con sordina, poi dall'intero gruppo di fiati e, al culmine, trombe con tromboni).
Tutta questa parte delle "Celebrazioni" si distingue per uno sviluppo armonico sorprendente per Debussy in tensione e integrità (centrato attorno alle tonalità di Re bemolle maggiore e La maggiore). È creato dall'accumulo a lungo termine dell'instabilità modale con l'aiuto di numerose rivoluzioni ellittiche, sostenute per un lungo periodo del punto dell'organo e la lunga assenza della tonica della tonalità principale.
Nella copertura armonica del tema della marcia, Debussy utilizza colori ricchi: catene di accordi di settima e i loro richiami in varie tonalità, tra cui il basso ostinato Un appartamento O sol diesis.
Al momento dello svolgimento culminante della parte centrale delle “Celebrazioni”, quando il tema della marcia è grandioso e solenne. trombe e tromboni sono accompagnati da timpani, tamburi militari e cimbali; gli strumenti ad arco hanno una tarantella a forma di sottotono polifonico. La processione assume gradualmente il carattere di una celebrazione festosa, di un divertimento frizzante, e all'improvviso, altrettanto inaspettatamente com'era durante il passaggio alla parte centrale, lo sviluppo si interrompe bruscamente, e di nuovo un tema di tarantella, morbido nei suoi contorni e nella sonorità di due flauti, suoni.
Dal momento della sua apparizione inizia un'intensa preparazione della ripresa, durante la quale il tema della tarantella sostituisce gradualmente la marcia. La sua sonorità cresce, l'accompagnamento armonico diventa più ricco e diversificato (compresi i non accordi di chiavi diverse). Anche il tema della marcia, apparso alle trombe al momento del secondo culmine del movimento centrale, acquista un ritmo speronante (rapido). Ora sono stati creati tutti i prerequisiti per l'inizio della terza parte di ripresa di "Celebrazioni".
Questa sezione della forma, proprio come in "The Clouds", contiene quasi tutte le immagini melodiche della parte del ciclo ed è estremamente compressa. La ripresa, insieme alla coda, crea l'effetto preferito dal compositore di "cancellare" la processione. Quasi tutti i temi di "Celebrazioni" passano qui, ma solo come echi. I temi principali delle "Celebrazioni" - la tarantella e la marcia - subiscono cambiamenti particolarmente grandi alla fine del movimento. Il primo di essi, verso la fine della coda, ricorda se stesso solo con intonazioni individuali e il ritmo di accompagnamento di terzine di violoncelli con contrabbassi, e il secondo con il ritmo di marcia scandito da un tamburo militare su pp e brevi trombe tertsovy con sordina, che suonano come un segnale lontano.
Sirene
Il terzo "notturno" - " Sirene”- è vicino nel design poetico a “Nuvole”. Nella spiegazione letteraria ad esso vengono rivelati solo i pittoreschi motivi paesaggistici e l'elemento introdotto in essi. finzione delle fiabe(questa combinazione ricorda vagamente la "Cattedrale sommersa"): "Sirene" è il mare e il suo ritmo infinitamente diverso; tra le onde inargentate dalla luna si alza, si sgretola di risate e si toglie il misterioso canto delle sirene.
Tutta l'immaginazione creativa del compositore in questa immagine è diretta non a creare un'immagine melodica luminosa che costituisca la base dell'intero movimento o della sua sezione, ma a un tentativo di trasmettere per mezzo della musica i più ricchi effetti di luce e combinazioni di combinazioni di colori che sorgono in mare in varie condizioni di illuminazione.
Il terzo "notturno" è altrettanto statico nella sua presentazione e sviluppo come "Nuvole". La mancanza di immagini melodiche luminose e contrastanti in esso è in parte compensata dalla strumentazione coloristica, alla quale partecipa il coro femminile (otto soprani e otto mezzosoprani), cantando a bocca chiusa. Questo timbro peculiare e di straordinaria bellezza viene utilizzato dal compositore durante tutto il movimento, non tanto come funzione melodica, ma come "sottofondo" armonico e orchestrale (simile all'uso gruppo di stringhe nelle nuvole"). Ma questo nuovo, insolito colore orchestrale gioca qui il ruolo espressivo principale nel creare un'immagine illusoria e fantastica delle sirene, il cui canto proviene come dalle profondità di un mare calmo scintillante di sfumature infinitamente varie.
Impressionismo in musica
Alla fine del XIX secolo apparve in Francia una nuova tendenza, chiamata "impressionismo". Questa parola, tradotta dal francese, significa "impressione". L'impressionismo sorse tra gli artisti.
Negli anni '70 apparvero varie mostre parigine dipinti originali C. Monet, C. Pissarro, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley. La loro arte differiva nettamente dalle opere lisce e senza volto dei pittori accademici.
Gli impressionisti uscirono dalle loro botteghe all'aria aperta, impararono a riprodurre il gioco dei colori vivi della natura, lo scintillio dei raggi del sole, il bagliore multicolore sulla superficie dell'acqua, la diversità della folla festosa. Usavano una tecnica speciale di tratti a macchie, che da vicino sembrava caotica, e da lontano dava origine a una vera sensazione di vivace gioco di colori. La freschezza di un'impressione istantanea nelle loro tele era combinata con la sottigliezza degli stati d'animo psicologici.
Successivamente, negli anni '80 e '90, le idee dell'impressionismo trovarono espressione nella musica francese. Due compositori - C. Debussy e M. Ravel - rappresentano più chiaramente l'impressionismo nella musica. Nei loro brani pianistici e orchestrali, le sensazioni provocate dalla contemplazione della natura sono espresse con particolare novità. Il suono della risacca del mare, lo sciabordio del ruscello, il fruscio del bosco, il cinguettio mattutino degli uccelli si fondono nelle loro opere con le esperienze personali del musicista-poeta, innamorato della bellezza del mondo circostante.
Achille-Claude Debussy è considerato il fondatore dell'impressionismo musicale, che ha arricchito tutti gli aspetti delle capacità compositive: armonia, melodia, orchestrazione, forma. Allo stesso tempo, ha abbracciato le idee della nuova pittura e poesia francese.
Claudio Debussy
Claude Debussy è uno dei compositori francesi più significativi che ha influenzato lo sviluppo della musica del XX secolo, sia classica che jazz.
Debussy ha vissuto e lavorato a Parigi, quando questa città era la Mecca del mondo intellettuale e artistico. La musica accattivante e colorata del compositore ha contribuito notevolmente allo sviluppo dell'arte francese.
Biografia
Achille-Claude Debussy nasce nel 1862 a Saint-Germain-en-Laye, poco a ovest di Parigi. Il padre Manuel era un pacifico negoziante, ma, trasferitosi in una grande città, si tuffò nei drammatici eventi del 1870-1871, quando, a seguito di Guerra franco-prussiana c'è stata una rivolta contro il governo. Manuel si unì ai ribelli e fu imprigionato. Nel frattempo, il giovane Claude iniziò a prendere lezioni da Madame Mote de Fleurville e si assicurò un posto al Conservatorio di Parigi.
Nuova tendenza nella musica
Dopo aver attraversato un'esperienza così amara, Debussy si è dimostrato uno degli studenti più talentuosi del Conservatorio di Parigi. Debussy era anche un cosiddetto "rivoluzionario", spesso scioccando gli insegnanti con le sue nuove idee sull'armonia e la forma. Per gli stessi motivi, era un grande ammiratore dell'opera del grande compositore russo Modest Petrovich Mussorgsky - un odiatore della routine, per il quale non c'erano autorità nella musica, e prestava poca attenzione alle regole della grammatica musicale e cercava per il suo nuovo stile musicale.
Durante gli anni di studio al Conservatorio di Parigi, Debussy conobbe Nadezhda von Meck, famoso milionario e filantropo russo, amico intimo di Pyotr Ilyich Tchaikovsky, su invito del quale nel 1879 fece il suo primo viaggio all'estero nell'Europa occidentale. Insieme a von Meck hanno visitato Firenze, Venezia, Roma e Vienna. Dopo aver viaggiato in Europa, Debussy fece il suo primo viaggio in Russia, dove si esibì ai "concerti casalinghi" di von Meck. Qui ha imparato per la prima volta il lavoro di grandi compositori come Ciajkovskij, Borodin, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky. Tornato a Parigi, Debussy continuò i suoi studi al conservatorio.
Ben presto ricevette il tanto atteso Prix de Rome per la cantata Il figliol prodigo e studiò nella capitale d'Italia per due anni. Lì incontrò Liszt e ascoltò per la prima volta l'opera di Wagner. All'Esposizione Universale di Parigi del 1889, i suoni del gamelan giavanese suscitarono il suo interesse per la musica esotica. Questa musica era follemente lontana dalla tradizione occidentale. La scala pentatonica orientale, o scala di cinque gradini, che differisce dalla scala adottata nella musica occidentale, attirò Debussy. Da questa insolita fonte ha attinto molto, creando il suo nuovo sorprendente e meraviglioso linguaggio musicale.
Queste e altre esperienze hanno plasmato lo stile di Debussy. Due opere chiave: The Afternoon of a Faun, scritto nel 1894, e l'opera Pelléas et Melisande (1902), furono la prova della sua piena maturità come compositore e aprirono una nuova tendenza musicale.
costellazione di talenti
Parigi nei primi anni del XX secolo era un paradiso per artisti cubisti e poeti simbolisti, e i Diaghilev Ballets Russes attirarono un'intera costellazione di brillanti compositori, costumisti, decoratori, ballerini e coreografi. Questo è il ballerino-coreografo Vatslav Nijinsky, il famoso basso russo Fyodor Chaliapin, il compositore Igor Stravinsky.
In questo mondo c'era un posto per Debussy. I suoi incredibili schizzi sinfonici "The Sea", i suoi più meravigliosi quaderni di preludi e quaderni "Immagini" per pianoforte, le sue canzoni e romanze - tutto questo parla della straordinaria originalità che distingue il suo lavoro da altri compositori.
Dopo gioventù tempestosa e primo matrimonio, nel 1904 sposò la cantante Emma Bardak e divenne padre di una figlia, Claude-Emma (Shusha), che adorava.
scherzo del destino
Si formò lo stile musicale infinitamente gentile e raffinato di Debussy per molto tempo. Aveva già trent'anni quando completò la sua prima opera significativa, il preludio Il pomeriggio di un fauno, ispirato a una poesia del suo amico, lo scrittore simbolista Stéphane Mallarmé. L'opera fu eseguita per la prima volta a Parigi nel 1894. Durante le prove, Debussy apportava costantemente modifiche alla partitura e, dopo la prima esecuzione, probabilmente aveva molto lavoro da fare.
Guadagnare fama
Nonostante tutte le difficoltà e il fatto che il preludio fosse eseguito alla fine di un programma lungo e noioso, il pubblico ha sentito di ascoltare qualcosa di sorprendentemente nuovo in termini di forma, armonia e colore strumentale, e ha subito chiesto il bis del pezzo. Da quel momento in poi, il nome del compositore Debussy divenne noto a tutti.
Satiro osceno
Nel 1912, il grande impresario russo Sergei Diaghilev decise di mostrare un balletto sulla musica di The Afternoon of a Faun, coreografato ed eseguito dal famoso Vaslav Nijinsky. La rappresentazione erotica dell'immagine di un fauno, o satira, ha causato qualche scandalo nella società. Debussy, per natura una persona chiusa e modesta, era arrabbiato e imbarazzato per quanto era accaduto. Ma tutto ciò ha solo aggiunto gloria all'opera, che l'ha messa in prima linea tra i compositori. musica contemporanea, e il balletto ha conquistato un posto fisso nel repertorio classico mondiale.
Con l'inizio della guerra
La vita intellettuale di Parigi fu scossa dallo scoppio della prima guerra mondiale nel 1914. A quel tempo, Debussy era già gravemente malato di cancro. Ma stava ancora creando un nuovo musica eccezionale come gli studi per pianoforte. L'inizio della guerra provocò in Debussy un'ondata di sentimenti patriottici, sulla stampa si definì enfaticamente un "musicista francese". Morì a Parigi nel 1918 durante il bombardamento della città da parte dei tedeschi, pochi mesi prima della vittoria finale degli Alleati.
Suoni di musica
Nocturne (nocturne), tradotto dal francese - notte.
Nel XVIII sec. - un ciclo di piccoli brani (una specie di suite) per ensemble di fiati o in combinazione con archi. Sono stati eseguiti la sera, di notte all'aria aperta (come una serenata). Tali sono i notturni di W. Mozart, Michael Haydn.
Dal diciannovesimo secolo - un brano musicale di natura melodiosa, per lo più lirica, sognante, come ispirato al silenzio della notte, immagini notturne. Il notturno è scritto con un tempo lento o moderato. La sezione centrale a volte contrasta con il suo tempo più vivace e il suo carattere agitato. Il genere del notturno come pezzo per pianoforte fu creato da Field (i suoi primi notturni furono pubblicati nel 1814). Questo genere è stato ampiamente sviluppato da F. Chopin. Nocturne è scritto anche per altri strumenti, oltre che per un ensemble, un'orchestra. Il notturno si trova anche nella musica vocale.
"Notturni"
Debussy ha completato tre opere sinfoniche, chiamate collettivamente Notturni, all'inizio del XX secolo. Ha preso in prestito il nome dall'artista James McNeill Whistler, di cui era un fan. Alcune incisioni e dipinti dell'artista erano semplicemente chiamati "notturni".
In questa musica, il compositore ha agito come un vero impressionista, che cercava mezzi sonori speciali, metodi di sviluppo, orchestrazione per trasmettere le sensazioni immediate causate dalla contemplazione della natura, gli stati emotivi delle persone.
Lo stesso compositore, in una spiegazione alla suite dei Notturni, ha scritto che questo nome ha un significato puramente “decorativo”: “Non stiamo parlando della forma abituale di un notturno, ma di tutto ciò che questa parola contiene, dalle impressioni alla luce speciale sensazioni.” Debussy una volta ha ammesso che l'impulso naturale per la creazione dei Notturni è stata la sua impressione della Parigi contemporanea.
La suite ha tre parti: "Nuvole", "Celebrazioni", "Sirene". Ogni parte della suite ha il proprio programma scritto dal compositore.
"Nuvole"
Il trittico "Notturni" si apre con il brano orchestrale "Nuvole". L'idea di nominare l'opera del compositore in questo modo è stata ispirata non solo dalle vere nuvole che ha osservato mentre si trovava su uno dei ponti parigini, ma anche dall'album di Turner, composto da settantanove studi di nuvole. In essi l'artista ha trasmesso le più diverse sfumature del cielo nuvoloso. Gli schizzi suonavano come musica, scintillando delle combinazioni di colori più inaspettate e sottili. Tutto questo ha preso vita nella musica di Claude Debussy.
"Nuvole", ha spiegato il compositore, "è l'immagine di un cielo immobile con nuvole che passano lentamente e malinconiche, che fluttuano via in un'agonia grigia, delicatamente colorate di luce bianca".
Ascoltando "Clouds" di Debussy, ci sembra di trovarci sopra il fiume e guardare il cielo coperto monotonamente opaco. Ma in questa monotonia c'è una massa di colori, sfumature, straripamenti, cambiamenti istantanei.
Debussy ha voluto riflettere nella musica "la marcia lenta e solenne delle nuvole nel cielo". Il tema avvolgente dei fiati dipinge un quadro del cielo bello ma malinconico. Viola, flauto, arpa e corno inglese - un parente più profondo e più scuro dell'oboe nel timbro - tutti gli strumenti aggiungono la propria colorazione timbrica al quadro generale. La musica in dinamica supera solo leggermente il pianoforte e, alla fine, si dissolve completamente, come se le nuvole scomparissero nel cielo.
"Celebrazioni"
I suoni calmi della prima parte sono sostituiti da una festa di colori della commedia successiva "Celebrazioni".
Il gioco è costruito dal compositore come una scena in cui due genere musicale- danza e marcia. Nella prefazione, il compositore scrive: "Celebrations" è un movimento, un ritmo danzante dell'atmosfera con esplosioni di luce improvvisa, è anche un episodio di una processione ... che attraversa una vacanza e si fonde con essa, ma lo sfondo rimane sempre - questa è una vacanza ... questa è una musica mista con polvere luminosa, che fa parte del ritmo generale. La connessione tra pittura e musica era evidente.
Il pittoresco pittoresco del programma letterario si riflette nella pittoresca musica di "Celebrations". Gli ascoltatori sono immersi in un mondo pieno di contrasti sonori, intricate armonie e l'esecuzione di timbri strumentali dell'orchestra. La maestria del compositore si manifesta nel suo straordinario dono dello sviluppo sinfonico.
Le festività” sono piene di abbaglianti colori orchestrali. La brillante introduzione ritmica degli archi dipinge un quadro vivace della vacanza. Nella parte centrale si sente l'avvicinarsi della parata, accompagnata da ottoni e fiati, poi il suono dell'intera orchestra cresce gradualmente e si riversa in un culmine. Ma ora questo momento scompare, l'eccitazione passa e sentiamo solo un leggero sussurro degli ultimi suoni della melodia.
In "Celebrazioni" ha raffigurato immagini di divertimenti popolari nel Bois de Boulogne.
"Sirene"
Il terzo brano del trittico "Notturni" - "Sirene", per orchestra con coro femminile.
"Questo è il mare e i suoi innumerevoli ritmi", ha rivelato lo stesso compositore nel programma, "poi, in mezzo alle onde, inargentate dalla luna, il canto misterioso delle Sirene si alza, si sgretola di risate e si placa".
Molte linee poetiche sono dedicate a queste creature mitiche: uccelli con la testa di belle ragazze. Anche Omero li descrisse nella sua immortale Odissea.
Con voci ammalianti, le sirene attiravano i viaggiatori sull'isola e le loro navi morirono sulle scogliere costiere, e ora possiamo sentire il loro canto. Il coro femminile canta - canta a bocca chiusa. Non ci sono parole, solo suoni, come nati dal gioco delle onde, che fluttuano nell'aria, scompaiono non appena sorgono e rinascono di nuovo. Nemmeno melodie, ma solo un accenno di esse, come tratti sulle tele di artisti impressionisti. E di conseguenza, questi lustrini sonori si fondono in un'armonia colorata, dove non c'è nulla di superfluo, accidentale.
