그림은 무엇으로 만들어졌나요? 정교하고 현대적입니다 : 거실을위한 모듈 식 그림 - 어떤 블록 구성이 구성되어 있고 어떤 구성이 더 나은가요? 대형 모듈 구조를 수정하는 방법.

인간 세계의 그림은 무엇입니까? 자신을 개선하는 방법?검토자 블라디슬라프 첼파첸코 6월 6일 평점: 5.0

안녕 친애하는 친구!

이 기사에서는 우리가 어떻게 형성되는지 소개하고 싶습니다. 우리를 사람으로 정의하는 것은 무엇입니까?

우리는 세계의 인간 그림의 4가지 영역을 고려하고 그것이 어떻게 바뀔 수 있는지 알아낼 것입니다.

인간 세계의 그림을 결정하는 것은 무엇입니까?

모든 사람들은 서로 다른 조건에서 태어납니다. 부유하거나 가난한 가정, 수도 또는 지역, 형제 자매 또는 가족의 외동 자녀, 코가 길거나 짧은 등. 우리 각자는 수많은 다른 상황에서 형성됩니다. 우리 각자는 독특합니다.

삶의 모든 영역에서 발전한다면 세상에 대한 그림을 이해하는 것이 중요합니다. 자신의 단점과 실수를 식별함으로써 자신을 개선할 수 있습니다. 인간 세계의 그림은 크게 4가지 범주로 나눌 수 있습니다.

• 성격;
• 육성;
• 인생 경험;
• 버릇.

성격, 이런 의미에서 이것은 태어날 때 우리에게 놓인 것입니다. 예를 들어, 침착하거나 공격적이거나, 에너지가 넘치거나 약하거나, 인도주의적이거나 수학적 사고 방식 등 각 사람이 특정 행동이나 사고 방식을 취하는 경향이 있음을 알 수 있습니다. 즉, 성격은 외력에 의해 우리에게 주어진 일련의 특성입니다.

육성우리 부모가 우리 안에 두는 일련의 매개 변수입니다. 이것으로 모든 것이 분명한 것 같습니다. 아이에게 "좋은 의미, 나쁜 의미"라는 책을 읽으면 아이가 자랍니다. 하지만 전혀 그렇지 않습니다. 드물기는 하지만 가정에서 부모가 욕설을 사용한다고 상상해 보십시오. 그러나 아이는 그렇게 해서는 안 된다는 말을 듣고 책을 읽습니다. 그는 이것을 이해하는 것 같지만 처음에는 그가 이것을하지 않을 것이라고 확신했지만 그는 13-16 세이고 이미 십대는 부모보다 더 나쁘게 맹세합니다. 왜 그런 겁니까? 사실은 그런 하찮은 것들도 우리 안에 "꿰매어져" 있다는 것입니다. 인간 세계의 그림은 주로 교육에 달려 있습니다. 우리가 자신을 돌보지 않으면 부모님과 오랫동안 소통하는 사람들과 같을 것입니다.

인생 경험매초마다 우리가 획득했습니다. 그러나 어린 시절은 특히 중요합니다. 예를 들어 개가 당신을 공격했다면 아마도 당신은 평생 그들을 두려워 할 것입니다. 우리는 모두 태어납니다 다른 시간그리고 장소. 모든 사람은 의사 소통, 학습, 창의성, 서식지에 대한 고유한 경험을 얻었습니다. 이것은 이해할 가치가 있습니다.

버릇- 인간의 가장 강력한 도구. 그들은 성공의 절정에 도달하거나 사람을 완전히 파괴할 수 있습니다. 가장 작은 습관이라도 모든 습관은 우리가 누구인지 정의합니다. 예를 들어 서서 신발을 묶고 신으면 사람보다 건강하다앉아서 하는 사람. 인생에서 신발을 신는 데 얼마나 많은 시간을 할애할지 상상해보세요! 그런 사소한 습관이라도 오랫동안 다리를 구할 수 있습니다.

세상의 그림을 바꾸는 방법이나 자신을 개선하는 방법은 무엇입니까?

10여 년 동안 형성된 세상의 그림을 바꾸는 것은 꽤 시간이 많이 걸리는 과정이라는 것을 분명히 이해해야 합니다. 당신은 확실히 빠른 슈퍼 결과를 얻지 못할 것입니다. 헛된 에너지를 낭비하지 않도록 오랫동안 점진적으로 작업해야합니다.

자신을 개선하는 방법? 먼저, 게으름, 무관심, 우울함, 건강 문제, 파트너가 없는 등 자신의 약점, 해결해야 할 사항을 이해하십시오. 다음으로 상황을 개선하기 위해 할 수 있는 가장 쉬운 일에 대해 생각해 보십시오.

성형 시작! 이것은 가장 강력한 도구입니다. 사실, 자신에게 몇 가지 습관을 심어주면 삶이 어떻게 변할지 즉시 느낄 것입니다. 그러나 나는 빠른 발전을 기대하지 않도록 즉시 경고합니다. 습관은 21일부터 형성되는데, 그동안 몸조심해야 한다.

내 지인 중 한 명이 술을 끊었을 때 (그는 중독되지 않았지만 직장에서 누군가와 끊임없이 술을 마셔야했습니다) "잘 했어"라는 단어를 만들었습니다. 그는 술을 마실 기회를 거절할 때마다 한 글자씩 앞으로 이동했고, 그렇지 않으면 처음부터 다시 시작했습니다. 덜 인도적인 방법을 사용할 수도 있습니다. 손에 고무줄을 끼우고, 잘못하면 손을 때린다.

그게 다야, 이제 인간 세계의 그림이 어떻게 형성되고 자신을 향상시키는 방법을 알게되었습니다. 댓글로 질문하시면 답변해드리겠습니다. 세상을 보는 당신의 그림을 더 나은 쪽! 다음 기사에서 뵙겠습니다.

예술은 감정을 표현하고 자신을 격려할 수 있는 좋은 기회입니다. 예술은 사람이 자신을 이해하고 주변 세상의 아름다움을 볼 수 있도록 도와줍니다. 그 사람에게 특별한 능력이 있느냐 없느냐는 중요하지 않습니다. 가장 중요한 것은 어떤 종류의 예술을 하는 것이 즐겁고 마음에 든다는 것입니다. 음악이나 노래, 모델링 또는 그림이 될 수 있습니다. 그림은 오늘날 전문 예술가뿐만 아니라 아마추어에게도 가능한 대중적인 활동입니다. 모든 그림은 기초에서 시작됩니다. 캔버스는 그림의 훌륭한 기초입니다. 이 기사에서 논의 될 것은 그에 관한 것입니다.

캔버스 란 무엇입니까?

그림의 기초가 다를 수 있습니다. 글쓰기 기술, 마스터의 임무, 시각 예술에 대한 그의 예술적 의도 및 선호도에 따라 많이 달라집니다. 나무판, 금속, 종이, 판지, 콘크리트, 벽돌, 유리에 그릴 수 있습니다. 즉, 원하는 경우 거의 모든 표면에 페인트를 칠할 수 있습니다.

예술 작품 제작의 기초로 직물을 사용하는 것은 아주 오랫동안 실행되어 왔습니다. 15세기 초에 예술가들은 직물을 실험하기 시작했습니다. 많은 유명한 그림이 자료에 작성되었습니다. 캔버스는 강도, 질감, 구조, 무게, 실의 종류와 같은 다양한 품질 특성을 가진 나무 프레임에 특별히 고정된 직물입니다. 모든 특성은 선택한 재료 유형에 따라 다릅니다. 예를 들어 캔버스의 질감은 세립, 중간 결 및 거친 결일 수 있으며 실은 천연 및 합성일 수 있습니다. 강도와 구조는 직물이 만들어지는 섬유에 따라 다릅니다.

캔버스의 종류

실크, 황마, 양모를 페인팅의 기초로 사용할 수 있습니다. 기본적으로 이들은 아마, 면, 대마, 황마와 같은 식물 재료로 만든 천연 직물입니다. 최대 인기있는 종캔버스 현대 회화: 리넨, 면, 합성 섬유, 비즈, 결합 캔버스. 대마 및 황마 옵션도 있습니다. 리넨은 가장 일반적인 캔버스 소재입니다. 섬유는 매우 강하고 가장 저항력이 있습니다. 외부 영향다른 재료에 비해.

리넨 캔버스는 회색 노란색, 좋은 결을 가지고 있습니다. 다른 종류의, 스레드의 품질에 따라 여러 유형으로 나뉩니다. 면은 린넨보다 내구성이 떨어지고 수분을 쉽게 흡수하며 오히려 깨지기 쉽고 프레임에 처지기 쉽고 옅은 노란색을 띤다. Bortovka는 거칠고 거친 캔버스로 기술적 또는 경제적 용도에 더 적합합니다. 동시에 천은 깨지기 쉽고 찢어지기 쉽습니다. 구슬로 캔버스에 그린 그림에서 실의 약한 장력으로 인해 페인트가 매우 빨리 갈라지기 시작할 수 있습니다. 또한, 이 직물은 매듭 및 실이 두꺼워지는 형태의 공장 결함이 있는 경우가 많습니다. 그럼에도 불구하고 현대 화가들 사이에서 매우 인기있는 것은 bortovka입니다. 합성 폴리에스터 실로 만든 캔버스는 내구성이 강하고 외부 환경 변화에 반응하지 않으며 장기적으로 아직 충분히 연구되지 않았습니다. 이 유형은 디지털 이미지 인쇄에서 가장 자주 사용됩니다. 오늘날 아마추어들 사이에서 매우 일반적인 유형의 캔버스가 결합됩니다. 천연 섬유와 인조 섬유로 구성되어 있습니다. 황마 및 대마 옵션은 성능이 낮지 만 적극적으로 사용됩니다.

캔버스 혜택

캔버스 사용의 장점은 특히 전시회를 열 때 주로 다루기 쉽다는 것입니다. 직물은 말리기 쉽고 운송이 편리하며 공간을 적게 차지하며 운송 중에 변형이 적습니다. 캔버스의 질감도 중요합니다. 표면의 자연스러운 요철로 인해 그림은 미적 효과를 향상시키는 추가적인 예술적 속성을 얻습니다. 이것은 빛과 그림자의 놀이, 색조의 변화입니다.

캔버스에 그린 그림은 생생하고 깊다.

결함

캔버스의 가장 큰 단점은 부정적인 영향에 대한 강한 감수성입니다. 환경. 습기와 공기 온도 변화에 민감합니다. 기계적으로 손상되기 쉽습니다. 자르거나 실수로 뚫습니다. 일부 유형의 패브릭 캔버스는 쉽게 변형됩니다. 캔버스의 페인트는 고르지 않게 놓여 흐르기 시작하여 절망적으로 작업을 망칠 수 있습니다. 시간이 지남에 따라 변형으로 인해 페인트가 깨질 수 있습니다. 역사는 이러한 이유로 웅장한 캔버스가 손실된 많은 사례를 알고 있습니다. 패브릭 기반의 자연적인 취약성으로 인해 박물관의 많은 세계 걸작이 특별한 조건닫힌 유리 상자에.

캔버스 페인팅의 특징

캔버스의 질감은 페인트가 표면에 잘 접착되도록 합니다. 그럼에도 불구하고 우수한 결과를 얻으려면 직물 사용 준비에 책임감있게 접근해야합니다. 먼저 아티스트가 설정한 목표에 따라 올바른 텍스처를 선택해야 합니다. 캔버스 그레인의 선택은 필기 기법에 따라 달라집니다: 대, 중, 소.

쓰기 방식과 입자의 불일치가 쓰기 과정을 복잡하게 만들고 그림의 빠른 후속 노화로 이어질 수 있기 때문에 이것은 중요합니다. 둘째, 들것에서 캔버스를 프라이밍하고 강화해야합니다. 캔버스에 기름으로 그림을 그리려는 경우 수채화 또는 기타의 경우 거친 입자를 선호하는 것이 좋습니다. 액체 페인트숙련 된 브러시 matsera는 세밀한 캔버스 사용을 권장합니다.

아트 캔버스에는 여러 가지 요구 사항이 있습니다. 그것은 표백되지 않아야합니다. 공업용 염색을 위해 직물을 준비하기 전에 사용되는 표백제는 직물의 강도에 악영향을 미치는 다양한 화학 성분을 함유하고 있습니다. 캔버스 표면은 실 끊김, 옹이 및 기타 결함 없이 매끄러워야 합니다. 직조는 촘촘해야 하고 실의 두께와 장력은 동일해야 합니다. 직물을 선택할 때 외관을 시각적으로 신중하게 평가할 필요가 있습니다.

숫자로 칠하기

오랫동안 그림은 엘리트의 몫이었습니다. 우선 예술적 글쓰기에 대한 재능이나 능력이 필요합니다. 그런 다음 결과를 얻기 전에 오랫동안 공부하고 연습하고 하나 이상의 캔버스를 망쳐야합니다. 다행히 오늘은 준비 없이 그림을 그리면서 동시에 훌륭한 결과를 얻고자 하는 모든 사람에게 좋은 기회가 있습니다. 독창성을위한 특별 상점에서는 "숫자로 그림 그리기"(캔버스 포함) 세트를 구입할 수 있습니다.

이러한 세트로 작업하는 기술은 명확하고 간단하며 접근 가능합니다. 이 활동은 성인과 어린이 모두에게 흥미로울 것입니다. 키트에는 페인트, 캔버스, 브러시 등 필요한 모든 것이 포함되어 있습니다. 준비된 캔버스에서 그림 세부 사항의 테두리는 숫자로 표시됩니다. 페인트는 특별히 희석하거나 혼합할 필요가 없습니다. 그들은 즉시 갈 준비가 되어 있습니다. 하나의 숫자 - 하나의 페인트 색상. 지침에 따라 단계별로 이미지의 해당 부분을 칠해야 합니다. 이러한 작업에는 주의가 필요하므로 처음에는 다음과 같은 캔버스를 선택할 수 있습니다. 간단한 패턴큰 항목으로. 실사와 정확성으로 집 벽에 걸거나 친구에게 선물하는 것이 부끄럽지 않은 멋진 예술 작품을 확실히 얻을 수 있습니다.

디지털 인쇄용 캔버스

현대 기술 덕분에 오늘날 다양한 방식으로 예술 작품을 만들 수 있습니다. 혁신적인 기술 중 하나는 디지털 캔버스 인쇄입니다.

이를 위해 고강도 특성을 지닌 합성 또는 복합 직물이 사용됩니다. 디지털 인쇄는 일반적으로 고품질 재생산을 생성합니다. 유명한 그림그리고 사진. 이미지는 솔벤트, 라텍스 또는 UV 인쇄를 사용하여 적용됩니다.

양식화된 초상화

다른 것 현대 기술독립된 영역이 된 디지털 프린팅 현대 미술- 사진에서 캔버스에 양식화된 초상화 만들기. 그런 그림은 요즘 매우 인기 있는 선물이 되었습니다. 콤비네이션 첨단 기술전통적인 캔버스를 사용하면 사람이 만든 것과 거의 다른 초상화를 얻을 수 있습니다. 동시에 퍼포먼스와 스타일의 기법은 그런지와 팝 아트에서 만화와 화보 초상화에 이르기까지 다를 수 있습니다. 예어여기에서 - 이 기술의 도움으로 가장 평범한 사진이 현대 예술 작품으로 변형되었음을 의미합니다.

집에서 캔버스를 만드는 것은 쉽습니다.

전문 캔버스는 상당히 비쌉니다. 따라서 약간의 기술로 아마추어 예술가는 자신의 손으로 그림을 그릴 캔버스를 만들 수 있습니다. 이렇게하려면 나무 프레임을 만들고 그 위에 천 (바람직하게는 린넨)을 당겨 고정해야합니다. 그런 다음 프라이밍하고 캔버스가 완전히 마를 때까지 기다린 후 작업을 시작하십시오. 또 다른 작은 비밀이 있습니다. 프라이머를베이스에 바르기 전에 두 층의 젤라틴으로 차례로 덮어야합니다. 다양하고 자세한 지침관련 주제 리소스에 게시된 집에서 캔버스 만들기에 대해 거의 언제든지 필요한 그림 수에 대한 자료를 제공할 수 있습니다.

고품질의 적절하게 선택된 캔버스는 성공적이고 흥미로운 작업, 탁월한 결과 및 탁월한 분위기의 핵심입니다.

우리는 템페라, 유화, 수채화 등 다양한 색상으로 칠해진 박물관의 그림을 보는 데 익숙합니다. 그러나 우리는 그들이 어떻게 나타났는지, 그리고 그들의 창조자는 누구인지에 대해 얼마나 자주 생각합니까? 처음으로 실제로 점토 역할을 하는 페인트는 원어. 그런 다음 그는 점토, 석탄 및 기타 천연 염료를 지방과 혼합하기 시작했으며 이는 최초의 실제 페인트로 간주 될 수 있습니다. 예술가들이 모든 곳에서 사용하기 시작한 페인트가 출현하기까지 천년이 지났습니다.

계란 온도

이 페인트는 계란 온도였습니다. Raphael, Leonardo da Vinci, Michelangelo와 같은 거장들이 작업했던 르네상스 시대에 특히 인기를 얻었습니다. 템페라는 계란 노른자, 물 및 건조 안료. 그 당시 예술가들은 자신의 페인트를 만들어야 했습니다. 그들은 점토, 식물 광물, 장과, 심지어 곤충까지 고운 가루로 갈아서 물과 달걀 노른자와 섞었습니다. Tempera는 예술가의 특별한 기술이 필요했습니다. 이 묽은 레드는 놀라울 정도로 빨리 건조되었습니다. 이로 인해 마스터는 패턴의 통일성을 유지하기 위해 매우 빠른 속도로 작업해야 했습니다.

유성 페인트

15세기에 Jan van Eyck이 유성 페인트를 발명하여 회화의 진정한 혁명이 일어났습니다. 바인더로 일반적인 달걀 노른자 대신 아마인유를 사용했습니다. 엄밀히 말하면 그들은 우리 시대 이전에 알려졌습니다. 이것은 바미얀 불상이 파괴된 후 발견된 페인트 잔해로 확인됩니다. 고대 화가들도 다채로운 구성을 위해 식물성 기름을 사용한 것으로 알려져 있습니다. 8세기부터 12세기까지의 다양한 논문에서 아마인유의 사용에 대해 언급하고 있습니다. 그러나 물질적 증거는 남아 있지 않습니다. 유성 페인트여러면에서 계란 온도보다 우수합니다. 우선 예술가들은 그녀의 가소성에 매료되었습니다. 유성 페인트는 혼합하기 쉬웠고 완전히 새로운 색상을 만들 수 있었습니다. 페인트가 얇은 층으로 도포되기 시작했습니다. 이 기술은 공간, 볼륨 및 색상 깊이를 가장 잘 전달했습니다.

수채화

외관은 AD 2 세기에 기인한다는 사실에도 불구하고 18-19 세기 초에야 널리 보급되었습니다. 그것은 잘게 분쇄된 안료와 물에 쉽게 용해되는 식물 기원의 접착제로 구성됩니다. 이 페인트는 물로 희석되어 종이에 바릅니다. 특성 수채화 기법그 투명성에 있습니다. 수채화는 마치 공기를 채운 그림처럼 가볍고 섬세합니다. 그러나 문제가 있습니다. 다음과 같이 도면을 다시 실행하거나 레이어를 기록합니다. 오일 페인팅, 예를 들어 불가능합니다. 2~3가지 이상의 색상을 혼합하면 페인트의 밝기와 순도가 떨어지고 페인트 층이 씻겨 나가면 종이가 변형되어 먼지가 발생합니다.

그 먼 시대부터 식물성 기름, 목재 수지 및 천연 염료와 같은 천연 성분을 기반으로 페인트가 만들어졌습니다. 그러나 20세기 초에 주요 페인트 제조업체에서 일하는 화학자들이 새로운 페인트 공식을 발명하기 시작했습니다. 오늘날 상점에서 볼 수 있는 페인트의 역사가 시작된 것은 20세기입니다. 그들 중 다수는 합성 성분을 포함하고 있지만 결코 천연 성분보다 열등하지 않습니다.

집안에 독특한 분위기를 조성하기 위해 종종 사용합니다.모듈 사진. 장식 요소는 인테리어에 독특한 매력을 선사합니다. 캔버스의 조합은 현대 패션의 새로운 터치입니다. 진정한 예술 작품으로 모든 방을 장식하십시오.

접촉

모듈의 그림은 무엇입니까

- 이것은 여러 조각으로 나누어진 그림입니다.이 솔루션은 방에 매력과 세련미를 부여합니다. 명작을 재현하는 디자인 무브 시각 예술 V 높은 해상도. 생동감 있는 색상, 목재 기반 및 3D 기술이 방에 마법을 만듭니다.

조언!거실에 변화를 주세요: 가족 사진에서 모듈식 캔버스를 주문하세요.

블록 페인팅의 기초 - 캔버스. HD 품질의 이미지는 패브릭 뒷면이 있는 견고한 기판에 적용됩니다. 질감을 보호하기 위해 캔버스가 노화되지 않도록 보호하는 고분자 물질이 사용됩니다. 천연 재료를 사용하면 다음과 같은 몇 가지 장점이 있습니다.

• 온도차 및 습도 수준에 대한 보호;
• 그림의 밝기와 대비 유지, 퇴색 방지;
• 강도와 내구성;
• 화재 안전 요구 사항 준수.

모듈화 그림은 무엇으로 만들어지나요?? 세그먼트에서. 여러 캔버스가 조화롭게 정렬 예술적 이미지서로 간섭하지 않고.

블록 시스템은 전체적인 이미지를 생성합니다. 다른 옵션조합:

• 수직 분할. 이 옵션에는 블록을 위에서 아래로 배치하는 작업이 포함됩니다. 공간을 시각적으로 늘리려면 이 모듈 배열을 사용하십시오.
• 수평 분할. 캔버스를 바닥과 평행하게 놓는 기법. 방의 천장이 낮은 경우 이 모델을 선택하지 마십시오. 수평 배치 옵션은 공간을 확장합니다.
• 혼합 세분화. 이러한 유형의 분할을 통해 상상력을 자유롭게 발휘하고 수직 및 수평 배열을 결합할 수 있습니다. 모자이크 구조는 블록의 수를 증가시킵니다. 이 옵션은 다양한 결합 방법으로 공간을 시각적으로 줄일 수 있으므로 거실과 홀과 같은 넓은 공간에 적합합니다.
• 세그먼트 오프셋.특이한 모듈화 그림서로 상당한 거리에 위치 할 수 있습니다. 이러한 복잡한 기술은 전문 디자이너만 사용합니다.

그림의 종류

이미지의 무결성은 여러 부분으로 나누어진 단일 도면으로 제공됩니다. 다음이 있습니다모듈화 그림의 유형:

• diptych - 두 개의 모듈;
• 삼부작 - 세 개의 모듈;
• penaptych - 5개의 모듈.
• polyptych - 6개 이상의 모듈.

중요한!부품이 많을수록 올바르게 구축하기가 더 어려워집니다.모듈식 이미지. 방을 어지럽히지 않도록 최대 5개의 모듈 세트를 선택하십시오.

여러 그림의 장식은 존재의 효과를 만듭니다. 입체적인 이미지가 시선을 사로잡으며 한층 더 매력적인 분위기를 자아낸다.

예산에서 비싼 것까지 캔버스에 그림을 그리는 방법에는 여러 가지가 있습니다..

이미지를 인쇄하는 것이 더 저렴합니다. 이 방법의 장점은 어떤 패턴이든 주문할 수 있고 3일 안에 모듈식 캔버스의 소유자가 된다는 것입니다.

수작업은 시간과 비용이 들지만 결과는 유성 페인트로 만든 독보적인 제품입니다.

당신의 일에 자신이 있다면 예술적 능력그런 다음 자신의 걸작을 만드십시오. DIY 장식은 최고 품질의 인쇄와도 비교할 수 없습니다.

치수

블록은 수직 또는 수평으로 서로 다른 거리에 배치됩니다. 가장 중요한 것은 무결성의 개념을 위반하지 않는 것입니다. 크기는 다양합니다. 한 세트로 다양한 구성 가능모듈화 페인팅 옵션, 작고 큰.

치수 경계는 존재하지 않지만 너무 작은 조각은 방의 모양을 망칠 수 있습니다. 추천 최소 크기 30cm 작은 방에 작은 캔버스를 놓습니다. 작은 장식 아이템거실 내부에맛없어 보일 것이다.

높이 80~120cm, 너비 120~170cm의 표준 블록을 사용합니다.모든 방을 꾸미기에 적합한 범용 크기. 캔버스의 조합은 거실뿐만 아니라 사무실, 카페 및 연회장도 장식합니다. 모듈식 캔버스는 모든 인테리어 또는 미술품 상점에서 구입할 수 있습니다. 이렇게하면 집에 맞는 것을 선택할 수 있습니다.

세그먼트 위치

세그먼트의 적절한 배열바디 페인팅인테리어를 위한 연극 중요한 역할. 일곱 번 측정하는 것이 좋습니다. 부품을 적절하고 고르게 걸려면 특정 절차를 따르십시오.

1. 센터피스를 먼저 배치합니다. 메인 플롯 부하를 전달하거나 중간에 위치한 블록입니다.
2. 분할을 자세히 고려하십시오: 바닥에서, 천장에서, 중심에서 거리. 부품이 많으면 조합의 기초로 두 부분을 걸으십시오. 이미지가 두 부분으로 구성된 경우 중심은 두 블록 사이의 거리입니다.
3. 벽에 세그먼트 위치를 그리고 모서리를 표시합니다. 간단한 연필로. 캔버스가 고르게 걸리도록 수평선을 주의 깊게 확인하십시오.
4. 스케치를 평가하고 장식을 시작하십시오.

조언!캔버스의 두께를 고려하십시오. 모듈을 배치할 때 부품 사이의 거리를 3-4cm 늘립니다.

디자인 옵션

다른 모듈과 마찬가지로 모든 방에 모듈을 배치할 수 있습니다. 그것은 모두 당신의 취향에 달려 있습니다. 하지만모듈화 그림을 선택하는 방법적절하고 장식하며 방에 과부하가 걸리지 않도록? 몇 가지 뉘앙스가 있습니다.

아파트 장식

이 장식을 보기 좋게 하려면실내에서 , 몇 가지 규칙을 고려해야 합니다.

픽업 인테리어를 위한 최고의 모듈화 그림몇 가지 사항을 염두에 두십시오.

• 객실 면적.규칙에 따라 선택하십시오 : 큰 방 - 큰 그림, 작은 방 - 작은 그림.의자가 모듈 자체보다 작은 방에 캔버스를 걸지 마십시오.
• 스타일. 조화롭게 결합 색 구성표객실 및 장식 항목은 전체적으로 스타일을 유지합니다.
• 장소. 밝은 벽을 장식하십시오. 방 구석을 장식하지 마십시오. 모듈을 중앙 부분에 놓으십시오. 방금 아파트로 이사했고 아직 가구를 정리하지 않은 경우 사진을 걸기 위해 서두르지 마십시오. 장식할 방의 위치에 따라 다릅니다.

알게 되면서내부의 모듈화 그림의 예, 신체 부위를 올바르게 정렬할 수 있습니다. 그러나 기술적 세부 사항도 중요합니다.

그림이 눈을 즐겁게하고 손님을 기쁘게하려면 기술 블록 배치에 대한 팁을 사용하십시오.

• 키. 이것 중요한 요소. 작품을 볼 때 머리를 올리거나 내릴 필요가 없도록 작품을 눈높이에 걸어두세요. 중심의 최적 높이는 1.5m로 영상의 왜곡을 방지하고 보는 사람에게 심미적 즐거움을 줄 수 있는 방법이다.
• 경사각. 그래서는 안됩니다. 디자이너가 달리 의도하지 않는 한 수직 또는 수평으로 그림을 배열하십시오. 캔버스의 무결성을 위반하지 말고 블록을 서로 평행하게 배포하십시오.
• 인공조명. 햇볕이 잘 드는 곳에 사진을 걸지 마십시오. 그렇지 않으면 캔버스가 노랗게 변합니다. 판매시 마이크로 전구가 내장 된 키트가 있습니다.

어떤 모듈화 그림이 가장 좋습니까? 큰 것, 작은 것, 인쇄된 것, 기름 또는 손수 만든 것? 결정하는 것은 당신에게 달려 있습니다. 올바른 그림은 방의 모습을 근본적으로 바꾸고 가장 까다로운 예술 감정가의 미적 요구를 충족시킵니다.

그림- 완전한 성격(스케치 및 스케치와 반대됨)과 독립적인 예술적 가치를 지닌 회화 작품. 베이스 (캔버스, 나무 또는 금속 보드, 판지, 종이, 돌, 실크 등), 프라이머 및 페인트 레이어로 구성됩니다. 그림은 이젤 예술의 한 유형입니다. 사진은 다양한 장르로 나옵니다. 그림을 그리는 작가는 자연에 의존하지만 이 과정에서 중요한 역할을 한다. 창의적인 상상력. 19세기 말은 유럽 전역에서 새롭고 역동적인 세계관으로 특징지어졌습니다. 세기 전환기의 예술가는 끊임없이 변화하는 삶에 대응해야 했습니다. 자신을 둘러싼 세상을 보여주기 위해서가 아니라(지금은 사진과 영화가 그렇게 하고 있습니다), 그의 개성, 내면 세계, 자신의 비전. 뛰어난 화가들의 그림에서 예술의 정점에 이르렀다. 모더니즘의 다양한 흐름 속에서 플롯의 상실과 구상성의 거부로 인해 회화의 개념이 크게 수정되고 있다. 다른 화파에 속한 일부 예술가들은 우리가 보는 세상(사람, 동물, 자연)을 묘사하는 것에서 멀어졌습니다. 그들의 그림에서 세상은 기형적이고 때로는 완전히 인식할 수 없는 것처럼 보입니다. 왜냐하면 예술가들은 우리 주변의 현상에 대한 시각적 인식보다는 상상력에 더 이끌리기 때문입니다.

회화는 회화의 발전에 중요한 역할을 한다.

복제품도 회화라고 부를 수 있는데, 관련 맥락에서 사본이든 원본이든 중요하지 않습니다.

비유적인 것 이상의 그림 일반적인 의미- 다음을 포함한 완전하고 통합적인 예술 작품 - 자연관에 대한 생생하고 생생한 구두 또는 서면 설명.

회화는 공간과 부피가 환상 속에서만 존재하는 평면이자 하나의 시점의 예술이다. 복잡성을 통한 페인팅 시각적 수단그런 환상적인 공간과 다차원의 깊이를 평면에 만들 수 있습니다. 예술적 현실, 다른 표현 방법이 적용되지 않습니다. 각 그림은 그림과 표현 장식의 두 가지 기능을 수행합니다. 화가의 언어는 그림 평면의 장식적 리듬 기능을 인식하는 사람들에게만 꽤 이해 가능합니다.

미적 지각에서 그림의 모든 기능(장식적, 평면적, 회화적, 공간적 기능 모두)이 동시에 참여해야 합니다. 그림을 올바르게 인식하고 이해한다는 것은 표면과 깊이와 패턴과 리듬과 이미지를 동시에 불가분하게 보는 것을 의미합니다.

그림에 대한 미적 인식은 그림을 주변 세계와 분리하는 적절한 프레임에 놓일 때 크게 향상됩니다. 동양화는 펼친 두루마리(수평 또는 수직)의 전통적인 형태를 유지하고 있다. 그림은 기념비적 회화와 달리 어떤 인테리어와 긴밀하게 연결되어 있지 않다. 벽에서 떼어내어 다르게 걸 수 있습니다.

회화의 환상적 공간의 깊이

Richard Gregory 교수는 "회화의 이상한 속성"에 대해 다음과 같이 설명했습니다. 사진은 역설적입니다. 어떤 물체도 동시에 두 곳에 있을 수 없습니다. 어떤 물체도 동시에 2차원이면서 3차원이 될 수 없습니다. 그리고 그것이 우리가 사진을 보는 방식입니다. 그림은 완벽하게 정의된 크기를 가지며 동시에 실제 크기를 보여줍니다. 인간의 얼굴, 건물 또는 선박. 그림은 불가능한 대상입니다.

그림에 제시된 부재, 상상의 상황에 반응하는 사람의 능력은 다음과 같습니다. 중요한 단계추상적 사고의 발달에.

그림은 어떻게 만들어지는가

사진은 영적 세계캔버스나 종이에 표현된 작가의 경험과 감정. 그림이 어떻게 만들어지는지 설명하기는 어렵습니다. 직접 보는 것이 좋습니다. 작가가 캔버스 위에 어떻게 칠하는지, 어떤 붓으로 캔버스를 만지는지, 어떤 페인트를 선택하는지 말로 표현하는 것은 불가능합니다. 작업하는 동안 모든 것이 하나가 됩니다. 예술가, 붓, 캔버스. 그리고 이미 작업장에서 첫 번째 브러시 스트로크 후에 페인팅의 특별한 마법이 작동하기 시작합니다.

그림은 단순한 칠한 캔버스가 아니라 감정과 생각에 영향을 미치고 영혼에 흔적을 남기고 예감을 일깨 웁니다.

그림은 어떻게 만들어지는가?

그것은 캔버스에 페인트, 브러시처럼 보일 것입니다. 또 다른 보편적인 대답이 있을 수 있습니다: 다른 방식으로.

그림 작업 방식은 미술사를 통틀어 끊임없이 변화해 왔습니다. 아티스트 이탈리아 르네상스그들은 렘브란트나 17세기의 "작은 네덜란드인"과는 완전히 다른 방식으로 작업했습니다. 예, 같은 시대, 한 방향에서도 매우 다양합니다.

과거와 현재의 사실주의 예술가(사실주의를 넓은 의미로 이해한다면)는 다음과 같이 통합됩니다.

완전한 작품의 창조 이 경우그림, 초상화 또는 풍경은 삶에 대한 깊은 연구, 작가의 적극적인 태도 없이는 불가능합니다. 삶에 대한 예술적 지식의 수단은 자연의 작업, 시각적 인상, 삶의 현상의 분석 및 합성입니다.

그림의 창작은 복잡하고 노동 집약적인 창작 과정이며 그 결과는 소요 시간이 아니라 예술가의 재능, 기술, 원래 비 유적 솔루션의 강도 및 효과의 척도에 따라 결정됩니다. 이정표이 과정은 아이디어의 기원과 구체화, 직접 관찰, 스케치, 자연의 스케치, 삶의 재료에 대한 창의적이고 능동적 인 처리가 필요한 그림의 실제 그림입니다.

그리고 관객이 박물관이나 전시회에서 그림에 접근할 때, 그것에 대해 자신의 판단을 내리기 전에, 그는 항상 그 뒤에 살아있는 사람, 그의 삶, 마음, 신경의 일부를 투자한 예술가가 있다는 것을 기억해야 합니다. , 재능과 기술. 그림은 예술가의 꿈이 실현되는 것이라고 말할 수 있습니다.

G. S. 오스트로브스키

그림의 완성도

인생에서 우연히 많은 일이 발생합니다. 그림에는 그러한 사고가있을 수 없으며 그 안의 모든 것이 논리적으로 완료되어야합니다. 어떤 시점에서 그림이 완성되었다고 간주됩니까?

렘브란트의 거장 렘브란트의 임파스토 회화적 획은 이후와 우리 시대에 매우 높은 평가를 받았지만 렘브란트의 동시대인들 사이에서 당혹감을 불러일으켰고 그의 비용으로 조롱과 재담을 불러일으켰습니다. 비평가들에게 반대하면서 렘브란트는 그림의 완전성에 대한 그들의 이해의 정확성에 대해 이의를 제기하고 자신의 이해로 반대했습니다. . 그의 그림의 "불완전성"에 대해 그를 괴롭히는 질문을 듣지 않기 위해 Rembrandt는 그의 스튜디오에 순진한 방문객이 그들에게 가까이 오는 것을 허용하지 않았습니다. 페인트 냄새를 맡는 것은 건강에 해롭기 때문에 그림에 너무 가까이 접근해서는 안된다는 사실.

그림에 대한 마티스:

"저는 제 느낌을 표현하는 색들을 캔버스에 담으려고 노력할 뿐입니다. 톤의 필요한 비율은 인물의 형태를 바꾸거나 구도를 바꾸게 할 수 있습니다. 그림의 모든 부분에서 이 비율에 도달할 때까지 저는 그것을 위해 계속 작업하십시오 그런 다음 모든 부분이 최종 비율을 취하는 순간이오고 다시 다시 작업하지 않고는 그림을 만질 수 없습니다.

대략 인상파에서 시작하여 그림, 형태 및 색상의 범주는 밀접하게 연결되고 함께 성장하며 연속적인 과정인 것 같습니다. 그림과 색상, 모델링과 구성, 색조와 선이 마치 동시에 나타나고 발전합니다. 그림을 그리는 과정은 말하자면 무한히 계속될 수 있으며 작업 완료의 순간은 다소 임의적입니다. 캔버스의 어느 곳에서나 아티스트는 비슷한 스트로크에 새로운 스트로크를 적용하지만 아래에 누워서 계속할 수 있습니다. 이 시스템의 가장 눈에 띄고 일관된 대표자는 Cezanne입니다. 편지와 녹음된 대화에서 그는 이 혼합된, 더 정확하게는 미분화된 회화 방법을 반복해서 공식화했습니다. 그림 작업은 언제든지 중단될 수 있지만 작업은 미적 가치를 잃지 않습니다. 언제든지 사진이 준비됩니다.

그림의 회화적 공간과 실제 공간의 연결

예술가이자 미술 이론가인 V. A. Favorsky는 구성 이론 과정에서 진정한 예술 작품은 태어날 때부터 주변 공간의 대상과 자체 시공간적 관계를 가진 상대적으로 닫힌 세계라는 이중 존재를 가지고 있다고 강조했습니다. . 회화에서 이 목표는 그림의 내부 구조를 프레임, 조각에서 주변 공간과 조정함으로써 달성됩니다(전형적인 예: 틈새 시장의 조각상).

회화적 공간과 관람자가 위치한 실제 공간을 연결하기 위해 액자를 사용한다. 아티스트는 또한 이미지 자체의 여러 "프레임 재생산", 시각적 운율, 수직 및 수평의 반복을 사용합니다. 직사각형 형식의 경계 내에서 이미지를 시각적으로 "강화"할 수 있는 특징적인 기술 중 하나는 "비스듬한 모서리"입니다. 회화와 건축의 분리는 이젤 회화에 대한 특정한 지각 체계를 낳았다. 그림의 주요 내용은 공간에 대한 전체적인 관점의 표현입니다. 구성은 시공간 관계의 변화된 세계를 마주하고 그 안에서 거울처럼 자신을 보는 전시로 변형됩니다. 그리하여 르네상스 시대의 투명한 유리는 고전과 바로크 시대의 거울이 되었다. 포스트 르네상스 시대의 예술은 거울에 비친 모습을 가지고 노는 것, 그림의 구성에 인물-중재자를 도입하는 것, 위치, 시선 또는 손짓으로 마치 그림 속으로 들어가도록 초대하는 것처럼 그림의 깊이. 프레임 외에도 이러한 구성에는 프로 케늄이 있습니다. 무대의 앞 부분, 무대 뒤, 주요 작업이 이루어지는 중간 지점, 배경- "배경"입니다.

작가는 주로 그림의 중심면에 주인공을 배치하여 좌대와 같은 정신적 수평선에 설정합니다. "공간 레이어"의 깊이는 이 기준 수평선의 위치에 따라 달라집니다(면적 측면에서 - 사진 프레임의 아래쪽 가장자리 위 또는 아래). 화가는 수평을 여러 번 위로 미루어 상상의 공간 깊숙한 곳으로 일정한 움직임의 리듬을 만들어낸다. 덕분에 작은 캔버스에서도 얼마든지 다양한 도형과 사물로 길이에 관계없이 공간을 그릴 수 있다. 그러한 설명에서 어떤 물체는 더 가깝고 다른 물체는 더 멀리 있다는 사실에 시청자의 주의를 구체적으로 끌어야 합니다. 이를 위해 "포인터"가 사용됩니다. 원근감 감소, 대규모 랜드 마크 도입 (배경에있는 작은 인물), 겹치는 계획, 색조 대비, 그림 내부 또는 외부 광원에서 떨어지는 그림자. 그림의 공간에서 보는 사람의 정신적 움직임에 대한 또 다른 기준점은 대각선이며, 주된 것은 "입구 대각선"(보통 왼쪽에서 오른쪽으로)입니다.

사진 속 사진

사진 속의 사진

Picture in Picture는 특별한 구성 기능에서 사용할 수 있습니다. 그림 안에 그림을 묘사하는 경우(벽화의 프레스코화 등)에도 유사한 계층적 조직이 제시됩니다.

"화면 속 화면" - 구성 기법, XVI-XVII 세기의 고전 회화 예술에서 발견되었습니다. 그림 속의 그림에는 특별한 숨겨진 의미가 부여될 수 있습니다.

구성 기술 "Picture in Picture"는 다음과 같은 여러 작업을 수행할 수 있습니다.

• 생각을 표현하다
• 줄거리를 설명하다
• 조화를 반대하거나 창조하기 위해
• 상황의 세부 사항 (내부)

종종 그림 속 배경의 이미지는 일종의 그림 속 그림, 즉 자신만의 특별한 법칙에 따라 구축된 독립적인 이미지로 이해될 수 있다. 동시에 배경 이미지는 주 평면에있는 인물의 이미지보다 훨씬 더 순전히 장식적인 작업의 대상이며 여기에 묘사 된 것은 종종 세계 자체가 아니라고 말할 수 있습니다. 이 세상의 풍경, 즉 이미지 자체가 제시되는 것이 아니라 이 이미지의 이미지가 제시된다.

네덜란드인에게 지리적 지도, 태피스트리, 그림, 그림에 포함된 이미지로서의 열린 창은 세계의 경계를 확장하거나 주요 플롯의 우화적 의미를 발전시키는 역할을 합니다. 작업장의 베일을 여는 베르메르는 관객의 공간, 그의 작업실의 공간, 삽화(이젤 위에 서있는 캔버스), 이러한 변형을 바다에서 수영하는 것에 비유하여 지리적 지도또는 지도에 표시된 땅 위를 날 수 있습니다.

현실-예술-신화의 범람은 "Picture in Picture" 기법에 기꺼이 의지하는 Velazquez에서도 관찰할 수 있으며, 그 예로는 Meninas와 Spinners가 있습니다.

그림 속 그림'은 벨라스케스의 '거울 앞의 비너스'에도 나오는데 안개가 자욱한 거울은 사랑의 여신 그림자만 비친다.

페인팅 및 프레임

고대 암벽화를 제외하고 작가가 만든 모든 이미지에는 프레임이 있습니다. 프레이밍이 필요하고 중요한 부분구성, 완성, 통일성을 부여합니다. 프레임은 그림 또는 그래픽 구성 자체와 동일한 평면에 있을 수 있습니다. 또한 장식, 조각 및 건축 요소의 도움을 받아 일종의 부조 형태로 구체적으로 만들 수도 있습니다. 대부분 직사각형 모양의 프레임이 있으며 다소 덜 자주 원형과 타원형입니다.

프레임은 그림을 환경과 특별하고 주목할만한 것으로 구별하는 데 도움이 되지만 동시에 환경과 연결됩니다. 따라서 프레임의 스타일이 그림이 있는 내부의 예술적 외관, 구조 및 특성과 일치하면 앙상블의 무결성에 기여합니다. 색상, 장식 및 조각 디테일의 채도에 따라 프레임은 화보 이미지의 전반적인 인상에 큰 영향을 미칩니다. 이 모든 것을 통해 우리는 프레임이 주요 기능이 아니라 매우 필요한 기능을 수행하는 그림과 프레임의 통일성에 대해 이야기 할 수 있습니다.

이젤 그림의 발전은 복잡했습니다. 중세에서 르네상스로의 전환은 그 역사에서 얼마나 밝은 이정표였습니까! 그 안에서 가장 의미심장했던 것은 중세를 지배했던 도상 이미지의 경직성과 추상성에서 벗어나고자 하는 욕망이었다. 대략 XIV 세기에 현대적인 의미의 그림이 탄생했으며 그와 함께 여전히 고딕 풍경의 레이스로 옷을 입은 프레임이 나타났습니다.

첫 번째 프레임은 전체 이미지와 완전히 반대되지 않고 분리되지 않았습니다. 둘 다의 재료는 비슷했습니다. 예를 들어 고대 러시아 또는 비잔틴 아이콘과 같은 배경의 조건부 금박이 프레임으로 전달되었으며 이미지 자체가 종종 그 위에 "튀었습니다". 그러자 그림과 액자의 경계가 점점 더 뚜렷해졌다. 그럼에도 불구하고 이전 세기의 일종의 기억으로 프레임은 황금색을 유지했습니다. 신의 세계를 나타내는 황금색 배경이 그림에서 사라지자 프레임의 금박은 조건부로, 즉 방의 그림을 강조하는 데 도움이되는 프레임의 필수 속성으로 인식되기 시작했습니다. 보는 이의 시선을 사로잡습니다.

르네상스 시대에 지배적 인 창을 통해 세상을 바라 보는 그림의 개념, 형태가있는 프레임은 지배적 인 아이디어를 매우 명확하게 암시하고 이에 응답했습니다. 이 웅장하고 엄숙한 프레임은 특별 워크숍에서 예술가의 그림이나 그의 작업장에서 일한 예술가의 조수에 따라 만들어졌습니다.

르네상스 시대 회화는 끊임없이 현실을 반영하는 거울에 비유되었고, 장식용 거울 액자처럼 만들어진 액자는 이러한 비교를 더욱 강하게 강조했다. 이 프레임은 나무 칸막이와 석고뿐만 아니라 은, 상아, 자개 등의 귀중한 재료로도 만들 수 있습니다. 재료의 소중함은 그림의 소중함과 맞아떨어지는 듯해 더욱 빛났다.

오래된 주인은 작업 과정에서의 영향을 고려하여 프레임에 매우 세심했으며 때로는 프레임의 특정 톤과 장식 리듬을 고려하여 완성 된 프레임에 그림을 그렸습니다. 따라서 옛 거장의 구성은 종종 원본 프레임에서 큰 이점을 얻습니다.

옛 거장들의 틀에 대한 관찰을 통해 우리는 또 다른 원칙을 세울 수 있습니다. 즉, 옆모습과 틀의 너비와 그림의 크기 사이의 일치입니다. 예를 들어, 네덜란드 화가들은 작은 그림깊고 투명한 윤곽이 있는 큰 프레임으로 시선을 그림의 중앙으로 이끌고 환경의 영향으로부터 격리합니다.

20세기 초, 너무 물질적이어서 예술의 영성을 '근거'로 삼아 프레임을 완전히 포기하라는 목소리가 들리기 시작했습니다. 이러한 부름을 받은 다양한 아방가르드 작가들이 액자 없이 작품을 전시하기 시작했다. 그러나 이러한 혁신의 결과로 그들의 작품 자체는 좁은 의미의 회화가 아니게 되었다. 이들은 종종 명확한 의미가없는 일종의 "물체", "점"이었습니다.

지금은 프레임 디자인에 예전처럼 하나의 스타일이 없지만 이전보다 프레임과 아티스트의 개별 스타일이 일치합니다.

안에 최근~에 미술 전시회과거에 우리 아티스트들이 드러냈던 프레임 디자인(그렇게 중요하지 않은 것)과 관련된 관성이 극복되기 시작하고 있음을 알 수 있습니다. 프레임은 다양한 색상으로 칠해져 있으며 작은 추가 이미지와 비문이 종종 그 위에 배치되며 조각가는 화가를 돕습니다. 풍부한 플라스틱 모티프가있는 프레임이 나타납니다.

그림 형식

그러나 동시에 그림의 현실과 허구에 속하는 형식과 프레임에 속하는 평면에서 이미지로의 전환을 만드는 것처럼 보이는 그림의 두 가지 특정 요소가 있습니다. 그림의 형식은 예술가의 도구일 뿐 그의 창작 개념을 직접적으로 표현한 것이 아닌 것처럼 보일 수 있습니다. 결국 작가는 형식을 선택할 뿐입니다. 한편, 형식의 성질은 작품의 전체적인 내부 구조와 가장 밀접하게 연결되어 있으며, 종종 작가의 의도를 이해하는 올바른 길을 가리키기도 한다. 원칙적으로 형식은 화가의 작업을 시작하기 전에 선택됩니다. 그러나 작업하는 동안 그림의 형식을 변경하거나 조각을 잘라내거나 새 조각을 추가하는 것을 좋아하는 많은 예술가가 알려져 있습니다 (Velasquez는 특히 기꺼이 이것을했습니다).

그림의 가장 일반적인 형식은 사각형이며, 순수한 사각형은 위쪽으로 또는 폭이 어느 정도 길쭉한 사각형보다 훨씬 더 드뭅니다. 일부 시대는 둥근 형식(tondo) 또는 타원형을 높이 평가합니다. 형식의 선택은 무작위가 아니며 형식은 일반적으로 깊이를 감지하고 유기적 연결예술 작품의 내용, 감정적 톤, 그림의 구성 모두 예술가의 개별 기질과 전체 시대의 취향을 똑같이 명확하게 반영합니다. 형식과 작가의 의도가 그림 앞에서 숨은 인과관계를 느끼며, 진정한 작품의 매력이 나온다. 내용이 형식의 본질과 너무 융합되어 비율의 약간의 변화가 그림의 문체 및 이데올로기 균형을 뒤엎는 것처럼 보이는 그림이 있습니다.

일반적으로 가로로 길쭉한 형식은 내러티브 구성, 시청자를 지나는 움직임의 순차적 전개에 확실히 더 적합합니다. 따라서 기분이 서사적이며 활동적인 구성, 행동을 위해 노력하는 예술가, 예를 들어 14 세기와 15 세기 전반의 이탈리아 화가 (특히 프레스코 구성)와 같이 기꺼이이 형식으로 전환합니다. 반대로, 정사각형 형식 또는 높이가 너비보다 다소 우세한 형식은 마치 동작의 역학을 즉시 멈추고 컴포지션에 엄숙한 표현의 특성을 부여하는 것처럼-이 유형의 형식은 제단화(" 시스틴 마돈나"). 차례로 너비보다 높이가 훨씬 우세한 구성은 다시 역 동성과 강력한 견인력을 얻었지만 이번에는 위아래로 이러한 좁은 형식은 특히 귀족, 장식 (Crivelli) 또는 신비로운 예술가가 좋아했습니다. (매너리스트, 그레코 ) 특정 감정, 분위기를 구현하려고 합니다.

형식과 예술가의 개별 기질의 연결도 의심의 여지가 없습니다. 루벤스의 감각적이고 역동적인 환상은 렘브란트의 절제되고 영적인 환상보다 더 큰 형식이 필요합니다. 마지막으로 형식은 다음에 직접적으로 의존합니다. 회화 기법. 작가의 획이 더 넓고 자유로울수록 큰 형식에 대한 그의 욕망은 더 자연스러워집니다.