손으로 엘 그레코 남성 초상화입니다. 가슴에 손을 얹은 기사

스베틀라나 오부코바

El Greco, 즉 그리스인이라는 이름으로 스페인 톨레도를 정복 한 예술가 인 Cretan Domenico Theotokopuli의 삶에 대해서는 거의 증거가 남아 있지 않습니다. 그의 캐릭터의 "어리 석음"과 이상한 그림 방식은 많은 사람들을 놀라게했고 펜을 들도록 강요했지만 몇 글자 만 살아 남았습니다. 그중 하나에는 다음과 같은 내용이 포함되어 있습니다. “... 날씨가 아름다웠고 봄 햇살이 부드럽게 빛났습니다. 그것은 모든 것에 기쁨을 주었고 도시는 축제처럼 보였습니다. El Greco의 작업장에 들어갔을 때 창문의 셔터가 닫혀있어 주변을보기가 어려웠던 것을보고 놀랐을 때를 상상해보십시오. 엘 그레코 자신도 의자에 앉아 아무것도 하지 않고 깨어 있었습니다. 그는 나와 함께 외출하고 싶지 않았습니다. 그에 따르면 햇빛이 그의 내면의 빛을 방해했기 때문입니다 ... "

남자 Domenico에 대한 증거는 거의 없으며 메아리 만 있습니다. 그는 웅장한 스타일로 살았고 가장 풍부한 도서관을 유지했으며 많은 철학자를 읽었으며 고객을 고소했습니다 (그는 사랑 받았지만 더 자주 이해하지 못함). 얇은 광선 일광그의 삶의 "닫힌 셔터"의 균열을 뚫습니다. 그러나 그들은 예술가 El Greco의 그림을 채우는 내면의 빛에서 중요한 것을 산만하게하지 않습니다. 특히 초상화.

묘사되는 사람 뒤에 펼쳐지는 풍경이 없으며 호기심 많은 눈을 끄는 세부 사항이 풍부하지 않습니다. 영웅의 이름조차 종종 그림에서 제외됩니다. 이 모든 것이 얼굴을 보는 것을 방해하기 때문입니다. 그리고 당신을 똑바로 바라보는 깊고 어두운 눈. 그들에게서 벗어나는 것은 어렵고 자신을 강요하면 제스처를보고 다시 생각에서 멈 춥니 다.

주인이 톨레도로 이주한 직후에 쓴 "가슴에 손을 얹은 신사의 초상화"(1577-1579)입니다. 이 초상화는 16세기 스페인 회화에서 최고 중 하나로 인정받고 있습니다. Outlander El Greco는 "밝은 이미지를 만들었습니다. 스페인 생활그리고 이야기"는 "우리 국민이 존경해야 할 모든 것, 영웅적이고 불굴의 모든 것, 그 본질을 파괴하지 않고는 반영 될 수밖에없는 반대 속성과 결합하는 진정한 살아있는 존재"(A. Segovia)를 묘사합니다. 고대 톨레도 가문의 귀족들이 엘 그레코의 진정한 영웅이 되었고, 그는 그들을 보았습니다. 내면의 빛- 그들의 고귀함과 존엄성, 의무에 대한 충실함, 지성, 매너의 세련됨, 용기, 외적 억제와 내적 충동, 무엇을 위해 살고 죽는지를 아는 마음의 힘 ...

날마다 프라도 갤러리 방문객들은 미지의 히달고 앞에 서서 "얼마나 살아 있는지 ..."라는 말과 함께 놀랐습니다. 이 기사는 누구입니까? 왜 이렇게 진심으로 마음을 여는 걸까? 그의 눈은 왜 그렇게 매력적입니까? 그리고 이 맹세 제스처? 그리고 칼의 자루?.. 아마도 이러한 질문은 초상화에 묘사된 사람이 또 다른 위대한 스페인 사람인 Miguel de Cervantes라는 전설을 불러일으켰을 것입니다. El Greco와 같은 신성한 선물을받은 슬픈 이미지의 기사의 이야기를 세상에 전한 전사이자 작가-사람을있는 그대로보고 내면의 빛을보기 위해 ...

그리고 암자에 있는 프라도 미술관의 다른 그림들...

엘 그레코 "십자가를 안고 있는 그리스도" 1600-1605

El Greco의 전형적인 폭풍우가 치는 하늘을 배경으로 묘사된 그리스도는 우아한 팔로 십자가를 안고 차분한 운명을 바라보고 있습니다. 이 그림은 큰 성공을 거두었고 El Greco의 작업장에서 많은 버전이 만들어졌습니다.

엘 그레코 "성 안나와 어린 세례자 요한이 있는 성가족" c. 1600년 - 1605년

엘 그레코의 후기 작품은 날카로운 색채와 섬광의 사용이 특징입니다. 공간은 지평선을 가리는 인물들로 가득 차 있습니다. 진동하는 획으로 그린 ​​형태는 물성을 잃습니다. 어린 세례자 요한은 어린 그리스도의 평화를 방해하지 않기 위해 시청자에게 침묵을 요구합니다...

벨라스케스 - 필립 4세의 초상 필립 4세의 초상. 1653-1657

심리적 초상화의 기초 유럽 ​​예술내려놓은 스페인 화가디에고 로드리게스 데 실바 벨라스케스 그는 세비야의 가난한 귀족 가정에서 태어나 장로 에레라와 파체코를 사사했습니다. 1622년에 그는 처음으로 마드리드에 왔습니다. 실용적인 의미에서 이번 여행은 그다지 성공적이지 않았습니다. Velasquez는 자신에게 합당한 장소를 찾지 못했습니다. 그는 젊은 왕 필리프 4세를 만나기를 바랐지만 만남은 이루어지지 않았습니다. 그럼에도 불구하고 젊은 예술가에 대한 소문이 법정에 이르렀고 이미 내년 인 1623 년에 초대 장관 인 Duke de Olivares (또한 세비야 출신)는 Velázquez를 마드리드로 초대하여 왕의 초상화를 그렸습니다. 우리에게 전해지지 않은 이 작품은 군주에게 너무나 좋은 인상을 주어서 즉시 벨라스케스에게 궁정 화가의 자리를 제안했습니다. 곧 왕과 벨라스케스 사이에 우호 관계, 이는 스페인 법원에서 승소 한 명령에 대해 그다지 일반적이지 않았습니다. 세계 최대의 제국을 다스리는 왕은 인간이 아닌 신으로 여겨졌고, 예술가는 의지조차 할 수 없었다. 고귀한 특권일을 해서 생계를 꾸렸기 때문입니다. 한편 Philip은 앞으로 Velasquez만이 자신의 초상화를 그리도록 명령했습니다. 위대한 군주는 놀라울 정도로 관대했고 벨라스케스를 지지했습니다. 작가의 스튜디오는 왕실 아파트에 있었고 폐하의 의자가 거기에 설치되었습니다. 작업장의 열쇠를 가지고 있던 왕은 예술가의 작업을 관찰하기 위해 거의 매일 이곳에 왔습니다. 이 중 10 개가 조금 넘는 그림이 우리에게 왔습니다. 따라서 평균적으로 Velasquez는 약 3년에 한 번씩 자신의 대군주를 연기했습니다. 왕의 초상화를 그리는 것은 벨라스케스의 작품이었고 그는 이 일을 완벽하게 해냈습니다. 덕분에 우리는 고유한 종류의 복잡한 작업을 수행할 수 있습니다. Velasquez의 초상화에서 추적할 수 있습니다. 인생의 길필립 왕은 나중에 사진 시대에만 관습이 된 것처럼 분명합니다. 진화는 작가의 캔버스에서 명확하게 볼 수 있습니다. 첫째, 왕 자신이 변하고 있습니다. 첫 번째 초상화는 18 세, 마지막 초상화는 50 세이며 그의 얼굴에는 나이와 영적 변화의 흔적이 있습니다. 둘째, 자신의 모델에 대한 작가의 인식이 깊어져 피상적인 것에서 통찰력 있는 것으로 변한다. 시간이 지남에 따라 모델이 표시되는 방식이 변경되고 예술적 기법. Velazquez의 매너는 자신의 영향으로 변형됩니다. 창조적 성장, 뿐만 아니라 현대 국내외 전통의 영향을 받고 있습니다. 이 흉상 초상화에서 펠리페 4세는 군주의 얼굴을 강조하는 흰색 칼라가 달린 검은색 로브를 입고 어두운 배경을 배경으로 보여집니다. 벨라스케스는 왕의 초상에서 과시적인 사치를 피하고 " 인간의 얼굴» 어떤 아첨이나 궁중 속임수도 없는 군주. 우리는 캔버스에서 우리를 바라 보는 사람이 불행하다고 분명히 느낍니다. 통치의 마지막 해는 왕에게 쉽지 않았습니다. 이것은 실망을 아는 사람이지만 동시에 육체가 타고난 위대함으로 가득 차있어 아무것도 흔들릴 수없는 사람입니다. 또 다른 화성, 그의 골수에 대한 스페인 사람-Pablo Ruiz Picasso는 스페인 왕의 이미지에 대해 이렇게 말합니다. "Velasquez가 만든 것을 제외하고는 또 다른 Philip IV를 상상할 수 없습니다 ..."

"왕 필리프 4세의 초상"(c. 1653 - 1657)

중 하나 최신 초상화군주. 묘사되는 사람의 왕족 지위를 나타내는 단일 요소가 여기에 없다는 점에 주목하는 것은 흥미 롭습니다. Velazquez는 거의 40년 동안 Philip IV를 섬겼습니다. 1623년부터 죽을 때까지 그는 왕과 그의 가족의 초상화, 왕실 컬렉션을 위한 큰 플롯 캔버스를 그렸습니다.

Diego Velasquez "광대 Don Diego de Acedo의 초상화"(El Primo) c. 1644년

디에고 벨라스케스 "오스트리아 마리안 여왕의 초상" 1652-1653

Titian (Tiziano Vecellio) "큐피드와 오르가니스트가 있는 비너스" 1555

음악가는 비너스의 발치에 앉아 큐피드와의 추상적 게임인 여신의 알몸을 감상하며 연주한다. 어떤 사람들은 이 그림에서 순전히 에로틱한 작품을 보았고, 다른 사람들은 시각과 청각이 아름다움과 조화를 이해하는 도구로 작용하는 감정의 우화로 그것을 상징적으로 인식했습니다. Titian은 이 주제의 다섯 가지 버전을 썼습니다.

Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - 참회하는 막달라 마리아 1583

회심한 후 막달라 마리아는 세상에서 물러나 회개와 기도에 평생을 바쳤습니다. 이 캔버스에는 그녀가 하늘을 바라보고 물에 잠긴 모습이 묘사되어 있습니다. 신성한 빛. 그림은 그의 작업 후반기에 Veronese의 스타일의 특징 인 두껍고 어두운 색상으로 작성되었습니다. 스페인 왕실 컬렉션에 들어가기 전에 작품은 영국 왕찰스 1세(1649년 처형)

Anthony van Dyck "류트를 든 남자의 초상" 1622-1632

Anthony van Dyck은 그의 명성을 정확하게 초상화 장르에 빚지고 있습니다. 유럽 ​​회화다소 낮은 위치를 차지했습니다. 그러나 이때까지 플랑드르에서는 초상화 예술의 전통이 이미 발전했습니다. Van Dyck은 수백 점의 초상화와 여러 자화상을 그렸고 17세기 의식 초상화 스타일의 창시자 중 한 명이 되었습니다. 동시대인들의 초상화에서 그는 그들의 지적, 감정의 세계, 영적 삶, 인간의 살아있는 성격.
이 초상화의 전통적인 모델은 1617년부터 1647년까지 영국 궁정의 류트 연주자였던 제이콥 고티에(Jacob Gautier)입니다. 이 이론에 의문을 던지는 Van Dyck의 런던 여행. 악기가 있다고 해서 반드시 모델이 음악가였다는 의미는 아닙니다. 상징으로서 악기는 종종 묘사된 인물의 지적 세련미와 감수성을 나타내기 위해 초상화로 묘사되었습니다.

후안 바티스타 마이노 "목자들의 경배" 1612-1614

마이노의 대표작 중 하나. State Hermitage 컬렉션에는 Maino가 쓴이 이야기의 다른 버전이 포함되어 있습니다. 화가는 파스트라나(과달라하라)에서 태어나 1604년부터 1610년까지 로마에서 살았다. 스페인으로 돌아가면서 쓴 이 작품에서 카라바조와 오라치오 젠틸레스키의 영향을 느낄 수 있다. 1613년에 마이노는 도미니코 수도회 회원이 되었고 이 그림은 톨레도에 있는 순교자 성 베드로 수도원의 제단 주기에 들어갔다.

Georges de Latour "거문고를 가진 눈먼 음악가" ca. 1625-1630년

라투르는 허디거디를 연주하는 시각장애인 음악가를 묘사하는데, 그는 이 이야기를 여러 번 반복했습니다. Caravaggio 스타일의 영향을 받아 작업한 아티스트는 디테일, 즉 장식하는 패턴을 열정적으로 재현합니다. 악기, 시각 장애인 얼굴의 주름, 머리카락.

Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "안드로메다를 풀어주는 페르세우스" ca. 1639-1640년

프란시스코 데 고야 "페르디난드 7세의 초상" 1814-1815

1814년 나폴레옹이 패배한 후, 페르디난트 7세는 스페인 왕좌로 복귀했습니다. 초상화에서 그는 카를로스 3세와 황금 양모의 명령을 받은 왕권과 함께 담어가 늘어선 왕실 망토에 묘사되어 있습니다.
1833년까지 나라를 통치했던 페르디난트 7세는 1819년 프라도 미술관을 설립했습니다.

프란시스코 데 고야 "마리아 폰 산타 크루스" 1805

프라도 초대 관장의 아내 마리아 폰 산타 크루즈는 당대 스페인에서 가장 존경받는 여성 중 한 명이었습니다.
1805년의 초상화에서 고야는 후작을 서정시의 뮤즈인 에우테르페(Euterpe)로 묘사했습니다. 그녀는 왼손에 거문고를 들고 캐노피에 기대어 있었습니다. 그러한 이미지의 선택은 시에 대한 후작의 열정 때문입니다.

프란시스코 고야 - "가을(포도 수확)" 1786 - 1787

프란시스코 고야 - 포도 수확. 파편

1775~1792년에 고야는 마드리드 외곽에 있는 에스코리알 궁전과 프라도 궁전을 위한 7개의 골판지 태피스트리 시리즈를 만들었습니다. 특히 이 그림은 계절 시리즈에 속하며 프라도에 있는 아스투리아스 왕자의 식당을 위해 제작되었습니다. Goya는 고전적인 음모를 다양한 계급 간의 관계의 본질을 반영하는 일상적인 장면으로 묘사했습니다. 그림은 포도원 주인과 아들 및 하녀를 보여줍니다.

프란시스코 고야 "호세 데 우루티아 장군의 초상"(1798년경)

José de Urrutia(1739 - 1809) - 가장 저명한 스페인 군사 지도자 중 한 명이자 18세기에 총사령관 직급에 도달한 비귀족 출신의 유일한 육군 장교는 성 조지 교단으로 묘사됩니다. 그는 1789년 크림 캠페인 기간 동안 오차코프 포획에 참여한 공로로 러시아 여제 예카테리나 대제로부터 상을 받았습니다.

피터 폴 루벤스 "마리 드 메디치의 초상". 좋아요. 1622-1625.

Maria Medici(1573 - 1642)는 토스카나 대공 Francesco I의 딸이었습니다. 1600년에 그녀는 프랑스 왕 Henry IV의 아내가 되었습니다. 1610년부터 그녀는 미래의 루이 13세 왕이 될 어린 아들의 섭정이었습니다. 루벤스 그녀는 자신과 고인이 된 남편을 찬양하는 일련의 작품을 의뢰했습니다. 초상화는 과부의 머리 장식을 쓰고 미완성 배경을 배경으로 한 여왕을 보여줍니다.

도메니코 틴토레토 "가슴을 드러내는 여자" ca. 1580-1590년

Vicente Lopez Portagna "왕실 예배당의 첫 번째 오르간 연주자 Felix Maximo Lopez의 초상화" 1820

로코코 양식의 흔적을 간직한 스페인 신고전주의 화가. Lopez는 Francisco de Goya에 이어 두 번째로 당대 최고의 초상화 화가 중 한 명으로 간주되었습니다. 그는 13세에 발렌시아에서 그림을 공부하기 시작했고, 4년 후 산 카를로스 아카데미에서 여러 차례 1등상을 수상했으며, 그로 인해 수도의 권위 있는 왕립 아카데미에서 공부할 수 있는 장학금을 받았습니다. 미술산 페르난도. 학업을 마친 후 Lopez는 선생님인 Mariano Salvador Maella의 워크숍에서 몇 년 동안 일했습니다. 1814년 프랑스 점령 이후 로페즈는 이미 충분히 건강해졌습니다. 유명한 예술가, 그래서 스페인 왕 Ferdinand VII는 당시 Francisco Goya 자신이 "최초의 왕실 예술가"였음에도 불구하고 그를 마드리드로 소환하고 그를 공식 궁정 화가로 임명했습니다. Vicente López는 다작의 예술가였으며 종교, 우화, 역사 및 신화 주제를 그렸지만 무엇보다도 그는 물론 초상화 화가였습니다. 오랜 경력 동안 그는 19세기 전반에 스페인의 거의 모든 유명인의 초상화를 그렸습니다.
왕실 예배당의 첫 번째 오르간 연주자의 이 초상화와 유명한 음악가작곡가는 예술가가 사망하기 직전에 작성되었으며 그의 장남 Ambrosio Lopez가 완성했습니다.

안톤 라파엘 멩스 "아스투리아스의 공주, 파르마의 마리아 루이스의 초상" 1766

후안 산체스 코탄 "게임, 야채, 과일이 있는 정물" 1602

Don Diego de Acedo는 1635년부터 법정에 있었습니다. "어릿 광대의 봉사"외에 그는 왕실 메신저 역할을했으며 왕의 인장을 담당했습니다. 분명히 그림에 묘사된 책, 종이, 필기구는 이러한 활동을 말하고 있습니다. 이 초상화는 Philip IV가 Diego de Acedo와 동행하여 Aragon으로 여행하는 동안 Huesca 지방의 Fraga에서 그린 것으로 믿어집니다. 배경에는 Guadarrama 산맥의 Maliceos 봉우리가 있습니다.

Hieronymus Bosch "어리석음의 돌 제거" c. 1490년

풍경을 배경으로 인물들이 등장하는 풍자적인 장면에서 '어리석음의 돌'을 추출하기 위한 작전이 그려지고 있다. 명 고딕 글꼴읽기: - "주인님, 돌을 빨리 치우십시오. 제 이름은 Lubbert Das입니다." Lubbert는 무지와 무죄를 나타내는 일반 명사입니다. 무지를 상징하는 거꾸로 된 깔때기 형태의 머리 장식을 한 외과의는 속기 쉬운 환자의 머리에서 돌 (수련)을 "추출"하고 그에게 관대 한 지불을 요구합니다. 그 당시 순박한 사람들은 그들의 어리석음에 대한 책임이 머리에 박힌 돌이라고 믿었습니다. 이것이 charlatans가 사용한 것입니다.

라파엘로(Raffaello Santi) "양을 안고 있는 성가" 1507

마리아는 작은 그리스도가 어린 양 위에 앉도록 도와줍니다. 기독교 상징다가오는 그리스도의 수난과 성 베드로 요셉이 그들을 지켜보고 있습니다. 이 그림은 화가가 성가족과 함께 작곡한 레오나르도 다빈치의 작품을 연구한 피렌체에서 그렸습니다. 프라도 미술관에서 초기에 쓴 라파엘로의 유일한 작품입니다.

알브레히트 뒤러 "알려지지 않은 남자의 초상" ca. 1521년

초상화가 속한 후기뒤러의 작품. 네덜란드 예술가의 스타일과 유사한 방식으로 작성되었습니다. 챙이 넓은 모자는 인물의 얼굴에 시선을 집중시키고 왼쪽에서 떨어지는 빛은 보는 사람의 시선을 집중시킨다. 초상화에서 두 번째 관심의 초점은 손이며 무엇보다도 알 수없는 사람이 두루마리를 들고있는 왼쪽으로 그의 사회적 지위를 설명하는 것 같습니다.

Rogier Van der Weyden "애도" c. 1450년

모델은 1444년 이전에 Van der Weyden이 만들고 약간의 차이를 두고 반복한 Miraflores 수도원(베를린의 아트 갤러리에 보관)을 위한 제단 삼부작이었습니다. 이 버전에서는 알 수 없는 기간에 상단 부분이 추가되어 Mary, Christ, St. John과 Broers 가족의 일원 인 기증자 (그림 고객)는 같은 공간에 그려져 있습니다. 작가는 죽은 아들의 시신을 가슴에 안고 신의 어머니의 슬픔을 표현적으로 전한다. 왼쪽의 비극적 인 그룹은 돌로 분리 된 기증자의 모습에 의해 반대됩니다. 그는 기도하는 마음으로 집중하는 상태에 있습니다. 그 당시 손님들은 종종 자신의 그림을 그려달라고 요청했습니다. 그러나 그들의 이미지는 항상 부차적이었습니다. 배경, 군중 등 어딘가에 있습니다. 여기에서 기증자는 전경에 묘사되어 있지만 돌과 색상의 도움으로 주 그룹과 분리됩니다.

Alonso Cano "천사의 지원을 받는 죽은 그리스도" c. 1646년 - 1652년

황혼의 풍경을 배경으로 천사가 생명이없는 그리스도의 몸을 지원합니다. 이 캔버스의 특이한 도상학은 그것이 복음주의 텍스트가 아니라 소위 성 베드로의 그리스도와 관련되어 있다는 사실로 설명됩니다. 그레고리. 전설에 따르면, 교황 그레고리 대왕은 두 천사가 지지하는 죽은 그리스도의 환상을 보았습니다. Kano는이 이야기를 다른 방식으로 해석했습니다. 단 한 명의 천사 만이 움직이지 않는 그리스도의 몸을 지원합니다.

Bartolome Esteban Murillo "묵주의 성모" ca. 1650년 -1655년

Bartolome Esteban Murillo의 작품은 스페인 회화의 황금기를 완성합니다. Murillo의 작품은 구성이 완벽하고 정확하며 색상이 풍부하고 조화로우며 최고의 의미에서 아름답습니다. 그의 감정은 항상 진지하고 섬세하지만 Murillo의 캔버스에는 더 이상 그의 동시대 작품에서 그렇게 충격적인 영적 힘과 깊이가 없습니다. 예술가의 삶은 마드리드와 다른 도시를 방문해야 했지만 고향인 세비야와 연결되어 있습니다. 지역 화가인 Juan del Castillo(1584-1640)와 함께 공부한 후 Murillo는 수도원과 사원의 명령에 따라 많은 일을 했습니다. 1660년에 그는 세비야 미술 아카데미의 회장이 되었습니다.
Murillo는 종교적 주제에 대한 그의 캔버스를 통해 위로와 안심을 가져오고자 했습니다. 그가 하나님의 어머니의 이미지를 자주 그린 것은 우연이 아닙니다. 사진에서 사진으로 마리아의 이미지는 규칙적인 이목구비와 차분한 표정을 지닌 사랑스러운 어린 소녀의 모습으로 지나갔습니다. 그녀의 청순한 모습은 보는 사람에게 달콤한 부드러움을 불러일으킬 예정이었다. 이 그림에서 Bartolome Murillo는 전통적인 가톨릭 묵주기도인 묵주를 들고 있는 성모 마리아와 예수를 묘사했으며, 이 묵주기도는 화가의 시대에 매우 중요하게 여겨졌습니다. 이 작품에서는 17세기 전반기 세비야파 대표들의 작품에 우세했던 자연주의적 특징이 여전히 눈에 띄지만, 무리요의 화풍은 이미 초기 작품보다 더 자유롭다. 이 자유로운 방식은 성모 마리아의 베일을 묘사한 것에서 특히 두드러집니다. 작가는 밝은 빛을 사용하여 어두운 배경에 인물을 강조하고 처녀의 얼굴과 아기 그리스도의 몸의 섬세한 색조와 직물 주름의 깊은 그림자 사이에 대비를 만듭니다.
17세기 안달루시아에서는 아이와 함께 있는 하나님의 어머니의 이미지가 특별히 요구되었습니다. 무리요, 그의 창조적 인 삶세비야에서 일어 났고 부드러움이 스며 든 많은 그림을 그렸습니다. 이 경우 묵주를 든 성모님이 그려져 있습니다. 그리고 여기에서 그의 작업 초기와 마찬가지로 예술가는 명암 대비에 대한 그의 선호에 충실합니다.

바르톨로메 에스테반 무리요 "선한 목자" 1655-1660

그림은 깊은 서정과 친절로 가득 차 있습니다. 제목은 "나는 선한 목자다"라는 요한복음에서 따온 것입니다. 이것은 그 그림이 그리스도를 묘사하고 있음을 말해준다. 초기. Murillo의 그림에서는 모든 것이 아름답고 단순합니다. 작가는 아이들을 그리는 것을 좋아했고, 이 모든 사랑을 이 소년-신의 이미지의 아름다움에 담았습니다. 1660년대와 1670년대에 그의 회화적 기술이 전성기 동안 Murillo는 그의 캐릭터를 시화하기 위해 노력했고, 그는 종종 감상적인 이미지와 의도적인 아름다움으로 비난을 받았습니다. 그러나 이러한 비난은 완전히 공정하지 않습니다. 그림에 묘사된 아이는 오늘날 세비야와 주변 마을에서 모두 볼 수 있습니다. 마돈나의 아름다움을 평범한 스페인 여성의 아름다움과 동등하게 만들고 그녀의 아들 작은 그리스도의 아름다움을 거리 말괄량이의 아름다움과 동등하게 만드는 것이 바로 여기에서 예술가 작업의 민주적 지향이 나타났습니다.

Alonso Sanchez Coelho "Infante Isabella Clara Eugenia와 Catalina Michaela의 초상" 1575

8세와 9세의 공주의 초상이 꽃 화환을 들고 있습니다. Sanchez Coelho는 Philip II 왕과 그의 세 번째 부인 Valois의 Isabella의 사랑하는 딸인 infantas의 초상화를 아주 어릴 때부터 그렸습니다. 모든 초상화는 법원 초상화의 표준에 따라 만들어집니다. 멋진 옷을 입은 소녀와 무표정한 표정을 가진 소녀입니다.

안톤 라파엘 멩스 카를로스 3세의 초상화. 1767년

Charles III는 아마도 스페인 역사상 유일하게 진정으로 깨달은 군주라고 불렸을 것입니다. 1785년에 처음으로 자연사 박물관으로 프라도 미술관을 설립한 사람이 바로 그 사람이었습니다. Charles III는 이웃과 함께 Prado Museum을 꿈꿨습니다. 식물원과학교육의 중심이 됩니다.
왕위에 오른 그는 당시 국가에 절실히 필요한 심각한 정치 및 경제 개혁을 시작했습니다. 그러나 그의 노력은 헛된 것이었습니다. 그의 아들 Charles IV는 아버지의 진보적 견해를 공유하지 않았으며 Charles III가 사망 한 후 개혁이 끝났습니다.
이 초상화는 그 시대의 절대적으로 전형입니다. 모든 세부 사항에서 아티스트는 모델이 차지하는 위치에 주목합니다. ermine으로 장식 된 맨틀, 보석이 박힌 몰타 십자가, 반짝이는 갑옷은 왕실 위대함의 필수 속성입니다. 무성한 휘장과 벽기둥(고전 건축의 요소)은 이러한 초상화의 전통적인 배경입니다.
그러나 이미 이 초상화에서 모델의 얼굴이 어떻게 표현되었는지는 놀랍습니다. Mengs는 양파 같은 장엄한 코를 축소하거나 주름진 뺨의 주름을 펴려고 시도하지 않습니다. 최대의 개성 덕분에 이 그림은 멍스의 전임자들이 이루지 못한 삶의 감각을 만들어낸다. 초상화는 그의 불완전한 모습을 "보여줄" 준비가 된 Carlos III에 대한 동정심을 느끼게합니다.

앙투안 와토 "공원의 축제" c. 1713년 - 1716년

이 매력적인 장면은 Watteau의 "용감한 축하"의 전형적인 예입니다. 옅은 안개, 윤활 윤곽선, 분수 위의 단풍에 거의 숨겨져있는 해왕성 동상 및 희미한 황금색-이 모든 것이 날카 롭지 만 덧없는 즐거움의 분위기를 전달합니다.
이 그림은 Philip V 왕의 두 번째 부인인 Isabella Farnese의 소유였습니다.

안토니오 카르니세로 "아랑후에즈에서 열기구 올리기" c. 1784년

이 그림은 오스완 공작과 공작부인의 의뢰로 이루어졌으며 업적에 대한 관심을 불러일으킨 계몽주의 정신을 담고 있습니다. 과학적 진보. 실제 사건이 묘사됩니다. 1784 년 Aranjuez의 Royal Gardens에서 군주, 그의 가족 및 궁중 구성원이있는 가운데 Montgolfier 풍선을 타고 비행이 이루어졌습니다. Antonio Carnicero는 그의 매력적인 장르 장면으로 유명했으며 이 캔버스는 그의 가장 야심찬 작품 중 하나입니다.

José de Madrazo y Agudo "하늘의 사랑과 지상의 사랑" 1813

Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. 신의 어린 양" 1635-1640

양 한 마리가 회색 탁자 위에 놓여 있고, 선명하게 초점을 맞춘 밝은 빛 속에서 어두운 배경에 선명하게 눈에 띕니다. 17 세기의 모든 사람은 즉시 "하나님의 어린 양"을 인식하고 이것이 그리스도의 자기 희생의 암시임을 이해할 것입니다. 양털은 눈에 띄게 쓰여지고 동물에서 눈을 떼기 어렵고 만지고 싶을 정도로 부드러워 보입니다.

Juan Pantoja de la Cruz "발루아의 이사벨 여왕의 초상" c. 1604년 - 1608년

Pantoja de la Cruz는 1604년 궁전에서 소실된 원본인 Sofonisba Anguishola의 작품을 되풀이하여 이 초상화를 그렸습니다. 작가는 여왕의 의상에 마못 털 망토만 더했다.
Sofonisba Anguixola는 스페인 궁정에서 일했던 Cremona 출신의 예술가입니다. 작가가 만든 시리즈 중 첫 번째 젊은 여왕의 초상화였습니다. 그림은 스페인어에 가까운 방식으로 작성되었지만 더 따뜻하고 밝은 색상으로 작성되었습니다.

장 란 "어린 시절 카를로스 3세의 초상" 1723

Luis Melendez "과자 상자, 프레첼 및 기타 물건이 있는 정물" 1770

스페인어의 가장 위대한 거장 정물 XVIII c., Luis Melendez는 Asturias의 미니어처 가족에서 이탈리아에서 태어났습니다. 1717 년에 가족은 마드리드로 이주하여 청년이 산 페르난도 아카데미 준비 부서에 들어갔고 가장 재능있는 학생들 중 1 위를 차지했습니다. 그러나 1747년에 그는 분쟁의 결과로 아카데미에서 추방된 아버지의 여파로 아카데미를 떠나야 했습니다. 이 기간 동안 Melendez는 다시 이탈리아를 방문합니다. 처음에는 아버지를 도우면서 세밀화가가 되었고 이탈리아에서 돌아온 그는 페르디난드 6세의 초대를 받아 마드리드 왕립 예배당의 책 삽화를 그렸습니다. 작가가 1760년대 초에 전향한 정물의 장르에서 그의 작품의 새로운 면모가 나타났다.
이 정물화는 성숙기예술가의 창의성. 이때 명품,은 식기가 그의 작곡에 등장한다. 그럼에도 불구하고 작가는 여전히 자신의 이상을 고수하고 장르 전통에 따라 작업합니다. 캔버스에 그려진 각 사물의 물질적 유형성은 세계 미술에서 정물화의 가장 좋은 예를 떠올리게 합니다. 은색 꽃병의 흐릿하고 반짝이는 표면에 유리의 만져지는 투명한 유리가 반사됩니다. 하얀 냅킨에 부드러운 프레첼, 갓 구운 빵 냄새가 나는 것 같습니다. 봉인된 병의 목이 칙칙하게 빛난다. 은색 포크가 조명 테이블 가장자리를 약간 넘어 돌출되어 있습니다. 이 정물의 구성에는 예를 들어 Zurbaran의 정물의 특징과 같은 한 줄의 금욕적인 개체 배열이 없습니다. 아마도 그것은 네덜란드 샘플과 공통점이 있습니다. 그러나 톤은 더 어둡고 개체는 더 작고 구성은 더 단순합니다.

후안 데 아렐라노 "꽃바구니" 1670

꽃꽂이를 전문으로 하는 스페인 바로크 화가인 그는 1614년 산토르카제에서 태어났습니다. 처음에 그는 지금은 알려지지 않은 예술가의 스튜디오에서 공부했지만 16세에 마드리드로 이사하여 이사벨라 여왕의 의뢰를 완료한 예술가인 Juan de Solis와 함께 공부했습니다. 후안 데 아렐라노 오랫동안그는 꽃 그림에만 집중하기로 결정하고 이 분야에서 타의 추종을 불허하는 대가가 될 때까지 벽화를 포함한 작은 커미션으로 살았습니다. 주인은 다른, 특히 이탈리아 예술가의 작품을 복사하는 것으로 시작했다고 믿어지며 플랑드르 정물은 그의 스타일에 우아함과 엄격함을 더했습니다. 나중에 이 조합에 그는 자신의 구성 결과와 특징적인 색상 팔레트를 추가했습니다.
이 정물의 다소 단순한 구성은 Arellano의 특징입니다. 강렬한 조명으로 인해 뉴트럴한 갈색 배경에 순수하고 강렬한 식물 색상이 밝게 돋보입니다.

El Greco, 즉 그리스인이라는 이름으로 스페인 톨레도를 정복 한 예술가 인 Cretan Domenico Theotokopuli의 삶에 대해서는 거의 증거가 남아 있지 않습니다. 그의 캐릭터의 "어리 석음"과 이상한 그림 방식은 많은 사람들을 놀라게했고 펜을 들도록 강요했지만 몇 글자 만 살아 남았습니다. 그중 하나에는 다음과 같은 내용이 포함되어 있습니다. “... 날씨가 아름다웠고 봄 햇살이 부드럽게 빛났습니다. 그것은 모든 것에 기쁨을 주었고 도시는 축제처럼 보였습니다. El Greco의 작업장에 들어갔을 때 창문의 셔터가 닫혀있어 주변을보기가 어려웠던 것을보고 놀랐을 때를 상상해보십시오. 엘 그레코 자신도 의자에 앉아 아무것도 하지 않고 깨어 있었습니다. 그는 나와 함께 외출하고 싶지 않았습니다. 그에 따르면 햇빛이 그의 내면의 빛을 방해했기 때문입니다 ... "

남자 Domenico에 대한 증거는 거의 없으며 메아리 만 있습니다. 그는 웅장한 스타일로 살았고 가장 풍부한 도서관을 유지했으며 많은 철학자를 읽었으며 고객을 고소했습니다 (그는 사랑 받았지만 더 자주 이해하지 못함). 얇은 일광 빛은 그의 삶의 "닫힌 셔터"의 균열을 뚫습니다. 그러나 그들은 예술가 El Greco의 그림을 채우는 내면의 빛에서 중요한 것을 산만하게하지 않습니다. 특히 초상화.

묘사되는 사람 뒤에 펼쳐지는 풍경이 없으며 호기심 많은 눈을 끄는 세부 사항이 풍부하지 않습니다. 영웅의 이름조차 종종 그림에서 제외됩니다. 이 모든 것이 얼굴을 보는 것을 방해하기 때문입니다. 그리고 당신을 똑바로 바라보는 깊고 어두운 눈. 그들에게서 벗어나는 것은 어렵고 자신을 강요하면 제스처를보고 다시 생각에서 멈 춥니 다.

주인이 톨레도로 이주한 직후에 쓴 "가슴에 손을 얹은 신사의 초상화"(1577-1579)입니다. 이 초상화는 16세기 스페인 회화에서 최고 중 하나로 인정받고 있습니다. 외국인 El Greco는 "스페인의 삶과 역사의 생생한 이미지"를 만들었습니다. "진정한 살아있는 존재, 우리 국민이 존경해야 할 모든 것, 영웅적이고 불굴의 모든 것, 파괴하지 않고 반영될 수밖에 없는 반대 속성을 결합한 것입니다. 그것의 본질”(A. Segovia). 고대 톨레도 가문의 귀족들은 엘 그레코의 진정한 영웅이 되었습니다. 그는 고귀함과 존엄성, 의무에 대한 충성심, 지성, 매너의 정교함, 용기, 외부 구속 및 내적 충동, 마음의 힘과 같은 내면의 빛을 보았습니다. 무엇을 위해 살고 죽는지 안다. . .

날마다 프라도 갤러리 방문객들은 미지의 히달고 앞에 서서 "얼마나 살아 있는지 ..."라는 말과 함께 놀랐습니다. 이 기사는 누구입니까? 왜 이렇게 진심으로 마음을 여는 걸까? 그의 눈은 왜 그렇게 매력적입니까? 그리고 이 맹세 제스처? 그리고 칼의 자루?.. 아마도 이러한 질문은 초상화에 묘사된 사람이 또 다른 위대한 스페인 사람인 Miguel de Cervantes라는 전설을 불러일으켰을 것입니다. El Greco와 같은 신성한 선물을받은 슬픈 이미지의 기사의 이야기를 세상에 전한 전사이자 작가-사람을있는 그대로보고 내면의 빛을보기 위해 ...

잡지 "국경없는 남자"에

스베틀라나 오부코바

El Greco, 즉 그리스인이라는 이름으로 스페인 톨레도를 정복 한 예술가 인 Cretan Domenico Theotokopuli의 삶에 대해서는 거의 증거가 남아 있지 않습니다. 그의 캐릭터의 "어리 석음"과 이상한 그림 방식은 많은 사람들을 놀라게했고 펜을 들도록 강요했지만 몇 글자 만 살아 남았습니다. 그중 하나에는 다음과 같은 내용이 포함되어 있습니다. “... 날씨가 아름다웠고 봄 햇살이 부드럽게 빛났습니다. 그것은 모든 것에 기쁨을 주었고 도시는 축제처럼 보였습니다. El Greco의 작업장에 들어갔을 때 창문의 셔터가 닫혀있어 주변을보기가 어려웠던 것을보고 놀랐을 때를 상상해보십시오. 엘 그레코 자신도 의자에 앉아 아무것도 하지 않고 깨어 있었습니다. 그는 나와 함께 외출하고 싶지 않았습니다. 그에 따르면 햇빛이 그의 내면의 빛을 방해했기 때문입니다 ... "

남자 Domenico에 대한 증거는 거의 없으며 메아리 만 있습니다. 그는 웅장한 스타일로 살았고 가장 풍부한 도서관을 유지했으며 많은 철학자를 읽었으며 고객을 고소했습니다 (그는 사랑 받았지만 더 자주 이해하지 못함). 얇은 일광 광선이 그의 삶의 "닫힌 셔터"의 균열을 뚫습니다. 그러나 그들은 예술가 El Greco의 그림을 채우는 내면의 빛에서 중요한 것을 산만하게하지 않습니다. 특히 초상화.

묘사되는 사람 뒤에 펼쳐지는 풍경이 없으며 호기심 많은 눈을 끄는 세부 사항이 풍부하지 않습니다. 영웅의 이름조차 종종 그림에서 제외됩니다. 이 모든 것이 얼굴을 보는 것을 방해하기 때문입니다. 그리고 당신을 똑바로 바라보는 깊고 어두운 눈. 그들에게서 벗어나는 것은 어렵고 자신을 강요하면 제스처를보고 다시 생각에서 멈 춥니 다.

주인이 톨레도로 이주한 직후에 쓴 "가슴에 손을 얹은 신사의 초상화"(1577-1579)입니다. 이 초상화는 16세기 스페인 회화에서 최고 중 하나로 인정받고 있습니다. 외국인 El Greco는 "스페인의 삶과 역사의 생생한 이미지"를 만들었습니다. "진정한 살아있는 존재, 우리 국민이 존경해야 할 모든 것, 영웅적이고 불굴의 모든 것, 파괴하지 않고 반영될 수밖에 없는 반대 속성을 결합한 것입니다. 그것의 본질”(A. Segovia). 고대 톨레도 가문의 귀족들이 엘 그레코의 진정한 영웅이 되었고, 그는 고귀함과 존엄성, 의무에 대한 충성심, 지성, 매너의 정교함, 용기, 외적 구속과 내적 충동, 마음의 힘, 무엇을 위해 살고 죽는지 아는 사람...

날마다 프라도 갤러리 방문객들은 미지의 히달고 앞에 서서 "얼마나 살아 있는지 ..."라는 말과 함께 놀랐습니다. 이 기사는 누구입니까? 왜 이렇게 진심으로 마음을 여는 걸까? 그의 눈은 왜 그렇게 매력적입니까? 그리고 이 맹세 제스처? 그리고 칼의 자루?.. 아마도 이러한 질문은 초상화에 묘사된 사람이 또 다른 위대한 스페인 사람인 Miguel de Cervantes라는 전설을 불러일으켰을 것입니다. El Greco와 같은 신성한 선물을받은 슬픈 이미지의 기사의 이야기를 세상에 전한 전사이자 작가-사람을있는 그대로보고 내면의 빛을보기 위해 ...

그리고 암자에 있는 프라도 미술관의 다른 그림들...

엘 그레코 "십자가를 안고 있는 그리스도" 1600-1605

El Greco의 전형적인 폭풍우가 치는 하늘을 배경으로 묘사된 그리스도는 우아한 팔로 십자가를 안고 차분한 운명을 바라보고 있습니다. 이 그림은 큰 성공을 거두었고 El Greco의 작업장에서 많은 버전이 만들어졌습니다.

엘 그레코 "성 안나와 어린 세례자 요한이 있는 성가족" c. 1600년 - 1605년

엘 그레코의 후기 작품은 날카로운 색채와 섬광의 사용이 특징입니다. 공간은 지평선을 가리는 인물들로 가득 차 있습니다. 진동하는 획으로 그린 ​​형태는 물성을 잃습니다. 어린 세례자 요한은 어린 그리스도의 평화를 방해하지 않기 위해 시청자에게 침묵을 요구합니다...

벨라스케스 - 필립 4세의 초상 필립 4세의 초상. 1653-1657

유럽 ​​예술의 심리적 초상화의 기초는 스페인 화가 Diego Rodriguez de Silva Velazquez가 마련했습니다. 그는 세비야의 가난한 귀족 가정에서 태어나 장로 에레라와 파체코를 사사했습니다. 1622년에 그는 처음으로 마드리드에 왔습니다. 실용적인 의미에서 이번 여행은 그다지 성공적이지 않았습니다. Velasquez는 자신에게 합당한 장소를 찾지 못했습니다. 그는 젊은 왕 필리프 4세를 만나기를 바랐지만 만남은 이루어지지 않았습니다. 그럼에도 불구하고 젊은 예술가에 대한 소문이 법정에 이르렀고 이미 내년 인 1623 년에 초대 장관 인 Duke de Olivares (또한 세비야 출신)는 Velázquez를 마드리드로 초대하여 왕의 초상화를 그렸습니다. 우리에게 전해지지 않은 이 작품은 군주에게 너무나 좋은 인상을 주어서 즉시 벨라스케스에게 궁정 화가의 자리를 제안했습니다. 곧 왕과 Velazquez 사이에 매우 우호적 인 관계가 형성되었는데 이는 스페인 법원에서 통치하는 명령에 대해 그다지 일반적이지 않았습니다. 세계 최대의 제국을 다스린 왕은 인간이 아닌 신으로 여겨졌고, 예술가는 노동으로 생계를 꾸렸기 때문에 고귀한 특권조차 기대할 수 없었다. 한편 Philip은 앞으로 Velasquez만이 자신의 초상화를 그리도록 명령했습니다. 위대한 군주는 놀라울 정도로 관대했고 벨라스케스를 지지했습니다. 작가의 스튜디오는 왕실 아파트에 있었고 폐하의 의자가 거기에 설치되었습니다. 작업장의 열쇠를 가지고 있던 왕은 예술가의 작업을 관찰하기 위해 거의 매일 이곳에 왔습니다. 이 중 10 개가 조금 넘는 그림이 우리에게 왔습니다. 따라서 평균적으로 Velasquez는 약 3년에 한 번씩 자신의 대군주를 연기했습니다. 왕의 초상화를 그리는 것은 벨라스케스의 작품이었고 그는 이 일을 완벽하게 해냈습니다. 덕분에 우리는 그 종류가 독특한 복잡한 작품을 보유하고 있습니다. Velázquez의 초상화는 나중에 사진 시대에만 관습이 된 것처럼 필립 왕의 삶의 길을 명확하게 추적합니다. 진화는 작가의 캔버스에서 명확하게 볼 수 있습니다. 첫째, 왕 자신이 변하고 있습니다. 첫 번째 초상화는 18 세, 마지막 초상화는 50 세이며 그의 얼굴에는 나이와 영적 변화의 흔적이 있습니다. 둘째, 자신의 모델에 대한 작가의 인식이 깊어져 피상적인 것에서 통찰력 있는 것으로 변한다. 시간이 지남에 따라 모델이 제시되는 방식과 예술적 기법이 변경됩니다. Velazquez의 방식은 자신의 창조적 성장뿐만 아니라 현대 국내외 전통의 영향으로 변형됩니다. 이 흉상 초상화에서 펠리페 4세는 군주의 얼굴을 강조하는 흰색 칼라가 달린 검은색 로브를 입고 어두운 배경을 배경으로 보여집니다. Velasquez는 왕의 초상에서 허세 부리는 사치를 피하고 아첨이나 궁중 교활함없이 군주의 "인간의 얼굴"을 보여줍니다. 우리는 캔버스에서 우리를 바라 보는 사람이 불행하다고 분명히 느낍니다. 통치의 마지막 해는 왕에게 쉽지 않았습니다. 이것은 실망을 아는 사람이지만 동시에 육체가 타고난 위대함으로 가득 차있어 아무것도 흔들릴 수없는 사람입니다. 또 다른 위대한 예술가, 뼈 골수에 대한 스페인 사람-Pablo Ruiz Picasso는 스페인 왕의 이미지에 대해 이렇게 말합니다. "Velasquez가 만든 것을 제외하고는 또 다른 Philip IV를 상상할 수 없습니다 ..."

"왕 필리프 4세의 초상"(c. 1653 - 1657)

군주의 마지막 초상화 중 하나. 묘사되는 사람의 왕족 지위를 나타내는 단일 요소가 여기에 없다는 점에 주목하는 것은 흥미 롭습니다. Velazquez는 거의 40년 동안 Philip IV를 섬겼습니다. 1623년부터 죽을 때까지 그는 왕과 그의 가족의 초상화, 왕실 컬렉션을 위한 큰 플롯 캔버스를 그렸습니다.

Diego Velasquez "광대 Don Diego de Acedo의 초상화"(El Primo) c. 1644년

디에고 벨라스케스 "오스트리아 마리안 여왕의 초상" 1652-1653

Titian (Tiziano Vecellio) "큐피드와 오르가니스트가 있는 비너스" 1555

음악가는 비너스의 발치에 앉아 큐피드와의 추상적 게임인 여신의 알몸을 감상하며 연주한다. 어떤 사람들은 이 그림에서 순전히 에로틱한 작품을 보았고, 다른 사람들은 시각과 청각이 아름다움과 조화를 이해하는 도구로 작용하는 감정의 우화로 그것을 상징적으로 인식했습니다. Titian은 이 주제의 다섯 가지 버전을 썼습니다.

Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - 참회하는 막달라 마리아 1583

회심한 후 막달라 마리아는 세상에서 물러나 회개와 기도에 평생을 바쳤습니다. 이 캔버스에서 그녀는 하늘을 바라보며 신성한 빛에 잠긴 모습으로 묘사됩니다. 그림은 그의 작업 후반기에 Veronese의 스타일의 특징 인 두껍고 어두운 색상으로 작성되었습니다. 스페인 왕실 컬렉션에 들어가기 전에 이 작품은 영국 왕 찰스 1세의 소유였습니다(1649년에 실행됨).

Anthony van Dyck "류트를 든 남자의 초상" 1622-1632

Anthony Van Dyck은 유럽 회화의 계층 구조에서 다소 낮은 위치를 차지한 초상화 장르에 대한 명성을 얻었습니다. 그러나 이때까지 플랑드르에서는 초상화 예술의 전통이 이미 발전했습니다. Van Dyck은 수백 점의 초상화와 여러 자화상을 그렸고 17세기 의식 초상화 스타일의 창시자 중 한 명이 되었습니다. 동시대 인물의 초상화에서 그는 지적, 정서적 세계, 영적 삶, 사람의 살아있는 성격을 보여주었습니다.
이 초상화의 전통적인 모델은 1617년부터 1647년까지 영국 궁정의 류트 연주자였던 제이콥 고티에(Jacob Gautier)입니다. 이 이론에 의문을 던지는 Van Dyck의 런던 여행. 악기가 있다고 해서 반드시 모델이 음악가였다는 의미는 아닙니다. 상징으로서 악기는 종종 묘사된 인물의 지적 세련미와 감수성을 나타내기 위해 초상화로 묘사되었습니다.

후안 바티스타 마이노 "목자들의 경배" 1612-1614

마이노의 대표작 중 하나. State Hermitage 컬렉션에는 Maino가 쓴이 이야기의 다른 버전이 포함되어 있습니다. 화가는 파스트라나(과달라하라)에서 태어나 1604년부터 1610년까지 로마에서 살았다. 스페인으로 돌아가면서 쓴 이 작품에서 카라바조와 오라치오 젠틸레스키의 영향을 느낄 수 있다. 1613년에 마이노는 도미니코 수도회 회원이 되었고 이 그림은 톨레도에 있는 순교자 성 베드로 수도원의 제단 주기에 들어갔다.

Georges de Latour "거문고를 가진 눈먼 음악가" ca. 1625-1630년

라투르는 허디거디를 연주하는 시각장애인 음악가를 묘사하는데, 그는 이 이야기를 여러 번 반복했습니다. Caravaggio의 스타일의 영향을 받아 작업 한 아티스트는 악기를 장식하는 패턴, 맹인 얼굴의 주름, 머리카락 등 세부 사항을 열정적으로 재현합니다.

Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "안드로메다를 풀어주는 페르세우스" ca. 1639-1640년

프란시스코 데 고야 "페르디난드 7세의 초상" 1814-1815

1814년 나폴레옹이 패배한 후, 페르디난트 7세는 스페인 왕좌로 복귀했습니다. 초상화에서 그는 카를로스 3세와 황금 양모의 명령을 받은 왕권과 함께 담어가 늘어선 왕실 망토에 묘사되어 있습니다.
1833년까지 나라를 통치했던 페르디난트 7세는 1819년 프라도 미술관을 설립했습니다.

프란시스코 데 고야 "마리아 폰 산타 크루스" 1805

프라도 초대 관장의 아내 마리아 폰 산타 크루즈는 당대 스페인에서 가장 존경받는 여성 중 한 명이었습니다.
1805년의 초상화에서 고야는 후작을 서정시의 뮤즈인 에우테르페(Euterpe)로 묘사했습니다. 그녀는 왼손에 거문고를 들고 캐노피에 기대어 있었습니다. 그러한 이미지의 선택은 시에 대한 후작의 열정 때문입니다.

프란시스코 고야 - "가을(포도 수확)" 1786 - 1787

프란시스코 고야 - 포도 수확. 파편

1775~1792년에 고야는 마드리드 외곽에 있는 에스코리알 궁전과 프라도 궁전을 위한 7개의 골판지 태피스트리 시리즈를 만들었습니다. 특히 이 그림은 계절 시리즈에 속하며 프라도에 있는 아스투리아스 왕자의 식당을 위해 제작되었습니다. Goya는 고전적인 음모를 다양한 계급 간의 관계의 본질을 반영하는 일상적인 장면으로 묘사했습니다. 그림은 포도원 주인과 아들 및 하녀를 보여줍니다.

프란시스코 고야 "호세 데 우루티아 장군의 초상"(1798년경)

José de Urrutia(1739 - 1809) - 가장 저명한 스페인 군사 지도자 중 한 명이자 18세기에 총사령관 직급에 도달한 비귀족 출신의 유일한 육군 장교는 성 조지 교단으로 묘사됩니다. 그는 1789년 크림 캠페인 기간 동안 오차코프 포획에 참여한 공로로 러시아 여제 예카테리나 대제로부터 상을 받았습니다.

피터 폴 루벤스 "마리 드 메디치의 초상". 좋아요. 1622-1625.

Maria Medici(1573 - 1642)는 토스카나 대공 Francesco I의 딸이었습니다. 1600년에 그녀는 프랑스 왕 Henry IV의 아내가 되었습니다. 1610년부터 그녀는 미래의 루이 13세 왕이 될 어린 아들의 섭정이었습니다. 루벤스 그녀는 자신과 고인이 된 남편을 찬양하는 일련의 작품을 의뢰했습니다. 초상화는 과부의 머리 장식을 쓰고 미완성 배경을 배경으로 한 여왕을 보여줍니다.

도메니코 틴토레토 "가슴을 드러내는 여자" ca. 1580-1590년

Vicente Lopez Portagna "왕실 예배당의 첫 번째 오르간 연주자 Felix Maximo Lopez의 초상화" 1820

로코코 양식의 흔적을 간직한 스페인 신고전주의 화가. Lopez는 Francisco de Goya에 이어 두 번째로 당대 최고의 초상화 화가 중 한 명으로 간주되었습니다. 그는 13세에 발렌시아에서 그림 공부를 시작했고, 4년 후 산 카를로스 아카데미에서 여러 차례 1등상을 수상했고, 그 결과 장학금을 받아 수도에 있는 권위 있는 산 페르난도 왕립 미술 아카데미에서 공부할 수 있었습니다. 학업을 마친 후 Lopez는 선생님인 Mariano Salvador Maella의 워크숍에서 몇 년 동안 일했습니다. 프랑스 점령 후인 1814년까지 López는 이미 꽤 유명한 예술가였기 때문에 스페인 왕 Ferdinand VII는 그를 마드리드로 불러 공식 궁정 화가로 임명했습니다. 그때에. Vicente López는 다작의 예술가였으며 종교, 우화, 역사 및 신화 주제를 그렸지만 무엇보다도 그는 물론 초상화 화가였습니다. 오랜 경력 동안 그는 19세기 전반에 스페인의 거의 모든 유명인의 초상화를 그렸습니다.
왕실 예배당의 첫 번째 오르간 연주자와 유명한 음악가이자 작곡가의 초상화는 예술가가 사망하기 직전에 그렸고 그의 장남인 Ambrosio López가 완성했습니다.

안톤 라파엘 멩스 "아스투리아스의 공주, 파르마의 마리아 루이스의 초상" 1766

후안 산체스 코탄 "게임, 야채, 과일이 있는 정물" 1602

Don Diego de Acedo는 1635년부터 법정에 있었습니다. "어릿 광대의 봉사"외에 그는 왕실 메신저 역할을했으며 왕의 인장을 담당했습니다. 분명히 그림에 묘사된 책, 종이, 필기구는 이러한 활동을 말하고 있습니다. 이 초상화는 Philip IV가 Diego de Acedo와 동행하여 Aragon으로 여행하는 동안 Huesca 지방의 Fraga에서 그린 것으로 믿어집니다. 배경에는 Guadarrama 산맥의 Maliceos 봉우리가 있습니다.

Hieronymus Bosch "어리석음의 돌 제거" c. 1490년

풍경을 배경으로 인물들이 등장하는 풍자적인 장면에서 '어리석음의 돌'을 추출하기 위한 작전이 그려지고 있다. 고딕 스크립트의 비문은 다음과 같습니다. - "주인님, 빨리 돌을 치우십시오. 제 이름은 Lubbert Das입니다." Lubbert는 무지와 무죄를 나타내는 일반 명사입니다. 무지를 상징하는 거꾸로 된 깔때기 형태의 머리 장식을 한 외과의는 속기 쉬운 환자의 머리에서 돌 (수련)을 "추출"하고 그에게 관대 한 지불을 요구합니다. 그 당시 순박한 사람들은 그들의 어리석음에 대한 책임이 머리에 박힌 돌이라고 믿었습니다. 이것이 charlatans가 사용한 것입니다.

라파엘로(Raffaello Santi) "양을 안고 있는 성가" 1507

마리아는 작은 그리스도가 다가오는 그리스도의 수난의 기독교 상징인 양 위에 앉도록 도와줍니다. 요셉이 그들을 지켜보고 있습니다. 이 그림은 화가가 성가족과 함께 작곡한 레오나르도 다빈치의 작품을 연구한 피렌체에서 그렸습니다. 프라도 미술관에서 초기에 쓴 라파엘로의 유일한 작품입니다.

알브레히트 뒤러 "알려지지 않은 남자의 초상" ca. 1521년

초상화는 Dürer의 작업 후기에 속합니다. 네덜란드 예술가의 스타일과 유사한 방식으로 작성되었습니다. 챙이 넓은 모자는 인물의 얼굴에 시선을 집중시키고 왼쪽에서 떨어지는 빛은 보는 사람의 시선을 집중시킨다. 초상화에서 두 번째 관심의 초점은 손이며 무엇보다도 알 수없는 사람이 두루마리를 들고있는 왼쪽으로 그의 사회적 지위를 설명하는 것 같습니다.

Rogier Van der Weyden "애도" c. 1450년

모델은 1444년 이전에 Van der Weyden이 만들고 약간의 차이를 두고 반복한 Miraflores 수도원(베를린의 아트 갤러리에 보관)을 위한 제단 삼부작이었습니다. 이 버전에서는 알 수 없는 기간에 상단 부분이 추가되어 Mary, Christ, St. John과 Broers 가족의 일원 인 기증자 (그림 고객)는 같은 공간에 그려져 있습니다. 작가는 죽은 아들의 시신을 가슴에 안고 신의 어머니의 슬픔을 표현적으로 전한다. 왼쪽의 비극적 인 그룹은 돌로 분리 된 기증자의 모습에 의해 반대됩니다. 그는 기도하는 마음으로 집중하는 상태에 있습니다. 그 당시 손님들은 종종 자신의 그림을 그려달라고 요청했습니다. 그러나 그들의 이미지는 항상 부차적이었습니다. 배경, 군중 등 어딘가에 있습니다. 여기에서 기증자는 전경에 묘사되어 있지만 돌과 색상의 도움으로 주 그룹과 분리됩니다.

Alonso Cano "천사의 지원을 받는 죽은 그리스도" c. 1646년 - 1652년

황혼의 풍경을 배경으로 천사가 생명이없는 그리스도의 몸을 지원합니다. 이 캔버스의 특이한 도상학은 그것이 복음주의 텍스트가 아니라 소위 성 베드로의 그리스도와 관련되어 있다는 사실로 설명됩니다. 그레고리. 전설에 따르면, 교황 그레고리 대왕은 두 천사가 지지하는 죽은 그리스도의 환상을 보았습니다. Kano는이 이야기를 다른 방식으로 해석했습니다. 단 한 명의 천사 만이 움직이지 않는 그리스도의 몸을 지원합니다.

Bartolome Esteban Murillo "묵주의 성모" ca. 1650년 -1655년

Bartolome Esteban Murillo의 작품은 스페인 회화의 황금기를 완성합니다. Murillo의 작품은 구성이 완벽하고 정확하며 색상이 풍부하고 조화로우며 최고의 의미에서 아름답습니다. 그의 감정은 항상 진지하고 섬세하지만 Murillo의 캔버스에는 더 이상 그의 동시대 작품에서 그렇게 충격적인 영적 힘과 깊이가 없습니다. 예술가의 삶은 마드리드와 다른 도시를 방문해야 했지만 고향인 세비야와 연결되어 있습니다. 지역 화가인 Juan del Castillo(1584-1640)와 함께 공부한 후 Murillo는 수도원과 사원의 명령에 따라 많은 일을 했습니다. 1660년에 그는 세비야 미술 아카데미의 회장이 되었습니다.
Murillo는 종교적 주제에 대한 그의 캔버스를 통해 위로와 안심을 가져오고자 했습니다. 그가 하나님의 어머니의 이미지를 자주 그린 것은 우연이 아닙니다. 사진에서 사진으로 마리아의 이미지는 규칙적인 이목구비와 차분한 표정을 지닌 사랑스러운 어린 소녀의 모습으로 지나갔습니다. 그녀의 청순한 모습은 보는 사람에게 달콤한 부드러움을 불러일으킬 예정이었다. 이 그림에서 Bartolome Murillo는 전통적인 가톨릭 묵주기도인 묵주를 들고 있는 성모 마리아와 예수를 묘사했으며, 이 묵주기도는 화가의 시대에 매우 중요하게 여겨졌습니다. 이 작품에서는 17세기 전반기 세비야파 대표들의 작품에 우세했던 자연주의적 특징이 여전히 눈에 띄지만, 무리요의 화풍은 이미 초기 작품보다 더 자유롭다. 이 자유로운 방식은 성모 마리아의 베일을 묘사한 것에서 특히 두드러집니다. 작가는 밝은 빛을 사용하여 어두운 배경에 인물을 강조하고 처녀의 얼굴과 아기 그리스도의 몸의 섬세한 색조와 직물 주름의 깊은 그림자 사이에 대비를 만듭니다.
17세기 안달루시아에서는 아이와 함께 있는 하나님의 어머니의 이미지가 특별히 요구되었습니다. 세비야에서 창작 생활을 보낸 무리요는 부드러움이 깃든 이 그림들을 많이 그렸습니다. 이 경우 묵주를 든 성모님이 그려져 있습니다. 그리고 여기에서 그의 작업 초기와 마찬가지로 예술가는 명암 대비에 대한 그의 선호에 충실합니다.

바르톨로메 에스테반 무리요 "선한 목자" 1655-1660

그림은 깊은 서정과 친절로 가득 차 있습니다. 제목은 "나는 선한 목자다"라는 요한복음에서 따온 것입니다. 이것은 그림이 아주 어린 나이에도 불구하고 그리스도를 묘사하고 있음을 시사합니다. Murillo의 그림에서는 모든 것이 아름답고 단순합니다. 작가는 아이들을 그리는 것을 좋아했고, 이 모든 사랑을 이 소년-신의 이미지의 아름다움에 담았습니다. 1660년대와 1670년대에 그의 회화적 기술이 전성기 동안 Murillo는 그의 캐릭터를 시화하기 위해 노력했고, 그는 종종 감상적인 이미지와 의도적인 아름다움으로 비난을 받았습니다. 그러나 이러한 비난은 완전히 공정하지 않습니다. 그림에 묘사된 아이는 오늘날 세비야와 주변 마을에서 모두 볼 수 있습니다. 마돈나의 아름다움을 평범한 스페인 여성의 아름다움과 동등하게 만들고 그녀의 아들 작은 그리스도의 아름다움을 거리 말괄량이의 아름다움과 동등하게 만드는 것이 바로 여기에서 예술가 작업의 민주적 지향이 나타났습니다.

Alonso Sanchez Coelho "Infante Isabella Clara Eugenia와 Catalina Michaela의 초상" 1575

8세와 9세의 공주의 초상이 꽃 화환을 들고 있습니다. Sanchez Coelho는 Philip II 왕과 그의 세 번째 부인 Valois의 Isabella의 사랑하는 딸인 infantas의 초상화를 아주 어릴 때부터 그렸습니다. 모든 초상화는 법원 초상화의 표준에 따라 만들어집니다. 멋진 옷을 입은 소녀와 무표정한 표정을 가진 소녀입니다.

안톤 라파엘 멩스 카를로스 3세의 초상화. 1767년

Charles III는 아마도 스페인 역사상 유일하게 진정으로 깨달은 군주라고 불렸을 것입니다. 1785년에 처음으로 자연사 박물관으로 프라도 미술관을 설립한 사람이 바로 그 사람이었습니다. Charles III는 인근 식물원과 함께 Prado Museum이 과학 교육의 중심지가 될 것이라고 꿈꿨습니다.
왕위에 오른 그는 당시 국가에 절실히 필요한 심각한 정치 및 경제 개혁을 시작했습니다. 그러나 그의 노력은 헛된 것이었습니다. 그의 아들 Charles IV는 아버지의 진보적 견해를 공유하지 않았으며 Charles III가 사망 한 후 개혁이 끝났습니다.
이 초상화는 그 시대의 절대적으로 전형입니다. 모든 세부 사항에서 아티스트는 모델이 차지하는 위치에 주목합니다. ermine으로 장식 된 맨틀, 보석이 박힌 몰타 십자가, 반짝이는 갑옷은 왕실 위대함의 필수 속성입니다. 무성한 휘장과 벽기둥(고전 건축의 요소)은 이러한 초상화의 전통적인 배경입니다.
그러나 이미 이 초상화에서 모델의 얼굴이 어떻게 표현되었는지는 놀랍습니다. Mengs는 양파 같은 장엄한 코를 축소하거나 주름진 뺨의 주름을 펴려고 시도하지 않습니다. 최대의 개성 덕분에 이 그림은 멍스의 전임자들이 이루지 못한 삶의 감각을 만들어낸다. 초상화는 그의 불완전한 모습을 "보여줄" 준비가 된 Carlos III에 대한 동정심을 느끼게합니다.

앙투안 와토 "공원의 축제" c. 1713년 - 1716년

이 매력적인 장면은 Watteau의 "용감한 축하"의 전형적인 예입니다. 윤곽선을 흐리게하는 가벼운 안개, 분수 위의 단풍에 거의 숨겨져있는 해왕성 동상, 바랜 황금색-이 모든 것이 날카 롭지 만 덧없는 즐거움의 분위기를 전달합니다.
이 그림은 Philip V 왕의 두 번째 부인인 Isabella Farnese의 소유였습니다.

안토니오 카르니세로 "아랑후에즈에서 열기구 올리기" c. 1784년

이 그림은 오스완 공작과 공작 부인의 의뢰로 과학적 진보의 성과에 대한 관심을 불러 일으킨 계몽주의 정신을 반영합니다. 실제 사건이 묘사됩니다. 1784 년 Aranjuez의 Royal Gardens에서 군주, 그의 가족 및 궁중 구성원이있는 가운데 Montgolfier 풍선을 타고 비행이 이루어졌습니다. Antonio Carnicero는 그의 매력적인 장르 장면으로 유명했으며 이 캔버스는 그의 가장 야심찬 작품 중 하나입니다.

José de Madrazo y Agudo "하늘의 사랑과 지상의 사랑" 1813

Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. 신의 어린 양" 1635-1640

양 한 마리가 회색 탁자 위에 놓여 있고, 선명하게 초점을 맞춘 밝은 빛 속에서 어두운 배경에 선명하게 눈에 띕니다. 17 세기의 모든 사람은 즉시 "하나님의 어린 양"을 인식하고 이것이 그리스도의 자기 희생의 암시임을 이해할 것입니다. 양털은 눈에 띄게 쓰여지고 동물에서 눈을 떼기 어렵고 만지고 싶을 정도로 부드러워 보입니다.

Juan Pantoja de la Cruz "발루아의 이사벨 여왕의 초상" c. 1604년 - 1608년

Pantoja de la Cruz는 1604년 궁전에서 소실된 원본인 Sofonisba Anguishola의 작품을 되풀이하여 이 초상화를 그렸습니다. 작가는 여왕의 의상에 마못 털 망토만 더했다.
Sofonisba Anguixola는 스페인 궁정에서 일했던 Cremona 출신의 예술가입니다. 작가가 만든 시리즈 중 첫 번째 젊은 여왕의 초상화였습니다. 그림은 스페인어에 가까운 방식으로 작성되었지만 더 따뜻하고 밝은 색상으로 작성되었습니다.

장 란 "어린 시절 카를로스 3세의 초상" 1723

Luis Melendez "과자 상자, 프레첼 및 기타 물건이 있는 정물" 1770

18세기 스페인 정물화의 가장 위대한 거장인 Luis Melendez는 이탈리아 아스투리아스의 세밀화가 집안에서 태어났습니다. 1717 년에 가족은 마드리드로 이주하여 청년이 산 페르난도 아카데미 준비 부서에 들어갔고 가장 재능있는 학생들 중 1 위를 차지했습니다. 그러나 1747년에 그는 분쟁의 결과로 아카데미에서 추방된 아버지의 여파로 아카데미를 떠나야 했습니다. 이 기간 동안 Melendez는 다시 이탈리아를 방문합니다. 처음에는 아버지를 도우면서 세밀화가가 되었고 이탈리아에서 돌아온 그는 페르디난드 6세의 초대를 받아 마드리드 왕립 예배당의 책 삽화를 그렸습니다. 작가가 1760년대 초에 전향한 정물의 장르에서 그의 작품의 새로운 면모가 나타났다.
이 정물화는 작가 작업의 성숙기에 쓰여졌습니다. 이때 명품,은 식기가 그의 작곡에 등장한다. 그럼에도 불구하고 작가는 여전히 자신의 이상을 고수하고 장르 전통에 따라 작업합니다. 캔버스에 그려진 각 사물의 물질적 유형성은 세계 미술에서 정물화의 가장 좋은 예를 떠올리게 합니다. 은색 꽃병의 흐릿하고 반짝이는 표면에 유리의 만져지는 투명한 유리가 반사됩니다. 하얀 냅킨에 부드러운 프레첼, 갓 구운 빵 냄새가 나는 것 같습니다. 봉인된 병의 목이 흐릿하게 빛난다. 은색 포크가 조명 테이블 가장자리를 약간 넘어 돌출되어 있습니다. 이 정물의 구성에는 예를 들어 Zurbaran의 정물의 특징과 같은 한 줄의 금욕적인 개체 배열이 없습니다. 아마도 그것은 네덜란드 샘플과 공통점이 있습니다. 그러나 톤은 더 어둡고 개체는 더 작고 구성은 더 단순합니다.

후안 데 아렐라노 "꽃바구니" 1670

꽃꽂이를 전문으로 하는 스페인 바로크 화가인 그는 1614년 산토르카제에서 태어났습니다. 처음에 그는 지금은 알려지지 않은 예술가의 스튜디오에서 공부했지만 16세에 마드리드로 이사하여 이사벨라 여왕의 의뢰를 완료한 예술가인 Juan de Solis와 함께 공부했습니다. Juan de Arellano는 벽화를 포함한 소액 주문으로 오랫동안 살면서 꽃 그림에만 집중하기로 결정하고 이 분야에서 탁월한 대가가 되었습니다. 주인은 다른, 특히 이탈리아 예술가의 작품을 복사하는 것으로 시작했다고 믿어지며 플랑드르 정물은 그의 스타일에 우아함과 엄격함을 더했습니다. 나중에 이 조합에 그는 자신의 구성 결과와 특징적인 색상 팔레트를 추가했습니다.
이 정물의 다소 단순한 구성은 Arellano의 특징입니다. 강렬한 조명으로 인해 뉴트럴한 갈색 배경에 순수하고 강렬한 식물 색상이 밝게 돋보입니다.

아마도 스페인에서 제작된 엘 그레코의 초기 초상화 중 하나는 소위 "가슴에 손을 얹은 신사의 초상화"(c. 1577-1579)일 것입니다. 이것은 주로 조밀하고 부드러운 브러시 스트로크와 함께 갈색 톤의 음영에 구축된 보다 전통적이고 어둡고 회화적인 방식으로 입증됩니다. 해석의 심리적 중립성은 전형적이며 앞으로 훨씬 더 적극적인 특성화로 이어질 것입니다.

이것 유명한 초상화 El Greco는 말하자면 정경의 틀 안에 세워진 당시 귀족의 이미지입니다. 우아하고 매우 침착하며 맹세 또는 확신의 몸짓으로 오른손을 가슴에 얹은 알려지지 않은 카바예로는 스페인 귀족의 특징을 구현합니다. 사회자아, 즉 평정, 절제, 위엄의 외적 표현이다.

톨레도 검의 칼자루는 그의 엄격한 외모, 높은 칼라와 백설 공주 레이스 커프스로 장식 된 검은 색 정장의 웅변적인 디테일입니다. Antonina Vallantin은 이러한 유형의 스페인 사람이 무대에 침투하여 이미 소설 페이지에 살았지만 묘사되기 위해서는 톨레도에 El Greco가 도착할 때까지 기다려야했다고 올바르게 지적합니다.

그러나 초상화는 내재적입니다. 내부 불일치, 이미지의 이상적인 측면은 묘사되는 사람의 성격과 완전히 일치하지 않기 때문에 그다지 의미가없는 성격이 묘사됩니다. 인상은 어두운 배경에서 밝은 점으로 튀어 나온 손가락의 상징적 배열을 가진 얼굴과 손이 캔버스의 그림 구조에 의해 달성됩니다. 얇은 반짝이는 레이스의 귀중한 아름다움, 마치 공중에 매달려있는 것처럼 칼자루가 특별한 취약성을 얻습니다. 전형적인 Elgrekian 이상한 눈을 부여받은 카바예로의 시선의 분리는 이미지의 표현력을 향상시킵니다.

예술의 거울 속의 남자: 초상화의 장르

초상화(프랑스 초상화) - 특정 인물 또는 집단의 이미지. 초상화 장르는 고대에 조각, 회화 및 그래픽에서 널리 퍼졌습니다. 하지만 유사작가가 전해야 할 것은 이것만이 아니다. 주인이 사람의 내면의 본질을 화폭에 옮기고 시간의 분위기를 전할 때 훨씬 더 중요합니다. 구별하다앞문그리고 방 초상화. 초상화가 있습니다페어링 그리고 그룹. 그들은 본당을 장식하고 특정 사람들을 칭찬하고 직업적, 영적, 가족적 유대로 결합된 사람들의 기억을 보존하기 위한 것입니다. 특별 카테고리~이다 자화상, 작가가 자신을 묘사하는 곳.

모든 초상화는 심리적 초상화에 기인하거나
초상화 캐릭터 또는 초상화 전기에.

예술은 사람을 아는 데 도움이 됩니다. 외부를 볼 뿐만 아니라
얼굴뿐만 아니라 본질, 성격, 분위기 등을 이해합니다. 초상화는 거의
항상 현실적입니다. 결국, 그 주요 목표는 묘사된 것을 인정하는 것입니다.그것에 사람. 그러나 일반적으로 아티스트의 작업은 정확하지 않습니다.사자 외부 기능모델, 자연의 모방이 아니라 사람 이미지의 "그림 같은 재창조". 욕망은 우연이 아니다초상화에서 자신을 인식하고 새로운 것을 발견할 수도 있습니다.그 자체로.
모델에 대한 아티스트의 태도는 시청자에게 무의식적으로 전달됩니다. 중요한
감정, 삶에 대한 태도, 사람에 대한 표정을 표현하는 모든 것입니다.
그려진 얼굴, 눈 표정, 입술 라인, 머리 회전, 자세,
몸짓.
종종 우리는 현대인의 관점에서 작품을 해석합니다.
즉, 우리는 알려진 것을 통해 미지의 것을 이해하려고 노력합니다.
특정 시대를 대표하는 전형적인 이미지를 만들기 위해 묘사되는 사람의 사회적 지위를 보여주는 것도 매우 중요합니다.

장르로서 초상화는 수천년 전에 고대 예술에 나타났습니다. 크레타 섬에서 발굴하는 동안 고고학자들이 발견한 유명한 크노소스 궁전의 프레스코화 중에는 전선관련된 여성들의 화보 이미지 16세기기원전. 연구자들은 이러한 이미지를 "궁정 여성"이라고 불렀지 만 우아한 드레스를 입은 여신, 여사 제 또는 귀족 여성 등 크레타의 주인이 누구를 보여 주려고했는지 알 수 없습니다.
"파리지앵". 기원전 16세기 크노소스 궁전의 프레스코

가장 유명한 것은 과학자들이 "파리지앵"이라고 부르는 젊은 여성의 초상화였습니다. 우리는 그녀의 검은 테두리 눈과 밝게 칠해진 입술에서 알 수 있듯이 매우 요염하고 화장을 게을리하지 않는 젊은 여성의 프로필 (당시 ​​예술의 전통에 따라) 이미지를 봅니다.
동시대의 프레스코 초상화를 만든 예술가들은 모델의 특성을 탐구하지 않았으며 이러한 이미지의 외부 유사성은 매우 상대적입니다.
컬트와 관련된 고대 이집트의 종교적 신념
죽은 사람의 조각 이미지에서 초상 유사성을 전달하려는 욕구를 결정했습니다. 고인의 영혼은 용기를 찾아야했습니다.

XX 세기 초. 고고학자들은 전 세계에 네페르티티 여왕의 멋진 초상 이미지를 발견했습니다.

만든 14세기 기원전 이자형.,이 이미지는 프로필 라인의 부드러움, 유연한 목의 우아함, 여성 얼굴의 불규칙하지만 사랑스러운 특징의 경쾌한 가벼움과 유동적인 전환으로 깊은 인상을 줍니다.. 네페르티티는 이집트의 여왕일 뿐만 아니라 여신으로 숭배되었습니다. 가장 유명하고 아마도 가장 아름다운 이집트 파라오의 아내는 나일강 동쪽 강둑에 있는 거대하고 호화로운 궁전에서 왕관을 쓴 남편과 함께 살았습니다.

예술에서 고대 그리스영웅이나 신의 일반화되고 이상화 된 이미지가 특별한 장소를 차지합니다. 영적, 육체적 결합화가와 조각가는 화신을 보았다아름다움과 인간의 조화.