기타 아트 및 기타리스트 교육에 대해. 기타 기타 예술과 그 연구의 역사에 대한 간략한 개요
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우크라이나 문화부
하르키우 주립 문화 아카데미
"석사" 학위를 위한 입학 허가
음악 문화의 역사적 현상으로서의 기타 예술
피쿨리야 타라스 올레고비치
하르키우 2015
계획
소개
1. 클래식 기타 연주의 형성과 발전을 위한 전제 조건
1.1 기타 성능의 출현, 개발 및 개선의 역사
1.2 소련과 러시아의 기타 예술 형성
2. 팝의 출현과 진화의 역사 재즈 방향예술에서
2.1 팝 재즈 아트에 사용되는 다양한 기타
2.2 60-70년대 팝 재즈 공연의 주요 방향
서지
안에지휘
XX 세기의 음악 예술. 빠르고 빠르게 발전했습니다. 이 개발의 주요 특징은 다양한 스타일과 트렌드의 동화, 새로운 음악 언어의 결정화, 새로운 구성 원칙, 조형 및 다양한 미학적 플랫폼의 형성이었습니다. 이 과정에는 작곡가, 연주자, 미술사학자뿐만 아니라 음악 작품이 만들어지는 수백만 명의 청취자도 포함됩니다.
주제의 관련성은 기타 예술의 진화적 발전, 즉 새로운 장르와 경향의 형성이라는 관점에서 클래식 및 팝 재즈 기악을 고려했기 때문입니다.
본 연구의 목적은 클래식과 팝재즈 기악이 새로운 스타일의 형성에 미치는 영향, 연주기술 및 기타 문화일반적으로.
연구 목표:
1) 유럽, 러시아, 소련에서 기타 문화의 출현, 발전 및 형성의 역사를 고려하십시오.
2) 팝-재즈 아트에서 새로운 스타일의 기원, 기원 및 형성을 고찰한다.
연구의 목적은 클래식과 팝 재즈 기악의 형성이다.
작업의 방법 론적 기반은 유럽, 아프리카 및 러시아 예술적 전통의 기초로서 음악 및 언어 원칙의 통합에 초점을 맞춘 억양 분석 방법입니다.
작품의 과학적 참신함은 작품이 기타 예술의 형성과 진화 및 기타 문화 형성에 미치는 영향에 대한 연구라는 사실에 있습니다.
이 작품의 실질적인 가치는 음악의 역사적이고 이론적인 학문을 연구하는 과정에서 그 자료를 사용할 수 있다는 가능성에 있다.
1. 전제 조건형성그리고개발계략~에고전기타
1.1 기타 성능의 출현, 개발 및 개선의 역사
이 악기의 기원, 개발 및 개선의 역사는 너무 놀랍고 신비해서 스릴 넘치는 탐정 이야기에 가깝습니다. 기타에 대한 최초의 정보는 고대로 거슬러 올라갑니다. 천년 전 이집트 기념물에는 기타처럼 보이는 악기 "nabla"의 이미지가 있습니다. 기타는 아시리아, 바빌론, 페니키아의 건축 기념물 이미지로 확인되는 아시아에서도 널리 퍼졌습니다. 13세기에 아랍인들은 그것을 스페인으로 가져왔고 곧 완전한 인정을 받았습니다. 15세기 말, 스페인의 부유한 가문들은 과학과 예술을 후원하기 위해 서로 경쟁하기 시작했습니다. 기타는 류트 및 기타 뽑아내는 악기와 함께 궁정에서 가장 좋아하는 악기가 됩니다. 16 세기부터 시작된 스페인의 문화 생활에서 정기적으로 열리는 "살롱"과 같은 수많은 협회, 아카데미, 동아리 및 회의가 중요한 역할을했습니다. 그때부터 악기에 대한 열정이 많은 사람들에게 퍼졌고 그들을 위한 특별한 음악 문학이 만들어졌습니다. 그녀를 대표하는 작곡가의 이름은 긴 문자열을 구성합니다: Milan, Corbetto, Fuenllana, Marin i Garcia, Sanz 등.
오랜 개발 과정을 거쳐 기타는 현대적인 모습을 갖추게 되었습니다. 18세기까지는 더 작았고, 몸체는 다소 좁고 길었다. 처음에는 악기에 5개의 현이 설정되어 류트처럼 4분의 1로 조율되었습니다. 나중에 기타는 열린 현의 사운드를 더 잘 활용하기 위해 열린 위치에서 연주하는 데 더 적합한 튜닝이 있는 6현이 되었습니다. 따라서 19세기 중반에 기타는 최종 형태를 갖추게 되었습니다. mi, si, salt, re, la, mi 시스템과 함께 6개의 문자열이 나타났습니다.
기타는 유럽에서 큰 인기를 얻었고 북미와 남미 국가로 옮겨졌습니다. 기타의 광범위한 사용을 설명하는 방법은 무엇입니까? 주로 큰 잠재력을 가지고 있기 때문에 솔로로 연주할 수 있고 음성, 바이올린, 첼로, 플루트와 함께 다양한 오케스트라와 앙상블에서 찾을 수 있습니다. 작은 크기와 공간에서의 쉬운 이동 가능성, 가장 중요한 것은 비정상적으로 선율이 깊고 동시에 투명한 사운드는 낭만적 인 관광객부터 전문 음악가에 이르기까지 다양한 팬이이 보편적 인 악기에 대한 사랑을 정당화합니다.
18세기 말, 스페인에는 작곡가와 거장이 등장했습니다.
F. Sor 및 D. Aguado, 이탈리아에서 동시에 M. Giuliani. L. Leniani, F. Carulli, M. Carcassi 및 기타. 그들은 기타를 위한 광범위한 콘서트 레퍼토리를 만듭니다. 작은 곡부터 오케스트라와 함께하는 소나타 및 협주곡은 물론 광범위한 교육적이고 건설적인 레퍼토리인 훌륭한 "Schools for playing the Six-String Guitar"도 있습니다. 이 교육학 문헌이 처음 출판된 지 거의 200년이 지났지만 여전히 교사와 학생 모두에게 귀중한 유산입니다.
작곡가 Sor는 도시에서 콘서트를 개최하여 큰 성공을 거두었습니다. 서유럽그리고 러시아. 그의 발레 신데렐라, 화가로서의 루복, 헤라클레스와 옴팔레, 오페라 텔레마코스는 상트페테르부르크, 모스크바, 서유럽의 대도시에서 여러 번 상연되었습니다. 다성적 스타일, 풍부한 상상력, 내용의 깊이가 소라의 작품을 특징짓는다. 이것은 그의 연주의 깊이와 그의 기술의 광채에 깊은 인상을 받은 거장 기타리스트이자 교육받은 음악가 작곡가입니다. 그의 작곡은 기타리스트의 레퍼토리에 확고하게 들어갔습니다. 이탈리아의 Giuliani는 이탈리아 기타 학교의 창립자 중 한 명입니다. 그는 뛰어난 기타리스트이자 완벽한 바이올리니스트였습니다. 1813년 베토벤의 교향곡 7번이 작가의 지휘 아래 빈에서 처음으로 연주되었을 때 줄리아니는 바이올리니스트로 연주에 참여했습니다. 베토벤은 작곡가이자 음악가로서 줄리아니를 높이 평가했습니다. 그의 소나타, 오케스트라 협주곡은 현대 기타리스트가 연주하며 교육학 문학은 교사와 학생 모두에게 귀중한 유산입니다.
특히 유명한 이탈리아 기타리스트이자 교사 인 작곡가 M. Carcassi가 우리나라에서 가장 유명하고 가장 자주 출판하는 "School of Playing the Six-String Guitar"에 대해 이야기하고 싶습니다. "School"의 서문에서 저자는 이렇게 말합니다. "... 나는 과학 작품을 쓸 생각이 없었습니다. 이 악기의 모든 기능에 더 친숙해질 수 있는 계획을 세워 기타를 더 쉽게 배울 수 있도록 하고 싶었을 뿐입니다. 이 말에 따르면 M. Carcassi는 기타 연주를 배우기위한 범용 매뉴얼을 만드는 작업을 스스로 설정하지 않았으며 전혀 불가능하다는 것이 분명합니다. "School"은 왼손과 오른손의 기술, 기타 연주의 다양한 특징적인 방법, 다양한 위치와 키에서 연주하는 방법에 대한 여러 가지 귀중한 지침을 제공합니다. 음악 예문과 작품은 난이도가 높은 순서대로 순차적으로 제공되며 작곡가와 교사로서 훌륭한 기술로 작성되었으며 여전히 교육 자료로 큰 가치가 있습니다.
현대적인 관점에서 볼 때 이 "학교"에는 여러 가지 심각한 단점이 있습니다. 예를 들어, 아포얀도(지원과 함께 연주)와 같이 오른손을 연주하는 중요한 기술에 거의 관심을 기울이지 않았습니다. 18세기 서유럽 전통 음악에 기초한 음악적 언어는 다소 단조롭다. 운지법 개발 문제, 멜로디-하모닉 사고는 실제로 다루지 않으며 왼손 및 오른손 손가락의 올바른 배치에 대해서만 이야기하고 있으므로 성능의 많은 기술적 어려움을 해결하고 소리를 개선하고 프레이즈를 향상시킬 수 있습니다. , 등.
19 세기 후반에 스페인 작곡가, 거장 솔리스트이자 교사 인 Francisco Tarrega의 새로운 밝은 이름이 기타 역사에 나타났습니다. 그는 자신만의 글쓰기 스타일을 창조합니다. 그의 손에서 기타는 작은 오케스트라로 변합니다.
이 뛰어난 음악가의 공연 작업은 그의 친구인 작곡가인 Albeniz, Granados, de Falla 등의 작업에 영향을 미쳤습니다. 그들의 피아노 작품에서 종종 기타를 모방하는 소리를 들을 수 있습니다. 건강이 좋지 않아 Tarrega는 콘서트를 열 기회가 없었기 때문에 가르치는 데 전념했습니다. Tarrega는 자신의 기타 연주 학교를 만들었다고 안전하게 말할 수 있습니다. 그의 최고의 학생들 중에는 Miguel Llobet, Emelio Pujol, Domenico Prat, Daniel Fortea, Illarion Lelupe 및 기타 유명한 콘서트 연주자들이 있습니다. 지금까지 E. Pujol, D. Fortea, D. Prat, I. Lelupe, I. Ahrens 및 P. Rocha가 Tarrega 교수법을 기반으로 한 "Schools"가 출판되었습니다. 유명한 스페인 기타리스트, 교사 및 음악 학자 E. Pujol의 "6 현 기타 연주 학교"의 예를 사용하여이 방법을 자세히 살펴 보겠습니다. "School"의 특징은 클래식 기타 연주의 모든 주요 "비밀"을 관대하고 자세하게 표현한 것입니다. 손의 위치, 악기, 음향 제작 방법, 연주 기술 등 기타 기술의 가장 중요한 문제가 신중하게 개발되었습니다. 자료 배열의 순서는 기타리스트의 체계적인 기술 및 예술적 준비에 기여합니다. "School"은 전적으로 원본 음악 자료를 기반으로 제작되었습니다. 거의 모든 에튜드와 연습은 특히 해당 섹션을 위해 저자가 작곡했습니다 (F. Tarrega의 방법론 고려).
이 교육 출판물이 기타 연주의 어려움을 자세히 설명할 뿐만 아니라 이를 극복하는 방법도 자세히 설명하는 것은 특히 가치가 있습니다. 특히 오른손과 왼손으로 연주할 때 올바른 운지법을 사용하는 문제는 물론 다른 자세에서의 연주법, 다양한 움직임, 왼손의 이동 등이 확실히 발전에 기여하는 부분에 많은 관심을 기울이고 있다. 운지법 생각. Pujol의 "School"의 효과는 특히 우리나라, 유럽 및 미국의 여러 교육 기관에서 사용되는 관행을 통해 확인됩니다.
세계 기타 예술의 발전에 가장 중요한 것은 20세기 가장 위대한 스페인 기타리스트의 창작 활동이었습니다. 안드레스 세고비아. 악기 개발의 역사에서 그의 역할의 예외적 중요성은 그의 연주 및 교육적 재능뿐만 아니라 조직자 및 선전가로서의 그의 능력이었습니다. 연구원 M. Weisbord는 다음과 같이 썼습니다. Andres Segovia의 역사적 장점은 무엇보다도 그러한 레퍼토리의 창조에 있습니다… 그리고 추가 :“M. Ponce (멕시코), M.K. Tedesco(이탈리아), J. Ibert, A. Roussel(프랑스) K. Pedrel(아르헨티나), A. Tansman(폴란드), D. Duart(영국), R. Smith(스웨덴)… 이 작고 완전한 작곡가 목록에서 볼 때 A. Segovia 덕분에 클래식 기타 전문 작곡의 지리가 빠르게 확장되었고 시간이 지남에 따라 이 악기는 많은 뛰어난 예술가인 E. 빌라 로보스, B. 브리튼 반면에 A. Barrios, L. Brouwer, R. Dyens, N. Koshkin 등 전문 연주자이기도 한 재능있는 작곡가의 전체 별자리가 있습니다.
1. 2 형성기타미술V소련그리고러시아
오늘날 그는 4번의 소련 방문(1926년, 1935년, 1936년)을 포함하여 세계 여러 나라를 성공적으로 여행했으며 클래식 기타리스트인 소라, 줄리아니, 차이코프스키, 슈베르트, 하이든의 작품 필사본 및 원작을 연주했습니다. 스페인 작곡가의 작품: Turin, Torroba, Tansman, Castelnuovo-Tedesco 및 기타 작곡가. Segovia는 소비에트 기타리스트와 많은 회의를 가졌으며 질문에 기꺼이 대답했습니다. 기타 연주 기술에 대한 대화에서 Segovia는 손을 잡는 것뿐만 아니라 운지법을 올바르게 사용하는 것의 특별한 중요성을 지적했습니다. 기타는 러시아 음악 예술에 밝은 흔적을 남겼습니다. 1735년부터 1785년까지 모스크바에 살았던 Academician J. Shtelin은 러시아의 기타가 천천히 퍼졌다고 썼습니다. 공감을 얻고 널리 사용됩니다.
18세기 후반부터 러시아에서 1옥타브로 배가된 G장조 3화음과 1쿼트 간격의 낮은 현이 있는 원래의 7현 변종을 입수한 기타는 베이스 코드 반주에 가장 적합하다는 것이 밝혀졌습니다. 도시의 노래와 로맨스.
이 악기에 대한 전문적인 연주의 진정한 번영은 뛰어난 교사이자 기타리스트인 Andrei Osipovich Sikhra(1773-1850)의 창의적인 활동 덕분에 시작됩니다. 교육에 의한 하프 연주자로서 그는 7 현 기타 홍보에 평생을 바쳤습니다. 젊었을 때 그는 콘서트 활동에 참여한 다음 교육과 계몽에 참여했습니다. 1802년 A. Sikhra의 Journal for the Seven-String Guitar가 러시아 민요 편곡과 고전 음악 편곡으로 상트페테르부르크에서 출판되기 시작했습니다. 이후 수십 년 동안 1838년까지 음악가는 악기 A.O의 인기를 크게 높이는 데 기여한 여러 유사한 잡지를 출판했습니다. Sychra는 기타 음악 작곡, 특히 민요 멜로디 주제의 변형에 대한 관심을 자극하여 수많은 학생들을 키 웠습니다. 그의 학생들 중 가장 유명한 것은 S.N. Aksenov, V.I. 모르코프, V.S. Sarenko, F.M. Zimmerman 및 기타-러시아 노래의 많은 연극과 편곡을 남겼습니다. Mikhail Timofeevich Vysotsky(1791-1837)의 활동은 전문적이고 학술적인 러시아 기타 연주 개발에 매우 중요했습니다. 그에게 기타를 처음 소개한 사람은 S.N. Aksenov, 그는 또한 그의 멘토가되었습니다.
1813년경부터 M.T. Vysotsky는 널리 알려졌습니다. 그의 연주는 독창적인 즉흥적 스타일, 다양한 민요 멜로디에서 창의적인 상상력의 대담한 비행으로 구별되었습니다. 산. Vysotsky는 즉흥적인 청각적 연주 스타일의 대표자입니다. 이 점에서 그는 전통적인 러시아 민속 음악 제작에 가깝습니다. 국립 공연 학교 발전에 기여한 러시아 기타 공연의 다른 대표자들에 대해 많은 이야기를 할 수 있지만 이것은 별도의 대화입니다. 진정한 러시아 학교는 조음의 선명도, 아름다운 음악 톤, 악기의 멜로디 기능에 대한 집중 및 특정 레퍼토리 생성, 여러면에서 독특하고 특수 운지법 "공백"을 사용하는 진보적 인 방법으로 구별되었습니다. , 시도 및 케이던스, 악기의 기능 공개.
연주가 포함된 악기의 연주 시스템 음악적 기능, 억양과 주소는 각 키에 별도로 기억되어 예측할 수없는 목소리의 움직임을 가졌습니다. 종종 그러한 개별 운지법, 멜로디 하모닉 "공백"은 열심히 보호되어 최고의 학생들에게만 전달되었습니다. 즉흥 연주는 특별히 연구되지 않았고 일반적인 기술 기반의 결과였으며 좋은 기타리스트는 노래의 익숙한 억양을 조화로운 시퀀스와 결합할 수 있었습니다. 다양한 종지의 집합이 종종 악절을 둘러싸고 음악 구조에 독특한 색상을 부여했습니다. 이러한 독창적인 교육 방법은 순전히 러시아인의 발견인 것으로 보이며 당시 외국 저작물에서는 찾아볼 수 없습니다. 불행히도 XVIII-XIX 세기의 러시아 기타 연주 전통. 부당하게 잊혀졌고 애호가들의 노력 덕분에이 방향의 상황이 더 좋아지고 있습니다.
이 악기의 개발에 대한 당국의 태도는 가볍게 말하면 시원했지만 기타 예술도 소비에트 시대에 발전했습니다. 뛰어난 교사, 연주자 및 작곡가 A.M.의 역할을 과대 평가하기는 어렵습니다. Ivanov-Kramskoy. 그의 연주 학교, 기타리스트 및 교사 P.A. Agafoshina는 젊은 기타리스트에게 없어서는 안될 교구입니다. 이 활동은 E. Larichev, N. Komoliatov, A. Frauchi, V. Kozlov, N. Koshkin, A. Vinitsky(재즈의 클래식 기타), S. Rudnev(러시아의 클래식 기타) 등 수많은 학생들과 추종자들에 의해 훌륭하게 계속되고 있습니다. 스타일) 및 기타 다수.
기타 클래식 팝 재즈
2. 이야기발생그리고진화팝 재즈지도V미술
2.1 팝 재즈 아트에 사용되는 다양한 기타
현대 팝 음악에서는 주로 네 가지 유형의 기타가 사용됩니다.
1. 플랫 탑(Flat Top) - 금속 현이 있는 일반적인 포크 기타.
2. Classical(클래식) - 나일론 현이 있는 클래식 기타.
3. 아치 탑(Arch Top) - 공명판 가장자리를 따라 "efs"가 있는 확대된 바이올린 모양의 재즈 기타입니다.
4. 일렉트릭 기타 - 전자기 픽업과 모놀리식 목재 데크(바)가 있는 기타.
120~130년 전만 해도 유럽과 미국에서는 한 종류의 기타만 유행했습니다. 나라마다 다른 튜닝 시스템을 사용했고 어떤 곳에서는 현의 수를 변경하기도 했습니다(예를 들어 러시아에서는 현이 6개가 아니라 7개였습니다). 그러나 형태면에서 모든 기타는 매우 유사했습니다. 상대적으로 대칭적인 상하부 몸체는 12 프렛에서 목과 수렴합니다.
작은 크기, 홈이 파인 손바닥, 넓은 목, 부채꼴 용수철 등 - 이 모든 것이 이 유형의 기타의 특징입니다. 사실 위의 악기는 형식과 내용이 오늘날의 클래식 기타와 비슷합니다. 그리고 오늘날의 클래식 기타의 형태는 약 120년 전에 살았던 스페인의 거장 토레스의 것이다.
지난 세기 말에 기타는 극적으로 인기를 얻기 시작했습니다. 그 전에 기타가 개인 주택과 미용실에서만 연주 되었다면 지난 세기 말에 기타가 무대에 나타나기 시작했습니다. 소리를 증폭할 필요가 있었습니다. 그때는 클래식과 현재 가장 자주 포크 기타 또는 웨스턴이라고 불리는 것 사이에 더 명확한 구분이 있었던 때입니다. 기술은 더 크게 들리는 금속 현을 만들기 시작했습니다.
또한 캐비닛 자체의 크기가 커져 소리가 더 깊고 커졌습니다. 혼자 남겨지다 심각한 문제- 금속 현의 강한 장력은 실제로 상단 데크를 죽였고 쉘 벽의 두꺼워짐은 결국 진동과 함께 소리를 죽였습니다. 그리고 유명한 X자형 스프링 마운트가 발명되었습니다. 스프링을 십자형으로 접착하여 상단 데크의 강도를 높이면서도 진동을 허용했습니다.
따라서 그 이후로 많이 변하지 않은 클래식 기타 (이전과 같이 힘줄이 아닌 합성 섬유로만 현이 만들어지기 시작했습니다)와 포크 웨스턴 기타는 몇 가지가 있습니다. 하지만 거의 항상 X자 모양의 스프링, 금속 현, 확대된 본체 등과 함께 사용되었습니다.
동시에 "아치 탑"(아치 탑)이라는 또 다른 유형의 기타가 개발되었습니다. 이게 뭐야? Martin과 같은 회사가 스프링을 부착하여 소리를 증폭하는 문제에 도전하는 동안 Gibson과 같은 회사는 바이올린 모양과 구조의 기타를 만들어 반대 방향으로 나아갔습니다. 이러한 악기는 곡선 상단 공명판, 더블 베이스와 같은 너트 및 테일피스가 특징입니다. 일반적으로 이러한 악기는 중앙에 있는 전통적인 둥근 구멍 대신 공명판 가장자리를 따라 바이올린 컷아웃이 있습니다. 이 기타는 따뜻하고 깊지 않고 균형 있고 펀치감 있는 사운드가 특징입니다. 그러한 기타를 사용하면 모든 음이 명확하게 들리고 재즈맨은 " 다크호스그들의 시야에 나타났다. "아치 탑"이 재즈 기타라는 별명을 얻은 인기를 얻은 것은 재즈 때문입니다. 1930년대와 1940년대에는 주로 고품질 마이크와 픽업의 등장으로 인해 상황이 바뀌기 시작했습니다. 또한, 새로운 대중 음악 스타일인 블루스(Blues)가 경기장에 등장하여 즉시 세계를 정복했습니다. 아시다시피 블루스는 주로 가난한 흑인 음악가들의 노력으로 인해 발전했습니다. 그들은 손가락, 곡괭이, 심지어 맥주병으로 모든 방법을 사용했습니다(맥주병 목은 현대 슬라이드의 직접적인 조상이었습니다). 이 사람들은 값 비싼 악기를 살 돈이 없었고 항상 새 현을 살 기회가 없었습니다. 어떤 종류의 재즈 기타가 있습니까? 그리고 그들은 필요한 모든 것을 주로 더 일반적인 악기인 서부 악기로 연주했습니다. 그해에 Gibson 회사는 값 비싼 "archtops"외에도 다양한 "소비자"포크 기타를 생산했습니다. 시장 상황은 Gibson이 저렴하지만 고품질의 포크 기타를 생산하는 거의 유일한 회사였습니다. 더 완벽한 것을 위한 돈이 부족하여 대부분의 블루스맨이 깁슨을 손에 넣은 것은 논리적입니다. 그래서 지금까지 그들은 그들과 헤어지지 않았습니다.
재즈 기타는 어떻게 되었습니까? 픽업의 출현으로 이러한 유형의 악기의 균형 잡히고 선명한 사운드가 당시의 증폭 시스템에 가장 적합하다는 것이 밝혀졌습니다. 재즈 기타가 현대의 펜더나 아이바네즈와 전혀 다르지만 내가 재즈 기타와 픽업을 먼저 실험하지 않았다면 레오 펜더는 텔레캐스터와 스트라토캐스터를 만들지 않았을 것입니다. 그건 그렇고, 나중에 일렉트릭 블루스도 연주되었고 픽업이있는 재즈 악기에서 연주되었지만 그 안의 바디 두께 만 줄었습니다. 이에 대한 생생한 예는 B.B. King과 그의 유명한 기타오늘날 많은 사람들이 표준 일렉트릭 블루스 기타로 간주하는 "Lussil"(Lussil).
전기로 기타 소리를 증폭하는 것으로 알려진 최초의 실험은 엔지니어이자 발명가인 Lloyd Loar가 현악기의 공진기 상자의 진동을 녹음하는 정전기 픽업을 발명한 1923년으로 거슬러 올라갑니다.
1931년에 Georges Beauchamp와 Adolph Rickenbacker는 전기 펄스가 자석의 권선을 통과하여 진동하는 줄의 신호가 증폭되는 전자기장을 생성하는 전자기 픽업을 발명했습니다. 1930년대 말에 많은 실험가들이 픽업을 더 전통적인 모양의 스페인 할로우 바디 기타에 통합하기 시작했습니다. 글쎄, 가장 급진적 인 옵션은 기타리스트이자 엔지니어 인 Les Paul이 제안했습니다. 레스폴) -- 그는 방금 기타 모놀리식 사운드보드를 만들었습니다.
그것은 나무로 만들어졌으며 간단히 "Bar"(The Log)라고 불 렸습니다. 단단하거나 거의 단단한 조각으로 다른 엔지니어들이 실험을 시작했습니다. XX 세기의 40 년대부터 개인 애호가와 대기업 모두이 작업을 성공적으로 수행해 왔습니다.
기타 제조업체의 시장은 지속적으로 범위를 확장하면서 활발하게 발전하고 있습니다. 그리고 이전의 "트렌드 세터"가 독점적으로 미국인이라면 이제 Yamaha, Ibanez 및 기타 일본 회사가 선두 자리를 굳건히 차지하고 있으며 생산 리더 중 유명한 기타의 모델과 훌륭한 사본을 모두 만듭니다.
록 음악에서 특별한 장소는 기타가 차지하고 주로 전기가 통합니다. 그러나 거의 모든 최고의 록 기타리스트는 록 음악의 스타일을 넘어서 재즈에 큰 찬사를 보내고 일부 뮤지션은 록과 완전히 결별했습니다. 기타 연주의 최고의 전통이 재즈에 집중되어 있기 때문에 놀라운 것은 없습니다.
매우 중요한 점은 잘 알려진 재즈 학교에서 다음과 같이 쓴 Joe Pass의 관심에 끌립니다. 재즈 기타, 플렉트럼 기타는 우리 세기에만 등장했으며 일렉트릭 기타는 여전히 본격적인 악기로서의 기능을 이해하기 시작한 새로운 현상입니다. 그런 상황에서 축적된 경험, 기타 마스터리의 재즈 전통이 특히 중요합니다.
이미 초기 형태종종 영어 용어 "컨트리 블루스"(컨츄리 블루스)라고도 하는 블루스, "구식" 또는 "시골"은 추가 개발을 결정하는 기타 기술의 주요 요소를 형성했습니다. 블루스 기타리스트의 별도 기술은 나중에 후속 스타일 형성의 기초가되었습니다.
가장 초기의 컨트리 블루스 녹음은 20년대 중반으로 거슬러 올라가지만, 본질적으로 남부 주(텍사스, 루이지애나, 앨라배마 등).) XIX 세기의 70-80 년대로 거슬러 올라갑니다.
이 스타일의 뛰어난 싱어 기타리스트 중에는 블라인드 레몬 제퍼슨(Blind Lemon Jefferson, 1897-1930)이 있습니다. 후기, 그리고 블루스 뿐만 아니라 Blind Blake(1895-1931)는 기타 래그타임과 블루스의 뛰어난 대가였으며 그의 녹음 중 다수는 뛰어난 기술과 독창적인 즉흥 연주로 여전히 놀라움을 금치 못합니다. Blake는 기타를 솔로 악기로 사용하는 창시자 중 한 명으로 간주됩니다. 일반적으로 Leadbelly(1888-1949)로 알려진 Huddie Leadbetter는 한때 "12현 기타의 왕"이라고 불렸습니다. 그는 연기자로서 그보다 열등했지만 때때로 Jefferson과 듀엣으로 연주했습니다. Leadbelly는 나중에 재즈에서 널리 사용되는 "방황하는 저음"인 반주에 특징적인 저음 수치를 도입했습니다.
재즈에 매우 가까운 거장 뮤지션인 컨트리 블루스 기타리스트 Lonnie Johnson (Lonnie Johnson, 1889-1970) 중에서 눈에 띕니다. 그들은 보컬 없이 훌륭한 블루스를 녹음했고, 그는 종종 중재자로 연주하여 뛰어난 기교뿐만 아니라 뛰어난 즉흥 연주 능력을 보여주었습니다.
스윙으로 전환되는 전통 재즈의 발전에서 시카고 시대의 특징 중 하나는 악기 교체였습니다. 코넷, 튜바 및 밴조 대신 트럼펫, 더블베이스 및 기타가 전면에 등장했습니다.
그 이유 중 하나는 마이크의 출현과 전기 기계 녹음 방법이었습니다. 기타는 마침내 레코드에서 완전히 들렸습니다. 시카고 재즈의 중요한 특징은 솔로 즉흥 연주의 역할 증가였습니다. 기타의 운명에 중대한 변화가 일어난 곳이 바로 여기에서 본격적인 솔로 악기가되었습니다.
이것은 다른 악기의 전형적인 많은 재즈 기법, 특히 관악기의 프레이징 특성을 기타 연주에 도입한 에디 랭(Eddie Lang, 본명 살바도르 마사로)의 이름 때문이다. Eddie Lang은 또한 중재자로서 연주하는 재즈 스타일을 만들었고 나중에 지배적이 되었습니다. 그는 라운드 로제트가 없다는 점에서 일반적인 스페인어와 다른 재즈 연주용 특수 기타 인 플렉 트럼 기타를 처음 사용했습니다. 대신 갑판에는 바이올린과 유사한 efs와 픽 스트라이크로부터 보호하는 탈착식 패널 실드가 나타났습니다. 앙상블에서 Eddie Lang을 연주하는 것은 강력한 사운드 제작으로 구별되었습니다. 그는 종종 지나가는 소리, 반음계 시퀀스를 사용했습니다. 때때로 그는 지판과 관련하여 플렉트럼의 각도를 변경하여 특정 사운드를 얻었습니다.
Lang의 방식의 특징은 음소거된 현, 거친 악센트, 병렬 비화음, 온음 음계, 특이한 글리산도, 인공 화성, 증강된 화음 진행 및 금관 프레이징이 있는 화음입니다. Eddie Lang의 영향으로 많은 기타리스트가 코드의 저음에 더 많은 관심을 기울이고 가능하면 더 나은 보이스 리드를 달성했다고 말할 수 있습니다. 일렉트릭 기타의 발명은 새로운 기타 학교와 트렌드의 출현을 위한 원동력이었습니다. 두 명의 재즈 기타리스트인 미국의 Charlie Christian과 Django Reinhardt에 의해 설립되었습니다.
(장고 라인하르트) 유럽
유명한 독일 평론가 I. Berendt는 그의 저서 "From Reg to Rock"에서 다음과 같이 썼습니다. "현대 재즈 뮤지션에게 기타의 역사는 Charlie Christian에서 시작됩니다. 그가 보낸 2년 동안 재즈 장면그는 기타 연주에 혁명을 일으켰습니다. 물론 그 이전에도 기타리스트들이 있었지만 크리스티안 이전에 연주한 기타와 그 이후에 울린 기타는 서로 다른 악기인 것 같다"고 말했다.
Charlie는 동시대 사람들이 도달할 수 없는 것처럼 보이는 기교를 가지고 연주했습니다. 그의 도착과 함께 기타는 재즈 앙상블의 동등한 멤버가 되었습니다. 그는 트럼펫과 테너 색소폰이 있는 앙상블에 세 번째 목소리로 기타 솔로를 처음으로 도입하여 오케스트라의 순수한 리듬 기능에서 악기를 해방했습니다. 다른 사람들보다 먼저 C. Christian은 일렉트릭 기타 연주 기술이 어쿠스틱 기타 연주 방법과 크게 다르다는 것을 깨달았습니다. 조화롭게 그는 증가 및 감소 코드를 실험하고 최고의 재즈 멜로디(상록수)를 위한 새로운 리듬 패턴을 발명했습니다. 악절에서 그는 종종 7화음에 추가 기능을 사용하여 선율적이고 리드미컬한 독창성으로 청취자를 놀라게 했습니다. 그는 주제의 조화에 의존하지 않고 주요 코드 사이에 배치하는 패스 코드에 의존하여 즉흥 연주를 처음으로 개발했습니다. 선율적 영역에서는 딱딱한 스타카토 대신 레가토를 사용하는 것이 특징이다.
C. Christian의 연주는 항상 강렬한 스윙과 결합된 놀라운 표현력으로 구별되었습니다. 재즈 이론가들은 그가 자신의 연주를 통해 새로운 재즈 스타일의 비밥(be-bop)의 출현을 예상했으며 그 창조자 중 한 사람이라고 주장합니다.
Christian과 동시에 똑같이 뛰어난 재즈 기타리스트 Django Reinhardt가 파리에서 빛났습니다. Charlie Christian은 여전히 오클라호마의 클럽에서 공연하는 동안 Django를 존경했으며 종종 레코드에 녹음된 그의 솔로를 반복하여 음표를 만들었습니다. 많은 저명한 음악학자와 재즈 아티스트들이 장고가 재즈 스타일의 기타 연주와 숙달 발전에 기여한 것에 대해 이야기했습니다. D. Ellington에 따르면 “Django는 슈퍼 아티스트입니다. 그가 취하는 각 음표는 보물이며 각 화음은 그의 흔들리지 않는 취향의 증거입니다.
Django는 표현력이 풍부하고 풍부한 사운드와 독특한 연주 스타일, 여러 소절 후의 긴 케이던스, 갑작스러운 빠른 패시지, 안정적이고 날카롭게 강조된 리듬에서 다른 기타리스트와 달랐습니다. 절정의 순간에 그는 종종 옥타브에서 연주했습니다.
이러한 유형의 기술은 C. Christian이 그에게서 빌렸고 12년 후 W. Montgomery가 빌렸습니다. 빠른 곡에서 그는 이전에 관악기 연주에서만 볼 수 있었던 그러한 불과 압력을 만들 수 있었습니다. 느린 것에서 그는 Negro blues에 가까운 전주곡과 랩소디를하는 경향이 있습니다. Django는 훌륭한 거장 솔리스트였을 뿐만 아니라 훌륭한 반주자이기도 했습니다. 그는 단7화음, 감소화음, 증강화음 및 기타 통과화음을 사용하는 데 있어 많은 동시대 사람들보다 앞서 있었습니다. Django는 곡의 화음 체계의 조화에 큰 관심을 기울였으며 코드 시퀀스에서 모든 것이 정확하고 논리적이면 멜로디가 저절로 흐를 것이라고 강조했습니다.
반주자로서 그는 종종 브라스 섹션의 사운드를 모방한 코드를 사용했습니다. 재즈 기타의 역사에 대한 Charlie Christian과 Django Reinhardt의 공헌은 매우 귀중합니다. 이 두 명의 뛰어난 뮤지션은 반주뿐만 아니라 즉흥 솔로에서도 악기의 무한한 가능성을 보여 주었으며 앞으로 수년 동안 일렉트릭 기타 연주 기술의 주요 개발 방향을 미리 결정했습니다.
솔로 악기로서 기타의 역할이 커지면서 소규모 앙상블(콤보)로 연주하려는 연주자들의 갈망이 생겼습니다. 여기서 기타리스트는 반주자와 솔리스트의 기능을 모두 수행하는 본격적인 앙상블 멤버처럼 느껴졌습니다. 기타의 인기는 나날이 확대되었고 재능있는 재즈 기타리스트가 점점 더 많이 등장했으며 빅 밴드의 수는 제한적이었습니다. 또한 대규모 오케스트라의 많은 리더와 편곡가가 항상 기타를 리듬 섹션에 도입하지는 않았습니다. 예를 들면 다음과 같이 말하면 충분합니다.
반주에 기타와 피아노 소리를 결합하는 것을 좋아하지 않았던 듀크 엘링턴. 그러나 때로는 빅 밴드에서 리듬을 유지하는 역할을 하는 "기계적인" 작업이 진정한 재즈 예술로 변하기도 합니다. 그것은 관하여코드 리듬 스타일의 기타 연주를 대표하는 대표자 중 한 명인 Freddie Green에 대해.
기교적인 화음 기술, 놀라운 스윙 감각, 섬세한 음악적 취향이 그의 연주를 구별합니다. 그는 거의 솔로로 연주하지 않았지만 동시에 전체 오케스트라를 수반하는 예인선과 자주 비교되었습니다.
Count Basie의 빅 밴드에게 리듬 섹션의 특이한 압축, 게임의 해방 및 간결함을 크게 빚진 것은 Freddie Green입니다. 이 거장은 긴 악절과 단성적인 즉흥 연주보다 반주와 화음 즉흥 연주를 선호하는 기타리스트들에게 큰 영향을 미쳤습니다. Charlie Christian, Django 및 Freddie Green의 작업은 말하자면 세 가지로 구성됩니다. 가계도재즈 기타. 그러나 한 가지 더 언급해야 할 방향은 다소 떨어져 있지만 우리 시대에는 점점 더 많은 인식과 보급을 얻고 있습니다.
사실 모든 기타리스트가 기타가 관악기의 소리를 얻은 Ch. Christian의 스타일을 수용할 수 있는 것은 아닙니다(많은 사람들이 Charlie Christian의 녹음을 듣고 그의 기타 목소리를 색소폰으로 착각한 것은 우연이 아닙니다). 우선 그의 스타일은 어쿠스틱 기타에서 손가락을 연주하는 사람들에게는 불가능했습니다.
C. Christian이 개발한 많은 기술(긴 레가토, 하모닉 지원이 없는 긴 즉흥 연주, 지속 음, 벤드, 열린 현의 드문 사용 등)은 특히 나일론 현으로 악기를 연주할 때 효과가 없었습니다. 또한 클래식, 기타 연주, 플라멩코, 라틴 아메리카 음악의 요소와 재즈를 창의적으로 결합한 기타리스트들이 등장했습니다. 여기에는 주로 두 명의 뛰어난 재즈 뮤지션인 Laurindo Almeida(Laurindo Almeida)와 Charlie Byrd(Charlie Byrd)가 포함됩니다. 그의 작품은 많은 클래식 기타리스트에게 영향을 미쳤으며 실제로 어쿠스틱 기타의 무한한 가능성을 보여주었습니다. 합당한 이유로 그들은 "재즈의 클래식 기타" 스타일의 창시자로 간주될 수 있습니다.
Negro 기타리스트 Wes John Leslie Montgomery는 C. Christian 이후 재즈계에 등장한 가장 뛰어난 뮤지션 중 한 명입니다. 그는 1925년 인디애나폴리스에서 태어났다. 그는 Charlie Christian 레코드의 영향과 유명한 비브라폰 연주자 Lionel Hampton의 오케스트라에서 피아노와 더블베이스를 연주한 그의 형제 Buddy와 Monk의 열정으로 19세에 기타에 관심을 갖게 되었습니다. 그는 비정상적으로 따뜻하고 "부드러운" 사운드(픽 대신 오른손 엄지를 사용)를 달성했으며 옥타브에서 전체 즉흥 합창을 놀라울 정도로 쉽고 순수하게 연주할 정도로 옥타브 기술을 개발했습니다. 빠른 템포. 그의 기술은 파트너에게 깊은 인상을 주었고 Wes는 농담으로 "Mr. Octave"라는 별명을 붙였습니다. W. Montgomery의 녹음이 담긴 첫 번째 디스크는 1959년에 발매되었고 즉시 기타리스트의 성공과 폭넓은 인정을 가져왔습니다. 재즈 애호가들은 그의 연주의 기교, 세련되고 절제된 표현, 즉흥 연주의 선율, 끊임없는 블루스 인토네이션 느낌, 생생한 스윙 리듬 감각에 충격을 받았습니다. Wes Montgomery가 솔로 일렉트릭 기타와 대형 오케스트라, 문자열 그룹을 포함합니다.
Jim Hall, Joe Pass, John McLaughlin, George Benson, Larry Coryell과 같은 유명한 뮤지션을 포함한 대부분의 후속 재즈 기타리스트는 Wes Montgomery가 작업에 큰 영향을 미쳤음을 인식했습니다. 이미 40년대에 스윙이 개발한 표준은 많은 음악가들을 만족시키지 못했습니다. 노래 형식의 조화, 어휘, 종종 뛰어난 재즈 마스터의 직접적인 인용, 리드미컬 한 단조 로움 및 상업 음악의 스윙 사용이 장르의 발전에 제동이되었습니다. 스윙의 "황금기"가 지나면 새롭고 더 발전된 형태를 찾아야 할 때입니다. 일반적으로 모던 재즈 (Modern Jazz)라는 공통 이름으로 통합되는 점점 더 많은 새로운 방향이 있습니다. 여기에는 비밥("재즈-스타카토"), 하드 밥, 프로그레시브, 쿨, 서드 커런트, 보사노바 및 아프로 쿠바 재즈, 모달 재즈, 재즈 록, 프리 재즈, 퓨전 등이 포함됩니다. 이러한 다양성, 상호 영향 및 서로 다른 흐름의 상호 침투는 개별 음악가의 작업 분석을 복잡하게 만듭니다. 특히 많은 음악가가 한 번에 다양한 방식으로 연주되기 때문입니다. 예를 들어 Ch. Byrd의 녹음에서 보스 노바, 블루스, 스윙 테마, 클래식 편곡, 컨트리 록 등을 찾을 수 있습니다. B. Kessel 게임에서 - 스윙, 비밥, 보사 노바, 모달 재즈 요소 등 재즈 기타리스트 자신이 자신의 작업을 평가하는 원시적 접근 방식을 고려하여 하나 또는 다른 재즈 방향으로 분류하려는 시도에 종종 상당히 예리하게 반응하는 것이 특징입니다. 이러한 진술은 Larry Coryell, Joe Pass, John McLaughlin 등에서 찾을 수 있습니다.
2 .2 기본지도팝 재즈성능60-70 - 엑스연령
그러나 재즈 비평가 중 한 명인 I. Berendt에 따르면 60-70 년대 직전에 현대 기타 연주에서 네 가지 주요 방향이 발전했습니다. 1) 주류 (주류); 2) 재즈 록; 3) 블루스 방향; 4) 바위. 주류의 가장 저명한 대표자는 Jim Hall, Kenny Burrell 및 Joe Pass로 간주될 수 있습니다. 흔히 "재즈의 시인"이라고 불리는 짐 홀은 50년대 후반부터 현재까지 대중에게 알려지고 사랑받고 있습니다.
"Jazz Guitar Virtuoso"는 Joe Pass(조 패스, 성명 Joseph Anthony Jacoby Passalaqua). 비평가들은 그를 Oscar Peterson, Ella Fitzgerald, Barney Kessel과 같은 음악가들과 동등하게 평가했습니다. Ella Fitzgerald 및 Herb Ellis와의 듀엣 레코드, Oscar Peterson 및 베이시스트 Nils Pederson과의 트리오, 특히 그의 솔로 디스크 "Joe Pass the Virtuoso"는 큰 성공을 거두었습니다. Joe Pass는 Jacgo Reinhardt, Charlie Christian 및 Wes Montgomery의 전통에서 가장 흥미롭고 다재다능한 재즈 기타리스트 중 한 명이었습니다. 그의 작품은 현대 재즈의 새로운 경향에 거의 영향을 받지 않았습니다. 그는 비밥을 선호했습니다. 콘서트 활동과 함께 Joe Pass는 그의 학교 "Joe Pass Guitar Style"이 특별한 장소 "2E"를 차지하는 방법 론적 작업을 많이 성공적으로 가르쳤습니다.
그러나 모든 재즈 기타리스트가 "주류"에 그렇게 헌신하는 것은 아닙니다. 중에 뛰어난 음악가재즈 개발의 새로운 방향으로 끌리는 George Benson, Carlos Santana, Ola di Meola에 주목해야합니다. 멕시코 음악가 카를로스 산타나(Carlos Santana, 1947년생)는 라틴 아메리카 리듬(삼바, 룸바, 살사 등)의 연주를 기반으로 플라멩코의 요소와 록키한 방식으로 연주하는 "라틴 록" 스타일로 연주합니다. .
George Benson은 1943년 피츠버그에서 태어나 어린 시절 블루스를 부르고 기타와 밴조를 연주했습니다. George는 15세 때 작은 일렉트릭 기타를 선물로 받았고 17세 때 학교를 졸업한 후 작은 로큰롤 밴드를 결성하여 노래하고 연주했습니다. 1년 후 재즈 오르간 연주자 Jack McDuff가 피츠버그에 도착했습니다. 오늘날 일부 전문가들은 Jack McDuff와의 첫 번째 녹음이 Benson의 전체 음반에서 최고라고 생각합니다. Benson은 Django Reinhardt와 Wes Montgomery의 작업, 특히 후자의 기술에 큰 영향을 받았습니다.
재즈 록을 연주하고 비교적 새로운 재즈 스타일인 퓨전을 개발하는 신세대 기타리스트 중에서 Ol di Meola(AI di Meola)가 눈에 띕니다. 재즈 기타에 대한 젊은 뮤지션의 열정은 Larry Coryell(우연히도 Al di Meola가 몇 년 후 같은 라인업에서 교체됨)이 출연하는 트리오 녹음을 들으면서 시작되었습니다. 이미 17세의 나이에 Chick Corea와 녹음에 참여하고 있다. Ol di Meola는 손가락과 플렉트럼으로 기타를 훌륭하게 연주합니다. 그가 쓴 교과서 "중재자가 기타를 연주하는 특징적인 방법"은 전문가들로부터 높은 평가를 받았습니다.
우리 시대의 혁신가에는 재능 있는 기타리스트 Larry Coryell도 포함됩니다. 창의적인 방법-- 로큰롤에 대한 열정에서 현대 재즈 음악의 최신 트렌드까지.
사실, Django 이후 단 한 명의 유럽 기타리스트만이 전 세계적으로 무조건적인 인정을 받았으며 일반적으로 재즈의 발전에 영향을 미쳤습니다. 영국인 John McLaughlin입니다. 그의 재능의 전성기는 20 세기 70 년대 전반에 있습니다. 재즈가 스타일 경계를 빠르게 확장하여 록 음악, 전자 및 아방가르드 음악 실험, 다양한 민속 음악 전통과 결합한시기입니다. 재즈 팬만이 McLaughlin을 "자신의 것"이라고 생각하는 것은 우연이 아닙니다. 록 음악 백과 사전에서 그의 이름을 찾을 수 있습니다. 1970년대 초에 McLaughlin은 Mahavishnu(Great Vishnu) 오케스트라를 조직했습니다. 키보드, 기타, 드럼, 베이스 외에도 그는 작곡에 바이올린을 도입했습니다. 이 오케스트라와 함께 기타리스트는 대중이 열광적으로 받아 들인 여러 레코드를 녹음했습니다. 평론가들은 인도 음악 요소의 사용으로 인한 McLaughlin의 기교, 편곡의 혁신, 소리의 신선함에 주목합니다. 그러나 가장 중요한 것은 이러한 디스크의 등장이 재즈 록이라는 새로운 재즈 트렌드의 확립과 발전을 의미한다는 것입니다.
지금은 과거의 거장들의 전통을 계승하고 발전시키는 뛰어난 기타리스트들이 많이 등장하고 있다. 세계 팝 재즈 문화에서 가장 중요한 것은 Jimm Hall의 가장 유명한 학생인 Pat Mattini의 작품입니다. 그의 혁신적인 아이디어는 현대 팝 음악의 멜로디-하모닉 언어를 크게 풍부하게 했습니다. 또한 Mike Stern, Frank Gambal, Joe Satriani, Steve Vai, Joe Pass의 학생 Lee Ritenour 등의 훌륭한 공연 및 교육 활동에 주목하고 싶습니다.
우리나라에서 팝 재즈 (일렉트릭 및 어쿠스틱) 기타 연주 기술의 발전에 관해서는 V. Manilov, V. Molotkov, A. Kuznetsov의 성공적인 교육 및 교육 작업 없이는 수년간 불가능했을 것입니다. , A. Vinitsky 및 추종자 S. Popov, I. Boyko 및 기타. 가장 중요한 것은 A. Kuznetsov, I. Smirnov, I. Boyko, D. Chetvergov, T. Kvitelashvili, A. Chumakov, V. Zinchuk 등과 같은 뮤지션의 콘서트 공연 활동입니다. 블루스에서 재즈 록으로 넘어간 기타는 그 가능성을 소진하지 않았을뿐만 아니라 반대로 재즈의 많은 새로운 방향에서 리더십을 얻었습니다. 어쿠스틱 및 전기 기타 연주 기술 분야의 성과, 전자 제품 사용, 플라멩코 요소 포함, 클래식 스타일 등은 기타가 이 음악 장르의 주요 악기 중 하나로 간주되는 이유를 제공합니다. 그렇기 때문에 새로운 세대의 뮤지션이 전임자 인 재즈 기타리스트의 경험을 연구하는 것이 매우 중요합니다. 이를 바탕으로 개별 연주 스타일의 연주, 자기 개선 방법 및 팝 재즈 기타의 추가 개발을 검색할 수 있습니다.
결론
우리 시대에는 많은 학교와 훈련 시스템이 있기 때문에 6 현 기타 연주 기술 개발이라는 주제는 여전히 관련이 있습니다. 그들은 고전적인 연주 학교에서 재즈, 라틴, 블루스 학교에 이르기까지 다양한 방향을 포함합니다.
재즈 스타일의 개발에서 매우 중요한 역할은 악기의 재즈 사용과 멜로디, 억양, 리듬, 하모닉 등의 표현 능력의 특징 인 특정 악기 기술에 의해 수행됩니다. 블루스는 재즈 형성에 중요한 역할을 했습니다. 차례로 "초기 및 덜 형식화 된 유형의 흑인 민속에서 블루스를 결정화하는 결정적인 요인 중 하나는이 매체에서 기타의 '발견'이었습니다."
기타 예술 발전의 역사는 기타 연주를 배우기 위해 수많은 교습 보조 도구를 만든 기타리스트-교사, 작곡가 및 연주자의 많은 이름을 알고 있으며, 그 중 다수는 운지법 사고 개발 문제와 직간접 적으로 관련이 있습니다.
실제로 우리 시대에 기타리스트의 개념에는 기본 클래식 기술과 기능에 수반되는 스타일에 대한 능력과 이해, 디지털에서 연주하고 즉흥 연주하는 능력, 모든 미묘함 및 블루스와 재즈 사고의 특징.
불행하게도 최근 미디어는 진지한 클래식 음악뿐만 아니라 비상업적인 유형의 팝 재즈 음악에도 거의 영향을 미치지 않았습니다.
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러시아의 기타 연주에는 고유한 역사가 있습니다. 그러나이 작업에서는 7 현 기타 연주 연습과 직접 관련되고 러시아 기타 스타일 형성의 기본 기능에 영향을 미치는 페이지 만 고려할 것입니다.
러시아 기타 학교는 서유럽에서 클래식 기타가 이미 독립적인 솔로 콘서트 악기로 선언되었을 때 설립되었습니다. 그녀는 특히 이탈리아에서 인기가 많았습니다. 스페인. 나타났다 전선연주자와 작곡가. 새롭고 고전적인 레퍼토리를 만들었습니다. 그 중 가장 유명한 것은 D. 아구아도. M. 줄리아니. F. 카룰리, M. 카르카시. 나중에 Franz Schubert, Niccolò Paganini, Carl Weber 등과 같은 뛰어난 음악가들이 PR로 전환하여 글을 썼습니다.
러시아 기타와 유럽에서 인기 있는 클래식 기타의 주요 차이점은 현의 수(6개가 아닌 7개)와 튜닝 원리였습니다. 6현 또는 7현 기타의 장점에 대한 오래된 논쟁에서 항상 초석이 되어 온 것은 튜닝의 문제입니다. 이 문제의 특별한 중요성을 이해하면서 7 현 기타의 기원과 러시아에서의 모습에 대한 주제로 돌아갈 필요가 있다고 생각합니다.
XVIII 세기 말까지. 유럽에는 현의 수가 다르고 튜닝하는 방법이 다양한 다양한 디자인, 크기의 여러 유형의 기타가있었습니다 (현의 수는 5에서 12까지 다양하다는 점을 언급하면 충분합니다)-. 현을 4분의 1로 조율하고 중간에 1개의 장 3분의 1을 조율하는 원칙에 따라 많은 기타 그룹이 통합되었습니다(편의상 이 조율을 4분의 1이라고 부름). 이 도구는 이탈리아에서 널리 사용되었습니다. 스페인. 프랑스.
영국, 독일, 포르투갈, 중부 유럽소위 terts 시스템이있는 악기 그룹이 있었는데, 음성 문자열을 튜닝 할 때 3 분의 1이 선호되었습니다 (예를 들어 두 개의 큰 tert는 쿼트로 분리되었습니다).
이 두 악기 그룹은 하나의 음계로 쓰여진 음악이 다른 음계의 악기에서 작은 편곡을 사용하여 연주될 수 있다는 사실로 통합되었습니다.
우리에게 흥미로운 것은 영국에서 유럽으로, 유럽에서 러시아(St. Petersburg)로 온 4개의 이중 현이 있는 기타입니다. 이 기타의 구조는 네 번째와 세 번째의 두 가지 유형이 있습니다. 후자는 크기면에서 7 현 러시아 기타와 다르지만 (훨씬 작음) 확장 된 메이저 트라이어드 (g, e, c, G, F, C, G)에 따른 튜닝 원리를 실질적으로 예상했습니다. 이 사실은 우리에게 매우 중요합니다.
변형에 대한 역사적 증거 부족 기타 바디, 그 값 및 문자열의 공통 스케일을 통해 개발 옵션을 가정할 수 있습니다. 아마도 기타 목의 크기는 연주의 편의성에 의해 결정되었고 현의 장력, 튜닝은 노래하는 목소리의 테시 투라에 해당했습니다. 아마도 개선으로 인해 본체가 증가하고 금속 딱지가 가닥으로 교체되어 전체 시스템이 "미끄러지는"소리의 테시 투라가 감소했을 것입니다.
러시아 "7 현"의 원형 역할을 한 것이이 기타라는 믿을만한 정보는 없지만 그 관계는 분명합니다. 러시아 기타 연주의 역사는 세 번째 및 세 번째 기타를 연주 한 외국 기타리스트의 캐서린 대왕 (1780-90s) 통치 기간 동안 등장한 것과 관련이 있습니다. 그중에는 Giuseppe Sarti, Jean-Baptiste Guenglez가 있습니다. 5-6현 기타, 기타 잡지를 위한 작품 모음집 출판물이 있습니다.
Ignaz von Geld(Ignatius von Geld)는 "교사 없이 7현 기타 연주를 배우기 위한 쉬운 방법"이라는 매뉴얼을 처음으로 출판합니다. 불행히도이 최초의 러시아 기타 연주 학교의 단일 사본은 물론 저자의 교육 방법, 기타 유형 및 튜닝 방법에 대한 정보가 보존되지 않았습니다. 동시대의 증언만 있을 뿐입니다. 그 Geld는 훌륭한 영국 기타 연주자였습니다.
그러나 러시아 기타 학교의 진정한 창시자는 18세기 말 모스크바에 정착한 나였다. 교육받은 음악가, 웅장한 하프 연주자 Andrey Osipovich Sikhra. 나중에 러시아인으로 알려지게 된 d, h, g, D, H, G, D 시스템으로 7 현 기타를 만드는 실용적인 음악을 도입 한 사람은 바로 그 사람이었습니다.
우리는 A. Sichra가 현의 수와 튜닝 방법이 다른 기타를 만드는 유럽 실험에 얼마나 친숙했는지 알 수 없습니다. 6현 기타. 이것은 그다지 중요하지 않습니다.
중요한 것은 A. Sihra입니다. 기타 연주의 열렬한 찬사이자 뛰어난 교사이자 그의 아이디어를 유능하게 대중화 한 그는 러시아 기악 연주 발전 역사에 밝은 흔적을 남겼습니다. 고전적인 스페인 기타 학교의 최고의 업적을 사용하여 그는 7현 기타를 가르치는 방법론을 개발했으며 나중에 1832년과 1840년에 출판된 책에서 설명했습니다. "학교". 고전적인 형식과 장르를 사용합니다. Sychra는 특히 러시아 기타를 위한 새로운 레퍼토리를 만들었고 뛰어난 학생들을 양성했습니다.
A. O. Sikhra와 그의 동료들의 활동 덕분에 7 현 기타는 다양한 계층의 대표자들 사이에서 특별한 인기를 얻었습니다. 러시아 지식인과 중산층 대표는 그것을 좋아했고 전문 음악가와 일상 음악 애호가는 그것을 좋아했습니다. 동시대 사람들은 그것을 러시아 도시 민속 음악의 본질과 연관시키기 시작했습니다. 7현 기타의 매혹적인 사운드에 대한 설명은 푸쉬킨의 진심 어린 대사에서 찾을 수 있습니다. 레르몬토프, 투르게네프. Chekhov, Tolstoy 및 기타 많은 시인과 작가. 기타는 러시아 음악 문화의 자연스러운 부분으로 인식되기 시작했습니다.
A. Sikhra의 기타는 7 현 기타가 거의 보이지 않는 상황에서 러시아에 등장했으며 상점이나 장인에게서 구입할 수 없었습니다. 이제 가장 큰 바이올리니스트를 포함하여이 마스터가 얼마나 빨리 (2-30 년 만에) 러시아 기타 생산을 확립 할 수 있었는지 궁금 할뿐입니다. Ivan Batov, Ivan Arhuzen입니다. 이반 크라스노시체코프. 비엔나 마스터 I. Scherzer의 기타는 최고 중 하나로 간주되었습니다. 동시대 사람들에 따르면 F. Savitsky, E. Eroshkin, F. Paserbsky의 기타는 독특한 개성으로 구별되었습니다. 그러나 지금은 별도의 논의가 필요하기 때문에 이에 대해 언급하지 않겠습니다.
7 현 기타의 국가적 풍미는 러시아 민요를 주제로 한 편곡으로도 제공되었습니다. “음악 예술에 대한 민속 음악의 영향은 물론 많은 국가의 전통의 일부로 시작될 것입니다. 그러나 러시아에서 민속 음악은 그들 자신의 음악에 대한 사람들의 가장 열광적인 열정의 주제가 되었으며 아마도 러시아 영혼의 가장 놀라운 움직임 중 하나일 것입니다.
공정하게 말하면 주목해야합니다. 러시아 주제에 대한 A. Sikhra의 작품은 고전적인 변형 스타일로 작성되었으며 다른 러시아 기타리스트의 편곡을 구별하는 독창적이고 순수한 러시아 풍미가 없었습니다. 특히 러시아 민요를 주제로 한 수많은 작곡의 창작자 미하일 티모페예비치 비소츠키(Mikhail Timofeevich Vysotsky)는 독창적인 국가적 현상으로서 러시아 기타 학교의 형성에 큰 공헌을 했다. M. Vysotsky는 러시아 민속 전통에 대한 사랑과 존경의 분위기 속에서 모스크바 대학교 총장 인 시인 M. Kheraskov의 재산에있는 Ochakovo 마을 (모스크바에서 12km)에서 자랐습니다. 소년은 멋진 민속 가수의 말을 듣고 민속 의식에 참여할 수 있습니다. 농노의 아들이 되는 것. Misha는 교육받은 손님의시, 토론 및 즉석 공연을 듣고 창의적인 지식인과 Kheraskovs의 집 회의에 참석해야만 교육을받을 수 있습니다.
그중에는 M. Vysotsky-Semyon Nikolaevich Aksenov의 주요 교사가 있습니다. 그는 그 소년의 재능을 알아차리고 그에게 러시아 기타 연주를 가르치기 시작했습니다. 이 수업이 체계적이지는 않았지만 그 소년은 상당한 진전을 보였습니다. M. Vysotsky가 1813년에 자유를 얻고 추가 교육을 위해 모스크바로 이주한 것은 S. Aksenov의 노력 덕분이었습니다. 나중에 유명한 음악가 작곡가 A. Dubuk은 Vysotsky에게 음악 및 이론 분야를 마스터하는 데 상당한 도움을주었습니다.
M. Vysotsky는 훌륭한 기타리스트가되었습니다 - 즉흥 연주자, 작곡가. 곧 탁월한 거장 기타리스트의 명성이 그에게 왔습니다. 동시대 사람들에 따르면 Vysotsky의 연주는 그의 뛰어난 기술뿐만 아니라 그의 영감과 풍부한 음악적 상상력에 깊은 인상을 받았습니다. 그는 기타와 합쳐지는 것 같았습니다. 그것은 그의 영적 분위기와 생각을 생생하게 표현한 것입니다.
이것이 그의 학생이자 동료 기타리스트 I. E. Lyakhov가 Vysotsky의 연주를 평가한 방법입니다. 여기에서 방적공의 노래가 당신 앞에 애처롭게, 부드럽게, 우울하게 들렸습니다. 작은 페르마토-그리고 모든 것이 응답으로 그녀에게 말하는 것 같았습니다. 그러나 피곤한 생각과 같은 소리는 심지어 삼중주로 바뀌고 마치 가수가 다른 것에 대해 생각하는 것처럼 주제가 거의 사라집니다. 그러나 아니요, 그는 다시 주제, 그의 생각으로 돌아가고 엄숙하고 고르게 들리며기도하는 아다지오로 바뀝니다. 당신은 신성한 개로 승격 된 러시아 개를 듣습니다 (Sudet. 러시아 노래에 대한 다른 작곡에서는 거의 볼 수 없기 때문에 모든 것이 너무 아름답고 자연스럽고 매우 성실하고 음악적입니다. 여기에서는 그런 것을 기억하지 못할 것입니다. 여기의 모든 것이 새롭습니다. 우리 앞에는 영감을 받은 러시아 음악가가 있고, 여러분 앞에는 Vysotsky가 있습니다.
Vysotsky 작업의 독특한 특징은 러시아 민요의 강력한 계층과 부분적으로 악기의 창의성에 대한 의존이었습니다. 이것이 모스크바 지부 인 러시아 기타 학교의 발전을 결정한 것입니다. M. Vysotsky는 아마도 많은 레슨을 제공했지만 7현 기타 연주를 배우기 위한 권장 사항을 체계화하는 데 덜 관심이 있었을 것입니다. 그러나 그의 작품에서 러시아의 7현 기타는 고유한 레퍼토리, 특수한 기술 기술 및 문체의 차이, 연주 스타일, 음악 형식 내 발전 패턴(우리는 시적 내용 간의 연결을 의미합니다. 노래와 작곡의 변형 개발 과정). 이와 관련하여 M. Vysotsky는 우리를 위한 것입니다. 아마도 러시아 기타 연주에서 가장 중요한 인물일 것입니다. 그의 작품은 선율적인 소리를 얻는 원리와 그에 수반되는 기법뿐만 아니라 독창적인 연주 스타일의 토대를 마련했습니다. 그러나 이것은 나중에 논의될 것입니다.
따라서 러시아에서 원래 기타 학교의 출현은 A. Sikhra 및 M. Vysotsky의 이름과 최고의 학생과 관련이 있습니다.
결론적으로 단기간에 러시아에서 기타가 널리 사용되는 것은 우연이 아니라고 말하고 싶습니다. 오히려 그것은 도구의 생존 가능성에 대한 좋은 증거입니다. 러시아 기타 학교의 성과를 자랑스러워할 충분한 이유가 있습니다. 그러나 우리는 우리의 도구와 그것을 위해 만들어진 유산에 대한 모든 진실을 알지 못한다는 것을 씁쓸하게 말할 수 있습니다. 과거에 러시아가 자랑스러워했던 거의 모든 것이 땅에 파괴되고 그것을 대체하기 위해 만들어진 것이 없는 오늘날 이것을 알고 이해하는 것이 중요합니다. 러시아 기타의 유산으로 얼굴을 돌릴 때가 된 것일까요?! 그것은 당시 가장 교육받은 사람들의 작품, 방법 및 레퍼토리로 구성됩니다. 다음은 몇 가지 이름입니다. M. Stakhovich - 귀족, 역사가, 작가; A. Golikov - 귀족, 대학 등록 기관; V. Sarenko - 의학 박사; F. Zimmerman - 귀족, 지주; I. Makarov - 토지 소유자, 주요 서지 작가; V. Morkov-귀족, 진정한 주 의원 : V. Rusanov-귀족, 지휘자, 뛰어난 편집자.
음악 예술 "민속 악기" GUITAR 분야의 추가 예비 전문 일반 교육 프로그램. 주제 영역 B.00. 변형 부품 V.03.UP.03.카시안 기타 연주의 역사.시행기간 1년. 이 프로그램에는 설명 메모, 과목 내용, 커리큘럼, 학생 교육 수준 요구 사항, 제어 형식 및 방법, 평가 시스템, 방법론적 지원교육 과정, 참고 문헌 목록.
다운로드:
시사:
시 예산 교육 기관
자녀를 위한 추가 교육
어린이 미술 학교 p.Novozavidovsky
추가 예비 전문가
지역의 일반 교육 프로그램
음악 예술
"민속 악기"
기타
대상 지역
W.00. 변형 부품
V.03.UP.03. 카시안 기타 연주의 역사
어린이 음악 학교 및 음악과의 어린이를 위한 추가 교육 시스템의 음악 개발
어린이 미술 학교
편집: Bensman Vera Igorevna,
강사 MBOU DOD DSHI
P.노보자비도프스키
P.노보자비도프스키 2014
프로그램 승인됨 승인됨
교육위원회 ________________ Saperova I.G.
MBOU DOD DSHI MBOU DOD DSHI 이사
P. Novozavidovsky P. Novozavidovsky,
2014년 10월 30일자 회의록 2호. 코나콥스키 지구,
트베리 지역.
편집자: Bensman Vera Igorevna 교사
검토자: 최고 카테고리 Bensman L.I.
1. 설명.
과목의 특성, 교육 과정에서의 위치 및 역할
주제의 구현 기간;
-a 과목의 구현을 위해 커리큘럼에서 제공하는 학습 시간의 양;
강의실 교육 실시 형태;
주제의 목적 및 목표
과목 커리큘럼의 구조;
교수법;
주제 구현을 위한 재료 및 기술 조건에 대한 설명
학습 시간 비용에 대한 정보
강의 계획서.
3. 학생 교육 수준에 대한 요구 사항.
4. 관리의 형식 및 방법, 등급 시스템:
인증: 목표, 유형, 형식, 내용 기말 고사;
평가 기준.
5. 교육 과정의 방법론적 지원.
6. 참고 문헌 목록.
설명 메모
기타는 프로 및 아마추어 연습에 사용되는 가장 인기 있는 악기 중 하나입니다. 다양한 기타 레퍼토리에는 클래식, 대중 음악, 재즈 등 다양한 스타일과 시대의 음악이 포함됩니다.
기타는 연주자, 작곡가, 편곡가, 교사, 기타 마스터, 역사가, 수집가, 애호가, 찬사, 아마추어 기타리스트 등 전 세계입니다. 세계 문화의 가치 있는 부분입니다. , 그 연구는 많은 사람들에게 흥미로울 것입니다.
기타는 음악, 그림, 노래, 연구, 산문, 교육 및 장인의 재능, 역사적 작품 및 시에 전념했습니다. M.Yu.는 그녀에게 감탄의 대사를 바쳤다. 레르몬토프:
무슨 소리! 나는 아직
달콤한 소리 나.
하늘도 영원도 땅도 잊고
그 자신...
과목의 특성, 교육 과정에서의 위치 및 역할
어린이 미술 학교에서 기악과 학생들을 가르치는 과정에서 기악 연주의 역사로서 음악 교육의 가장 중요한 구성 요소에 대한 관심이 부족합니다.
음악 문학 수업에서는 작곡가의 작품을 연구하고 연주자 만 언급합니다. 민속 악기, 특히 기타 악기에 대한 주제는 거의 다루지 않습니다. 교사가 수행하는 과외 활동은 다양하며 이러한 단점을 부분적으로 보완합니다. 그러나 이것만으로는 충분하지 않습니다.
어린이예술학교 학생들은 (국내외 학교의) 악기와 연주의 발전사 분야에서 보다 방대하고 체계화된 지식을 갖추어야 한다.
Children's School of Art의 일반 발달 교육 프로그램 커리큘럼에 주제를 도입하는 것은 현재 단계, 특히 예비 전문 프로그램과 관련이 있습니다.
주제는 기타 악기 개발의 주요 단계를 강조하고 뛰어난 연주자, 작곡가의 작업을 검토하고 뮤지컬 작품이 악기를 위해 제작된 기타 연주자, 수상자 및 대회 수상자(어린이, 청소년 포함)의 녹음을 듣고 봅니다.
"클래식 기타 연주의 역사"라는 주제는 음악 예술 "기악", "민속 악기", "기타" 분야의 추가 예비 전문 일반 개발 프로그램의 "가변 부분" 섹션에 포함되도록 제안되었습니다. . 에 항목을 입력할 수도 있습니다. 교육 계획특정 어린이 미술 학교에서 시행되는 일반적인 발달 프로그램.
"클래식 기타 연주의 역사"라는 주제의 저자 프로그램은 음악 예술 분야의 추가 사전 전문 일반 교육 프로그램에 대한 연방 주 요구 사항을 기반으로 개발되었습니다. (2012) 이 프로그램은 기악 연주 커리큘럼의 일부입니다. "민속 악기" 기타.
프로그램 준비에 사용된 자료는 다음과 같습니다.
교육 방법적 복합물 "민속 악기에 대한 Istrian 공연" Specialty 071301 "Folk 예술적 창의성". Tyumen State Academy of Culture and Art and Social Technologies의 오케스트라 지휘 및 민속 악기과 교수 인 Zhdanova T.A.가 편집했습니다. 튜멘, 2011
Chupakhina T.I. "민속 악기 연주의 역사에 관한 강의". 2004년 옴스크
Charles Duckart 기타 학교.
주제 구현 마감일:
본 항목의 시행기간은 1년(35주)입니다.
5 (6) 학습 기간-5 학년.
8 (9) 학기 - 8 학년.
커리큘럼에서 제공하는 학습 시간:
대상자의 총 노동강도는 70시간이다.
이 중: 35시간 - 교실 수업, 35시간 - 독립 작업.
강의실 수업 시간은 주당 1시간입니다.
시간 독립적 인 일(과외 활동) - 주당 1시간.
교실 교육을 실시하는 형태.
주제의 목표와 목표.
"클래식 기타 연주의 역사"라는 주제는 기타 수업에서 어린이 미술 학교 졸업생을 준비하는 데 없어서는 안될 부분입니다. 기타 예술은 세계 예술 문화의 일부입니다. 그것은 고대부터 현재까지 추적할 수 있으며 공연 및 레퍼토리 기악문화와 유기적으로 연결되어 있다. 공연의 역사에 대한 연구가 얼마나 광범위한 문제에 포함되는지 분명해집니다.
- 이 주제의 목적은 기타 악기의 개발 및 형성 과정을 이해하기 위해 공연 예술의 역사적 조건과 발전 순서를 보여주는 것입니다. 형성의 역사적 패턴과 레퍼토리의 주요 특징, 기타 공연 예술의 특징을 연구합니다.
- 과목의 목적은 또한 학생들의 창의적 능력과 개성의 개발, 음악 예술 분야의 독립적인 활동에 대한 지속적인 관심을 보장하는 것입니다.
- 학생들에게 알고, 공부하고, 듣고, 분석할 필요성을 심어줍니다.
- 졸업생이 세계 음악 문화를 독립적으로 탐색할 수 있는 교육 수준 달성
주제 목표:
- 이 과목을 공부하는 주요 과제 중 하나는 학생들이 연주를 배우고 있는 악기의 역사와 발전 이론을 이해하도록 격려하는 것입니다.
- 음악 문화사 분야의 지식 습득, 학생들의 예술적 지평 확장, 기타 예술, 음악 스타일 및 방향의 다양한 측면을 탐색하는 능력 개발.
- 음악, 음악 자기 교육 및 자기 교육과의 독립적인 의사 소통을 위한 기반을 전체적으로 제공하는 지식, 기술 및 음악 활동 방법 시스템을 갖추고 있습니다.
- 최고의 졸업생들 사이에서 전문 교육을 계속하고 전문 교육 기관에 대한 입학 시험을 준비하려는 의식적인 동기 부여.
주제 커리큘럼의 구조.
이 프로그램에서 다루는 문제는 역사주의와 연대기적 시대구분의 원칙을 고려하여 기타 예술의 발전 맥락에서 고려됩니다.
프로그램에는 다음 섹션이 포함됩니다.
학습 시간 비용에 대한 정보
강의 계획서;
학생 교육 수준에 대한 요구 사항
관리 형식 및 방법, 등급 시스템, 최종 인증;
교육 과정의 방법론적 지원
이러한 지침에 따라 "주제 콘텐츠" 프로그램의 주요 섹션이 구축되고 있습니다.
교육 방법.
설정된 목표를 달성하고 과목의 목표를 구현하기 위해 다음 교수법이 사용됩니다.
언어: 강의, 이야기, 대화.
시각적: 자료를 보여주고, 설명하고, 듣기.
실용적: 오디오 및 비디오 자료 작업. 보고서 작성, 초록. 프레젠테이션 준비.
감정적: 예술적 인상.
주제 구현을 위한 재료 및 기술 조건에 대한 설명.
이 주제의 교육 보장: 위생 기준 및 화재 안전 요구 사항을 충족하는 청중의 존재. 컴퓨터 또는 노트북, TV, 음악 센터, 멀티미디어 프로젝터 + 데모 스크린 - 바람직합니다. 인터넷 리소스를 적극적으로 활용하는 사진, 오디오, 비디오 자료.
도서관 기금은 인쇄, 전자 출판물, 교육 및 체계적인 문헌으로 완성됩니다.
각 학생은 도서관 자금과 오디오 및 비디오 녹음 자금을 이용할 수 있습니다. 독립적인 작업 중에 학생들은 인터넷을 사용하여 수집합니다. 추가 재료제안된 주제를 연구합니다.
학습 시간 비용에 대한 정보
1 번 테이블
- 표 2
"기타" 학업기간은 5(6)년입니다. |
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가변 부분 |
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상품명 | 1등석 | 2셀 | 3셀 | 4셀 | 5셀 | 6셀 | |||
클래식 기타 연주의 역사 | |||||||||
중간 인증 | |||||||||
표 3
- 표 4
"기타" 학업기간은 8(9)년입니다. |
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가변 부분 |
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상품명 | 1등석 | 2셀 | 3셀 | 4셀 | 5셀 | 6셀 | 7셀 | 8셀 | 9셀 |
뮤지컬 공연의 역사 | |||||||||
교실 공부의 주 수 | |||||||||
중간 인증 | |||||||||
강의 계획서
주제 이름 | 교실 | 독립적 인 일 | ||
기타 예술의 역사에서. 기원과 발전. | ||||
기타의 기원. 역사의 다섯 가지 뚜렷한 기간: 형성, 침체, 부흥, 쇠퇴, 번영. | 1 시간 | 1 시간 | ||
기타의 전신인 악기. 기타와 류트. 스페인의 기타 (XIII 세기) 기타의 부흥 기간은 이탈리아 작곡가, 연주자, 교사 Mauro Giuliani (1781 년생)와 관련이 있습니다. | ||||
Fernando Sor(1778-1839)는 스페인의 유명한 기타리스트이자 작곡가였습니다. 그는 기타에서 다성적 가능성을 발견한 최초의 사람 중 한 명이었습니다. 기타를 위한 F.Sor의 작품. 기타에 관한 그의 논문. Aguado Dionisio (1784 - 1849) - 뛰어난 스페인 연주자 - 거장, 작곡가. 마드리드 출신. 파리에서 큰 성공을 거두었습니다. | ||||
Carulli Fernando (1770-1841)-유명한 교사, "School of Playing the Guitar"의 저자, 약 400 곡의 작품을 작곡 한 작곡가, 이탈리아의 거장 기타리스트.Giuliani Mauro (1781 - 1829) - 뛰어난 이탈리아 기타리스트 - 연주자, 작곡가, 교사. I. 포르테아???????? ?? | ||||
Matteo Carcassi(1781–1829) - 가장 중요한 이탈리아 기타리스트 연주자이자 School of Guitar Playing의 저자작곡가. Regondi Giulio (1822 - 1872) - 유명한 이탈리아 기타리스트 - 거장, 작곡가. | ||||
Tarrega Francisco Eixea (1852 - 1909) - 유명한 스페인 기타리스트, 현대 기타 학교 창립자 화려한 콘서트 연주자, 작곡가, 가장 유명한 기타 작품의 저자. | ||||
20세기의 전설 - 안드레스 세고비아(1893-1987), Tarrega의 학생이자 후계자. 20세기 가장 유명한 기타리스트. | ||||
중간인증(1분기) | ||||
플라멩코 기타. 플라멩코 스타일.Paco de Lucia는 스페인의 플라멩코 기타리스트입니다. | ||||
유럽의 기타. 유명한 연주자. | ||||
라틴 아메리카 기타리스트. 브라질 작곡가 E. Villa-Lobos(1887-1959). Villa-Lobos의 작곡은 현대 기타리스트 레퍼토리의 필수적인 부분입니다. 쿠바의 기타리스트. 밝은 대표자는 Acosta입니다. Anido Maria Luisa(1907년생)는 뛰어난 아르헨티나 기타리스트입니다. 콘서트 연주자, 작곡가, 교사. 하와이안 기타와 그 특징. | ||||
세미나 수업. | ||||
중간인증(상반기) | ||||
러시아의 기타, 19세기와 20세기 초의 러시아. | 3분기 |
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러시아에서 7현 기타 연주 예술의 출현. 이탈리아 기타리스트 Giuseppe Sarti, Carlo Conobbio, Pasquale Gagliani를 통한 기타와의 친분. 19세기 저명한 작곡가들의 노래와 로맨스(A.E. Varlamov, A.L. Gurilev, A.A. Alyabiev, .I. Dubuc., P.P. 불라코프.) | ||||
국내 전문 예술의 전성기 A.O. Sikhra (1773-1850)-러시아 7 현 기타의 족장, 뛰어난 작곡가, 재능있는 기타리스트의 은하계를 키운 유명한 교사. Andrei Sikhra와 그의 음악 출판사. A. Sikhra의 추종자, 그의 학생 : F. Zimmerman, V. Sarenko, V. Markov, S. Aksenov. 7현 기타와 러시아 노래, 잔인한 로맨스. | ||||
6현 기타를 연주한 최초의 기타리스트는 N. P. Markov(1810)였습니다.- ) 기타 연주 기술. 기타에 대한 희미한 관심을 되살리기 위해 Markov가 조직한 브뤼셀 대회. Sokolovsky (1818-1883) 유럽의 명성을 얻은 당시 국내 기타 학교의 유일한 대표자 인 유명한 콘서트 연주자. 기타의 대중화에 그의 활동. | ||||
Isakov P. I. (1886-1958)-기타리스트-콘서트 연주자, 반주자, 교사, 레닌 그라드 기타리스트 협회 창립 창시자. Yashnev V.I. (1879-1962)-6 현 기타 연주 학교의 기타리스트-교사, 작곡가, 작가 (B.L. Volman과 함께). Agafoshin PS (1874 - 1950) - 재능있는 기타리스트, 유명한 교사, 6 현 기타를위한 최고의 국내 "학교"저자. 학생 V.A. Rusanov. . 세고비아와 아가포신의 만남. | ||||
Ivanov-Kramskoy Alexander Mikhailovich (1912-1973)-유명한 기타리스트-콘서트 연주자, 작곡가, 교사. RSFSR의 영예로운 예술가. 학생 P.S. 아가포시나.N.A. 이바노바 - 크람스카야 | ||||
우리 시대의 유명한 기타리스트. | ||||
러시아 기타 학교. Alexander Kuznetsov의 독창성. 창의성 V. Shirokogo, V. Derun. A. Frauchi, A. Zimakova. 기타리스트: V.Kozlov, Alexander Chekhov, Nikita Koshkin, Vadim Kuznetsov, N.A.Komolyatov, A.Gitman, E.Filkshtein, A.Borodina.블라디미르 테르보Dervoed A. V., Matokhin S. N., Vinitsky A. E. , Reznik A.L. | ||||
클래식 방향의 외국 기타리스트. | ||||
세미나 | ||||
마지막 수업 3쿼터 | ||||
국제 대회. 러시아 대회. 수상자, 외교관. 축제. | ||||
챔버 앙상블의 기타. 기타 오케스트라. | ||||
Tver 및 Tver 지역의 클래식 기타. 오전. Skvortsov, E.A. Baev; 기악 듀엣 "뮤지컬 미니어처" - E. Baev - 기타, E. Muravyova - 바이올린 "Art Duet" Natalya Gritsay, Elena Bondar. | ||||
클래식 재즈 기타. 재즈 기타. 기타 예술 분야의 다른 방향. 국가 기술. 핀처스타일. 퓨전. ......다양한 방향의 연주자. | ||||
기타는 어떻게 만들어질까요? 최고의 기타 메이커. 기타 업그레이드. 기타에는 현이 몇 개 있습니까? Narciso Yepes와 그의 10현 기타. 클래식 기타 연주의 새로운 기술. | ||||
세미나 상담. | ||||
기말 고사 | ||||
요율 합계 합계 |
3. 학생 교육 수준에 대한 요구 사항.
학생들의 훈련 수준은 다음과 같은 지식, 기술의 형성을 포함하는 "클래식 기타 연주의 역사"라는 주제의 프로그램을 마스터한 결과입니다.
* 뮤지컬 공연의 역사에 대한 학생의 관심;
* 기타 아트, 음악 스타일 및 방향의 다양한 측면을 탐색하는 능력;
* 듣는 작업, 연주자의 스타일 및 방식을 평가하고 특성화할 수 있는 잘 구성된 지식, 기술 및 능력의 복합체;
* 인터넷 리소스를 독립적으로 사용할 수 있는 지식.
* 졸업생은 과정의 주요 주제를 알고 있어야 합니다.
4. 통제, 평가 시스템의 형태와 방법.
- 인증: 목표, 유형, 형식, 내용
평가기준
학생들의 지식, 기술 및 능력에 대한 통제는 교육 과정의 운영 관리를 제공하고 훈련, 테스트, 교육 및 교정 기능을 수행합니다. 학생들의 진행 상황을 다양한 형태로 모니터링하면 교육 과정의 성공과 질을 객관적으로 평가할 수 있습니다. 주제의 주요 진행 제어 유형
"클래식 기타 연주의 역사"는 현재 제어, 중간 인증입니다. 기말 고사.
현재 증명교육 자료 섹션 마스터 링의 품질을 제어하기 위해 수행되며 책임감있는 숙제 조직에서 주제에 대한 태도를 식별하고 자극합니다. 현재 인증은 설문조사, 학생들이 준비한 주제에 대한 대화, 청취한 공연에 대한 토론의 형태로 진행됩니다. 테스트 및 음악 퀴즈 형태의 가능한 현재 제어 작업.
"기악 연주의 역사"에 관한 수업은 교사의 강의, 학생들이 준비한 주제에 대한 대화, 학생 설문 조사의 형태로 진행됩니다.
작업에서 큰 위치가 주어집니다. 뮤지컬 삽화, 듣기 및 관련 자료 보기. 교사나 학생들이 선택한 주제로 세미나를 진행하는 것이 좋습니다. 테스트 및 음악 퀴즈 형태의 가능한 현재 제어 작업. 현재 제어 결과를 기반으로 분기별 추정치가 도출됩니다.
중간 인증(첫 학기 및 두 번째 학기 말에 제공) 이 단계에서 학생 개발의 성공과 학습 과제를 마스터하는 정도를 결정합니다. 중급 인증 양식: 제어 수업, 테스트, 보고서, 초록, 프레젠테이션.
기말 고사
최종 인증을 통과할 때 졸업생은 프로그램 요구 사항에 따라 지식, 기술 및 능력을 입증해야 합니다. "클래식 기타 연주의 역사" 주제에 대한 최종 평가의 형식과 내용은 조직에서 독립적으로 설정합니다(교사의 제안에 따라). 권장 양식: 미리 준비된 질문에 대한 답변의 형태로 서면 또는 구두로 평가 또는 시험이 있는 시험.
학생 인증을 위해 취득한 지식, 기술 및 능력을 평가할 수 있는 제어 방법을 포함하는 평가 도구 기금이 생성됩니다.
평가기준
5("훌륭함");
4("좋음");
3("만족").
평가 -이 과목의 "불만족"은 학생의 발달 수준에 관계없이 교사가 각 학생에 대한 개별 접근 방식을 찾고 창의력을 극대화 할 기회가 있기 때문에 바람직하지 않습니다.
5. 교육 과정의 방법론적 지원
이 과목은 기타 선생님이 가르칩니다.
물론 과거의 위대한 연주자들의 녹음을 들을 수는 없다. 20세기는 우리에게 기회를 줍니다. 우리는 제자들과 추종자들을 통해 서로 다른 시대의 음악 연주의 전통과 연속성에 대해 이야기할 수 있다. (예: F. Tarrega, Segovia, A.M. Ivanov-Kramskoy, A. Frauchi……….).
수업을 진행하는 형태는 다양하지만 전체 그룹의 작업에 의무적으로 포함됩니다. 녹음의 공동 청취 및 보기, 창의적인 과제 - 보고서, 초록, 수업 중 및 독립적으로 녹음을 듣는 느낌. 자료 발표에는 다음이 포함됩니다. 오디오 및 비디오 자료를 듣고 보는 교사 자신의 강의; 후속 토론과 함께 모든 학생들이 연구 자료의 틀 내에서 특정 숙제를 수행합니다. 작업의 큰 부분은 음악 삽화, 듣기 및 관련 자료 보기에 제공됩니다.교사가 다양한 유형을 정확하게 선택하는 것이 중요합니다. 음악적 소재집중을 가르치고, 청력을 활성화하고, 생각하고, 세부 사항, 연주 스타일 및 연주자의 작곡가 의도 구현에주의를 기울이도록하기 위해 특정 작업을 듣고 설정합니다. 이를 통해 학생들은 자신의 취향을 개발하고 보다 의식적으로 작품의 연주에 접근할 수 있습니다.
테스트는 세미나, 보고서, 초록, 짧은 참조온라인 리소스를 사용하여 학생들이 스스로 완료할 수 있습니다. 그리고 숙제로 학생들은 다른 공연에서 작품을 듣고 만들 수 있습니다. 비교 분석들었다, 즉 창의적인 작업을 완료하십시오.
또한이 방향의 창의적인 작업 형태는 가능한 경우 학생과 교사, 학부모와의 기악 콘서트 공동 여행, 교실에서의 토론입니다. (우리 학교에서는 Tver, Klin, Moscow의 콘서트 조직에 마을의 편리한 위치로 인해 이러한 행사가 정기적으로 조직됩니다. 또한 Tver의 공연자들이 우리에게옵니다)
훌륭한 장소는 수업을 위해 교사와 학생들의 준비로 가득 차 있습니다. 힘들고 창의적인 과정입니다. 텍스트 자료, 오디오, 비디오, 인터넷 리소스를 사용하여 많은 작업을 수행해야 합니다. 학생들이 매일 적어도 한 시간 동안 일하도록 격려하는 것이 필요합니다. 정기적인 독립으로수업, 이 주제에 대한 관심뿐만 아니라 독립적인 교육의 필요성도 증가할 것입니다. 힘든 일기타 전공.
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그 요람은 수천년 전에 등장한 근동 및 중동 국가였습니다.
그러나 전통적인 형태의 출현은 오랜 발전이 선행되었습니다. 많은 연구자들에 따르면 원시 사냥꾼의 활은 무기뿐만 아니라 악기로도 사용될 수 있었습니다. 따라서 활에 여러 개의 현을 당기면 길이, 장력 및 두께가 다르기 때문에 방출되는 소리의 피치가 변경됩니다. 아마도 이것은 Assyro-Babylonian과 Egypt cithara의 원형이 된 악기의 모습이었습니다. 차례로 고대 citharas는 기타의 "조상"이되었습니다.
고대 이집트 피라미드와 아시리아 건축 기념물에는 나블루 악기를 묘사하는 상형 문자가 있으며 모양이 기타와 비슷합니다. 흥미롭게도 고대 이집트인들은 "좋은", "좋은", "아름다운"의 개념을 지정하기 위해 동일한 상형 문자를 사용했습니다.
메소포타미아와 이집트에서는 일부 종류의 시타라(이집트 나블라와 아랍 엘오드 포함)가 더욱 건설적으로 발전하여 빠르면 기원전 3~2천년에 지중해 연안 전역에 퍼졌습니다. 새로운 시대. 지금까지 소아시아 국가에는 기타와 관련된 악기 "kinira"가 있습니다.
고대 그리스에서 가장 대중적인 악기 kitara (kitarra), 거문고, 하프, 판도라였습니다.
새로운 시대의 첫 세기에 그리스와 관련된 라틴 기타는 유럽의 지중해 국가에 널리 퍼졌습니다. 기타의 가장 가까운 친척인 류트도 알려졌습니다. "루트"라는 이름은 "나무"또는 "유포니우스"를 의미하는 아랍어 "el-aud"에서 유래했습니다.
류트와 기타는 8세기에 아랍인들이 정복한 스페인을 통해 아랍인들에 의해 유럽으로 옮겨졌다는 가정이 있습니다. 그러나 아마도 이러한 도구는 근동 및 중동 국가와의 문화적 유대 덕분에 고대 그리스를 통해 유럽으로 퍼졌습니다.
16세기까지 기타는 3현과 4현이었습니다. 그들은 손가락과 플렉트럼(뼈와 거북이의 레코드판)으로 연주했습니다.
16세기에 스페인에 5현 기타가 등장했고 그 이후로 스페인 기타로 알려지게 되었습니다. 현은 두 배가 되었고 때로는 첫 번째 현("singer")이 단일이었습니다. 모든 유럽 국가 중에서 기타는 진정한 민속 악기가 된 스페인에서 가장 널리 사용되었습니다.
다섯 번째 현의 출현과 예술적 및 연주 능력이 향상됨에 따라 기타는 전신인 류트 및 비우 엘라와 성공적으로 경쟁하기 시작하고 점차 음악적 사용에서 대체됩니다.
기타 연주 기술을 매우 높은 수준으로 끌어 올린 재능있는 거장과 작곡가가 많이 등장합니다. 높은 레벨. 그중에는 F. Corbetta(1620-1681), 스페인, 프랑스, 영국 왕의 궁정 기타리스트, 그의 학생 R. de Vize(1650-1725), 프랑스 루이 14세의 궁정 기타리스트, F. Campion(1686)이 있습니다. -1748), G. Sanz(1640-1710) 및 기타 다수.
R. de Vize(1682)의 "Guitar Book", F. Campion(1705)의 "New Discoveries of the Guitar" 등 기타에 대한 최초의 태블러추어 컬렉션과 교재가 등장하기 시작했습니다.
그들은 오래 된 인쇄 스페인 춤- 파스칼, 샤콘, 사라방드, 폴리오 및 기타 작품.
18 세기 후반에 6 현 기타가 나타납니다 (역사가에 따르면 다시 스페인에서). 여섯 번째 현의 출현과 이중 현이 단일 현으로 대체되면서 국가와 대륙을 가로지르는 기타의 개선 행렬이 시작됩니다. 이 형태로 여전히 존재합니다. 6현 기타의 음악적 가능성이 너무 커서 가장 사랑받는 악기 중 하나가 되었습니다.
기타의 "황금기"가 시작됩니다. 그것은 스페인 작곡가 및 기타 거장 F. Sora (1778-1839), D. Aguado (1784-1849) 및 Italian F. Carulli (1770-1871), M. Giuliani (1781-1829), M의 이름과 관련이 있습니다. . 카르카시(1792-1853).
출연자
스페인
SOR 호세 페르난도(Fernando Sor 1778 - 1839)
스페인 기타리스트, 작곡가 및 교사. 어린 시절에 그는 뛰어난 능력을 보였고 가톨릭 수도원 중 한 곳에서 음악 교육을 받아 기타 연주를 스스로 향상했습니다. Sora의 기타 연주는 런던에서 진정한 센세이션을 일으켰고, 그는 잠시 파리에 머문 후 그곳을 떠났습니다. 1823년 가을, 소르는 프랑스인 발레리나인 아내와 함께 러시아로 떠났고 그곳에서 그의 공연은 대성공을 거두었다. 모스크바의 볼쇼이 극장에서 Sora의 발레 "Sandrillon"이 상연되었습니다. 1826년 소르는 파리로 돌아와 생을 마감할 때까지 그곳에 머물렀다. "기타의 베토벤"이라는 별명을 가진 그의 깊고 감성적인 음악과 부드럽고 벨벳 같은 연주의 울림은 그를 당대 최고의 기타리스트 중 한 명으로 만들었습니다.
소르는 바르셀로나에서 태어났다. 다섯 살 때 그는 이미 아버지의 낡은 기타와 함께 노래를 작곡하고 있었습니다. 그는 바르셀로나 근처 몬세라트의 가톨릭 수도원에서 음악 교육을 받았으며 13세에 이미 복잡한 음악을 작곡하고 있었습니다. 한번은 그의 스승이 솔리스트, 합창단, 오르간을 위한 엄숙한 미사곡을 작곡하라는 명령을 받았지만 병 때문에 마감일까지 준비할 수 없었다. 소르는 하루 밤에 주문을 훌륭하게 완료하여 선생님을 도왔습니다.
음악 교육을 마치고 후원자를 찾은 후 Sor는 마드리드에 정착하여 전적으로 음악 작곡과 기타 기술 향상에 전념했습니다. 1813년에 그는 파리로 가서 최고의 거장 중 한 명으로 곧 명성을 얻었고 그의 연주로 베를리오즈, 케루비니 및 프랑스 수도에 살고 있는 다른 음악가들을 매료시켰습니다. 1815년 Soar는 런던으로 가서 기타 연주로 진정한 센세이션을 일으켰습니다. 1823년에 소르는 이미 러시아에 있었고 그곳에서도 예외적인 환대를 받았습니다. 상트 페테르부르크 여행 중 Sor는 기타리스트에게 큰 호의를 보인 Alexander I의 아내 Elizaveta Alekseevna 황후의 궁정에 초대되었습니다. 법원과의 근접성은 Sor에게 훌륭한 전망을 약속했고 그는 러시아에 영원히 머물려고했지만 황후가 죽은 후 떠나야했습니다.
서유럽으로 돌아온 후에도 소르는 전례 없는 성공을 계속 누렸습니다. 기타리스트 사이에서 그의 권위는 매우 높았습니다. 그러나 1930년대에 이르러 기타는 더 이상 유행하는 악기가 아니었고 기타리스트이자 작곡가인 Sor도 유행을 타지 않았습니다. 1839년 6월 소르는 동료 음악가들조차 반쯤 잊힌 채 세상을 떠났다.
Sora의 음악은 역사의 일부가 되었고 그의 기타 작곡 중 많은 부분이 콘서트 무대에서 계속 살아 숨 쉬고 있으며 그의 "School for the Guitar"(1830)는 많은 사람들에게 기타 연주 기술에 전념한 가장 뛰어난 작곡으로 간주됩니다.
이탈리아
줄리아니 마우로(Giuliani, Giuseppe Sergio Pantaleo 1781-1829)
뛰어난 이탈리아 거장 기타리스트이자 J. Haydn 및 L. Beethoven과 같은 권위자들이 인정한 작곡가. 나폴리 근처에서 태어났다. 어렸을 때 그는 바이올린과 플루트 연주를 배웠고 동시에 기타를 독학했습니다. 스무 살이되자 그는 이미 훌륭한 결과를 얻었고 이탈리아에서 최고의 기타리스트로 명성을 얻었습니다. 1800년부터 그의 콘서트 활동은 처음에는 이탈리아와 프랑스에서 시작되었습니다. 1807년에 그는 콘서트와 함께 비엔나에 왔다. 음악 평론가만장일치로 그를 세계 최고의 기타리스트로 인정했습니다.
비엔나에 정착한 줄리아니는 콘서트와 교육 활동을 시작했습니다. 그의 친구 중에는 L. Beethoven과 J. Haydn, 바이올리니스트 L. Spohr 및 J. Mayseder, 피아니스트 I. Hummel, I. Moscheles 및 A. Diabelli가 있습니다.
1816년 줄리아니는 독일을 순회하며 큰 성공을 거두었습니다. 1819년 그는 로마에서 D. Rossini 및 N. Paganini와 함께 콘서트를 열었습니다.
화려한 공연줄리아니와 기타와 오케스트라를 위한 자신의 협주곡 연주는 기타가 바이올린, 첼로, 피아노와 함께 콘서트 악기로서 동등한 권리를 가지고 있음을 증명했습니다. "리틀 오케스트라" - 이것이 베토벤이 줄리아니의 기타 사운드를 특징짓는 방식입니다.
1821년 줄리아니는 이탈리아로 돌아와 로마에 정착했다. 말년에 그는 독일, 폴란드, 러시아, 영국을 순회하며 모든 곳에서 그의 예술에 기쁨과 놀라움을 선사했습니다.
M. Giuliani는 1829년 나폴리에서 사망했습니다.
카룰리 페르디난드(Fernando 1770-1841)
이탈리아 기타리스트, 교사 및 작곡가. 처음에 그는 첼로를 공부했습니다. 혼자서 기타를 배운 후 그는 전문 기타리스트가 되었습니다. 기타 연주의 아름다운 음색, 순수함 및 유창함은 나폴리에서 성공을 거두었고 파리에서 살롱에서 가장 좋아하는 사람이되었습니다. Carulli는 1818년 파리에 정착했습니다. 당대 최고의 기타리스트로 명성을 얻은 그는 Matteo Carcassi와 함께 우승을 차지했으며 Fernando Sor가 돌아올 때까지 우승을 차지했습니다.
저명한 교사이자 뛰어난 연주자 인 Carulli는 독주 기타를위한 작품, 기타 및 오케스트라를위한 협주곡, 높은 기악 및 기술로 구별되는 실내악 작품 등 약 300 곡의 작곡을 발표했습니다. 그의 이론 작품 중 두 개는 폭넓은 인정을 받았습니다. 이들은 "거문고 또는 기타 연주 학교"(1810)와 "기타에 적용되는 하모니"(1825) 반주에 대한 연구입니다. Carulli의 "School"은 특히 인기를 얻었습니다. 한 번에 5 판을 거쳤고 작가 사망 후 여러 번 출판되었습니다.
카르카시 마테오(1792 -1853)
당시 가장 유명한 이탈리아 기타리스트 중 한 명, 작곡가이자 교사, F. Carulli의 추종자. 기타의 역사에서 그는 "기타 연주 학교"(1836) 및 교육학 작품의 저자로 알려져 있습니다. 기타에 대한 그의 연구는 오늘날까지 살아남아 모든 현대 기타리스트를 위한 교육 자료를 구성하고 클래식으로 간주됩니다.
Matteo Carcassi는 고향인 이탈리아에서 어린 시절부터 기타를 공부했습니다. 그는 이미 이탈리아에서 기타 거장으로 명성을 얻었을 때 아직 스무 살이 되지 않았습니다. 1815년에 그는 파리에서 기타와 피아노를 가르치기 시작했습니다. 1819년 독일로의 콘서트 여행 중에 Carcassi는 1812년 파리에 출판사를 설립한 프랑스 기타리스트 Meissonier를 만났습니다. 두 기타리스트는 친한 친구가 되었고 Meissonier는 Carcassi의 작품 대부분을 출판했습니다.
1822년 런던에서 몇 번의 콘서트 후에 사람들은 Carcassy를 뛰어난 기타리스트이자 교사로 이야기하기 시작했습니다. 그는 곧 파리로 돌아갔지만 매년 런던을 방문하여 그의 기타 재능이 높이 평가되었고 항상 기대와 존경을 받았습니다.
Carcassi가 파리에 처음 등장했을 때 그의 재능은 한동안 다른 이탈리아의 거장 기타리스트 Ferdinando Carulli의 그늘에 가려져 있었지만 몇 년 후 Carcassi는 인정을 받고 큰 성공을 거두었습니다. 그는 매년 대부분의 유럽 주요 도시에서 콘서트를 열었습니다. 1836년에 카르카시는 잠시 이탈리아로 돌아갔지만 파리는 1853년 사망할 때까지 그의 영주권을 유지했습니다.
프랑스
해안 나폴레옹(Napolón Coste / Claude Antoine Jean George Napolón Coste 1805 - 1883
프랑스의 기타리스트이자 작곡가. 프랑슈콩트 출생. 아주 어려서 이미 연기자와 교사 활동을 시작했습니다. 1830년에 그는 파리로 이주하여 F. Sor, D. Aguado, F. Carulli 및 M. Carcassi와 친구가 되었으며, 이들은 그의 작업에 큰 영향을 미쳤습니다. 1856년 러시아 기타리스트 N. Makarov가 브뤼셀에서 조직한 최고의 작곡과 최고의 악기를 위한 국제 대회에서 그는 자신의 작곡 "The Great Serenade"로 2등상을 받았습니다.
Cost는 19세기 최고의 프랑스 연주자 중 한 명이며 종종 Sor와 비교됩니다. 사고로 인한 손 부상으로 콘서트 활동을 중단하게 됐다. 코스타 자신의 작품은 상대적으로 적지만 뛰어난 작곡 재능을 증명한다. 그는 왈츠, 변주곡, "Concert Rondo", "Great Serenade", 주기 "Autumn Leaves", "25 Etudes"(op. 38), 오보에와 기타를 위한 작품 등 약 70개의 기타 작품을 썼습니다. 작은 조각들은 항상 조화로운 하모니와 오케스트라의 폴리포니를 느낍니다.
Costa라는 이름은 Sor's School for the Guitar의 새로운 개정판과도 관련이 있습니다. Cost는 Robert de Wiese의 모음곡 필사본을 포함했습니다. 파리에서 사망했습니다.
러시아의 기타
러시아 기타의 역사는 흥미롭고 독창적입니다.
개발 과정에서 서유럽 국가와 거의 동일한 단계를 거쳤습니다.
러시아 역사가 N. Karamzin은 6 세기에 Slavs가 가혹한 군사 작전에서도 그들과 헤어지지 않고 cithara와 하프를 연주하는 것을 좋아했다고 썼습니다. 러시아와 4현 기타 연주.
1769 년에 Academician Shtelin은 특별 뮤지컬 잡지가 출판 된 이탈리아 5 현 기타의 엘리자베스 황후 통치에 등장한 것에 대해 썼습니다.
18세기 말 러시아에 6현 기타가 등장했다.. 곧 그녀는 각계 각층에서 인기를 얻습니다. 이 악기를 연주한 최초의 유파와 다양한 악보가 인쇄되어 있습니다. 러시아에서 출판된 가장 오래된 학교는 Ignatius von Geld의 "개선된 기타 학교 6현 또는 독학 기타 연주 안내서"입니다. 그녀는 나갔다 초기 XIX러시아어와 독일어의 세기.
같은 시기에 유명한 거장이자 작곡가이자 교사인 P. Galyani의 피아노와 6현 기타를 위한 "Etudes"와 "Four Sonatas", A. Berezovsky의 "6현 기타를 위한 새 잡지", "6인을 위한 협주곡" -오케스트라와 함께하는 현 기타"는 상트페테르부르크 작곡가 아샤닌(1815)에서 출판되었습니다.
1821-1823 년 모스크바와 니즈니 노브 고로드에 "음악 아카데미"가 열렸으며 소년 소녀들이 기타 연주를 배웠습니다. 뛰어난 러시아 기타 거장이 등장합니다-M. Sokolovsky, N. Makarov, V. Lebedev.
Vysotsky Mikhail Timofeevich (약 1791-1837)
러시아의 거장 기타리스트이자 기타 작곡가. 그는 S.N. Aksenov와 함께 기타를 공부했습니다. 그는 클래식, 특히 바흐의 푸가를 좋아하여 기타를 위해 필사하려고 했습니다. 이것은 그의 기타 작곡의 진지하고 고상한 스타일에 반영되었습니다. 대부분은 러시아어에 대한 환상과 변형입니다. 민속 테마("스크린 세이버" 및 "엔딩"으로 구성된 4-5개의 변형 주기), V.A.의 기타 편곡도 있습니다. Mozart, L. van Beethoven, J. Field(음악가와 가까운 사람) 등 이 중 83개가 인쇄되었습니다. 그의 "Practical and Theoretical School for the Guitar"(1836)도 출판되었습니다.
마카로프 니콜라이 페트로비치(1810-1890)
러시아의 거장 기타리스트, 기타 예술의 적극적인 선전가.
Kostroma 지방의 Chukhloma시에서 태어났습니다. 그는 어린 시절을 아버지와 이모 M.P.의 재산에서 보냈습니다. Volkonskaya. 육군 장교로 복무했습니다.
어린 시절부터 바이올린을 연주했습니다. 스물여덟 살에 그는 기타에 관심을 갖게 되었고 하루에 10~12시간씩 연습하면서 곧 큰 성공을 거두었습니다.
마카로프의 첫 번째 콘서트는 1841년 툴라의 홀 오브 더 노빌리티 어셈블리에서 열렸으며 그곳에서 그는 줄리아니의 3번째 협주곡의 첫 부분을 연주했습니다.
1852년 마카로프는 해외 여행을 떠나 유럽에서 가장 큰 기타리스트인 Tsani de Ferranti, Carcassi, Kost, Mertz, 기타 마스터 Scherzer를 만났습니다. 1856년 브뤼셀에서 그는 기타와 최고의 악기를 위한 최고의 작곡을 위한 제1회 국제 콩쿠르를 조직했으며, 솔리스트로서 큰 성공을 거두었습니다. 최고의 작곡 1등상은 J.K. Mertz, 2등상은 N. Kost, 1등상은 오스트리아 거장 I. Scherzer, 2등상은 러시아 거장 I. Arhuzen에게 주어졌습니다. N. Makarov는 Tula 지역의 Funtikovo-Rozhdestvenskoye 마을에서 사망했습니다.
소콜로프스키 마크 다닐로비치(1818-1883)
Zhytomyr 근처 우크라이나에서 태어났습니다. 줄리아니, 레니아니, 메르츠 학교를 따라 기타를 독학으로 배웠습니다.
1841년에 그는 Zhitomir에서 F. Carulli의 E단조 협주곡을 연주한 첫 단독 콘서트를 열었습니다. 1846년 그는 귀족 회의장에서 단독 연주회를 가졌다. 콘서트는 대성공이었고 천 명이 넘는 사람들이 참석했습니다.
1858년 소콜로프스키는 해외로 나갔다. 비엔나에서 그의 콘서트는 큰 성공을 거두었습니다. 1863-1868년에 그는 유럽의 주요 도시인 파리, 런던, 베를린, 브뤼셀, 드레스덴, 밀라노, 크라쿠프, 바르샤바를 순회했습니다. 독일에서는 그를 "위대한 예술가", 영국에서는 "기타의 파가니니", 폴란드에서는 "기타리스트의 Kosciuszko"라고 부릅니다.
1869년 1월 25일, 소콜로프스키는 볼쇼이 극장의 붐비는 홀에서 콘서트를 열었습니다. 그의 작별 콘서트 (질병으로 인한)는 1877 년 상트 페테르부르크에서 Court Singing Chapel 홀에서 열렸습니다.
Sokolovsky는 교육 활동에 참여하면서 Vilna (Vilnius)에서 생애의 마지막 몇 년을 보냈습니다. 그에게 큰 타격은 N. Rubinstein이 모스크바 음악원에서 기타 수업 개설을 거부한 것입니다.
Mark Sokolovsky는 1883 년 Vilna에서 사망하여 Vilna의 Rasu 공동 묘지에 묻혔습니다. 멀지 않은 곳에 유명한 리투아니아 예술가이자 작곡가인 Mikaelius Konstintinis Čiurlionis가 매장되었습니다.
레베데프 바실리 페트로비치(1867-1907)
사마라 지방에서 태어났습니다. 유명한 러시아 기타리스트 I. Dekker-Schenk의 학생.
상트 페테르부르크와 러시아의 다른 도시에서 성공적으로 콘서트를 열었습니다. 1900년에 그는 세계 박람회에서 파리에서 러시아 민속 악기 VV Andreev의 오케스트라와 함께 공연했습니다. 언론은 예술가의 큰 성공을 언급했습니다. Lebedev는 기타, 바이올린, 비올라 및 첼로를 위한 N. Paganini의 Quartet에서 기타 파트의 첫 연주자였습니다. 그는 상트페테르부르크의 교육학 박물관과 일부 군부대에서 가르쳤습니다. 상트페테르부르크에서 사망했습니다.
감소
19세기 후반에 기타 예술은 쇠퇴했습니다. 만개한 오페라, 교향곡 및 기악은 기타를 배경으로 격하시키고 수십 년 동안 발전을 지연시켰습니다. 그러나 사회의 모든 계층에 퍼진이 소부르주아 패션과 취향에 훨씬 더 기여했습니다. 20세기 최대의 기타리스트인 세고비아의 비 유적 표현에 따르면 "기타는 미용사의 벽에 걸려 있었다", 그 주된 목적은 노래와 로맨스에 대한 원시적 반주였으며 음악가들은 기타를 진지한 악기로 간주하지 않았습니다. . 많은 오래된 전통이 사라지고 수많은 희귀 노트와 원고가 사라졌습니다. 재능있는 연주자와 작곡가는 점점 줄어들었습니다. 아마추어와 무지가 기타 예술을 휩쓸 었습니다.
쇠퇴는 모든 유럽 국가로 퍼졌지만 다른 국가보다 적었지만 기타의 새로운 부흥이 시작된 스페인에 영향을 미쳤습니다.
기타에 좋은 이름을 되돌리고 그 예술을 지금까지 볼 수 없었던 새로운 높이로 끌어 올린 음악가는 스페인의 뛰어난 거장 기타리스트이자 작곡가이자 현대 기타 연주 학교의 창시자 인 Francisco Eschea Tarrega였습니다.
갱생
타레가-에세아 프란시스코(1852~1909)
뛰어난 스페인 거장 기타리스트이자 작곡가, 스페인 기타 연주 학교의 창시자. 1852년 11월 21일 출생, 1909년 12월 5일 사망. 그는 어린 시절부터 기타를 연주해 왔습니다. Tarrega의 음악적 능력은 주목을 받았으며 부유 한 가족의 지원으로 마드리드에 갔고 1874 년 10 월 음악원에 들어가 피아노와 작곡이라는 두 가지 전문 분야를 훌륭하게 졸업했습니다. 그의 좋은 피아니스트 능력에도 불구하고 Tarrega는 기타를 선호했고 연주에서 그는 마드리드의 Alhambra 극장에서 자신의 콘서트를 열기로 결정했습니다. 이 공연에 수반된 엄청난 성공으로 문제가 완전히 해결되었습니다. Tarrega는 기타리스트가 되었습니다. 프랑스, 이탈리아, 오스트리아, 네덜란드 및 기타 국가로의 콘서트 여행은 기타리스트의 뛰어난 능력을 확인했습니다. 언론은 Tarrega를 가장 큰 현대 연주자 인 바이올리니스트 Pablo de Sarasate와 피아니스트 Anton Rubinstein과 비교했습니다.
Barrios (망고리) 어거스틴 (Agustin Barrios Mangore 05/23/1885-08/07/1944)
뛰어난 파라과이의 거장 기타리스트로 그의 죽음 이후 거의 50년이 지난 후에도 그의 중요성은 충분히 인정되었습니다. 어거스틴 외에도 7 명의 자녀가 더 있었던 음악가 가족에서 태어났습니다. 그는 아주 일찍 기타를 연주하기 시작했습니다. 첫 번째 교사는 젊은 기타리스트에게 Sor, Tarrega, Aguado 및 전통 기타 레퍼토리의 기초를 형성한 다른 작곡가들의 음악 세계를 소개한 Gustavo Escalda였습니다. 13 세에 이미 여러 분야에서 드러난 아이의 놀라운 재능 (그는 그림에 탁월하고 놀라운 수학적 능력과 문학적 재능을 가짐)에 주목하여 아순시온 국립 대학에서 공부하도록 파견되었습니다.
1910 년에 이미 거장 기타리스트로 알려진 Barrios는 파라과이를 떠나 아르헨티나로갔습니다. 그 후 34년 동안 그는 남미 대륙을 순회하며 아르헨티나, 우루과이, 브라질, 베네수엘라, 코스타리카, 엘살바도르에서 콘서트를 열었습니다. 그는 또한 칠레, 멕시코, 과테말라, 온두라스, 파나마, 콜롬비아, 쿠바, 하와이를 여행했습니다. 1934년에서 1936년 사이 그의 유럽 여행은 스페인, 독일, 벨기에에서 뛰었습니다.
1932 년에 Barrios는 자신을 "Nitsuga Mangori-Paganini 기타"라고 부르기 시작했습니다 (Nitsuga는 Augustine의 역독이고 Mangori는 Guarani Indians의 전설적인 지도자의 이름입니다). 30 대 중반에 Barrios는 건강 문제를 일으키기 시작했습니다. 아픈 마음으로 더 이상 길고 힘든 콘서트 여행을 할 수 없었습니다. 그는 중미의 작은 주 엘살바도르의 수도인 산살바도르에서 음악을 가르치고 작곡하며 가끔 솔로 기타 콘서트를 연주하며 인생의 마지막 몇 년을 보냈습니다.
Mangori는 뛰어난 연주자였을 뿐만 아니라 300개가 넘는 기타 작품을 소유한 작곡가이기도 했습니다. 최고의 작품지금까지 솔로 기타를 위해 작성되었습니다.
Vila-Lobos Heitor (헤이토르 빌라-로보스 1887 - 1959)
뛰어난 브라질 작곡가, 음악 민속 감정가, 지휘자, 교사. 1887년 3월 5일 출생, 1959년 11월 17일 사망. F. Braga에게서 교훈을 얻었습니다. 1905-1912 년에 그는 전국을 여행하고 민속 생활, 음악 민속 (1000 개 이상의 민속 멜로디 녹음)을 공부했습니다. 1915년부터 그는 작가의 콘서트와 함께 공연했습니다.
1923-30년. 주로 파리에 살면서 프랑스 작곡가들과 소통했습니다. 1930년대에 그는 브라질에서 통일된 음악 교육 시스템을 조직하는 일을 훌륭히 해냈고 여러 음악 학교와 합창단을 설립했습니다. Vila-Lobos는 "실용 가이드", "합창 노래", "Solfeggio" 등의 특수 교구, 이론 작업 "음악 교육"의 저자입니다. 그는 또한 지휘자로 활동했으며 고국과 다른 나라에서 브라질 음악을 홍보했습니다. 그는 파리에서 음악 교육을 받았으며 그곳에서 A. Segovia를 만났고 나중에 기타를 위한 모든 작곡을 바쳤습니다. Vila-Lobos의 기타 작곡은 국민성, 현대적인 리듬과 하모니는 브라질 인디언과 흑인의 원래 노래와 춤과 밀접하게 얽혀 있습니다. 국립작곡학교 교장. 브라질 음악 아카데미 창설의 창시자(1945, 회장). 어린이를위한 음악 교육 시스템을 개발했습니다. 그는 9개의 오페라, 15개의 발레, 20개의 교향곡, 18개의 교향시, 9개의 협주곡, 17개의 현악 사중주를 썼다. 14 "Shoros"(1920-29), 기악 앙상블을위한 "Brazilian Bahian"(1944), 수많은 합창단, 노래, 어린이를위한 음악, 민속 샘플 편곡 등-총 1000 개가 넘는 가장 다양한 작곡.
세고비아 안드레스(1893-1987)
뛰어난 스페인 기타리스트이자 교사. 그는 1893년 2월 21일 Linares 시의 Andalusia에서 태어났고 몇 주 후 가족은 Jaen으로 이사했습니다. 안달루시아 포크 기타리스트들의 놀라운 즉흥 연주와 이 고대 땅의 고유한 문화는 그의 태도에 큰 영향을 미쳤습니다.
1910년 안드레스 세고비아의 친구들이 조직한 첫 공개 콘서트가 그라나다의 "예술 센터"에서 열렸습니다.
1915년 세고비아는 기타리스트 Miguel Llobet을 만났고 덕분에 1916년 1월 바르셀로나에서 콘서트를 열 수 있었습니다. 그러나 그들은 기타를 큰 홀에 두지 않았습니다. 그녀는 대중적인 악기가 아니었고 모든 사람들이 그녀의 소리의 힘이 충분하지 않다고 느꼈고 단순히 큰 방에서 그녀의 소리가 들리지 않을 것입니다.
기타 운명의 전환점은 세고비아가 마침내 공연 허가를받은 바르셀로나 팔라우 실내악 콘서트였습니다. 어쿠스틱 기타 소리의 아름다움은 말 그대로 청중을 매료시켰습니다.
스페인의 음악과 문화에서 민속 전통의 부흥 운동인 레나시미엔토의 분위기는 세고비아의 성공에 기여했습니다. 그 후 6년 동안 기타리스트는 마드리드와 바르셀로나의 콘서트홀뿐만 아니라 스페인의 다른 도시에서도 그의 악기로 인정을 받았습니다. 여기에 1919년과 1921년 두 차례 남미 여행의 성공을 더해야 합니다.
20세기의 20년대는 기타 예술의 새로운 시대가 탄생한 시기이자 세고비아의 세계적 인지도가 시작된 시기가 되었다. 세고비아의 각 공연은 새로운 것을 발견하는 기적으로 인식되었습니다. 그는 고정관념을 극복하고 기타를 솔로 악기로 확립하고자 했습니다.
1926, 1927, 1935-1936 년에 세 번 그는 소련에 왔고 끊임없는 성공으로 모스크바, 레닌 그라드, 키예프 및 오데사에서 콘서트를 열었습니다. 세고비아는 공연뿐만 아니라 현지 기타리스트들과 만나 그들의 연주를 듣고 체계적인 대화를 나누며 열린 수업. 이것은 소련의 기타 예술 발전에도 영향을 미쳤습니다. 투어 후 많은 전문 음악가들이 기타를 진지하게 연구할 가치가 있는 악기로 보기 시작했습니다. 그 결과 음악 학교 (당시 기술 학교)와 개별 음악 대학에서 기타 수업이 열렸습니다. P. S. Agafoshin은 뛰어난 기타리스트의 방법 론적 지침을 기반으로 소련에서 처음으로 "6 현 기타 연주 학교"를 만든 Segovia의 열렬한 지지자였습니다. 따라서 세고비아는 예술가일 뿐만 아니라 그의 악기를 적극적으로 홍보했습니다.
러시아의 기타 2
아가포신 페트르(1874-1950)
6 현 기타의 첫 번째 교사 중 한 명인 멋진 러시아 기타리스트. 추신 Agafoshin은 Ryazan 지방의 Pirogovo 마을에서 농민 가정에서 태어났습니다. 아버지로부터 물려받은 기타에 대한 열정(원래 7현 기타 연주). 모스크바로 이주한 Petr Agafoshin은 때때로 교사의 조언을 사용하여 자신이 좋아하는 악기 연주를 스스로 향상 시켰습니다. 그중에는 모스크바 잡지 "Guitarist"의 편집자 인 V. Rusanov가 있습니다. 예술적 발전 Agafoshin은 기타의 열정적 인 팬인 예술가 V. I. Surikov 및 D. E. Marten과의 우정으로 연주되었습니다. 많은 연주회에 연주자로 참여했습니다. 뛰어난 가수 F. Chaliapin, D. Smirnov, T. Ruffo가 동행했습니다. Agafoshin의 공연 예술에 대한 인정은 1916 년 볼쇼이 극장에서 F.I.와 동행 한 Massenet의 오페라 "Don Quixote"에 초대되었습니다. 샬리아핀.
1926년 세고비아와의 만남은 아가포신에게 영감을 주었습니다. 그는 스페인 아티스트의 단일 콘서트를 놓치지 않고 개인적으로 만났습니다. Agafoshin은 "세고비아가 떠난 후 즉시 재조직하고 게임 방법과 생산에 필요한 조정을 했습니다. 1927년 봄에 그가 다음 번에 도착했을 때 내 상태는 더 균형이 잡혔습니다. 따라서 그의 연주에 대한 추가 관찰은 훨씬 더 생산적이었고 그의 연주의 개별적인 순간과 세부 사항, 특히 내 연구 과정에 있는 작품에 집중할 수 있었습니다.
추신 Agafoshin은 40년 이상 State Maly Theatre에서 오케스트라 연주자로 일했습니다. 1930-1950년에 그는 뮤지컬 대학에서 기타 코스를 가르쳤습니다. 10월 혁명과 모스크바 국립 음악원. 많은 유명한 소비에트 기타리스트가 그의 학생이었습니다 (A. Ivanov-Kramskoy, E. Rusanov, I. Kuznetsov, E. Makeeva, Yu. Mikheev, A. Kabanikhin, A. Lobikov 및 기타).
알렉산더 이바노프-크람스코이(1912~1973)
뛰어난 러시아 소비에트 기타리스트, 작곡가, 지휘자, 교사, "School of Playing the Six-String Guitar"의 저자, RSFSR 명예 예술가(1959) 칭호를 받은 몇 안 되는 소련 기타리스트 중 한 명. 1912년 7월 26일 모스크바에서 태어났다. 이름을 딴 음악 대학에서 공부 10월 혁명 Petr Spiridonovich Agafoshin(6현 기타), 모스크바 음악원(교육 과정)에서. 그는 러시아에서 6현 기타를 개발하는 데 큰 역할을 했습니다.
그는 솔리스트로 그리고 가수들과 함께 앙상블로 공연했습니다 (N. A. Obukhova, I. S. Kozlovsky). 1932년부터 그는 All-Union Radio에서 일했습니다. 1939년 그는 민속 악기 연주자를 위한 All-Union Competition에서 2등상을 받았습니다. 1939-45년. 소련 NKVD 노래와 춤 앙상블의 지휘자. 1947-52년에 그는 러시아 민속 합창단의 지휘자이자 All-Union Radio의 민속 악기 오케스트라였습니다.
6현 기타를 위한 연극과 학교의 저자. 그의 기타 작곡(기타와 오케스트라를 위한 2개의 협주곡 포함)은 기타리스트들 사이에서 매우 인기가 있습니다.
A. M. Ivanov-Kramskoy의 교육 활동은 모스크바 음악원의 Academic Music School에서 진행되었으며, 1960년부터 1973년까지 기타 수업을 맡아 많은 재능 있는 음악가를 양성했습니다. 그런 다음 그는 문화 연구소에서 가르쳤습니다.
Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy는 기타 예술을 홍보하는 데 모든 에너지를 바친 저명한 뮤지컬 및 공인이었습니다. 후에 오랜 세월 동안망각, 뛰어난 연주자와 교사 덕분에 기타는 전문 콘서트 악기의 지위를 되찾았고 국가의 중등 및 고등 음악 기관에서 가르치기 시작했습니다. 오전 사망 투어 중 민스크의 Ivanov-Kramskoy. 그는 모스크바의 Vvedensky 묘지에 묻혔습니다.
코몰리아토프 니콜라이(b. 1945)
최고의 현대 러시아 기타 연주자 중 한 명인 선생님. 1962-70 년에 Saransk시에서 1945 년에 태어났습니다. 학교에서 공부한 다음 연구소에서 공부했습니다. 유명한 러시아 기타리스트 A. M. Ivanov-Kramskoy 클래스의 Gnesins. 우랄 주립 음악원 졸업. M. P. Mussorgsky. RAM에서 기타 수업을 시작한 이후. Gnesinykh는 수년 동안 다양한 대회의 많은 수상자를 준비하면서 교사로 일합니다. 현재 그는 러시아 음악 아카데미의 기타 수업 교수입니다. 그네신.
1996년에 그는 라틴 아메리카 예술 축제에서 국제 경쟁 부문에서 입상했습니다. 그는 현대 작곡가들의 많은 작품의 첫 번째 연주자입니다. Firma "Melody"는 연주자의 두 장의 솔로 디스크를 발표했습니다. 첫 번째 디스크는 E. Vila-Lobos의 에튜드와 전주곡으로 구성되었으며 두 번째 디스크에는 P. Panin(2개의 에튜드, 2개의 전주곡, Dance of the Shaman 및 Humoresque) 및 I. Rekhin의 모음곡 "In Memory of E. Vila"가 포함되어 있습니다. -로보스".
N. Komoliatov의 콘서트 리뷰에서 언론은 그의 악기와 거장 기술의 풍부한 음색, 음악가의 예술적 취향의 우아함과 미묘함을 언급합니다.
기타 예술 분야의 뛰어난 업적으로 N. Komoliatov는 러시아 명예 예술가라는 칭호를 받았습니다. 25년 이상 동안 그는 모스크바 주립 필하모닉의 솔리스트였습니다.
예르주노프V 빅토르(b. 1945)
기타리스트, 작곡가, 음악 교사. 1945년 사란스크에서 태어났다. 아버지는 앞에서 돌아가셨습니다. 음악적 능력은 일찍 나타났지만 공부할 기회는 없었다.
그는 마당에서 17세에야 노는 법을 배우기 시작했습니다. 우리는 세 가지 주요 화음에 만족했습니다. 전환점은 Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy와 함께 공부하기 위해 Saransk에서 유일한 사람인 Nikolai Komoliatov와의 친분이었습니다. 첫 만남에서 그가 연주했던 빌라로보스의 첫 전주곡이 아직도 기억난다.
그런 다음 기타 연주 및 "서신에 의한"자습 매뉴얼의 도움으로 교육이 진행되었습니다. 당시 선원으로 복무하고 태평양 함대 앙상블에서 연주 한 Nikolai Komoliatov는 자신의 공연에서 테이프 레코더에 Victor가 가지고 있던 메모를 녹음하여 블라디보스토크에서 우편으로 보냈습니다. 그래서 "귀로"그는 먼 선생님의 모델을 연주하면서 음표를 이해했습니다. 1963년 학교를 졸업한 후 그는 Elektrovypryamitel 공장에서 조립 기술자로 일했습니다. 그는 점심 시간과 퇴근 후에도 밤이 어두워 질 때까지 기타를 연주했습니다. 음악 학교 입학을 위한 프로그램을 스스로 준비했습니다. 나는 그해 문화부의 명령에 따라 카자흐스탄과 우즈베키스탄에서 온 학생들이 있었기 때문에 모스크바 음악원의 학교에 입학하지 못했습니다. 그러나 같은 해에 민속 악기과의 Gnessin School에서 소규모 6 현 기타 수업이 열렸습니다. 30명의 지원자 중 2명이 합격했습니다. 그들 중 하나는 Viktor Erzunov입니다. 3.5 개월의 연구 끝에 Viktor는 소련군에 징집되어 3 년 동안 전투 부대에서 복무했습니다. 학교로 돌아온 그는 따라잡기 위해 하루에 10시간씩 공부했습니다. 동시에 그는 첫 번째 교육 경험을 쌓기 시작했습니다. 그는 학생들에게 좋은 음악적 취향을 심어주기 위해 학생들을 위한 레퍼토리를 직접 선택했습니다.
V. Yerzunov의 교사 Boris Khlopovsky는 Mosconcert에서 연주하기 위해 떠났고 그의 최고의 학생을 가르치는 일에 추천했습니다. 기타 교사의 공석은 Viktor Alekseevich가 공부를 마치는 동안 6 개월 동안 유지되었습니다. 1971년에 그는 뮤지컬 대학에서 일하기 시작했습니다. 그네신. 동시에 Marina Davydovna Khidekel의 초청으로 그는 Chernogolovskaya School of Arts에서 기타 수업을 열었습니다.
수년간의 테스트 끝에 선정 된 이미 성숙한 마스터에 속한 첫 번째 작품은 클래식 작품과 함께 "기타를위한 교육학 레퍼토리 컬렉션"에 1989 년에 출판되었습니다. 어린이 음악 학교를 위한 Viktor Yerzunov의 자작곡 "기타리스트 앨범"의 완전 작가 컬렉션도 출시되었습니다.
비니츠키 알렉산더
(b. 1950)
러시아 기타리스트, 작곡가, 음악 교사. 국제 대회 수상자. 러시아 음악 아카데미 졸업. 그네신. 그는 State Musical College에서 가르치고 있습니다. Gnessin의 클래식 기타, 솔로 콘서트, 기타 음악 작곡, "재즈의 클래식 기타"라는 주제로 세미나 및 마스터 클래스 진행. 참여하다 국제 축제기타 및 재즈 음악은 해외 및 러시아 대도시에서 성공적으로 수행됩니다. Alexander Vinitsky의 콘서트 프로그램에서 작가의 작곡 사운드, 결합 다른 스타일, Gershwin, Jobim, Bonff, Gilberto, Powell, Porter, Rodgers 및 기타 작곡가의 음악 편곡. 7장의 디스크를 녹음했습니다. 그는 세계의 주요 음악 출판사에서 자신의 작품을 출판합니다. 그는 프랑스, 폴란드, 러시아에서 열린 국제 클래식 기타 콩쿠르의 의장 및 심사위원을 여러 차례 역임했습니다.
프라우치 알렉산더(b. 1954)
최고의 러시아 클래식 기타리스트이자 연주자 중 한 명입니다. 1954년 로스토프 출생. 그는 유명한 바이올리니스트이자 훌륭한 기타리스트이자 교사 인 그의 아버지 Camille Arturovich Frauchi의지도하에 음악의 첫 발을 내딛기 시작했습니다. 그는 음악원의 중앙 음악 학교에서 공부했습니다. N. A. Ivanova-Kramskaya 클래스와 음악원에서 모스크바의 Tchaikovsky. G. Mineev와 함께 Sverdlovsk의 Mussorgsky. 1979년 레닌그라드 전국 음악 콩쿠르에서 1등상을, 1986년에는 쿠바 하바나 국제 기타 콩쿠르에서 1등상을 수상했습니다. 그는 독일, 프랑스, 벨기에, 영국, 미국, 오스트리아, 이탈리아, 유고슬라비아, 폴란드, 쿠바, 헝가리, 체코, 불가리아, 터키, 그리스에서 독주회와 마스터 클래스를 진행했습니다. Alexander Frauchi는 여러 차례 심사위원으로 초청되었습니다. 국제 대회기타리스트. Nikita Koshkin의 작품을 녹음 한 CD-ROM (1994)뿐만 아니라 Melodiya 회사에서 레코드를 발표했습니다.
러시아 명예 예술가, 음악 교사, 모스크바에 있는 러시아 음악 아카데미(구 그네신 음악 및 교육학 연구소) 교수.
