Dvasia plastikoje: šiuolaikinio japonų meno interpretavimas. Japonijos šiuolaikinis menas

Daiktuose slypintį grožį japonai atrado IX–XII amžiuje, Heiano eroje (794–1185) ir netgi pavadino jį specialia sąvoka „mono no aware“ (物の哀れ (もののあわれ)), o tai reiškia " liūdnas dalykų žavesys. Daiktų žavesys yra vienas iš ankstyviausių Japonų literatūra grožio apibrėžimų, jis siejamas su šintoizmo tikėjimu, kad kiekvienas daiktas turi savo dievybę – kami – ir savo unikalų žavesį. Avare yra vidinė dalykų esmė, tai, kas sukelia malonumą, susijaudinimą.

- Washi (wasi) arba wagami (wagami).
Rankinis popieriaus gaminimas. Viduramžių japonai washi vertino ne tik dėl praktinių savybių, bet ir dėl grožio. Ji garsėjo savo subtilumu, beveik skaidrumu, tačiau tai neatėmė jėgų. Washi gaminamas iš kozo (šilkmedžio) ir kai kurių kitų medžių žievės.
Washi popierius buvo saugomas šimtmečius, tai liudija senovės japonų kaligrafijos albumai ir tomai, paveikslai, ekranai, graviūros, atėjusios per šimtmečius iki šių dienų.
Vasios popierius yra pluoštinis, pažiūrėjus pro mikroskopą pamatysi įtrūkimus, pro kuriuos prasiskverbia oras ir saulės šviesa. Ši kokybė naudojama ekranų ir tradicinių japoniškų žibintų gamyboje.
Washi suvenyrai yra labai populiarūs tarp europiečių. Iš šio popieriaus pagaminama daug smulkių ir naudingų daiktų: piniginės, vokai, vėduoklės. Jie yra gana patvarūs, tačiau lengvi.

- Gohei.
Talismanas iš popierines juosteles. Gohei – ritualinė šintoizmo kunigo lazda, prie kurios tvirtinamos popierinės zigzago juostelės. Tos pačios popieriaus juostelės pakabintos prie įėjimo į šintoizmo šventovę. Popieriaus vaidmuo šintoizmo kalboje tradiciškai buvo labai didelis, o iš jo gaminami gaminiai visada turėjo ezoterinę prasmę. O tikėjimas, kad kiekviename daikte, kiekviename reiškinyje, net žodžiuose yra kami – dievybė – paaiškina tokios taikomosios dailės rūšies kaip gohei atsiradimą. Šintoizmas kažkuo panašus į mūsų pagonybę. Šintoistams kami ypač nori apsigyventi bet kur, kas neįprasta. Pavyzdžiui, ant popieriaus. Ir juo labiau gohejuje, susuktame į sudėtingą zigzagą, kuris šiandien kabo priešais įėjimą į šintoizmo šventoves ir rodo dievybės buvimą šventykloje. Yra 20 būdų, kaip sulankstyti gohei, o tie, kurie yra ypač neįprastai sulankstyti, pritraukia kami. Gohei vyrauja balta spalva, tačiau randama ir aukso, sidabro ir daug kitų atspalvių. Nuo IX amžiaus Japonijoje buvo paprotys prieš prasidedant kovai sumo imtynininkų diržais sustiprinti gohei.

- Anesama.
Tai popierinių lėlių gamyba. XIX amžiuje samurajų žmonos gamino popierines lėles, su kuriomis vaikai žaisdavo, aprengdavo jas skirtingais drabužiais. Tais laikais, kai nebuvo žaislų, anesama buvo vienintelė vaikams pašnekovė, „atlikdama“ mamos, vyresniosios sesers, vaiko ir draugo vaidmenį.
Lėlė lankstoma iš japoniško washi popieriaus, plaukai iš raukšlėto popieriaus, nudažyti rašalu ir padengti klijais, kurie suteikia blizgesio. Išskirtinis bruožas – graži maža nosytė ant pailgo veido. Šiandien šis paprastas žaislas, kuriam reikia nebent įgudusių rankų, tradicinės formos, ir toliau gaminamas taip pat, kaip ir anksčiau.

- Origami.
Senovinis popieriaus lankstymo menas (折り紙, liet.: „lankstytas popierius“). Origami menas turi savo šaknis Senovės Kinija kur buvo išrastas popierius. Iš pradžių origami buvo naudojamas religinėse ceremonijose. Ilgą laiką ši meno rūšis buvo prieinama tik aukštesniųjų klasių atstovams, kur gero skonio požymis buvo popieriaus lankstymo technikos turėjimas. Tik po Antrojo pasaulinio karo origami išėjo už Rytų ribų ir atkeliavo į Ameriką bei Europą, kur iš karto rado savo gerbėjų. Klasikinis origami yra sulankstytas iš kvadratinio popieriaus lapo.
Yra tam tikras įprastų simbolių rinkinys, būtinas norint nubraižyti net sudėtingiausio gaminio lankstymo schemą. Daugumą sutartinių ženklų XX amžiaus viduryje praktiškai pritaikė garsus japonų meistras Akira Yoshizawa.
Klasikinis origami reikalauja naudoti vieną kvadratinį tolygiai spalvotą popieriaus lapą be klijų ir žirklių. Šiuolaikinio meno formos kartais nukrypsta nuo šio kanono.

- Kirigamis.
Kirigami – tai menas žirklėmis iškirpti įvairias figūras iš kelis kartus perlenkto popieriaus lapo. Origami tipas, leidžiantis modelio kūrimo procese naudoti žirkles ir pjaustyti popierių. Tai ir yra pagrindinis skirtumas tarp kirigami ir kitų popieriaus lankstymo technikų, kuris pabrėžiamas pavadinime: 切る (kiru) – kirpimas, 紙 (gami) – popierius. Visi vaikystėje mėgome karpyti snaiges – kirigami variantą, šia technika galima karpyti ne tik snaiges, bet ir įvairias figūrėles, gėles, girliandas ir kitus mielus popierinius daiktus. Šie gaminiai gali būti naudojami kaip spaudinių, albumų dekoracijų, atvirukų, nuotraukų rėmelių, mados dizaino, interjero dizaino ir kitų įvairių dekoracijų trafaretai.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 arba いけばな) išvertus iš japonų kalbos - "ike" - gyvenimas, "bana" - gėlės arba "gėlės, kurios gyvena". Japoniškas gėlių komponavimo menas yra viena gražiausių japonų tradicijų. Kuriant ikebaną, kartu su gėlėmis naudojamos nupjautos šakos, lapai ir ūgliai.Pagrindinis principas – išskirtinis paprastumas, kurį pasiekti stengiamasi pabrėžti natūralų augalų grožį. Ikebana – tai naujos natūralios formos kūrimas, kuriame darniai dera gėlės grožis ir kompoziciją kuriančio meistro sielos grožis.
Šiandien Japonijoje yra 4 pagrindinės ikebanos mokyklos: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Be jų, yra apie tūkstantis skirtingų krypčių ir tendencijų, kurios laikosi vienos iš šių mokyklų.

- Oribana.
XVII amžiaus viduryje iš ikenobo pasitraukė dvi mokyklos: ohara (pagrindinė ikebanos forma - oribana) ir koryu (pagrindinė forma - sek). Beje, ohara mokykla vis dar mokosi tik oribanu. Kaip sako japonai, labai svarbu, kad origami nevirstų origamiu. Gomi japoniškai reiškia šiukšles. Juk kaip būna, sulankstėte popieriaus lapą, o ką su juo daryti? Oribana siūlo daugybę idėjų puokštėms papuošti interjerą. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Klaida.
Žiūrėti vaizdiniai menai, gimęs floristika. Floristika mūsų šalyje atsirado prieš aštuonerius metus, nors Japonijoje gyvuoja daugiau nei šešis šimtus metų. Kažkada viduramžiais samurajus suprato kario kelią. Ošibana buvo šio kelio dalis, kaip ir hieroglifų rašymas ir kardo valdymas. Klaidos prasmė ta, kad visiško buvimo akimirkoje būsenoje (satori) meistras sukūrė džiovintų gėlių (presuotų gėlių) paveikslą. Tada šis paveikslas galėtų pasitarnauti kaip raktas, vadovas tiems, kurie buvo pasiruošę tylėti ir patirti tą patį satori.
„Ošibanos“ meno esmė ta, kad rinkdamas ir džiovindamas gėles, žoleles, lapus, žievę spaudžiamas ir klijuodamas ant pagrindo, autorius augalų pagalba sukuria tikrą „tapymos“ kūrinį. Kitaip tariant, negerai yra dažymas augalais.
Meninė kūryba floristai remiasi džiovintos augalinės medžiagos formos, spalvos ir tekstūros išsaugojimu. Japonai sukūrė techniką, kaip apsaugoti „oshibanos“ paveikslus nuo blukimo ir patamsėjimo. Jo esmė ta, kad tarp stiklo ir paveikslo išpumpuojamas oras ir sukuriamas vakuumas, neleidžiantis augalams gesti.
Tai vilioja ne tik šio meno netradicinumu, bet ir galimybe parodyti vaizduotę, skonį, augalų savybių išmanymą. Floristai kuria ornamentus, peizažus, natiurmortus, portretus ir istorijų paveikslus.

- Bonsai.
Bonsai, kaip reiškinys, atsirado daugiau nei prieš tūkstantį metų Kinijoje, tačiau ši kultūra savo vystymosi viršūnę pasiekė tik Japonijoje. (bonsai – jap. 盆栽 liet. „sodinti į puodą“) – auginimo menas tiksli kopija tikras miniatiūrinis medis. Šiuos augalus budistų vienuoliai augino kelis šimtmečius prieš mūsų erą ir vėliau tapo viena iš vietinės aukštuomenės veiklos rūšių.
Bonsai puošė japonų namus ir sodus. Tokugavos eroje parko projektavimas gavo naują postūmį: azalijų ir klevų auginimas tapo turtingųjų pramoga. Taip pat vystėsi žemaūgė augalininkystė (hachi-no-ki – „medis vazonėlyje“), tačiau to meto bonsai buvo labai dideli.
Dabar bonsams naudojami paprasti medžiai, dėl nuolatinio genėjimo ir įvairių kitų būdų jie tampa smulkūs. Tuo pačiu metu šaknų sistemos, kurią riboja dubens tūris, ir antžeminės bonso dalies dydžių santykis atitinka suaugusio medžio proporcijas gamtoje.

- Mizuhiki.
Makramo analogas. Tai senovinis japonų taikomasis menas iš specialių virvelių rišti įvairius mazgus ir iš jų kurti raštus. Tokie meno kūriniai turėjo itin plačią apimtį – nuo ​​dovanų kortelių ir laiškų iki šukuosenų ir rankinių. Šiuo metu mizuhiki itin plačiai naudojamas dovanų industrijoje – kiekvienam gyvenimo įvykiui dovana turi būti supakuota ir surišta labai specifiniu būdu. Mizuhiki mene yra nepaprastai daug mazgų ir kompozicijų, ir ne kiekvienas japonas juos visus žino mintinai. Žinoma, yra labiausiai paplitusių ir paprasčiausių mazgų, kurie naudojami dažniausiai: sveikinimui gimus vaikeliui, vestuvėms ar minėjimui, gimtadieniui ar stojant į universitetą.

- Kumihimo.
Kumihimo yra japoniška pinta virvelė. Veriant siūlus gaunami kaspinai ir raišteliai. Šie raišteliai audžiami specialiomis mašinomis – Marudai ir Takadai. Mašina „Marudai“ audžia apvalius raištelius, o „Takadai“ – plokščius. Kumihimo japonų kalba reiškia „pynimas virves“ (kumi – pynimas, lankstymas kartu, himo – virvė, nėriniai). Nepaisant to, kad istorikai atkakliai tvirtina, kad tokį audimą galima rasti tarp skandinavų ir Andų gyventojų, japonų menas Kumihimo iš tiesų yra viena iš seniausių audimo rūšių. Pirmasis jo paminėjimas datuojamas 550 m., kai budizmas išplito visoje Japonijoje ir specialioms ceremonijoms reikėjo ypatingų dekoracijų. Vėliau kumihimo raišteliai pradėti naudoti kaip obi diržo fiksatorius ant moteriško kimono, kaip virvės visam samurajų ginklų arsenalui „supakuoti“ (samurajus naudojo kumihimo dekoratyviniais ir funkciniais tikslais, kad susirištų savo šarvus ir arklio šarvus) ir taip pat sunkiems daiktams rišti.
Įvairūs šiuolaikinio kumihimo raštai labai lengvai audžiami ant naminių kartoninių staklių.

- Komono.
Kas lieka iš kimono, jam pasibaigus? Ar manote, kad jis išmetamas? Nieko panašaus! Japonai niekada to nepadarys. Kimono brangūs. Taip tiesiog išmesti neįsivaizduojama ir neįmanoma... Be kitų rūšių kimono perdirbimo, amatininkės iš smulkių gabalėlių gamino nedidelius suvenyrus. Tai maži žaislai vaikams, lėlės, sagės, girliandos, moteriški papuošalai ir kiti gaminiai, iš seno kimono gaminami smulkūs mieli daikteliai, kurie bendrai vadinami „komono“. Smulkmenos, kurios įgis savo gyvenimą, tęsdamos kimono kelią. Štai ką reiškia žodis „komono“.

- Kanzashi.
Plaukų segtukų dekoravimo menas (dažniausiai puoštas gėlėmis (drugeliais ir kt.) iš audinio (daugiausia šilko). Japoniški kanzashi (kanzashi) – ilgas segtukas tradicinei japonų moteriškai šukuosenai. Jie buvo gaminami iš medžio, lako, sidabras, vėžlio kiautas naudojamas tradicinėse kinų ir japonų šukuosenose.Maždaug prieš 400 metų Japonijoje pasikeitė moterų šukuosenų stilius: moterys nustojo šukuoti plaukus tradicine forma – taregami (ilgi tiesūs plaukai) ir pradėjo juos formuoti įmantriai ir keistos formos – nihongami.naudota įvairių daiktų- plaukų segtukai, pagaliukai, šukos. Būtent tada net ir paprastos kushi šukos-šukos virsta nepaprasto grožio elegantišku aksesuaru, kuris tampa tikru meno kūriniu. Japonijos moterų tradicinis kostiumas neleido papuošalų ant riešų ir karolių, todėl plaukų papuošalai buvo pagrindinis grožis ir saviraiškos laukas – taip pat demonstruojantis savininko piniginės skonį ir storumą. Ant graviūrų matote – atidžiau įsižiūrėjus – kaip japonės lengvai pasikabino iki dvidešimties brangių kanzashi savo šukuosenose.
Dabar tarp jaunų japonų moterų, norinčių savo šukuosenoms suteikti rafinuotumo ir elegancijos, atgimsta kanzashi vartojimo tradicijos. Šiuolaikinės barrettes gali būti papuoštos tik viena ar dviem dailiomis rankų darbo gėlėmis.

- Kinusaiga.
Nuostabus rankdarbių tipas iš Japonijos. Kinusaiga (絹彩画) yra batikos ir kratinio kryžius. Pagrindinė idėja yra ta, kad nauji paveikslai yra renkami iš senų šilko kimono po gabalą - tikri darbai str.
Pirmiausia menininkas padaro eskizą ant popieriaus. Tada šis piešinys perkeliamas ant medinės lentos. Rašto kontūras perpjaunamas grioveliais, arba grioveliais, o tada iš seno šilko kimono išpjaunamos mažos spalvos ir tono derančios skiautelės, kurių kraštai užpildo griovelius. Žiūrint į tokį paveikslą apima jausmas, kad žiūri į fotografiją ar net tiesiog stebi peizažą už lango, jie tokie tikroviški.

- Temari.
Tai tradiciniai japoniški geometriniais siuvinėtais rutuliukai, pagaminti paprastomis siūlėmis, kurie kažkada buvo vaikų žaislas, o dabar tapo meno forma, kurią mėgsta ne tik Japonija, bet ir visame pasaulyje. Manoma, kad seniai šiuos gaminius samurajų žmonos gamindavo pramogai. Pačioje pradžioje jie tikrai buvo naudojami kaip kamuoliukas žaidimui su kamuoliu, tačiau pamažu pradėjo įgyti meninių elementų, vėliau virto dekoratyviniais ornamentais. Subtilus šių kamuoliukų grožis žinomas visoje Japonijoje. Ir šiandien spalvingi, kruopščiai pagaminti gaminiai yra viena iš liaudies amatų rūšių Japonijoje.

- Yubinuki.
Japoniški antpirščiai, siuvant ar siuvinėjant rankomis, dedami ant dirbančios rankos vidurinio piršto vidurinės falangos, pirštų galiukų pagalba adatai suteikiama norima kryptis, o adata stumiama per žiedą viduryje. pirštas darbe. Iš pradžių japoniški yubinuki antpirščiai buvo gaminami gana paprastai - apie 1 cm pločio tankaus audinio arba odos juosta keliais sluoksniais buvo tvirtai apvyniojama aplink pirštą ir susegta keliomis paprastomis dekoratyvinėmis siūlėmis. Kadangi jubinukai buvo reikalinga tema kiekvienuose namuose jie buvo pradėti puošti geometriniais siuvinėjimais šilko siūlais. Iš siūlių susipynimo, spalvingi ir sudėtingi raštai. Yubinuki iš paprasto namų apyvokos daikto taip pat virto daiktu, skirtu „grožėtis“, puošti Kasdienybė.
Yubinuki vis dar naudojami siuvimui ir siuvinėjimui, tačiau juos taip pat galima rasti tiesiog nešiojant ant rankų ant bet kurio piršto, pavyzdžiui, dekoratyvinius žiedus. Yubinuki stiliaus siuvinėjimu puošiami įvairūs žiedo pavidalo daiktai – servetėlių žiedai, apyrankės, temari stovai, dekoruoti yubinuki siuvinėjimais, taip pat yra tokio paties stiliaus siuvinėtų adatinių gultų. Yubinuki raštai gali būti puikus įkvėpimas temari obi siuvinėjimui.

- Suibokuga arba sumie.
Japoniška tapyba tušu. Tai kinų stiliaus tapybą japonų menininkai pasiskolino XIV amžiuje, o iki XV amžiaus pabaigos. tapo pagrindine tapybos srove Japonijoje. Suibokuga yra vienspalvis. Jai būdingas juodas rašalas (sumi), kietos formos anglis arba kiniškas rašalas, gaunamas iš suodžių, kurie sumalami rašalo inde, praskiedžiami vandeniu ir tepami ant popieriaus arba šilko. Monochrome siūlo meistrui begalinį atspalvių pasirinkimą, kurį kinai seniai pripažino rašalo „spalvomis“. „Suibokuga“ kartais leidžia naudoti tikras spalvas, tačiau apsiriboja plonais, skaidriais potėpiais, kurie visada lieka pavaldūs rašalo linijai. Tapyba tušu su kaligrafijos menu dalijasi tokiomis esminėmis savybėmis kaip griežtai valdoma raiška ir techninis formos meistriškumas. Tapybos tušu kokybė, kaip ir kaligrafijoje, priklauso nuo tušu nubrėžtos linijos vientisumo ir atsparumo plyšimui, kuri tarsi laiko kūrinį ant savęs, kaip kaulai laiko audinius ant savęs.

- Etegami.
Nupiešti atvirukai (e – paveikslėlis, pažymėti – raidė). Atvirukų kūrimas „pasidaryk pats“ Japonijoje apskritai yra labai populiarus užsiėmimas, o prieš šventę jos populiarumas dar labiau išauga. Japonai mėgsta siųsti atvirukus savo draugams, taip pat mėgsta juos gauti. Tai greitas laiškas ant specialių ruošinių, gali būti siunčiamas paštu be voko. Etegamie nėra specialių taisyklių ar technikų, kiekvienas gali tai padaryti be specialaus mokymo. Etagami padeda tiksliai išreikšti nuotaiką, įspūdžius, tai rankų darbo atvirukas susidedantis iš paveikslėlio ir trumpo laiško, perteikiantis siuntėjo emocijas, tokias kaip šiluma, aistra, rūpestis, meilė ir kt. Šiuos atvirukus jie siunčia šventėms ir kaip tik, vaizduojančius metų laikus, veiklą, daržoves ir vaisius, žmones ir gyvūnus. Kuo paprasčiau nupieštas šis paveikslas, tuo įdomiau jis atrodo.

- Furoshiki.
Japoniška vyniojimo technika arba audinių lankstymo menas. Furoshiki ilgą laiką pateko į japonų gyvenimą. Išlikę senoviniai Kamakura-Muromachi laikotarpio (1185–1573 m.) ritiniai su moterų atvaizdais, ant galvų nešiojančių drabužių ryšulius, suvyniotus į audinį. Ši įdomi technika atsirado dar 710–794 m. po Kr. Japonijoje. Žodis „furoshiki“ pažodžiui verčiamas kaip „vonios kilimėlis“ ir yra kvadratinis audinio gabalas, naudojamas apvynioti ir nešti visų formų ir dydžių daiktus.
Senovėje japoniškose pirtyse (furo) buvo įprasta vaikščioti su šviesiais medvilniniais kimono, kuriuos lankytojai atsinešdavo iš namų. Pirtininkas atsinešė ir specialų kilimėlį (shiki), ant kurio stovėjo nusirengdamas. Persirengęs į „maudymosi“ kimono, lankytojas drabužius suvyniojo į kilimėlį, o po vonios šlapią kimono suvyniojo į kilimėlį, kad parsineštų namo. Taip vonios kilimėlis tapo daugiafunkciu krepšiu.
Furoshiki labai paprasta naudoti: audinys įgauna daikto, kurį apvyniojate, formą, o rankenos leidžia lengvai nešti krovinį. Be to, dovana, supakuota ne į kietą popierių, o į minkštą, daugiasluoksnį audinį, įgauna ypatingo išraiškingumo. Yra daugybė furoshiki lankstymo schemų bet kokiai progai, kasdienai ar šventei.

- Amigurumi.
Japonijos menas megzti arba nerti mažų gyvūnų ir žmogeliukų iškamšas. Amigurumi (編み包み, liet.: „megzti-apvynioti“) dažniausiai yra mieli gyvūnėliai (pavyzdžiui, meškiukai, zuikiai, katės, šunys ir kt.), maži žmogeliukai, tačiau gali būti ir negyvi daiktai, apdovanoti žmogiškomis savybėmis. Pavyzdžiui, keksiukai, kepurės, rankinės ir kt. Amigurumi yra megztas arba megztas arba nertas. Pastaruoju metu nerti amigurumi tapo populiaresni ir dažnesni.
megztas iš verpalų paprastu būdu mezgimas – spirale ir, skirtingai nei europietiško mezgimo būdu, apskritimai dažniausiai nejungiami. Jie taip pat neriami mažesniu dydžiu, palyginti su verpalų storiu, kad būtų sukurtas labai tankus audinys be jokių tarpų įdarui išeiti. Amigurumi dažnai gaminami iš dalių ir sujungiami, išskyrus kai kuriuos amigurumi, kurie neturi galūnių, o turi tik galvą ir liemenį, kurie yra viena visuma. Galūnės kartais užpildomos plastiko gabalėliais, kad būtų suteiktas gyvasis svoris, o likusi kūno dalis užpildoma pluošto užpildu.
Amigurumi estetikos sklaidą skatina jų mielumas („kawaii“).

Kuris apima daugybę technikų ir stilių. Per savo istoriją ji patyrė daugybę pokyčių. Atsirado naujų tradicijų ir žanrų, išliko pirminiai japoniški principai. Kartu su nuostabi istorija Japonijos tapyba taip pat yra pasirengusi pateikti daug unikalių ir įdomių faktų.

senovės japonija

Pirmieji stiliai atsiranda seniausiu šalies istoriniu laikotarpiu, dar prieš Kristų. e. Tada menas buvo gana primityvus. Pirma, 300 m.pr.Kr. e., atsirado įvairios geometrinės figūros, kurios buvo pagamintos ant keramikos pagaliukų pagalba. Toks archeologų radinys kaip ornamentas ant bronzinių varpų priklauso vėlesniam laikui.

Kiek vėliau, jau 300 m. e., atsiranda urvų paveikslai, kurie yra daug įvairesni geometrinis ornamentas. Tai jau pilnaverčiai vaizdai su vaizdais. Jie buvo rasti kriptų viduje ir tikriausiai šiose kapinėse buvo palaidoti žmonės, kurie ant jų piešti.

VII amžiuje prieš Kristų e. Japonija priima scenarijų, kilusį iš Kinijos. Maždaug tuo pačiu metu iš ten atkeliauja ir pirmieji paveikslai. Tada tapyba atsiranda kaip atskira meno sritis.

Edo

Edo toli gražu ne pirmas ir ne paskutinis paveikslas, tačiau būtent ji į kultūrą atnešė daug naujo. Pirma, tai yra ryškumas ir blizgesys, kurie buvo pridėti prie įprastos technikos, atliekamos juodais ir pilkais tonais. Dauguma iškilus menininkasŠis stilius laikomas Sotasu. Jis kūrė klasikinius paveikslus, bet jo personažai buvo labai spalvingi. Vėliau jis perėjo į gamtą, o dauguma peizažų buvo sukurti auksavimo fone.

Antra, Edo laikotarpiu atsirado egzotika, nambano žanras. Jame buvo naudojamos šiuolaikinės Europos ir Kinijos technikos, kurios buvo persipynusios su tradiciniais japonų stiliais.

Ir trečia, atsiranda Nang mokykla. Jame menininkai pirmiausia visiškai imituoja ar net kopijuoja Kinijos meistrų darbus. Tada atsiranda nauja šaka, kuri vadinama bunjing.

Modernizacijos laikotarpis

Edo laikotarpis pakeičia Meiji, o dabar japonų tapyba yra priversta patekti į ją naujas etapas plėtra. Tuo metu visame pasaulyje populiarėjo tokie žanrai kaip vesternas ir panašiai, todėl meno modernizavimas tapo įprastu reikalu. Tačiau Japonijoje, šalyje, kurioje visi žmonės gerbia tradicijas duotas laikas viskas labai skyrėsi nuo to, kas vyko kitose šalyse. Čia konkurencija tarp Europos ir vietos technikų smarkiai įsiliepsnoja.

Vyriausybė šiuo metu teikia pirmenybę jauniems menininkams, kurie rodo didelį pažadą tobulinti savo Vakarų stilių įgūdžius. Todėl jie siunčia juos į Europos ir Amerikos mokyklas.

Tačiau tai buvo tik laikotarpio pradžioje. Faktas yra tas žymių kritikų gana daug kritikavo Vakarų meną. Siekiant išvengti didelio ažiotažo šiuo klausimu, Europos stiliai ir metodai buvo pradėti uždrausti parodose, jų demonstravimas ir populiarumas.

Europos stilių atsiradimas

Tada ateina Taisho laikotarpis. Šiuo metu jaunieji menininkai, išvykę mokytis į užsienio mokyklas, grįžta į tėvynę. Natūralu, kad jie atsineša naujų stilių. Japonų tapyba kurie labai panašūs į europietiškus. Atsiranda impresionizmas ir postimpresionizmas.

Šiame etape formuojasi daug mokyklų, kuriose atgyja senovės japonų stiliai. Bet visiškai atsikratyti vakarietiškų tendencijų neįmanoma. Todėl norint įtikti tiek klasikos mėgėjams, tiek šiuolaikinės Europos tapybos gerbėjams, būtina derinti keletą technikų.

Kai kurios mokyklos yra finansuojamos valstybės lėšomis, kurios dėka išsaugoma daug tautinių tradicijų. Kita vertus, privatūs prekeiviai priversti sekti vartotojų, norinčių kažko naujo, pavyzdžiu, pavargę nuo klasikos.

Antrojo pasaulinio karo tapyba

Prasidėjus karui, japonų tapyba kurį laiką liko nuošali nuo įvykių. Jis vystėsi atskirai ir nepriklausomai. Bet tai negalėjo tęstis amžinai.

Laikui bėgant, prastėjant politinei situacijai šalyje, aukšti ir gerbiami veikėjai pritraukia daugybę menininkų. Kai kurie iš jų net karo pradžioje pradeda kurti patriotiškais stiliais. Likusieji šį procesą pradeda tik valdžios nurodymu.

Atitinkamai, japonų vaizduojamieji menai Antrojo pasaulinio karo metais negalėjo ypač vystytis. Todėl dažymui jis gali būti vadinamas sustingusiu.

Amžinas Suibokuga

Japonų sumi-e tapyba, arba suibokuga, reiškia „piešinys rašalu“. Tai apibrėžia stilių ir techniką šis menas. Jis atkeliavo iš Kinijos, tačiau japonai nusprendė suteikti jam savo pavadinimą. Ir iš pradžių technika neturėjo jokios estetinės pusės. Jį vienuoliai naudojo savęs tobulinimui studijuodami dzen. Be to, iš pradžių piešė paveikslus, o vėliau lavino susikaupimą juos žiūrėdami. Vienuoliai tikėjo, kad griežtos linijos, neaiškūs tonai ir šešėliai padeda tobulėti – visa tai vadinama vienspalviu.

Japoniška tapyba tušu, nepaisant daugybės paveikslų ir technikų įvairovės, nėra tokia sudėtinga, kaip gali pasirodyti iš pirmo žvilgsnio. Jis pagrįstas tik 4 sklypais:

1. Chrizantema.
2. Orchidėja.
3. Slyvos šakelė.
4. Bambukas.

Mažas sklypų skaičius nelemia technologijų plėtros sparčiai. Kai kurie meistrai mano, kad mokymasis trunka visą gyvenimą.

Nepaisant to, kad sumi-e pasirodė seniai, jis visada yra paklausus. Be to, šiandien šios mokyklos meistrus galite sutikti ne tik Japonijoje, ji plačiai paplitusi ir toli už jos sienų.

Šiuolaikinis laikotarpis

Baigiantis Antrajam pasauliniam karui menas Japonijoje klestėjo tik didžiuosiuose miestuose, kaimo ir kaimo gyventojams užteko rūpesčių. Dažniausiai menininkai stengėsi atsukti nugarą nuo karo nuostolių ir drobėje pavaizduoti šiuolaikinį miesto gyvenimą su visomis jo puošmenomis ir bruožais. Europos ir Amerikos idėjos buvo sėkmingai perimtos, tačiau tokia padėtis truko neilgai. Daugelis meistrų pradėjo palaipsniui tolti nuo jų į japonų mokyklas.

Visada išliko madinga. Todėl šiuolaikinė japonų tapyba gali skirtis tik atlikimo technika arba procese naudojamomis medžiagomis. Tačiau dauguma menininkų blogai suvokia įvairias naujoves.

Jau nekalbant apie madingą šiuolaikinės subkultūros pavyzdžiui, anime ir panašių stilių. Daugelis menininkų bando panaikinti ribą tarp klasikos ir to, kas šiandien yra paklausa. Daugeliu atvejų tokia padėtis yra susijusi su prekyba. Klasika ir tradiciniai žanrai realiai neperkami, todėl dirbti mėgstamo žanro menininku neapsimoka, reikia prisitaikyti prie mados.

Išvada

Be jokios abejonės, japonų tapyba yra vaizduojamojo meno lobis. Galbūt aptariama šalis liko vienintelė, kuri nesekė vakarietiškų tendencijų, neprisitaiko prie mados. Nepaisant daugybės smūgių atsiradus naujoms technikoms, japonų menininkai vis tiek sugebėjo apginti daugelio žanrų nacionalines tradicijas. Tikriausiai todėl šiais laikais parodose itin vertinami klasikinio stiliaus paveikslai.

Šiandieninis pasaulis dažnai kaltinamas dėl dvasinės krizės, dėl ryšių su tradicijomis griovimo, dėl globalizacijos, kuri neišvengiamai sugeria nacionalinius pamatus. Viskas yra suasmeninta ir nuasmeninta vienu metu. Jei vadinamąjį klasikinį meną galėtume skirstyti į tautines mokyklas ir įsivaizduok tai ten italų menas kas yra vokiečių, o kas prancūzų menas; ar galime šiuolaikinį meną skirstyti į tas pačias „mokyklas“?

Atsakydamas į šį klausimą, norėčiau jūsų dėmesiui pristatyti Japonijos šiuolaikinį meną. Konferencijoje m Meno muziejus Tokijo universiteto profesorius Michio Hayashi, praėjusiais metais Mori kalbėdamas apie internacionalizmą šiuolaikiniame mene, teigė, kad 1980-aisiais Vakaruose populiarų „japoniškumo“ suvokimą sutvirtino „kičo“, „natūralumo“ ir „technologinio sudėtingumo“ trejybė. “. Šiandien populiarus, o ypač komerciškai populiarus Japonijos šiuolaikinis menas vis dar gali būti įtrauktas į šį trikampį. Vakarų žiūrovui ji išlieka paslaptinga ir originali dėl specifinių bruožų, būdingų tik Tekančios saulės šalies menui. Rugpjūčio mėnesį Vakarai ir Rytai susitiko iš karto trijose meno vietose: iki rugpjūčio 8 dienos Manhetene (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan) veikė paroda „Egzistencijos dvilypumas – post-Fukušima“, ekspozicija „teamLab: Ultra“. Subjektyvi erdvė“ truko iki rugpjūčio 15 d. yra praktiškai šalia (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); ir Takashi Murakami „Arhat ciklas“ Palazzo Reale Milane vis dar užkariauja ir stebina lankytojus.

Visi rodomi meno kūriniai buvo sukurti po 2011 m. kovo 11 d., kai Japoniją užklupo cunamis. Branduolinė nelaimė Fukušimos atominėje elektrinėje sutraukė tautą, privertė persvarstyti prioritetus ir vertybes bei vėl atsigręžti į seniai pamirštas tradicijas. Menas negalėjo stovėti nuošalyje ir pristatė pasauliui naujo tipo menininką, orientuotą į šiuolaikinės publikos poreikius, o kartu gerbiant istorinius pagrindus ir vertybes.

Takashi Murakami – reklama sėkmingas menininkas, kuri išpopuliarino techno kičą ir sukūrė naują vizualinės kalbos superflat, paremtą japonų nihonga tapybos tradicijomis ir anime bei mangos specifika. Jo atkartotų skulptūrų ir siaubingų instaliacijų ideologija buvo parodyti pokyčius Japonijoje po karo, kai įsivyravo vartotojiškumas. Tačiau 2011 m. kovo 11 d. padalijo Japonijos gyvenimą į „prieš“ ir „po“, kaip dvi baisios 1945 m. rugpjūčio dienos, kai ant Hirosimos ir Nagasakio buvo numestos branduolinės bombos. Po to stipraus žemės drebėjimo, atvedusio prie siaubingų pasekmių, Murakami ėmėsi budizmo ir japonų estetikos permąstymo keliu, žengė žingsnį grįžimo prie ištakų ir dvasingumo link. Pirmasis kūrinys, inicijavęs Arhatų ciklą, yra 500 Arhatų, parodytas Takashi Murakami personalinėje parodoje Dohoje, Katare 2012 m. Grįžimą prie budizmo temų autorius aiškina kaip bandymą suvokti, kad šiame pasaulyje esame ne tik mes, kad egzistuoja nuo mūsų nepriklausomos jėgos ir kad mes turime kaskart tobulėti, kad nustotų būti priklausomi nuo mūsų. savo norus ir afektus. Tanki arhatų siena, tarsi sauganti publiką nuo siautėjančių stichijų per visus 100 metrų drobės, įskiepijo ramybę ir ramybę kiekvieno sieloje. Tačiau Murakami neapsiribojo tik vienu kūriniu ir tęsė paveikslų ciklą, papildydamas ir išplėsdamas pasakojimą, tarsi pasitelkdamas mangos techniką ir pasakodamas istoriją vizualiniame dizaine. Antroji ciklo dalis buvo pristatyta „Blum & Poe“ galerijoje (Los Andželas) 2013 m. Šiandien Milane arhatai jau trečią kartą keliauja po pasaulį, skleisdami sugrįžimo prie dvasingumo ir aistrų išsižadėjimo idėją. Nepaisant ryškumo ir prasmės gilumo, paveikslai lengvai suvokiami dėl drąsaus ir ryškaus spalvinio sprendimo, pačios meninės kalbos. Manga elementai atnešė jiems būtiną populiarinimo dalį, kad transliuojamos budizmo idėjos būtų lengvai perskaitytos ir priimtos net nežinančios visuomenės.

Kitu šiuolaikinės japonų tapybos atstovu galima pavadinti Murakami mokinį Kazuki Umezawa, kuris sugrąžina mus prie mokyklos ir tęstinumo klausimo. Jis kuria skaitmeninius anime personažų atvaizdus, ​​piešdamas juos ant lipdukų, kad sukurtų papildomą gylį ir vizualinį chaosą. Iš atsitiktinių ir visame internete išsibarsčiusių vaizdų jis konstruoja koliažus, laužo fonus, kuria mandalas, atspindinčias otaku (anime ir mangos gerbėjų) vaizduotės struktūrą ir turinį. Kreipimasis į budizmo simbolį padidina jauno menininko darbų semantinę vertę, viena vertus, sujungdamas sakralumą ir kultūroje įsitvirtinusią, kita vertus, šiuolaikinės problemos, bet vėlgi įtraukiant specifinį japonų reiškinį – anime.

Takashi Murakami ir Kazuki Umezawa meistriškai balansuoja tarp aktualumo ir tradicijos, kičo ir stiliaus.

Keista, bet po 2011 metų kovo 11 dieną Japonijoje įvykusio žemės drebėjimo devynias dienas po namo griuvėsiais įstrigęs ir išgelbėtas 16-metis, žurnalisto paklaustas apie savo ateities svajones, atsakė: „Aš nori tapti menininku“.

Atrodo, kad šiuolaikinė Japonijos meno scena yra visiškai globalizuota. Menininkai keliauja tarp Tokijo ir Niujorko, beveik visi įgijo europietišką ar amerikietišką išsilavinimą, apie savo kūrybą kalba tarptautine meno anglų kalba. Tačiau šis vaizdas toli gražu nėra baigtas.

Nacionalinės formos ir tendencijos pasirodo esąs vienas geidžiamiausių prekių, kurias Japonija gali pasiūlyti pasaulinei rinkai. meninės idėjos ir veikia.

lėktuvo operacija. Kaip superflat sujungia Amerikos geek kultūrą ir tradicinę japonų tapybą

Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"

Jei Vakarų pasaulyje beveik visiems (išskyrus bene aršiausius postmodernizmo teoretikus) riba tarp aukšto ir populiarioji kultūra vis dar aktualus, nors ir problemiškas, Japonijoje šie pasauliai yra visiškai sumaišyti.

To pavyzdys yra Takashi Murakami, kuris sėkmingai derina parodas geriausiose pasaulio galerijose ir srautinę produkciją.

Ekskursijos po Murakami parodą „Bus švelnus lietus“ įrašas

Tačiau Murakami santykis su populiariąja kultūra – o Japonijai tai visų pirma manga ir anime gerbėjų kultūra (otaku) – yra sudėtingesnis. Filosofas Hiroki Azuma kritikuoja otaku kaip autentiško japoniško reiškinio supratimą. Otaku laiko save tiesiogiai susijusiais su XVII–XIX amžiaus Edo laikotarpio tradicijomis - izoliacionizmo ir modernizacijos atmetimo eros. Azuma teigia, kad otaku judėjimas, pagrįstas manga, animacija, grafiniais romanais, kompiuteriniais žaidimais, galėjo atsirasti tik pokario Amerikos okupacijos kontekste dėl Amerikos kultūros importo. Murakami ir jo pasekėjų menas iš naujo išranda otaku naudojant pop meno metodus ir sugriauna nacionalistinį mitą apie tradicijos autentiškumą. Tai reiškia „japonizuotos Amerikos kultūros reamerikanizaciją“.

Meniniu požiūriu superflat yra artimiausias ankstyvajai japonų tapybai ukiyo-e. Garsiausias šios tradicijos kūrinys yra graviūra " Didelė banga Kanagavoje“ Katsushiki Hokusai (1823–1831).

Vakarų modernizmui japonų tapybos atradimas buvo proveržis. Tai leido pamatyti paveikslą kaip plokštumą ir siekia ne įveikti šį jo ypatumą, o dirbti su juo.

Katsushiki Hokusai. „Didžioji banga prie Kanagavos“

Spektaklio pradininkai. Ką šiandien reiškia šeštojo dešimtmečio japonų menas

Akiros Kanayamos ir Kazuo Shiragi kūrybinio proceso dokumentacija

Superflat susiformavo tik 2000-aisiais. Tačiau pasauliniam menui reikšmingi meniniai veiksmai Japonijoje prasidėjo daug anksčiau – ir net anksčiau nei Vakaruose.

Performatyvus posūkis mene įvyko praėjusio amžiaus 60-70-ųjų sandūroje. Japonijoje spektaklis pasirodė šeštajame dešimtmetyje.

Grupė „Gutai“ pirmą kartą savo dėmesį nuo savarankiškų objektų kūrimo perkėlė į jų gamybos procesą. Nuo čia – vienas žingsnis iki meno objekto atsisakymo efemeriško įvykio naudai.

Nors pavieniai gutai menininkai (o per dvidešimt metų jų buvo 59) aktyviai gyvavo tarptautiniame kontekste, supranti, kaip jų kolektyvinė Japonijos pokario meno veikla apskritai prasidėjo Vakaruose. Bumas atėjo 2013 m., kai buvo surengtos kelios parodos nedidelėse galerijose Niujorke ir Los Andžele, Tokijuje 1955–1970: Naujasis avangardas MoMA ir didžiulė istorinė retrospektyva „Gutai: Splendid Playground“ Gugenheimo muziejuje. Atrodo, kad Maskvos japonų meno importas yra beveik pavėluotas šios tendencijos tęsinys.

Sadamasa Motonaga. Darbas (vanduo) Guggenheimo muziejuje

Stebina, kaip šiuolaikiškai atrodo šios retrospektyvinės parodos. Pavyzdžiui, centrinis Guggenheimo muziejaus ekspozicijos objektas – Sadamasa Motonaga rekonstrukcija „Darbas (vanduo), kurioje muziejaus rotondos lygiai sujungiami polietileno vamzdžiais su spalvotu vandeniu. Jie primena nuo drobės nuplėštus teptuko potėpius ir parodo Gutai pagrindinį dėmesį „konkretumui“ (išversta iš Japoniškas pavadinimas grupės), objektų, su kuriais menininkas dirba, medžiagiškumas.

Daugelis Gutų narių gavo išsilavinimą, susijusį su klasikine nihonga tapyba, daugelis biografiškai yra prisirišę prie religinio dzenbudizmo konteksto, jam būdingos japoniškos kaligrafijos. Visi jie rado naują, procedūrinį ar dalyvaujamąjį požiūrį į senąsias tradicijas. Kazuo Shiraga yra nufilmavęs, kaip kojomis piešia savo anti-Raušenbergo monochromijas, ir netgi kūrė paveikslus viešai.

Minoru Yoshida gėles iš japoniškų spaudinių pavertė psichodeliniais objektais – to pavyzdys yra Biseksuali gėlė, viena pirmųjų kinetinių (judančių) skulptūrų pasaulyje.

Parodos Gugenheimo muziejuje kuratoriai pasakoja apie šių darbų politinę reikšmę:

„Gutai pademonstravo laisvo individualaus veiksmo, žiūrovų lūkesčių griovimo ir net kvailumo svarbą kaip būdus atremti socialinį pasyvumą ir konformiškumą, kurie per dešimtmečius leido militaristinei vyriausybei įgyti kritinę įtakos masę, įsiveržti į Kiniją ir tada. prisijungti prie Antrojo pasaulinio karo“.

Geras ir protingas. Kodėl menininkai septintajame dešimtmetyje išvyko iš Japonijos į Ameriką

Gutai buvo taisyklės išimtis pokario Japonijoje. Avangardinės grupės liko marginalios, meno pasaulis buvo griežtai hierarchinis. Pagrindinis kelias į pripažinimą buvo dalyvavimas pripažintų klasikinių menininkų asociacijų konkursuose. Todėl daugelis teikė pirmenybę išvykti į Vakarus ir integruotis į anglų kalbos meno sistemą.

Ypač sunku buvo moterims. Netgi pažangiuose Gutuose jų buvimo dalis nesiekė net penktadalio. Ką jau kalbėti apie tradicines institucijas, prie kurių reikėjo patekti Specialusis ugdymas. Šeštajame dešimtmetyje merginos jau buvo įgijusios teisę į tai, tačiau mokydamosi meno (jei tai nebuvo dekoratyvinis dalykas, kuris buvo įgūdžių dalis ryosai kenbo- gera žmona ir išmintinga motina) buvo socialiai nusižiūrėtas užsiėmimas.

Yoko Ono. supjaustytas gabalas

Penkių įtakingų japonų menininkių emigracijos iš Tokijo į JAV istorija buvo Midori Yoshimoto studijos „Into Performance: Japanese Women Artists in New York“ tema. Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi ir Shigeko Kubota karjeros pradžioje nusprendė išvykti į Niujorką ir ten dirbo, įskaitant japonų meno tradicijų modernizavimą. Tik Yoko Ono užaugo JAV, bet ji taip pat sąmoningai atsisakė grįžti į Japoniją, nusivylusi Tokijo menine hierarchija per trumpą viešnagę 1962–1964 m.

Ono tapo žinomiausia iš penkių – ne tik kaip Johno Lennono žmona, bet ir kaip proto-feministinių performansų, skirtų objektyvacijai, autorė. moteriškas kūnas. Yra akivaizdžių paralelių tarp „Cut Piece It“, kuriame publika galėjo nukirpti menininko drabužių gabalus, ir „performanso močiutės“ Marinos Abramovič „Rhythm 0“.

Ant trumpų kojų. Kaip pereiti autoriaus vaidybos mokymą Tadashi Suzuki

Ono ir Gutų atveju jų darbo metodai ir temos, atskirtos nuo autorių, tapo tarptautiniu mastu reikšmingu. Yra ir kitų eksporto formų – kai menininko darbai su susidomėjimu suvokiami tarptautinėje arenoje, tačiau tikrojo metodo pasiskolinimas nevyksta dėl jo specifikos. Ryškiausias atvejis – Tadashi Suzuki aktorinio mokymo sistema.

Suzuki teatras mėgstamas net Rusijoje – ir tai nenuostabu. Paskutinį kartą jis su mumis buvo 2016 m., spektaklyje „Trojos moterys“ pagal Euripido tekstus, o 2000-aisiais kelis kartus atvyko su Šekspyro ir Čechovo pastatymais. Suzuki pjesių veiksmą perkėlė į dabartinį Japonijos kontekstą ir pasiūlė neakivaizdžių tekstų interpretacijų: Ivanove atrado antisemitizmą ir palygino jį su niekinančiu japonų požiūriu į kinus, perkėlė karaliaus Lyro veiksmą Japonijos pamišėlių prieglauda.

Suzuki sukūrė savo sistemą prieštaraudamas rusų teatro mokyklai. XIX amžiaus pabaigoje, vadinamuoju Meiji laikotarpiu, modernėjanti imperinė Japonija patyrė opozicinių judėjimų iškilimą. Rezultatas buvo didelio masto anksčiau buvusios itin uždaros kultūros vesternizacija. Tarp importuotų formų buvo Stanislavskio sistema, kuri iki šiol Japonijoje (ir Rusijoje) išlieka vienu iš pagrindinių režisūrinių metodų.

Suzuki pratimai

Šeštajame dešimtmetyje, kai Suzuki pradėjo savo karjerą, vis labiau plito tezė, kad japonų aktoriai dėl savo kūno bruožų negalėjo priprasti prie vaidmenų iš vakarietiškų tekstų, kurie užpildė tuometinį repertuarą. Jaunam režisieriui pavyko pasiūlyti įtikinamiausią alternatyvą.

Suzuki pratimų sistema, vadinama kojų gramatika, apima daugybę sėdėjimo būdų, o dar daugiau – stovėti ir vaikščioti.

Jo aktoriai dažniausiai vaidina basi ir atrodo, nuleidę svorio centrą, kuo tvirčiau pririšti prie žemės, sunkūs. Suzuki juos ir užsienio atlikėjus moko savo technikos Togos kaime, senoviniuose japonų namuose, užpildytuose modernia įranga. Jo trupė per metus surengia tik apie 70 spektaklių, o likusį laiką gyvena beveik neišvykdamas iš kaimo ir neturėdamas laiko asmeniniams reikalams – tik darbu.

Togos centras atsirado aštuntajame dešimtmetyje, o direktoriaus pageidavimu jį suprojektavo visame pasaulyje žinomas architektas Arata Isozaka. Suzuki sistema gali atrodyti patriarchališka ir konservatyvi, tačiau jis pats apie Togą kalba šiuolaikinėmis decentralizavimo sąlygomis. Dar 2000-ųjų viduryje Suzuki suprato meno eksporto iš sostinės į regionus ir vietinių gamybos punktų organizavimo svarbą. Pasak režisieriaus, Japonijos teatrinis žemėlapis daugeliu atžvilgių primena rusiškąjį – menas sutelktas Tokijuje ir kiek mažiau. pagrindiniai centrai. Rusų teatras nepakenktų ir įmonei, kuri reguliariai vyksta į gastroles mažuose miesteliuose ir yra įsikūrusi toli nuo sostinės.

SCOT įmonių centras Togoje

Gėlių takai. Kokius išteklius šiuolaikinis teatras atrado noh ir kabuki sistemose

Suzuki metodas išauga iš dviejų senovės japonų tradicijų, bet taip pat ir kabuki. Šios teatro rūšys ne tik dažnai apibūdinamos kaip vaikščiojimo menas, bet ir ryškesnėse detalėse. Suzuki dažnai laikosi taisyklės dėl visų vyrų vaidmenų atlikimo, naudoja būdingus erdvinius sprendimus, pavyzdžiui, kabuki pavyzdžio hanamichi („gėlių kelias“) – platformą, besitęsiančią nuo scenos iki salės gilumos. Jis taip pat naudoja gana atpažįstamus simbolius, tokius kaip gėlės ir ritiniai.

Žinoma, į globalus pasaulis nekalbama apie japonų privilegiją naudoti savo nacionalines formas.

Vieno reikšmingiausių mūsų laikų režisierių, amerikiečio Roberto Wilsono, teatras buvo pastatytas skolinantis iš bet.

Jis naudoja ne tik Japoniją masinei publikai primenančias kaukes ir makiažą, bet ir skolinasi maksimaliu judesio sulėtėjimu bei savarankišku gesto išraiškingumu paremtus veikimo būdus. Tradicinių ir ritualinių formų derinimas su pažangiausiomis apšvietimo partitūromis ir minimalistine muzika (viena iš labiausiai žinomų kūrinių Wilsonas – Philipo Glasso operos „Einšteinas paplūdimyje“ pastatymas), Wilsonas iš esmės sukuria kilmės ir aktualumo sintezę, kurios siekia daugelis šiuolaikinio meno.

Robertas Wilsonas. "Einšteinas paplūdimyje"

Iš noh ir kabuki išaugo vienas iš šiuolaikinio šokio ramsčių – butoh, pažodžiui išvertus – tamsos šokis. 1959 m. sugalvojo choreografai Kazuo Ono ir Tatsumi Hijikata, kurie taip pat rėmėsi žemu svorio centru ir sutelkė dėmesį į kojas. Butoh buvo skirtas traumuojančios karo patirties atspindžių perkėlimui į kūno dimensiją.

„Jie rodė kūną sergantį, griūvantį, net siaubingą, siaubingą.<…>Judesiai yra arba lėti, arba sąmoningai aštrūs, sprogūs. Tam naudojama speciali technika, kai judesys atliekamas tarsi neįtraukiant pagrindinių raumenų, dėl skeleto kaulinių svirčių“, – į kūno išlaisvinimo istoriją butoh įrašo šokio istorikė Irina Sirotkina. tai su nukrypimu nuo baleto normatyvumo. Ji lygina buto su XX amžiaus pradžios šokėjų ir choreografų praktikomis – Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, kalba apie įtaką vėlesniam „postmoderniam“ šokiui.

Šiuolaikinės buto tradicijos tęsėjos Katsuros Kana šokio fragmentas

Šiandien buto pradine forma nebėra avangardinė praktika, o istorinė rekonstrukcija.

Tačiau Ono, Hijikata ir jų pasekėjų sukurtas judėjimo žodynas išlieka reikšmingu šiuolaikinių choreografų šaltiniu. Vakaruose jį naudoja Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky ir netgi „The Weekend“ vaizdo įraše „Belong To The World“. Japonijoje buto tradicijos tęsėjas yra, pavyzdžiui, Saburo Teshigawara, kuris į Rusiją atvyks spalį. Nors jis pats neigia paraleles su tamsos šokiu, kritikai randa gana atpažįstamų ženklų: iš pažiūros be kaulų kūnas, trapumas, netriukšmingas žingsnis. Tiesa, jie jau patalpinti į postmodernistinės choreografijos kontekstą – su dideliu tempu, bėgimais, darbu su postindustrine noise muzika.

Saburo Teshigawara. metamorfozė

Vietinis pasaulinis. Kuo šiuolaikinis japonų menas panašus į Vakarų meną?

Teshigawara ir daugelio jo kolegų kūryba organiškai įsilieja į geriausių Vakarų šiuolaikinio šokio festivalių programas. Jei peržvelgsite spektaklių ir spektaklių, rodytų festivalio/Tokijo, didžiausio kasmetinio Japonijos teatro pasirodymo, aprašymus, bus sunku pastebėti esminius skirtumus nuo Europos tendencijų.

Viena iš pagrindinių temų yra vietos specifiškumas – japonų menininkai tyrinėja Tokijo erdves – nuo ​​kapitalizmo gniužulų dangoraižių pavidalu iki ribinių otaku koncentracijos sričių.

Kita tema – kartų nesusipratimo tyrimas, teatras kaip įvairaus amžiaus žmonių gyvo susitikimo ir organizuoto bendravimo vieta. Jai skirti Toshika Okada ir Akira Tanayama projektai kelerius metus iš eilės buvo atvežti į Vieną viename pagrindinių Europos scenos menų festivalių. Iki 2000-ųjų pabaigos dokumentinės medžiagos ir asmeninių istorijų perkėlimas į sceną nebuvo nieko naujo, tačiau Vienos festivalio kuratorius šiuos projektus pristatė visuomenei kaip galimybę gyvam, tiesioginiam kontaktui su kitu. kultūra.

Kita pagrindinė kryptis yra darbas per trauminę patirtį. Japonams tai asocijuojasi ne su Gulagu ar Holokaustu, o su Hirosimos ir Nagasakio bombardavimu. Teatras apie jį nuolat mini, tačiau galingiausias teiginys apie atominius sprogimus kaip visos šiuolaikinės japonų kultūros atsiradimo momentą vis dar priklauso Takashi Murakami.

į parodą „Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture“

„Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture“ – taip pavadintas jo kuruojamas projektas, parodytas Niujorke 2005 m. „Little Boy“ – rusiškai „kūdikis“ – taip vadinosi viena iš bombų, numestų ant Japonijos 1945 m. Surinkęs šimtus manga komiksų iš žymiausių iliustratorių, išskirtinių senovinių žaislų, prekių, įkvėptų garsiųjų anime nuo Godzilos iki Hello Kitty, Murakami iki galo sumažino žavesio – kawaii – koncentraciją muziejaus erdvėje. Lygiagrečiai jis pradėjo animacijų rinkinį, kuriame centriniai vaizdai buvo sprogimų, plikos žemės, sugriautų miestų nuotraukos.

Ši opozicija buvo pirmasis didelis pareiškimas apie japonų kultūros infantilizavimą kaip būdą susidoroti su potrauminio streso sutrikimu.

Dabar ši išvada atrodo jau akivaizdi. Jo pagrindu sukurtas Inuhiko Yomota akademinis kawaii tyrimas.

Yra ir vėlesnių trauminių veiksnių. Iš svarbiausių – 2011 metų kovo 11-osios įvykiai, žemės drebėjimas ir cunamis, lėmę didelę avariją Fukušimos atominėje elektrinėje. Festivalyje/Tokyo-2018 visa šešių pasirodymų programa buvo skirta stichinės ir technologinės nelaimės pasekmių suvokimui; jie taip pat tapo vieno iš Solyankoje pristatytų darbų tema. Šis pavyzdys aiškiai parodo, kad arsenalas kritiniais metodais Vakarų ir Japonijos menas iš esmės nesiskiria. Haruyuki Ishii sukuria trijų televizorių instaliaciją, kuri perima dideliu greičiu redaguojamą ir ciklinį filmuotą medžiagą iš televizijos programų apie žemės drebėjimą.

„Kūrinys sudarytas iš 111 vaizdo įrašų, kuriuos menininkas kasdien žiūrėjo per žinias, kol viskas, ką jis pamatė, nebebuvo suvokiama kaip fikcija“, – aiškina kuratoriai. „Naujoji Japonija“ yra išraiškingas pavyzdys, kaip menas neatsispiria tautiniais mitais paremtai interpretacijai, bet tuo pačiu. kritiška akis nustato, kad ta pati interpretacija gali būti aktuali bet kokios kilmės menui. Kuratoriai kalba apie kontempliaciją kaip japonų tradicijos pagrindą, remdamiesi Lao Tzu citatomis. Tuo pačiu, tarsi iš skliaustų paliekant, kad beveik visas šiuolaikinis menas yra orientuotas į „stebėtojo efektą“ (taip vadinasi paroda) – ar kuriant naujus kontekstus pažįstamiems reiškiniams suvokti, ar iškeliant. adekvataus suvokimo kaip tokio galimybės klausimas.

„Imagined Communities“ – dar vienas videomenininko Haruyuki Ishii darbas

Žaidimas

Tačiau nereikėtų manyti, kad 2010-ųjų Japonija yra progresyvumo koncentracija.

Senojo gero tradicionalizmo įpročiai ir meilė orientalistinei egzotikai dar neišgyventi. „Mergelių teatras“ – taip vadinasi gana susižavėjimą keliantis straipsnis apie japonų teatrą „Takarazuka“ Rusijos konservatorių žurnale „PTJ“. Takarazuka atsirado XIX amžiaus pabaigoje kaip verslo projektas, skirtas pritraukti turistus į atokų to paties pavadinimo miestą, kuris atsitiktinai tapo privataus miesto terminalu. geležinkelis. Teatre vaidina tik netekėjusios merginos, kurios, anot geležinkelio savininko, turėjo vilioti į miestą žiūrovus vyrus. Šiandien Takarazuka veikia kaip pramonė – su savo televizijos kanalu, tankus koncertinė programa, net vietiniame pramogų parke. Tačiau teisę būti trupėje tebeturi tik netekėjusios merginos – tikėkimės, kad jos nepasitikrins bent nekaltybės.

Tačiau Takarazuka nublanksta prieš Kioto klubą „Toji Deluxe“, kurį japonai dar vadina teatru. Sprendžiant iš, jie atrodo visiškai laukiniai apibūdinimas New Yorker apžvalgininkas Ianas Buruma, striptizo šou: kelios nuogos merginos scenoje genitalijų demonstravimą paverčia viešu ritualu.

Kaip ir daugelis meninių praktikų, šis pasirodymas paremtas senovinėmis legendomis (žvakės ir padidinamojo stiklo pagalba žiūrovai galėjo pakaitomis tyrinėti „motinos deivės Amaterasu paslaptis“), o pačiam autoriui buvo priminta. iš noh tradicijos.

Paieška Vakarų kolegos„Takarazuki“ ir Toji paliksime skaitytojui – juos nesunku rasti. Atkreipiame dėmesį tik į tai, kad nemaža dalis šiuolaikinio meno yra nukreipta būtent į kovą su tokiomis priespaudos praktikomis – tiek vakarietiškomis, tiek japoniškomis, nuo superflat iki buto šokio.

Nepaisant to, kad Japonija visame pasaulyje laikoma kylančių technologijų šalimi, šiuolaikinis menas neskuba nutraukti ryšių su tradicija. Paroda „Mono no Avare. Daiktų žavesys“ – liūdna istorija apie žmogaus būklę plastikos amžiuje.

Mono no aware – japonų kultūrai būdingas estetinis principas, davęs pavadinimą parodai, reiškia liūdną daiktų žavesį, susižavėjimą akivaizdžiu ir numanomu daiktų ir reiškinių grožiu, su privalomu be priežasties liūdesio atspalviu. iliuzinės prigimties ir visko, kas matoma, silpnumo jausmu. Jis neatsiejamai susijęs su tradicine japonų šintoizmo religija. Šintoistai tiki, kad viskas yra apdovanota dvasine esme „kami“. Jis egzistuoja bet kuriame objekte: tiek medyje, tiek akmenyje. „Kami“ yra nemirtingi ir įtraukiami į gyvenimo ir mirties ciklą, per kurį viskas pasaulyje nuolat atnaujinama.

Ir nors šiuolaikinis menas kalba tarptautine kalba, šioje parodoje pristatomas Japonijos šiuolaikinis menas geriau žiūrimas iš jų tradicijų perspektyvos.

Menininko Hiraki Sawa įžanginė instaliacija užėmė visą kambarį ir yra šešėlių teatras, kuriame aktoriai yra namų apyvokos reikmenys. Jis buvo pastatytas vaikų geležinkelio principu. Per menininko sukurtą peizažą pravažiuoja traukinys su žibintuvėliu, šviesos spindulys iš daiktų mikro pasaulio gimdo makro pasaulį. O dabar jau yra Beržynas o ne vertikaliai stovintys pieštukai; o tai elektros laidai laukuose, o ne kabantys skalbinių segtukai; o apverstas plastikinis baseinas su rankenomis yra tunelis. Kūrinys vadinasi „Inside“, anksčiau buvo parodytas Venecijos bienalėje.

Shinishiro Kano paveikslą galima pavadinti primityviuoju siurrealizmu. Kano natiurmorte krepšinio kamuolys, Žemės planeta ir vaisiai yra vienoje lėkštėje.

Paveiksle nėra paties paveikslo, o tik aliejumi nutapytas rėmelis. Ant vienos drobės raudonu kimono vilkinčios dievybės figūra derinama su raudonu rankšluosčiu, pakabintu ant kabliuko ant kitos. Argi ši vaizdinė serija nėra apie iliuzinę pasaulio prigimtį? O gal kiekvienas daiktas turi kami.

Masajos Čibos paveiksle gražių džiunglių fone – dvi figūros: antropomorfinės būtybės, išnykusios iš baltosios medžiagos, vos primenančios vyrą ir moterį. Jie tvirtinami ant pagaliukų kaip rytietiškos teatro lėlės. Materija yra mirtina, tai tik apvalkalas – tarsi autorius norėtų mums pasakyti. Maždaug toks pat yra ir kitas jo tapybos darbas „Miegantis žmogus“. Nuotraukoje nėra žmogaus, tik keli daiktai ant pufo: senos fotografijos ir atvirukai, išaugę kaktusai, pirštinės, mėgstamos juostos, indelis prieskonių ir įrankių rinkinys.

Menininkas Teppei Kanueji savo asmenį „skulptuoja“ (statomas objektas) tokiu pačiu principu: antropomorfinės būtybės pavidalu suklijuoja buitines šiukšles ir jas padengia baltais dažais.

Didžiulė mandala ant grindų išklota druska; tai tradicinis Japonijos šventyklos ritualas, matyt, kilęs iš budizmo. Toks papuošalas užfiksuoja arba labirinto, arba paslaptingo krašto žemėlapio dvasią ir kaip gerai, kad muziejuje nepučia vėjas. Ši instaliacija unikali, menininkė keletą dienų kūrė ją muziejaus sienose. Yra ir įdomi japonų tradicija: prieš kovą sumo imtynininkai žemę pabarsto druska.

Hiroaki Morita instaliaciją „Nuo Eviano iki Volviko“ atidaro gana a įdomi tema modernus Japonijai – plastiko apdirbimas. Ant stiklinės lentynos guli „Evian“ vandens butelis, šešėlis nuo jo tiksliai krenta į kito ant grindų stovinčio „Volvik“ butelio kaklą. Tai sukuria iliuziją, kad vanduo liejasi iš butelio į butelį. Absurdas iš pirmo žvilgsnio. Japonams šis konceptualus kūrinys ne tik simbolizuoja „kami“ ciklą, tai yra dvasinę esmę, bet ir tiesiogine prasme perdirbimo principas – perdirbimas. Būdama salų valstybė, Japonija viena pirmųjų išmoko rinkti, rūšiuoti ir perdirbti plastiko atliekas. Iš gautos medžiagos ne tik iš naujo gaminami nauji buteliai ir sportbačiai, bet net sukuriamos dirbtinės salelės.

Teppei Kuneuji instaliacija iš pirmo žvilgsnio primena šiukšlių rūšiavimo stotį. Čia įvairia seka išdėliojami plastikiniai daiktai: samteliai, formelės, įvairūs žaislai, pakabos, spalvoti dantų šepetėliai, žarnos, stiklinės ir kt. Pabarstę baltais milteliais, atrodo, kad jie čia guli visą amžinybę. Vaikštant tarp šių pažįstamų, bet dabar nenaudojamų objektų, apmąstant juos jau atskirtus, apima jausmas, panašus į meditaciją alpinariumu. Savo nuotraukų koliažuose Teppei Kuneuji „protiškai“ stato bokštelius iš statybinių šiukšlių. Bet tai ne tokios kinetinės grandinės kaip meninio dueto Fishli ir Weiss, o kaip budistų sakralinis pastatas, kuriame akmuo remiasi į akmenį be surišančios medžiagos.

Menininkas Suda Yoshihiro įdėjo meistriškai pagamintą medinę rožinę rožę su vienu nukritusiu žiedlapiu tarp stiklų muziejaus lange su vaizdu į Moiką. Žvelgdamas į šį labai subtilų ir poetišką įsikišimą į muziejų, noriu pradėti kalbėti japoniškais eilėraščiais haiku žanre, pavyzdžiui: „Žiema. Net rožė muziejuje žydi amžinai.

Kitas ne mažiau poetinis Onishi Yasuaki kūrinys „Tūrio priešingybė“ nurodo viduramžių tapytojo ir dzen vienuolio Toyo Sesshu kūrybą. Ši japonų klasika garsėja atvežimu į šalį kylanti saulė Kinų vienspalvio rašalo piešinys.

Yasuaki instaliacija – tai pilkas polietileninis trimatis kalno siluetas, ant kurio nuo lubų krinta sušalusio skysto plastiko čiurkšlės (kaip lietus). Sakoma, kad po liūtimi reikia padaryti „tuščią“ kalną, tarsi su vienspalviu Toyo paveikslai Sessu, menininkas turėjo pastatyti kalną dėžių, padengti jį plonu polietilenu, o tada nuo lubų lašinti karštą plastiką.

Galiausiai Kengo Kito instaliacija: spalvotų plastikinių sportinių lankų girliandos, kabantys, tarsi „japoniški sveikinimai“, atvežta į Rusiją olimpinės žaidynės. Smalsu, kad parodoje „Daiktų žavesys“ plastikas naudojamas kaip medžiaga, su kuria japonų menininkai liečia ne tik aplinkos, bet ir dvasines problemas.