hjem › Elektrisk utstyr › Carl Orff "Carmina Burana". Til komponistens bursdag

Carl Orff "Carmina Burana". Til komponistens bursdag

Carl Orff(tysk: Carl Orff; Carl Heinrich Maria Orff, Tysk Carl Heinrich Maria Orff; 10. juli 1895, München – 29. mars 1982, ibid.) – Tysk komponist og lærer, mest kjent for kantaten Carmina Burana (1937). Som en stor komponist på 1900-tallet ga han også et stort bidrag til utviklingen av musikkundervisningen.

Biografi

Carl Orffs far, en offiser, spilte piano og flere strengeinstrumenter. Min fars foreldre var jøder som konverterte til katolisismen. Under nasjonalsosialistenes regjeringstid klarte Orff å skjule sitt opphav. Moren hans var også en god pianist. Det var hun som oppdaget sønnens talent for musikk og begynte å lære ham.

Orff lærte å spille piano i en alder av 5. Allerede i en alder av ni skrev han lange og korte musikkstykker for sitt eget dukketeater.

I 1912-1914 studerte Orff ved Musikkakademiet i München. I 1914 fortsatte han studiene hos Hermann Zilcher. I 1916 jobbet han som dirigent ved München Kammerteater. I 1917, under første verdenskrig, meldte Orff seg frivillig til militærtjeneste i det første bayerske feltartilleriregimentet. I 1918 ble han invitert til stillingen som kapelmester i Nasjonalteateret Mannheim under ledelse av Wilhelm Furtwängler, og deretter begynte han å jobbe ved Palace Theatre i Storhertugdømmet Darmstadt.

I 1920 giftet Orff seg med Alice Solscher (tysk: Alice Solscher), et år senere ble han født enebarn, datter av Godel, i 1925 fant hans skilsmisse fra Alice sted.

I 1923 møtte han Dorothee Gnther og i 1924 opprettet han sammen med henne Gnther-Schule-skolen for gymnastikk, musikk og dans i München. Fra 1925 til slutten av livet var Orff avdelingsleder ved denne skolen, hvor han arbeidet med aspirerende musikere. Han hadde konstant kontakt med barn og utviklet sin teori om musikkundervisning.

Selv om Orffs forbindelse (eller mangel på sådan) med nazistpartiet ikke er etablert, var hans Carmina Burana ganske populær i Nazi-Tyskland etter premieren i Frankfurt i 1937, og ble fremført mange ganger (selv om nazikritikere kalte den degenerert - tysk entartet - antyder en forbindelse med den beryktede Degenerate Art-utstillingen som dukket opp på samme tid, eller "en primitiv feiring av drukkenskap, fråtsing, gambling og begjær." Goebbels kalte henne samtidig "en modell tysk musikk". Orff var den eneste av flere tyske komponister under naziregimet som svarte på den offisielle oppfordringen om å skrive ny musikk til Shakespeares skuespill The Dream of sommernatt", etter at Felix Mendelssohns musikk ble forbudt - nektet de andre å ta del i den. Til skriving brukte han partiturer som allerede var klare lenge før.

Orff var en nær venn av Gauleiter i Wien og en av lederne for Hitlerjugend, Baldur von Schirach.

Orff var også en nær venn av Kurt Huber, en av grunnleggerne av motstandsbevegelsen " hvit rose"(tysk: Die Weie Rose), dømt til døden av Folkedomstolen og henrettet av nazistene i 1943. Etter andre verdenskrig hevdet Orff at han var en del av bevegelsen og selv var involvert i motstanden, men det er ingen andre bevis enn hans egne ord, så noen kilder bestrider denne påstanden. Motivet virker klart: Orffs erklæring ble akseptert av amerikanske denazifiseringsmyndigheter, slik at han kunne fortsette å komponere. Det er kjent at Orff ikke turte å bruke sin autoritet og vennskap med von Schirach for å beskytte Huber, med henvisning til frykt for hans sikkerhet. eget liv. Samtidig kom han ikke med noen offentlige uttalelser til støtte for regimet.

Orff er gravlagt i den barokke kirken Andechs Abbey sørvest for München.

Opprettelse

Orff er mest kjent som forfatteren av scenekantaten «Carmina Burana», som oversatt betyr «Beuerns sanger». (1937). Dette er første del av en trilogi som også inkluderer «Catulli Carmina» (tysk: Catulli Carmina) og «Trionfo di Afrodite» (tysk: Trionfo di Afrodite). "Carmina Burana" gjenspeiler hans interesse for tysk middelalderdiktning. Alle deler av trilogien til sammen kalles «Trionfi». Komponisten beskrev dette verket som en feiring av den menneskelige ånds seier gjennom balansen mellom det kjødelige og det universelle. Musikken er basert på dikt skrevet av goliarder fra et manuskript fra 1200-tallet funnet i 1803 i det bayerske benediktinerklosteret Beuern (latin: Buranum); denne samlingen er kjent som "Carmina Burana" (q.v.) og er oppkalt etter klosteret. Til tross for de modernistiske elementene i noen komposisjonsteknikker, uttrykte Orff i denne trilogien middelalderens ånd med en smittende rytme og enkle toner. Middelalderdikt skrevet på tysk i sin tidlig form og på latin, er ofte ikke helt anstendige, men går ikke ned til vulgaritet.

Carl Orff(Tysk) Carl Orff; Carl Heinrich Maria Orff, Tysk Karl Heinrich Maria Orff; 10. juli 1895, München - 29. mars 1982, München) var en tysk ekspresjonistisk komponist og lærer, mest kjent for kantaten Carmina Burana (1937). Som en stor komponist på 1900-tallet ga han også et stort bidrag til utviklingen av musikkundervisningen.

Biografi

Carl Orffs far, en offiser, spilte piano og flere strengeinstrumenter. Moren hans var også en god pianist. Det var hun som oppdaget sønnens talent for musikk og begynte å lære ham.

Orff lærte å spille piano i en alder av 5. Allerede i en alder av ni skrev han lange og korte musikkstykker for sitt eget dukketeater.

I 1912-1914 studerte Orff ved Musikkakademiet i München. I 1914 fortsatte han studiene hos Hermann Zilcher. I 1916 jobbet han som dirigent ved München Kammerteater. I 1917, under første verdenskrig, meldte Orff seg frivillig til militærtjeneste i det første bayerske feltartilleriregimentet. I 1918 ble han invitert til stillingen som dirigent ved Nationaltheatret Mannheim under ledelse av Wilhelm Furtwängler, og deretter begynte han å jobbe ved Palace Theatre i Storhertugdømmet Darmstadt.

I 1920 giftet Orff seg med Alice Solscher (tysk). Alice Solscher), et år senere ble hans eneste barn, datteren Godela, født, og i 1925 fant hans skilsmisse fra Alice sted.

I 1923 møtte han Dorothea Günther og i 1924 opprettet han sammen med henne skolen for gymnastikk, musikk og dans "Günterschule" (tysk. Günther-Schule) i München. Fra 1925 til slutten av livet var Orff avdelingsleder ved denne skolen, hvor han arbeidet med aspirerende musikere. Han hadde konstant kontakt med barn og utviklet sin teori om musikkundervisning.

Selv om Orffs forbindelse (eller mangel på sådan) med nazipartiet ikke er etablert, er hans Carmina Burana (lat. Carmina Burana) var veldig populær i Nazi-Tyskland etter premieren i Frankfurt i 1937, og ble fremført mange ganger (selv om nazikritikere kalte den degenerert - tysk. entartet- antyder en sammenheng med den beryktede utstillingen «Degenerert kunst» som oppsto samtidig). Orff var den eneste av flere tyske komponister under naziregimet som svarte på den offisielle oppfordringen om å skrive ny musikk til Shakespeares En midtsommernattsdrøm etter at Felix Mendelssohns musikk ble forbudt – de andre nektet å delta. Men igjen, Orff jobbet med musikken til dette stykket i 1917 og 1927, lenge før den nazistiske regjeringen kom.

Orff var en nær venn av Kurt Huber, en av grunnleggerne av motstandsbevegelsen White Rose. Die Weiße Rose), dømt til døden av Folkedomstolen og henrettet av nazistene i 1943. Etter andre verdenskrig hevdet Orff at han var en del av bevegelsen og selv var involvert i motstanden, men det er ingen bevis annet enn hans egne ord, noen kilder bestrider denne påstanden. Motivet virker klart: Orffs erklæring ble akseptert av amerikanske denazifiseringsmyndigheter, slik at han kunne fortsette å komponere.

Orff er gravlagt i den barokke kirken Andechs Abbey sørvest for München.

Opprettelse

Orff er mest kjent som forfatteren av scenekantaten «Carmina Burana», som oversatt betyr «Beuerns sanger». (1937). Dette er første del av en trilogi som også inkluderer «Catulli Carmina» og «Trionfo di Afrodite». "Carmina Burana" gjenspeiler hans interesse for tysk middelalderdiktning. Alle deler av trilogien til sammen kalles «Trionfi». Komponisten beskrev dette verket som en feiring av den menneskelige ånds seier gjennom balansen mellom det kjødelige og det universelle. Musikken er satt til vers skrevet av goliarder fra et manuskript fra 1200-tallet funnet i 1803 i det bayerske benediktinerklosteret Boyern ( Beuern, lat. Buranum); denne samlingen er kjent som "Carmina Burana" (q.v.), oppkalt etter klosteret. Til tross for modernistiske elementer i enkelte komposisjonsteknikker, uttrykte Orff i denne trilogien middelalderens ånd med smittende rytme og enkle tonaliteter. Middelalderdikt, skrevet på tidlig tysk og latin, er ofte ikke helt anstendige, men faller ikke ned i vulgaritet.

Suksessen til «Carmina Burana» overskygget alle Orffs tidligere verk, med unntak av «Catulli Carmina» og «Entrata», som ble omskrevet i en akseptabel kvalitet fra Orffs ståsted. Fra et historisk synspunkt er nok Carmina Burana den mest kjent eksempel musikk komponert og første gang fremført i Nazi-Tyskland. Faktisk var «Carmina Burana» så populær at Orff fikk i oppdrag i Frankfurt å komponere musikken til stykket «A Midsummer Night's Dream» for å erstatte musikken til Felix Mendelssohn, som var blitt forbudt i Tyskland. Etter krigen uttalte Orff at han ikke var fornøyd med komposisjonen og reviderte den til den endelige versjonen, som først ble presentert i 1964.

Orff motsatte seg å få noen av verkene hans bare kalt opera i tradisjonell forstand. Hans verk "Der Mond" ("Månen") (1939) og "Die Kluge" ("Clever Girl") (1943), for eksempel, klassifiserte han som "Märchenoper" ("eventyroperaer"). Det særegne ved begge verkene er at de gjentar de samme rytmeløse lydene og ikke bruker noen musikalske teknikker perioden da de ble skapt, det vil si at de ikke kan bedømmes til å tilhøre noen bestemt tid. Melodier, rytmer og sammen med dem vises teksten til disse verkene bare i foreningen av ord og musikk.

Om sin opera Antigone (1949) sa Orff at det ikke var en opera, men en Vertonung, et «sett til musikk». gammel tragedie. Teksten til operaen er Friedrich Hölderlins utmerkede oversettelse til tysk av Sofokles' tragedie med samme navn. Orkestreringen er sterkt trommebasert. Den ble til og med kalt minimalistisk, noe som best beskriver den melodiske linjen. Det antas at Orff fanget historien om Antigone i sin opera, da den har en markant likhet med livshistorien til Sophie Scholl, heltinnen til Den hvite rose.

Premiere siste arbeid Orff, "De Temporum Fine Comoedia" ("The Comedy for the End of Times"), ble holdt i Salzburg musikk festival 20. august 1973 og ble henrettet Symfoniorkester Köln Radio og kor dirigert av Herbert von Karajan. I dette i høyeste grad personlig arbeid, presenterte Orff et mystisk skuespill der han oppsummerte sine syn på tidenes ende, sunget på gresk, tysk og latin.

"Musica Poetica", som Orff komponerte sammen med Gunild Ketman, ble brukt som hovedtema for Terrence Malicks film The Waste Land (1973). Hans Zimmer omarbeidet senere denne musikken for filmen " Ekte kjærlighet"(1993).

Pedagogisk arbeid

I lærerkretser er han nok mest kjent for sitt verk «Schulwerk» (1930-35). Dens enkle musikalske instrumentering tillot selv barn utrente i musikk å utføre deler av verket med relativ letthet.

Orffs ideer ble sammen med Gunild Keetman nedfelt i en innovativ tilnærming til musikktrening barn, kjent som "Orff-Schulwerk". Begrepet "Schulwerk" er et tysk ord som betyr " skolearbeid". Musikk er fundamentet og samler bevegelse, sang, skuespill og improvisasjon.

Carl Orff (tysk Carl Orff, egentlig navn Karl Heinrich Maria, Karl Heinrich Maria; 10. juli 1895, München – 29. mars 1982, ibid.) er en tysk komponist, mest kjent for kantaten «Carmina Burana» (1937). Som en stor komponist på 1900-tallet ga han også store bidrag til musikkutdanningsfeltet.

Orff ble født i München og kom fra en bayersk familie som var sterkt involvert i den tyske hærens anliggender. Farens regimentband spilte tilsynelatende ofte verk av den unge Orff.

Orff lærte å spille piano i en alder av 5. Allerede i en alder av ni skrev han lange og korte musikkstykker for sitt eget dukketeater.

Fra 1912 til 1914 studerte Orff ved Musikkakademiet i München. I 1914 fortsatte han studiene hos Hermann Siltscher. I 1916 jobbet han som dirigent ved München Kammerteater. I 1917, under første verdenskrig, meldte han seg frivillig til militærtjeneste i det første bayerske feltartilleriregimentet. I 1918 ble han invitert til stillingen som dirigent ved Nationaltheatret i Mannheim under ledelse av Wilhelm Furtwängler, og deretter begynte han å jobbe ved Palace Theatre i Storhertugdømmet Darmstadt.

I 1923 møtte han Dorothea Günther og i 1924 opprettet han sammen med henne en skole for gymnastikk, musikk og dans (Günterschule) i München. Fra 1925 til slutten av livet var Orff avdelingsleder ved denne skolen, hvor han arbeidet med aspirerende musikere. Han hadde konstant kontakt med barn og utviklet sin teori om musikkundervisning.

Selv om Orffs forbindelse (eller mangel på sådan) med nazistpartiet ikke er etablert, var hans "Carmina Burana" ganske populær i Nazi-Tyskland etter premieren i Frankfurt i 1937, og ble fremført mange ganger (selv om nazikritikere kalte den "degenerert" ” – “entartet” – antyder en sammenheng med den beryktede utstillingen “Degenerert kunst” som oppsto samtidig). Det skal bemerkes at Orff var den eneste av flere tyske komponister under naziregimet som svarte på den offisielle oppfordringen om å skrive ny musikk til Shakespeares A Midsummer Night's Dream etter at Felix Mendelssohns musikk ble forbudt – de andre nektet å delta. Men igjen, Orff jobbet med musikken til dette stykket i 1917 og 1927, lenge før den nazistiske regjeringen kom.

Orff var en nær venn av Kurt Huber, en av grunnleggerne av motstandsbevegelsen «Die Wei?e Rose» («Hvit rose»), som ble dømt til døden av Folkedomstolen og henrettet av nazistene i 1943. Etter andre verdenskrig hevdet Orff at han var medlem av bevegelsen og selv var involvert i motstanden, men det er ingen andre bevis enn hans egne ord, og ulike kilder bestrider denne påstanden. Motivet virker klart: Orffs erklæring ble akseptert av amerikanske denazifiseringsmyndigheter, slik at han kunne fortsette å komponere.

Orff er gravlagt i barokkkirken til det bryggende benediktinerklosteret Andeck Abbey sør i München.

Carl Orff ble født 10. juli 1895 i München. tysk komponist, musikkforsker, lærer.

Som barn (fra han var fem år) studerte han piano, orgel og cello. Lengre musikalsk utdanning mottatt fra Musikkhøgskolen i München; elev av A. Beer-Walbrunn, G. Zilcher (uteksaminert i 1914). Deretter (1921-1922) studerte han med den berømte polyfonisten G. Kaminsky.

Fra 1915 til 1919 dirigent i München, Mannheim, Darmstadt. I 1924 grunnla han i München sammen med D. Günther musikkskole(Günterschule), basert på hvis arbeidserfaring han bygget et system for musikalsk utdanning for barn ved bruk av bevegelse (gymnastikk, dans) og musikk, utviklet en ny type musikkinstrumenter ("Orff-instrumenter"). Resultatene av dette arbeidet presenteres i spesiell musikal lærebøker (1930-1935).

Samtidig ledet han konserter i Bach Society. Siden 1950, professor i komposisjon ved Münchens konservatorium. Medlem
Bavarian Academy of Arts, Academy of Santa Cecilia, æresdoktor i filosofi fra universitetet i Tübingen.

Orff er en utpreget humanistisk kunstner. Hovedområdet for kreativitet er musikalske og sceneverk av ulike sjangre, inkludert originale former for å kombinere resitasjon, sang, pantomime, dans og musikk som en del av scenehandling, og i konsert (kantate-oratorium) termer. Noen av dem er assosiert med bayersk folkemusikk og poesi.

"På bakgrunnen musikkliv XX århundre kunsten til K. Orff forbløffer med sin originalitet. Hvert nytt verk av komponisten ble gjenstand for kontrovers og diskusjon. Kritikere, som regel, anklaget ham for et åpent brudd med tradisjonen med tysk musikk som kommer fra R. Wagner til skolen til A. Schoenberg. Oppriktig og universell anerkjennelse av Orffs musikk viste seg imidlertid å være det beste argumentet i dialogen mellom komponist og kritiker.

...Orff ga et uvurderlig bidrag til feltet for barns musikalske utdanning. Allerede i ungdommen, i perioden da han grunnla skolen for gymnastikk, musikk og dans i München, var Orff besatt av ideen om å skape pedagogisk system. I sin kjerne kreativ metode- improvisasjon, gratis musikk som spilles av barn i kombinasjon med elementer av plastisk kunst, koreografi og teater.

* "Uansett hva barnet blir i fremtiden," sa Orff, "lærernes oppgave er å dyrke i ham kreativitet, kreativ tenkning ...

Det innpode ønsket og evnen til å skape vil påvirke ethvert område av barnets fremtidige aktivitet." Grunnlagt av Orff i 1962, ble Institute of Music Education i Salzburg det største internasjonale treningssenteret musikkpedagoger for førskoleinstitusjoner og ungdomsskoler". (http://belcanto.ru/orff.html)

«I motsetning til Stravinsky, Hindemith, Bartok, hvis arbeid er foranderlig og uforutsigbart, som et bylandskap, er Orff glatt og ren, som et ubebodd platå. Når han sammenlignes med de store i sin samtid, taper han mot noen av dem. En ting vinner imidlertid definitivt - det er den enkleste.
...I Orffs skapninger lyder ordet på gamle og moderne språk, den italienske komedien med masker, folkefarse, mystikk og farse, vaganter og minnesangere, Sofokles og Aiskylos kommer til liv.
...Orff var den første som førte musikkens språk mot en avgjørende og bevisst forenkling – og hans enkelhet kan ikke nektes ekte sofistikering.
Fundamental homofoni, ostinato formler - med fullstendig likegyldighet til polyfoni og tematisk utvikling, en smak for eldgamle former for sang, gregoriansk eller bysantinsk, folkedans rytmisk energi, en kombinasjon av fargerikhet og askese i orkesteret, som melodiøse strenger gradvis ble fjernet fra, men antallet pianoer og slaginstrumenter av multinasjonal opprinnelse økte.
Orff legemliggjorde verden av legender og myter, flerfarget, flerspråklig, noen ganger forferdelig. Moderniteten i kunsten fylte ham med avsky.
... (På 1960-tallet) ... viste det seg at modellene Orff fant passer for nesten alle nasjonal kultur som bestemte seg for å lete etter inspirasjon i nærheten av hennes opprinnelse. «Kursk Songs» av Georgy Sviridov,...* eller «Creole Mess» av Ariel Ramirez er bare tilfeldige eksempler på dette...")

Orff ble født i München og kom fra en bayersk offisersfamilie som tok stor del i den tyske hærens anliggender og hvor musikken stadig fulgte livet hjemme.

Orff lærte å spille piano i en alder av 5. Allerede i en alder av ni skrev han lange og korte musikkstykker for sitt eget dukketeater.

I 1912–1914 studerte Orff ved Musikkakademiet i München. I 1914 fortsatte han studiene hos Hermann Siltscher. I 1916 jobbet han som dirigent ved München Kammerteater. I 1917, under første verdenskrig, meldte han seg frivillig til militærtjeneste i det første bayerske feltartilleriregimentet. I 1918 ble han invitert til stillingen som dirigent ved Nationaltheatret i Mannheim under ledelse av Wilhelm Furtwängler, og deretter begynte han å jobbe ved Palace Theatre i Storhertugdømmet Darmstadt. I denne perioden er det tidlige arbeider komponist, men de er allerede gjennomsyret av ånden til kreativ eksperimentering, ønsket om å kombinere flere ulike kunster i regi av musikk. Orff skaffer seg ikke umiddelbart signaturen hans. Som mange unge komponister går han gjennom år med søken og lidenskap: deretter moteriktig litterær symbolikk, verkene til C. Monteverdi, G. Schutz, J.S. Bach, den fantastiske verden av luttmusikk på 1500-tallet.

Komponisten viser en uuttømmelig nysgjerrighet på bokstavelig talt alle aspekter av samtiden kunstnerisk liv. Hans interesser inkluderer dramatiske teatre, mangfoldig musikalsk liv, gammel bayersk folklore og nasjonale instrumenter til folkene i Asia og Afrika.

I 1920 giftet Orff seg med Alice Solscher, et år senere ble hans eneste barn, datteren Godela, født, og i 1925 ble han skilt fra Alice.

Orff brakte virkelig suksess og anerkjennelse til premieren på scenekantaten Carmina Burana (1937), som senere ble den første delen av Triumphs triptyk. Dette verket for kor, solister, dansere og orkester var basert på dikt til sanger fra en samling av dagligdagse tyske tekster fra 1200-tallet. Med utgangspunkt i denne kantaten utviklet Orff vedvarende en ny syntetisk type musikalsk og sceneopptreden, som kombinerte elementer fra oratorium, opera og ballett, dramatisk teater og middelaldermysterier, gatekarnevalforestillinger og italiensk maskekomedie. Akkurat slik ble de neste delene av triptyken «Catulli Carmina» (1942) og «Aphrodites triumf» (1950–51) løst.

Sjangeren scenekantate ble en scene på komponistens vei til å skape innovative teaterformer og musikalsk språk operaene «Moon» (basert på eventyrene til brødrene Grimm, 1937–38) og «Clever Girl» (1941–42, en satire over det diktatoriske regimet i «Det tredje riket»). Under andre verdenskrig trakk Orff seg, som de fleste tyske artister, fra offentlig og kulturliv land. En særegen reaksjon på tragiske hendelser krig var operaen «Bernauerin» (1943–45). Toppene av komponistens musikalske og dramatiske kreativitet inkluderer også: "Antigone" (1947–49), "Oedipus the King" (1957–59), "Prometheus" (1963–65), som danner en slags eldgammel trilogi, og " The Mystery of the End of Time» (1972). Det siste essayet Orffs «Speler» for leser, talekor og perkusjon på dikt av B. Brecht (1975).

Den spesielle figurative verdenen til Orffs musikk, hans appell til gamle, eventyrlige plott og det arkaiske - alt dette var ikke bare en manifestasjon av tidens kunstneriske og estetiske trender. Bevegelsen "tilbake til forfedrene" vitner først og fremst om komponistens svært humanistiske idealer. Orff anså at målet hans var å skape et universelt teater som var forståelig for alle i alle land. "Det er derfor," understreket komponisten, "jeg valgte evige temaer, forståelige i alle deler av verden... Jeg ønsker å trenge dypere inn, for å gjenoppdage de evige kunstens sannheter som nå er glemt."

Komponistens musikalske og sceniske verk utgjør «Orff Theatre» i sin enhet – et unikt fenomen i det 20. århundres musikalske kultur. "Dette er et totalt teater," skrev E. Doflein. – «Det uttrykker på en spesiell måte historiens enhet Europeisk teater- fra grekerne, fra Terence, fra barokkdrama opp til operaen i moderne tid.» Orff nærmet seg hvert verk på en helt original måte, uten å begrense seg av verken sjanger eller stilistiske tradisjoner. Orffs fantastiske kreative frihet skyldes først og fremst omfanget av hans talent og det høyeste nivået komponistteknikk. I musikken til komposisjonene hans oppnår komponisten ekstrem uttrykksevne, tilsynelatende mest med enkle midler. Og bare en nærstudie av partiturene hans avslører hvor uvanlig, kompleks, raffinert og samtidig perfekt teknologien til denne enkelheten er.

Orffs enestående prestasjoner innen musikalsk kunst har vunnet verdensomspennende anerkjennelse. Han ble valgt til medlem av det bayerske kunstakademiet (1950), akademiet Santa Cecilia i Roma (1957) og andre autoritative musikalske organisasjoner i verden. I i fjor life (1975–81), var komponisten travelt opptatt med å utarbeide en åttebinds utgave av materialer fra sitt eget arkiv.

Orff er gravlagt i barokkkirken til det bryggende benediktinerklosteret Andeck Abbey sør i München.

Pedagogisk aspekt

"Gjødsel beriker jorden og lar korn spire, og på samme måte vekker musikk i et barn krefter og evner som ellers aldri ville ha blomstret," sa Carl Orff.

Orff ga et uvurderlig bidrag til feltet for barns musikalske utdanning. Allerede i ungdommen, da han grunnla en skole for gymnastikk, musikk og dans i München, var Orff besatt av ideen om å skape et pedagogisk system. Hennes kreative metode er basert på improvisasjon, fri musikk-spilling av barn kombinert med elementer av plastisk kunst, koreografi og teater. "Uansett hva barnet blir i fremtiden," sa Orff, "er oppgaven til lærere å dyrke kreativitet, kreativ tenkning i ham ... Det innpode ønsket og evnen til å skape vil påvirke ethvert område av barnets fremtidige aktivitet." Grunnlagt av Orff i 1962, har Institute of Music Education i Salzburg blitt det største internasjonale senteret for opplæring av musikkpedagoger for førskoleinstitusjoner og ungdomsskoler.

Carl Orff skapte sitt system for musikalsk utdanning, og tok i betraktning erfaringen til sine forgjengerlærere: dette er N. Pestolozzi - Hans Negel, en sveitsisk praktisk lærer som beviste at grunnlaget musikalsk utvikling utdannelsen av det rytmiske prinsippet må fastsettes; Johann Gottfried Herder, som hevdet at musikk, ord og gester i deres innbyrdes forhold avslører ny måte Til kunstnerisk kreativitet; Emile Jean Dalkoz, som skapte et system for musikalsk og rytmisk utdanning; Bela Bartok tok et nytt blikk på folklore, folkelige moduser og rytmer av alt dette i barnas musikalsk utdanning.

Ideen til K. Orff er at grunnlaget for utdanning er "prinsippet om aktiv musikkskaping" og "læring i aksjon", ifølge lærer-musikeren trenger barn sin egen musikk, spesielt designet for å spille musikk kl. den innledende fasen, den innledende musikalske utdanningen bør være fullført positive følelser og en gledelig følelse av spillet. Omfattende opplæring Musikk i klasserommet gir barna gode muligheter for kreativ utvikling av sine evner. K. Orff mener at det viktigste er atmosfæren i timen: barnas entusiasme, deres indre komfort, det som gjør at vi kan snakke om barnas ønske om å uttrykke seg i musikktimen som en aktiv deltaker.

Progressive ideer til Karl Orff:

generell musikalsk og kreativ utvikling;

· barns musikalsk kreativitet som en metode for aktiv musikalsk utvikling og dannelse kreativ personlighet;

· kobling av barns musikalske kreativitet med improvisasjonstradisjoner for folkemusikk

Hovedprinsippene for metodikken:

1. Barns uavhengige komposisjon av musikk og akkompagnement til bevegelse, i hvert fall i den mest beskjedne form.

2. Å lære barn å spille enkle musikkinstrumenter, som ikke krever mye arbeid og gir en følelse av glede og suksess. For dette formål kom Orff med noen enkle verktøy og brukte eksisterende. Hovedinstrumentet til barnet er seg selv: hender og føtter. Barnet prøver fritt å klappe, trampe, klikke, slå osv.

3. Teamarbeid av barneaktiviteter yngre alder. Minimumsgruppen består av to deltakere, som hver får lik deltagelse i gjengivelsen eller improvisasjonen av stykket. Maksimalt antall gruppemedlemmer er praktisk talt ubegrenset, dvs. For slik musikkproduksjon er overfylte skoleklasser ikke et hinder.

4. Gi barna en viss frihet i klasserommet: muligheten til å klappe, trampe, bevege seg.

5. Vær oppmerksom på dirigering fra de første dagene, slik at hver elev kan kontrollere prestasjonen.

6. Arbeid med ord, rytmisering av tekster der talegrunnlaget er navn, tellerim, enkle barnesanger. I tillegg til musikalske mål, dyrkes en underbevisst følelse av harmoni og harmoni av morsmål og språk. Dette er grunnlaget for oppfatningen av poesi og, bredere, litteratur generelt.

7. Elevens forståelse ved improvisasjon av betydningen av intonasjoner når han velger den mest nøyaktige for en gitt kontekst. Fra intonasjon oppstår en modal struktur og deretter en overgang til en fem-trinns skala.

8. Spille musikk innenfor en fem-trinns skala for minst ett skoleår, og kanskje lenger. Studentens organiske eksistens i femtrinnsskalaen sikrer en smidig inntreden i syvtrinnsskalaen

Essensen av Orff-systemet:

Utvikling av en fri, uhemmet oppfatning og holdning til musikalsk kunst. Etter å ha gått gjennom sin egen kreativitet, etter å ha lært lovene for elementær musikk, kan man anta at lytteren vil være forberedt på å kommunisere med musikalsk kultur generelt, hvor han vil gå inn som en integrert del av det.

Dette er til en viss grad et spill, men det er også arbeid, så en innpodet arbeidslyst, et utdannet behov for egen kreativitet vil da overføres til bredere virksomhetsområder. Derfor er "Schulwerk" et system for helhetlig musikalsk og estetisk utdanning.

De pedagogiske testene til K. Orff førte til opprettelsen av "Schulwerk" - en manual om musikalsk utdanning av barn. "Schulwerk" er modellspill skapt av talentet til en stor mester basert på folkemateriale og designet for å stimulere den musikalske kreativiteten til barn, begavede og mindre kapable, til å bringe liv til barns musikkskaping, først og fremst kollektivt.

I i en viss forstand dette gjør «Schulwerk» lik folkemusikkskaping, hvis deltakere ofte fortsetter å skape kollektivt på grunnlag av det som allerede er skapt og bringe noe eget til den etablerte. Hovedformålet med Schulwerk er i utgangspunktet å introdusere alle barn for musikk, uavhengig av deres talenter.

Forsøk på å lage "Schulwerk" begynte på midten av 20-tallet under storhetstiden til tysk musikalsk og pedagogisk tankegang. I en atmosfære av reformer og etterspørsel ble den første versjonen av Schulwerk opprettet i 1931, men snart, som K. Orff sa, «vasket den politiske bølgen bort ideene utviklet i Schulwerk som uønskede. Nesten to tiår senere dukket den andre versjonen av "Schulwerk" opp. Og hvis betydningen av det første konseptet kan karakteriseres av ordene: "Fra bevegelse - musikk, fra musikk - dans," så i "Schulwerk" på 50-tallet, stoler Carl Orff, også basert på rytme, ikke bare på grunnlaget av bevegelse og å spille musikkinstrumenter, men først og fremst på tale, musikalsk resitasjon og sang. Ordet er elementet av tale og poesi, ordet som sang er født av; hans metrisk struktur og legger nå spesiell vekt på lyden. Og, selvfølgelig, ikke bare et enkelt ord, men rim, ordtak, ordtak, barnas teaser, tellerim, etc.

Innspilte Schulwerka-stykker kan ikke betraktes som kunstverk beregnet på konsertfremføring. Dette er modeller for å spille musikk og lære stilen til elementær improvisasjon. De ble spilt inn av Orff for å sette fart i lærerens fantasi til å "variere lydklærne" og kle de innspilte skuespillene i nye antrekk, for kreativt, improvisasjonsarbeid med modellen. De musikalske notene til partiturene i Schulwerk fungerer som en guide for læreren, og ikke som noter for barn å fremføre. Opptaket av «Schulwerk»-modellene viser kun «måten å gjøre» på, som læreren inviteres til å studere fra opptaket og deretter tolke sammen med barna. Elementær musikk er ikke ment for reproduksjon, men for kreativ selvutfoldelse barn.

Orff var imot den tidlige begrensning av et barns musikalske øre til klassisk musikk og dur-moll harmoni. Han anså dette som uberettiget og søkte i «Schulwerka» å skape forutsetninger for at barn i fremtiden kunne oppfatte multinasjonal musikk, både fortid og nåtid. Dette var Orffs hovedanliggende: å dyrke et øre og en smak som var "åpen for verden", og ikke å begrense barnet til sirkelen av europeisk kultur. musikalske klassikere 1700-1800-tallet.

Carl Orff var overbevist om at barn trenger sine egne spesiell musikk, spesielt designet for å spille musikk på det innledende stadiet. Den skal være tilgjengelig for å oppleve barndom og samsvarer med barnets psyke. Dette er ikke ren musikk, men musikk. uløselig knyttet til tale og bevegelse: syng og dans på samme tid, rop ut en erting og jingle noe.

Å veksle mellom å snakke og synge er like naturlig for barn som å bare leke. Alle mennesker i verden har slik musikk. Barnas elementære musikk av enhver nasjon er genetisk uatskillelig knyttet til tale og bevegelse. Orff kalte det elementær musikk og gjorde det til grunnlaget for hans Schulwerk.

Orff i «Schulwerk» ser ut til å vende seg til den tiden musikk eksisterte i enhet med ord og bevegelse. Dette er et forsøk på å vende tilbake til den harmoniske syntesen av tale og bevegelse som musikkens viktigste grunnleggende prinsipper, til dens rotkilder. Men Orff var selvfølgelig ikke interessert i den historiske gjenopprettelsen av en lenge glemt fortid, men i nye tilnærminger til musikalsk utdanning som ville ta hensyn til barns interesser, evner og behov. Han foreslår å se på musikalsk utdanning bredere enn bare den tradisjonelle introduksjonen av barn til å fremføre og lytte til musikk fra den profesjonelle tradisjonen. Barn skal ikke bare lytte og spille musikk komponert av andre, men også først og fremst lage og fremføre sin egen barnemusikk. Det er derfor Orffs antologi heter «Schulwerk. Musikk for barn

Carl Orff lager et spesielt sett med instrumenter for musikalsk utdanning av barn, det såkalte "Orff-settet". I «Shelverka» legger man umiddelbart merke til et stort antall rytmiske og taleøvelser for nye instrumenter som man ikke fant i praksis på 20-tallet. Dette er xylofoner, bjeller og metallofoner som allerede har blitt kjent for oss, og danner det viktigste melodiske instrumentet, blokkfløyter, pauker og andre instrumenter. Alle disse instrumentene kalles vanligvis perkusjonsinstrumenter (basert på måten de spilles på). De er delt inn i melodisk (lyd-pitch): xylofoner, metallofoner og støy av forskjellige typer.

Mangfoldet av støykoloristiske instrumenter som brukes i Orff-timer er vanskelig å liste opp: trekanter, bjeller og bjeller, armbånd med bjeller, fingercymbaler, tamburiner og tamburiner, trebokser, håndtrommer og bongoer, pauker, håndcymbaler og mange andre varianter av dem, tilgjengelig i overflod blant alle nasjoner.

Den fortryllende, fortryllende skjønnheten til lyden av Orfrv-instrumenter er attraktiv for barn, noe som lar læreren, fra den første leksjonen, trekke oppmerksomheten deres til mangfoldet i lydverdenen: lyst og kjedelig, gjennomsiktig og fløyelsaktig, knasende. Tross alt bør kjennskap til ulike lyder være et barns første skritt inn i musikkens verden.

Barns interesse for Orff-instrumenter er uuttømmelig. De vil alltid spille dem. Det hemmende og stimulerende orkesteret til disse instrumentene er uforlignelig i musikkpedagogikk. Den tekniske enkle å spille, instrumentenes evne til å umiddelbart reagere på berøring med fantastiske lyder, tiltrekker og oppmuntrer barn til å leke med dem og videre - praktiske improvisasjoner. Barn tiltrekkes ikke bare av lyden og utseendet til instrumenter, men også av det faktum at de selv kan trekke ut slike vakre lyder fra dem. Ved hjelp av disse instrumentene kan kreativ musikkskaping realiseres med grupper på alle nivåer av begavelse, og forholdet mellom elementær musikk og bevegelse kan oppnås. Et sett med Orff-instrumenter lar enhver gruppe barn spille i et ensemble, uavhengig av deres talenter, fordi alle i den kan få en oppgave som svarer til hans evner. Orffs instrumentering lar alle spille musikk. Dette er hans viktigste pedagogiske prestasjon.

Spesiell, veldig viktig oppmerksomhet til Orffs konsept er gitt til å spille musikk med akkompagnement av "klingende gester." Lydende bevegelser er å leke med lydene fra kroppen din: klapping, klapsing i hoftene, klapp på brystet, tramping med føtter, knipsing med fingrene. Ideen om å bruke i elementær musikkproduksjon de instrumentene som er gitt til mennesket av naturen selv, ble lånt av Orff fra ikke-europeiske folk og utmerker seg ved dens universalitet, som er viktig for massepedagogikk. Å synge og danse med akkompagnement av klingende gester lar deg organisere elementær musikkskaping under alle forhold, i fravær av andre instrumenter. De fire hovedklangene er fire naturlige instrumenter: tramp, klaps, klapp, klikk.

Orffs ekstremt utviklede og oppfinnsomt brukte system av klangrytmisk persepsjon basert på klingende gester gjør det mulig å lage ikke bare akkompagnement, men også hele komposisjoner i henhold til alle musikkens strenge lover. Lydende gester er ikke bare bærere av visse klangfarger - bruken av dem introduserer bevegelse i barnas mestring av rytme. Dette er et viktig metodisk poeng, fordi rytme realiseres og mestres kun i bevegelse. Å pleie en følelse av rytme og klanghørsel, utvikle koordinasjon og reaksjoner ved å bruke lydbevegelser er svært effektive.

Praktisk del

I løpet av timene bruker de teknikkene og metodene for å jobbe med barn foreslått av K. Orff og hans tilhengere. Selvfølgelig hjelper denne retningen i den praktiske implementeringen av det generelle konseptet for musikalsk utdanning av D.B. Kabalevsky, og siden hovedretningen i K. Orffs teknologi er spillmodeller av klasser, er de mest akseptable i grunnskole. Ved å mestre musikkens språk, lære uttrykksmidlene fra leksjon til leksjon og bruke dem i sin utøvende praksis, er barn involvert i å skape musikk med både sinn og følelser. Ferdigheter, kunnskaper og evner tilegnes i prosessen med forskjellige aktiviteter, typene som inkluderer følgende:

Synger og beveger seg til musikk

· taleresitasjon og rytmiske øvelser

· beherske musikkteori i utøvende praksis og modellering uttrykksmiddel

· teatralisering som en kombinasjon av intonasjon, rytmisk, motorisk inn

· musikalsk utdanning

· lytte til musikk med gradvis utvikling av en verdiholdning

· spille grunnleggende barnemusikkinstrumenter

Barn i barnehagegruppen mestrer musikkinstrumentene til Carl Orff bokstavelig talt fra første undervisningsdag. De har samme navn som vanlige: xylofoner, metallofoner, etc., men er merkbart forskjellige fra dem. Carl Orff tilpasset instrumentene sine spesielt for barn. For eksempel, på hans xylofon er boksen som nøklene er plassert på større; den fungerer som en resonator, og takket være dette høres instrumentet dypere og mer utvidet ut. Dette gir den en fantastisk funksjon: Lyden av xylofonen overdøver ikke utøverens stemme. Mens barnet spiller, hører barnet seg selv. Et annet høydepunkt ved Orff-xylofoner er de flyttbare tastene. Du kan bare beholde de som er inne dette øyeblikket barnet trenger å mestre. Du kan spille Orff-instrumenter med et to år gammelt barn - det finnes små xylofoner og metallofoner spesielt for denne alderen.

Barn mestrer gradvis musikkteori, fra første dag spiller i et slags orkester. Ikke bare Orff-instrumenter brukes, men også en hel spredning av støyinstrumenter- rangler, maracas, bjeller, bjeller, hjemmelagde rangler. Dette gjør at hvert barn, uavhengig av evnenivå, kan finne sin plass i ensemblet. Klarer han ikke melodien som skal spilles, tilbys han et annet instrument. Etter en tid spiller alle barn, uavhengig av evner, blokkfløyter eller xylofoner. Og på individuelle leksjoner De kan velge å lære piano, gitar eller fløyte.

For å utvikle seg i hvert barn øre for musikk og de evnene som absolutt alle har i en eller annen grad, må barnet få mulighet til å være en aktiv arbeidstaker. Klassiske metoder for å lære musikk i barnehager er ofte kjedelige. Læreren spiller piano, og barna sitter og lytter uten å bevege seg. Hvis du allerede i den første timen gir barna instrumenter i hendene og ber dem slå takten, blir effekten mye større. Det er nettopp dette lærere som jobber etter Orff-metoden gjør. De er sikre: jo flere forskjellige instrumenter, selv om hjemmelaget, tilby det til barn, så mye desto bedre. Be for eksempel et to år gammelt barn ta opp en plastflaske fylt med frokostblanding og vise hvordan en mus løper. Eller bruk to trepinner for å skildre hvordan en geit hopper. Til og med bare å riste maracas til musikken, holde takten i takt - det vil ikke være noen grense for gleden din! Det ser ut til at babyen leker: rasler, banker og ingenting mer. Men faktisk utvikler han en følelse av rytme, en følelse av meter, en følelse av dynamikk, med et ord, hans naturlige musikalitet.

Lyd eventyr

Som du vet, har hver person hørsel. Men hvis den ikke utvikles, blekner denne evnen med årene. Enhver mor kan studere hjemme med babyen sin. Du har sikkert lagt merke til hvordan ett år gamle babyer elsker å slå en tallerken eller et bord med en skje. Gjør denne kjærligheten til et spennende spill. For å gjøre dette trenger du bare å la babyen få vite at det er noe bak hver lyd. Å spille et instrument er et vanlig språk som du må lære å forstå. Kom med en lydhistorie med oversettelse. Lag først lyden og forklar deretter hva den betyr. Og så vil det å trykke på xylofontasten bli til en stjernes fall, og bankingen av stokkene på trommelen vil bli til klirringen av hovene til små geiter som løper til moren deres. Prøv å snakke med babyen din på verktøyets språk. Du trenger ikke å si et eneste ord, bare "si" noe til barnet med en tamburin eller xylofon, og la det "svare" ved hjelp av instrumentet sitt. Og så be dem fortelle deg hva "samtalen" handlet om. Godta hvilken som helst versjon av den - babyen vil lære å lytte. La dette bare være en innledende idé om musikkens muligheter. Senere vil fantasien hans fortelle ham hva de store komponistene ønsket å fortelle oss med musikken sin.

Beskrivelse kreative verk

På piano eller en annen tonehøyde musikk Instrument Vi spiller høy, lav og middels tonehøyde lyder. Vi setter oppgaven for barna: å plassere prikkene riktig på et blankt ark. Hvis lyden er høy, så øverst, og hvis den er lav, så nederst på arket osv. Deretter inviterer vi barna til å sirkle rundt prikkene med en farget strek. Alle lykkes annet mønster. Vi får kontaktpunkter mellom musikk og maleri.

Hvor rullet bollen?

Fuglekor

Et spill som ligner det forrige.

Lære å lytte til klassikere

Alle vet hva de skal lytte til klassisk musikk må være i absolutt stillhet. Til å begynne med må barnet "spille" det valgte musikkstykket. La ham spille med på melodien på et hvilket som helst instrument. Spør ham hvordan han føler å lytte til det. Be ham danse fantasien sin til dette stykket. Nå som barnet har "undersøkt" det med kroppen, funnet det i seg selv ved hjelp av fantasi og følelser, kan vi snakke om hvordan de hører på musikk i konsertsaler. På din forespørsel vil babyen sitte stille, og du inviterer ham til å spille en gjettelek. Be ham navngi kjent melodi blant ukjente passasjer. Se hvor glad han blir når han hører «hans». Nå er han klar for å høre på musikk. Dette vil være en sann glede for ham, fordi han har mange positive følelser knyttet til dette stykket.

Øvelser for å jobbe i timene (1–3 klassetrinn)

Relatert informasjon.

Populært i kategorien: