Problemet med å skape en ideell by. Ideell by
Renessansen er en av de viktigste periodene i kulturell utvikling av menneskeheten, for det var på denne tiden at grunnlaget for fundamentalt ny kultur, oppstår et vell av ideer, tanker, symboler som vil bli aktivt brukt av påfølgende generasjoner. På 1400-tallet I Italia fødes et nytt bilde av byen, som utvikles mer som et prosjekt, en fremtidsmodell, enn en ekte arkitektonisk legemliggjøring. Selvfølgelig, i renessansens Italia gjorde de mye forbedring av byer: de rettet opp gater, jevnet fasader, brukte mye penger på å lage fortau osv. Arkitekter bygde også nye hus, passet dem inn i tomme rom, eller i sjeldne tilfeller , reiste dem i stedet for å rive gamle bygninger Generelt forble den italienske byen i realiteten middelalder i sitt arkitektoniske landskap. Dette var ikke en periode med aktiv byutvikling, men det var på denne tiden byspørsmål begynte å bli anerkjent som et av de viktigste områdene innen kulturbygging. Mange interessante avhandlinger har dukket opp om hva en by er, ikke bare som et politisk, men også som et sosiokulturelt fenomen. Hvordan fremstår en ny by, forskjellig fra den middelalderske, i øynene til renessansehumanistene?
I alle deres byplanleggingsmodeller, prosjekter og utopier ble byen først og fremst frigjort fra sin hellige prototype - det himmelske Jerusalem, arken, som symboliserer menneskets frelse. Under renessansen oppsto ideen ideell by, som ble skapt ikke i henhold til den guddommelige prototypen, men som et resultat av individuelle kreativ aktivitet arkitekt. Den berømte L. B. Alberti, forfatter av klassikeren "Ti bøker om arkitektur", hevdet at originale arkitektoniske ideer ofte kommer til ham om natten, når oppmerksomheten hans blir distrahert og han har drømmer der ting dukker opp som ikke avslører seg selv når han er våken. Denne sekulariserte beskrivelsen av den kreative prosessen er ganske forskjellig fra klassiske kristne visjonshandlinger.
Den nye byen fremsto i verkene til italienske humanister som ikke korresponderende med himmelske, men til jordiske regler i sine sosiale, politiske, kulturelle og hverdagslige formål. Den ble bygget ikke etter prinsippet om hellig-romlig sammentrekning, men på grunnlag av en funksjonell, fullstendig sekulær romlig distinksjon, og ble delt inn i rom med torg og gater, som var gruppert rundt viktige bolig- eller offentlige bygninger. En slik rekonstruksjon, selv om den faktisk ble utført til en viss grad, for eksempel i Firenze, ble i større grad realisert i kunsten, i konstruksjonen av renessansemalerier og i arkitektoniske prosjekter. Renessansebyen symboliserte menneskets seier over naturen, den optimistiske troen på at "separasjonen" av menneskelig sivilisasjon fra naturen til dens nye menneskeskapte verden hadde rimelige, harmoniske og vakre grunner.
Renessansemennesket er en prototype på sivilisasjonen av å erobre verdensrommet, som med egne hender fullførte det som var uferdig av skaperen. Det er grunnen til at arkitekter, når de planla byer, var opptatt av å lage vakre prosjekter, basert på den estetiske betydningen av ulike kombinasjoner av geometriske former, der det var nødvendig å plassere alle bygningene som var nødvendige for livet til bysamfunnet. Utilitariske betraktninger falt i bakgrunnen, og arkitektoniske fantasiers frie estetiske spill underkuet bevisstheten til datidens byplanleggere. Ideen om fri kreativitet som grunnlag for eksistensen til et individ er et av de viktigste kulturelle imperativene i renessansen. Arkitektonisk kreativitet i dette tilfellet legemliggjorde også denne ideen, som ble uttrykt i opprettelsen av byggeprosjekter som var mer som en slags intrikate dekorative fantasier. I praksis ble disse ideene først og fremst realisert i etableringen av forskjellige typer steinbelegg, som ble dekket med plater av riktig form. Dette var de viktigste nyvinningene som byfolk var stolte av, og kalte dem «diamant».
Byen ble opprinnelig tenkt som et kunstig verk, i motsetning til naturverdenens naturlighet, fordi den, i motsetning til den middelalderske, underkuet og mestret boarealet, og passet ikke bare inn i terrenget. Derfor hadde de ideelle byene i renessansen strenge geometrisk form i form av et kvadrat, kors eller åttekant. Som I. E. Danilova treffende sa det, ble datidens arkitektoniske prosjekter så å si lagt over terrenget ovenfra som et stempel på dominansen til det menneskelige sinnet, som alt er underlagt. I den moderne tid søkte mennesket å gjøre verden forutsigbar, rimelig og kvitte seg med det uforståelige sjanse- eller lykkespillet. Derfor hevdet L. B. Alberti i sitt arbeid "On the Family" at fornuften spiller en mye større rolle i sivile saker og i menneskelivet enn formue. Den berømte teoretikeren for arkitektur og byplanlegging snakket om behovet for å teste og erobre verden, og utvidet reglene for anvendt matematikk og geometri til den. Fra dette synspunktet representerte renessansebyen den høyeste formen for erobring av verden og rommet, for byplanleggingsprosjekter innebar omorganisering av det naturlige landskapet som et resultat av påføringen av et geometrisk rutenett av avgrensede rom på den. Den, i motsetning til middelalderen, var en åpen modell, hvis sentrum ikke var katedralen, men torgets frirom, som åpnet seg på alle kanter med gater, med utsikt i det fjerne, utover bymurene.
Moderne eksperter innen kultur er mer og mer oppmerksomme på problemene med romlig organisering av renessansebyer, spesielt temaet bytorget, dets opprinnelse og semantikk diskuteres aktivt på ulike typer internasjonale symposier. R. Barth skrev: «Byen er et stoff som ikke består av ekvivalente elementer der deres funksjoner kan listes opp, men av elementer, betydelige og ubetydelige... Dessuten må jeg merke meg at alle høyere verdi de begynner å gi mening til tomhet i stedet for tomhet for å være meningsfylt. Med andre ord, elementer blir stadig viktigere, ikke i seg selv, men avhengig av deres plassering.
Middelalderbyen, dens bygninger, kirken legemliggjorde fenomenet lukkethet, behovet for å overvinne en fysisk eller åndelig barriere, det være seg en katedral eller et palass som ligner på en liten festning, dette er spesielt, atskilt fra verden utenfor rom. Penetrasjon der har alltid symbolisert å bli kjent med en skjult hemmelighet. Plassen var et symbol på en helt annen epoke: den legemliggjorde ideen om åpenhet ikke bare oppover, men også til sidene, gjennom gater, smug, vinduer osv. Folk kom alltid inn på torget fra et lukket rom. Ethvert område skapte derimot følelsen av et øyeblikkelig åpent og åpent rom. Bytorg så ut til å symbolisere selve prosessen med frigjøring fra mystiske hemmeligheter og legemliggjorde et åpent avsakralisert rom. L. B. Alberti skrev at den viktigste dekorasjonen av byer ble gitt ved posisjon, retning, korrespondanse og plassering av gater og torg.
Disse ideene ble støttet av den virkelige praksisen i kampen for frigjøring av byrom fra kontrollen av individuelle familieklaner, som fant sted i Firenze på 1300- og 1400-tallet. I løpet av denne perioden tegnet F. Brunelleschi tre nye torg i byen. Gravsteiner til forskjellige adelige personer blir fjernet fra torgene, og markeder gjenoppbygges deretter. Ideen om åpenhet i rommet er legemliggjort av L. B. Alberti i forhold til vegger. Han anbefaler å bruke søyleganger så ofte som mulig for å fremheve det konvensjonelle ved vegger som noe som er en hindring. Derfor oppfattes Albertis bue som det motsatte av en låst byport. Buen er alltid åpen, den fungerer som en ramme for åpningsutsiktene og forbinder dermed byrommet.
Renessanseurbanisering innebærer ikke lukkethet og isolasjon av byrommet, men tvert imot spredning utenfor byen. Den aggressive offensive patosen til "erobreren av naturen" demonstreres av prosjektene til Francesco di Giorgio Martini. Yu. M. Lotman skrev om denne romlige impulsen, karakteristisk for hans avhandlinger. Martini-festninger har i de fleste tilfeller form som en stjerne, som er blusset i alle retninger ved hjørnene på veggene med bastioner som er sterkt utvidet utover. Denne arkitektoniske løsningen skyldtes i stor grad oppfinnelsen av kanonkulen. Kanonene, som ble installert på bastioner strukket langt ut i verdensrommet, gjorde det mulig å aktivt motvirke fiender, treffe dem på stor avstand og hindre dem i å nå hovedveggene.
Leonardo Bruni, i sine rosende verk dedikert til Firenze, fremstår for oss snarere enn en ekte by, men en legemliggjort sosiokulturell doktrine, for han prøver å "korrigere" den urbane utformingen og beskrive plasseringen av bygninger på en ny måte. Som et resultat dukker Palazzo Signoria opp i sentrum av byen, som, som et symbol på bymakt, divergerer bredere enn i virkeligheten ringer av murer, festningsverk osv. I denne beskrivelsen beveger Bruni seg bort fra den lukkede modellen av middelalderbyen og prøver å legemliggjøre ny idé ideen om byutvidelse, som er et slags symbol på den nye tiden. Firenze griper land i nærheten og legger under seg store territorier.
Dermed den ideelle byen på 1400-tallet. er ikke unnfanget i en vertikal sakralisert projeksjon, men i et horisontalt sosiokulturelt rom, som ikke forstås som en frelsesfære, men som et behagelig bomiljø. Det er derfor den ideelle byen er avbildet av kunstnere fra 1400-tallet. ikke som et fjernt mål, men innenfra, som en vakker og harmonisk sfære av menneskelivet.
Imidlertid er det nødvendig å merke seg visse motsetninger som opprinnelig var til stede i bildet av renessansebyen. Til tross for at det i løpet av denne perioden dukket opp praktfulle og komfortable boliger av en ny type, skapt først og fremst "for folkets skyld", begynte selve byen allerede å bli oppfattet som et steinbur som ikke tillot utviklingen av en fri, kreativ menneskelig personlighet. Et urbant landskap kan oppfattes som noe som strider mot naturen, og som kjent er det naturen (både menneskelig og ikke-menneskelig) som er gjenstand for estetisk beundring av datidens kunstnere, poeter og tenkere.
Begynnelsen på urbaniseringen av det sosiokulturelle rommet, selv i dets primære, rudimentære og entusiastisk oppfattede former, vekket allerede en følelse av ontologisk ensomhet, forlatthet i den nye, "horisontale" verdenen. I fremtiden vil denne dualiteten utvikle seg, og bli en akutt motsetning i den moderne tids kulturelle bevissthet og føre til fremveksten av utopiske anti-urbane scenarier.
Vi har den største informasjonsdatabasen i RuNet, så du kan alltid finne lignende spørsmål
Dette emnet tilhører seksjonen:
Kulturelle studier
Teori om kultur. Kulturologi i systemet for sosio-humanitær kunnskap. Vår tids grunnleggende kulturteorier og skoler. Kulturens dynamikk. Kulturhistorie. Antikkens sivilisasjon - vuggen Europeisk kultur. Kultur Europeisk middelalder. Faktiske problemer moderne kultur. Kulturens nasjonale ansikter i en globaliserende verden. Språk og kulturelle koder.
Dette materialet inkluderer seksjoner:
Kultur som betingelse for samfunnets eksistens og utvikling
Kulturologi som selvstendig kunnskapsfelt
Begreper om kulturstudier, dens objekt, emne, oppgaver
Struktur av kulturell kunnskap
Metoder for kulturstudier
Det historiske og logiskes enhet i kulturforståelsen
Gamle ideer om kultur
Forstå kultur i middelalderen
Forstå kultur i europeisk filosofi i moderne tid
Generelle kjennetegn ved kulturstudier på 1900-tallet.
Kulturologisk konsept av O. Spengler
Integrasjonsteori om kultur av P. Sorokin
Psykoanalytiske kulturbegreper
Grunnleggende tilnærminger til å analysere essensen av kultur
Morfologi av kultur
Kulturens normer og verdier
Kulturens funksjoner
Renessansekunst i Italia (XIII-XVI århundrer).
I SAMLING AV SIDEN BRUKER MATERIALER FRA RESURSE http://artclassic.edu.ru
Funksjoner ved renessansekunst i Italia.
Renessansens kunst oppsto på grunnlag av humanisme (fra det latinske humanus - "human") - en sosial tankebevegelse som oppsto på 1300-tallet. i Italia, og deretter i løpet av andre halvdel av 1400- og 1500-tallet. spre seg til andre europeiske land. Humanismen utropte mennesket og dets gode som høyeste verdi. Tilhengere av denne bevegelsen mente at enhver person har rett til fritt å utvikle seg som individ, og realisere sine evner. Ideene om humanisme var mest fullstendig og levende nedfelt i kunst, hvis hovedtema var en vakker, harmonisk utviklet person med ubegrenset åndelig og kreativt potensial. Humanister ble inspirert av antikken, som fungerte for dem som en kilde til kunnskap og en modell for kunstnerisk kreativitet. Italias store fortid, som stadig minnet seg selv, ble på den tiden oppfattet som den høyeste perfeksjon, mens middelalderens kunst virket udugelig og barbarisk. Begrepet "renessanse", som oppsto på 1500-tallet, betydde fødselen av en ny kunst som gjenopplivet klassisk antikkens kultur. Imidlertid skylder renessansens kunst mye til middelalderens kunstneriske tradisjon. Det gamle og det nye sto i uløselig forbindelse og konfrontasjon. Med alt det motstridende mangfoldet av sin opprinnelse, er renessansens kunst preget av dyp og grunnleggende nyhet. Det la grunnlaget for europeisk kultur i New Age. Alle større typer kunst - maleri og grafikk, skulptur, arkitektur - har endret seg enormt.
I arkitektur ble kreativt omarbeidede prinsipper for gammel arkitektur etablert. bestillingssystem ,
nye typer offentlige bygg dukket opp. Maleri har blitt beriket med lineær og luftperspektiv, kunnskap om menneskekroppens anatomi og proporsjoner. Jordisk innhold trengte inn i de tradisjonelle religiøse temaene til kunstverk. Interessen for gammel mytologi, historie, hverdagsscener, landskap og portretter økte. Sammen med de monumentale veggmaleriene som dekorerte arkitektoniske strukturer, et bilde dukket opp; Oljemaleri oppsto.
Kunst har ennå ikke sluttet å være et håndverk, men den kreative individualiteten til kunstneren, hvis aktivitet på den tiden var veldig mangfoldig, har allerede kommet i forgrunnen. Det universelle talentet til renessansemesterne er fantastisk - de jobbet ofte samtidig innen arkitektur, skulptur og maleri, og kombinerte sin lidenskap for litteratur, poesi og filosofi med studiet av eksakte vitenskaper. Konseptet med en kreativ rik, eller "renessanse" personlighet ble senere et kjent ord.
I renessansens kunst var banene for vitenskapelig og kunstnerisk forståelse av verden og mennesket tett sammenvevd. Dens kognitive betydning var uløselig forbundet med sublim poetisk skjønnhet; i sitt ønske om naturlighet bøyde den seg ikke til smålig hverdagsliv. Kunst har blitt et universelt åndelig behov.
Dannelsen av renessansekulturen i Italia fant sted i økonomisk uavhengige byer. I fremveksten og blomstringen av renessansekunst ble en stor rolle spilt av kirken og de praktfulle domstolene til de ukronede suverene - de regjerende velstående familiene som var de største beskytterne og kundene til verk av maleri, skulptur og arkitektur. De viktigste sentrene for renessansekulturen var først byene Firenze, Siena, Pisa, deretter Padua, Ferrara, Genova, Milano, og senere enn alle, i andre halvdel av 1400-tallet, den velstående handelsmannen Venezia. På 1500-tallet hovedstad italiensk renessanse ble Roma. Fra dette tidspunktet mistet alle andre kultursentre, bortsett fra Venezia, sin tidligere betydning.
I den italienske renessansens tid er det vanlig å skille mellom flere perioder:
Proto-renessanse (andre halvdel av XIII-XIV århundrer),
Tidlig renessanse (XV århundre),
Høyrenessanse (slutten av det 15. - første tredjedel av det 16. århundre)
Sen renessanse (siste to tredjedeler av 1500-tallet).
Proto-renessanse
I italiensk kultur fra XIII-XIV århundrer. På bakgrunn av de fortsatt sterke bysantinske og gotiske tradisjonene begynte det å dukke opp trekk ved en ny kunst, som senere skulle bli kalt renessansens kunst. Derfor ble denne perioden av historien kalt Proto-renessanse(fra det greske "protos" - "først", dvs. forberedte renessansens offensiv). Det var ingen tilsvarende overgangsperiode i noen av de europeiske landene. I selve Italia oppsto og utviklet proto-renessansekunst kun i Toscana og Roma.
Italiensk kultur flettet sammen trekk ved gammelt og nytt. Den siste poeten i middelalderen og den første poeten i den nye tiden, Dante Alighieri (1265-1321), skapte det italienske litterære språket. Det Dante startet ble videreført av andre store florentinere på 1300-tallet - Francesco Petrarca (1304-1374), grunnleggeren av europeisk lyrisk poesi, og Giovanni Boccaccio (1313-1375), grunnleggeren av novelle (novelle) sjangeren i verden litteratur. Tidens stolthet er arkitektene og skulptørene Niccolo og Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio og maleren Giotto di Bondone .
Arkitektur
Italiensk arkitektur fulgte i lang tid middelalderske tradisjoner, noe som hovedsakelig kom til uttrykk i bruken av et stort antall gotiske motiver. Samtidig var italiensk gotikk i seg selv veldig forskjellig fra den gotiske arkitekturen i Nord-Europa: den graviterte mot ro store former, jevne lette, horisontale inndelinger, brede veggflater. I 1296 begynte byggingen i Firenze Katedralen Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio ønsket å krone alterdelen av katedralen med en enorm kuppel. Etter arkitektens død i 1310 ble byggingen imidlertid forsinket; den ble fullført allerede i perioden Tidlig renessanse. I 1334 begynte byggingen av katedralens klokketårn i 1334, det såkalte campanile - et slankt rektangulært tårn med horisontale inndelinger gulv-for-etasje og grasiøse gotiske vinduer, hvis spisse bueform forble i italiensk arkitektur for lenge.
Blant de mest kjente bypalassene er Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) i Firenze. Det antas å ha blitt bygget av Arnolfo di Cambio. Det er en tung kube med et høyt tårn, foret med rustikk hard stein. Den treetasjes fasaden er dekorert med parvise vinduer satt i halvsirkelformede buer, noe som gir hele bygningen et inntrykk av behersket alvorlighet. Bygningen definerer utseendet til den gamle bykjernen, og griper inn på torget med sin akterbulk.
Skulptur
Tidligere enn innen arkitektur og maleri, dukket det opp kunstneriske oppdrag innen skulptur, og fremfor alt i Pisan-skolen, grunnleggeren av denne var Niccolò Pisano (rundt 1220 - mellom 1278 og 1284). Niccolò Pisano ble født i Puglia, Sør-Italia. Det antas at han studerte skulptur i de sørlige skolene, hvor ånden av gjenoppliving av antikkens klassiske tradisjoner blomstret. Uten tvil studerte Niccolo den skulpturelle utformingen av senromerske og tidlige kristne sarkofager. Den tidligste nå kjente verk skulptør - sekskantet marmor prekestol, laget av ham for dåpskapellet i Pisa (1260), ble et fremragende verk av renessanseskulptur og hadde en enorm innflytelse på dens videre utvikling. Hovedprestasjonen til skulptøren er at han var i stand til å gi volum og uttrykksfullhet til formene, og hvert bilde har kroppslig kraft.
Fra verkstedet til Niccolò Pisano kom bemerkelsesverdige mestere innen proto-renessanseskulptur - hans sønn Giovanni Pisano og Arnolfo di Cambio, også kjent som arkitekt. Arnolfo di Cambio (cirka 1245 - etter 1310) graviterte mot monumental skulptur, der han brukte sine livsobservasjoner. Et av de beste verkene han fullførte sammen med far og sønn Pisano er fontene på Piazza Perugia(1278). Fonte Maggiore, dekorert med en rekke statuer og relieffer, har blitt byens stolthet. Det var forbudt å gi vann til dyr fra den, ta vann i vintønner eller uvasket servise. Bymuseet bevarer fragmenter av liggende figurer laget av Arnolfo di Cambio til fontenen. I disse figurene var billedhuggeren i stand til å formidle all rikdommen i menneskekroppens bevegelser.
Maleri
I den italienske renessansens kunst inntok veggmaleriet en dominerende plass. Den ble laget ved hjelp av freskoteknikk. Ved å bruke maling tilberedt i vann, malte de enten på våt gips (fresco selv) eller på tørr gips - denne teknikken kalles "a secco" (oversatt fra italiensk som "på tørt"). Hovedbindemiddelet til gips er kalk. Fordi Det tok litt tid før kalken tørket, freskomaleri måtte gjøres raskt, ofte i deler, mellom hvilke forbindelsessømmer gjensto. Fra andre halvdel av 1400-tallet. freskomaleriteknikken begynte å bli supplert med et secco-maleri; sistnevnte muliggjorde langsommere arbeid og tillot etterbehandling av deler. Arbeidet med maleriene ble innledet av produksjonen av synopier - hjelpetegninger påført under fresken på det første laget av gips. Disse tegningene ble laget med rød oker, som ble utvunnet fra leire nær byen Sinop, som ligger ved Svartehavskysten. Basert på navnet på byen ble malingen kalt Sinope, eller sinopia, og senere begynte selve tegningene å bli kalt det samme. Sinopia ble brukt i italiensk maleri fra 1200- til midten av 1400-tallet. Imidlertid tyr ikke alle malere til synopia - f.eks. Giotto di Bondone, den mest fremtredende representanten for proto-renessansen, klarte seg uten dem. Gradvis ble synopia forlatt. Fra midten av 1400-tallet. Kartonger - forberedende tegninger laget på papir eller stoff i størrelsen på fremtidige arbeider - har blitt utbredt i maleriet. Konturene til designet ble overført til våt gips ved bruk av kullstøv. Den ble blåst gjennom hull i konturen og presset inn i gipsen med et skarpt instrument. Noen ganger ble synopier fra en skisse til en ferdig monumental tegning, og papp fikk betydningen av uavhengige malerier.
Cimabue (egentlig Cenni di Pepo, ca. 1240 - ca. 1302) regnes som grunnleggeren av den nye italienske malerstilen. Cimabue var kjent i Firenze som en mester i høytidelige altermalerier og ikoner. Bildene hans er preget av abstraksjon og statisitet. Og selv om Cimabue fulgte bysantinske tradisjoner i sitt arbeid, prøvde han i verkene sine å uttrykke jordiske følelser og myke opp stivheten i den bysantinske kanonen.
Piero Cavallini (mellom 1240 og 1250 – rundt 1330) bodde og arbeidet i Roma. Han er forfatteren av mosaikkene til kirken Santa Maria in Trastevere (1291), samt freskene til kirken Santa Cecilia in Trastevere (ca. 1293). I sine arbeider ga Cavallini former volum og håndgripbarhet.
Cavallinis prestasjoner ble adoptert og videreført Giotto di Bondone(1266 eller 1267 - 1337), den største kunstneren i proto-renessansen. Navnet på Giotto er assosiert med en vending i utviklingen av italiensk maleri, dets brudd med middelalderske kunstneriske kanoner og tradisjoner for italo-bysantinsk kunst på 1200-tallet. Mest kjente verk Giotto - malerier av Arena-kapellet i Padua (1304-06). Freskene utmerker seg ved sin klarhet, ukompliserte historiefortelling og tilstedeværelsen av dagligdagse detaljer som tilfører vitalitet og naturlighet til scenene som er avbildet. Giotto avviser kirkekanonen som dominerte kunsten på den tiden, og skildrer karakterene hans som ligner på ekte folk: med proporsjonale, knebøyde kropper, runde (i stedet for langstrakte) ansikter, korrekt øyeform osv. Hans helgener svever ikke over bakken, men står stødig på den med begge føttene. De tenker mer på jordiske ting enn på himmelske ting, og opplever helt menneskelige følelser og følelser. For første gang i italiensk maleris historie formidles sinnstilstanden til heltene i et maleri av ansiktsuttrykk, gester og holdning. I stedet for den tradisjonelle gylne bakgrunnen, skildrer Giottos fresker et landskap, et interiør eller skulpturelle grupper på fasadene til basilikaene.
I andre halvdel av 1300-tallet. Bildeskolen Siena kommer først. Den største og mest raffinerte mester i Siena-maleriet på 1300-tallet. var Simone Martini (ca. 1284-1344). Simone Martinis pensel er den første i kunsthistorien som har avbildet en betong historisk begivenhet med et portrett av en samtid. Dette bildet " Condotiera Guidoriccio da Fogliano"i Hall of Mappamondo (Map of the World) i Palazzo Publico (Siena), som ble prototypen for en rekke fremtidige rytterportretter. Altertavlen «Bebudelsen» av Simone Martini, som nå oppbevares i Uffizi-galleriet i Firenze, nyter velfortjent berømmelse.
Funksjoner av renessansen. Proto-renessanse
Funksjoner av renessansen
Tidlig renessanse
På 1400-tallet Italiensk kunst tok en dominerende posisjon i det kunstneriske livet i Europa. Grunnlaget for humanistisk sekulær (dvs. ikke-kirkelig) kultur ble lagt i Firenze, noe som presset Siena og Pisa i bakgrunnen. Den politiske makten her tilhørte kjøpmenn og håndverkere; flere velstående familier, som stadig konkurrerte med hverandre, hadde sterkest innflytelse på byens anliggender. Denne kampen tok slutt på slutten av 1300-tallet. seier til Medici-bankhuset. Hodet, Cosimo de' Medici, ble den uoffisielle herskeren over Firenze. Forfattere, poeter, vitenskapsmenn, arkitekter og kunstnere strømmet til hoffet til Cosimo de' Medici. Renessansekulturen i Firenze nådde sitt høydepunkt under Lorenzo de' Medici, med kallenavnet den storslåtte. Lorenzo var en stor beskytter av kunst og vitenskap, skaperen av Platons akademi, hvor de fremragende sinnene i Italia, poeter og filosofer samlet seg, hvor det ble holdt raffinerte debatter som løftet ånden og sinnet.
Arkitektur
Under Cosimo og Lorenzo de' Medici fant en reell revolusjon sted i arkitekturen i Firenze: omfattende konstruksjon fant sted her, noe som endret utseendet til byen betydelig. Grunnleggeren av renessansearkitekturen i Italia var Filippo Brunelleschi(1377-1446) - arkitekt, skulptør og vitenskapsmann, en av skaperne av den vitenskapelige teorien om perspektiv. Brunelleschis største ingeniørprestasjon var konstruksjonen av kuppelen Katedralen Santa Maria del Fiore i Firenze. Takket være hans matematiske og tekniske geni, klarte Brunelleschi å løse det vanskeligste problemet for sin tid. Den største vanskeligheten som sto overfor mesteren var forårsaket av den gigantiske størrelsen på spennvidden til midtkorset (42 m), som krevde spesiell innsats for å lette utvidelsen. Brunelleschi løste problemet ved å bruke et genialt design: en lett hul kuppel bestående av to skjell, et rammesystem med åtte bærende ribber forbundet med omkransende ringer, et takvindu som lukker og belaster hvelvet. Kuppelen til katedralen Santa Maria del Fiore ble forgjengeren til en rekke kuppelkirker i Italia og andre europeiske land.
Brunelleschi var en av de første i italiensk arkitektur som kreativt forsto og opprinnelig tolket det gamle ordenssystemet ( Ospedale degli Innocenti (foundling shelter), 1421-44), la grunnlaget for opprettelsen av kuppelkirker basert på den eldgamle orden ( San Lorenzo kirke ). En ekte perle fra den tidlige renessansen ble skapt av Brunelleschi på forespørsel fra en velstående florentinsk familie. Pazzi kapell(startet i 1429). Humanismen og poesien til Brunelleschis kreativitet, den harmoniske proporsjonaliteten, lettheten og ynden til bygningene hans, som beholder forbindelser med de gotiske tradisjonene, den kreative friheten og vitenskapelige gyldigheten til planene hans bestemte Brunelleschis store innflytelse på den etterfølgende utviklingen av renessansearkitekturen.
En av de viktigste prestasjonene til italiensk arkitektur på 1400-tallet. var etableringen av en ny type bypalasser-palasser, som fungerte som modell for offentlige bygninger i senere tid. Funksjoner av palasset fra 1400-tallet er en tydelig inndeling av byggets innelukkede volum i tre etasjer, åpen gårdsplass med sommerhall-for-etasje arkader, bruk av rustikk (stein med grovt avrundet eller konveks frontflate) for fasaden, samt en sterkt utvidet dekorativ gesims. Et slående eksempel på denne stilen er hovedkonstruksjonen til Brunelleschis student Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), hoffarkitekt for Medici-familien, - Palazzo Medici - Riccardi (1444-60), som fungerte som modell for byggingen av mange florentinske palasser. Nær Michelozzos skapelse Palazzo Strozzi(grunnlagt i 1481), som er knyttet til navnet til arkitekten og billedhuggeren Benedetto da Maiano (1442-97).
En spesiell plass i historien til italiensk arkitektur inntar Leon Battista Alberti(1404-72). En omfattende begavet og bredt utdannet mann, han var en av de mest briljante humanistene i sin tid. Hans utvalg av interesser var uvanlig mangfoldig. Han dekket moral og lov, matematikk, mekanikk, økonomi, filosofi, poesi, musikk, maleri, skulptur og arkitektur. Alberti var en strålende stylist og etterlot seg en rekke verk på latin og italiensk. I Italia og i utlandet fikk Alberti berømmelse som en fremragende kunstteoretiker. De berømte avhandlingene "Ti bøker om arkitektur" (1449-52), "Om maleri", "Om statuen" (1435-36) tilhører pennen hans. Men Albertis viktigste yrke var arkitektur. I sitt arkitektoniske arbeid, graviterte Alberti mot dristige, eksperimentelle løsninger, innovativt ved å bruke den eldgamle kunstneriske arven. Alberti opprettet en ny type bypalass ( Palazzo Rucellai ). I religiøs arkitektur, etterstreber storhet og enkelhet, brukte Alberti motiver av romerske triumfbuer og arkader i utformingen av fasader ( Sant'Andrea kirke i Mantua 1472-94). Navnet Alberti regnes med rette som en av de første blant de store kulturskaperne i den italienske renessansen.
Skulptur
På 1400-tallet Italiensk skulptur, som fikk en selvstendig betydning uavhengig av arkitektur, blomstrer. Utøvelsen av kunstnerisk liv begynner å inkludere ordre om utsmykning av offentlige bygninger; det arrangeres kunstkonkurranser. En av disse konkurransene - for produksjon av bronse av de andre nordlige dørene til det florentinske dåpskapellet (1401) - regnes som en betydelig begivenhet som åpnet ny side i historien til italiensk renessanseskulptur. Seieren ble vunnet av Lorenzo Ghiberti (1381-1455).
En av de mest utdannede menneskene i sin tid, den første historikeren italiensk kunst, en strålende tegner, Ghiberti viet livet til én type skulptur - relieff. Ghiberti anså hovedprinsippet i kunsten sin for å være balanse og harmoni mellom alle elementene i bildet. Toppen av Ghibertis kreativitet var østlige dører til det florentinske dåpskapellet (1425-52), og udødeliggjorde mesterens navn. Utsmykningen av dørene inkluderer ti firkantede komposisjoner laget av forgylt bronse (" Skapelsen av Adam og Eva"), med sin ekstraordinære uttrykksevne som minner om malerier. Kunstneren klarte å formidle dybden av rommet, mettet med bilder av natur, menneskelige figurer og arkitektoniske strukturer. Med den lette hånden til Michelangelo begynte de østlige dørene til det florentinske dåpskapellet å bli kalt "Himmelens porter"
Ghibertis verksted ble en skole for en hel generasjon kunstnere, spesielt den berømte Donatello, den store reformatoren av italiensk skulptur, jobbet der. Verket til Donatello (ca. 1386-1466), som absorberte de demokratiske tradisjonene i kulturen i Firenze på 1300-tallet, representerer en av toppene i utviklingen av kunsten fra den tidlige renessansen. Det legemliggjorde søket etter nye, realistiske virkemidler for å skildre virkeligheten, karakteristisk for renessansekunsten, nøye oppmerksomhet til mennesket og dets åndelige verden. Innflytelsen fra Donatellos arbeid på utviklingen av italiensk renessansekunst var enorm.
Den andre generasjonen av florentinske skulptører graviterte mot en mer lyrisk, fredelig, sekulær kunst. Hovedrollen i den tilhørte della Robbia-familien av skulptører. Familiens overhode, Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482), ble berømt for sin bruk av glasurteknikker i sirkulær skulptur og relieff. Teknikken med glasur (majolica), kjent siden antikken for folket i Vest-Asia, ble brakt til den iberiske halvøya og øya Mallorca (hvor navnet kom fra) i middelalderen, og deretter vidt spredt i Italia. Lucca della Robbia skapte medaljonger med relieffer på en dyp blå bakgrunn for bygninger og altere, kranser av blomster og frukt, majolica-byster av Madonnaen, Kristus og helgener. Den muntre, elegante, snille kunsten til denne mesteren fikk velfortjent anerkjennelse fra sine samtidige. Hans nevø Andrea della Robbia (1435-1525) oppnådde også stor perfeksjon i majolicateknikken ( relieffer på fasaden til Ospedale degli Innocenti).
Maleri
Den enorme rollen som Brunelleschi spilte i tidlig renessansearkitektur, og Donatello i skulptur, tilhørte Masaccio (1401-1428) i maleriet. Masaccio døde ung, fylte ikke 27 år, og klarte likevel å gjøre mye med å male. Den berømte kunsthistorikeren Whipper sa: "Masaccio er et av de mest uavhengige og konsekvente geniene i europeisk maleris historie, grunnleggeren av ny realisme..." Ved å fortsette søket etter Giotto, bryter Masaccio frimodig med middelalderens kunstneriske tradisjoner. I freske "Trinity"(1426-27), opprettet for kirken Santa Maria Novella i Firenze, for første gang i veggen maleri av Masaccio bruker fullt perspektiv. I maleriene til Brancacci-kapellet i Santa Maria del Carmine-kirken i Firenze (1425-28) - hovedskapningen av hans korte liv - gir Masaccio bildene enestående livaktig overtalelsesevne, understreker det fysiske og monumentale til karakterene hans, mesterlig formidler den følelsesmessige tilstanden og psykologiske dybden i bildene. I freske "Expulsion from Paradise" kunstneren løser den vanskeligste oppgaven for sin tid med å skildre en naken menneskeskikkelse. Den strenge og modige kunsten til Masaccio hadde en enorm innvirkning på den kunstneriske kulturen i renessansen.
Utviklingen av maleri fra tidlig renessanse var tvetydig: kunstnere fulgte sine egne, noen ganger forskjellige, veier. Det sekulære prinsippet, ønsket om en fascinerende fortelling og en lyrisk jordisk følelse kom levende til uttrykk i verkene til Fra Filippo Lippi (1406-69), en munk av karmelittordenen. En sjarmerende mester, forfatteren av mange alterkomposisjoner, hvorav maleriet regnes som det beste « Tilbedelse av barnet » , laget for kapellet i Palazzo Medici - Riccardi, Filippo Lippi klarte å formidle i dem menneskelig varme og poetisk kjærlighet til naturen.
På midten av 1400-tallet. maleriet i Sentral-Italia opplevde en rask oppblomstring, et lysende eksempel som kreativitet kan tjene Piero della Francesca(1420-92), renessansens største kunstner og kunstteoretiker. Den mest fantastiske kreasjonen av Piero della Francesca - syklus av fresker i kirken San Francesco i Arezzo, som er basert på legenden om det livgivende treet på korset. Freskene, arrangert i tre nivåer, sporer historien til det livgivende korset helt fra begynnelsen, når det hellige treet vokser fra frøet til paradisets tre av kunnskapen om godt og ondt på Adams grav. ("Adams død") og til slutten, når den bysantinske keiseren Heraclius høytidelig returnerer den kristne relikvien til Jerusalem (« Kamp mellom Heraclius og Khosroes » ). Arbeidet til Piero della Francesca gikk utover de lokale malerskolene og bestemte utviklingen av italiensk kunst som helhet.
I andre halvdel av 1400-tallet arbeidet mange dyktige håndverkere i Nord-Italia i byene Verona, Ferrara og Venezia. Blant malerne på denne tiden er den mest kjente Andrea Mantegna (1431-1506), en mester i staffeli og monumentalmaleri, tegner og gravør, billedhugger og arkitekt. Kunstnerens billedstil utmerker seg ved å jage former og design, strengheten og sannheten til generaliserte bilder. Takket være den romlige dybden og skulpturelle karakteren til figurene, oppnår Mantegna inntrykk av en ekte scene som er frosset et øyeblikk – karakterene hans ser så tredimensjonale og naturlige ut. Mantegna bodde det meste av livet i Mantua, hvor han skapte sitt mest kjente verk - "Camera degli Sposi" maleri i landborgen til markisen L. Gonzaga. Ved å kun bruke malemidlene skapte han her et luksuriøst renessanseinteriør, et sted for seremonielle mottakelser og høytider. Mantegnas kunst, som var ekstremt berømt, påvirket hele det norditalienske maleriet.
En spesiell plass i maleriet av den tidlige renessansen tilhører Sandro Botticelli(egentlig Alessandro di Mariano Filipepi), som ble født i 1445 i Firenze i familien til en velstående skinngarver. I 1459-64. den unge mannen studerer maleri fra den berømte florentinske mesteren Filippo Lippi. I 1470 åpnet han sitt eget verksted i Firenze, og i 1472 ble han medlem av St. Lukas-lauget.
Botticellis første kreasjon var komposisjonen "Force", som han fullførte for handelsretten i Firenze. Den unge kunstneren fikk raskt kundenes tillit og fikk berømmelse, noe som vakte oppmerksomheten til Lorenzo den storslåtte, den nye herskeren i Firenze, og ble hans hoffmester og favoritt. Botticelli fullførte de fleste av maleriene sine for husene til hertugen og andre adelige florentinske familier, så vel som for kirker, klostre og offentlige bygninger i Firenze.
Andre halvdel av 1470- og 1480-årene. ble en periode med kreativ oppblomstring for Botticelli. For hovedfasaden til kirken Santa Maria Novella skriver han komposisjonen " Tilbedelse av magiene" - en slags mytologisert gruppeportrett Medici-familien. Noen år senere lager kunstneren sin berømte mytologiske allegori "Vår".
I 1481 beordret pave Sixtus IV en gruppe malere, blant dem Botticelli, til å dekorere kapellet hans med fresker, som senere fikk navnet «Sistinsk». Botticelli malte fresker i Det sixtinske kapell " Kristi fristelse », « Scener fra Moses' liv », « Straffen for Korah, Datan og Abiron" I løpet av de neste årene fullførte Botticelli en serie på 4 fresker basert på noveller fra Boccaccios Decameron, og skapte sine mest kjente mytologiske verk ("Birth of Venus", " Pallas og Centaur"), samt flere alterkomposisjoner for florentinske kirker (" Kroningen av Jomfru Maria », « San Barnabas alter"). Mange ganger vendte han seg mot bildet av Madonnaen (" Madonna del Magnificat », « Madonna med granateple », « Madonna med en bok"), jobbet også i portrettsjangeren (" Portrett av Giuliano Medici", "Portrett av en ung kvinne", "Portrett av en ung mann").
På 1490-tallet, i perioden med sosiale bevegelser og mystiske prekener fra munken Savonarola som rystet Firenze, dukket det opp moraliserende notater og drama i Botticellis kunst ("Slander", " Kristi klagesang », « Mystisk jul"). Under påvirkning av Savonarola, i et anfall av religiøs opphøyelse, ødela kunstneren til og med noen av verkene hans. På midten av 1490-tallet, med Lorenzo den praktfulles død og utvisningen av sønnen Pietro fra Firenze, mistet Botticelli berømmelsen som en stor kunstner. Glemt lever han stille ut livet i huset til broren Simon. I 1510 døde kunstneren.
Botticellis utsøkte kunst med elementer av stilisering (dvs. generalisering av bilder ved bruk av konvensjonelle teknikker - forenkling av farge, form og volum) regnes som en av høydepunktene i utviklingen av maleri. Botticellis kunst, i motsetning til de fleste av de tidlige renessansemestrene, var basert på personlig erfaring. Eksepsjonelt følsom og oppriktig gikk Botticelli gjennom en vanskelig og tragisk vei med kreativ søken - fra en poetisk oppfatning av verden i sin ungdom til mystikk og religiøs opphøyelse i voksen alder.
TIDLIG RENESSANSE
TIDLIG RENESSANSE
Høyrenessanse
Høyrenessansen, som ga menneskeheten så store mestere som Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian, Bramante, dekker et relativt kort tidsrom - slutten av 1400-tallet og den første tredjedelen av 1500-tallet. Bare i Venezia fortsatte kunstblomstringen til midten av århundret.
Grunnleggende endringer knyttet til de avgjørende hendelsene i verdenshistorien og suksessene til avansert vitenskapelig tanke har uendelig utvidet folks ideer om verden - ikke bare om jorden, men også om verdensrommet. Oppfatningen av verden og den menneskelige personlighet ser ut til å ha blitt større; i kunstnerisk kreativitet gjenspeiles dette ikke bare i den majestetiske skalaen til arkitektoniske strukturer, monumenter, høytidelige freskomalerier og malerier, men også i bildenes innhold og uttrykksfullhet. Høyrenessansens kunst er en levende og kompleks kunstnerisk prosess med blendende lyse oppturer og påfølgende kriser.
Donato Bramante.
Sentrum for høyrenessansearkitektur var Roma, hvor det, på grunnlag av tidligere oppdagelser og suksesser, dukket opp en enkelt klassisk stil. Mesterne brukte kreativt det eldgamle ordenssystemet, og skapte strukturer hvis majestetiske monumentalitet var i tråd med epoken. Den største representanten for høyrenessansearkitektur var Donato Bramante (1444-1514). Bramantes bygninger utmerker seg ved sin monumentalitet og storhet, harmoniske perfeksjon av proporsjoner, integritet og klarhet i komposisjonelle og romlige løsninger, og frie, kreative bruk av klassiske former. Den høyeste kreativ prestasjon Bramante er rekonstruksjonen av Vatikanet (arkitekten skapte faktisk en ny bygning, organisk innlemmet spredte gamle bygninger i den). Bramante er også forfatteren av utformingen av St. Peters katedral i Roma. Med sitt arbeid bestemte Bramante utviklingen av arkitekturen på 1500-tallet.
Leonardo da Vinci.
I menneskehetens historie er det ikke lett å finne en annen på samme måte genial personlighet som grunnleggeren av høyrenessansens kunst Leonardo da Vinci(1452-1519). Den omfattende karakteren av arbeidet til denne store kunstneren, skulptøren, arkitekten, vitenskapsmannen og ingeniøren ble tydelig først da de spredte manuskriptene fra arven hans ble undersøkt, og nummererte over syv tusen ark som inneholder vitenskapelige og arkitektoniske prosjekter, oppfinnelser og skisser. Det er vanskelig å nevne et kunnskapsområde som hans geni ikke ville berøre. Leonardos universalisme er så uforståelig at den berømte biografen av renessansefigurene Giorgio Vasari ikke kunne forklare dette fenomenet unntatt ved inngripen fra himmelen: "Uansett hva denne mannen vendte seg til, bar hver handling hans preg av guddommelighet."
I sin berømte "Treatise on Painting" (1498) og andre notater, ga Leonardo stor oppmerksomhet til studiet av menneskekroppen, informasjon om anatomi, proporsjoner, forholdet mellom bevegelser, ansiktsuttrykk og den følelsesmessige tilstanden til en person. Leonardo var også interessert i problemene med chiaroscuro, volumetrisk modellering, lineært og luftperspektiv. Leonardo hyllet ikke bare kunstteorien. Han skapte en rekke praktfulle alterbilder og portretter. Leonardos pensel tilhører et av verdens mest kjente malerier - "Mona Lisa" ("La Gioconda"). Leonardo skapte monumentale skulpturelle bilder, designet og bygde arkitektoniske strukturer. Leonardo er den dag i dag en av de mest karismatiske personlighetene i renessansen. Et stort antall bøker er dedikert til ham, livet hans har blitt studert i detalj. Og likevel forblir mye i arbeidet hans et mysterium og fortsetter å begeistre folks sinn.
Rafael Santi.
Kunsten til Raphael Santi (1483-1520) hører også til toppene i den italienske renessansen. I verdenskunstens historie er arbeidet til Raphael forbundet med ideen om sublim skjønnhet og harmoni. Det er generelt akseptert at i konstellasjonen av strålende mestere fra høyrenessansen, var det Raphael som var hovedbæreren av harmoni. Den utrettelige streben etter en lys, perfekt begynnelse gjennomsyrer hele Raphaels arbeid og utgjør dens indre mening. Verkene hans er uvanlig attraktive i sin naturlige ynde (“ sixtinske madonna"). Kanskje dette er grunnen til at mesteren fikk en så ekstraordinær popularitet blant publikum og hadde mange tilhengere blant artister til enhver tid. Raphael var ikke bare en fantastisk maler og portrettmaler, men også en monumentalist som jobbet med freskomalerier, en arkitekt og en mester i dekor. Alle disse talentene manifesterte seg med spesiell kraft i hans malerier av leilighetene til pave Julius II i Vatikanet ("Athens skole"). I kunsten til den strålende kunstneren ble et nytt bilde av renessansen født - vakkert, harmonisk, perfekt fysisk og åndelig.
Michelangelo Buonarotti.
Moderne Leonardo da Vinci og Raphael var deres evige rival - Michelangelo Buonarroti , største mester Høyrenessanse - skulptør, maler, arkitekt og poet. Min kreativ vei denne renessansens titan begynte med skulptur. Hans kolossale statuer ble et symbol på en ny mann - en helt og fighter ("David"). Mesteren reiste mange arkitektoniske og skulpturelle strukturer, hvorav den mest kjente er Medici-kapellet i Firenze. Prakten til disse verkene er bygget på den kolossale spenningen i karakterenes følelser ( Sarkofag av Giuliano Medici). Men Michelangelos malerier i Vatikanet, i Det sixtinske kapell, er spesielt berømte, der han viste seg å være en strålende maler. Kanskje ingen i verdenskunsten, verken før eller etter Michelangelo, har skapt karakterer så sterke i kropp og ånd (“ Skapelsen av Adam"). Den enorme, utrolig komplekse fresken i taket ble malt av kunstneren alene, uten assistenter; den er uovertruffen den dag i dag et monumentalt verk italiensk maleri. Men i tillegg til å male taket til det sixtinske kapell, skapte mesteren, allerede i alderdommen, den voldsomt inspirerte "Last Judgment" - et symbol på sammenbruddet av idealene fra hans store tid.
Michelangelo jobbet mye og fruktbart innen arkitektur, han ledet spesielt byggingen av St. Peters katedral og ensemblet Capitol Square I Roma. Arbeidet til den store Michelangelo utgjorde en hel epoke og var langt forut for sin tid; det spilte en kolossal rolle i verdenskunsten, spesielt påvirket det dannelsen av barokkens prinsipper.
Giorgione og Titian.
Venezia, hvor maleriet blomstret, la en lys side til historien til kunsten fra høyrenessansen. Giorgione regnes som den første mesteren i høyrenessansen i Venezia. Kunsten hans er helt spesiell. Ånden av klar harmoni og en spesiell intim kontemplasjon og drømmer hersker i den. Han malte ofte herlige skjønnheter, ekte gudinner. Vanligvis er dette en poetisk fiksjon - legemliggjørelsen av en urealiserbar drøm, beundring for en romantisk følelse og en vakker kvinne. Maleriene hans inneholder et snev av sensuell lidenskap, søt nytelse, overjordisk lykke. Med kunsten til Giorgione fikk det venetianske maleriet pan-italiensk betydning, og etablerte dets kunstneriske egenskaper.
Titian inn gikk ned i italiensk kunsthistorie som en titan og leder av den venetianske skolen, som et symbol på dens storhetstid. Pusten av en ny æra - stormfull, tragisk, sensuell - ble manifestert med spesiell kraft i arbeidet til denne kunstneren. Titians verk utmerker seg ved sin eksepsjonelt brede og varierte dekning av typer og sjangere maleri. Titian var en av grunnleggerne av monumentalt altermaleri, landskap som en selvstendig sjanger og ulike typer portretter, inkludert seremonielle. I sitt arbeid ideelle bilder sameksistere med lyse karakterer, tragiske konflikter med scener av jublende glede, religiøse komposisjoner med mytologiske og historiske malerier.
Titian utviklet en ny maleteknikk, som hadde en eksepsjonell innflytelse på den videre, frem til 1900-tallet, utviklingen av verdens kunst. Titian tilhører verdensmaleriets største fargeleggere. Maleriene hans skinner med gull og et komplekst utvalg av vibrerende, lysende undertoner av farge. Tizian, som levde i nesten et århundre, opplevde sammenbruddet av renessansens idealer; mesterens halvparten tilhører senrenessansen. Helten hans, som går inn i kampen mot fiendtlige styrker, dør, men beholder sin storhet. Påvirkningen fra Titians store verksted påvirket all venetiansk kunst.
HØY RENESSANSE
HØY RENESSANSE
Sen renessanse
I andre halvdel av 1500-tallet. I Italia vokste nedgangen i økonomien og handelen, katolisismen gikk inn i en kamp med humanistisk kultur, kunsten opplevde en dyp krise. Det styrket anti-renessanse-tendenser, nedfelt i mannerisme. Manierisme påvirket imidlertid nesten ikke Venezia, som i andre omgang XVI århundre ble hovedsenteret for senrenessansekunst. I tråd med den høyhumanistiske renessansetradisjonen, under nye historiske forhold, utviklet arbeidet til de store mesterne fra senrenessansen, beriket med nye former, i Venezia - Palladio, Veronese, Tintoretto.
Andrea Palladio
Arbeidet til den norditalienske arkitekten Andrea Palladio (1508-80), basert på en dyp studie av antikk og renessansearkitektur, representerer en av toppene i kunsten fra senrenessansen. Palladio utviklet prinsippene for arkitektur som ble utviklet i arkitekturen til europeisk klassisisme på 1600- og 1700-tallet. og fikk navnet palladianisme. Arkitekten skisserte ideene sine i det teoretiske verket "Fire bøker om arkitektur" (1570). Palladios bygninger (hovedsakelig bypalasser og villaer) er fulle av grasiøs skjønnhet og naturlighet, harmonisk fullstendighet og streng orden, kjennetegnes av klarhet og hensiktsmessighet i planlegging og organisk forbindelse med miljøet ( Palazzo Chiericati). Evnen til å harmonisk forbinde arkitekturen med det omkringliggende landskapet ble demonstrert med spesiell kraft i Palladios villaer, gjennomsyret av en elegisk opplyst naturfølelse og preget av klassisk klarhet og enkelhet i form og komposisjon ( Villa Capra (Rotunda)). Palladio skapte den første monumentale teaterbygningen i Italia, Teatro Olimpico. Palladios innflytelse på utviklingen av arkitektur i de påfølgende århundrene var enorm.
Veronese og Tintoretto...
Festlig, livsbekreftende karakter Venetiansk renessanse tydeligst manifestert i arbeidet til Paolo Veronese. Som veggmaler skapte han praktfulle dekorative ensembler av vegg- og takmalerier med mange karakterer og interessante detaljer. Veronese skapte sin egen stil: hans spektakulære, spektakulære malerier er fulle av følelser, lidenskap og liv, og heltene, den venetianske adelen, befinner seg vanligvis i patrisiske palasser eller mot bakteppet av luksuriøs natur. De blir revet med av storslåtte fester eller fortryllende feiringer ("Marriage at Cana"). Veronese var mester i det muntre Venezia, dets triumfer, dikteren av dets gylne prakt. Veronese hadde en eksepsjonell gave som fargelegger. Fargene hans er gjennomsyret av lys, intense og gir ikke bare objekter farge, men forvandler seg selv til et objekt, blir til skyer, stoff, en menneskekropp. På grunn av dette multipliseres den virkelige skjønnheten til figurer og gjenstander med skjønnheten til farge og tekstur, noe som gir en sterk følelsesmessig innvirkning på betrakteren.
Den fullstendige motsetningen til Veronese var hans samtidige Tintoretto (1518-94), den siste store mesteren i den italienske renessansen. Overfloden av ytre kunstneriske påvirkninger ble oppløst i den unike kreative individualiteten til Tintoretto. I sitt arbeid var han en gigantisk skikkelse, skaperen av et vulkansk temperament, voldelige lidenskaper og heroisk intensitet. Hans arbeid var en stor suksess blant hans samtidige og påfølgende generasjoner. Tintoretto ble preget av en virkelig umenneskelig arbeidskapasitet og utrettelig søken. Han følte tragedien i sin tid mer akutt og dypere enn de fleste av hans samtidige. Mesteren gjorde opprør mot etablerte tradisjoner innen kunst - overholdelse av symmetri, streng balanse, statisitet; utvidet rommets grenser, fylte det med dynamikk, dramatisk handling og begynte å uttrykke menneskelige følelser klarere. 1590 g . Manierismens kunst avviker fra renessansens idealer om en harmonisk oppfatning av verden. En person er prisgitt overnaturlige krefter. Verden fremstår som ustabil, skjelven, i en tilstand av forfall. Manneristiske bilder er fulle av angst, rastløshet og spenning. Kunstneren beveger seg bort fra naturen, streber etter å overgå den, og følger i sitt arbeid en subjektiv "indre idé", hvis grunnlag ikke er den virkelige verden, men den kreative fantasien; utførelsesmidlet er "vakker måte" som summen av visse teknikker. Blant dem er den vilkårlige forlengelsen av figurer, en kompleks serpentinrytme, uvirkeligheten til fantastisk plass og lys, og noen ganger kalde, gjennomtrengende farger.
Manierismens største og mest begavede mester, en maler med kompleks kreativ skjebne, var Jacopo Pontormo (1494-1556). I hans kjent maleri « Nedstigning fra korset«Komposisjonen er ustabil, figurene er pretensiøst ødelagte, de lyse fargene er harde. Francesco Mazzola, med kallenavnet Parmigianino (1503-40), elsket å forbløffe seeren: for eksempel skrev han sin " Selvportrett i et konvekst speil" Bevisst bevissthet skiller ham kjent maleri « Madonna med lang hals ».
Medici-hoffmaleren Agnolo Bronzino (1503-72) er kjent for sine seremonielle portretter. De gjentok epoken med blodige grusomheter og moralsk forfall som oppslukte de høyeste kretsene i det italienske samfunnet. Bronzinos edle kunder ser ut til å være atskilt fra betrakteren med en usynlig avstand; stivheten i deres positurer, passiviteten i ansiktene deres, rikdommen i klærne, bevegelsene til deres vakre seremonielle hender - alt dette er som et ytre skall som skjuler et indre feilaktig liv. I portrettet av Eleanor av Toledo med sønnen (ca. 1545) forsterkes utilgjengeligheten til det kalde, avsidesliggende bildet av at betrakterens oppmerksomhet er fullstendig absorbert av det flate store mønsteret til hertuginnens praktfulle brokadeklær. Den type hoffportrett skapt av maneristene påvirket portrettkunsten på 1500- og 1600-tallet. i mange andre europeiske land.
Manierismens kunst var en overgang: renessansen gikk bort, tiden var inne for en ny pan-europeisk kunstnerisk stil- barokk.
Kunst fra den nordlige renessansen.
Land Nord-Europa hadde ikke sin egen eldgamle fortid, men renessansetiden skiller seg ut i deres historie: fra vendingenXV – XVIgjennom andre omgangXVIIårhundre. Denne tiden utmerker seg ved gjennomtrengningen av renessansens idealer i ulike kultursfærer og den gradvise endringen i stilen. Som i renessansens fødested, i kunsten fra den nordlige renessansen, endret interessen for den virkelige verden formene for kunstnerisk kreativitet. Imidlertid var kunsten i de nordlige landene ikke preget av patosen til italiensk maleri, og glorifiserte kraften til den titaniske mannen. Borgerne (som velstående byfolk ble kalt) verdsatte integritet, lojalitet til plikt og ord, og helligheten til ekteskapsløftet og hjemmet. I borgerkretser ble deres eget ideal om en person dannet - tydelig, nøkternt, fromt og forretningsmessig. Borgernes kunst poetiserer det vanlige gjennomsnittsmennesket og hans verden - hverdagens og enkle tings verden.
Renessansens mestere i Nederland.
Nye trekk ved renessansekunsten dukket først og fremst opp i Nederland, som var et av de rikeste og mest industrialiserte landene i Europa. På grunn av dens omfattende internasjonale relasjoner Nederland omfavnet nye funn mye raskere enn andre nordiske land.
Renessansestilen i Nederland åpnet Jan Van Eyck(1390-1441). Hans mest kjente verk er Gent altertavle, som kunstneren begynte å jobbe sammen med broren på, og fortsatte å jobbe selvstendig etter hans død i ytterligere 6 år. Ghent-altertavlen, laget for bykatedralen, er en to-lags fold, på 12 tavler som det er bilder av hverdagen, hverdagslivet (på de ytre plankene, som var synlige da folden ble stengt) og festlig, jublende, transformert liv (på de indre dørene, som dukket opp åpne under kirkelige høytider). Dette er et kunstmonument som glorifiserer skjønnheten i jordelivet. Van Eycks emosjonelle følelse – «verden er som paradis», hvor hver partikkel er vakker – uttrykkes klart og tydelig. Kunstneren stolte på mange observasjoner fra naturen. Alle figurer og objekter har tredimensjonalt volum og vekt. Van Eyck-brødrene var blant de første som oppdaget mulighetene oljemaleri; fra dette tidspunktet begynner det gradvis å erstatte tempera.
I andre halvdel av XVårhundre, full av politiske og religiøse stridigheter, kompleks, unik kunst skiller seg ut i kunsten til Nederland Hieronymus Bosch(1450?-1516). Dette er en veldig nysgjerrig kunstner med en ekstraordinær fantasi. Han levde i sin egen og forferdelige verden. I Boschs malerier er det en kondensering av middelalderske folklorideer, groteske montasjer av det levende og det mekaniske, det forferdelige og det komiske. I komposisjonene hans, som ikke hadde noe sentrum, er det ingen hovedperson. Plassen i flere lag er fylt med tallrike grupper av figurer og gjenstander: monstrøst overdrevne reptiler, padder, edderkopper, forferdelige skapninger der deler av forskjellige skapninger og gjenstander er kombinert. Hensikten med Boschs komposisjoner er moralsk oppbyggelse. Bosch finner ikke harmoni og perfeksjon i naturen; hans demoniske bilder minner om vitaliteten og allestedsnærværet til verdens ondskap, livssyklusen og døden.
Mannen i Boschs malerier er ynkelig og svak. Således, i triptyken " En vogn med høy«Kunstneren avslører menneskehetens historie. Den venstre fløyen forteller historien om Adam og Evas fall, den høyre skildrer helvete og alle grusomhetene som venter syndere her. Den sentrale delen av bildet illustrerer det populære ordtaket "Verden er en høystakk, alle tar fra den det han klarer å gripe." Bosch viser hvordan folk slåss om et stykke høy, dør under hjulene på en vogn og prøver å klatre opp på det. På toppen av vognen, etter å ha gitt avkall på verden, synger og kysser elskere. Det er en engel på den ene siden av dem, og en djevel på den andre: hvem vil vinne? Uhyggelige skapninger drar vognen inn i underverdenen. Gud ser på alle handlingene til mennesker med forvirring. Maleriet er gjennomsyret av en enda mer dyster stemning. Å bære korset": Kristus bærer sitt tunge kors omgitt av ekle mennesker med svulmende øyne og gapende munner. For deres skyld ofrer Herren seg selv, men hans død på korset vil gjøre dem likegyldige.
Bosch hadde allerede dødd da en annen kjent nederlandsk kunstner ble født - Pieter Bruegel den eldre(1525-1569), med kallenavnet Muzhitsky for sine mange malerier som skildrer bøndenes liv. Bruegel tok mange av fagene sine til grunn. folkeordtak, hverdagslige bekymringer til vanlige mennesker. Fullstendigheten av bildene av maleriene " Bondebryllup"Og" Bondedans"bærer kraften til folkeelementet. Til og med maleriene på bibelske fortellinger i Bruegels verk er bebodd av Nederland, og hendelsene i det fjerne Judea finner sted på bakgrunn av snødekte gater under hans dunkle himmel hjemland (« Preken av døperen Johannes"). Ved å vise det tilsynelatende uviktige, sekundære, snakker kunstneren om det viktigste i folks liv, gjenskaper tidsånden sin.
Lite lerret" Jegere i snøen"(januar) fra serien "Seasons" regnes som et av verdensmaleriets uovertrufne mesterverk. Slitne jegere med hunder kommer hjem. Sammen med dem går betrakteren inn i bakken, hvorfra et panorama av en liten by åpner seg. Snødekte bredder av elven, tornede trær frosset i den klare frostluften, fugler flyr, sitter på tregrener og hustak, folk er opptatt med sine daglige gjøremål. Alle disse tilsynelatende små tingene, sammen med den blå himmelen, sorte trær og hvit snø, skaper i bildet et panorama av verden som kunstneren lidenskapelig elsker.
Bruegels mest tragiske maleri" Lignelsen om de blinde"Skrevet av artisten kort før hans død. Hun illustrerer evangeliehistorie"Hvis en blind leder en blind mann, vil de begge falle i en brønn." Kanskje er dette et bilde av menneskeheten, blindet av sine ønsker, på vei mot sin ødeleggelse. Bruegel dømmer imidlertid ikke, men ved å forstå lovene for forhold mellom mennesker med hverandre, med miljøet, trenge inn i essensen av menneskets natur, avslører han for mennesker selv, deres plass i verden.
Maleri av Tyskland under renessansen.
Renessansens trekk i Tysklands kunst vises senere enn i Nederland. Blomstringen av tysk humanisme, sekulære vitenskaper og kultur faller i de første åreneXVIV. Dette var en kort periode der tysk kultur ga verden de høyeste kunstneriske verdiene. Disse inkluderer for det første arbeidet Albrecht Durer(1471-1528) - den viktigste kunstneren i den tyske renessansen.
Durer – typisk representant Renessanse, han var en maler, en gravør, en matematiker og en ingeniør, og skrev avhandlinger om befestning og kunstteori. På selvportretter han fremstår som intelligent, edel, fokusert, full av dype filosofiske tanker. I sine malerier nøyer Dürer seg ikke med formell skjønnhet, men streber etter å gi et symbolsk uttrykk for abstrakte tanker.
En spesiell plass i Dürers kreative arv tilhører "Apocalypse"-serien, som inkluderer 15 store tresnitt. Dürer illustrerer spådommer fra "evangelisten Johannes' åpenbaring", for eksempel bladet " Fire ryttere"symboliserer forferdelige katastrofer - krig, pest, hungersnød, urettferdig dom. Foranelsen om forandring, vanskelige prøvelser og katastrofer uttrykt i graveringene viste seg å være profetisk (reformasjonen og bonde- og religionskrigene som fulgte den begynte snart).
En annen bemerkelsesverdig kunstner på den tiden var Lucas Cranach den eldste(1472-1553). Maleriene hans er oppbevart i Eremitasjen " Madonna og barn under epletreet"Og" Kvinneportrett" I dem ser vi et kvinneansikt, avbildet i mange av mesterens malerier (det kalles til og med "Cranachs"): en liten hake, smale øyne, gyldent hår. Kunstneren designer nøye smykker og klær, maleriene hans er en fryd for øyet. Renheten og naiviteten i bildene får deg nok en gang til å se på disse maleriene. Cranach var en fantastisk portrettmaler; han skapte bilder av mange kjente samtidige - Martin Luther (som var hans venn), hertug Henrik av Sachsen og mange andre.
Men den mest kjente portrettmaleren fra den nordlige renessansen kan uten tvil gjenkjennes som en annen tysk maler Hans Holbein den yngre(1497-1543). I lang tid var han hoffkunstneren til den engelske kongen HenryVIII. I sitt portrett formidler Holbein perfekt kongen som er ukjent med tvil. Små, intelligente øyne på et kjøttfullt ansikt avslører ham som en tyrann. Portrett av Henry VIII var så pålitelig at det skremte folk som kjente kongen. Holbein malte portretter av mange kjente personer på den tiden, spesielt statsmannen og forfatteren Thomas More, filosofen Erasmus av Rotterdam og mange andre.
Utviklingen av renessansekulturen i Tyskland, Nederland og noen andre europeiske land ble avbrutt av reformasjonen og de religiøse krigene som fulgte den. Etter dette kom tiden for dannelsen av nye prinsipper i kunsten, som gikk inn i neste stadium av utviklingen.
Renessansekunst
Renessanse- dette var storhetstiden for all kunst, inkludert teater, litteratur og musikk, men utvilsomt var den viktigste blant dem, som best uttrykte sin tids ånd, kunst.
Det er ingen tilfeldighet at det er en teori om at renessansen begynte med det faktum at kunstnere sluttet å være fornøyd med rammeverket til den dominerende "bysantinske" stilen og, på jakt etter modeller for kreativiteten deres, var de første som henvendte seg til til antikken. Begrepet "renessanse" ble introdusert av tenkeren og kunstneren fra epoken selv, Giorgio Vasari ("Biografier om kjente malere, skulptører og arkitekter"). Slik kalte han tiden fra 1250 til 1550. Fra hans synspunkt var det en tid med gjenopplivning av antikken. For Vasari fremstår antikken som et idealbilde.
Deretter utviklet innholdet i begrepet seg. Vekkelsen begynte å bety frigjøring av vitenskap og kunst fra teologi, en avkjøling mot kristen etikk, fremveksten av nasjonal litteratur og en persons ønske om frihet fra den katolske kirkes restriksjoner. Det vil si at renessansen i hovedsak begynte å bety humanisme.
REVIVAL, RENESSANSE(Fransk renais sance - vekkelse) - en av de største epoker, et vendepunkt i utviklingen av verdenskunsten mellom middelalderen og moderne tid. Renessansen dekker XIV-XVI århundrer. i Italia, XV-XVI århundrer. i andre europeiske land. Denne perioden i kulturutviklingen fikk navnet sitt - renessanse (eller renessanse) i forbindelse med gjenopplivingen av interessen for eldgammel kunst. Imidlertid kopierte kunstnerne på denne tiden ikke bare gamle modeller, men la også inn kvalitativt nytt innhold. Renessansen bør ikke betraktes som en kunstnerisk stil eller bevegelse, siden det i løpet av denne epoken var forskjellige kunstneriske stiler, retninger, trender. Renessansens estetiske ideal ble dannet på grunnlag av et nytt progressivt verdensbilde – humanismen. Den virkelige verden og mennesket ble utropt til den høyeste verdien: Mennesket er alle tings mål. Den kreative personlighetens rolle har særlig økt.
Tidens humanistiske patos ble best nedfelt i kunsten, som, som i tidligere århundrer, hadde som mål å gi et bilde av universet. Det nye var at de prøvde å kombinere det materielle og åndelige til en helhet. Det var vanskelig å finne en person som var likegyldig til kunst, men foretrukket kunst og arkitektur ble gitt.
Italiensk maleri fra 1400-tallet. for det meste monumentale (fresker). Maleri inntar en ledende plass blant typer kunst. Det samsvarer mest med renessansens prinsipp om å "imitere naturen." Et nytt billedsystem er under utvikling basert på studiet av naturen. Kunstneren Masaccio ga et verdig bidrag til utviklingen av forståelsen av volum og dets overføring ved hjelp av chiaroscuro. Oppdagelsen og den vitenskapelige begrunnelsen av lovene for lineært og luftperspektiv påvirket den fremtidige skjebnen til europeisk maleri betydelig. Et nytt plastisk skulpturspråk blir dannet, grunnleggeren var Donatello. Han gjenopplivet den frittstående runde statuen. Hans beste verk er skulpturen av David (Firenze).
I arkitektur gjenoppstår prinsippene for det gamle ordenssystemet, viktigheten av proporsjoner heves, nye typer bygninger dannes (bypalass, landvilla, etc.), arkitekturteorien og konseptet om en ideell by utvikles . Arkitekten Brunelleschi bygde bygninger der han kombinerte den eldgamle forståelsen av arkitektur og tradisjonene fra sengotisk, og oppnådde en ny fantasifull spiritualitet av arkitektur som var ukjent for de gamle. Under høyrenessansen ble det nye verdensbildet best nedfelt i arbeidet til kunstnere som med rette kalles genier: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione og Titian. De to siste tredjedeler av 1500-tallet. kalt senrenessansen. På denne tiden oppsluker en krise kunsten. Den blir regimentert, høflig og mister sin varme og naturlighet. Noen store artister - Titian, Tintoretto - fortsetter imidlertid å skape mesterverk i denne perioden.
Den italienske renessansen hadde en enorm innflytelse på kunsten til Frankrike, Spania, Tyskland, England og Russland.
Fremveksten i utviklingen av kunst i Nederland, Frankrike og Tyskland (XV-XVI århundrer) kalles den nordlige renessansen. Verkene til malerne Jan van Eyck og P. Bruegel den eldre er høydepunktene i denne perioden med kunstutvikling. I Tyskland var den tyske renessansens største kunstner A. Durer.
Oppdagelsene som ble gjort under renessansen innen åndelig kultur og kunst var av stor historisk betydning for utviklingen av europeisk kunst i de påfølgende århundrene. Interessen for dem fortsetter i vår tid.
Renessansen i Italia gikk gjennom flere stadier: tidlig renessanse, høy renessanse, sen renessanse. Firenze ble fødestedet til renessansen. Grunnlaget for den nye kunsten ble utviklet av maleren Masaccio, skulptøren Donatello og arkitekten F. Brunelleschi.
Proto-renessansens største mester var den første som skapte malerier i stedet for ikoner Giotto. Han var den første som forsøkte å formidle kristne etiske ideer gjennom skildringen av virkelige menneskelige følelser og opplevelser, og erstattet symbolikk med skildringen av virkelig rom og spesifikke objekter. I Giottos berømte fresker Kapell del Arena i Padua Du kan se veldig uvanlige karakterer ved siden av helgenene: hyrder eller spinnere. Hver enkelt person i Giotto uttrykker veldig spesifikke opplevelser, en spesifikk karakter. 
Under den tidlige renessansen i kunsten ble den eldgamle kunstneriske arven mestret, nye etiske idealer ble dannet, kunstnere vendte seg mot vitenskapens prestasjoner (matematikk, geometri, optikk, anatomi). Den ledende rollen i dannelsen av ideologiske og stilistiske prinsipper for tidlig renessansekunst spilles av Firenze. Bildene skapt av slike mestere som Donatello og Verrocchio er dominert av rytterstatuen av condottiere Gattamelatas David" Donatellos heroiske og patriotiske prinsipper ("St. George" og "David" av Donatello og "David" av Verrocchio). 
Grunnleggeren av renessansemaleriet er Masaccio(malerier av Brancacci-kapellet, "Trinity"), visste Masaccio hvordan han skulle formidle dybden av rommet, koblet figuren og landskapet med et enkelt komposisjonskonsept, og ga portrettekspressivitet til enkeltpersoner.
Men dannelsen og utviklingen av det billedlige portrettet, som reflekterte interessen til renessansekulturen i mennesket, er assosiert med navnene på kunstnerne på Umrbi-skolen: Piero della Francesca, Pinturicchio.
Kunstnerens arbeid skiller seg ut i den tidlige renessansen Sandro Botticelli. Bildene han skapte er åndelige og poetiske. Forskere legger merke til abstraksjonen og den raffinerte intellektualismen i kunstnerens verk, hans ønske om å lage mytologiske komposisjoner med komplisert og kryptert innhold ("Spring", "Birth of Venus").En av Botticellis livsforfattere sa at hans Madonnas og Venuses gir inntrykk av at tap, fremkaller en følelse av uutslettelig tristhet i oss... Noen av dem mistet himmelen, andre mistet jorden. 
"Vår" "Venus fødsel"
Kulminasjonen i utviklingen av den italienske renessansens ideologiske og kunstneriske prinsipper blir Høyrenessanse. Leonardo da Vinci, en stor kunstner og vitenskapsmann, regnes som grunnleggeren av høyrenessansens kunst.
Han skapte hele linjen mesterverk: «Mona Lisa» («La Gioconda») Strengt tatt er selve ansiktet til Gioconda preget av tilbakeholdenhet og ro, smilet som skapte hennes verdensberømmelse og som senere ble en uunnværlig del av verkene til Leonardos skole er knapt merkbart i det. Men i den mykt smeltende disen som omslutter ansiktet og figuren, klarte Leonardo å få en til å føle den ubegrensede variasjonen til menneskelige ansiktsuttrykk. Selv om Giocondas øyne ser oppmerksomt og rolig på betrakteren, takket være skyggen av øyehulene hennes, kan man kanskje tro at de rynker litt; leppene hennes er komprimerte, men nær hjørnene deres er det subtile skygger som får deg til å tro at de hvert minutt vil åpne seg, smile og snakke. Selve kontrasten mellom blikket hennes og halvsmilet på leppene hennes gir ideen om inkonsistensen i opplevelsene hennes. Det var ikke forgjeves at Leonardo torturerte modellen sin med lange økter. Som ingen andre var han i stand til å formidle skygger, nyanser og halvtoner i dette bildet, og de gir opphav til en følelse av levende liv. Det var ikke for ingenting at Vasari trodde at en blodåre slo på Giocondas hals.
I portrettet av Gioconda formidlet Leonardo ikke bare kroppen og luften rundt den perfekt. Han la også inn en forståelse av hva øyet krever for at et bilde skal gi et harmonisk inntrykk, og det er grunnen til at alt ser ut som om formene er naturlig født fra hverandre, slik det skjer i musikk når anspent dissonans løses opp av en vellydende akkord. . Gioconda er perfekt innskrevet i et strengt proporsjonalt rektangel, hennes halve figur danner noe helt, hennes foldede hender gir bildet hennes fullstendighet. Nå kunne det selvfølgelig ikke være snakk om de fantasifulle krøllene til den tidlige "kunngjøringen". Uansett hvor myke alle konturene er, er Mona Lisas bølgete hårstrå i harmoni med det gjennomsiktige sløret, og det hengende stoffet som kastes over skulderen hennes finner et ekko i de glatte viklingene på den fjerne veien. I alt dette demonstrerer Leonardo sin evne til å skape i henhold til lovene om rytme og harmoni. "Fra et utførelsesteknisk synspunkt har Mona Lisa alltid vært ansett som noe uforklarlig. Nå tror jeg at jeg kan svare på denne gåten, sier Frank. Ifølge ham brukte Leonardo "sfumato"-teknikken han utviklet (italiensk "sfumato", bokstavelig talt "forsvant som røyk"). Teknikken er at objektene i maleriene ikke skal ha klare grenser, alt skal jevnt forvandle seg til hverandre, konturene til objektene skal mykes opp ved hjelp av lys-luft-disen som omgir dem. Hovedvanskeligheten med denne teknikken ligger i de minste utstrykene (omtrent en kvart millimeter), som ikke er gjenkjennelige verken under et mikroskop eller ved hjelp av røntgenstråler. Dermed tok det flere hundre økter å male Da Vincis maleri. Bildet av Mona Lisa består av omtrent 30 lag flytende, nesten gjennomsiktig oljemaling. For slikt smykkearbeid måtte kunstneren tilsynelatende bruke et forstørrelsesglass. Kanskje bruken av slik arbeidskrevende teknologi forklarer i lang tid Arbeidet med portrettet tok nesten 4 år. 
, "Siste måltid" gjør et varig inntrykk. På veggen, som om å overvinne den og ta betrakteren inn i en verden av harmoni og majestetiske visjoner, utspiller det seg det eldgamle evangeliedramaet om forrådt tillit. Og dette dramaet finner sin oppløsning i en generell impuls rettet mot hovedpersonen - en ektemann med et sorgfullt ansikt som aksepterer det som skjer som uunngåelig. Kristus sa nettopp til sine disipler: "En av dere vil forråde meg." Forræderen sitter sammen med andre; de gamle mestrene avbildet Judas sittende hver for seg, men Leonardo avslørte sin dystre isolasjon mye mer overbevisende, og innhyllet trekkene hans i skygge. Kristus er underdanig sin skjebne, fylt med bevisstheten om ofringen av sin bragd. Hans bøyde hode med nedslåtte øyne og håndbevegelsen er uendelig vakker og majestetisk. Et nydelig landskap åpner seg gjennom vinduet bak figuren hans. Kristus er sentrum for hele komposisjonen, i alle virvelvannet av lidenskaper som raser rundt. Hans tristhet og ro ser ut til å være evig, naturlig - og dette er den dype meningen med dramaet som vises. Han lette etter kilder til perfekte former for kunst i naturen, men det var ham som N. Berdyaev anser som ansvarlig for den kommende mekaniseringsprosessen og mekanisering av menneskelivet, som skilte mennesket fra naturen.
Maleri oppnår klassisk harmoni i kreativitet Raphael. Kunsten hans utvikler seg fra de tidlige, kaldt fjerntliggende umbriske bildene av Madonnas ("Madonna Conestabile") til verden av "lykkelig kristendom" av florentinske og romerske verk. "Madonna med gullfinken" og "Madonna i lenestolen" er myke, humane og til og med vanlige i sin menneskelighet. 
Men bildet av "den sixtinske madonna" er majestetisk, og forbinder symbolsk den himmelske og den jordiske verdenen. Mest av alt er Raphael kjent som skaperen av milde bilder av Madonnas. Men i maleriet legemliggjorde han både idealet om renessansens universelle menneske (portrett av Castiglione) og dramaet om historiske hendelser. «Den sixtinske madonna» (ca. 1513, Dresden, Billedgalleri) er et av kunstnerens mest inspirerte verk. Malt som et alterbilde for kirken til klosteret St. Sixta i Piacenza, dette maleriet i konsept, komposisjon og tolkning av bildet er vesentlig forskjellig fra "Madonnas" fra den florentinske perioden. I stedet for et intimt og jordisk bilde av en vakker ung jomfru som nedlatende ser på underholdningen til to barn, ser vi her et fantastisk syn som plutselig dukker opp i himmelen bak et forheng trukket tilbake av noen. Omgitt av en gylden glød går høytidelig og majestetisk Maria gjennom skyene, og holder spedbarnet Kristus foran seg. Til venstre og til høyre kneler St. foran henne. Sixtus og St. Varvara. Den symmetriske, strengt balanserte komposisjonen, klarheten i silhuetten og den monumentale generaliseringen av former gir "den sixtinske madonna" en spesiell storhet.
I dette maleriet klarte Raphael, kanskje mer enn noe annet sted, å kombinere den vitale sannheten til bildet med egenskapene til ideell perfeksjon. Bildet av Madonnaen er sammensatt. Den rørende renheten og naiviteten til en veldig ung kvinne er kombinert i ham med fast besluttsomhet og heroisk vilje til å ofre. Dette heltemotet forbinder bildet av Madonna med de beste tradisjonene innen italiensk humanisme. Kombinasjonen av det ideelle og det virkelige i dette bildet får oss til å huske de berømte ordene til Raphael fra et brev til vennen B. Castiglione. "Og jeg skal fortelle deg," skrev Raphael, "at for å male en skjønnhet, må jeg se mange skjønnheter ... men på grunn av mangelen ... på vakre kvinner, bruker jeg en idé som kommer til meg . Jeg vet ikke om det har noen perfeksjon, men jeg prøver veldig hardt for å oppnå det.» Disse ordene kaster lys over kunstnerens kreative metode. Med utgangspunkt i virkeligheten og stole på den, prøver han samtidig å heve bildet over alt tilfeldig og forbigående.
Michelangelo(1475-1564) er utvilsomt en av de mest inspirerte kunstnerne i kunsthistorien og, sammen med Leonardo Da Vinci, den mektigste skikkelsen i den italienske høyrenessansen. Som skulptør, arkitekt, maler og poet hadde Michelangelo en enorm innflytelse på sin samtid og på senere vestlig kunst generelt.
Han betraktet seg selv som en florentiner – selv om han ble født 6. mars 1475 i den lille landsbyen Caprese nær byen Arezzo. Michelangelo elsket byen sin, dens kunst, kultur, og bar denne kjærligheten til slutten av sine dager. Han tilbrakte mesteparten av sine voksne år i Roma, og arbeidet etter ordre fra pavene; imidlertid etterlot han et testamente, i samsvar med hvilken kroppen hans ble gravlagt i Firenze, i en vakker grav i kirken Santa Croce.
Michelangelo opptrådte marmorskulptur Pieta(Kristi klage) (1498-1500), som fortsatt ligger på sin opprinnelige plassering - Peterskirken. Dette er et av de mest kjente verkene i verdens kunsthistorie. Pietaen ble sannsynligvis fullført av Michelangelo før han var 25 år gammel. Dette er det eneste verket han signerte. Unge Maria er avbildet med den døde Kristus på knærne, et bilde lånt fra nordeuropeisk kunst. Marys blikk er ikke så trist som det er høytidelig. Dette høyeste punkt arbeidet til den unge Michelangelo. 
Ikke mindre viktig verk av den unge Michelangelo var et gigantisk (4,34 m) marmorbilde David(Accademia, Firenze), henrettet mellom 1501 og 1504, etter retur til Firenze. Helt Det gamle testamente Michelangelo er avbildet som en kjekk, muskuløs, naken ung mann som ser engstelig ut i det fjerne, som om han vurderer sin fiende - Goliat, som han må kjempe med. Det livlige, intense uttrykket i Davids ansikt er karakteristisk for mange av Michelangelos verk - dette er et tegn på hans individuelle skulpturelle stil. David, Michelangelos mest kjente skulptur, ble et symbol på Firenze og ble opprinnelig plassert på Piazza della Signoria foran Palazzo Vecchio, Firenzes rådhus. Med denne statuen beviste Michelangelo for sine samtidige at han ikke bare overgikk alle samtidskunstnere, men også antikkens mestere.
Maling av hvelvet til Det sixtinske kapell I 1505 ble Michelangelo innkalt til Roma av pave Julius II for å utføre to ordre. Det viktigste var freskemaleriet av hvelvet til Det sixtinske kapell. Mens han lå på høye stillaser rett under taket, skapte Michelangelo de vakreste illustrasjonene for noen bibelske fortellinger mellom 1508 og 1512. På hvelvet til det pavelige kapellet avbildet han ni scener fra Første Mosebok, som begynte med atskillelsen av lys fra mørket og inkluderte skapelsen av Adam, skapelsen av Eva, fristelsen og fallet til Adam og Eva og syndfloden. Rundt hovedmaleriene veksler bilder av profeter og sibyller på marmortroner, andre gammeltestamentlige karakterer og Kristi forfedre.
For å forberede seg på dette store arbeidet fullførte Michelangelo et stort antall skisser og kartonger, hvor han avbildet figurer av sittere i en rekke positurer. Disse kongelige, kraftfulle bildene demonstrerer kunstnerens mesterlige forståelse av menneskets anatomi og bevegelse, som ga impulser til en ny bevegelse i vesteuropeisk kunst. 
To andre utmerkede statuer, Den lenkete fangen og en slaves død(begge ca. 1510-13) er i Louvre, Paris. De demonstrerer Michelangelos tilnærming til skulptur. Etter hans mening er figurene ganske enkelt innelukket i en blokk av marmor, og kunstnerens oppgave er å frigjøre dem ved å fjerne overflødig stein. Ofte lot Michelangelo skulpturer stå uferdige – enten fordi de ble unødvendige, eller rett og slett fordi de mistet interessen for kunstneren. 
Biblioteket i San Lorenzo Prosjektet for graven til Julius II krevde arkitektonisk utdypning, men Michelangelos seriøse arbeid på det arkitektoniske feltet begynte først i 1519, da han fikk oppdraget for fasaden til St. Lawrence-biblioteket i Firenze, hvor kunstneren kom tilbake. igjen (dette prosjektet ble aldri realisert). På 1520-tallet tegnet han også den elegante inngangshallen til biblioteket, ved siden av kirken San Lorenzo. Disse strukturene ble fullført bare flere tiår etter forfatterens død.
Michelangelo, en tilhenger av den republikanske fraksjonen, deltok i krigen mot Medici i 1527-29. Hans ansvar inkluderte bygging og gjenoppbygging av festningsverk i Firenze. 
Medici-kapellene. Etter å ha bodd i Firenze i en ganske lang periode, utførte Michelangelo, mellom 1519 og 1534, en ordre fra Medici-familien om bygging av to graver i det nye sakristiet til San Lorenzo-kirken. I en hall med et høyt hvelvet hvelv reiste kunstneren to praktfulle graver mot veggene, beregnet på Lorenzo De' Medici, hertugen av Urbino og for Giuliano De' Medici, hertugen av Nemours. De to komplekse gravene var ment å representere motstridende typer: Lorenzo er et selvstendig individ, en omtenksom, tilbaketrukket person; Giuliano er tvert imot aktiv og åpen. Skulptøren plasserte allegoriske skulpturer av morgen og kveld over Lorenzos grav, og allegorier om dag og natt over Giulianos grav. Arbeidet med Medici-gravene fortsatte etter at Michelangelo kom tilbake til Roma i 1534. Han besøkte aldri sin elskede by igjen.
Siste dom
Fra 1536 til 1541 arbeidet Michelangelo i Roma med å male alterveggen til Det sixtinske kapell i Vatikanet. Renessansens største freskomaleri skildrer den siste dommens dag.Kristus, med flammende lyn i hånden, deler ubønnhørlig opp alle jordens innbyggere i de frelste rettferdige, avbildet på venstre side av komposisjonen, og syndere som stiger ned i Dantes. helvete (venstre side av fresken). Strengt etter sin egen tradisjon malte Michelangelo opprinnelig alle figurene nakne, men et tiår senere "kledde" en puritansk kunstner dem ettersom det kulturelle klimaet ble mer konservativt. Michelangelo etterlot sitt eget selvportrett på fresken - ansiktet hans kan lett sees på huden revet fra den hellige martyrapostelen Bartholomew.
Selv om Michelangelo i denne perioden hadde andre maleoppdrag, som maleriet av kapellet til St. Paul apostelen (1940), prøvde han først og fremst å vie all sin energi til arkitektur.
Kuppelen til St. Peters katedral. I 1546 ble Michelangelo utnevnt til sjefsarkitekt for byggingen av Peterskirken i Vatikanet. Bygningen ble bygget i henhold til planene til Donato Bramante, men Michelangelo ble til slutt ansvarlig for byggingen av alterapsiden og for å utvikle den tekniske og kunstneriske utformingen av katedralens kuppel. Fullførelsen av byggingen av St. Peters katedral var den florentinske mesterens høyeste prestasjon innen arkitektur. I løpet av sitt lange liv var Michelangelo en nær venn av prinser og paver, fra Lorenzo De' Medici til Leo X, Clement VIII og Pius III, i tillegg til mange kardinaler, malere og poeter. Karakteren til kunstneren, hans posisjon i livet er vanskelig å forstå gjennom verkene hans - de er så forskjellige. Bare i poesi, i sine egne dikt, tok Michelangelo oftere og dypere opp spørsmål om kreativitet og sin plass i kunsten. En stor plass i diktene hans er viet problemene og vanskelighetene han måtte møte i arbeidet sitt, og personlige forhold til de mest fremtredende representantene fra den tiden.En av renessansens mest kjente poeter, Lodovico Ariosto, skrev et epitafium for dette kjent kunstner: "Michele er mer enn dødelig, han er en guddommelig engel." 
SIDE \* MERGEFORMAT 2
Føderalt byrå jernbanetransport
Siberian State Transport University
Institutt for filosofi
KUNSTNERISKE BILDER AV RENESSANSENS TID
Essay
I faget "Kulturologi"
Utviklet hode
Professorstudent gr. D-111
Bystrova A.N. ___________ Kamyshova E.V.
(signatur) (signatur)
08.12.2012
(dato for inspeksjon) (dato for innlevering til inspeksjon)
år 2012
Introduksjon
Renessansen regnes som en av de lyseste periodene i historien om utviklingen av europeisk kultur. Vi kan si at renessansen er en hel kulturell æra i overgangsprosessen fra middelalderen til moderne tid, der en kulturell revolusjon (snu, skift) fant sted. Grunnleggende endringer er forbundet med eliminering av mytologi.
Til tross for opprinnelsen til begrepet renessanse (fransk renessanse, "renessanse"), var det ikke og kunne ikke være en gjenopplivning av antikken. En person kan ikke vende tilbake til sin fortid. Renessansen, ved å bruke lærdommen fra antikken, introduserte innovasjoner. Han vekket ikke alle eldgamle sjangre til live igjen, men bare de som var karakteristiske for ambisjonene i hans tid og kultur. Renessansen kombinerte en ny lesning av antikken med en ny lesning av kristendommen.
Relevansen til det valgte emnet skyldes forbindelsen mellom moderne tid og renessansen - dette er først og fremst en revolusjon i verdisystemet, i vurderingen av alle ting og holdningen til det.
Hovedmålet med arbeidet er å vise de grunnleggende endringene som har skjedd i verdensbildet til de største skikkelsene i den aktuelle epoken.
1. Renessansekultur
XIII - XVI Århundrene var en tid med store endringer i økonomi, politikk og kultur. Den raske veksten av byer og utviklingen av håndverk, og senere overgangen til produksjon, forvandlet utseendet til middelalderens Europa.
Byer begynte å komme i forgrunnen. Ikke lenge før dette opplevde middelalderverdenens mektigste krefter - imperiet og pavedømmet - en dyp krise. I XVI århundre, ble det oppløste, hellige romerske rike av den tyske nasjonen åstedet for de to første anti-føydale revolusjonene - den store bondekrigen i Tyskland og det nederlandske opprøret.
Tidens overgangskarakter, prosessen med frigjøring fra middelalderske måter som finner sted på alle områder av livet, på samme tid, den fortsatt underutviklingen av nye kapitalistiske relasjoner kunne ikke annet enn å påvirke egenskapene til den kunstneriske kulturen og den estetiske tanken på den tiden.
I følge A.V. Stepanov ble alle endringer i samfunnets liv ledsaget av en bred fornyelse av kulturen - blomstringen av naturvitenskap og eksakt vitenskap, litteratur på nasjonale språk og kunst. Med opprinnelse i byene i Italia, spredte denne fornyelsen seg til andre europeiske land. Forfatteren mener at det etter fremkomsten av trykking åpnet seg enestående muligheter for formidling av litterære og vitenskapelige verk, og mer regelmessig og tettere kommunikasjon mellom land bidro til at nye kunstneriske bevegelser trengte inn.
Dette betydde ikke at middelalderen trakk seg tilbake til nye trender: tradisjonelle ideer ble bevart i massebevisstheten. Kirken motarbeidet nye ideer ved å bruke et middelaldersk middel - inkvisisjonen. Ideen om menneskelig frihet fortsatte å eksistere i et samfunn delt inn i klasser. Den føydale formen for bondeavhengighet forsvant ikke helt, og i noen land (Tyskland, Sentral-Europa) var det en retur til livegenskap. Det føydale systemet viste ganske stor motstandskraft. Hver Europeisk land levd det ut på sin egen måte og innenfor sine egne kronologiske rammer. Kapitalismen eksisterte som en livsstil i lang tid, og dekket bare en del av produksjonen både i byen og på landsbygda. Imidlertid begynte patriarkalsk middelaldersk langsomhet å trekke seg tilbake i fortiden.
De store geografiske oppdagelsene spilte en stor rolle i dette gjennombruddet. For eksempel i 1492 H. Columbus, på jakt etter en rute til India, krysset Atlanterhavet og landet på Bahamas, og oppdaget et nytt kontinent - Amerika. I 1498 Den spanske oppdageren Vasco da Gama, etter å ha omgått Afrika, brakte skipene sine til kysten av India. MED XVI V. Europeere trenger inn i Kina og Japan, som de tidligere bare hadde den vageste ide om. I 1510 begynte erobringen av Amerika. I XVII V. Australia ble oppdaget. Ideen om jordens form har endret seg: F. Magellans reise rundt i verden bekreftet gjetningen om at den har form som en ball.
Forakt for alt jordisk er nå erstattet av en grådig interesse for den virkelige verden, for mennesket, for bevisstheten om naturens skjønnhet og storhet, noe som kunne bevises ved å analysere renessansens kulturminner. Teologiens ubestridte forrang fremfor vitenskapen i middelalderen ble rystet av troen på menneskesinnets ubegrensede muligheter, som ble den høyeste standarden for sannhet. Med vekt på interessen for det menneskelige i motsetning til det guddommelige, kalte representanter for den nye sekulære intelligentsia seg humanister, og hentet dette ordet fra konseptet " studio humanitanis ", som betydde studiet av alt relatert til menneskets natur og hans åndelige verden.
Renessansens verker og kunst ble preget av ideen om et fritt vesen med ubegrensede kreative muligheter. Det er assosiert med antroposentrisme i renessansens estetikk og forståelsen av det vakre, sublime og heroiske. Prinsippet om en vakker, kunstnerisk kreativ menneskelig personlighet ble kombinert blant renessansens teoretikere med et forsøk på matematisk å beregne alle slags proporsjoner, symmetri og perspektiv.
Den estetiske og kunstneriske tenkningen i denne epoken er for første gang basert på menneskelig oppfatning som sådan og på et sensuelt virkelig bilde av verden. Det som også er påfallende her er den subjektivistisk-individualistiske tørsten etter livsfornemmelser, uavhengig av deres religiøse og moralske tolkning, selv om sistnevnte i prinsippet ikke fornektes. Renessansens estetikk orienterer kunsten mot imitasjon av naturen. Men i første omgang er her ikke så mye natur som kunstneren, som i sin skapende virksomhet sammenlignes med Gud.
E. Chamberlin anser nytelse som et av de viktigste prinsippene for oppfatning av kunstverk, fordi dette indikerer en betydelig demokratisk tendens i motsetning til tidligere estetiske teoriers skolastiske «stipend».
Den estetiske tanken fra renessansen inneholder ikke bare ideen om absoluttisering av det menneskelige individet i motsetning til den guddommelige personlighet i middelalderen, men også en viss bevissthet om begrensningene til slik individualisme, basert på den absolutte selvbekreftelsen. av den enkelte. Derav tragediemotivene som finnes i verkene til W. Shakespeare, M. Cervantes, Michelangelo og andre. Dette er inkonsekvensen i en kultur som har beveget seg bort fra antikkens middelalderabsoluter, men som på grunn av historiske omstendigheter ennå ikke har funnet nye pålitelige stiftelser.
Sammenhengen mellom kunst og vitenskap er et av kulturens karakteristiske trekk. Kunstnere søkte støtte i vitenskapene, og stimulerte ofte deres utvikling. Renessansen ble preget av fremveksten av vitenskapelige kunstnere, hvorav den første plassen tilhører Leonardo da Vinci.
En av renessansens oppgaver er derfor at mennesket skal forstå en verden fylt med guddommelig skjønnhet. Verden tiltrekker seg mennesker fordi den er åndeliggjort av Gud. Men under renessansen var det en annen tendens - en persons følelse av tragedien i hans eksistens.
2. Bilde av verden og mennesket i verkene til store mestere Renessanse
Begrepet "renessanse" (oversettelse av det franske uttrykket "renessanse") indikerer forbindelsen mellom den nye kulturen og antikken. Som et resultat av deres bekjentskap med Østen, spesielt med Byzantium, under korstogenes tid, ble europeere kjent med eldgamle humanistiske manuskripter og forskjellige monumenter av gammel kunst og arkitektur. Alle disse antikvitetene begynte å bli delvis transportert til Italia, hvor de ble samlet og studert. Men i selve Italia var det mange gamle romerske monumenter, som også begynte å bli nøye studert av representanter for den italienske urbane intelligentsiaen. Det italienske samfunnet utviklet en dyp interesse for de klassiske eldgamle språkene, eldgammel filosofi, historie og litteratur. Byen Firenze spilte en spesielt stor rolle i denne bevegelsen. En rekke mennesker forlot Firenze fremtredende skikkelser ny kultur.
Ved å bruke eldgammel ideologi, en gang skapt i antikkens mest økonomisk livlige byer, bearbeidet det nye borgerskapet det på sin egen måte, og formulerte sitt eget nye verdensbilde, skarpt i motsetning til føydalismens tidligere dominerende verdensbilde. Andrenavnet på den nye italiensk kultur– Humanismen beviser bare dette.
Humanistisk kultur plasserte personen selv (humanus - menneskelig) i sentrum av dens oppmerksomhet, og ikke det guddommelige, overjordiske, slik tilfellet var i middelalderens ideologi. Det var ikke lenger plass for askese i det humanistiske verdensbildet. Menneskekroppen, dens lidenskaper og behov ble ikke sett på som noe "syndig" som måtte undertrykkes eller tortureres, men som et mål i seg selv, som det viktigste i livet. Den jordiske eksistensen ble anerkjent som den eneste virkelige. Kunnskap om naturen og mennesket ble erklært som essensen av vitenskap. I motsetning til de pessimistiske motivene som dominerte verdensbildet til middelalderens skolastikere og mystikere, rådde optimistiske motiver i renessansens verdensbilde og stemning; De var preget av tro på mennesket, på menneskehetens fremtid, på den menneskelige fornuftens og opplysningens triumf. En galakse av fremragende poeter og forfattere, vitenskapsmenn og skikkelser forskjellige typer kunsten deltok i denne nye store intellektuelle bevegelsen. Slike fantastiske artister brakte ære til Italia: Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Raphael, Titian.
En utvilsom prestasjon av renessansen var den geometrisk korrekte utformingen av maleriet. Kunstneren bygde bildet ved å bruke teknikkene han utviklet. Det viktigste for den tidens malere var å opprettholde proporsjonene til gjenstander. Selv naturen falt under matematiske teknikker.
Med andre ord, kunstnere under renessansen søkte å formidle et nøyaktig bilde av for eksempel en person mot en naturbakgrunn. Hvis vi sammenligner det med moderne teknikker for å gjenskape et sett bilde på et lerret, vil fotografering med påfølgende justeringer mest sannsynlig bidra til å forstå hva renessansekunstnerne streber etter.
Renessansemalere mente at de hadde rett til å rette opp naturens mangler, det vil si at hvis en person hadde stygge ansiktstrekk, korrigerte kunstnerne dem på en slik måte at ansiktet ble søtt og attraktivt.
Ved å skildre bibelske scener forsøkte renessansekunstnere å gjøre det klart at menneskets jordiske manifestasjoner kan skildres klarere hvis man bruker bibelhistorier. Du kan forstå hva syndefallet, fristelsen, helvete eller himmelen er hvis du begynner å bli kjent med arbeidet til den tidens kunstnere. Det samme bildet av Madonna formidler til oss skjønnheten til en kvinne, og bærer også i seg selv en forståelse av jordisk menneskelig kjærlighet.
I renessansens kunst var veiene til vitenskapelig og kunstnerisk forståelse av verden og mennesket tett sammenvevd. Dens kognitive betydning var uløselig forbundet med sublim poetisk skjønnhet; i sitt ønske om naturlighet bøyde den seg ikke til smålig hverdagsliv. Kunst har blitt et universelt åndelig behov.
Konklusjon
Så, renessansen, eller renessansen, er en epoke i menneskehetens liv, preget av en kolossal økning i kunst og vitenskap. Renessansen utropte mennesket som livets høyeste verdi.
I kunsten var hovedtemaet en person med ubegrenset åndelig og kreativt potensial.Renessansens kunst la grunnlaget for europeisk kultur i New Age og endret radikalt alle hovedtyper av kunst.
Nye typer offentlige bygg har dukket opp i arkitekturen.Maleriet ble beriket med lineært og luftperspektiv, kunnskap om anatomien og proporsjonene til menneskekroppen.Jordisk innhold trengte inn i de tradisjonelle religiøse temaene til kunstverk. Interessen for gammel mytologi, historie, hverdagsscener, landskap og portretter økte. Et maleri dukket opp, et maleri dukket opp oljemaling. Den kreative individualiteten til kunstneren kom først i kunsten.
I renessansens kunst var banene for vitenskapelig og kunstnerisk forståelse av verden og mennesket tett sammenvevd.Kunst har blitt et universelt åndelig behov.
Selvfølgelig er renessansen en av de vakreste epokene i menneskehetens historie.
BIBLIOGRAFI
- KUSTODIEVA T.K. ITALIENSK RENESSANSEKUNST FRA XIII-XVI ÅRhundrene (ESSAY-GUIDE) / T.K. KUSTODIEVA, KUNST, 1985. 318 s.
- BILDER AV KJÆRLIGHET OG Skjønnhet I RENESSANSEKULTUREN / L.M. BRAGINA, M., 2008. 309 P.
- STEPANOV A.V. RENESSANSEKUNST. ITALIA XIV-XV CENTURIES / A.V. STEPANOV, M., 2007. 610 P.
- STEPANOV A.V. RENESSANSEKUNST. NEDERLAND, TYSKLAND, FRANKRIKE, SPANIA, ENGLAND / A.V. STEPANOV, ABC-CLASSICS, 2009. 640 P.
- CHAMBERLIN E. RENESSANSE. LIV, RELIGION, KULTUR / E. CHAMBERLIN, CENTERPOLYGRAPH, 2006. 240 S.
Italiensk arkitektur fra den tidlige renessansen (Quattrocento) åpnet en ny periode i utviklingen av europeisk arkitektur, og forlot den dominerende i Europa gotisk kunst og etablere nye prinsipper som var basert på ordresystemet.
I denne perioden ble gammel filosofi, kunst og litteratur målrettet og bevisst studert. Antikken var således lagdelt med sterke, hundre år gamle tradisjoner fra middelalderen, spesielt kristen kunst, på grunn av hvilke den spesifikke komplekse naturen til renessansens kultur var basert på transformasjon og sammenveving av hedenske og kristne emner.
Quattrocento er en tid med eksperimentelle søk, da det ikke var intuisjon som kom i forgrunnen, som i proto-renessansens tid, men presis vitenskapelig kunnskap. Nå spilte kunst rollen som universell kunnskap om verden rundt, som mange vitenskapelige avhandlinger fra 1400-tallet ble skrevet om.
Den første teoretikeren innen arkitektur og maleri var Leon Batista Alberti, som utviklet teorien lineært perspektiv, basert på den sannferdige skildringen av romdybden i maleriet. Denne teorien dannet grunnlaget for nye prinsipper for arkitektur og byplanlegging med sikte på å skape en ideell by.
Renessansemesterne begynte å vende tilbake til Platons drøm om en ideell by og en ideell stat og legemliggjorde de ideene som allerede var sentrale i eldgammel kultur og filosofi - ideen om harmoni mellom menneske og natur, ideen om humanisme. Dermed var det nye bildet av den ideelle byen først en slags formel, en plan, et vågalt utsagn for fremtiden.
Byplanleggingens teori og praksis under renessansen utviklet seg parallelt med hverandre. Gamle bygninger ble gjenoppbygd, nye ble bygget, og samtidig ble det skrevet avhandlinger om arkitektur, befestning og ombygging av byer. Forfatterne av avhandlingene (Alberti og Palladio) var langt foran behovene til praktisk konstruksjon, og beskrev ikke ferdige prosjekter, men presenterte et grafisk avbildet konsept, ideen om en ideell by. De diskuterte også hvordan byen skulle legges ut fra forsvar, økonomi, estetikk og hygiene.
Alberti var faktisk den første som forkynte de grunnleggende prinsippene for det ideelle urbane ensemblet fra renessansen, utviklet ved å syntetisere den eldgamle følelsen av proporsjoner og den rasjonalistiske tilnærmingen til den nye tiden. Dermed var de estetiske prinsippene til byplanleggere fra renessansen:
- konsistens av arkitektoniske skalaer til hoved- og sekundærbygningene;
- forholdet mellom bygningens høyde og plassen foran den (fra 1:3 til 1:6);
- fravær av dissonante kontraster;
- balanse i komposisjon.
Den ideelle byen var en stor bekymring for mange store mestere i renessansen. Leonardo da Vinci tenkte også på det, hvis idé var å skape en to-nivå by, der godstransport beveget seg langs det nedre nivået, og bakke- og gangveier var plassert på øvre nivå. Da Vincis planer innebar også gjenoppbyggingen av Firenze og Milano, samt utkast til en spindelformet by.
På slutten av 1500-tallet var mange byplanleggingsteoretikere forundret over spørsmålet om defensive strukturer og butikklokaler. Dermed ble festningstårnene og -murene erstattet av jordbastioner utenfor bygrensene, takket være at konturene av byen begynte å ligne en flerstrålet stjerne.
Og selv om ikke en eneste ideell by noen gang ble bygget i stein (ikke medregnet små befestede byer), ble mange av prinsippene for å bygge en slik by virkelighet allerede på 1500-tallet, da det i Italia og mange andre land begynte å bli rette, brede gater. lagt som koblet sammen viktige elementer i det urbane ensemblet.
