Illustrationer av Erik Bulatov. Och så är politiken...

Erik Bulatov, en klassiker från det andra avantgardet, berättar om sina föräldrar och Sverdlovsk, om evakueringen och hur han började måla, om lärare, Favorsky och Falka, bokillustrationer och principerna för hans arbete.

Eric Bulatov, en Sots Art-klassiker som bor i Paris, under en kort vistelse i nyårs Moskva, berättade för Elena Kalashnikova om sina föräldrar och barndom, lärare och Surikovskolan, om hur han kombinerat illustrera böcker för barn med målning i trettio år. "Vad kan en konstnär drömma om som gör det han tycker är lämpligt, och på det sätt han tycker är lämpligt?..."

Du föddes i Sverdlovsk den 5 september 1933. I en intervju sa du: ”Av någon anledning trodde min pappa verkligen att jag skulle bli konstnär. Han dog vid fronten när jag ännu inte var åtta år gammal. Berätta om din familj.
– Här är det nödvändigt att förtydliga: min far gick till fronten 1941, när jag inte var åtta år, och dog 1944. Han var en professionell partiarbetare.

- Vad var hans namn?
- Vladimir Borisovich. Han kommer från Saratov, flyttade sedan till Moskva med sina föräldrar. 1918 gick han med i sällskapet, direkt efter gymnastiksalen han gick på inbördeskrig vilket var en tragedi för familjen. 1937 blev han utesluten från partiet, och allt gick till arrestering. Men så gjorde min mamma en enkel men väldigt effektiv sak. Jag hyrde en dacha nära Moskva, och min far bodde där i ungefär sex månader.

Han var ingen stor politisk person, så myndigheterna behövde inte arrestera honom. Det fanns en layout för varje distrikt – att ta så mycket, men om detta inte finns så tar vi ett till. Hur de rekryterade till armén, ungefär likadant.

När den här kampanjen var över och min far dök upp rörde de honom inte, de återinsatte honom i partiet, men han återvände inte till partiarbetet. Han hade högre utbildning, och han började arbeta som vetenskaplig sekreterare i den stora sovjetiska encyklopedin.

– Varför föddes du i Sverdlovsk?
– Min pappa åkte på affärsresa till Ural, min gravida mamma följde med, jag föddes där, och sedan kom de tillbaka.

Min mamma hade en romantisk natur och var mycket aktiv. Född i Polen, i Bialystok. Vid femton års ålder korsade hon olagligt gränsen: Ryssland - frihet, revolution ...

Hon fångades vid gränsen, återvände, men till slut hamnade hon i Ryssland, utan att kunna ryska språket, hon hade jiddisch och polska. Men tre år senare behärskade hon ryska så mycket att hon redan arbetade som stenograf. Först ett år eller två, tror jag, i Kamenetz-Podolsky, sedan i Moskva.

De senaste åren har hon varit stenograf vid Moskvas advokatsamfunds presidium. Mamma var väldigt begåvad person och på 1920-talet klarade hon till och med ett skådespelarexamen i en filmstudio.

Det fanns ett sådant lärarrum (inte Romm). Hon gick igenom en galen tävling, men fungerade inte där, det räckte för henne att hon klarade tävlingen.

Hon var emot partiets allmänna linje, mot all makt, ett typiskt intellektuellt medvetande. Hon var tvungen att vara emot sin far, deras åsikter var på många sätt motsatta, men de älskade varandra väldigt mycket.

Senare tryckte mamman om förbjudna texter: Pasternak, Tsvetaev, Mandelstam ... Hela doktor Zhivago.

- Deltog i samizdat.
– I samizdat, det är det. Hon skrev på en skrivmaskin mestadels konstnärliga, inte politiska texter, men inte desto mindre förbjudna. Jag menar, mina föräldrar var väldigt olika.

- Vem av dem stod dig närmast?
- Svårt att säga. Jag var för ung för att välja. Min lyckliga barndom slutade med början av kriget, mardrömmen fortsatte tills jag kom in på konstskolan. Sedan fortsatte det vanliga livet.

Så länge jag kan minnas har jag ritat, och ritat bra. Då var det för tidigt att bedöma vad det skulle kunna bli. Detta bestäms av tio eller tolv års ålder, men min far trodde att jag skulle bli konstnär.

Vad var det för teckningar? Porträtt, skisser från naturen, landskap?
– Konstigt nog blev några av dem kvar. I grund och botten var det kompositioner. Ruslan och Rogdai slåss, slåss, ryttare, något sånt ... Kompositionerna var intressanta. Men jag ritade något.

- Sparade din mamma ritningarna?
- Förmodligen, jag vet inte ens. Jag har ett av dessa album i min studio. Jag lämnade den av misstag, jag tror inte att den var speciellt bevarad. De flesta teckningar från den perioden har försvunnit.

När vi åkte till evakueringen eldade de som flyttades in i vår lägenhet i kaminen med böcker. Vi utgick från de nedersta hyllorna, där det fanns mina barnböcker och teckningar, och längst upp fanns Lenins och Marx böcker. Naturligtvis började de inte med Marx, och det var långt att klättra dit ...

– Var bodde du under evakueringen?
– Vi åkte till evakueringen tillsammans med Konsteatern, eftersom min pappas syster var gift med en skådespelare på Konsteatern. Vi levde som en familj. Faderns föräldrar bodde med sin dotter, innan giftermålet, och pappan bodde hos dem, och fick sedan en lägenhet. Mamma, tillsammans med dem, evakuerades - först i Saratov, sedan i Sverdlovsk.

- Gick din pappa ut i krig som volontär?
Ja, så fort kriget började.

Det blev ganska dumt. Först visade min mamma mig mina teckningar. olika artister till och med Korina. Korin och andra sa att det inte behövdes skicka mig någonstans, de kunde skämma bort mig där, något sånt i allmänhet, det var för tidigt.

Konstskola antas efter femte årskurs allmän bildning. Jag visste inte att det fanns en sådan skola, och jag fick reda på det av en slump. I en parallellklass studerade min kamrat, som också målade, vi tävlade med honom.

En gång berättade han för mig att han skulle gå in på en konstskola, det fanns prov, men han var säker på att han skulle klara det. Jag blev chockad när jag fick veta att det finns en sådan skola, jag sprang dit, men det visade sig vara för sent - proven var över och jag fick vänta på det nya året.

Jag fick rådet att förbereda mig på Pioneer House. I två år studerade jag i en ritcirkel med Alexander Mikhailovich Mikhailov, som jag minns med kärlek och tacksamhet.

En bra lärare och en charmig person, sedan upprätthöll jag en relation med honom. På nästa år Jag försökte gå in i andra klass på en konstskola, men klarade inte tävlingen.

1947 blev jag antagen till tredje klass. Sedan, på något sätt, av sig själv kom han in på Surikovinstitutet, fakulteten för målning. Eftersom jag gick ut skolan med en medalj behövde jag inte göra antagningsprov.

– Och vem lärde du dig av?
– Pyotr Dmitrievich Pokarzhevsky hade en sådan professor. Under det första året hade vi en lärare, sedan en till, men det hände sig att jag från och med andra året studerade med Pyotr Dmitrievich, som jag också hade mycket goda relationer med.

I konstskola vi ritade som galningar, jobbade från morgon till kväll och tänkte inte på något annat. Barn till privilegierade och vanligt folk, men för oss spelade det ingen roll, de var bara uppdelade i medelmåttiga och begåvade.

Och i Surikovsky rådde en dyster, unken, provinsiell atmosfär, det var en svår tid - slutet av 1940-talet - början av 1950-talet. Stalins död...

– Kampen mot kosmopolitismen.
– Ja, och den slutliga förstörelsen av konst.

- Intressanta människor pluggat med dig?
– Jag hade kompisar från konstskolan. Först och främst Oleg Vasiliev, som vi har varit vänner med hela våra liv, flera personer från klassen som jag fortfarande stöttar närmast och mest vänskapliga relationer. På institutet utvecklades relationer med ingen.

Efter Stalins död började atmosfären i Surikovsky att förändras ganska snabbt, som i allmänhet i kulturen.

Du sa att du efter institutet omskolats, "och utvecklade - till stor del under inflytande av Robert Falk och Vladimir Favorsky - ett stadigt oberoende i förhållande till den officiella socialistiska realistiska doktrinen." Berätta mer om det.
– Under utbildningen stötte vi på konst som tidigare var förbjuden, som jag inte förstod och inte kände. Falk och Favorsky hjälpte mig att förstå och bemästra mitt hantverk, vilket var ovärderlig hjälp för mig, jag kunde inte få detta på institutet.

För att förklara vad jag är skyldig Favorsky, och vad till Falk, måste det bli ett seriöst samtal. Jag skrev och talade mycket om detta, nyligen publicerades en bok med mina teoretiska artiklar "Jag lever längre", där det finns mycket om detta ämne.

Jag ville bli en seriös, riktig artist, så jag var tvungen att omskola mig. Den utbildning man fick räckte inte till.

I slutet av institutet insåg jag att jag inte skulle vara beroende av statliga order, inte för att jag ursprungligen skulle bli en antisovjetisk konstnär, jag visste inte själv vilken typ av konstnär jag skulle bli, utan för att utvecklas fritt.

All försörjning låg i statens händer, det kunde inte finnas några privata beställningar. Så i målarbranschen var det nödvändigt att leta efter ett annat sätt att tjäna pengar, så att han skulle lämna tid för mitt direkta arbete.

Och du började göra barnillustration. Jag vet att du hade ett schema: sex månader bok illustration, ett halvår - bilder.
- Ganska rätt. Ljus tid, vår - sommar, kvar för målning och mörker, höst - vinter - för böcker. Vi arbetade med böcker tillsammans med Oleg Vasiliev.

- Varför med honom?
– Oleg och jag hade nära åsikter, vi pratade hela tiden och behövde varandra, så vi enades i arbetet.

– På sovjettiden var det för konstnären bara illustrationen av barnböcker som var en fristad?
– Några av dem utförde skräddarsydda dekorationsarbeten i en pittoresk fabrik. Men de flesta gick in i en barnbok. Det var det mest ofarliga sättet att samarbeta med staten. Dessutom av alla slag visuella konsterna det var av högsta professionella standard.

Många bra artister gick in i en barnbok redan på 1930-talet, när förstörelsen av måleriet började. Därför har kultur och traditioner bevarats där.

– Hade du några exempel i bokillustration?
- Absolut. Vi tittade mycket, jag har ett helt bibliotek med barnböcker. Vår favoritartist var Yuri Vasnetsov. Förresten, en elev av Malevich. Den trycktes ut i en barnbok. För rysk bok stor lycka till att sådana konstnärer arbetade i det, men för vår konst är detta verkligen en förlust.

- Vad gillar du mest av dina verk?
- Vet inte ens. Av Perraults sagor blev Askungen, Vilda svanar av Andersen och Mormor Blizzard av bröderna Grimm bäst av alla. Det var intressant att arbeta med samlingen "Resan till en saga", som innehåller europeiska och asiatiska sagor.

– Begränsade du din fantasi i barnillustrationen, eller kände du någon press?
– Arbetar man på ett förlag måste man acceptera vissa krav. Det är som i schack: inom reglerna finns det många möjligheter till fantasi, men riddaren rör sig så här, och tornet så, och ingenting kan göras.

Går du inte tillbaka till de böckerna? Kan de inte bli en inspirationskälla för dig? Eller är det en stängd sida?
– Ja, det här är en stängd sida. Det här är inte mitt och inte Vasilievs verk, utan en tredje konstnär som heter Bulatov och Vasiliev, nu finns han helt enkelt inte.

När du börjar jobba, har du redan en idé i huvudet, eller föds den i processen, eller förvandlas den?.. Som det brukar bli?
– Det går i regel inte att omvandla. Jag har i mitt huvud inte en idé, utan en bild, jag måste hitta en adekvat form för dess uttryck. Denna process kan vara komplex och ta lång tid. Ibland tog det flera år, och en bild blev inte ut på mer än tio år. Det såg inte ut som originalbilden, jag kunde inte komma på vad som var fel.

- Vad är det här för jobb?
- "Vinter". Ett vitt snöigt fält och ett ganska fruktansvärt svart moln rör sig mot oss bakom horisonten. Jag målade en bild, den ställdes till och med ut och såldes, men jag gillade inte resultatet och jag fortsatte att tänka på det. Det hela slutade 1997 och började 1978.

När jag gjorde böcker i ett halvår, och målade i ett halvår, hann jag inte alltid göra klart bilden, men här måste jag byta till ett annat arbete som kräver en annan medvetenhet och attityd. Dessa övergångar har alltid varit svåra.

– Kunde du inte återgå till att måla på ett tag? ..
- Nej nej.

– Det vill säga, de stängde dörren till den andra halvan av livet, som om de hade stängt av den?
- Ja absolut. Och jag utvecklade förmågan att bevara den eller den bilden i mitt sinne. I sex månader borde det inte ha förändrats, det var nödvändigt att återvända till den plats där jag avbröt arbetet. Kanske var det här tillvägagångssättet speciellt för mig, men det utvecklades verkligen på grund av detta sätt att arbeta.

- Spelade du in något för dig själv, lämnade ett halvår till ett annat jobb?
- För vad?! Allt finns på bilden. Teckning var att skriva.

Under de senaste trettio åren har övergången från måleri till illustration och tillbaka alltid varit svår för dig, eller har du vant dig vid det med tiden?
– Alltid, eftersom en konstnär målade bilder, gjorde en annan illustrationer. Du ingår i en annan princip för tänkande. Vi gjorde böcker tillsammans, men i måleriet är jag helt fri och var tvungen att glömma det medvetande som jag hade igår. När vårt bokarbete var slut klättrade Oleg och jag in i skogen. Med ryggsäckar, med ett tält. De gick i två eller tre dagar eller en vecka och återvände med ett sinne rent som en vit sida. Du kan börja ett nytt liv.

– Har du förstört ditt arbete?
- Absolut. Jag ångrar att jag inte förstörde alla misslyckade. Att bilden är misslyckad brukar man förstå när den är över.

– Och många sådana verk?
– Nej, jag har inte många av dem.

– När inser du att arbetet blev en succé?
– I samma ögonblick som jag känner igen bilden. Detta perfekt alternativ. Men det finns tillfällen då bilden verkar vara över, men det är något som inte står rätt till i den. I det här fallet måste du lägga det åt sidan, efter en tid gör du tillägg till det och det är klart.

- Flera år senare, kan du göra ändringar i ditt arbete?
– Väldigt sällan, oftast inte. Och nu är det desto mer omöjligt – de lämnar mig.

- "släpper" färdiga tavlor dig?
– Bilden släpper inte taget, om det inte gick så var det något som inte uttrycktes i den. Och om det löste sig blir jag av med det.

I en intervju sa du att under sovjettiden kom konsthistoriker inte in i din verkstad. Varför tror du? Även om denna fråga naturligtvis inte är till dig.
– Du borde fråga dem om det. Det här är intressant för mig. Hur kan en person som anser sig vara anständig bete sig på ett sådant sätt? ..

– Besökte du kollegor nära dig? Oleg Vasiliev?
- Nej nej. Våra workshops med Oleg Vasiliev var i närheten, och om någon var på den ena, så var den andra säker.

- De var hos Kabakov.
- Otvivelaktigt. Kabakov, Yankilevsky, Steinberg...

Varför dök de inte upp för dig?
– Vi kände många konsthistoriker och kritiker, träffades på företag, hade ett trevligt samtal, men ingen av dem intresserade sig någonsin för det jag höll på med. Kanske var de rädda, de trodde att det här var en politisk fråga och det var bättre att inte engagera sig, annars skulle det bli bråk i tjänsten. Jag tror att de skrev av mig i den meningen att det här inte är konst, utan politik. De förklarade det för sig själva, även om de inte såg vad jag gjorde. Eller så kom jag på en förklaring till mig själv.

– ”Nu har jag gått från sociala problem till existentiella. Skyll bara inte på det faktum att jag lämnade. Varför skedde denna övergång?
– För det första är det nog en åldersgrej. För det andra försöker du förstå både ditt medvetande och världen omkring dig. Se bortom horisonten: vad finns där?.. Mina intressen begränsades till det sociala rummet, sedan öppnade sig den existentiella horisonten för mig, som inkluderar sociala rum.

- Dina utställningar hålls i olika länder. Var svarar publiken bäst på dina filmer?
– Jag har haft tur de senaste åren. Sedan 2005 har det varit flera av mina utställningar, och alla är mycket framgångsrika - utställningarna är bra, publikens reaktion ... I Tyskland, Moskva, Paris, nu i Genève. Genèves museum för modern konst har också en retrospektiv, men inte lika stor som i Moskva.

– Bygger du dina personliga utställningar själv?
– I Tretjakovgalleriet – ja, men i Tyskland, Paris och Genève gjordes allt utan mig och på något sätt väldigt bra. De gjorde en underbar utställning i Genève, helt annorlunda än vad jag skulle ha gjort, men klart bättre. Jag ser intresse för mina verk, de drar till sig folks uppmärksamhet. Kanske i Ryssland fanns det största intresset för dem ... eller kanske inte. Jag känner mig inte kränkt varken där eller här.

– Skulle du kunna karakterisera din publik? Är det mest unga människor?
Ja, absolut, ungdomar. Jag är väldigt glad över att de är intresserade av det och att de uppfattar mitt arbete inte som det förflutna, utan som något levande.

– Efter vernissagen, går du på dina utställningar?
– En gång räcker. Sedan berättar de hur det går. Om utställningen är i Paris eller Moskva kan jag gå på den en andra eller tredje gång om mina vänner ber mig visa den för dem.

Jag är inte övertygad om att det inte är nödvändigt att gå på utställningen mer än en gång, men efter första gången har jag inget intresse av det. Jag såg hur verken hänger, hur de uppfattas av publiken, tack, det räcker, jag har annat att göra.

”För mig är tittande arbete, jag tröttnar snabbt. Men trötthet kan också förknippas med mycket glada upplevelser. Kan du berätta mer om detta?
”Att titta på en tavla är nästan som att göra det för mig. För att förstå konstnären, för att uppskatta hans arbete, måste du komma in i hans skor.

En konstnär måste bedömas utifrån hans ståndpunkt. Individualiteten hos var och en är begränsad, och om den inte är begränsad, så är detta en brist på individualitet, vaga kanter, detta behövs inte eller är intressant för någon.

Hur mer begåvad person, desto tydligare dess individualitet, begränsningar. Därför måste du förstå hans subjektiva position, då kan du objektivt bedöma vad han gjorde och vad som inte gjorde det. Det kräver ansträngning.

Det finns konstnärer som står mig nära, du kan studera deras verk utan större ansträngning, och det finns de som inte alls är nära, reinkarnation i dem kräver mycket uppmärksamhet.

Med åren har jag slutat slösa energi på dem som inte är nära, jag förmodar mig inte att döma dem, men inte för att jag fördömer dem. Ofta, när de säger "Jag förstår inte", menar de att det inte finns något att förstå här. När jag säger "Jag förstår inte", finns det ingen negativ bedömning.

Bilden måste betraktas och demonteras som arkitektur. För mig är detta ett viktigt och seriöst arbete. Vanligtvis i museet tittar jag på två eller tre, kanske fyra målningar, jag räcker inte till fler. Det tar ungefär en och en halv timme.

– För tre år sedan sa du att det inte finns så många av dina verk i Ryssland. Har något förändrats sedan dess?
– Ja, ryska samlare började köpa mina verk på auktioner, så målningar från olika perioder lämnas tillbaka till Ryssland. De senaste verken förvärvas av västerländska samlare, eftersom jag arbetar med tyska, schweiziska, franska gallerier.

Jag tycker att det är förståeligt varför det är ryssar som köper saker från 1970- och 1980-talen. De sociala ämnen som tas upp i dem borde vara tydligare och närmare här.
– Bilder om sociala ämnen, där tiden uttrycktes, fanns inte i Ryssland. Kanske har du rätt och det är det verkligen.

2007 sa du: "I allmänhet för samtida konstnär Jag gjorde atypiskt lite - cirka 150 verk. Har denna siffra ökat sedan dess?
– Jag gör ungefär tre målningar om året. Kanske fyra, eller fem, eller två, om du har tur. Om jag jobbar länge med en bild kommer det inte ut mer än två per år, men ibland gör jag enkelt och snabbt flera verk. Det finns inget uppdrag och ingen regel, jag jobbar bara långsamt.

Enligt dig har du inte många verk, vilket är atypiskt för en modern konstnär, dina kollegor brukar göra verk i serier. Men du har också serier.
- Ja det har jag. Men de uppstod av sig själva, var inte tänkta som en serie. Ett tema hade olika varianter lösningar.

– Om du skrev en kreativ självbeskrivning, vad skulle det vara?
– Jag skrev flera artiklar om mig själv, de finns också i boken ”Jag lever vidare”. Där tittar jag på mitt arbete med olika punkter syn. I katalogen för min utställning, som hölls på Tretjakovgalleriet, finns en artikel "Mitt måleri och massmediaproduktion." Där försöker jag prata om detta ämne. Något sådant här försökte jag skriva om att arbeta med bildens utrymme, om vad jag gjorde för bilden som sådan. Jag tror att jag uttryckte möjligheter som inte användes tidigare, var obemärkta eller okända.

– Hur är det med att jobba med ljus?
– Ljus är omöjligt utan utrymme. De senaste åren har jag jobbat mer och mer med ljus.

– Och vad skulle du kalla dina huvudmålningar?
- Huvudbilderna var i varje skede, jag ringde dem flera gånger: "Horizon", "Ära till CPSU", "Jag går", "Solnedgång", "Jag lever - jag ser", "Hur molnen går" - hur det går", "Jag ville mörkna, ja, jag hade inte tid", "Point" ... Målningarna som dök upp efter showen i Tretjakovgalleriet är "Dag-natt", "Jag leva vidare" och det sista "O". För mig är det väldigt viktigt. Jag har två bilder som föreställer bilder av ljud - "A" och "O". Av huvudverken finns det också "Vinter", "Fönster" ...

– Utvecklar du nya teman, eller leker du med det du redan har jobbat med?
- Svårt att säga. Cirkeln av problem är satt, och jag går inte ur den hela mitt liv. Men att säga att det här bara är variationer på ett tema... Det verkar bara för mig att jag har olika målningar.

- Påverkar ålder din prestation, dina idéer? ..
– Det är klart, det gör det. Jag orkar mindre, jag tröttnar mycket snabbare. Jag känner inte bristen på idéer, intensiteten i arbetet i viss mening till och med ökar. Min koncentration av uppmärksamhet är nu mycket högre än i min ungdom, så jag kan göra mer på en timme. Erfarenhet hjälper. Du vet hur du kontrollerar dig själv, hur du reagerar på ett misslyckande som tidigare kunde göra dig orolig under lång tid. När det gäller åldersrelaterade förändringar känner jag fortfarande inget katastrofalt. Självklart skulle jag orka mer, men jag kan fortfarande jobba. Tja, medvetandets klarhet kommer.

- din professionellt liv gick det bra enligt dig?
– Jag tror att jag har en väldigt lyckligt liv. Vad kan en konstnär drömma om som gör det han tycker är rätt, och på det sätt han tycker är rätt?.. Vem har inga materiella problem och inget stör honom?..

Natasha, min fru, räddar mig från vardagliga och andra problem som skulle vara smärtsamma för mig och som jag förmodligen inte skulle klara av. Förmodligen betalade jag för dagens välmående genom att jag under trettio år inte ens tänkt på att jag kunde visa mina målningar, än mindre ställa ut dem eller sälja dem.

Intervjuad av Elena Kalashnikova

Konstnären Eric Bulatov anses vara grundaren av flera nya stilar inom världskonsten. Under hans pensel kom de verk som gav upphov till genrerna rysk popkonst, fotorealism, Sots Art och Moskva-konceptualismen. Mästarens verk hör till de flesta dyra tavlor i världen. Bulatov, även om han bor i två hus - ryska och franska, erkänner ofta att han återvänder till sitt hemland med nöje för att laddas med inspiration och nya idéer.

Barndom och ungdom

Den framtida konstnären föddes den 5 september 1933 i Sverdlovsk (nu är det staden Jekaterinburg). Lille Eric blev tidigt utan pappa - han dog vid fronten 1944. Pojkens mamma var en invandrare från Polen, hon arbetade som stenograf. I en intervju erkände Bulatov senare: hans far tvivlade inte på att hans son skulle bli konstnär. Och, som det visade sig senare, hade han rätt.

Erik Bulatov hade inga tvivel om att välja ett yrke och efter examen från skolan gick han in konstinstitut namn . 1958 tog han examen från en läroanstalt. Hans favoritkonstnärer i det ögonblicket var och - det var deras verk som till stor del påverkade stilen i Bulatovs tidiga verk.

År 1959 fick den novise borstmästaren jobb på Detgiz barnlitteraturförlag, där Oleg Vasiliev blev hans andra illustratörer, som senare, liksom Bulatov själv, lämnade landet.

Deras design av "Den lilla sjöjungfrun", "Törnrosa" och "Askungen" gläder fortfarande både barn och vuxna. Sedan 1957 började Eric Vladimirovich att arrangera de första separatutställningarna. Från samma period är det vanligt att räkna hans professionella arbete.

Målning

Ett utmärkande drag för författarens stil av konstnären är den harmoniska kombinationen av affischgenren, populär i sovjettiden, och den bildliga komponenten. Slagord i målningarna av Erik Vladimirovich samsas med landskap och porträtt. Med denna teknik betonade Bulatov, enligt kritiker, det absurda i den omgivande verkligheten, dess övermättnad med bombastiska tal och propaganda.

Sådan Sots Art i verk av Erik Bulatov stod sida vid sida med målningar där påverkan av stilen Robert Falk tydligt spåras. Tyvärr fick denna period i Bulatovs konstnärliga karriär inte mycket popularitet bland kritiker och konsthistoriker. Konstnären själv medger att Falk verkligen påverkade hans professionella utveckling på många sätt.

I mitten av 1960-talet experimenterade Bulatov med stilar och kombinerade illustrationstekniker i en duk, akvarellmålning såväl som grafik. Konstnären ägnade särskild uppmärksamhet åt sätten att överföra ljus och rymd.

Tyvärr föll verken av Erik Vladimirovich i Sovjetunionen under inflytande av censur, och han kunde bara drömma om fullfjädrade utställningar. Först 1965 och 1968 lyckades Eric Bulatov åstadkomma kortsiktiga utställningar av sina målningar på Igor Kurchatov-institutet och på ett café i Moskva som heter Blue Bird.

Sedan 1970-talet började Bulatovs arbete domineras av storskaliga dukar, där författaren vände sig till sociala teman och bilder som översvämmade den tidens massmedia. 1972 målade konstnären "Horizon" - en av de mest kända målningar. I det ögonblicket uppfattades verket som en parodi.

Samma period i Erik Vladimirovichs karriär präglades av många utländska utställningar, vilket förde mästaren internationellt erkännande: Bulatovs målningar reste till Zürich, Paris, Venedig och andra europeiska städer, överallt mötte konstälskares gunst.

Så småningom fick Eric Vladimirovich ett rykte som "perestrojkans konstnär", och 1988 erkändes han till och med som årets mästare enligt Venedigbiennalen. Ett år efter det flyttade Bulatov och hans familj till New York och sedan 1992 åkte de till Paris, som blev hans andra hem.

I början av 1990-talet flyttade konstnären gradvis bort från politiska teman: i Bulatovs verk, ny sida abstrakta bilder och grafiska bilder. Och efter en tid blev mästaren intresserad av keramik, vilket gav världen ett antal begåvade målningar på rätter.

2003 anordnade Eric Vladimirovich en utställning i Moskva - för första gången efter att ha flyttat. Utställningen, som presenterades i huvudstadens Tretyakov-galleri, fick entusiastiska svar i mästarens hemland.

En annan storskalig utställning ägde rum tio år senare, när konstnärens verk gav honom titeln pristagare i Innovationstävlingen. Och 2015 blev Bulatov inbjuden till invigningen av Garagemuseet, liksom museet uppkallat efter. Speciellt för denna händelse skapade Eric Vladimirovich duken "Frihet".

Bulatovs målningar gav gradvis mästaren berömmelsen av en av vår tids dyraste och mest eftertraktade konstnärer. Canvas "Brezhnev. Soviet Cosmos” gick av auktionen för 1,6 miljoner dollar, och ett antal målningar med sovjetiskt tema kostade de nya ägarna 1 miljon dollar vardera. På det här ögonblicket mest kända verk mästarna, förutom de listade, kan kallas dukarna "Luta dig inte", "Ära till CPSU", "Sky - ciel".

Privatliv

Eric Bulatov föredrar att inte dela detaljerna i sitt personliga liv. Det är känt att konstnären har en fru. Mästarens hustru heter Natalia.

Enligt Erik Vladimirovich stöttade hon honom och hjälpte honom att skapa. Älskade Bulatova omgav sin man med omsorg och räddade henne på många sätt från tankar om hushållssysslor som kunde ta tid från kreativiteten.

Erik Bulatov nu

Nu bor Eric Bulatov i två hus - konstnären mår självklart bra både i hemlandet Ryssland och i Frankrike. 2018 förberedde Anatoly Malkin dokumentärfilmen "I Live and See", där han i form av en intervju avslöjade de nyfikna detaljerna i Eric Vladimirovichs biografi. På den här bilden medgav Bulatov att han på grund av ålder inte längre kunde ägna lika mycket tid åt kreativitet som tidigare, men han var fortfarande hängiven sitt älskade arbete.

Dessutom ägnas böcker av ryska och utländska konsthistoriker åt konstnärens arbete och biografi. Bulatovs verk finns i Georges Pompidou-museet i Paris, såväl som i gallerier i New Jersey, Köln och Basel. I Ryssland presenteras målningar av Erik Vladimirovich i Tretjakovgalleriet, Ryska museet.

Konstverk

• 1972 - "Horizon"
• 1975 - "Ära till SUKP"
• 1977 - Brezhnev. sovjetiska rymden"
• 1987 - "Luta dig inte"
• 1989 - "Perestroika"
• 2010 - "Sky - ciel"
• 2011 - "Upp - Ned"
• 2015 - "Frihet"

https://www.site/2016-06-15/hudozhnik_erik_bulatov_o_falshi_ideologii_svobode_i_smysle_zhizni

”Vi är naturligtvis inte bättre än andra. Vi har bara rätt att existera på lika villkor.”

Konstnären Eric Bulatov - om falskheten i ideologi, frihet och meningen med livet

Erik Bulatov Alexander Shcherbak/Kommersant

Vad kommer att hända med konsten under sovjettidens idealisering? Hur utforskar man ideologi genom att måla? Är det möjligt att vara utanför det aggressiva sociala rummet? Sajten pratade med en klassiker om förhållandet mellan konst och ideologi modernt måleri Erik Bulatov.

"Oavsett hur aggressivt ett socialt utrymme är så har det gränser"

I dina målningar, den socialidealiserade verkligheten, som blev välbekant och naturlig under sovjettiden, "frikar" du från den verkliga verkligheten - verkligen naturliga - och gör den därigenom synlig och motarbetar varandra. Denna opposition intresserar dig inte längre idag, men nästan hela ditt liv har getts åt det. Varför var det så viktigt för dig?

Hur skulle falskheten i den ideologiska verkligheten annars kunna uttryckas? Det måste avslöjas på något sätt, visat separat, så att en person plötsligt kunde se sitt liv utifrån. Hur man fångar denna ideologi i handen. Det här sociala problemet har sedan länge hamnat i bakgrunden för mig, eftersom det var kopplat till Sovjetiskt liv. Men sedan - livet som jag var nedsänkt i, måste uttryckas på något sätt, och inte som min åsikt om det, utan i form av verklig verklighet - som det objektivt sett var, bortom mina önskningar.

Lev Melikhov

Du var nedsänkt i den sovjetiska verkligheten, men för att helt förstå den var du tvungen att liksom höja dig över den, grovt sett, koppla från masstillståndet att vara zombifierad av ideologi för att se på vad som hände med andra ögon. Om så är fallet, vid vilken tidpunkt inträffade denna "avstängning"?

Inte bara för att höja sig över verkligheten, utan för att liksom luta sig ur den, för att vara utanför. Vår sociala verklighet är inte hela verkligheten som ges till oss: den har sina egna gränser, bortom vilka du kan se. För att göra detta, utanför det sociala rummet, behöver du ha fotfäste. För mig var det konst. Jag förstod tydligt att konstens rum ligger utanför det sociala rummet. Ja, det faktum att konst tjänar socialt utrymme, närs helt av det - allt detta är sant, men ändå är konstens stödpunkt någonstans utanför, och det gör det möjligt att vila mot något som gör att du kan luta dig ur detta utrymme och titta på honom från sidan. Detta är en mycket viktig sak, för hur aggressivt, farligt, starkt det sociala rummet än är, så har det fortfarande gränser, bortom vilka det inte har någon makt, är helt maktlöst - där är faktiskt frihet möjlig.

- Kan du förklara i detalj hur du använde denna möjlighet att "vila mot något"?

Jag kände denna möjlighet i bildens egenskaper. När allt kommer omkring, vad är en bild? Detta är en kombination av två principer - planet som vi lägger färgen på och det utrymme som detta plan på något sätt kan omvandla till. Dessa två början är faktiskt rakt motsatta. Men i vilken som helst klassisk målning- som Rembrandt eller Tizian - möts de, till en sorts harmoni. Jag tänkte att det inte är nödvändigt att föra in dessa två början i denna harmoniska duett, tvärtom - de kan stå emot varandra, eftersom de till en början redan motsätter sig. Denna konflikt kommer att vara innehållet i bilden, som faktiskt gav mig möjligheten att betrakta problemet med frihet och ofrihet inte som litterärt material, som du behöver göra illustrationer till, men som ett rumsligt problem.

AFP/East News

- Vilken är vad?

Det ligger i att rymden är frihet, och förbudet mot rymden är ofrihet, det vill säga ett fängelse. Och jag motsatte mig alltid det ena till det andra: "Entré" - "Ingen ingång", "Ära till SUKP" - och himlen. Två början som är motsatta till varandra - ett sant rum, och det som inte släpper in oss i det, utan skildrar sig själv som en semester, som en slags prestation. Detta gjorde det möjligt att uttrycka ideologins falskhet. Hon opererade vackra höga föreställningar: hela tiden prata om frihet, om mänsklig värdighet, om mod, om ärlighet; men i själva verket innebar det fördömande, förräderi, elementär servilita. Jag försökte uttrycka dessa ersättningar.

Hur starkt tror du att den ideologiska produktionen (till exempel affischer med slagord) placerad i stadsrummet påverkade en person?

Väldigt mycket var vårt medvetande helt deformerat. Om du från barndomen får lära dig att något måste förstås på det här sättet, och något på det här sättet, så tar du i slutändan det för givet, som något bekant och, viktigast av allt, normalt. Samtidigt ställs du hela tiden inför något som inte stämmer överens med ditt praktiska livet, snubblar över en lögn, men känslan av att allt detta normalt bevaras. Jag försökte visa hur denna normalitet faktiskt är onormal.

Varför har inte många uppmärksammat detta?

Det uppfattades helt enkelt som den sovjetiska verklighetens paroller. Ja, "Ära till SUKP" är skrivet runt omkring, affischen är så här - så vad? Eller vice versa - våra filosoferande dissidenter attackerade mig: hur kunde du skriva dessa fruktansvärda ord över vår ryska himmel? Den rumsliga innebörden i mina målningar, som jag berättade om, märktes helt enkelt inte. Själva orden lästes: "Ära till SUKP." Och mer - vad finns det mer att se, och så är allt klart. I bästa fall allt uppfattades som amerikansk popkonst, gjord på sovjetiskt material. Så tyckte de som försökte hitta någon form av ironi här. Men det fanns ingen ironi. Det fanns ett direkt porträtt av denna verklighet. Visserligen uppfattades på den tiden mina försök att tala om den rumsliga grunden för mina målningar som en bluff: jag gjorde en politisk bild, men lurar oss. Nu blev det klart ser du, det tog tid. När min utställning hölls på Manezh 2014 såg jag hur många unga människor som kom, vilket intresse de hade för det jag gjorde. För mig är detta naturligtvis väldigt viktigt - mina målningar lever, de dog inte, så allt stämde, jag fångade något levande, nerven i detta liv.

I en av intervjuerna säger du: "Jag vill att folk inte ska idealisera sovjettiden i alla fall - det var dålig tid". Står du inför denna idealisering i Ryssland idag, med tanke på att du för det mesta bor i Paris och kommer till Moskva flera gånger om året?

Tyvärr gör jag det ofta. Här (hemma i Moskva - red.) är tv hela tiden, och det är uppenbart att idealiseringen av sovjettiden håller på att implanteras. Ja, och politiken bygger på att dagens Ryssland är arvtagaren till det sovjetiska systemet; vad som hände olycka - kollapsade Sovjetunionen, men vad ska man göra - vi kommer att fortsätta de sovjetiska traditionerna. Det är en fruktansvärd situation, förstås.

- Varför är hon hemsk?

Detta är en återgång till det sovjetiska systemet, och det sovjetiska systemet är vägen till kulturell död. Sovjettiden är heterogen, sovjetmaktens natur förändrades med tiden, men den manifesterade sig mest fullständigt under Stalin, det var hans "blomstring" - senaste åren Stalin. Jag var redan en ganska medveten person (jag studerade vid institutet vid den tiden), så jag vet dessa år. Det var kulturens död. Hon hölls så här i halsen. Det var den absoluta döden för allt levande.

– Personligen, hur störde det dig under de åren?

Jag hade turen att Stalin dog när jag fortfarande gick mitt första år på institutet. Då var jag en obildad konstnär. Och direkt efter Stalins död blev det en otrolig lättnad. Livet bara exploderade. Jag pratar inte om att människor som var oskyldigt dömda återvände. Slutligen sades rättvisa ord om Stalin. En hel värld av konst öppnade sig för mig, som var förbjuden, var okänd. Plötsligt var det utställningar, och in Pushkin museum istället för gåvor visades Stalin impressionisterna. Diskussioner, dispyter började – något slags levande liv. På den tiden hindrade ingenting mig från att utvecklas som artist. I allmänhet var det i det ögonblicket inte klart åt vilket håll allt skulle gå, men det blev snabbt klart att partiets politik återigen skulle vara densamma, och detta dumma konstnederlag i Manezh, som Chrusjtjov arrangerade, inträffade. Det blev direkt klart att om jag verkligen vill vara en ärlig, seriös konstnär (jag ansåg mig inte vara en konstnär då, jag kände inte min självständighet i konsten, utan var influerad av den eller den konstnären), så borde jag inte beroende av detta tillstånd. Eftersom staten var den enda kunden. Visserligen hade den tiden en fördel jämfört med Stalins: under Stalin var det inte fråga om något motstånd, om någon oliktänkande möjlighet - när som helst på dygnet kunde de komma in och ta reda på vad du gör hemma. Nu visade det sig att du kan göra vad du vill hemma, de låter dig inte visa det, och naturligtvis kommer de inte att betala dig för det, men du är välkommen att göra det. Samtidigt var staten den enda möjliga kunden av konst, en samlare, en intendent och hade rätt att beställa vad den behövde och endast betala för det som gjordes som den behövde. Och om man ville bli en självständig artist så var man tvungen att försörja sig på något annat. Jag började göra barnillustrationer. Och det visade sig vara väldigt intressant för mig också. Så här gör många artister. Och det var räddningen.

- Skriv samtidigt dina målningar direkt "på bordet"?

Självklart fanns de i min verkstad. Men först tänkte jag inte ens på det: naturligtvis tänkte jag visa det, men det var omöjligt, och jag drömde inte ens om att sälja det. Allt löste sig på något sätt senare.

"Det jag gjorde, jag gillade det bara inte"

- När och hur började målningarna lämna din ateljé? Hur såldes den första tavlan?

Detta hände ganska sent - på åttiotalet. Även om den första målningen såldes utomlands 1969. Det var mitt självporträtt på en svart bakgrund med en vit siluett. Han togs ut inofficiellt, som i smyg. Sedan, på åttiotalet, började de ta ut dem öppet genom en salong för utlänningar: där satte de sigillen "inget konstnärligt värde" på baksidan målningar och de kunde exporteras utan skatter.

Och självporträttet gavs för pengar? Jag vet att du gav bort några av dina tavlor nästan gratis - om de bara ville lämna här.

De betalade mig för det med en kamera. Det var en mycket nyfiken känd dam i Paris, hennes namn var Dina Verney. Hon var Mayols modell, men sedan testamenterade han allt till henne, hon blev hans arvtagare. Och uppenbarligen gjorde hon affärer bra, för som ett resultat hade hon ett eget galleri i Paris och senare Mayol-museet. Hur som helst, hon kom hit och köpte en tavla av mig.

– Det vill säga, hon tittade på konstnärers verkstäder i Moskva och kom till dig?

Ja. Det hände att det redan har publicerats en publikation om mig i Frankrike. Det fanns en sådan tidning "L" Art Vivant, annars - "Levande konst". Ett nummer publicerades tillägnad sovjetisk konst - teater, film, litteratur och måleri. Hur jag kom dit är en fråga, för i allmänhet var jag på sidlinjer från underjordisk konstnärlig aktivt liv. Men ändå innehöll den på något sätt en kort publikation om mig och en reproduktion från detta självporträtt. Detta gjorde intryck på Dina, och när hon kom till Moskva letade hon specifikt efter mig. Detta förändrade min position här - de uppmärksammade mig, och sedan i slutet av sjuttiotalet började fler och fler utlänningar komma till mig. I detta avseende började de här i unionen att dra mig, för att skrämma mig att de skulle uteslutas från konstnärsförbundet, och sedan skulle verkstaden tas bort (den tillhörde inte mig, även om jag byggde den med min egna pengar). Därför blev jag glad om någon gillade det jag höll på med, och åtminstone skulle ge bort tavlorna gratis, bara de skulle gå härifrån. Jag tänkte, var ska jag lägga allt, om verkstaden tas bort så dör den ändå.

- Och från Sovjet var någon intresserad av ditt arbete?

Nej, jag var inte intresserad. Det hände sig att 1988 var nästan alla mina målningar redan utomlands. Och så arrangerades min utställning i Zürichs konsthall från de målningar som redan fanns där. Det var ett avgörande ögonblick för mig. Med kolossala svårigheter lät de mig ändå åka utomlands och jag lyckades ta mig till min utställning. Hon var framgångsrik, efter det gick hon till museer i Europa, sedan till Amerika. Jag började få erbjudanden från gallerister, och för första gången hade jag möjlighet att försörja mig direkt från mitt huvudsakliga arbete (Erik Vladimirovich vid den tiden var 55 år gammal - red.), som jag bestämde mig för att dra nytta av: vi åkte med Natasha, min fru, för att först bo till Amerika och sedan ändå till Europa. Det gick väldigt bra i New York - vi tjänade genast ganska mycket pengar (så mycket att vi direkt kunde köpa en lägenhet i Paris), men Natasha var outhärdlig där, som ett resultat hamnade vi i Paris, som båda var nöjda handla om. Det här är en lugn plats där man kan jobba bra och där det finns många artister från olika länder.

Jag vill förtydliga, du undrade varför i Sovjetunionen ingen var intresserad av ditt arbete då?

Jag gillade bara inte det jag gjorde, men ingen såg riktigt vad jag gjorde, det fanns nästan ingen i min verkstad. När reproduktioner av mina verk dök upp skapades en negativ inställning till dem i en annan mening. Våra ledande konstkritiker, som kämpade mot sovjetisk standardkonst, förlitade sig i sitt motstånd på den konst som förbjöds av det sovjetiska systemet - på vårt avantgarde på tjugotalet, på Picasso, på Matisse och även i allmänhet på vad som gjordes i Frankrike. Det var en modernistisk estetik - väldigt vacker visserligen - men den tillhörde en annan tid. För konsten uttrycker alltid sin tid, och naturligtvis uttryckte den inte den sovjetiska tiden på något sätt. Och det jag gör uppfattades av dessa människor som en återgång till sovjetisk konst, som de kämpade så modigt emot. De får plötsligt liksom återigen visa sig något sovjetiskt, men de förklarar att det är det modern konst. Jag minns sådana anklagelser. De såg inte den rumsliga karaktären av mitt arbete, de uppfattade det direkt: "Ära till SUKP." Ja, jag vill också avsluta det jag började prata om – om det sovjetiska systemet. Efter Stalin förblev dess natur faktiskt densamma, den bara försvagades. Och om hon fick styrka skulle hon åter bli vad hon var under Stalin. Men det här systemet föll isär och tappade gradvis mark, men varje gång med en kamp. Ta "Bulldozerutställningen" - för de som var inne i den här situationen var det självklart.

"Tanken att vi är bäst är inte patriotism"

Vad tror du händer med det system som finns idag? Försöker hon se stark ut genom att hela tiden hänvisa till sovjettiden, direkt till Stalin?

Naturligtvis försöker hon vara stark, hon behöver det, det är också påtvingat av den utrikespolitiska situationen. Till sin natur försöker den komma så nära den sovjetiska designen som möjligt. Detta är mycket farligt, först och främst kommer kulturen att lida, och människors medvetande likaså. Du förstår, detta leder till nationalism, vilket är mycket dåligt: ​​tanken att vi är bäst är inte patriotism. Faktum är att vi förstås inte är bättre än andra, vi har bara rätt att finnas bland andra på lika villkor, och det är väldigt viktigt, det här är vår uppgift: vi måste göra ett gemensamt kulturarbete med hela världen. Och det betyder inte att vi ska motarbeta och idealisera oss själva.

Tror du hur lätt det är att påverka människor som växte upp på nittiotalet, lite tidigare eller lite senare - i allmänhet tillräckligt fritid, och begränsa det?

Jag vet inte, det verkar fungera. Det finns mycket viktig poäng: den nya staten uppstod inte som arvinge, utan som motståndare till den tidigare. Den motsatte sig det imperium som var, och befriade alla som ville få frihet. Och i denna mening började allt väldigt vackert. Men så gick det snett och snett, och som ett resultat kom det till vad som händer nu: folk vill ha stark makt, de vill ha ordning, vilket i princip är förståeligt och rättvist, men det visar sig att den bästa ordningen var under sovjetiskt styre, speciellt under Stalin - det fanns redan en sådan order att man verkligen inte kunde röra en hand eller en fot. Men jag förstår ingenting om politik. Jag hör bara propaganda hela tiden: jag är upprörd hela tiden - både här, i Ryssland och där, i väst och i samma Frankrike. Tvärtom, de driver en kampanj mot dagens Ryssland. Och jag tror inte på varken det ena eller det andra, för sedan barnsben har jag sörjt för den här propagandan. Men i själva verket finns det ingen information, det finns en instruktion: vad ska jag tänka om det och det - vad är från den här sidan, vad är från det. Därför förstår jag ingenting och förmodar mig inte att döma.

"Det är vad befrielse handlar om"

I dina senaste verk pratar du själv om det, du ställer existentiella frågor. En gång någon gång du bytte till dem betyder det att den förra sociala problem som oroade dig hela tiden lång period tid, släpp på något sätt. Detta är sant?

Som om horisonten flyttade bort: det fanns en social horisont, och utanför den fanns ett rum som inte var föremål för det sociala, utan med sin egen existentiella horisont. Och ålder kräver förmodligen att man förstår något mer grundläggande. Men ändå försöker jag på något sätt hela tiden att se tillbaka och uttrycka och dagens liv ryska. Jag målade tavlorna "Molnen växer", "Vår tid har kommit" och "Moskvamorgon". Det finns andra målningar som du inte har sett – jag gjorde dem i år, de ställdes ut på min senaste utställning i Genève. Jag hade Chistoprudny Boulevard där: min verkstad på Chistoprudny Boulevard, i slutet av den finns ett monument över Griboedov, och på vintern går folk längs boulevarden och det snöar. Allt under snön är spöklikt. En sådan bild. Det lokala livet attraherar mig fortfarande, vissa bilder förföljer mig, men vad de betyder vet jag inte riktigt själv. Kanske, tiden kommer att gå och jag kommer att veta. Generellt så börjar jag inte med att jag vet något. Vad jag berättar nu, om sovjeten, började jag senare veta, och när jag gjorde det tänkte jag inte alls på det. Det är bara det att bilderna var uppenbara, och jag visste att jag fångade dem väldigt exakt.

– Dvs den ideologiska betydelsen av det som skrevs förstod man efter, efter ett tag?

Ja, till exempel bilden "Red Horizon". Jag gjorde den i kreativitetens hus på Krim. Där fick jag en fruktansvärd ischias. Det var i februari: det var vindar, en storm. Jag behandlades för ischias på kliniken: jag fick ligga på mage - de värmde min rygg med någon slags lampa. Jag låg så och tittade ut genom fönstret, och utanför fönstret är havet vackert. Men precis framför fönstret, i min ögonhöjd, fanns en rödmålad bjälke. Och hon irriterade mig fruktansvärt - hon stänger allt för mig, släpper mig inte dit. Och vad skönt det skulle vara att ligga och titta på havet. Och så slog det mig: din idiot, det är säkert att de visar dig din eget liv. Vad du vill, vad du behöver, är stängt för dig. Den här bilden uppstod - "mitt liv", och den här bilden. Och först då - all denna ideologi, allt kan förklaras senare.

Om vi ​​pratar om befrielse från medvetandets ideologisering genom konst - kan du beskriva denna befrielseprocess som sker i dig i processen att skapa en bild och sedan - bild efter bild?

Allt börjar alltid med någon form av bild: jag ser den tydligt och känner ett stort behov av att förverkliga den här bilden. Som regel visar det sig att det jag ritar direkt liknar det jag har i åtanke. Och här börjar det förberedande arbetet (på grund av vilket jag jobbar så långsamt): Jag försöker förstå vad som är fel och var jag gick fel. Jag måste hitta ett sätt att exakt uttrycka den oföränderliga bilden som är fixerad i mitt huvud. Jag gör en ritning försiktigt - jag ser vad som är annorlunda, jag gör en till - jag ser att det inte är det, jag gör en tredje och så vidare. Vid något tillfälle förstår jag att det är det här du behöver, det ser ut som. Så jag får den huvudsakliga rumsliga designen och kan fortsätta att arbeta med den redan på en stor duk. Där för jag bilden exakt till den bild som jag har i mitt huvud; när de matchar slutar jag arbeta - jag fångade det, fixade det. I det här ögonblicket får jag frihet från honom, eftersom jag separerade den här bilden från mitt medvetande, jag hittade den och gav den ett namn - nu lever den separat från mig. Det är vad befrielse handlar om. Och om det verkligen visade sig vad jag var tvungen att göra, kommer möjligheten att se något annat säkerligen att öppnas, på grundval av vilken jag kan göra en annan bild - det är så en viss väg byggs av sig själv. Alla dessa bilder handlar om sovjettiden och hänger i regel samman, därför utgör de i slutändan en stor bild, som du kallar ideologi.

"Vid Jeltsins tid behandlar jag fortfarande med kärlek"

I Jeltsin Center du återgav en version av målningen "Det finns frihet." Var det en beställning specifikt för den här tavlan eller bestämde du dig för vad du skulle göra?

Det fanns en order om att göra en bild av frihet, och jag föreslog en sådan lösning; Jag gjorde en skiss - jag gillade den.

I den ursprungliga versionen av ordet "Freedom is Freedom is" på planet bryter himlens rymd med ordet "Freedom". I versionen för Jeltsincentret finns bara ett fragment med himlen och en enda "Frihet" bevarad. Varför? Upprepade "Frihet existerar", som slogans, som något som bara existerar i teorin, visade sig vara malplacerat i detta utrymme?

Frasen "Frihet existerar", upprepas i oändlighet, det är som en slogan, som en deklaration, i själva verket är den falsk, naturligtvis. Alla dessa upprepningar är på planet, på bildens yta, och ett ord "Frihet" är ett genombrott av ytan, genom ytan ut i rymden, till där sann frihet finns. Detta är oppositionen mellan sann frihet och falsk frihet. På bilden för Jeltsincentret utgick jag snarare från bilden "Jag går", rörelse är viktigt i den. Här finns trots allt redan det första sociala rummet - det här är själva rummet, där vi är med dig. Och rörelsen ut ur den är en utgång i djupet, ut i rymden. Och detta är inte en absolut fri rörelse, för på vägen är molnen som ett hinder, som ett motstånd mot rörelse. Samtidigt finns det en känsla av att bokstäverna fortfarande kan passera denna barriär.

Är det denna känsla som kännetecknar den tid som Jeltsincentret ägnas åt? Och, om du har gått runt i utställningslokalerna, hur exakta är dessa tider?

Den här gången för mig är ett absolut brott med det sovjetiska systemet, motstånd mot det. Detta är största möjliga sociala frihet. I det ögonblicket fanns det förstås en fullständig illusion om att något underbart öppnade sig. Då var det i våra sinnen så här: i allmänhet är allt ont i världen den sovjetiska ideologin, och när den kollapsar kommer alla att vara lyckliga. Det visade sig att allt inte är så. Och det var detta jag ville uttrycka. När det gäller hur Jeltsin-centret skapades, även om jag såg ut, var det på något sätt en glimt, för jag tänkte inte på det, utan bara på mitt arbete. Därför antar jag inte att säga något om honom. Jag skulle vilja att det skulle göras övertygande, ja, tydligt, för vid den tiden behandlar jag det fortfarande med kärlek och minns det med tacksamhet.

– Och varför "inte bryr sig"?

För då började problem genast, svårigheter, oväntade och naturligtvis obehagliga. Och lite senare var det ett avslag på de prestationer som ursprungligen etablerades, det skedde en gradvis reträtt. Men jag antar inte att döma - jag förstår varken ekonomi eller politik.

"Det är hela poängen: vi finns för något"

Vi började prata om frihet – för dig, vad är skillnaden på att förstå frihet inom ramen för ett ideologiserat samhälle och frihet i allmänhet – i en existentiell mening?

Frihet är ett mycket tvetydigt begrepp i den meningen att det kan fixeras på olika nivåer. När det gäller sociala friheter som sådana - naturligtvis finns det fler av dem i demokratiska stater än i tyranniska, men i betydelsen ideologi - är alla ideologiserade. Jag tror inte att Amerika eller Europa är mindre ideologiskt än det sovjetiska systemet. Det är bara det att det finns en annan ideologi – marknaden. Och på sätt och vis är det farligare för vårt medvetande, eftersom den sovjetiska ideologin uppriktigt sagt var omänsklig och därför var det lätt att separera den och se den, att se på den utifrån. Och marknadens ideologi är inte omänsklig, tvärtom - den erbjuder alltid en massa nödvändiga, användbara, välgjorda saker. Men faktum är att som ett resultat, igen, som i sovjettiden, från barndomen är du omärkligt, men envist inspirerad av att förvärvet av dessa saker är meningen med ditt liv.

Om en persons medvetande inte grumlades av varken den ena eller andra ideologin som vi talar om, vad verklig mening ska livet talas?

Det är då man kan prata om någon mening med livet, när en person lever, gör något företag som han älskar, som han lägger sin själ i, och inte för att verksamheten ger honom pengar eller några materiella fördelar, utan för att han älskar den här verksamheten. Och det spelar ingen roll vad det blir: konst, eller vetenskap eller religion - vad som helst. Och om en person lever hela sitt liv för att skaffa sig så mycket som möjligt, är detta något slags tomt, väl eller i alla fall falskt liv. Och människan existerar för något. I allmänhet - en person, inte varje specifik. Det är hela poängen: vi existerar för något. Vi passar inte in i djuret, denna naturliga värld. Vårt medvetande passar inte in i det – det sticker fortfarande ur det, vill något annat. Och det är just det som utmärker en person, det som tar honom bortom gränserna för all jordisk harmoni, där allt är balanserat, visar att en person är gjord för något annat.

- Hur skulle du svara på den här frågan?

Det kan inte finnas något generellt svar här. Men det viktiga är vilken roll konsten spelar i detta. Den kan inte lösa denna fråga, utan ställer den hela tiden framför vårt medvetande. Vi lever inför den här frågan tror jag.

Till sist några ord om Jekaterinburg. Vid första anblicken har du många kontakter med honom: du föddes i Sverdlovsk och du evakuerades här. Men faktiskt - nej, den här staden definierar inte dig. Du föddes här bara för att din far kom hit på en affärsresa från Moskva, och din gravida mamma följde med honom. Sedan, under krigsåren, evakuerades du och din mamma till Sverdlovsk. Då var du äldre, skolpojke, hade du några minnen från den tiden? Och hur lång tid tillbringade du i evakueringen?

Vi kom dit i slutet av sommaren 1942, och i februari 1943 återvände vi till Moskva - vi var där i ett halvt år. Tyvärr har jag inga minnen kopplat till staden. Vi bodde på ett vandrarhem för anställda i Moskva konstteater. Där var min farbror - en skådespelare, min fars föräldrar - min farfar och mormor, och min mamma. Egentligen kunde vi åka separat med henne när vi evakuerades, men min mamma bestämde sig för att följa med alla andra för att rädda familjen. Vi bodde på det här vandrarhemmet, vi pratade alla med varandra och jag minns att allt detta hände någonstans på den gemensamma gården. Därför minns jag inte själva staden och människorna i den.

Fast då gick jag i skolan (första halvåret studerade jag här), och jag hade till och med några bekanta. Dessutom vann jag tävlingen där barnteckning och fick sitt första pris. Jag var tvungen att skaffa en levande kanin. Mamma var fruktansvärt rädd. Det var en hungrig tid, och det betydde att det kunde ätas. Men hur kan man äta en kanin? Klart inte. Så han måste få mat på något sätt. Var ska vi placera honom? Det fanns helt enkelt inget utrymme: det var ett stort rum där det fanns sängar och någon sorts lakan sträcktes mellan dem, som skilde en familj från en annan. Så det var inte tal om en kanin här, fast jag gillade den förstås, men inte för att äta den. I allmänhet sa min mamma att vi inte kunde ta en kanin, och de gav mig en annan bonus: en uppsättning Ural halvädelstenar är en underbar gåva. Sedan tog jag den till Moskva och presenterade den för skolan där jag studerade. Så jag har ett sådant minne av Sverdlovsk.

Den samtida ryske konstnären Erik Bulatov är en av de dyraste, vars verk säljs på auktioner för miljontals dollar. En man vars arbete uppmärksammades trettio år senare. Europa öppnade det. Tack vare utställningar som hölls i gallerier i Schweiz, Tyskland, Frankrike började de prata om honom i Ryssland. I den här artikeln kommer vi att prata om målningarna av Eric Bulatov och funktionerna i hans stil.

Föräldrar E.V. Bulatov

Eric Bulatov föddes 1933 den 5 september i Sverdlovsk (nuvarande Jekaterinburg), dit den gravida mamman åkte med sin far på en affärsresa till Ural. Far - Vladimir Borisovich 1937 utvisades från partiet och allt gick till arrestering. En företagsam mamma hyrde en dacha nära Moskva, och pappa bodde där i mer än sex månader. De glömde honom, eller rättare sagt, de tog en till enligt fördelningen, huvudsaken var att sätta en bock för att några fiender till folket hade tagits. Han gick ut i krig 1941 som volontär, och 1944 dödades han. Bulatov minns att hans far, när han såg sina teckningar, trodde att han skulle bli konstnär. Eric Bulatov började skriva sina första målningar som barn.

Mamma från Polen. Hon var en begåvad person. Hon gick över gränsen från Polen till Ryssland utan att kunna ett enda ryskt ord. På två år lärde hon sig ryska så bra att hon började arbeta som stenograf. Mor och far hade olika åsikter om den linje som partiet förde. Men eftersom de älskade varandra bleknade politiken i bakgrunden.

Utbildning i skolan och Surikovinstitutet

Erics studier började på en konstskola, som tillhörde Surikovinstitutet. Han studerade så bra att i slutet av det fick Eric Bulatov en medalj, så han behövde inte klara inträdesproven till universitetet. Situationen vid institutet var svår, tiden var svår: 50-talet, Stalins död, kampen mot kosmopolitismen.

Ovärderlig hjälp vid denna tid gavs av Robert Falk och Vladimir Favorsky till den unge Eric Bulatov för att få en stadig självständighet i förhållande till den officiella doktrin som eftersträvas i landet. Vid slutet av institutet kom förståelsen att en riktig konstnär skulle vara fri och inte vara beroende av statliga order. Men för att utvecklas behövdes medel. Privata beställningar var uteslutet. Det fanns bara ett alternativ - att illustrera barnböcker.

Detta arbete var av nödvändighet. Höst-vinterperioden avsattes för inkomst, som bestod i att skapa illustrationer. Eric Bulatov målade bilder på våren och sommaren. Och i dem fanns vad han kände, vad han kände.

Bulatov - illustratör av barnböcker

För att börja arbeta som illustratör var det nödvändigt att lära sig detta, eftersom Erik Vladimirovich hade en annan utbildning - han var målare. På förlaget där Bulatov arbetade fanns det vissa krav som skulle uppfyllas. Eric Bulatov, i sina intervjuer, påminner om sitt arbete på ett barnförlag: "När du illustrerar en saga, tänds en helt annan princip för tänkande - ett barns. Barnet har sina egna idéer om den här eller den sagans hjälte. När du arbetar med en illustration måste du visa just detta - ett barns vision, inte din egen. Och en konstnärs verk är ett helt fritt medvetande. Det är i bilden du uttrycker din vision, uppfattning, reflektion av världen.”

Målningar av Erik Bulatov

En karakteristisk handstil, som Bulatovs målningar kan kännas igen, är kollisionen av en stor affischtext med en landskapskomponent lånad från pressen. Detta är det absurda i verkligheten kring konstnären och den övermättnad av sovjetiska symboler som visas i bilden. Detta var Erik Bulatov i temat Sots Art. Hans tidigt arbete baserad på samspelet mellan måleri och rymd. Men detta stadium av konstnärens arbete uppskattades inte i hans hemland.

Illusioner om stigar som sträcker sig i fjärran i målningarna av Eric Bulatov läses som återvändsgränder. Den bildmässiga metaforen som avbildas på konstnärens dukar är förståelig för publiken. Erik Bulatov avbildade dessa block i målningarna med titeln "Horizon" (röda mattans vägg), "Krasikov Street" (ställ som visar gående Lenin), "Leva och se" (Kremlin).

Hur Erik Bulatov kom till Sots Art

Sots Art-trenden i Bulatovs målning manifesterade sig mot bakgrund av den amerikanska popkonsten, som förenade konstens rum och lagret av den andra verkligheten. Bulatov förstod det för sovjetiska folk ideologi var inget annat än deras verklighet. Hon ockuperade hela deras utrymme. Men många sovjetiska konstnärer ansåg (tack vare samma ideologi) att livets smuts inte borde visas, skaparna borde leva i perspektiv. Därför delade hans kamrater som arbetade i Sots Art inte Bulatovs vision, som i sina målningar försökte uttrycka människors medvetande, bildat av sovjetisk ideologi.

Bulatov lyckats komma runt tjänstemannens restriktioner Sovjetisk konst, utveckla en mycket personlig stil.Hans målningar är mestadels ikonoklastiska samlingar där bild och språk är sammanlänkade.I landskap, porträtt, stadsvyer använder han både sovjetregimens ikonografi och mer traditionella representationer av naturen som sin inspiration.val av färger, geometriska kompositioner och användningen av bilder från filmer, konsthistoria eller reklam definierar Bulatovs visuella språk.

Som om taget från tidningen "Spark" foto i målningen av Eric Bulatov "Program Time". Han skildrade hopplösheten och förtvivlan hos en ensam gammal kvinna som lyssnade på nyheterna på TV. Fiktiv kommunikation med tallåda och ideologiskt berusning av folket i sovjettiden är temat för denna bild.

Rysk europeisk konstnär

Det hände så att Eric Bulatov och hans fru har bott i Paris sedan 1992. Han emigrerade inte utan gick helt enkelt på en inbjudan att arbeta. Det skedde efter hans utställning, arrangerad av galleristen Dina Verni. Det var hon som organiserade vernissagen av målningar av Erik Vladimirovich Bulatov, förda från Ryssland av privata samlare. Verken lämnade landet lagligt, utan hinder, med kulturministeriets sigill "Har inget konstnärligt värde." Bulatov förstod att tavlor behövde få liv, de behövde säljas, även om de inte var dyrt. Och de exporterades från Sovjetunionen.

Utställningen i Zürich blev en succé. Efter henne började gallerister från olika länder bjuda in Bulatov till Tyskland, Frankrike och Amerika. Vernissage gjorde det möjligt att sluta försörja sig på illustrationer, och helt ägna sig åt måleri. Jag bestämde mig för att bo med min fru i Frankrike. Jag gillade verkligen Paris med sin månghundraåriga kultur.

På frågan om varför han åkte utomlands säger Bulatov i sina intervjuer att det var intressant att se bortom horisonten. I Sovjetunionen var hans intressen begränsade till det sociala rummet, vilket hindrar det genuina. I Europa upptäckte han en existentiell horisont som inkluderar sociala rum.

Om utställningar och åskådare

Utställningar av verk av Erik Vladimirovich utomlands hålls mycket oftare och inte på vissa datum och helgdagar. Gallerist visar konstnärens dukar för allmänheten ganska ofta. Under hela sitt liv utomlands ställdes Eric Bulatovs målningar ut upprepade gånger i gallerier. Som konstnären själv säger är hans sista utställningar, med start 2005, ganska framgångsrika. De ägde rum i Paris, Genève, Moskva. Konstnären är nöjd med intresset för hans verk, dessutom visar människor i olika länder ett stort intresse. Bulatov känner sig inte kränkt vare sig utomlands eller i Ryssland.

Publiken är ungdom. Många skeptiker hävdar det ung generation inget behövs och det är inte intressant att konsten är över. Nej det är inte sant. Unga människor uppfattar verken inte som något från det förflutna, utan som levande, och det tyder på att de förstår konstnären. När allt kommer omkring måste du bedöma en konstnärs arbete från hans position, för att förstå hans individualitet. Och, enligt Erik Vladimirovich själv, ville han uttrycka tid.

Om målningarna av konstnären Erik Bulatov från olika tider

Nyligen började fler och fler målningar dyka upp på auktioner, borttagna av västerländska samlare. De är nu inköpta av ryska samlare. Det vill säga, målningarna började återvända till Ryssland. Det är mest verk från 1970- och 1980-talen. Det fanns helt enkelt inga bilder med sociala teman från den tiden i Ryssland. Och Bulatovs målningar är som ett monument över en svunnen tid. Att dessa verk lever och gör intryck säger bara att konstnären kunde uttrycka, att fånga den tiden.

Och här sista verk fler förvärvas av samlare i väst. Detta beror på att Eric Bulanov arbetar främst med schweiziska, tyska, franska gallerier.

Gåva till Tretjakovgalleriet

Ett av hans verk, som Bulatov själv säger, som han fick väldigt svårt, presenterade han i juni 2017 för Tretjakovgalleriet. Eric Bulatovs målning heter "Bild och åskådare".

Den är av imponerande storlek - två gånger två och en halv meter. Det gjordes länge och noggrant. "The Picture and the Spectators" är frukten av Bulatovs reflektioner över Alexander Ivanovs arbete "The Appearence of Christ to the People". Bulatov skrev organiskt in moderna besökare som betraktade sina förfäder i bilden, sammankopplade epoker och stilar, kopplade ihop avantgarde och traditionell realism.

Den enda platsen för en målning är Tretjakovgalleriet, så författaren bestämmer. Det var trots allt här han tillbringade sitt liv. På Tretjakovgalleriet det finns ytterligare tre verk av Eric Bulatov från hans tidig period när han arbetade med abstrakta former.