Dmitry Vdovin von der Meisterklasse machte eine Attraktion. Dmitry Vdovin - Stellvertretender Leiter der Bolshoi Opera Company - Was war das? Eitelkeit oder Perfektionismus

Dmitry Vdovin wurde am 17. April 1962 in Jekaterinburg geboren. Abgeschlossen Staatliches Institut Theaterkunst in Moskau und studierte dann an der Graduiertenschule dieser Universität unter der Leitung von Professor Inna Solovieva as Theaterkritiker, veröffentlicht in der größten überregionale Zeitungen und Zeitschriften. Anschließend absolvierte er eine Umschulung und absolvierte die V. S. Popov Academy of Choral Art als Sänger und Gesangslehrer. Von 1987 bis 1992 - ein Mitarbeiter, der für die Arbeit im Außendienst verantwortlich ist Musiktheater Union der Theaterfiguren der UdSSR.

Seine Ausbildung zum Gesangslehrer absolvierte er am ECOV – dem Europäischen Zentrum für Opern- und Vokalkunst in Belgien unter der Leitung des Leiters der Gesangsabteilung des Curtis Institute of Music in Philadelphia, Michael Elaysen. 1992 wurde Dmitry Vdovin künstlerischer Leiter des Moskauer Zentrums für Musik und Theater, einer Kunstagentur, die an Joint beteiligt war kreative Projekte mit den größten internationalen Theatern, Festivals und Musikorganisationen.

Seit 1996 arbeitete D.Vdovin mit der großen russischen Sängerin I.K. Arkhipova als Lehrerin und Leiterin ihrer Sommerschule zusammen, Co-Moderatorin ihres Fernsehens und Konzertprogramme. Von 1995 - Lehrer, von 2000 bis 2005 - Leiter der Gesangsabteilung der Gnessin State Medical University, 1999-2001 - Lehrer der Gnessin Academy of Music, von 2001 - außerordentlicher Professor, Leiter der Abteilung Sologesang Akademien Chorkunst benannt nach V. S. Popov, seit 2008 - Professor der Achia.

D. Vdovin gab Meisterkurse in vielen Städten Russlands sowie in den USA, Mexiko, Italien, Lettland, Frankreich, Polen und der Schweiz. Er war ständiger Gastdozent des Jugendprogramms an der Houston Grand Opera. Von 1999 bis 2009 - künstlerischer Leiter und Lehrer der Moskauer Internationale Schule Gesangsbeherrschung, die es den größten Opernlehrern und Spezialisten aus Russland, den USA, Italien, Deutschland und Großbritannien ermöglichte, nach Moskau zu kommen, um mit jungen Sängern zu arbeiten

Mitglied der Jury vieler renommierter Gesangswettbewerbe - des Glinka International Competition, 1. und 2. Allrussisch Musikwettbewerbe, der Internationale Wettbewerb Le voci verdiane in Busseto, der Internationale Gesangswettbewerb Viotti und Pavarotti in Vercelli, AsLiCo in Como, Internationale Wettbewerbe in Paris und Bordeaux, Competizione dell'opera Italiana am Bolschoi-Theater, Internationaler Wettbewerb in Montreal, Wettbewerb des Fernsehsenders "Culture" "Big Opera", Gesangswettbewerb in Izmir, Internationaler Moniuszko-Wettbewerb in Warschau, "Die Meistersinger von Nürnberg" in Nürnberg, Opera de Tenerife in Spanien.

Seit 2009 - einer der Gründer und künstlerischer Leiter Jugendopernprogramm des Bolschoi-Theaters Russlands. Seit 2015 - eingeladener Lehrer des International Opernstudio Oper Zürich. Meisterkurse an der Metropolitan Opera, New York.

Musikalischer Berater für Pavel Lungins Film " Pik-Dame". Außerdem war D.Yu. Vdovin der stellvertretende Manager kreative Teams Operngesellschaft des Bolschoi-Theaters.

Der bekannte Gesangslehrer, Leiter des Jugendprogramms des Bolschoi-Theaters, Dmitry Vdovin, hielt beim Winter International eine interaktive Meisterklasse ab Musikfestival Juri Bashmet in Sotschi.

Als ich hierher fuhr, war ich mir nicht sicher, ob sich jemand während der Olympischen Spiele für die Meisterklasse eines Gesangslehrers interessieren würde - gab Vdovin sofort zu. - Aber Sie haben sich versammelt, was bedeutet, dass es sogar bei den Olympischen Spielen ein Interesse an Musik gibt. Wir arbeiten mit der Stimme, und das ist kein Instrument, das man mit einem Lappen reinigen und in die Ecke stellen kann. Darin liegt die ganze Komplexität unserer Arbeit.

Ein Schwerpunkt der Meisterkurse bei Yuri Bashmets Festivals ist Geographie. Dank der Zusammenarbeit mit der Firma Rostelecom leitet der zum Festival gekommene Lehrer in vielen Städten gleichzeitig eine Meisterklasse. In den Hallen Musikschulen Video-Kits sind installiert, Ton und Bild dringen verzögerungsfrei in den Orgelsaal der Sotschi-Philharmonie ein. Diesmal wurde die Meisterklasse besucht und vor allem nahmen Rostow, Jekaterinburg, Samara und Nowosibirsk daran teil.

Aber sie haben trotzdem mit Sotschi angefangen. David Chikradze, Student im 2. Jahr der Sochi School of Arts, wagte sich als erster auf die Bühne und sang dem berühmten Lehrer eine Arie aus Händel, dem zweiten Dämonenroman.

Sie haben einen wunderschönen Bariton, aber für die öffentliche Aufführung haben sie ein Stück ausgewählt, bei dem Sie über den Tonumfang hinausgehen mussten. Aber zuerst ein wichtiger Hinweis. Wenn Sie zur Meisterklasse kommen, sollten Sie drei Notensätze haben – einen für den Begleiter, einen weiteren für den Lehrer und den dritten für sich selbst. Warum für sich selbst? Weil Sie sich Sorgen machen und wahrscheinlich vieles vergessen werden, was gesagt wurde, müssen Sie sich Notizen auf Ihrem Exemplar machen.

Besonders streng tadelte Dmitry Vdovin junge Künstler wegen unscharfer oder falscher Aussprache - sowohl auf Russisch als auch auf Italienisch.

Die Aussprache ist sehr wichtig. Oft muss man auf Italienisch singen, außerdem sprechen mehrere hundert Millionen Menschen diese Sprache. Die richtige Aussprache gibt Ihnen den Schlüssel zur Leistung, hören Sie sich die Schönheit der Aussprache von Sätzen durch Italiener an!

Eine weitere Eigenschaft, die Vdovin nicht außer Acht gelassen hat, ist die organische Natur des Sängers.

Singen soll spontan, natürlich sein. Wie Oscar Wilde sagte, ist das Schwierigste, natürlich zu sein. Beim Singen kommt es also vor allem darauf an, natürlich zu bleiben. Jetzt in der Opernrolle Theaterdirektor wichtiger geworden, Opernkünstler müssen hart an Bildern arbeiten, und Natürlichkeit ist der wichtigste Assistent für die Rolle. Singen Sie mit viel Freude - genießen Sie den fliegenden schönen Klang.

Und der Meister erinnerte den Bariton David:

Händel hat keine Stimmen für Baritone, die Baritone selbst erschienen erst im 19. Jahrhundert. Diese Arie überlassen wir Tenören und Countertenören, und Sie suchen nach etwas Passenderem für Ihre Stimme.

Das nächste Vorsingen war ein 12-jähriger Junge aus Samara, Valery Makarov, der über seine Jahre hinaus einen wunderschönen Diskant zeigte.

Sie haben eine schöne Stimme und Musikalität, und das ist wichtig. Separate Spezialisten arbeiten mit Kindern, ich mache das nicht, aber ich werde ein paar Gedanken sagen. Das ist ein süßes Lied! Nicht das, wo Sie die Stärke der Stimme, Druck zeigen müssen. Sobald Sie auf sanfte Farben umgestellt haben, war sofort klar, wovon Sie singen. Wovon handelt das Lied? Der Held des Liedes hat eine alte Mutter und er singt ihr vor, dass er definitiv zu ihr zurückkehren und sie umarmen wird. Hast du eine junge Mutter?

Ja! Valera antwortete ohne zu zögern.

Und der Held dieses Liedes ist schon alt. Und was die Aussprache angeht. Es gibt Wörter im Italienischen, die wie „Mama“ und „Mama“ ausgesprochen werden – das haben sie unterschiedliche Bedeutungen- "Mama" und "Ich liebe dich". In diesem Lied - "Mama". Versuche, gefühlvoller zu singen. Du hast ein wunderschönes Timbre – und das Timbre ist das Schönste an der Stimme.

Ein anderer Vertreter aus Samara sang mit übermäßigem Druck. Vdovin begann, über Genügsamkeit mit visuellen Mitteln zu erklären.

Vor dem Anheben der Melodie wird die Stimme abgedeckt. Das Cover soll die Stimme nicht nach hinten und unten schieben, sondern heller machen! Du musst musikalischer singen. Wenn ein junger Mann herauskommt, warten natürlich alle auf eine Stimme, aber noch mehr - sie warten auf Talente. Es gibt viele Stimmen. Aber es kommt vor, dass die Stimme klein ist, aber jeder sagt - wie er singt! Achten Sie auf die Präsentation des Materials selbst.

Novosibirsk wurde von der 18-jährigen Irina Kolchuganova präsentiert, die sanft und schüchtern Gildas Arie aus Verdis Rigoletto sang. Vdovin machte darauf aufmerksam, wie sie die Arbeit nannte.

Wenn Sie ankündigen, welche Arie Sie singen werden, fügen Sie immer die ersten Worte der Arie zum Titel hinzu – und alle Zuhörer aus verschiedenen Ländern werden verstehen, was genau Sie singen werden.

Du singst leise. Das Problem mit unseren Sängern, die ich bei Vorsingen im Bolschoi-Theater und bei Wettbewerben höre, ist, dass sie Zärtlichkeit nicht schätzen. Die Interpreten wollen sofort Aggression, eine kraftvolle Darbietung, sie versuchen, die Teile zu singen, die für Sänger mit einem stärkeren Apparat geschrieben sind. Und Zärtlichkeit – sie berührt die Zuhörer mitten ins Herz. Bewahren Sie diese Zärtlichkeit, Zerbrechlichkeit in sich auf – machen Sie sie zu Ihrem Vorteil.

Vdovin gab einen weiteren wertvollen Ratschlag zur Fähigkeit, Material zu präsentieren.

Ein anderer Name für diese Arie ist "The Story". Sie müssen die Person sehen, der Sie diese Geschichte erzählen, und es ist an ihm, die Arie zu erzählen. Gilda erzählt, wie sie sich hinter ihre Geliebte geschlichen hat – nun, hier kann man nicht forte singen! Jeder kennt das mit der ersten Liebe – Herumschleichen, das ist ein besonderes Gefühl – und das muss dem Zuhörer gezeigt werden.

Rostov war der nächste in der Videoübertragung. Der 21-jährige Bariton Vadim Popechuk sang äußerst emotional Leoncavallo. Zunächst machte Vdovin auf den tosenden Applaus im Saal des Rostower Musikkollegs aufmerksam.

Ein Künstler ist ein so schwieriger Beruf, dass man ihn unterstützen muss und – klatsch! Oft sitzen viele Experten im Saal des Bolschoi-Theaters zum Vorsprechen, aber der Künstler sang - und niemand klatschte. unter ihrer Würde. Und du musst klatschen!

Über die Leistung von Vadim sagte der Meister Folgendes:

21 Jahre sind zu wenig für einen Bariton. Arie geschrieben für volle Stimme, ein reifer Bariton. Leoncavallo hat bereits viele Emotionen, und Sie müssen sich nicht auf Emotionen stützen, bleiben Sie legato, sonst erscheint keine italienische, sondern eine Zigeuner-Intonation.

In Anlehnung an Dmitry Vdovin formulierte er ein weiteres wichtiges Postulat:

Seltsamerweise ist unser Beruf mit der Mathematik verwandt. Sie müssen jede Pause, jede Note, die Dauer jeder Fermate berechnen. Wofür? Damit das Publikum unter den vorgeschlagenen Umständen von Ihren Emotionen angesteckt wird, ist dies wichtig - wir sind im Theater. Der Sänger muss die Dauer jeder Note im Voraus genau kennen, wissen, wann er einatmen wird, - alles auf die Millisekunde genau berechnen.

Und dann begann die eigentliche Attraktion. In der Halle bemerkte Vdovin den Bariton Andrei Zhilikhovsky, der am von ihm betreuten Jugendprogramm des Bolschoi-Theaters teilnimmt und nach Sotschi kam, um in Yuri Bashmets Produktion von Eugene Onegin zu singen. Und Andrei Zhilikhovsky wurde auf die Bühne eingeladen und bot an, ihm ein Duett mit Vadim zu singen, Couplets der Reihe nach. Als er Zhilikhovskys verwirrten Blick bemerkte, erklärte er, dass sie ihn von Rostov begleiten würden. Und es hat funktioniert! Die Verbindung erwies sich als stabil, ohne die geringste Verzögerung (was wir oft bei Live-Übertragungen von Fernsehsendern sehen), - zwei Baritone sangen abwechselnd und verschmolzen unisono auf der Coda.

Ich mag Meisterkurse nicht wirklich, weil es wenig gibt, was wirklich korrigiert werden kann. Aber es erlaubt mir, einige Gedanken zu äußern ... Jetzt ist die Situation erstaunlich, wir sitzen an der Schwarzmeerküste, Andrey kommt aus Moldawien, Wadim und die Begleitung sind in Rostow. Wir haben unsere eigenen Olympischen Spiele!

Eine weitere Aufnahme aus Jekaterinburg. Der 15-jährige Tenor Alexander sang Tschaikowskys Romanze „Inmitten eines lauten Balls“.

Ein wenig ungenau ausgewähltes Material - viel gute Lieder, aber diese Romanze ist für viele ältere Menschen mit großer Lebenserfahrung. Aber Sie haben so berührend gesungen, dass es sehr wertvoll ist, und Sie müssen diesen Faden ein Leben lang führen. Singen Sie alle Sätze auf Russisch. Nicht "Rohr", sondern "Rohr". Nicht "dünn", das ist eine veraltete Aussprache, sondern "dünn". Singen Sie alle Sätze so, wie sie nach den Regeln der russischen Sprache klingen sollten - und es wird viel klarer und stärker. Den Vokal „U“ kann man nicht singen – er geht ins „O“ über, und darunter leidet die Wahrnehmung des Textes, was gerade für eine Romanze wichtig ist.

Schließlich gab Dmitry Vdovin allen jungen Künstlern Ratschläge.

Ich rate immer jungen Künstlern – singen Sie überall und für jeden, den Sie können. Überall auftauchen, an Wettbewerben teilnehmen. Das Land ist groß und es ist sehr schwierig, es zu durchbrechen. Jeder kann sich für die Aufnahme in das Jugendprogramm des Bolschoi-Theaters bewerben. Eine Ankündigung über die Zulassung zum Jugendprogramm wird in Kürze auf der Website des Bolschoi-Theaters erscheinen, bewerben Sie sich elektronische Bewerbung- und wir werden Ihnen zuhören. Denken Sie daran, dass es immer jemanden gibt, der Ihnen irgendwo auf dem Festival zuhört, Sie berät, Sie irgendwohin einlädt, Ihnen hilft – so funktioniert unser Berufsleben.

Der Meisterkurs endete mit Tschaikowskys Romanze „Auf die gelben Felder“ nach Versen von Alexei Tolstoi, dargeboten von Bariton Andrei Zhilikhovsky.

Wadim Ponomarew
Foto - Alexey Molchanovsky

- Lieber Dmitry Yuryevich, kurze biografische Informationen über Sie finden Sie im Internet, aber fangen wir noch einmal von vorne an: von Ihrer Familie, von Kindheit an. Wie und womit sind Sie in die Welt der Musik, des Gesangs, des Operntheaters eingetreten?

Ich bin in Swerdlowsk geboren und aufgewachsen. Meine Eltern, im Allgemeinen alle Verwandten, sind ausschließlich Physiker und Mathematiker. Mama ist Lehrerin für höhere Mathematik bei Uralsky staatliche Universität, Papa ist Physiker, war Direktor eines großen Forschungsinstituts, Onkel ist auch Physiker, Tante ist Algebraikerin, Bruder ist Kopf. Fakultät für Mathematik an der Akademie jetzt in Jekaterinburg. Auf der ganzen Welt verstreute Cousinen und Schwestern - allesamt Mathematiker.

Ich bin also die einzige Ausnahme, wie man so sagt, in einer Familie nicht ohne ... einen Musiker!

Gleichzeitig haben alle in ihrer Kindheit Musik studiert: sowohl Vater als auch Bruder. Aber hier bin ich irgendwie "verzögert". Er absolvierte eine Musikschule in Klavier und trat in die Theaterabteilung von GITIS ein. Und dann stellte sich mein Klavierspiel als sehr nützlich heraus, ich lebte danach und begleitete die Sänger. Das heißt, es war eine Art "Tauschhandel" - ich lernte Gesang von Freunden und Bekannten und "revanchierte" sie, indem ich Arien, Romanzen auf dem Klavier spielte und mit ihnen neue Werke lernte. Ich wollte in meiner Jugend unbedingt selbst singen, aber meine Eltern, die ernsthafte Menschen sind, rieten mir, zuerst ein zuverlässigeres Fach zu erwerben, also absolvierte ich das Institut als Theaterkritiker mit Spezialisierung auf Oper und dann die Graduiertenschule.

Leider habe ich keinen echten Gesangslehrer getroffen, der an mich geglaubt hätte. Vielleicht reichten die persönlichen Qualitäten für eine Solistenkarriere nicht aus, und Gott sei Dank habe ich das rechtzeitig verstanden. Alles, was nicht getan wird, ist zum Besseren. Im Allgemeinen habe ich ziemlich spät, mit 30 Jahren, anständig gesungen. Zu diesem Zeitpunkt kannten mich bereits viele Leute Welt der Oper in anderer Funktion. Die Situation war heikel - in der Union der Theaterarbeiter "kommandierte" ich das Musiktheater. Es war ein Verein, der den Niedergang der Sowjetunion nicht lange überlebte und mit Millionenbudgets und guten Absichten riesige Festivals und Wettbewerbe veranstaltete ...

Anfang der 90er ging ich nach Belgien, um mich als Gesangslehrer zu verbessern, und als sie mir einen Vertrag bei einer ziemlich großen Agentur als Sänger anboten, merkte ich plötzlich, dass es zu spät war, wie sie sagen, „der ganze Dampf ging raus“, oder besser gesagt, in die andere Richtung – zum Unterrichten.

- Aber da ist historische Beispiele Späte Gesangskarrieren - Tenor Nikandr Khanaev, der mit 36 ​​begann, Bassist Boris Gmyrya - mit 33, Antonina Nezhdanova gab ihr Debüt auf der professionellen Bühne erst mit 29.

Erstens lebten sie Anfang bis Mitte des 20. Jahrhunderts, je näher sie ihren Zeitgenossen stehen, desto schwieriger ist es, Sänger zu finden, die mit 30 anfangen, und dann hat jeder seine eigene „Sicherheitsmarge“. Ausdauer, um das Ziel zu erreichen.

Als es auseinander fiel die Sowjetunion, wir organisierten "on the wreckage" STD eine Konzert- und Schauspielagentur, ziemlich erfolgreich. Ich erinnere mich mit besonderer Dankbarkeit an diese Tage, denn mit 28 Jahren begann ich zum ersten Mal, ins Ausland zu reisen, davor ließen sie mich aus irgendeinem Grund nicht raus. Dies gab ein riesiges Hörerlebnis, die Gelegenheit, die besten Opernproduktionen auf Weltbühnen kennenzulernen und Live-Stimmen zu bewerten berühmte Sänger. habe ich für mich entdeckt neue Welt, wo sie mit seltenen Ausnahmen überhaupt nicht wie wir sangen.

Ich musste einige Ideen in mir selbst brechen, weil das Ohr von der sowjetischen Operntradition sowohl im Guten als auch im Inneren „verschwommen“ war schlechter Sinn dieses Wort. Technisch umgebaut, stilistisch hat sich mein Geschmack geändert. Es war nicht einfach, manchmal machte er dumme Dinge. Ich habe einige Zeit eher aus Interesse mit den Jungs studiert, ich kann mich nicht einmal daran erinnern, Geld für den Unterricht genommen zu haben.

Und dann wurde ich eingeladen, Gesang an der Gnessin-Schule an der Fakultät für Musiktheaterschauspieler zu unterrichten. Für mich, speziell für ein zusätzliches Set, nahmen sie den einzigen Studenten - Rodion Pogosov. Er war damals 16 Jahre alt, er sang nie und träumte im Allgemeinen davon, ein dramatischer Schauspieler zu werden. Aber in Theater Universitäten er wurde nicht angenommen, und „aus Trauer“ betrat er die Schule und kam zu mir. Bereits mit 19 Jahren, in seinem 3. Lebensjahr, debütierte er als Papageno in „ Neue Oper“, und mit 21 Jahren wurde er der jüngste Teilnehmer am Jugendprogramm der Metropolitan und so weiter. Heute ist Rodion ein gefragter Künstler von internationaler Klasse.

- Nun, selbst der "erste Pfannkuchen" ist für Sie nicht klumpig geworden!

Ja, die Arbeit mit meinem ersten Schüler hat mir viel Kraft und Energie abverlangt. Ich habe ihn gezwungen, die ganze Zeit zu singen und mich mit seiner Mutter zusammenzutun. Dies war kein gewöhnlicher Unterricht zweimal pro Woche für 45 Minuten, sondern Unterricht fast jeden Tag. Einfach gesagt, ich jagte ihm hinterher, überwand Widerstände und Lernschwierigkeiten. Kannst du total nachvollziehen kleiner Junge, abgesehen davon, dass sie nicht an ihre stimmlichen Fähigkeiten glauben. Er lachte sogar über die Sänger, der Prozess des akademischen Singens kam ihm lächerlich vor.

- Es stellt sich heraus, dass Sie von Grund auf neu lernen mussten! Und man bekommt den Eindruck, dass Vdovins Schüler – wir wissen mehr über die Absolventen der Chorakademie – bereits von Kindesbeinen an vorbereitete Jungs sind, die im Alter von 6-7 Jahren singen, sehr kompetente Musiker.

Jetzt sagen sie über mich, dass ich in meiner Klasse "Sahne" nehme, beste Stimmen. Und was, es ist notwendig, die schlechten zu nehmen? Oder muss ich jemandem etwas beweisen? Jeder normale Künstler (Künstler, Meister) wählt immer das Beste aus. Ja, jetzt kommen junge Leute zu mir, sehen die Ergebnisse meiner Arbeit, und ich habe die Möglichkeit zu wählen. Und zuerst gaben sie mir verschiedene Schüler. Ich habe also die Schule durchlaufen, schwierige Schüler vollständig herauszuziehen, und ich denke, dass dies für einen jungen Lehrer notwendig ist.

- Gab es völlig aussichtslose Optionen? Dass jemand seine Stimme ganz verliert oder seine Gesangskarriere beendet, auch wenn es nicht Ihre Schuld ist?

Auch das extrem junge Alter der aktuellen Anfänger ist eines der Probleme. Zuvor begannen sie im Alter von 23-25 ​​Jahren professionell Gesang zu lernen, vor allem Männer, also körperlich fitte Menschen, die nicht nur körperlich, sondern auch geistig stark sind und ihren Beruf sinnvoll gewählt haben. Jetzt kommen 15- bis 16-Jährige in die Schulen, in die Chorakademie meiner Klasse – mit 17 Jahren.

Es stellt sich heraus, dass sie im Alter von 22 Jahren bereits Absolventen sind. Ich hatte so einen Typen, Bass, sehr gut, gewann Wettbewerbe. Er wurde sofort in eines der Jugendprogramme aufgenommen europäische Länder und dann ins Theater. Und das war's - ich habe lange nichts mehr von ihm gehört, er ist weg. Die sogenannten Festverträge in den Repertoirehäusern sind besonders riskant für sehr junge Sängerinnen und Sänger. Das bedeutet - alles zu singen, ob es zu Ihrer Stimme passt oder nicht. Heute - Rossini, morgen - Mussorgsky, übermorgen - Mozart und so weiter bis zu Bernstein und der Operette. Sie sehen aus, es sind nicht einmal ein paar Jahre vergangen, sondern statt einer Stimme - die Überreste vergangener Schönheiten.

- Aber immerhin wechselten sich in der russisch-sowjetischen Tradition immer sehr unterschiedliche Stile und Namen auf dem Plakat ab, und die führenden Solisten sangen auch nicht 6-7 "La Traviata" oder "Peak", wie sie es jetzt im Westen tun , aber 4-5 unterschiedlichste Rollen pro Monat .

Ich glaube, dass regelmäßige Truppen und Repertorium Theater veraltet, sie sind schlecht für alle: Künstler, Dirigenten, das Publikum. Erstens fehlt es immer an Proben, um aktuelle Titel in Schuss zu halten. Selbst in so starken Ensembles wie der Metropolitan Opera in New York oder der Wiener Staatsoper gibt es zu wenig Proben. Denken Sie also nicht, dass bei uns alles schlecht ist, aber sie sind dort alle wohlhabend. Ich kann mich erinnern, wie meine Schülerin am härtesten ihr Met-Debüt gab Hauptpartei ohne eine Bühnenprobe! So kam sie heraus - und sang, und sogar der Plattenteller blieb stecken, und sie begann die Arie hinter den Kulissen.

Ich bin also kein Befürworter des Repertoiresystems, in unserem Land halte ich es für ein Relikt aus der Sowjetzeit, das nichts mit Kunst zu tun hat, sondern nur mit Arbeitsrecht, Ideologie usw. So sitzen wir jetzt in einer Sackgasse und wissen nicht weiter. Die Sänger sind sich über ihre Zukunft nicht sicher, aber übrigens über den Beruf Opernkünstler generell recht riskant, die stimme ist ein zu fragiles instrument, im zweifelsfall kann und sollte man zunächst ein anderes feld wählen. Die Dirigenten sind unzufrieden, weil der Sänger heute Mozart und morgen Prokofjew nicht gleichermaßen überzeugend aufführen kann. Auch das Publikum ist heute verwöhnt und braucht Stars oder neue Namen. Und man geht Kompromisse ein, die der Kunst schaden.

In einer Freiberuflersituation haben führende Sänger immer mehr Chancen, das für sie richtige Repertoire zu beherrschen, interessante Dirigenten, Partner auf Augenhöhe usw. Und wie sorgfältig kann bei einem Produktionsteam für ein bestimmtes Projekt alles geprobt werden!

- Aber dann, in einer Situation, in der es nicht einmal 5-6 und manchmal sogar 12 gleichnamige Aufführungen hintereinander gibt, wirken die Künstler wie die Solisten im Musical wie ein Automatismus? Ich kann kaum verstehen, wie es möglich ist, am Broadway mit einem freien Tag hunderte von Auftritten hintereinander zu erarbeiten, oft ohne Ersatz, Gefühle, Lachen und Tränen auf der Bühne darzustellen ...

Anders als am Broadway gehen im Opernhaus jeden Abend die Künstler nicht aus (außer in Notfällen), es gibt immer ein bis zwei Ruhetage. Und die Aufführungen dauern selten mehr als fünf Mal im Inszenierungsblock. Die besten Theater, wie das Metropolitan, versuchen heute, die besten Interpreten dieser Oper auf der ganzen Welt zu versammeln. Und glauben Sie mir, in der Atmosphäre hohe Professionalität und Perfektion jedes Details fällt es dem Künstler viel leichter, sich auf das Bild zu konzentrieren.

Das Met-Beispiel ist auch für die Öffentlichkeit interessant, denn in einer Woche kann man sich die Werke am meisten anhören verschiedene Stile bei bester Leistung. Schließlich ist es kein Geheimnis, dass Besucher, Touristen, häufiger als „Einheimische“ ins Opernhaus kommen. Während ich im Januar dieses Jahres in New York war, besuchte ich in wenigen Tagen die talentierte Barock-Compilation Enchanted Island, sah den sensationellen Faust, dann Tosca und Daughter of the Regiment. Und für den trägen „Einheimischen“ wiederholen sich die erfolgreichsten Titel nach rund einem halben Jahr, wie eben jener „Anne Boleyn“, der die aktuelle Opernsaison eröffnete.

Im Allgemeinen ist das Thema der verschiedenen Traditionen der Existenz des Opernhauses wahnsinnig interessant und schwierig, jedes Land hat seine eigenen rationalen Momente, die für immer kombiniert werden können, man muss sie nur kennen und wissen, wie es geht.

- An Sie persönlich, besonders am Anfang pädagogische Tätigkeit Störte ihn nicht die fehlende Bühnenerfahrung?

Zuerst natürlich, ja, es störte! Wenn ich bei einer Meisterklasse mit Elena Vasilievna Obraztsova sitze, die ich verehre, genieße ich natürlich einfach ihre Vergleiche, ihre bildliche Rede. Ihre große Erfahrung, die Arbeit mit herausragenden Meistern und ihre persönlich reichste künstlerische Fantasie - alles zusammen fasziniert! Wenn sie an einem Fragment aus einer Oper oder einem Roman arbeitet, den sie gut kennt, dann baut sie eine ganze Welt aus Wissen und Talent zusammen, in der es nicht nur Schauspiel, sondern auch Regie und sogar Dirigieren gibt.

Ich lerne die ganze Zeit! Er studierte, während er mit der unvergesslichen Irina Konstantinovna Arkhipova arbeitete, jetzt neben Obraztsova, mit Evgeny Evgenievich Nesterenko, mit den Lehrern unseres Jugendprogramms. Ich gehe mit meinen Schülern durch die Riffe neuer Partys und Produktionen, auch ausländischer. All dies ist eine Suche, eine Schule, eine Bereicherung der persönlichen Praxis. Ich hatte zeitliches Glück, ich begann in dem Alter, in dem ich aktiv zu unterrichten begann Opernsänger meist nur mit sich und ihrer Karriere beschäftigt. Ich hatte die Möglichkeit, mich sehr tief und breit in pädagogische Probleme einzuarbeiten – pädagogische Erfahrungen zu sammeln, mit allen Stimmtypen zu arbeiten, verschiedene Repertoires zu studieren.

Lassen Sie mich hier einen etwas unerwarteten Vergleich anstellen. Es gibt eine Meinung, dass die besten Geburtshelfer Männer sind, weil sie Wehen nicht verstehen, sich vorstellen und entschlossener und ruhiger handeln können.

Ja, vielleicht kann der Moment meiner Loslösung vom Performen als solchem ​​förderlich sein. Ich habe viel darüber nachgedacht und bin zu dem Schluss gekommen, dass Operngesang und Gesangspädagogik zwei sind verschiedene Berufe, in gewisser Weise natürlich ähnlich, aber nicht in allem.

Wie existieren sie, wenn Sie sich an die Medizin, einen Chirurgen und einen Diagnostiker wenden? Ein exzellenter Chirurg mit "goldenen Händen" kann eine schlechte Diagnose stellen und umgekehrt. Diese Berufe erfordern unterschiedliche Kenntnisse.

Unsere pädagogische ist eher eng, wenn es nur um Gesangstechnik geht, und erfordert eine enorme Weite der Sichtweisen, wenn es um Fragen des Repertoires geht, Kenntnisse des Sängerberufs von allen Seiten. Ja, ich singe nicht auf der Bühne, aber ich tue es die ganze Zeit im Unterricht und zeige es mit meiner Stimme. Ich spiele nicht öffentlich Klavier, aber ich kann Schüler gut begleiten. Ich war Manager, also kann ich Studenten über die "Fallstricke" von Verträgen erzählen, über schlechte und gute Bedingungen Reden. Es sei denn, ich habe selbst keine Opern dirigiert und inszeniert, aber ich übe diese Funktionen wiederum bei Proben aus.

- Und trotzdem sind Sie, Dmitry, eine Ausnahme von der Regel - ein erfolgreicher Gesangslehrer, der nicht auf der Bühne aufgetreten ist. Gibt es andere Kollegen mit einem ähnlichen Schicksal?

Ich kann Svetlana Grigoryevna Nesterenko nennen (die Namensvetterin unseres großartigen Basses), wir arbeiten im Jugendprogramm des Bolschoi-Theaters zusammen, sie ist Leiterin der Gesangsabteilung an der Chorakademie. V. S. Popowa. Zu ihren Schülern gehören Alexander Vinogradov, Ekaterina Lekhina, Dinara Alieva und viele andere würdige Sänger. Und die breite Öffentlichkeit als Sänger kennt nicht viele herausragende westliche Lehrer. Generell sind wir Gesangslehrer Kämpfer an der unsichtbaren Front.

Und bei allen Klagen ist das allgemeine Niveau der Sänger auf der Welt inzwischen ziemlich hoch, es gibt sogar einen gewissen Überfluss an Sängern, aber der Mangel an lohnenswerten ernsthaften Gesangslehrern ist konstant, da es einen Stückberuf gab und geblieben ist. Hier ist das Paradoxon.

Zu Beginn der Arbeit die Bemerkungen erfahrener Sänger, dass ich, sagen sie, ich bin selbst kein Sänger, ich habe kein Make-up geschnuppert, das nicht versucht, wehgetan, nicht viel, aber gekratzt. Und jetzt - absolut egal. In diesem Sinne habe ich mich beruhigt, ich habe so viele Aufgaben und so viel Verantwortung für Dutzende meiner erfolgreichen Studenten, die auf der ganzen Welt verstreut sind. Es ist notwendig, sie davon abzuhalten, Fehler zu machen, von dem Wunsch, in das falsche Repertoire einzusteigen, Sie müssen ihnen schreiben, sie anrufen, sie überzeugen. Bis zu einem Konflikt - das ist selten, aber es kam vor, dass es in einem Streit und einer Pause endete (nicht meinerseits). Jeder möchte erwachsen sein, und gleichzeitig sind alle verletzlich, wie Kinder! Sie verstehen manchmal nicht, dass ihr guter Gesang mein tiefstes Interesse ist, und nicht, dass ich so ein Tyrann mit einer Peitsche bin, dass ich zu einer Aufführung oder einem Konzert kam, um sie scharf zu kritisieren.

- Ein sehr alter und weiser Lehrer an einer Musikschule hat immer gleich nach dem Konzert die Schüler nur gelobt und die „Nachbesprechung“ auf den nächsten Tag verschoben. Weil die Bühne sowieso Adrenalin ist, wird Kritik in der Euphorie des Applauses nicht ernst genommen, aber die Flügel, die Lust am Musizieren kann ein Kind mit einer scharfen Bemerkung abbrechen.

In diesem Sinne habe ich einen schwierigen Charakter. Ich weiß, dass ich etwas falsch mache, weil ich eine emotionale und harte Person bin, aber ich kann mich nicht immer zurückhalten, obwohl ich es versuche.

Kürzlich gab es ein Konzert, äußerst erfolglos. So kam es - eine schwierige Situation, wenige Proben, schlechter Kontakt zum Orchester. Am Ende ging ich zu den Jungs und zitierte einfach noch einmal E. V. Obraztsova: „Genossen, heute hatten wir kein Theater, sondern einen nach Tsuryupa benannten Club.“ Alle wurden natürlich sehr traurig, aber das hinderte das zweite Konzert am nächsten Tag nicht daran, viel besser zu werden!

Manchmal tut man natürlich Schülern weh. Aber ich sage gleichzeitig: Leute, aber ich verletze mich und beleidige mich mit Bemerkungen, ich mache dich nicht für alles verantwortlich, das sind unsere häufigsten Fehler, ich selbst schlafe nachts nicht, ich leide, ich analysiere.

- Ein Lehrer, der nicht schimpft, ist derselbe Arzt, der nicht behandelt!

Es gibt auch Probleme mit mentalen Unterschieden. Eine meiner Kolleginnen, unsere sehr berühmte Pianistin und wunderbare Lehrerin, erhob einmal in Amerika ihre Stimme in ihrem Herzen und warf die Noten in die Richtung einer Schülerin. Genau dort - eine Untersuchung, Polizei, ein Skandal ... Daher war es für mich in den USA nicht einfach, mich daran zu gewöhnen, in dieser Hinsicht zu arbeiten: Nun, manchmal möchte ich Emotionen hinzufügen, meine Stimme gegenüber einem Studenten erheben, aber das ist dort unmöglich.

Aber es gibt auch andere Studenten! Bei meinem ersten Besuch einer Meisterklasse in Houston war ich schockiert. Ein guter junger Bariton kam zu mir und zeigte mir die Arie von Yeletsky. Ich habe ihn angeboten zusätzliche Unterrichtsstunde immerhin abends. Er wollte an der Cavatine des Figaro aus Sevilla vorbei. Aber auf die Minute genau um 18 Uhr stand die Pianistin auf und ging - ihr Arbeitstag war vorbei, alles war streng. Ich selbst merkte, dass ich zu tief in die bravouröse Begleitung von Rossini eintauchen würde, und sagte: „Werden Sie noch einmal Yeletsky singen?“ Er stimmte bereitwillig zu und verblüffte mich - in den wenigen Stunden, die seit dem Morgenunterricht vergangen sind, hat er alles repariert! Alle meine Kommentare zu Phrasierung, Aussprache, Intonation, schauspielerischem Inhalt – alles wird berücksichtigt!

"Ja wie geht es Ihnen?" Ich frage ihn. „Maestro, ich habe mich hingesetzt, 15 Minuten lang auf die Noten geschaut, mir die Aufzeichnung unserer Stunde angehört, verstanden, was Sie gesagt haben – und jetzt ist die Arie fertig.“

Für mich war es ein freudiger Schock! Zurück nach Moskau, wie er seinen eigenen Studenten diesen Vorfall vorgeworfen hat, denn bis Sie es ihnen zwanzig Mal sagen, werden sie es nicht tun! Sie kommen ohne Tonbandgerät zum Unterricht, manchmal sogar ohne Bleistift und eine Extrakopie der Noten, um sich Notizen zu machen. Was kann man sagen? Du musst hart sein.

- Sie haben Mädchen in Ihrer Klasse. Gibt es Unterschiede in der Herangehensweise?

Mit Jungs ist es einigermaßen einfacher, aber ohne Mädchen in der Klasse wäre es einfach langweilig! Natürlich fordert die Frauenstimme von mir einen anderen Zugang zur stimmlichen Realität, eine stärkere Konzentration der Aufmerksamkeit. Unterschiedliches Material und dementsprechend unterschiedliche Werkzeuge. Es erfordert mehr Zeit zum Nachdenken, mehr Anstrengung und sogar technisches Wissen und Erfahrung. Aber wie das Leben gezeigt hat, im Allgemeinen und mit weibliche Stimmen Ich verstehe es. Und im Klassenzimmer bietet die Anwesenheit verschiedener Geschlechter einen großen Vorteil im Repertoire, Sie können Ensembles und Duette aufführen.

- Gibt es im späten 20. - frühen 21. Jahrhundert eine allgemeine Krise des Weltgesangs? verglichen zum Beispiel mit 60-70 des 20. Jahrhunderts, und wenn ja, warum?

Wenn ja, hat es die Krise schon immer gegeben. In der Blütezeit von Callas und Del Monaco gab es Menschen, die sehnsüchtig über die Zeiten von Ponselle, Gigli und Caruso und so weiter sprachen, zurück in die Zeit, bis zum Beginn des 19. Jahrhunderts, bis hin zu völlig legendären Namen. Das ist aus der Serie: "Der Himmel war blauer und das Gras grüner."

Grundsätzlich ist die Schule besser und gleichmäßiger geworden verschiedene Länder, weil wir anfingen, in einem einzigen Informationsraum zu leben, bekam die Gelegenheit, oft hineinzuhören live oder in einer sehr frischen Aufnahme der besten Opernbühnen der Welt. Für viele Musikliebhaber ist es zu einer zugänglichen Realität geworden, in ein Flugzeug zu steigen und sich in wenigen Stunden in jeder Musikhauptstadt wiederzufinden.

Die Krise liegt meiner Meinung nach woanders. Starke Profis gibt es mittlerweile ziemlich viele, Arbeitslose vermehren sich unter den mittleren Managern, aber es gibt nur sehr wenige herausragende, außergewöhnliche Stimmen. Und nicht einmal so sehr an Schönheit, sondern an Kraft, Klangvolumen.

- ich schließe mich Ihnen voll und ganz an - wenige der heutigen selbst besten Opernsänger sind ohne Ankündigung im Radio zu erkennen, obwohl die "alten Leute" - sofort, aus zwei Tönen!

Und das sind auch die Kosten der Technik! Alle begannen zu gleich gut zu singen. Viele ehemalige Größen waren erkennbar, außergewöhnlich und schön, nicht nur für ihre Verdienste, sondern auch für "göttliche Unregelmäßigkeiten", wie die gleichen unvergleichlichen Callas. Es fehlt nicht nur an hellen Klangfarben, sondern vor allem an Individualität, mit seltenen Ausnahmen. Auch weil die Sänger mittlerweile extrem abhängig von der Regiediktatur geworden sind und ihr Beruf nicht in der ersten Reihe an Bedeutung für das Opernhaus steht.

- Oh, unser Lieblingsthema ist der "Re-Operator"! Wie denkst du über sie?

Es gibt gerade eine Zeit im Musiktheater, die wir alle wie eine Krankheit oder schlechtes Wetter durchmachen. Erinnern Sie sich, als wir Musikgeschichte studierten und über den „Untergang der Oper“ im Barock sprachen, über das „Konzert im Kostüm“? In der Mitte des 20. Jahrhunderts begann die Oper auf den Weltbühnen zusammen mit Callas und Luchino Visconti, mit der Welt des Dramas und des Kinos zu verschmelzen, Bilder aus der Malerei zu zeichnen und in gewisser Weise das künstlerische Niveau zu steigern. Aber in der Folge verfiel das Opernhaus in das andere Extrem, den Manierismus. Das ist in Deutschland besonders radikal, so sehr, dass Peter Stein schon irgendwo gesagt hat, wenn es um deutsche Opernregie geht: „Tut mir leid, aber in diesem Zusammenhang fühle ich mich unwohl, mich als deutschen Regisseur zu bezeichnen, ich halte mich nicht für einen.“

Aber interessanterweise wird seit Jahrhunderten vom Tod der Oper gesprochen. Sie geht ständig bis zum Äußersten. Aber als, wie es scheint, schon alles vorbei ist, gelingt es ihr plötzlich, neue Mittel zu finden und wieder in ihrer ganzen Schönheit zu erscheinen.

- Ja Ja! Deshalb brechen traditionelle Kostümproduktionen wie Werther 2010 an der Bastille Opera in Paris, Adrienne Lecouvreur in der letzten Saison in Covent Garden oder die jüngste Enchanted Island an der Met den Applaus vom ersten Öffnen des Vorhangs an. .

Aber in dieser Situation möchte ich nicht wie ein Terry-Orthodoxer, Rückständiger und Konservativer aussehen. Es sind erstaunlich dünn und tief Zeitgenössische Produktionen Oper.

Jeder bestimmt den Grad an Überzeugungskraft und Talent des Regisseurs selbst, und auch ich habe mir dazu eine persönliche Meinung gebildet. Ich denke, wenn die Produktion ihre eigene tiefe Logik hat, wenn jede „Waffe schießt“, dann ist die Produktion ein Erfolg. Und wenn der Regisseur in einer Aufführung einfach all die Bilder und Metaphern zusammenfügt, die er in den vergangenen Jahren der Ausfallzeit aufgespart hat, und nicht über die Runden kommt, und wir dasitzen und nicht verstehen – warum dann? Theoretisch lässt sich auch buchstäblich „auf dem Kopf gehen“ überzeugen, wie Natalie Dessay in „Ariadne auf Naxos“ demonstrierte.

- Aber kann der Gesangsmeister Vdovin nicht sagen, dass es schwierig und nicht physiologisch ist, beim Singen auf dem Kopf zu gehen, sich für die Schüler einzusetzen?

Nein, dazu kann ich leider nichts sagen, obwohl ich mich manchmal über manches empöre. Im Theater sind alle Menschen abhängig und müssen dem Plan des Regisseurs treu sein. Ich sehe manchmal, dass es den Leuten peinlich ist, sich auf der Bühne in einer Art Regieszenario zu schämen. Von was für einer künstlerischen Überzeugungskraft reden wir hier! Und das Traurigste ist, dass dies, abgesehen von Egoismus und Laune, manchmal keinen Sinn ergibt. Aber andererseits stimme ich zu, dass es möglich ist, einen Künstler auch auf hässliche Weise zu zeigen, wenn darin eine wirklich tiefe künstlerische Aufgabe steckt.

Ich bin ein Theaterexperte von erster Ausbildung, dessen erster Leiter Pavel Alexandrovich Markov war, und der Hauptmeister war Inna Natanovna Solovyova, großartige Leute. Ich fand gute Zeiten für das Theater - ich ging zu den Aufführungen von A. Efros, G. Tovstonogov, Y. Lyubimov, und es gab so viele Tourneen in Moskau ...

- Gibt es Studierende, die sich nicht der Tyrannei der Regisseure „beugen“ wollen und sich nur in einem reinen Kammerkonzert-Genre sehen?

Ich habe einen solchen getroffen, aber er ist nicht mein Schüler. Er hat alles, um ein herausragendes Phänomen unserer Zeit zu werden – das ist Bass Dmitry Beloselsky. Er verließ den Chor, sang lange Zeit nur Kantaten-Oratorienmusik, Konzerte. Ich wollte nicht in die Oper gehen. Erst vor kurzem, mit 34 Jahren, hat er es sich anders überlegt, ist ans Bolschoi-Theater gekommen, und das ist Gott sei Dank so. In diesem Alter hat er mehr Chancen, das Rennen nicht vorzeitig zu verlassen, um mit Intelligenz und Verständnis ein langes Leben aufzubauen. erfolgreiche Karriere. Dmitry hat jetzt überall, wo er auftritt, enormen Erfolg. Von der Metropolitan bis zum Bolschoi. Aber leider ist es für einen "reinen" Konzertsänger schwer, finanziell zu überleben, der Beruf des Kammermusikers stirbt praktisch aus. Ach!

- Macht das Konzept der "Russischen Gesangsschule" heute Sinn? In dieser Hinsicht war ich beim Abschlusskonzert des Jugendprogramms des Bolschoi-Theaters im vergangenen Frühjahr, das Sie, Dmitry, leiten, unangenehm überrascht, wie viel besser und überzeugender junge Sänger mit westlicher Musik umgehen und wie problematisch sie ist sie, um Russisch zu spielen.

Die russische Schule existiert zweifellos, da es ein riesiges Opernerbe und die russische Sprache gibt. Und als Bestandteil - Theatertradition. Das russische Repertoire selbst diktiert einen anderen technischen Ansatz als die Werke italienischer, französischer, Deutsche musik. Das Problem ist meines Erachtens, dass unsere Musik hauptsächlich für sehr starke Stimmen, für reife Sänger konzipiert ist. Denn die meisten Opern wurden für die beiden Imperial Theatres geschrieben, die seit jeher für ihre kraftvollen und tiefen Stimmen berühmt sind. Die Frage, wo man heute den echten Herman oder Marfa für Khovanshchina findet, wird immer schwieriger zu lösen ...

Übrigens gilt Tatyana in Amerika als stärkere Alterspartei als sogar Lisa in "Peak". Und Yeletsky ist stärker als der Graf in Le nozze di Figaro. Auch Lenski und Onegin gelten nicht, wie bei uns üblich, als Jugendrollen, nur weil Pjotr ​​Iljitsch seine lyrischen Szenen für Studenten des Moskauer Konservatoriums geschrieben hat. Aber es gibt eine sehr dichte Orchestrierung und eine komplexe Stimmlage, mit großen Sprüngen auf und ab, was, glauben Sie mir, als Lehrer nicht alle jungen Sänger können. Und angesichts der problematischen Akustik, die wir in vielen Sälen haben, und wie Orchester gerne poltern, braucht man sehr kraftvolle, starke Stimmen, um all dies auszuhalten. Entschuldigen Sie, aber ich denke, dass Glinkas Antonidas Cavatine zum Beispiel so schwierig ist, das für sie zu schreiben gute Leistung Sie müssen sofort eine Medaille in den Flügeln einer Sopranistin geben! Ein weiterer heikler Punkt: Russische Komponisten beherrschten trotz ihres ganzen Genies nicht immer die Feinheiten des Vokalsatzes. Und das ist verständlich - sie selbst Operntradition in Russland ist noch nicht so alt, und viele seiner Vertreter haben dies selbst gelernt.

Mehr über Glinka im Zusammenhang mit dem Sensationellen letzte Uraufführung"Ruslana", jetzt spreche ich nur von der Gesangsseite, weil es in der Presse Aussagen gab, dass es im Vergleich zur vorherigen Produktion des Bolschoi-Theaters der 70er Jahre von B. A. Pokrovsky niemanden gibt, der richtig singen kann. Ich werde als lebender Zeuge und Zuhörer sagen - ja, in dieser Aufführung gab es brillante Ruslan - Evgeny Nesterenko, Lyudmila - Bela Rudenko, Tamara Sinyavskaya - Ratmir. Aber unter der Fülle von Charakteren (und die Aufführung war in 2-3 Besetzungen) gab es Sänger, die aus unbekannten Gründen auf der Bühne des Bolschoi-Theaters auftraten, und es ist kein Geheimnis, dass es Aufführungen gab, in die sie eingestiegen waren Sie könnten das Interesse an der Oper als solche für immer verlieren.

Ich komme noch einmal auf die Genreeinteilung zurück - es gibt wunderbare Sänger, die in Mozarts Opern einzigartig sind, und nicht mehr. Und andere sollten ausschließlich russische Musik singen - das ist ihre Stärke. Aber wenn sie anfangen, dies und das zu singen, ist es schlimmer für Mozart und Glinka und für die Zuhörer.

- Leider haben nicht alle Sänger ihren eigenen nüchternen analytischen Verstand und den Willen, abenteuerliche Projekte abzulehnen, wie Ihr Dmitry Korchak, dem bereits angeboten wurde, Herman zu singen!

Ja, Dima ist in diesem Sinne großartig, aber die Tatsache, dass es so wenig russische Musik in seinem Repertoire gibt, weil seine Stimme zu hell ist - schade, er macht es sehr gut. Und Vasily Ladyuk übrigens auch. Ich erinnere mich an den Abend, als er russische Romanzen aufführte - obwohl ich orchestrierte Kammermusikwerke nicht mag, hat Mikhail Pletnev es erstaunlich gut gemacht, eines der besten Konzerte zur Durchdringung der Bedeutung von Musik fand statt!

Im Allgemeinen muss man, um russische Musik gut zu singen, sehr hart daran arbeiten, eine große Anzahl unserer eigenen Klischees loszuwerden, indem man das Gefühl der Frische verliert. Manchmal überraschen Ausländer mit neuen Nuancen, und manchmal nehmen wir die Tradition unwillkürlich als Urtext-Klischee-Aufnahme eines anerkannten Klassikers der russischen Szene aus längst vergangenen Zeiten wahr.

- Über das "Hören" alter Schallplatten. Die Aussage von Svyatoslav Teofilovich Richter ist lange Zeit in die Seele eingesunken moderne Jugend, verwöhnt durch die Verfügbarkeit von Tonaufnahmegeräten, gewöhnt sich nach der Vorstellung daran, sich ständig von außen zu kontrollieren. Und die um diesen zivilisatorischen Segen gebrachten früheren Musikergenerationen entwickelten das sogenannte „Vorhören“, also die Fähigkeit, die nächste musikalische Phrase mit dem Innenohr vorzufühlen.

Auf den Punkt. Kürzlich hörte ich eine Audioaufnahme von der Met – „Die Hochzeit des Figaro“. Und während der Ensembles konnte ich manchmal nicht verstehen, da ich ohne Noten saß, wer jetzt spielte - die Gräfin, Susanna oder Cherubino. Denn alle drei, sorry, kleiner Rene Fleming! Natürlich die Verfügbarkeit von Tonaufnahmen von allem und jedem, You Tube etc. hinterlassen ihre Spuren zeitgenössische Interpreten, und die klischeehafte Interpretation kommt von hier.

- Aber gestatten Sie persönlich den Schülern, Technologie im Unterricht und bei Aufführungen einzusetzen?

Ich erlaube ja. Als Theatermensch verstehe ich, dass, wenn man anfängt, mit den Jungs Aufgaben zu bauen, nach den Ursprüngen dieses oder jenes musikalischen Bildes, Ursachen und Wirkungen sucht, dann verschwinden die Klischees, der Druck der Audio- und Videoaufnahmen anderer Leute verschwindet.

- Brauchen Sänger einen historischen Kontext, Wissen über Zeit und Ort der Heldentat, über die Biografie des Autors?

Nun, natürlich! Opernkünstler, Sänger muss ein gebildeter Mensch sein! So füllen die Arbeiten den Text mit Bedeutung – auch weiter Muttersprache Es ist notwendig, nicht nur Wörter zu verstehen, sondern auch die gesamte Situation um den Charakter, die Handlung, historische Bindungen wenn das Material ist. Es ist schrecklich, wenn junge Leute die Namen der Dichter nicht kennen, die die Texte für Romanzen geschrieben haben, oder wenn sie nicht wissen, wo Flandern liegt, was in der Arie von Don Carlos besungen wird. Oder stellt sich nicht vor, dass die Arie an den Partner gerichtet ist und dies im Wesentlichen ein Duett ist.

Das Wichtigste ist, die künstlerische Vorstellungskraft des Sängers zu entwickeln, ihn sehen und verstehen zu lassen, was in der Tiefe und zwischen den Zeilen liegt.

- Eine etwas provokative Frage: Was ist Ihnen lieber - der brillante Gesang des Sängers kombiniert mit begrenzter Artistik und unscheinbarem Auftreten oder umgekehrt helle Artistik mit sehr moderatem Gesang?

Ich persönlich bleibe in so einer Situation jetzt lieber zu Hause! Aber im Ernst, in einer Oper ist brillante Artistik kombiniert mit mittelmäßigem Gesang unangemessen, es mag einen unauffälligen Sänger in Bezug auf Stärke oder Klangfarbe geben, aber er muss sein Instrument vollständig beherrschen. Kein anderer Weg, ein schlanker Körper, die korrekten Gesichtszüge und wirkende Plastizität, wenn sie die Noten komplett verfehlen, werden nicht retten – was zu tun ist, ein synthetisches Genre.

Deshalb schätzen wir die seltensten Beispiele für die Harmonie von allem so sehr: eine phänomenale Stimme, Musikalität, ein enormes schauspielerisches Temperament, kombiniert mit einer hellen, sehr mutigen Schönheit - so war Vladimir Andreevich Atlantov auf der Bühne, der auf der Bühne des Bolschoi regierte Theater. Ich hatte das Vergnügen, ihn während meiner Studienzeit kennenzulernen. Atlantov war wahrscheinlich kein Beispiel für ein verfeinertes Ideal Gesangsschule, aber er hat mir viel dazu gegeben, den Prozess des Opernsingens zu verstehen, was ein echter Künstler sein sollte.

Interview mit Tatjana Elagina

Bemerkenswert ist, dass in drei Opern Beim diesjährigen ROF-Festival werden die Hauptpartien des Tenors von Sängern aus Russland dargeboten, die alle Schüler von Professor Dmitry Yuryevich Vdovin sind.

Die Sommermonate sollten, so scheint es, einen Rückgang der Intensität der Theaterleidenschaften bringen, aber dies geschieht nicht. Gerade im Sommer gibt es zahlreiche schwierige und sehr prestigeträchtige Wettbewerbe und Festivals. Unter der Vielzahl von Festivals gehört ROF ein besonderer Platz - das Rossini Opera Festival, das jährlich in der Stadt Pesaro in Italien, der Heimat von Gioacchino Rossini, stattfindet. Am 10. August findet die Eröffnung dieses Festivals statt.

Eröffnet wird das ROF-2017-Programm mit einer Aufführung der Oper Die Belagerung von Korinth von G. Rossini, Tenor Sergei Romanovsky in der Titelrolle. Am nächsten Tag, dem 11. August, wird die Oper Der Prüfstein von G. Rossini unter Mitwirkung des Tenors Maxim Mironov aufgeführt. Am 12. August wird die Oper „Torvaldo und Dorlisca“ von G. Rossini aufgeführt, in der Tenor Dmitry Korchak singen wird. Alle von ihnen sind Schüler von Dmitry Vdovin.

- Was ist das Geheimnis des "Phänomens der Vdovin-Schule"?

Eine Frage, die nicht einfach zu beantworten ist, da sie etwas „Fanfare“-Charakter hat. Und wie Sie wissen, können Sie "zur Fanfare" donnern. (lacht) Aber andererseits, ich werde nicht ausweichen, es gibt Ergebnisse und die Sänger, mit denen ich gearbeitet habe, nehmen einen bestimmten und ernsthaften Platz im Weltoperntheater ein. Es ist merkwürdig, dass ich mich in meiner Jugend sehr für Rossini interessierte. Grund dafür waren die Aufnahmen von „Der Barbier von Sevilla“ und „Italienisch in Algerien“. Sie wurden auf Russisch gemacht, was auch eine wichtige Rolle spielte, ich war zu jung und vielleicht hätte mich das Singen auf Italienisch nicht so gefesselt. Ich war fasziniert von der Theatralik Rossinis, seinem Humor, seiner erstaunlichen melodischen Großzügigkeit und seinem Lebens-Hedonismus. Und mir, der ich im rauen Klima des Urals und unter den nicht weniger rauen Bedingungen der UdSSR lebte, erschien nicht nur seine Musik, sondern seine ganze Geschichte (ich habe Stendhals „Rossinis Leben“) irgendwie ungewöhnlich und festliche Welt. Auf die ich mich als bescheidener Schallplattenbesitzer nur einlassen konnte.

Aber so kam es, dass zu Beginn meiner Lehrtätigkeit mit einem kleinen zeitlichen Abstand drei Tenöre zu mir kamen, die zu Spezialisten für das Rossinische Repertoire wurden. Es ist zwar nicht alles so einfach geworden. Der 18-jährige Maxim Mironov kam für mich aufgrund seiner ungewöhnlich hohen und sehr beweglichen Stimme sofort als Tenor für Rossini in Frage. Die erste Arie, die ich ihm gab, war Languir per una bella aus The Italian Girl in Algiers und dann O come mai non senti aus Othello. Und jetzt ist er einer der besten Lindor und Rodrigo.

Sergey Romanovsky... Die ersten Monate und sogar ein Jahr, wahrscheinlich, habe ich Don Ottavio, Nemorino, Lensky mehr mit ihm studiert. Nein, wir fingen ziemlich bald an, Aschenputtel zu singen, und ich erinnere mich, wie Mironov es zum ersten Mal hörte, als er mich am Telefon anrief, als würde jemand anders Rossini singen. Es war Romanovsky! Aber ein ernsthafter Einstieg mit Serezha in Rossini geschah, als ich beschloss, eine Halbbühnenaufführung von Journey to Reims in Moskau zu machen. Ich muss sagen, dass diese Geschichte vor 10 Jahren viele Menschen sowohl in den Beruf als auch in die Welt von Rossini eingeführt hat. Aber besonders viel gab sie Romanovsky, dem einzigen Grafen Liebenskoff. Dies ist der schwierigste, virtuoseste Teil, und dank ihm zog er die Aufmerksamkeit von Spezialisten auf sich, von denen viele damals extra nach Moskau kamen, um unsere praktisch studentische Aufführung zu sehen. Kurz darauf debütierte er in dieser Rolle in Italien, in Treviso und Jesi, und bald stellte sich heraus, dass Liebenskoff in einer Reihe von Aufführungen an der Mailänder Scala abwechselnd von Korczak und Romanovsky gesungen wurde. Es war ein sehr riskanter Moment, es war zu früh, in einem so jungen Alter in einem so wichtigen Theater zu debütieren. Aber trotzdem ging alles weiter. Mironov sang seinen ersten Rossini im La Fenice in Venedig (Mohammed II), dies war sein erster Vertrag im Westen seit dem Wettbewerb Neue Stimmen, wo er am Ende von Lindors Arie das Es-Dur der oberen Stratosphäre übernahm. Übrigens muss ich sagen, dass es Anfang der 2000er Jahre noch nicht so viele hohe Rossini-Tenöre gab wie heute. Die Konkurrenz hat deutlich zugenommen.

Dmitry Korchak, den ich eher als Tenor für Mozart betrachtete, ein Franzose Lyrische Oper und russisches Repertoire (und bis heute glaube ich, dass dies sein wichtigstes ist Starke Seiten), begann Rossini jedoch viel zu singen. Seine herausragenden musikalischen Fähigkeiten erregten die Aufmerksamkeit bedeutender Dirigenten (Muti, Chaya, Maazel, Zedda) sowie Ernesto Palacio, in der Vergangenheit ein sehr prominenter Rossini-Tenor, später der Mentor von Juan Diego Flores und jetzt die erste Person in der Rossinianische Welt, der Kopf des Festivals, und jetzt die Akademie in Pesaro, Rossinis Heimat. Er, Maestro Palacio, hat unsere drei Tenöre in diesem Jahr zusammengebracht, worauf ich nur stolz sein kann.

Es gibt drei Tenöre bei ROF-2017 und alle Ihre Schüler. Dies sind Korchak, Mironov, Romanovsky. Sie sind natürlich verschieden, aber was verbindet sie als Ihre Schüler?

Sie sind talentiert, sehr schlau, jeder auf seine Art und sehr fleißig. Ich kann faule Menschen nicht ausstehen. faule Besitzer schöne stimmen- das sind für mich Philister aus der Kunst, eine Art geistig dickbäuchiger Rentier ihrer stimmlichen Fähigkeiten. Diese drei sind überhaupt nicht so. Sehr verantwortungsbewusste, ernsthafte, nachdenkliche Künstler. Das verbindet sie.

Dmitri Jurjewitsch Wdowin(geb.) - Russische Opernfigur und Gesangslehrerin, Verdiente Künstlerin der Russischen Föderation, Professorin an der Akademie für Chorkunst.

Künstlerischer Leiter des Jugendopernprogramms des Bolschoi-Theaters Russlands.

Biografie

Geboren am 17. April 1962 in Swerdlowsk (heute Jekaterinburg). Er absolvierte das Staatliche Institut für Theaterkunst (jetzt RATI) in Moskau und studierte dann an der Graduiertenschule dieser Universität unter der Leitung von Professor Inna Solovieva als Theater- (Opern-) Kritiker, der in großen nationalen Zeitungen und Zeitschriften veröffentlicht wurde. Anschließend unterzog er sich einer Umschulung und absolvierte die Akademie für Chorkunst. V. S. Popova als Sängerin und Gesangslehrerin. Von 1987 bis 1992 - ein Mitarbeiter, der für die Arbeit im Bereich Musiktheater der Union der Theaterarbeiter der UdSSR verantwortlich ist. Ausgebildet als Gesangslehrer am ECOV - dem Europäischen Zentrum für Opern- und Vokalkunst in Belgien unter der Leitung des Leiters der Gesangsabteilung des Curtis Institute of Music in Philadelphia Michael Elaysen (1992-1993). 1992 wurde Dmitry Vdovin künstlerischer Leiter des Moskauer Zentrums für Musik und Theater, einer Kunstagentur, die an gemeinsamen kreativen Projekten mit großen internationalen Theatern, Festivals und Musikorganisationen teilnahm. Seit 1996 arbeitet D. Vdovin mit der großen russischen Sängerin I. K. Arkhipova als Lehrerin und Leiterin ihrer Summer School zusammen und ist Co-Moderatorin ihrer Fernseh- und Konzertprogramme. Seit 1995 - Lehrer, von 2000 bis 2005. - Leiter der Gesangsabteilung der Staatlichen Medizinischen Hochschule. Gnesins, 1999-2001 - Lehrer der Russischen Akademie der Wissenschaften. Gnesinykh, seit 2001 - Außerordentlicher Professor, Leiter (bis 2003) der Abteilung für Sologesang der Akademie für Chorkunst. V. S. Popova, seit 2008 - Professor der Akademie der Künste. D. Vdovin gab Meisterkurse in vielen Städten Russlands sowie in den USA, Mexiko, Italien, Lettland, Frankreich, Polen, Monaco und der Schweiz. Er war regelmäßiger Gastdozent am Houston Grand Opera House Youth Program (HGO Studio). Von 1999 bis 2009 - künstlerischer Leiter und Lehrer der Moscow International School of Vocal Art, die es den größten Opernlehrern und Spezialisten aus Russland, den USA, Italien, Deutschland und Großbritannien ermöglichte, nach Moskau zu kommen, um mit jungen Sängern zu arbeiten

Mitglied der Jury vieler renommierter Gesangswettbewerbe - des Internationalen Wettbewerbs. Glinka, der 1. und 2. Allrussische Musikwettbewerb, der Internationale Wettbewerb Le voci verdiane (Verdi-Stimmen) in Busseto, der Internationale Gesangswettbewerb. Viotti und Pavarotti in Vercelli, AsLiCo in Como (Italien), Internationale Wettbewerbe in Paris und Bordeaux (Frankreich), Competizione dell'opera Italiana in Moskau und Linz, Internationaler Wettbewerb in Montreal (Kanada), Wettbewerb des Fernsehsenders "Culture" "Big Opera “, der Elena Obraztsova-Wettbewerb in St. Petersburg, der Gesangswettbewerb in Izmir (Türkei), die Internationalen Wettbewerbe. Moniuszko in Warschau, „Die Meistersinger von Nürnberg“ in Nürnberg, Opera de Tenerife in Spanien.

Seit 2009 - einer der Gründer und künstlerischer Leiter des Jugendopernprogramms des Bolschoi-Theaters Russlands. Seit 2015 ist er Gastdozent am Internationalen Opernstudio des Opernhauses Zürich. Meisterkurse an der Metropolitan Opera, New York (Lindemann Young Artist Development Program).

Musikalischer Berater für Pavel Lungins Film „The Queen of Spades“ (2016).

Außerdem war D. Yu. Vdovin stellvertretender Leiter der Kreativteams der Operntruppe des Bolschoi-Theaters (2013-2014).