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Der Inhalt des Begriffs Stillleben. Begriff und Konzept in der bildenden Kunst

Was ist Stillleben?

Stillleben ist ein Genre der Malerei, das die unbelebte Natur darstellt. Das Genre entstand im 17. Jahrhundert.

Stillleben ist vor allem deshalb überraschend und interessant, weil es den Menschen Schönheit und Harmonie in alltäglichen, langweiligen Dingen erkennen lässt, die uns ständig umgeben, aber unsere Aufmerksamkeit nicht auf sich ziehen.

Das Genre ist nicht so einfach, wie es auf den ersten Blick scheint: In den meisten dieser Gemälde verwenden Künstler Allegorien – sie versuchen, den Menschen durch eine bestimmte Reihe von Objekten, ihre Anordnung, ausgewählte Farben, die Gesamtkomposition etwas Wichtiges zu sagen, um was zu vermitteln macht ihnen Sorgen, von ihren Gefühlen und Gedanken zu erzählen.

Trotz der düsteren Übersetzung „tote Natur“, Leinwände sind oft voller leuchtender Farben, erfreuen den Betrachter mit ihrer Originalität und Eigenartigkeit, wecken den Wunsch, die Welt um sich herum zu leben und zu bewundern, die Schönheit darin zu sehen.

Es gibt viele Arten und Unterarten von Stillleben, zum Beispiel handlungsbezogene, kreative, lehrreiche und kreative, lehrreiche. Sie sind außerdem nach verwendeten Farben, Beleuchtung, Farbe, Aufführungszeit, Ort usw. unterteilt.

Die Begründer des Stilllebens als eigenständiges Genre waren die Niederländer und Flämische Künstler. Ursprünglich dienten die Gemälde religiösen Zwecken. Auch in der Ära der Entstehung des Genres verbreiteten sich Gemälde düsterer Natur mit tiefer philosophischer Bedeutung und dunklen Tönen, im Mittelpunkt der Komposition standen Totenköpfe, Kerzen und einige andere Attribute. Dann entwickelte sich das Genre allmählich weiter, nahm immer mehr neue Richtungen auf und verbreitete sich immer mehr in allen Kreisen der Gesellschaft. Blumen, Bücher, Gemüse und Obst, Meeresfrüchte, Geschirr und andere Haushaltsgegenstände – alles spiegelt sich in der Kunst wider. Einer der meisten berühmte Künstler Stillleben waren Ambrosius Baschart, Miguel Parra, Jan Brueghel, Joseph Launer, Severin Rosen, Edward Ladell, Jan Davids de Heem, Willem van Aelst, Cornelis Brize.

Cezanne, Paul. Stillleben mit Granatapfel und Birnen. 1885-1890
Cezanne, Paul. Stillleben mit Äpfeln und Orangen. 1895-1900

In Russland entstand das Genre zu Beginn des 18. Jahrhunderts, aber niemand beschäftigte sich ernsthaft damit, es galt als „niederes“ Genre. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts erreichte die Stilllebenmalerei ihren Höhepunkt; Künstler schufen ihre Meisterwerke, stellten sich neue Aufgaben und erreichten unaussprechliche Höhen in der Meisterschaft, verwendeten ungewöhnliche Techniken, wählten neue Bilder aus. Das russische Stillleben entwickelte sich im Gegensatz zum westlichen nicht allmählich, sondern in einem beschleunigten Tempo. Russische Künstler wie K. Petrov-Vodkin, I. Levitan, I.F. schufen in diesem Genre. Khrutsky, V. Nesterenko, I.E. Grabar, M. Saryan, A. Osmerkin, P.P. Konchalovsky, S.E. Zakharov, S.I. Osipov und viele andere.

I. Levitan I. Levitan

In der modernen Malerei erlebt das Stillleben einen neuen Aufschwung und nimmt mittlerweile einen festen Platz unter anderen Genres ein. bildende Kunst. Heute ist es eine der gefragtesten Richtungen in der Malerei. Künstler haben eine Vielzahl von Möglichkeiten zur Selbstverwirklichung in der Kreativität und malen eine Vielzahl von Stillleben. Und die Betrachter wiederum kaufen Gemälde, dekorieren damit ihre Innenräume, beleben ihr Zuhause und bringen Komfort und Freude hinein. Museen werden ständig mit Stillleben aufgefüllt, in verschiedenen Städten und Ländern werden immer mehr neue Ausstellungen eröffnet, zu denen Scharen kunstinteressierter Zuschauer kommen. Mehrere Jahrhunderte später, nach einem langen, vollwertigen Entwicklungsweg, ist das Stillleben immer noch relevant und hat seine Bedeutung in der Weltmalerei nicht verloren.

Stillleben in der Malerei – Bilder statischer, unbelebter Objekte, kombiniert zu einem einzigen Ensemble. Ein Stillleben kann als eigenständige Leinwand präsentiert werden, manchmal wird es jedoch Teil der Komposition einer Genreszene oder eines ganzen Gemäldes.

Was ist Stillleben?

Eine solche Malerei drückt sich in der subjektiven Einstellung eines Menschen zur Welt aus. Dies zeigt das dem Meister innewohnende Verständnis von Schönheit, das zur Verkörperung wird öffentliche Werte und ästhetisches Ideal der Zeit. Das Stillleben in der Malerei entwickelte sich nach und nach zu einem eigenständigen bedeutenden Genre. Dieser Prozess dauerte mehr als hundert Jahre, und jede neue Generation von Künstlern verstand Leinwände und Farben entsprechend den Trends der Zeit.

Die Rolle des Stilllebens bei der Komposition eines Gemäldes beschränkt sich nie auf einfache Informationen, eine zufällige Ergänzung zum Hauptinhalt. Je nach historischen Bedingungen und gesellschaftlichen Anforderungen können Objekte mehr oder weniger aktiv an der Gestaltung einer Komposition oder eines Hotelbildes beteiligt sein und dabei das eine oder andere Ziel verschleiern. Stillleben in der Malerei unabhängiges Genre Entwickelt, um die Schönheit der Dinge, die einen Menschen jeden Tag umgeben, zuverlässig zu vermitteln.

Manchmal bekommt ein einzelnes Detail oder Element plötzlich eine tiefe Bedeutung, bekommt seine eigene Bedeutung und seinen eigenen Klang.

Geschichte

Als altes und verehrtes Genre kannte das Stillleben in der Malerei seine Höhen und Tiefen. Strenge, asketisch und minimalistisch trugen dazu bei, unsterbliche, monumentale, verallgemeinerte, erhabene Heldenbilder zu schaffen. Bildhauer mit außergewöhnlicher Ausdruckskraft erfreuten sich an der Darstellung einzelner Objekte. Arten von Stillleben in der Malerei und alle möglichen Klassifikationen entstanden während der Entstehung der Kunstgeschichte, obwohl die Leinwände schon lange vor der Abfassung des ersten Lehrbuchs existierten.

Traditionen der Ikonenmalerei und Stillleben

In der altrussischen Ikonenmalerei spielten die wenigen Dinge, die der Künstler in den strengen Lakonismus kanonischer Werke einzuführen wagte, eine große Rolle. Sie tragen zur Manifestation von allem Unmittelbaren bei und demonstrieren den Ausdruck von Gefühlen in einem Werk, das einer abstrakten oder mythologischen Handlung gewidmet ist.

Arten von Stillleben in der Malerei existieren getrennt von Werken der Ikonenmalerei, obwohl ein strenger Kanon die Darstellung einiger dem Genre innewohnender Gegenstände nicht verbietet.

Renaissance des Stilllebens

Eine wichtige Rolle in der Renaissance spielen jedoch die Werke des 15.-16. Jahrhunderts. Der Maler lenkte zunächst die Aufmerksamkeit auf die Welt um ihn herum und versuchte, die Bedeutung jedes Elements im Dienste der Menschheit zu bestimmen.

Die moderne Malerei und das Stillleben als beliebtes und beliebtes Genre haben ihren Ursprung in der Tricento-Zeit. Haushaltsgegenstände erlangten einen gewissen Adel und eine gewisse Bedeutung des Besitzers, dem sie dienten. Auf großen Leinwänden wirkt ein Stillleben in der Regel sehr bescheiden und zurückhaltend – ein Glas Wasser, das Silber einer eleganten Vase oder zarte Lilien auf dünnen Stielen, oft zusammengekauert in einer dunklen Ecke des Bildes, wie arm und vergessen Verwandte.

Dennoch steckte in der Darstellung schöner und nahestehender Dinge so viel Liebe in poetischer Form moderne Malerei Das Stillleben und seine Rolle darin lugten bereits schüchtern durch die Lücken der Landschaften und die schweren Vorhänge der Genreszenen.

Kritischer Moment

Im 17. Jahrhundert – einer Zeit, in der Stillleben mit Blumen vorherrschten und dominierten – erlangten die Motive in der Malerei eine neue Bedeutung und eine neue Bedeutung. Gemälde dieser Art haben zahlreiche Bewunderer im Adel und im Klerus gefunden. In komplexen Kompositionen mit ausgeprägter literarischer Ausstrahlung Handlung Die Szenen haben zusammen mit den Hauptfiguren ihren Platz gefunden. Bei der Analyse der Werke dieser Zeit lässt sich leicht erkennen, dass sich die wichtige Rolle des Stilllebens in ähnlicher Weise in der Literatur, im Theater und in der Bildhauerei manifestierte. In diesen Werken begannen die Dinge zu „wirken“ und zu „leben“ – sie wurden als Hauptfiguren dargestellt und demonstrierten die besten und wohltuendsten Aspekte von Objekten.

Von fleißigen und talentierten Handwerkern gefertigte Kunstgegenstände tragen eine persönliche Prägung von Gedanken, Wünschen und Neigungen. spezielle Person. Malen ist das Beste psychologische Tests helfen, den psycho-emotionalen Zustand zu verfolgen und zu erreichen innere Harmonie und Integrität.

Dinge dienen einem Menschen treu, indem sie seine Begeisterung für Haushaltsgegenstände übernehmen und Besitzer dazu inspirieren, neue schöne, elegante Kleinigkeiten zu kaufen.

Flämische Renaissance

Gouachemalerei, Stillleben als Genre wurde von den Menschen nicht sofort akzeptiert. Die Geschichte der Entstehung, Entwicklung und weit verbreiteten Umsetzung verschiedener Ideen und Prinzipien erinnert an die ständige Weiterentwicklung des Denkens. Stillleben erlangten Mitte des 17. Jahrhunderts Berühmtheit und Mode. Das Genre entstand in den Niederlanden, dem hellen und festlichen Flandern, wo die Natur selbst Schönheit und Spaß fördert.

Gouachemalerei und Stillleben blühten in einer Zeit grandioser Veränderungen, eines völligen Wandels der politischen, sozialen und religiösen Institutionen.

Flandern aktuell

Die bürgerliche Richtung der Entwicklung Flanderns war ein Novum und ein Fortschritt für ganz Europa. Änderungen in politisches Leben führte zu ähnlichen Innovationen in der Kultur – die Horizonte, die sich eröffneten, bevor Künstler nicht mehr auf religiöse Verbote beschränkt waren und nicht von den einschlägigen Traditionen getragen wurden.

Das Stillleben wurde zum Flaggschiff der neuen Kunst, die alles Natürliche, Helle und Schöne verherrlichte. Die strengen Kanones des Katholizismus hielten die Fantasie und Neugier der Maler nicht mehr zurück, und so begannen sich neben der Kunst auch Wissenschaft und Technik zu entwickeln.

Gewöhnliche Dinge und Gegenstände des Alltags, die zuvor als niederträchtig und der Erwähnung unwürdig galten, wurden plötzlich zu Objekten genauerer Betrachtung. Dekorative Malerei, Stillleben und Landschaften sind zu einem echten Spiegel des Lebens geworden – Tagesablauf, Ernährung, Kultur, Vorstellungen von Schönheit.

Genre-Eigenschaften

Von hier aus, aus einem bewussten, gründlichen Studium der umgebenden Welt, ist das der Fall eigenes Genre Haushaltsmalerei, Landschaft, Stillleben.

Die Kunst, die im 17. Jahrhundert bestimmte Kanons erlangte, bestimmte die Hauptqualität des Genres. Malen, der Welt gewidmet Dinge, beschreibt die grundlegenden Eigenschaften, die den Objekten innewohnen, die eine Person umgeben, zeigt die Haltung des Meisters und seines hypothetischen Zeitgenossen zu dem Gezeigten, drückt die Natur und Vollständigkeit des Wissens über die Realität aus. Der Künstler vermittelte notwendigerweise die materielle Existenz von Dingen, ihr Volumen, ihr Gewicht, ihre Texturen, Farben, den funktionalen Zweck von Haushaltsgegenständen und ihren lebenswichtigen Zusammenhang mit menschlicher Aktivität.

Aufgaben und Probleme des Stilllebens

Dekorative Malerei, Stillleben und häusliche Szenen nahmen die neuen Trends der Epoche auf – die Abkehr von den Kanonen und die gleichzeitige Bewahrung des konservativen Naturalismus des Bildes.

Das Stillleben der Revolutionszeit während des vollständigen Sieges der Bourgeoisie spiegelt den Respekt des Künstlers vor neuen Formen wider nationales Leben Landsleute, Respekt für die Arbeit gewöhnlicher Handwerker, Bewunderung für wunderschöne Bilder Schönheit.

Die im 17. Jahrhundert formulierten Probleme und Aufgaben der Gattung wurden in den europäischen Schulen erst Mitte des 19. Jahrhunderts allgemein diskutiert. In der Zwischenzeit stellten sich die Künstler immer wieder neuen Aufgaben und reproduzierten nicht weiterhin mechanisch vorgefertigte kompositorische Lösungen und Farbschemata.

Moderne Leinwände

Fotos von Stillleben zum Malen, die in modernen Ateliers angefertigt wurden, zeigen deutlich den Unterschied zwischen der Weltwahrnehmung eines Zeitgenossen und einer Person des Mittelalters. Die Dynamik von Objekten überschreitet heute alle erdenklichen Grenzen und die Statik von Objekten war damals die Norm. Farbkombinationen des 17. Jahrhunderts zeichnen sich durch Helligkeit und Reinheit der Farbe aus. Gesättigte Farbtöne fügen sich harmonisch in die Komposition ein und unterstreichen die Idee und Idee des Künstlers. Das Fehlen jeglicher Kanons im besten Sinne beeinflussten die Stillleben des 20. und 21. Jahrhunderts und beeindruckten manchmal mit ihrer Hässlichkeit oder absichtlichen Vielfältigkeit die Fantasie.

Die Methoden zur Lösung der Probleme des Stilllebens ändern sich jedes Jahrzehnt rasant, Methoden und Techniken halten nicht mit der Vorstellungskraft anerkannter und nicht so großer Meister Schritt.

Der Wert heutiger Gemälde liegt im Ausdruck der Realität durch die Augen zeitgenössischer Künstler; Durch die Verkörperung auf der Leinwand entstehen neue Welten, die den Menschen der Zukunft viel über ihre Schöpfer erzählen können.

Einfluss des Impressionismus

Der nächste Meilenstein in der Geschichte des Stilllebens war der Impressionismus. Die gesamte Entwicklung der Richtung spiegelte sich in den Kompositionen durch Farben, Technik und Raumverständnis wider. Neue Romantiker Seit Jahrtausenden wird das Leben so auf die Leinwand übertragen, wie es ist – schnelle, helle Striche und ausdrucksstarke Details sind zu den Eckpfeilern des Stils geworden.

Malerei, Stillleben zeitgenössische Künstler Sie tragen in Farbe, Art und Weise und Techniken der Bildgebung sicherlich den Eindruck der inspirierenden Impressionisten.

Abkehr von den Standardkanons des Klassizismus – drei Pläne, zentrale Komposition und historische Helden- ermöglichte es den Künstlern, ihre eigene Wahrnehmung von Farbe und Licht zu entwickeln und dem Publikum den freien Flug von Emotionen auf zugängliche und visuelle Weise zu demonstrieren.

Die Hauptaufgaben der Impressionisten - Veränderung Maltechnik und psychologischen Inhalt des Bildes. Und selbst wenn man die Situation dieser Zeit kennt, ist es heute schwierig, die richtige Antwort auf die Frage zu finden, warum impressionistische Landschaften, so fröhlich und ungekünstelt wie die Poesie, bei wählerischen Kritikern und einem aufgeklärten Publikum scharfe Ablehnung und groben Spott hervorriefen.

Die impressionistische Malerei passte nicht in den allgemein akzeptierten Rahmen, daher wurden Stillleben und Landschaften zusammen mit anderen Abschaum der hohen Kunst als etwas Vulgäres und Anerkennungsunwürdiges wahrgenommen.

Eine Kunstausstellung, die eigenartig geworden ist missionarische Tätigkeit Für berühmte Künstler dieser Zeit war es in der Lage, die Herzen zu erreichen und die Schönheit und Anmut der Bilder von Objekten und Objekten aller zu demonstrieren verfügbaren Mittel sind selbst innerhalb der Mauern beeindruckender Institutionen, die sich nur auf Prinzipien bekennen, alltäglich geworden klassische Kunst. Der Siegeszug der Stilllebenmalerei hat seit dem Ende des 19. Jahrhunderts nicht aufgehört, und die Vielfalt der Genres und Techniken macht es heute möglich, keine Angst vor Experimenten mit Farbe, Texturen und Materialien zu haben.

Stillleben, Kunstgenre

Im 19. Jahrhundert Das Schicksal des Stilllebens wurde von den führenden Meistern der Malerei bestimmt, die in vielen Genres arbeiteten und das Stillleben in den Kampf verwickelten Ästhetische Ansichten Und künstlerische Ideen(F. Goya in Spanien, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet in Frankreich). Unter den auf dieses Genre spezialisierten Meistern des 19. Jahrhunderts ragen auch A. Fantin-Latour (Frankreich) und W. Harnet (USA) heraus. Der neue Aufschwung des Stilllebens war mit der Leistung postimpressionistischer Meister verbunden, für die die Welt der Dinge zu einem der Hauptthemen wird (P. Cezanne, V. van Gogh). Seit Beginn des 20. Jahrhunderts. Stillleben ist eine Art kreatives Labor der Malerei. In Frankreich gehen die Meister des Fauvismus (A. Matisse und andere) den Weg der gesteigerten Identifikation der emotionalen und dekorativ-expressiven Möglichkeiten von Farbe und Textur, und die Vertreter des Kubismus (J. Braque, P. Picasso, X. Gris und andere) versuchen unter Nutzung der Besonderheiten des Stilllebens künstlerische und analytische Möglichkeiten, neue Wege der Raum- und Formvermittlung zu etablieren. Das Stillleben zieht auch Meister anderer Strömungen an (A. Kanoldt in Deutschland, G. Morandi in Italien, S. Lukyan in Rumänien, B. Kubista und E. Filla in der Tschechischen Republik usw.). Gesellschaftliche Trends im Stillleben des 20. Jahrhunderts werden durch die Werke von D. Rivera und D. Siqueiros in Mexiko, R. Guttuso in Italien repräsentiert.

In der russischen Kunst Stillleben erschien im 18. Jahrhundert. zusammen mit der Bekräftigung der weltlichen Malerei, die das kognitive Pathos der Zeit und den Wunsch widerspiegelt, die objektive Welt wahrheitsgetreu und genau zu vermitteln („Tricks“ von G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov usw.). Weitere Entwicklung Das russische Stillleben hatte lange Zeit einen episodischen Charakter. Sein gewisser Aufstieg erfolgte in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. (F. P. Tolstoi, Schule von A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky) ist mit dem Wunsch verbunden, Schönheit im Kleinen und Gewöhnlichen zu sehen. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan wandten sich nur gelegentlich dem skizzenhaften Stillleben zu; Hilfswert des Stilllebens in Kunstsystem Die Wanderers folgten ihrer Vorstellung von der dominanten Rolle des handlungsthematischen Bildes. Die eigenständige Bedeutung der Stillleben-Studie nimmt um die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert zu. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Die Blütezeit des russischen Stilllebens fällt zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Zu seinen besten Beispielen zählen die impressionistischen Werke von K. A. Korovin, I. E. Grabar; die Werke der Künstler der „Welt der Kunst“ (A. Ya. Golovin und andere), die subtil mit dem historischen und alltäglichen Charakter der Dinge spielen; scharf dekorative Bilder P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, M. S. Saryan und andere Maler des Blauen Rose-Kreises; helle, von der Fülle durchdrungene Stillleben der Meister des „Karo-Buben“ (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Goncharova). Sowjetisches Stillleben, das sich im Einklang mit der Kunst entwickelt Sozialistischer Realismus angereichert mit neuen Inhalten. In den 20-30er Jahren. es beinhaltet und Philosophische Reflexion Moderne in kompositorisch geschärften Werken (K. S. Petrov-Vodkin) und thematischen „revolutionären“ Stillleben (F. S. Bogorodsky und andere) und versucht, das von den sogenannten Ungegenständlichen abgelehnte „Ding“ durch Experimente auf diesem Gebiet greifbar zurückzugewinnen von Farbe und Textur (D. P. Shterenberg, N. I. Altman) und eine vollwertige Nachbildung des Farbreichtums und der Vielfalt der objektiven Welt (A. M. Gerasimov, Konchalovsky, Mashkov, Kuprin. Lentulov, Saryan, A. A. Osmerkin und andere. ), as sowie die Suche nach subtiler Farbharmonie, die Poetisierung der Welt der Dinge (V. V. Lebedev, N. A. Tyrsa usw.). In den 40-50er Jahren. P. V. Kuznetsov, Yu. P. P. Konchalovsky, V. B. Elkonik, V. F. Stozharov, A. Yu. Nikich arbeiten aktiv im Stillleben. Unter den Meistern des Stilllebens in den Unionsrepubliken stechen A. Akopyan in Armenien, T. F. Narimanbekov in Aserbaidschan, L. Svemp und L. Endzelina in Lettland sowie N. I. Kormashov in Estland hervor. Die Anziehungskraft auf die gesteigerte „Objektivität“ des Bildes, die Ästhetisierung der den Menschen umgebenden Dingwelt bestimmte das Interesse junger Künstler der 70er und frühen 80er Jahre am Stillleben. (Ya. G. Anmanis, A. I. Akhaltsev, O. V. Bulgakova, M. V. Leis usw.).

Beleuchtet: B. R. Vipper, Das Problem und die Entwicklung des Stilllebens. (Das Leben der Dinge), Kasan, 1922; Yu. I. Kuznetsov, Westeuropäisches Stillleben, L.-M., 1966; M. M. Rakova, Russisches Stillleben Ende des 19. Jahrhunderts- Anfang des 20. Jahrhunderts, M., 1970; I. N. Pruzhan, V. A. Pushkarev, Stillleben auf Russisch und Sowjetische Malerei. L., ; Yu. Ya. Gerchuk, Living Things, M., 1977; Stillleben in Europäische Malerei XVI - Anfang des 20. Jahrhunderts. Katalog, M., 1984; Sterling Ch., La nature morte de l'antiquité a nos jours, P., 1952; Dorf B., Einführung in die Stillleben- und Blumenmalerei, L., 1976; Ryan A., Stillleben-Maltechniken, L. , 1978.

Hauptsächlich Malerei. Im Stillleben werden ausschließlich alltägliche Dinge dargestellt, d.h. alltäglich, gewöhnlich Dinge, leblose Gegenstände. Es kann sich um ein anderes Lebensmittel handeln, z.B. Lebensmittel, Geschirr, Bücher, Figuren usw. Alles Lebendige, Natürliche, Natürliche wird in einem Stillleben (französisch „nature morte“ – wörtlich „tote Natur“) unbelebt, tot und mit Dingen gleichgesetzt. Um also zum Thema eines Stilllebens zu werden, müssen Früchte und Früchte gepflückt, Tiere und Vögel getötet, Fische und Meerestiere gefangen und Blumen geschnitten werden. Die Dinge in einem Stillleben werden gezielt in einer einzigen Umgebung gruppiert und bilden eine Welt künstlicher Realität, die in gewissem Maße vom Menschen verändert wurde. Der Künstler stellt die Dinge nicht „aus der Natur“ dar, wie sie sich im Innenraum befinden, sondern kombiniert sie entsprechend der semantischen und künstlerischen Aufgabe vorab.

Im Stillleben werden Dinge in einem stationären Zustand gezeigt, sie befinden sich in einem bedingten zeitlosen Raum. Die Dinge sind gegeben, als ob Nahaufnahme, sie werden aus der Nähe betrachtet und im Detail betrachtet. Die Komposition vergrößert die kleine „Größe“ der Dinge in einem Stillleben, reißt sie aus ihrem gewohnten funktionalen Kontext. Beliebig und bewusst arrangiert, enthält ein Stillleben immer etwas Bestimmtes Nachricht, ein geheimer Buchstabe (Kryptogramm). Dinge werden zu Symbole. Die Bedeutungen dieser Symbole und der Inhalt von Botschaften sind sehr unterschiedlich, aber meistens sind sie ideologisch und sogar philosophischer Charakter. Zum Beispiel einige „Plots“ niederländischer Stillleben des 17. Jahrhunderts. als dieses Genre seine Genrespezifität und seinen Höhepunkt erreichte. Eine der weit verbreiteten Handlungen ist „vanitaz“ (aus dem Lateinischen – „Vergeblichkeit“). In Stillleben dieser Art sind Uhren oft als Symbole der vergänglichen, unaufhaltsamen irdischen Zeit, als Sinnbild des vergänglichen irdischen Daseins präsent. Ein typisches Objekt ist oft das Bild eines Schädels. Beispielsweise wird er in Barthel Brain in einer Nische mit einem Blatt Papier und dem Spruch dargestellt: „Nichts schützt vor dem Tod, also lebe so, wie du sterben möchtest.“ Der Schädel ist von anderen Anzeichen von Gebrechlichkeit umgeben, zum Beispiel von Ähren (de Hem), Lampen mit einer brennenden oder ausgebrannten Kerze (Doe). Aus Eitelkeit irdische Freuden angeben Spielkarten, Pfeifen (Klasse). Oft sind es Papierfetzen, Manuskripte, gedruckte Ausgaben mit Inschriften wie „momento mori“ („erinnere dich an den Tod“). Es gibt viele weitere Beispiele für die Personifizierung von Überlegungen zum Sinn der menschlichen Existenz.

Die historische Vielfalt von Stillleben wird dadurch bestimmt, dass sie als spezifische Manifestation auftreten künstlerische Stile und nationale Schulen in ihrer historischen Entwicklung.

Dies lässt sich am Beispiel des russischen Stilllebens des 18. – frühen 20. Jahrhunderts veranschaulichen. 18. Jahrhundert typisch Verschiedene Optionen„Tricks“ mit naturalistischer Wirkung illusorischer Natur, zum Beispiel Nachahmung von Büchern für „falsche Schränke“. Seit 1830 – eine Abkehr vom Klassizismus, eine poetische Wahrnehmung des alltäglichen Privatlebens (venezianisch). Eine andere Zeile ist akademisch dekoratives Stillleben(Chrutski). Der Akademismus versucht sich zu erneuern und monumentalisiert das Stillleben (Sverchkov), und die Salonkunst des kleinbürgerlichen Sinnes folgt dem Weg einer geschmacklosen Kombination von Dekorativität „schöner Dinge“ und farbenfroher Blumensträuße mit Naturalismus in der Interpretation von Details (K . Makowski). Realismus 19. Jahrhundert hebt die Aufmerksamkeit auf die Natürlichkeit der Kompositionen (Repin), die emotionale Interpretation der Dinge (Polenov), den nationalen Charakter (Surikov) und auf die Lyrik der Stimmung (Levitan). Die Stillleben der russischen Impressionisten Korovin und Grabar zeichnen sich durch eine „landschaftliche“ Interpretation von Objekten aus. Die Künstler der Blauen Rose und des Goldenen Vlieses (Kusnezow, Sarjan, Sapunow) zeichnen sich durch ein Verlangen nach gemeinsamen Symbolen aus ideale Welt und Ruhe. Vertreter des „Karo-Buben“ (Konchalovsky, Mashkov, Lentulov und andere) versuchten unter dem Einfluss des Cezannismus, Kubismus und Lubok, monumentale Bilder der Dinge zu schaffen.

In der Kunst der russischen Avantgarde wird das Stillleben zu einem bequemen Experimentierfeld. Die Künstler bleiben im „Archetyp“ des Genres und verletzen mutig dessen Grundkanons. Die Dinge überschreiten ihre Grenzen und hören auf, sich selbst gleich zu sein. Sie lösen sich in Licht und Farbe, in der Energiestrahlung auf, verdichten sich zu Materieklumpen und Volumina, zerfallen in viele Fragmente von Flächen und Gesichtern. Hinter diesen Experimenten steht der Wunsch der Autoren, in ihren „objektiven“ Kompositionen eine Vorstellung von der umgebenden Welt und der eigenen Persönlichkeit auszudrücken.

Im 20. Jahrhundert Es kommt zu einer Verwischung der Grenzen der Dinge innerhalb des Stilllebens und zu einer Verwischung der Grenzen des Genres selbst. Er nähert sich oft der Landschaft, dem Innenraum und der Malerei. Und umgekehrt gibt es in Landschaften, Porträts eine Tendenz zum „Stillleben“.

Wenn man das Stillleben als Ganzes aus ästhetischer Sicht charakterisiert, kann man argumentieren, dass Merkmale wie Bedeutung, Steigerung des semantischen Rangs, Zeitlosigkeit, Festlichkeit, Verherrlichung, Exotik, Monumentalität, Feierlichkeit, Prunk, Dynamik usw. darauf hinweisen, dass das Stillleben als Ganzes aus ästhetischer Sicht charakterisiert wird Hier tritt die führende ästhetische Kategorie auf sublimieren, oft kombiniert mit dem Schönen und Dramatischen. Die Kategorien Komik und Tragik sind für dieses Genre nicht typisch.

Evgeny-Becken

Einleitung…………………………………………………………………………….5

Kapitel 1. Historische Referenz Genre „Stillleben“……………………………....6

1.1. Die Geschichte der Entwicklung des Stilllebens…………………………………………6

1.2. Stillleben als Genre der Malerei………………………………...12

Kapitel 2. Merkmale, Wege und Mittel des gewählten Genres……………………..14

2.1. Merkmale des ausgewählten Genres ………………………………..14

2.2. In Stillleben dargestellte Objekte……………………………….16

2.3. Kompositionsmerkmale des Stilllebens………………………….18

2.4.Farbe in der Malerei………………………………………………………..20

Kapitel 3. Beschreibung der für das Schreiben der Produktion gewählten Technik …………..24

3.1 Pastellgeschichte………………………………………………………..24

3.2 Pastell-Zeichentechnik………………………………………….25

Kapitel 4. Arbeiten an einem Stillleben………………………………………...................28

4.1. Arbeitsfortschritt …………………………………………………………….28

Fazit ……………………………………………………………………...29

Referenzliste ……………………………………………...30

Anwendung

Einführung

Die Hauptaufgabe von Kunst und Malerei besteht darin, das Schöne im Menschen zu erwecken, ihn zum Denken und Fühlen zu bringen. Die Aufgabe des Künstlers besteht darin, die Aufmerksamkeit des Betrachters zu erregen, in ihm ein Zugehörigkeitsgefühl zu den im Bild ausgedrückten Erlebnissen zu wecken. um ihn aus einer neuen Perspektive betrachten zu lassen die Umwelt, um in vertrauten Objekten eine außergewöhnliche Essenz zu erkennen. Die Kunst des Stilllebens hat ihre eigene schöne und lange Geschichte. Stillleben führt uns in die Welt ein, die den Künstler umgibt, ermöglicht es uns, mehrere Jahrhunderte zurückzublicken und sich in den Meister seiner Lieblingsmotive hineinzuversetzen. Wissen über die Welt um uns herum. Seit vielen Jahrhunderten versuchen Künstler, ihr Verständnis davon zum Ausdruck zu bringen die Welt, ihre Gedanken und Interessen mit Hilfe der Dinge um sie herum, und jeder Schöpfer tut dies auf seine eigene Weise, jedes Werk ist individuell. In manchen Stillleben dominiert die Realität, in anderen das Können. Wichtiger sind die expressiven Anfänge der Malerei. Jeder Maler hat seine eigene Sicht auf die Welt.

Die wichtigsten Voraussetzungen dafür Seminararbeit Ist:

Kennenlernen der Illustrationen der großen Künstler der Vergangenheit;

Kompositionssuche anhand von Skizzen;

Suche nach einem Kompositionszentrum;

Struktureller Aufbau von Stilllebenobjekten;

Farb- und Materialübertragung;

Schaffung emotionaler Ausdruckskraft.

Kapitel 1. Historischer Hintergrund des Genres „Stillleben“.

1.1. Die Geschichte der Entwicklung des Stilllebens

„Stillleben“ – das französische Wort bedeutet wörtlich „tote Natur“. Im Niederländischen klingt die Bezeichnung dieses Genres wie stilleven, d.h. „ ruhiges Leben Nach Meinung vieler Künstler und Kunstkritiker ist dies der genaueste Ausdruck des Wesens des Genres, aber die Tradition ist so stark, dass „Stillleben“ ein bekannter und verwurzelter Name ist. Das Stillleben als eigenständiges Genre entstand an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert in Flandern und Holland und erreichte schnell eine außergewöhnliche Perfektion bei der Übertragung einer Vielzahl von Objekten. materielle Welt. Der Prozess zum Stillleben verlief in vielen Ländern mehr oder weniger gleich. Westeuropa. Die Perioden seiner Entwicklung hatten ihren eigenen historischen Hintergrund. Jedes Jahrhundert brachte seine Meister des Stilllebens hervor. Ihre Werke verkörperten die künstlerischen Ideale der Zeit, die Originalität und Ausdruckskraft der plastischen Mittel einer bestimmten Epoche und die Individualität einzelner Maler. Die Entstehung des Stilllebens in den Niederlanden war durch zwei Phasen gekennzeichnet, zunächst konnte es nur in Form eines mehr oder weniger eigenständigen Bildes auf der Rückseite der Bildfläche des Bildes oder in Form von Accessoires auf der Bildfläche existieren Vorderseite des Bildes.

Die nächste Stufe in der Entstehung des Stillleben-Genres waren Werke, in denen Stillleben und religiöse Themen die Plätze wechselten. Das Bild unbelebter Objekte fungierte als Teil eines aktiven Einzelprozesses der umfassenden Beherrschung der realen Welt durch den Menschen, seines künstlerischen Verständnisses.

In Flandern erlebte er eine gewaltige Blüte und ging unter dem Namen Flämisches Stillleben in die Geschichte ein. Die Ära seiner Blütezeit war mit den Namen der größten Künstler Flanderns verbunden, die in die Geschichte der bildenden Künste in Westeuropa eingegangen sind: Frans Snyders und sein Schüler Jan Feit. Eine weitere wirkungsvolle Schule des Stilllebens ist als „Holländisches Stillleben“ bekannt. Die Gemeinsamkeit der historischen Schicksale der Völker Hollands und Flanderns und die Einheit in der Kunst der Vergangenheit, aus der beide Schulen künstlerische Erfahrungen schöpften, ließen viele entstehen Gemeinsamkeiten in ihrer Malerei. Die vielversprechendste und fortschrittlichste Art des niederländischen Stilllebens war das in Haarlem entstandene Genre „Frühstück“.

Im Genre des Stilllebens (die Autoren dieser Werke waren die Haarlemer Maler Voplem Claes Heda und Pieter Claes) schufen sie eine besondere Art der demokratischen niederländischen Version von „Frühstücken“. Die „Figuren“ ihrer Stillleben waren wenige und in der Regel sehr bescheidene Gegenstände des alltäglichen Haushaltslebens.

Eine sehr wichtige Errungenschaft der Harlem-Meister des „Frühstücks“ war die Entdeckung der Rolle der Licht-Luft-Umgebung und eines einzelnen Farbtons als Hauptmittel zur Vermittlung einer reichen Vielfalt an Texturqualitäten von Dingen und gleichzeitig , die die Einheit der objektiven Welt offenbart.

Im Zuge der weiteren Demokratisierung des Stilllebengenres kam es sowohl in Flandern als auch in Holland zu einer Verbreitung des Typus des „Küchenstilllebens“. Ein Merkmal dieser Vielfalt in der Darstellung von Objekten war die große Beachtung der räumlichen Eigenschaften der Umgebung. Ende des 17. Jahrhunderts setzen sich im niederländischen Stillleben dekorative Tendenzen durch. Neben den Stillleben Hollands und Flanderns nimmt das deutsche Stillleben des 17. Jahrhunderts einen untergeordneten Platz ein. Die Erfolge des deutschen Stilllebens des 17. Jahrhunderts sind eng mit der modernen niederländischen Kunst verbunden. Im deutschen Stillleben des 17. Jahrhunderts existierten zwei Strömungen nahezu ohne Berührung nebeneinander: die naturalistische und die dekorative.

Stillleben in Italienische Malerei war unvergleichlich reicher und vollblütiger als das Deutsche, obwohl es weder die Macht der Flamen noch die Vielseitigkeit und Tiefe der Niederländer erreichte. Einen neuen kraftvollen Impuls für die Entwicklung des Stilllebens in Italien gab Caravaggio. Er war einer der ersten großen Meister, der sich der Gattung des reinen Stilllebens zuwandte und ein monumentales, plastisches Bild der „toten Natur“ schuf.

Das italienische Stillleben des 17. Jahrhunderts entwickelte sich auf seine eigene Weise und erlangte schließlich eine Reihe von Qualitäten, die es von anderen nationalen Schulen unterscheiden.

Das spanische Stillleben zeichnet sich durch erhabene Strenge und besondere Bedeutung der Darstellung der Dinge aus, die sich besonders deutlich im Werk des spanischen Meisters F. Zurbaran manifestiert.

MIT spätes XVII Jahrhunderte im französischen Stillleben siegten die dekorativen Tendenzen der Hofkunst. Der Höhepunkt des französischen und westeuropäischen Stilllebens des 17. Jahrhunderts war das Werk von J.B.S. Chardin. Es zeichnete sich durch die Strenge und Freiheit der Komposition sowie die Subtilität der Farblösungen aus. Etwas mehr Aufmerksamkeit wurde dem Stillleben der Romantik geschenkt. Die Romantik hat kein ursprünglich bedeutsames Konzept des Stilllebens geschaffen. Das Hauptthema des romantischen Stilllebens waren Blumen und Jagdtrophäen.

Im 17. Jahrhundert wurde das Schicksal des Stilllebens von den führenden Meistern der Malerei bestimmt, die in vielen Genres arbeiteten und das Stillleben in den Kampf zwischen ästhetischen Ansichten und künstlerischen Ideen verwickelten. So formulierte beispielsweise der französische Realist Gustave Courbet ein neues Konzept, das die direkte Beziehung des Stilllebens zur Natur definierte und ihm so Vitalität, Saftigkeit und Tiefe zurückgab.

Die Impressionisten schufen ihre eigene Stilllebenkomposition und übertrugen auf dieses Genre das von ihnen im Bereich der Landschaft entwickelte Prinzip des Pleinairs. Da sie im Stillleben nur Licht und Luft erkannten, verwandelten sie Objekte in einfache Träger von Licht-Luft-Reflexen.

Der neue Aufschwung der Stillleben war mit der Leistung der Meister des Postimpressionismus verbunden, für die die Welt der Dinge zu einem der Hauptthemen wird, die für die Werke von P. Cezanne und Van Gogh charakteristisch sind.

Seit Beginn des 20. Jahrhunderts ist das Stillleben zu einer Art Kreativlabor der Malerei geworden. In Frankreich gehen die Meister des Fomismus A. Matisse und andere den Weg der gesteigerten Identifikation der emotionalen, dekorativen und ausdrucksstarken Möglichkeiten von Farbe und Textur, und die Vertreter des Kubismus J. Braque, P. Picasso und andere nutzen die künstlerischen und Die analytischen Möglichkeiten, die den Besonderheiten des Stilllebens innewohnen, streben nach neuen Wegen der Vermittlung von Raum und Form. Stillleben lockt auch Meister anderer Bewegungen an.

In der russischen Kunst tauchten Stillleben im 17. Jahrhundert zusammen mit der Etablierung der weltlichen Malerei auf und spiegelten das kognitive Pathos der Zeit und den Wunsch wider, die objektive Welt wahrheitsgetreu und genau wiederzugeben. Die Artikulation und der illusorische Charakter dieser Stillleben gaben Anlass, sie als „Täuschungen“ zu bezeichnen. Die Weiterentwicklung des russischen Stilllebens verlief lange Zeit episodisch. Sein Aufstieg in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, der von Namen wie F. P. Tolstoi, A. G. Venetsianov und I. T. Khrutsky geprägt war, ist mit dem Wunsch verbunden, Schönheit im Kleinen und Gewöhnlichen zu sehen.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts begann das Stillleben seine semantische Kraft zu gewinnen, allerdings zunächst nur in den Handlungssträngen der Kompositionen von P. Fedotov, V. Petrov, V. Makovsky, V. Polenov und anderen Malern demokratische Richtung. Stillleben in Genrebilder Dieser Autorenkreis offenbarte und stärkte die soziale Ausrichtung seiner Werke, prägte die Zeit.

Die eigenständige Entscheidung des Stilllebenstudiums nimmt an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert in den Werken von M. A. Vrubel und V. Borisov-Masutov zu. Die Blütezeit des russischen Stilllebens fällt zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Kunst zeichnet sich durch Suchen im Bereich Farbe, Form, Raumkonstruktion aus. Der Wunsch, die Möglichkeiten der Bildsprache zu erweitern, ermutigt Künstler, sich den Traditionen des Altrussischen zuzuwenden Volkskunst, Kultur des Ostens, klassisches Erbe West, zu den Errungenschaften der modernen französischen Malerei.

Zu den besten Beispielen dieser Zeit zählen die impressionistischen Werke von K. A. Korovin, I. E. Grabar; die Werke von Künstlern der „Welt der Künste“ von A. Ya. Golovin und anderen, die genau mit der historischen und alltäglichen Natur der Dinge spielen; scharf dekorativ P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, M. S. Saryan und andere Maler des Kreises " blaue Rosen» Leuchtende Stillleben voller Seinsfülle von den Meistern des „Karo-Buben“ P.P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, R. R. Falk, A. V. Lentulov und andere.

In den 1920er und 1930er Jahren beinhaltete das Stillleben in den Werken von K. S. Petrov-Vodkin auch ein in der Komposition geschärftes philosophisches Verständnis der Moderne. Sie unterscheiden sich in der Originalität der Farbe und der perspektivischen Konstruktion. Objekte werden darin nicht aus einem Blickwinkel geschrieben, sondern aus mehreren. Eine ähnliche Technik zur Raumkonstruktion wurde erweitert bildliche Mittel Künstler, der dabei hilft, die Form und das Volumen von Objekten zu vermitteln und zu einer genaueren Darstellung ihrer Beziehung auf der Ebene beizutragen. Das Stillleben nahm im Werk von Yu und Pimenov einen großen Platz ein. Das Sujet in seinen Stillleben ist mit großer emotionaler Ausdruckskraft ausgestattet.

Angereichert mit neuen Themen, Bildern und künstlerische Techniken Das russische Stillleben zu Beginn des 20. Jahrhunderts entwickelte sich ungewöhnlich schnell: In anderthalb Jahrzehnten durchläuft es einen schwierigen Weg vom Impressionismus zur Schaffung abstrakter Formen und spielt eine große Rolle in der Entwicklung der Kunst unseres Jahrhunderts. Nie zuvor hatte er in der Geschichte der russischen Malerei einen so herausragenden Platz eingenommen.

Das Stillleben sollte sozusagen für viele Künstler und auch für die russische Malerei des frühen 20. Jahrhunderts zu einer Art Labor auf der Suche nach einer neuen Bildsprache werden. Aber natürlich veränderten sich nicht nur die sogenannte Formensprache der Malerei, sondern auch ihr Inhalt, ihre Methode und die Prinzipien ihres figurativen Systems und bereicherten sie insgesamt auf ihre eigene Weise.

Dem Stillleben dieser Zeit verdanken wir eine außergewöhnliche Erweiterung seiner Grenzen feines Genre. menschliche Persönlichkeit dieser schwierigen Zeit offenbart sich darin sehr vielfältig. In diesem Stillleben spürt der Betrachter nicht nur die Besonderheiten einer bestimmten Lebensweise, sondern auch jene Besonderheiten, die einer bestimmten Individualität innewohnen. Das tiefe Wesen des Phänomens der umgebenden Welt wird nun vollständiger offenbart4.