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Die ungewöhnlichsten und schockierendsten Künstler der Welt. Die ungewöhnlichsten Gemälde berühmter Künstler: Fotos und Beschreibungen der 20 seltsamsten Gemälde der Welt

Unter edle Werke Künste, die das Auge erfreuen und nur verursachen positive Gefühle, es gibt Leinwände, um es milde auszudrücken, seltsam und schockierend. Wir präsentieren Ihnen 20 Gemälde, die weltweit zum Pinsel gehören berühmte Künstler das macht dir angst...

"Den Verstand verlieren über die Materie"

Ein 1973 gemaltes Gemälde des österreichischen Künstlers Otto Rapp. Er stellte einen Verfall dar menschlicher Kopf, einen Vogelkäfig anziehen, in dem ein Stück Fleisch liegt.

"Aufgehängt lebender Neger"

Diese grausame Kreation von William Blake stellt einen Negersklaven dar, der mit einem durch seine Rippen gefädelten Haken am Galgen aufgehängt wurde. Das Werk basiert auf der Geschichte des holländischen Soldaten Steadman – Augenzeuge eines solch grausamen Massakers.

"Dante und Virgil in der Hölle"

Adolphe William Bouguereaus Gemälde wurde von einer kurzen Szene über einen Kampf zwischen zwei verdammten Seelen aus Dantes Inferno inspiriert.

"Hölle"

Gemälde "Hölle" Deutscher Künstler Hans Memling, geschrieben 1485, ist eine der schrecklichsten künstlerischen Schöpfungen seiner Zeit. Sie sollte die Menschen zur Tugend treiben. Memling verstärkte die Schreckenswirkung der Szene, indem er die Bildunterschrift hinzufügte: „In der Hölle gibt es keine Erlösung“.

"Der große rote Drache und das Seeungeheuer"

Der berühmte englische Dichter und Künstler William Blake aus dem 13. Jahrhundert schuf in einem Moment der Einsicht eine Reihe von Aquarellen, die den großen roten Drachen aus dem Buch der Offenbarung darstellen. Der Rote Drache war die Verkörperung des Teufels.

"Wassergeist"

Der Künstler Alfred Kubin wird berücksichtigt der größte Vertreter Symbolismus und Expressionismus und ist bekannt für seine düsteren Symbolphantasien. „Der Geist des Wassers“ ist eines dieser Werke, das die Ohnmacht des Menschen gegenüber dem Meer darstellt.

"Nekronom IV"

Diese gruselige Kreation des renommierten Künstlers Hans Rudolf Giger wurde vom Film Alien inspiriert. Giger litt unter Alpträumen und alle seine Bilder waren von diesen Visionen inspiriert.

"Flaying Marsyas"

Erstellt von einem Künstler der Zeit Italienische Renaissance Tizians Gemälde „Die Häutung des Marsyas“ ist derzeit im Handel Nationalmuseum in Kroměříž in Tschechien. Kunstwerk zeigt eine Szene aus griechische Mythologie, wo der Satyr Marsyas gehäutet wird, weil er es gewagt hat, den Gott Apollo herauszufordern.

"Die Versuchung des Heiligen Antonius"

Matthias Grunewald porträtierte die religiösen Szenen des Mittelalters, obwohl er selbst in der Renaissance lebte. Der heilige Antonius soll beim Beten in der Wildnis Prüfungen seines Glaubens ausgesetzt gewesen sein. Der Legende nach wurde er von Dämonen in einer Höhle getötet, dann erweckte er sie wieder zum Leben und zerstörte sie. Dieses Gemälde zeigt den von Dämonen angegriffenen Heiligen Antonius.

"Abgetrennte Köpfe"

Am meisten bemerkenswerte Arbeit Théodore Géricault ist Das Floß der Medusa, ein riesiges Gemälde im romantischen Stil. Gericault versuchte, die Grenzen des Klassizismus zu durchbrechen, indem er zur Romantik überging. Diese Gemälde waren Erstphase seine Kreativität. Für seine Arbeit verwendete er echte Gliedmaßen und Köpfe, die er in Leichenschauhäusern und Labors fand.

"Schrei"

Das berühmtes Gemälde Der norwegische Expressionist Edvard Munch ließ sich von einem ruhigen Abendspaziergang inspirieren, bei dem der Künstler Zeuge der blutroten untergehenden Sonne wurde.

"Tod von Marat"

Jean-Paul Marat war einer der Anführer Französische Revolution. An einer Hautkrankheit leidend, verbrachte er die meiste Zeit im Badezimmer, wo er an seinen Aufnahmen arbeitete. Dort wurde er von Charlotte Corday getötet. Der Tod von Marat wurde mehrmals dargestellt, aber das Werk von Edvard Munch ist besonders grausam.

"Stilleben mit Masken"

Emil Nolde war einer der frühen expressionistischen Maler, obwohl sein Ruhm von anderen wie Munch überschattet wurde. Nolde malte dieses Gemälde, nachdem er Masken studiert hatte Berliner Museum. Sein ganzes Leben lang war er von anderen Kulturen fasziniert und diese Arbeit ist keine Ausnahme.

"Gallowgate Schmalz"

Dieses Gemälde ist nichts weiter als ein Selbstporträt des schottischen Autors Ken Currie, der sich auf dunkle, sozialrealistische Gemälde spezialisiert hat. Currys Lieblingsthema ist das triste Stadtleben der schottischen Arbeiterklasse.

"Saturn verschlingt seinen Sohn"

Eines der berühmtesten und unheimlichsten Werke Spanischer Künstler Francisco Goya wurde 1820-1823 an die Wand seines Hauses gemalt. Die Handlung basiert auf griechischer Mythosüber den Titanen Chronos (in Rom - Saturn), der befürchtete, von einem seiner Kinder gestürzt zu werden, und sie gleich nach der Geburt aß.

„Judith tötet Holofernes“

Die Hinrichtung des Holofernes wurde von so großen Künstlern wie Donatello, Sandro Botticelli, Giorgione, Gentileschi, Lucas Cranach dem Älteren und vielen anderen dargestellt. An Gemälde von Caravaggio, geschrieben im Jahr 1599, zeigt den dramatischsten Moment dieser Geschichte - die Enthauptung.

"Alptraum"

Das Gemälde des Schweizer Malers Heinrich Fuseli wurde erstmals 1782 auf der Jahresausstellung der Royal Academy in London gezeigt, wo es sowohl Besucher als auch Kritiker schockierte.

"Massaker an Unschuldigen"

Dieses herausragende Kunstwerk von Peter Paul Rubens, bestehend aus zwei Gemälden, wurde 1612 geschaffen, vermutlich beeinflusst von den Werken der Berühmten Italienischer Künstler Caravaggio.

"Studie zum Porträt von Innocent X Velasquez"

Dieses erschreckende Bild eines der einflussreichsten Künstler des zwanzigsten Jahrhunderts, Francis Bacon, basiert auf einer Paraphrase berühmtes Porträt Papst Innozenz X. von Diego Velasquez. Mit Blut bespritzt, mit einem schmerzhaft verzerrten Gesicht, sitzt der Papst in einer röhrenförmigen Metallstruktur, die bei näherer Betrachtung ein Thron ist.

"Der Garten der Lüste"

Dies ist das berühmteste und erschreckendste Triptychon von Hieronymus Bosch. Bis heute gibt es viele Interpretationen des Gemäldes, aber keine davon wurde endgültig bestätigt. Vielleicht steht Boschs Werk für den Garten Eden, den Garten der Lüste und die Strafe, die für im Leben begangene Todsünden zu erleiden sind.

Manche Kunstwerke scheinen den Betrachter fassungslos und verblüffend auf den Kopf zu treffen. Einige von ihnen ziehen Sie in Gedanken und auf der Suche nach semantischen Schichten, geheimer Symbolik. Einige Gemälde sind mit Geheimnissen und mystischen Mysterien bedeckt, und einige überraschen mit einem exorbitanten Preis.

„Verrücktheit“ ist ein ziemlich subjektiver Begriff, und jeder hat seine eigenen erstaunlichen Gemälde, die sich von einer Reihe anderer Kunstwerke abheben.

Edvard Munch „Der Schrei“

1893, Karton, Öl, Tempera, Pastell. 91 × 73,5 cm

Nationalgalerie, Oslo

Der Schrei gilt als wegweisendes expressionistisches Ereignis und als eines der wichtigsten Berühmte Gemälde in der Welt.
„Ich ging mit zwei Freunden den Weg entlang – die Sonne ging unter – plötzlich färbte sich der Himmel blutrot, ich blieb erschöpft stehen und lehnte mich an den Zaun – ich schaute auf das Blut und die Flammen über dem blauschwarzen Fjord und dem Stadt - meine Freunde gingen weiter, und ich stand da, zitterte vor Aufregung und spürte den endlosen Schrei der durchdringenden Natur “, sagte Edvard Munch über die Geschichte des Gemäldes.
Es gibt zwei Interpretationen des Dargestellten: Es ist der Held selbst, der von Entsetzen erfasst wird und lautlos schreit und seine Hände an seine Ohren presst; oder der Held verschließt seine Ohren vor dem Schrei der Welt und der Natur, der um ihn herum ertönt. Munch schrieb 4 Versionen von Der Schrei, und es gibt eine Version, dass dieses Bild die Frucht einer manisch-depressiven Psychose ist, an der der Künstler litt. Nach einer Behandlung in der Klinik kehrte Munch nicht mehr zur Arbeit an der Leinwand zurück.

Paul Gauguin „Wo kommen wir her? Wer sind wir? Wohin gehen wir?"

1897-1898, Öl auf Leinwand. 139,1 × 374,6 cm

Museum Bildende Kunst, Boston

Ein zutiefst philosophisches Bild des Postimpressionisten Paul Gauguin schrieb er auf Tahiti, wohin er aus Paris floh. Am Ende der Arbeit wollte er sich sogar das Leben nehmen, denn „ich glaube, dass diese Leinwand nicht nur allen meinen vorherigen überlegen ist, und dass ich niemals etwas Besseres oder auch nur Ähnliches schaffen werde.“ Er lebte noch 5 Jahre, und so geschah es.
Auf Anweisung von Gauguin selbst ist das Bild von rechts nach links zu lesen – die drei Hauptfigurengruppen illustrieren die im Titel gestellten Fragen. Drei Frauen mit einem Kind stehen für den Beginn des Lebens; mittlere Gruppe symbolisiert das tägliche Bestehen der Reife; in der letzten Gruppe, so die Künstlerin, "scheint eine alte Frau, die sich dem Tod nähert, versöhnt und ihren Gedanken überlassen", zu ihren Füßen "ein seltsamer weißer Vogel ... repräsentiert die Vergeblichkeit der Worte".

Pablo Picasso „Guernica“

1937, Öl auf Leinwand. 349 × 776 cm

Museum Reina Sofia, Madrid

Das riesige Fresko "Guernica", 1937 von Picasso gemalt, erzählt vom Überfall der Freiwilligeneinheit der Luftwaffe auf die Stadt Guernica, bei dem die sechstausendste Stadt vollständig zerstört wurde. Das Bild war in nur einem Monat gemalt - die ersten Tage der Arbeit an dem Bild, Picasso arbeitete 10-12 Stunden und schon in den ersten Skizzen konnte man sehen Hauptidee. Dies ist einer von die besten Illustrationen der Albtraum des Faschismus sowie menschliche Grausamkeit und Trauer.
Guernica zeigt Szenen von Tod, Gewalt, Gräueltaten, Leid und Hilflosigkeit, ohne ihre unmittelbaren Ursachen zu spezifizieren, aber sie sind offensichtlich. Pablo Picasso soll 1940 zur Gestapo nach Paris vorgeladen worden sein. Das Gespräch wandte sich sofort dem Gemälde zu. "Hast du das gemacht?" „Nein, du hast es geschafft.“

Jan van Eyck „Bildnis der Arnolfinis“

1434, Öl auf Holz. 81,8 × 59,7 cm

Londoner Nationalgalerie, London

Das Porträt von angeblich Giovanni di Nicolao Arnolfini und seiner Frau ist eines der schönsten komplexe Werke Westliche Malschule der nördlichen Renaissance.
Das berühmte Gemälde ist voll und ganz gefüllt mit Symbolen, Allegorien und diversen Bezügen – bis hin zur Signatur „Jan van Eyck was here“, die es nicht nur zu einem Kunstwerk, sondern zu einem historischen Dokument macht, das ein reales Ereignis bestätigt Künstler war anwesend.
In Russland den letzten Jahren Das Bild erlangte aufgrund der Porträtähnlichkeit von Arnolfini mit Wladimir Putin große Popularität.

Mikhail Vrubel "Sitzender Dämon"

1890, Öl auf Leinwand. 114 × 211 cm

Tretjakow-Galerie, Moskau

Das Gemälde von Mikhail Vrubel überrascht mit dem Bild eines Dämons. Der traurige Langhaarige entspricht überhaupt nicht den universellen Vorstellungen, wie er aussehen sollte böser Geist. Der Künstler selbst sprach über sein berühmtestes Gemälde: „Der Dämon ist weniger ein böser Geist als ein leidender und trauriger, bei alledem ein herrschsüchtiger, majestätischer Geist.“ Dies ist ein Bild der Stärke des menschlichen Geistes, des inneren Kampfes und der Zweifel. Mit tragisch gefalteten Händen sitzt der Dämon mit traurigen, riesigen Augen in die Ferne gerichtet, umgeben von Blumen. Die Komposition betont die Beschränkung der Figur des Dämons, als wäre er zwischen den oberen und unteren Querbalken des Rahmens eingeklemmt.

Vasily Vereshchagin „Die Apotheose des Krieges“

1871, Öl auf Leinwand. 127 × 197 cm

Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau

Wereschtschagin ist einer der wichtigsten russischen Schlachtenmaler, aber er hat Kriege und Schlachten gemalt, nicht weil er sie liebte. Im Gegenteil, er versuchte, den Menschen seine negative Einstellung zum Krieg zu vermitteln. Einmal rief Vereshchagin in der Hitze der Emotionen aus: „Mehr Kampfbilder Ich werde nicht schreiben - das ist es! Ich nehme das, was ich schreibe, zu nah an mein Herz, schreie (buchstäblich) die Trauer jedes Verwundeten und Getöteten heraus. Wahrscheinlich war das Ergebnis dieses Ausrufs das schreckliche und bezaubernde Gemälde "Die Apotheose des Krieges", das ein Feld, Krähen und einen Berg menschlicher Schädel darstellt.
Das Bild ist so tief und emotional geschrieben, dass man hinter jedem Schädel, der in diesem Haufen liegt, beginnt, Menschen zu sehen, ihre Schicksale und die Schicksale derer, die diese Menschen nicht mehr sehen werden. Vereshchagin selbst nannte die Leinwand mit traurigem Sarkasmus ein „Stillleben“ - es zeigt „tote Natur“.
Alle Details des Bildes, einschließlich der gelben Farbe, symbolisieren Tod und Verwüstung. Der klare blaue Himmel betont die Leblosigkeit des Bildes. Die Idee der „Apotheose des Krieges“ kommt auch durch die Narben von Säbeln und Einschusslöchern auf den Schädeln zum Ausdruck.

Grant Wood "Amerikanische Gotik"

1930, Öl. 74 x 62 cm

Art Institute of Chicago, Chicago

« Amerikanische Gotik„- eines der bekanntesten Bilder in der amerikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts, das berühmteste künstlerische Meme des 20. und 21. Jahrhunderts.
Das Bild mit düsterem Vater und Tochter ist übersät mit Details, die auf die Strenge, den Puritanismus und die Rückständigkeit der Dargestellten hinweisen. Wütende Gesichter, eine Heugabel mitten im Bild, altmodische Kleidung auch nach den Maßstäben von 1930, ein ausgestellter Ellbogen, Nähte an der Kleidung der Bauern, die die Form einer Heugabel wiederholen, und damit eine Drohung, die sich an alle richtet der eingreift. All diese Details können endlos betrachtet werden und vor Unbehagen zurückschrecken.
Interessanterweise empfanden die Juroren des Wettbewerbs am Art Institute of Chicago „Gothic“ als „humorvollen Valentinsgruß“, und die Menschen in Iowa waren furchtbar beleidigt von Wood, weil er sie in einem so unangenehmen Licht darstellte.

René Magritte „Liebhaber“

1928, Öl auf Leinwand

Das Gemälde "Lovers" ("Liebende") existiert in zwei Versionen. Auf dem einen küssen sich ein Mann und eine Frau, deren Köpfe in ein weißes Tuch gehüllt sind, und auf dem anderen „blicken“ sie den Betrachter an. Das Bild überrascht und fasziniert. Mit zwei Figuren ohne Gesichter vermittelte Magritte die Vorstellung von der Blindheit der Liebe. Über Blindheit in jeder Hinsicht: Liebende sehen niemanden, wir sehen ihr wahres Gesicht nicht, und außerdem sind Liebende sogar füreinander ein Rätsel. Aber mit dieser scheinbaren Klarheit schauen wir immer noch auf die Magritte-Liebhaber und denken über sie nach.
Fast alle Gemälde von Magritte sind Rätsel, die nicht vollständig gelöst werden können, da sie Fragen nach dem Wesen des Seins aufwerfen. Magritte spricht die ganze Zeit über die Täuschung des Sichtbaren, über sein verborgenes Geheimnis, das wir normalerweise nicht bemerken.

Marc Chagall "Wandern"

1917, Öl auf Leinwand

Staatliche Tretjakow-Galerie

Marc Chagall, der in seiner Malerei normalerweise sehr ernst ist, schrieb ein entzückendes Manifest seines eigenen Glücks, voller Allegorien und Liebe. "Walk" ist ein Selbstporträt mit seiner Frau Bella. Seine Geliebte schwebt in den Himmel und sieht aus, als würde sie in die Flucht gezogen und Chagall, der unsicher auf dem Boden steht, als würde er sie nur mit den Zehen seiner Schuhe berühren. Chagall hat eine Meise in seiner anderen Hand - er ist glücklich, er hat eine Meise in seinen Händen (wahrscheinlich sein Gemälde) und einen Kranich am Himmel.

Hieronymus Bosch „Der Garten der Lüste“

1500-1510, Öl auf Holz. 389 × 220 cm

Prado, Spanien

„Der Garten der Lüste“ – das berühmteste Triptychon von Hieronymus Bosch, das seinen Namen vom Thema des Mittelteils erhielt, ist der Sünde der Wollust gewidmet. Bisher wurde keine der verfügbaren Interpretationen des Bildes als die einzig wahre anerkannt.
Der bleibende Reiz und gleichzeitig die Fremdartigkeit des Triptychons liegt in der Art und Weise, wie der Künstler die Hauptidee durch viele Details zum Ausdruck bringt. Das Bild ist voll von transparenten Gestalten, phantastischen Strukturen, zu Halluzinationen gewordenen Monstern, höllischen Karikaturen der Realität, die er mit einem forschenden, äußerst scharfen Blick betrachtet. Einige Wissenschaftler wollten im Triptychon ein Bild des menschlichen Lebens durch das Prisma seiner Eitelkeit und Bilder der irdischen Liebe sehen, andere - den Triumph der Wollust. Die Unschuld und eine gewisse Distanziertheit, mit der einzelne Figuren interpretiert werden, sowie die wohlwollende Haltung seitens der kirchlichen Autoritäten gegenüber dieser Arbeit lassen jedoch daran zweifeln, dass die Verherrlichung körperlicher Freuden ihr Inhalt sein könnte.

Gustav Klimt „Drei Lebensalter der Frau“

1905, Öl auf Leinwand. 180 x 180 cm

Nationalgallerie zeitgenössische Kunst, Rom

"Three Ages of Woman" ist fröhlich und traurig zugleich. Darin wird die Lebensgeschichte einer Frau in drei Figuren geschrieben: Sorglosigkeit, Frieden und Verzweiflung. Die junge Frau ist organisch in das Ornament des Lebens eingewoben, die alte Frau hebt sich davon ab. Der Kontrast zwischen dem stilisierten Bild einer jungen Frau und dem naturalistischen Bild einer alten Frau wird symbolische Bedeutung: Der erste Lebensabschnitt bringt unendliche Möglichkeiten und Metamorphosen mit sich, der letzte bringt ständige Beständigkeit und Auseinandersetzung mit der Realität.
Die Leinwand lässt nicht los, sie dringt in die Seele ein und lässt Sie über die Tiefe der Botschaft des Künstlers sowie über die Tiefe und Unvermeidlichkeit des Lebens nachdenken.

Egon Schiele "Familie"

1918, Öl auf Leinwand. 152,5 × 162,5 cm

Galerie Belvedere, Wien

Schiele war ein Schüler von Klimt, aber wie jeder hervorragende Schüler kopierte er nicht seinen Lehrer, sondern suchte nach etwas Neuem. Schiele ist viel tragischer, seltsamer und erschreckender als Gustav Klimt. In seinen Werken steckt viel von dem, was man als Pornographie bezeichnen könnte, diverse Perversionen, Naturalismus und gleichzeitig schmerzende Verzweiflung.
"Familie" - seine späteste Arbeit, in dem die Verzweiflung zum Absoluten getrieben wird, obwohl dies das am wenigsten seltsam aussehende Bild von ihm ist. Er malte es kurz vor seinem Tod, nachdem seine schwangere Frau Edith an einer spanischen Grippe gestorben war. Er starb im Alter von 28 Jahren nur drei Tage nach Edith, nachdem er es geschafft hatte, sie, sich und ihr ungeborenes Kind zu zeichnen.

Frida Kahlo „Die zwei Fridas“

Harte Lebensgeschichte Mexikanischer Künstler Weithin bekannt wurde Frida Kahlo nach der Veröffentlichung des Films „Frida“ mit Salma Hayek Hauptrolle. Kahlo malte hauptsächlich Selbstporträts und erklärte es einfach: „Ich male mich selbst, weil ich viel Zeit alleine verbringe und weil ich das Thema bin, das ich am besten kenne.“
Frida Kahlo lächelt auf keinem Selbstporträt: ein ernstes, sogar trauriges Gesicht, dicht zusammengewachsene Augenbrauen, ein leicht auffälliger Schnurrbart über fest zusammengepressten Lippen. Die Ideen ihrer Bilder sind verschlüsselt in den Details, dem Hintergrund, den Figuren, die neben Frida erscheinen. Die Symbolik von Kahlo basiert auf nationalen Traditionen und ist eng mit der indischen Mythologie der vorspanischen Zeit verbunden.
In einem von die besten Bilder- "Zwei Fridas" - sie drückte das männliche und aus feminin, darin durch ein einziges Kreislaufsystem verbunden, was seine Integrität demonstriert.

Claude Monet-Waterloo-Brücke. Nebeleffekt»

1899, Öl auf Leinwand

Staatliche Eremitage, Sankt Petersburg

Beim Betrachten des Bildes aus nächster Nähe sieht der Betrachter nichts als die Leinwand, auf der häufig dicke Ölstriche aufgetragen sind. Die ganze Magie der Arbeit offenbart sich, wenn wir uns allmählich von der Leinwand entfernen und uns in eine größere Entfernung bewegen. Zuerst erscheinen vor uns unverständliche Halbkreise, die durch die Bildmitte gehen, dann sehen wir die klaren Umrisse der Boote und nach einer Strecke von etwa zwei Metern sind alle Verbindungswerke scharf gezeichnet und aneinandergereiht logische Kette vor uns.

Jackson Pollock „Nummer 5, 1948“

1948, Hartfaserplatte, Öl. 240 x 120 cm

Das Seltsame an diesem Bild ist, dass die Leinwand des amerikanischen Führers des abstrakten Expressionismus, die er malte, indem er Farbe über ein auf dem Boden ausgebreitetes Stück Faserplatte schüttete, am meisten ist teures Bild in der Welt. 2006 zahlten sie bei der Sotheby's-Auktion 140 Millionen Dollar dafür. David Giffen, ein Filmproduzent und -sammler, verkaufte es an den mexikanischen Finanzier David Martinez.
„Ich entferne mich weiterhin von den üblichen Werkzeugen des Künstlers wie Staffelei, Palette und Pinsel. Ich bevorzuge Stöcke, Schaufeln, Messer und gieße Farbe oder eine Mischung aus Farbe mit Sand oder Glasscherben oder was auch immer. Wenn ich in einem Gemälde bin, bin ich mir nicht bewusst, was ich tue. Das Verstehen kommt später. Ich habe keine Angst, das Bild zu verändern oder zu zerstören, da das Gemälde ein Eigenleben hat. Ich helfe ihr nur raus. Aber wenn ich den Kontakt zum Gemälde verliere, ist es schmutzig und unordentlich. Wenn nicht, dann ist das pure Harmonie, die Leichtigkeit, wie man nimmt und gibt.

Joan Miro „Mann und Frau vor einem Haufen Exkremente“

1935, Kupfer, Öl, 23×32 cm

Joan-Miro-Stiftung, Spanien

Guter Titel. Und wer hätte gedacht, dass uns dieses Bild von den Schrecken der Bürgerkriege erzählt.
Das Gemälde entstand in der Woche vom 15. bis 22. Oktober 1935 auf Kupferblech. Laut Miro ist dies das Ergebnis eines Versuchs, die Tragödie darzustellen Bürgerkrieg in Spanien. Miro sagte, dass dies ein Bild über eine Zeit der Unruhe sei. Das Gemälde zeigt einen Mann und eine Frau, die sich nach den Armen ausstrecken, sich aber nicht bewegen. Die vergrößerten Genitalien und ominösen Farben wurden als "voller Abscheu und abstoßender Sexualität" beschrieben.

Jacek Jerka "Erosion"

Der polnische Neo-Surrealist ist weltweit bekannt für seine tolle Bilder in der Realitäten sich vereinen und neue schaffen. Es ist schwierig, seine äußerst detaillierten und bis zu einem gewissen Grad berührenden Werke einzeln zu betrachten, aber dies ist das Format unseres Materials, und wir mussten eines auswählen - um seine Vorstellungskraft und sein Können zu veranschaulichen. Wir empfehlen zu lesen.

Bill Stoneham „Hände widerstehen ihm“

Dieses Werk kann natürlich nicht zu den Meisterwerken der Weltkunst gezählt werden, aber die Tatsache, dass es seltsam ist, ist eine Tatsache.
Um das Bild mit einem Jungen, einer Puppe und gegen das Glas gedrückten Handflächen ranken sich Legenden. Von „wegen diesem Bild sterben sie“ bis „die Kinder darin leben“. Das Bild sieht wirklich gruselig aus, was bei Menschen mit einer schwachen Psyche viele Ängste und Vermutungen hervorruft.
Der Künstler hingegen versicherte, dass das Gemälde ihn im Alter von fünf Jahren darstellte, dass die Tür eine Darstellung der Trennlinie zwischen ihnen sei die wahre Welt und die Welt der Träume, und die Puppe ist ein Führer, der den Jungen durch diese Welt führen kann. Die Hände repräsentieren alternative Leben oder Möglichkeiten.
Das Gemälde erlangte im Februar 2000 Berühmtheit, als es bei eBay zum Verkauf angeboten wurde, mit einer Hintergrundgeschichte, die besagte, dass das Gemälde „verfolgt“ wurde. „Hands Resist Him“ wurde für 1.025 Dollar von Kim Smith gekauft, die daraufhin mit Briefen überschwemmt wurde gruselige Geschichten und verlangt, das Gemälde zu verbrennen.

Die Welt ist voll kreative Leute und jeden Tag gibt es Hunderte neuer Bilder, neue Lieder werden geschrieben. Natürlich gibt es in der Welt der Kunst einige Fehltritte, aber es gibt solche Meisterwerke echter Meister, die einfach atemberaubend sind! Wir zeigen Ihnen heute ihre Arbeit.

Bleistift Augmented Reality

Der Fotokünstler Ben Heine arbeitete weiter an seinem Projekt, das eine Mischung aus Bleistiftzeichnung und Fotografie ist. Zunächst fertigt er eine Freihandskizze mit Bleistift auf Papier an. Dann fotografiert er die Zeichnung vor dem Hintergrund eines realen Objekts und verfeinert das resultierende Bild in Photoshop, indem er Kontrast und Sättigung hinzufügt. Das Ergebnis ist magisch!

Illustrationen von Alisa Makarova

Alisa Makarowa - talentierter Künstler aus Sankt-Petersburg. In einer Zeit, in der die meisten Bilder am Computer erstellt werden, wird das Interesse unseres Landsmanns an traditionellen Formen der Malerei respektiert. Eines ihrer neuesten Projekte ist das Triptychon „Vulpes Vulpes“, das bezaubernde feurige Rotfüchse zeigt. Schönheit und mehr!

Feine Gravur

Die Holzkünstler Paul Rodin und Valerie Lou haben die Kreation einer neuen Gravur mit dem Titel „Moth“ angekündigt. Sorgfältige Arbeit und anmutige Handwerkskunst der Autoren lassen auch die hartnäckigsten Skeptiker nicht gleichgültig. Die Gravur wird am 7. November auf einer bevorstehenden Ausstellung in Brooklyn zu sehen sein.

Kugelschreiberzeichnungen

Wahrscheinlich hat jeder mindestens einmal in Vorlesungen, anstatt die Worte des Lehrers aufzuschreiben, verschiedene Figuren in ein Notizbuch gezeichnet. War die Künstlerin Sarah Esteje (Sarah Esteje) unter diesen Schülern, ist unbekannt. Aber dass ihre Zeichnungen mit dem Kugelschreiber beeindruckend sind, ist eine unbestreitbare Tatsache! Sarah hat gerade bewiesen, dass man überhaupt keine besonderen Materialien braucht, um etwas wirklich Interessantes zu erschaffen.

Surrealistische Welten von Artem Chebokha

Der russische Künstler Artem Chebokha kreiert unglaubliche Welten wo es nur Meer, Himmel und endlose Harmonie gibt. Für seine neuen Arbeiten wählte der Künstler sehr poetische Bilder - ein Wanderer, der durch unbekannte Orte reist, und Wale, die in Wolkenwellen kreisen - der Fantasie dieses Meisters sind einfach keine Grenzen gesetzt.

Spot-Porträts

Jemand denkt an die Strichtechnik, jemand denkt an den Kontrast von Licht und Schatten, aber der Künstler Pablo Jurado Ruiz zeichnet mit Punkten! Der Künstler entwickelte die Ideen des Genres Pointillismus, die den Autoren der Ära des Neoimpressionismus noch innewohnten, und schuf seine eigenen eigener Stil wo die Details absolut alles sind. Tausende von Berührungen auf Papier als Ergebnis erstellen realistische Porträts die du anschauen möchtest.

Bilder von Disketten

In einer Zeit, in der viele Dinge und Technologien mit der Geschwindigkeit eines vorbeifahrenden Expresses obsolet werden, muss man nicht selten unnötigen Müll entsorgen. Wie sich jedoch herausstellte, ist nicht alles so traurig, und alte Gegenstände können sehr gleichmäßig gemacht werden zeitgenössische Arbeit Kunst. Englischer Künstler Nick Gentry sammelte quadratische Disketten von Freunden, nahm ein Glas Farbe und malte erstaunliche Porträts darauf. Es ist sehr schön geworden!

An der Grenze zwischen Realismus und Surrealismus

Der Berliner Künstler Harding Meyer liebt es, Porträts zu malen, aber um nicht ein weiterer Hyperrealist zu werden, beschloss er zu experimentieren und schuf eine Reihe von Porträts an der Grenze zwischen Realität und Surrealismus. Diese Arbeiten geben Einblick in menschliches Gesicht als etwas mehr als nur ein "trockenes Porträt", das seine Grundlage - das Bild - hervorhebt. Als Ergebnis solcher Suchen wurde Hardings Werk von der Galerie für Moderne Kunst in München bemerkt, die die Arbeiten des Künstlers am 7. November ausstellen wird.

Fingermalerei auf dem iPad

Viele zeitgenössische Künstler Er experimentierte mit Materialien, um Gemälde zu schaffen, aber der Japaner Seikou Yamaoka (Seikou Yamaoka) übertraf sie alle und nahm sein Ipad als Leinwand. Er installierte einfach die ArtStudio-Anwendung und begann nicht nur zu zeichnen, sondern am meisten zu reproduzieren berühmte Meisterwerke Kunst. Außerdem tut er dies nicht mit irgendwelchen speziellen Pinseln, sondern mit seinem Finger, der sogar von Menschen bewundert wird, die der Welt der Kunst fernstehen.

"Holz"-Malerei

Die Holzkünstlerin Mandy Tsung hat alles von Tinte bis Tee verwendet und wirklich faszinierende Gemälde voller Leidenschaft und Energie geschaffen. Als Hauptthema wählte sie das geheimnisvolle Bild einer Frau und ihre Stellung in der modernen Welt.

hyperrealistisch

Jedes Mal, wenn Sie die Arbeit von hyperrealistischen Künstlern finden, stellen Sie sich unwillkürlich die Frage: „Warum tun sie das alles?“ Jeder von ihnen hat darauf seine eigene Antwort und manchmal eine ziemlich widersprüchliche Philosophie. Aber der Künstler Dino Tomik sagt unverblümt: „Ich liebe meine Familie einfach sehr.“ Tag und Nacht malte er und bemühte sich, auf dem Porträt seiner Verwandten kein einziges Detail zu übersehen. Eine solche Zeichnung kostete ihn mindestens 70 Arbeitsstunden. Zu sagen, dass die Eltern begeistert waren, bedeutet nichts zu sagen.

Porträts von Soldaten

18. Oktober in der Londoner Galerie Opera Gallery startete eine Ausstellung mit Werken von Joe Black (Joe Black) mit dem Titel "Ways of Seeing". Für seine Gemälde verwendete der Künstler nicht nur Farben, sondern auch die ungewöhnlichsten Materialien - Bolzen, Abzeichen und vieles mehr. Das Hauptmaterial war jedoch .... Spielzeugsoldaten! bei den meisten interessante Exponate Zu den Ausstellungen gehören Porträts von Barack Obama, Margaret Thatcher und Mao Zedong.

Sinnliche Ölportraits

Die koreanische Künstlerin Lee Rim (Lee Rim) war vor ein paar Tagen noch nicht so berühmt, aber ihre neuen Gemälde "Girls in Paint" sorgten für breite Resonanz und Resonanz in der Kunstwelt. Lee sagt: Hauptthema Meine Arbeit sind menschliche Emotionen und psychologischer Zustand. Auch wenn wir in unterschiedlichen Umgebungen leben, empfinden wir irgendwann dasselbe, wenn wir ein Objekt betrachten.“ Vielleicht möchte ich deshalb, wenn ich mir ihre Arbeit anschaue, dieses Mädchen verstehen und ihre Gedanken spüren.

Malen, wenn man von Realisten absieht, war, ist und wird schon immer fremd sein. Metaphorisch, auf der Suche nach neuen Formen und Ausdrucksmitteln. Aber mehrere seltsame Bilder fremder als andere.

Es ist klar, dass "Fremdheit" ein eher subjektiver Begriff ist, und für jeden gibt es erstaunliche Gemälde, die sich von einer Reihe anderer Kunstwerke abheben. Bewusst nicht in diese Auswahl aufgenommen wurden beispielsweise die Werke von Salvador Dali, die völlig unter das Format dieses Materials fallen und als erstes in den Sinn kommen.

Salvador Dalí

"Eine junge Jungfrau, die Sodomie mit den Hörnern ihrer eigenen Keuschheit begeht"

1954

Edvard Munch „Der Schrei“
1893, Karton, Öl, Tempera, Pastell. 91 x 73,5 cm
Nationalgalerie, Oslo

Der Schrei gilt als wegweisendes expressionistisches Ereignis und als eines der berühmtesten Gemälde der Welt.

"Ich ging mit zwei Freunden den Weg entlang - die Sonne ging unter - plötzlich färbte sich der Himmel blutrot, ich blieb erschöpft stehen und lehnte mich an den Zaun - ich sah auf das Blut und die Flammen über dem blauschwarzen Fjord und dem Stadt - meine Freunde gingen weiter, und ich stand zitternd vor Aufregung da und spürte den endlosen Schrei, der die Natur durchdrang", sagte Edvard Munch über die Geschichte des Gemäldes.

Es gibt zwei Interpretationen des Dargestellten: Es ist der Held selbst, der von Entsetzen erfasst wird und lautlos schreit und seine Hände an seine Ohren presst; oder der Held verschließt seine Ohren vor dem Schrei der Welt und der Natur, der um ihn herum ertönt. Munch schrieb 4 Versionen von "The Scream", und es gibt eine Version, dass dieses Bild die Frucht einer manisch-depressiven Psychose ist, an der der Künstler litt. Nach einer Behandlung in der Klinik kehrte Munch nicht mehr zur Arbeit an der Leinwand zurück.

Paul Gauguin "Wo kommen wir her? Wer sind wir? Wohin gehen wir?"
1897-1898, Öl auf Leinwand. 139,1 x 374,6 cm
Museum der Schönen Künste, Boston

Auf Anweisung von Gauguin selbst ist das Bild von rechts nach links zu lesen – die drei Hauptfigurengruppen illustrieren die im Titel gestellten Fragen. Drei Frauen mit einem Kind stehen für den Beginn des Lebens; die mittlere Gruppe symbolisiert das tägliche Bestehen der Reife; in der letzten Gruppe, so der Künstler, "scheint eine alte Frau, die sich dem Tod nähert, versöhnt und ihren Gedanken überlassen", zu ihren Füßen "ein seltsamer weißer Vogel ... repräsentiert die Vergeblichkeit der Worte".

Pablo Picasso „Guernica“
1937, Öl auf Leinwand. 349 x 776 cm
Museum Reina Sofia, Madrid

"Guernica" zeigt Szenen von Tod, Gewalt, Brutalität, Leid und Hilflosigkeit, ohne ihre unmittelbaren Ursachen zu spezifizieren, aber sie sind offensichtlich. Pablo Picasso soll 1940 zur Gestapo nach Paris vorgeladen worden sein. Das Gespräch wandte sich sofort dem Gemälde zu. "Hast du das gemacht?" - "Nein, du hast es geschafft."

Jan van Eyck „Bildnis der Arnolfini“
1434, Öl auf Holz. 81,8 x 59,7 cm
Londoner Nationalgalerie, London

Das Porträt, vermutlich von Giovanni di Nicolao Arnolfini und seiner Frau, ist eines der komplexesten Werke der westlichen Malschule der nördlichen Renaissance.

Das berühmte Gemälde ist vollgestopft mit Symbolen, Allegorien und diversen Hinweisen – bis hin zur Signatur „Jan van Eyck was here“, die es nicht nur zu einem Kunstwerk, sondern zu einem historischen Dokument macht, das ein reales Ereignis bestätigt, dem man beigewohnt hat vom Künstler.

In Russland hat das Bild in den letzten Jahren aufgrund der Porträtähnlichkeit von Arnolfini mit Wladimir Putin große Popularität erlangt.

Mikhail Vrubel "Sitzender Dämon"
1890, Öl auf Leinwand. 114 x 211 cm
Tretjakow-Galerie, Moskau

Das Gemälde von Mikhail Vrubel überrascht mit dem Bild eines Dämons. Der traurige Langhaarige entspricht überhaupt nicht den universellen Vorstellungen, wie ein böser Geist aussehen sollte. Der Künstler selbst sprach über sein berühmtestes Gemälde: "Der Dämon ist weniger ein böser Geist als ein leidender und trauriger, bei alledem ein herrschsüchtiger, majestätischer Geist."

Dies ist ein Bild der Stärke des menschlichen Geistes, des inneren Kampfes und der Zweifel. Mit tragisch gefalteten Händen sitzt der Dämon mit traurigen, riesigen Augen in die Ferne gerichtet, umgeben von Blumen. Die Komposition betont die Beschränkung der Figur des Dämons, als wäre er zwischen den oberen und unteren Querbalken des Rahmens eingeklemmt.

Vasily Vereshchagin „Die Apotheose des Krieges“
1871, Öl auf Leinwand. 127 x 197 cm
Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau

Das Bild ist so tief und emotional geschrieben, dass man hinter jedem Schädel, der in diesem Haufen liegt, beginnt, Menschen zu sehen, ihre Schicksale und die Schicksale derer, die diese Menschen nicht mehr sehen werden. Vereshchagin selbst nannte die Leinwand mit traurigem Sarkasmus "Stillleben" - sie zeigt "tote Natur".

Alle Details des Bildes, einschließlich der gelben Farbe, symbolisieren Tod und Verwüstung. Der klare blaue Himmel betont die Leblosigkeit des Bildes. Die Idee der „Apotheose des Krieges“ kommt auch durch die Narben von Säbeln und Einschusslöchern auf den Schädeln zum Ausdruck.

Grant Wood "Amerikanische Gotik"
1930, Öl. 74 x 62 cm
Art Institute of Chicago, Chicago

"American Gothic" ist eines der bekanntesten Bilder in der amerikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts, das berühmteste künstlerische Meme des 20. und 21. Jahrhunderts.

Das Bild mit düsterem Vater und Tochter ist übersät mit Details, die auf die Strenge, den Puritanismus und die Rückständigkeit der Dargestellten hinweisen. Wütende Gesichter, eine Heugabel mitten im Bild, altmodische Kleidung auch nach den Maßstäben von 1930, ein ausgestellter Ellbogen, Nähte an der Kleidung der Bauern, die die Form einer Heugabel wiederholen, und damit eine Drohung, die sich an alle richtet der eingreift. All diese Details können endlos betrachtet werden und vor Unbehagen zurückschrecken.

Interessanterweise empfanden die Juroren des Wettbewerbs am Art Institute of Chicago „Gothic“ als „humorvollen Valentinsgruß“, und die Menschen in Iowa waren furchtbar beleidigt von Wood, weil er sie in einem so unangenehmen Licht darstellte.

René Magritte „Liebhaber“
1928, Öl auf Leinwand

Fast alle Gemälde von Magritte sind Rätsel, die nicht vollständig gelöst werden können, da sie Fragen nach dem Wesen des Seins aufwerfen. Magritte spricht die ganze Zeit über die Täuschung des Sichtbaren, über sein verborgenes Geheimnis, das wir normalerweise nicht bemerken.

Marc Chagall "Wandern"
1917, Öl auf Leinwand
Staatliche Tretjakow-Galerie

Marc Chagall, der in seiner Malerei normalerweise sehr ernst ist, schrieb ein entzückendes Manifest seines eigenen Glücks, voller Allegorien und Liebe.

"Walk" ist ein Selbstporträt mit seiner Frau Bella. Seine Geliebte schwebt in den Himmel und sieht aus, als würde sie in die Flucht gezogen und Chagall, der unsicher auf dem Boden steht, als würde er sie nur mit den Zehen seiner Schuhe berühren. Chagall hat eine Meise in seiner anderen Hand - er ist glücklich, er hat eine Meise in seinen Händen (wahrscheinlich sein Gemälde) und einen Kranich am Himmel.

Hieronymus Bosch „Der Garten der Lüste“
1500-1510, Öl auf Holz. 389 x 220 cm
Prado, Spanien

Der bleibende Reiz und gleichzeitig die Fremdartigkeit des Triptychons liegt in der Art und Weise, wie der Künstler die Hauptidee durch viele Details zum Ausdruck bringt. Das Bild ist voll von transparenten Gestalten, phantastischen Strukturen, zu Halluzinationen gewordenen Monstern, höllischen Karikaturen der Realität, die er mit einem forschenden, äußerst scharfen Blick betrachtet.

Einige Wissenschaftler wollten im Triptychon ein Bild des menschlichen Lebens durch das Prisma seiner Eitelkeit und Bilder der irdischen Liebe sehen, andere - den Triumph der Wollust. Die Unschuld und eine gewisse Distanziertheit, mit der einzelne Figuren interpretiert werden, sowie die wohlwollende Haltung seitens der kirchlichen Autoritäten gegenüber dieser Arbeit lassen jedoch daran zweifeln, dass die Verherrlichung körperlicher Freuden ihr Inhalt sein könnte.

Gustav Klimt „Drei Lebensalter der Frau“
1905, Öl auf Leinwand. 180 x 180 cm
Nationalgalerie für Moderne Kunst, Rom

"Three Ages of Woman" ist fröhlich und traurig zugleich. Darin wird die Lebensgeschichte einer Frau in drei Figuren geschrieben: Sorglosigkeit, Frieden und Verzweiflung. Die junge Frau ist organisch in das Ornament des Lebens eingewoben, die alte Frau hebt sich von ihr ab. Der Kontrast zwischen dem stilisierten Bild einer jungen Frau und dem naturalistischen Bild einer alten Frau erhält symbolische Bedeutung: Der erste Lebensabschnitt bringt unendliche Möglichkeiten und Metamorphosen mit sich, der letzte ist eine unveränderliche Konstanz und Auseinandersetzung mit der Realität.

Die Leinwand lässt nicht los, sie dringt in die Seele ein und lässt Sie über die Tiefe der Botschaft des Künstlers sowie über die Tiefe und Unvermeidlichkeit des Lebens nachdenken.

Egon Schiele "Familie"
1918, Öl auf Leinwand. 152,5 x 162,5 cm
Galerie Belvedere, Wien

„Family“ ist sein neustes Werk, in dem die Verzweiflung auf die Spitze getrieben wird, obwohl dies das am wenigsten seltsam aussehende Bild von ihm ist. Er malte es kurz vor seinem Tod, nachdem seine schwangere Frau Edith an einer spanischen Grippe gestorben war. Er starb im Alter von 28 Jahren nur drei Tage nach Edith, nachdem er es geschafft hatte, sie, sich und ihr ungeborenes Kind zu zeichnen.

Frida Kahlo „Die zwei Fridas“
1939

Die Geschichte des schwierigen Lebens der mexikanischen Künstlerin Frida Kahlo wurde nach der Veröffentlichung des Films „Frida“ mit Salma Hayek in der Titelrolle weithin bekannt. Kahlo malte hauptsächlich Selbstporträts und erklärte es einfach: "Ich male mich selbst, weil ich viel Zeit alleine verbringe und weil ich das Thema bin, das ich am besten kenne."

Frida Kahlo lächelt auf keinem Selbstporträt: ein ernstes, sogar trauriges Gesicht, dicht zusammengewachsene Augenbrauen, ein leicht auffälliger Schnurrbart über fest zusammengepressten Lippen. Die Ideen ihrer Bilder sind verschlüsselt in den Details, dem Hintergrund, den Figuren, die neben Frida erscheinen. Die Symbolik von Kahlo basiert auf nationalen Traditionen und ist eng mit der indischen Mythologie der vorspanischen Zeit verbunden.

In einem der besten Gemälde - "Zwei Fridas" - drückte sie die männlichen und weiblichen Prinzipien aus, die in ihr durch ein einziges Kreislaufsystem verbunden sind, und demonstrierte ihre Integrität. Weitere Informationen zu Frida finden Sie HIER in einem schönen interessanten Beitrag

Claude Monet "Waterloo Bridge. Nebeleffekt"
1899, Öl auf Leinwand
Staatliche Eremitage, St. Petersburg

Beim Betrachten des Bildes aus nächster Nähe sieht der Betrachter nichts als eine Leinwand, auf der häufig dicke Ölstriche aufgetragen sind. Die ganze Magie der Arbeit offenbart sich, wenn wir uns allmählich von der Leinwand entfernen und uns in eine größere Entfernung bewegen.

Zuerst erscheinen vor uns unverständliche Halbkreise, die durch die Bildmitte gehen, dann sehen wir die klaren Umrisse der Boote und nach einer Strecke von etwa zwei Metern sind alle Verbindungswerke scharf gezeichnet und aneinandergereiht logische Kette vor uns.

Jackson Pollock „Nummer 5, 1948“
1948, Hartfaserplatte, Öl. 240 x 120 cm

Das Seltsame an diesem Bild ist, dass die Leinwand des amerikanischen Führers des abstrakten Expressionismus, die er bemalte, indem er Farbe über eine auf dem Boden ausgebreitete Faserplatte goss, das teuerste Gemälde der Welt ist. 2006 zahlten sie bei der Sotheby's-Auktion 140 Millionen Dollar dafür. David Giffen, ein Filmproduzent und -sammler, verkaufte es an den mexikanischen Finanzier David Martinez.

„Ich entferne mich immer mehr von den üblichen Werkzeugen eines Künstlers wie Staffelei, Palette und Pinsel. Ich bevorzuge Stöcke, Schaufeln, Messer und fließende Farbe oder eine Mischung aus Farbe mit Sand, Glasscherben oder was auch immer. Wann Ich bin in einem Gemälde, ich weiß nicht, was ich tue. Das Verstehen kommt später. Ich habe keine Angst davor, das Bild zu verändern oder zu zerstören, weil das Bild ein Eigenleben hat. Ich helfe ihm nur, herauszukommen. Aber wenn Ich verliere den Kontakt zum Bild, es wird schmutzig und unordentlich, wenn nicht, dann ist das pure Harmonie, die Leichtigkeit des Nehmens und Gebens.

Joan Miro „Mann und Frau vor einem Haufen Exkremente“
1935, Kupfer, Öl, 23x32 cm
Joan-Miro-Stiftung, Spanien

Guter Titel. Und wer hätte gedacht, dass uns dieses Bild von den Schrecken der Bürgerkriege erzählt. Das Gemälde entstand in der Woche vom 15. bis 22. Oktober 1935 auf Kupferblech.

Laut Miro ist dies das Ergebnis eines Versuchs, die Tragödie des spanischen Bürgerkriegs darzustellen. Miro sagte, dass dies ein Bild über eine Zeit der Unruhe sei.

Das Gemälde zeigt einen Mann und eine Frau, die sich nach den Armen ausstrecken, sich aber nicht bewegen. Vergrößerte Genitalien und ominöse Farben wurden als "voller Ekel und widerliche Sexualität" beschrieben.

Jacek Jerka "Erosion"

Der polnische Neo-Surrealist ist weltweit bekannt für seine erstaunlichen Gemälde, in denen Realitäten zusammenkommen, um neue zu schaffen.

Bill Stoneham „Hände widerstehen ihm“
1972

Dieses Werk kann natürlich kaum als Meisterwerk der Weltkunst angesehen werden, aber die Tatsache, dass es seltsam ist, ist eine Tatsache.

Um das Bild mit einem Jungen, einer Puppe und gegen das Glas gedrückten Handflächen ranken sich Legenden. Von „wegen diesem Bild sterben sie“ bis „die Kinder darin leben“. Das Bild sieht wirklich gruselig aus, was bei Menschen mit einer schwachen Psyche viele Ängste und Vermutungen hervorruft.

Der Künstler versicherte, dass das Bild ihn im Alter von fünf Jahren darstellt, dass die Tür eine Darstellung der Trennlinie zwischen der realen Welt und der Welt der Träume ist und die Puppe ein Führer ist, der den Jungen durch diese Welt führen kann. Die Hände repräsentieren alternative Leben oder Möglichkeiten.

Das Gemälde erlangte im Februar 2000 Berühmtheit, als es bei eBay zum Verkauf angeboten wurde, mit einer Hintergrundgeschichte, die besagte, dass das Gemälde „verfolgt“ wurde.

„Hands Resist Him“ wurde für 1.025 US-Dollar von Kim Smith gekauft, die dann mit Briefen mit gruseligen Geschichten über das Auftreten von Halluzinationen, die Menschen, die beim Betrachten des Werks wirklich verrückt wurden, und die Forderung, das Gemälde zu verbrennen, überschwemmt wurde