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Igor Strawinsky (II). Igor Strawinsky: Biografie und Foto Strawinskys Leben und Karriere in Kürze

Igor Strawinsky ist eine legendäre Figur der Musik des 20. Jahrhunderts. Ein langes Leben lang gelang es diesem Komponisten, alle Errungenschaften der modernen Avantgarde-Musik zu nutzen. Das russische Volkslied, der Reichtum seiner rhythmisch-melodischen Struktur, war für Strawinsky die Quelle für die Schaffung seiner eigenen folkloristischen Melodie. Strawinsky war nie einfach nur ein Epigone irgendeines Stils. Im Gegenteil, jedes Stilmodell wurde von ihm in eine ausschließlich individuelle Kreation verwandelt. Strawinsky argumentierte, dass sich seine Musik scheinbar von selbst entwickle, sie aber dennoch Ideen enthalte, die für jedermann zugänglich seien.

Igor Strawinsky wurde am 17. Juni 1882 in Oranienbaum bei St. Petersburg geboren. Mit dem künstlerischen Umfeld war er vertraut frühe Jahre: Sein Vater ist ein berühmter Sänger des Mariinsky-Theaters, wo neben Kollegen auch Stasov, Mussorgsky und Dostoevsky auftraten. Die Phantasmagorie des Theaters, die Freiheit und Willkür seines Lebens hinter den Kulissen hat Strawinsky seit seiner Kindheit in sich aufgenommen.

Als junger Mann gehörte er bereits zu den höchsten Kreisen der künstlerischen Intelligenz von St. Petersburg, wurde Mitglied der „Abende zeitgenössischer Musik“ – sie wurden von A.P. geleitet. Nuroki und V.F. Nouvel und kam durch sie den Figuren der „Welt der Kunst“ und demjenigen nahe, der hier den Ton angab – mit Sergej Pawlowitsch Diaghilew, mit dessen entscheidendem Einfluss und Mäzenatentum die Karriere des brillanten Komponisten des jungen Strawinsky begründet wurde . Später war es Diaghilew zu verdanken, aber vielleicht nicht ohne die Beteiligung eines anderen eifersüchtigen Gönners – Debussy –, dass er schnell in die Sphären der aristokratischen Elite von Paris vordrang. Wo und wie kam Strawinsky zum Volkslied? In den Tagen der Kindheit in der Nähe von St. Petersburg? In Ustilug in der ehemaligen Provinz Wolyn, auf dem Anwesen seiner Frau, wo er nach seiner Heirat seit 1906 lebte? Auf Messen in Yarmolintsy, in der Nähe von Ustilug? Dies ist nicht sicher bekannt, aber es ist das russische Volkslied, das die Hauptquelle seiner Innovation, seiner Offenbarung ist.

Strawinsky wurde relativ spät zum professionellen Komponisten – erst nachdem er im Frühjahr 1905 im Alter von 23 Jahren sein Universitätsstudium abschloss. Zuvor wandte er sich nur um Rat an Rimsky-Korsakow. Doch ab Herbst 1905 wurde der Unterricht regelmäßig – zweimal pro Woche. Fünf Jahre enger Kontakt mit Nikolai Andrejewitsch Rimski-Korsakow haben Strawinsky viel gebracht. Er persönlich lernte am Beispiel seines Lehrers die Arbeitstechnik des Komponisten kennen.

Die „jugendliche“ Reifung war nur von kurzer Dauer und der Aufschwung verlief so schnell, dass Strawinskys erste Schaffensperiode, die mit „Der Feuervogel“ beginnt, im Gegensatz zu den Biografien vieler anderer Komponisten eine Zeit der Reife war. So erscheint die „russische“ Bühne in der ganzen Pracht ihrer Errungenschaften als eine Zeit reifer Meisterschaft.

Strawinskys erstes Hauptwerk, die Klaviersonate, stammt aus dem Jahr 1904. Seine Musik erklang erstmals am 27. Dezember 1907 bei einem der Konzerte der „Abende der modernen Musik“ im bescheidenen Saal der St. Petersburger Musikschule. Sänger E.F. Petrenko führte „Pastorale“ und „Das Frühlingsopfer“ auf. Diese Lieder wurden kurz zuvor von ihm geschrieben. Weitere Premieren folgten bald.

Der Ruhm erlangte ihn unerwartet im Alter von 28 Jahren mit der Aufführung von „Der Feuervogel“ in Paris im Jahr 1910 und wurde dort drei Jahre später mit der beispiellos skandalösen Premiere von „Le Sacre du printemps“ fixiert. Glory klammerte sich an seinen Namen und verließ ihn nicht mehr.

Russisches Märchen über den befreiten Iwan Zarewitsch schöne Prinzessin aus dem Zauber von Kashchei, verkörpert in der Musik des „Feuervogels“. Die Welt des russischen Jahrmarkts mit ihren schelmischen Tänzen, Buden, Drehleiern und Mundharmonikamelodien fand in „Petruschka“ ihr lebendiges Abbild; Vor dem Hintergrund der festlichen Ausgelassenheit der Menge wird der tragische Aufruhr des Puppenhelden Petruschka dargestellt, der von der windigen Ballerina getäuscht wird. Den Eindruck einer ohrenbetäubenden Explosion erweckte die Musik von „Le Sacre du printemps“, einem bildermalenden Ballett heidnische Rus'. Das Frühlingsopfer markierte den Beginn einer neuen Etappe in der Geschichte der Weltmusik. Um den „barbarischen“ Geist der fernen Antike zu vermitteln, verwendete der Autor beispiellose kühne Harmonien, spontane Rhythmen und heftige Orchesterfarben. Einige seiner Kompositionen verwenden ungewöhnliche Rhythmen und originelle Instrumentaleffekte.

Nach Pariser Premiere Die Feuervögel von 1910 Strawinsky kam Debussy nahe. Sie waren neun Jahre lang befreundet, bis der Franzose starb. Zunächst sah Debussy in Strawinsky einen stilnahen Komponisten. Doch die plötzliche Entwicklung Strawinskys verwirrte Debussy: Mit einem gemischten Gefühl von Zustimmung und Verwirrung reagierte er auf „Le Sacre du Printemps“ – sein junger Freund brach in diesem epochalen Werk mit dem Impressionismus und überwand ihn.

Strawinsky ist in Mode, er besucht die einst mit ihm verbundenen Pariser High-Society-Salons berühmte Namen. Es handelt sich um Gräfin Edmoy de Polignac, die Tochter des reichsten Nähmaschinenfabrikanten Singer, in deren Salon die von ihr in Auftrag gegebenen Werke erstmals nicht nur von Strawinsky, sondern auch von Fauré, Ravel, Satie, de Falla, Poulenc aufgeführt werden. Das ist Gabrielle Chanel – die Besitzerin eines aristokratischen Modestudios, eine der großzügigsten Gönnerinnen von Diaghilew; Aufträge erhält Strawinsky auch von der Schauspielerin und Tänzerin Ida Rubinstein, von Elizabeth Sprague Coolidge, einer Philanthropin aus den USA usw.

Er knüpft enge Beziehungen zu Vertretern anderer Kunstgattungen, zu Philosophen, Physikern, Theologen. Auch bedeutende Staatsmänner treffen sich mit ihm. Und die endlosen Interviews, in denen laut Strawinsky „Worte, Gedanken und sogar die Fakten selbst bis zur Unkenntlichkeit verzerrt wurden“ und die er dennoch bereitwillig gab, verblüfften die Interviewer mit Einfallsreichtum, Witz und paradoxen Urteilen – es sei denn, einer der Komponisten von hat das 20. Jahrhundert solche Aufmerksamkeit erhalten?

Die zweite Schaffensperiode des Komponisten fällt in die Jahre nach dem Ersten Weltkrieg, als er dauerhaft in Paris lebte und 1934 die französische Staatsbürgerschaft annahm. Mit einer neuen Umgebung verband ihn sowohl eine spirituelle als auch eine kreative Verwandtschaft. So wurde er zu einem brillanten Vertreter der internationalen Musikavantgarde. Die neue Stilperiode seines Schaffens, die hinsichtlich der Werkzahl (ca. 45 Kompositionen) die fruchtbarste ist, kann als Rückbesinnung auf den Stil vergangener Zeiten (von der Antike bis zum Klassizismus) charakterisiert werden. Dies ist der sogenannte „Neoklassizismus“.

Ein neuer Wendepunkt im Schaffen des Komponisten ist Pulcinella, ein Ballett mit Gesang (1919-1920). Dies geschah nicht zufällig, es war keine Laune des Schöpfers: Der Krieg endete, die Zeit der Morde und der unmenschlichen Zerstörung endete, und Strawinsky hatte das Bedürfnis, seine Palette aufzufrischen. Fröhliches, sonniges Licht strahlt die Musik von „Pulcinella“ aus; Octet (1922-1923) zeichnete sich durch einen kraftvollen, vitalen Charakter aus; Die komische Oper Mavra (1921-1922) strahlte ein Lächeln aus. Und spätere Werke – „Apollo“ (1927-1928) und „Der Kuss der Fee“ (1928) werden Licht auf Strawinskys Werk des nächsten Jahrzehnts werfen; die darin niedergelegten Tendenzen werden auch in den vierziger Jahren nachhallen.

Insgesamt für Balletttheater Der Komponist schrieb acht Orchesterpartituren: „Der Feuervogel“, „Petruschka“, „Das Frühlingsopfer“, „Apollo Musaget“, „Kuss der Fee“, „Spielkarten“, „Orpheus“, „Agon“. Außerdem schuf er drei Ballettwerke mit Gesang: „Bayka“, „Pulcinella“, „Wedding“.

Die Bedeutung von Strawinskys innovativer Musik für die Entwicklung der Choreographie des 20. Jahrhunderts lässt sich kaum bestreiten. Dennoch Bühnenschicksal Seine Ballette erwiesen sich – sei es aufgrund des konservativen Geschmacks des Theaterpublikums oder wegen des mangelnden Einfallsreichtums der Regisseure – als nicht so glücklich, wie man es kaum erwarten konnte, und Strawinskys Musik war manchmal nicht von großer Anerkennung geprägt Theater, sondern auf der Konzertbühne. Anschauliche Beispiele hierfür sind „Das Frühlingsopfer“ und „Hochzeit“.

Ab Mitte der 1930er Jahre begann für den Komponisten eine langwierige Krise. Ein grausamer Wirbelsturm fegt über die Menschheit und fordert unzählige Opfer; es lässt erst 1945 nach. Mit seinen gnadenlosen Flügeln erfasste dieser Tornado auch Strawinsky und zwang ihn zur Auswanderung aus Frankreich in die USA. Und davor, in den Jahren 1938-1939, wird er seine Frau, Mutter und Tochter begraben, und über ihm schwebt Lebensgefahr (ein akuter Tuberkulose-Ausbruch, seine Frau und seine Tochter starben an derselben Krankheit). Nachdem er an der Schwelle seines 60. Geburtstages seine Verwandten verloren hat, abgeschnitten von seiner gewohnten Umgebung, von Freunden und Verwandten, wird er (gemeinsam mit seiner neuen Frau) sein Leben unter kulturellen und sozialen Bedingungen neu aufbauen, die ihm bis dahin fremd bleiben werden Ende seiner Tage. In seinem Handeln ist Verwirrung zu spüren, in unfreiwilligen Zugeständnissen an den „amerikanischen Geschmack“.

1945, nach dem Krieg, den er auf dem amerikanischen Kontinent erlebte, nahm Strawinsky die amerikanische Staatsbürgerschaft an. Nach 30 Jahren neoklassischer Kreativität vollzieht der Komponist erneut eine Wendung und konzentriert sich dieses Mal auf die serielle Technik, die die neue Wiener Schule, vor allem Anton Webern, in Europa entwickelt.

Man kann ohne Übertreibung sagen, dass kein einziger ausländischer Komponist des 20. Jahrhunderts so gebildet war wie Strawinsky. Philosophie und Religion, Ästhetik und Psychologie, Mathematik und Kunstgeschichte – alles lag in seinem Blickfeld; Er zeigte eine seltene Sensibilität und wollte alles als Spezialist verstehen, der seine eigene Sicht auf das angesprochene Thema und seine eigene Einstellung zu dem behandelten Thema hatte. Strawinsky – ein verzweifelter Leser – trennte sich erst im hohen Alter von dem Buch. Seine Bibliothek in Los Angeles umfasste etwa 10.000 Bände.

Er war sehr aktiv in der Kommunikation und Korrespondenz. Strawinsky war sowohl beim Gehen ungeduldig schnell – bis nach einem Schlag im Jahr 1956 sein linkes Bein schwächer wurde, als auch als Reaktion auf die Bemerkungen des Gesprächspartners.

Aber das Wichtigste ist die Arbeit: Er war ein großartiger Arbeiter, gönnte sich keine Ruhe und konnte bei Bedarf 18 Stunden lang ohne Unterbrechung lernen. Robert Kraft sagte 1957 aus, dass er damals – also im Alter von 75 Jahren – berufstätig war! - 10 Stunden am Tag: 4–5 Stunden vor dem Mittagessen für das Komponieren von Musik und 5–6 Stunden nachmittags für die Orchestrierung oder das Arrangement.

Drei Werke sind die Hauptwerke Strawinskys der letzten fünfzehn Jahre. Dies sind „Holy Hymn“ (1955-1956), „Lament of the Prophet Jeremiah“ (1957-1958), „Songs of the Dead“ (1965-1966).

Strawinskys größte Errungenschaft ist das Requiem („Gesänge für die Toten“). Im Alter von 84 Jahren schuf Strawinsky ein Werk, das sich durch wahre künstlerische Einsichten auszeichnet. Die musikalische Sprache ist klarer und zugleich figurativ und emotional kontrastreicher geworden. Requiem - Endgültiger Aufsatz Strawinsky, und zwar nicht nur, weil es sein letztes großes Werk ist, sondern auch, weil es einen Großteil der früheren künstlerischen Erfahrungen des Komponisten aufnahm, synthetisierte und verallgemeinerte.

Im Jahr 1969 verschlechterte sich sein Gesundheitszustand dramatisch. Das Herz schlug jedoch weiter, was das verblassende Leben verlängerte.

1. Spionageleidenschaften

Während des Ersten Weltkriegs lernte Strawinsky in Rom Pablo Picasso kennen. Er malte ein Porträt seines neuen Bekannten, wenn auch sehr eigenartig (Picasso war damals ein Futurist).
Als der Komponist Italien verließ und das Porträt mitnahm, waren die italienischen Zollbeamten an der Grenze wachsam:
- Was haben Sie, Herr, mit diesen Kreisen und Linien?
- Mein Porträt von Picasso.
Die Zollbeamten überlegten lange und beschlagnahmten dann das Porträt, offenbar kamen sie zu dem Schluss, dass es sich um einen Plan für eine strategische Struktur handelte ...

2. Barcelonas Lieblingsoper

Musikliebhaber freuten sich über die Begegnung mit dem berühmten Maestro am Bahnhof in Barcelona und sagten zu Strawinsky:
- Barcelona wartet ungeduldig auf Sie - hier lieben sie Ihren „Prinz Igor“ sehr! ..
„Sie waren so aufrichtig glücklich mit mir und so begeistert von dieser Oper“, erzählte Strawinsky den Gedichten, „dass ich nicht den Mut hatte, sie zu enttäuschen, ich habe nie zugegeben, dass nicht ich Fürst Igor, sondern Borodin komponiert habe.“ ...

3. Mystery Shopper

Bei einer Auktion in London kam die Erstausgabe der Partitur eines von Strawinskys frühen Balletten unter den Hammer. Es gab viele, die dieses seltene Ding kaufen wollten, aber einer der Anwesenden – ein alter grauhaariger Herr – erhöhte den Preis immer wieder. Am Ende ging die Rechnung tatsächlich an ihn – dreitausend Pfund.
Reporter umzingelten den Käufer.
- Wer sind Sie und warum haben Sie sich entschieden, die Partitur um jeden Preis zu kaufen?
- Igor Strawinsky, - er stellte sich den Journalisten vor und fügte lächelnd hinzu:
-Ich hätte nie gedacht, dass ich für meine eigene Partitur doppelt so viel bezahlen muss, wie ich in meiner Jugend einmal für das gesamte Ballett bekommen habe!

4. Wie macht man das?

Einmal fragte ein Journalist Strawinsky:
- Maestro, wie komponiert man Musik? Woran denken Sie derzeit?
- Verzeihen Sie mir, meine Dame, aber es gelingt mir wahrscheinlich nur, weil ich beim Komponieren von Musik nur daran denke und an nichts anderes ...

5. konservativ

Bei einem Empfang zu Ehren Strawinskys in Stockholm wurde der Komponist gefragt, was er vom Jazz halte.
„Das Gleiche wie vor zwanzig Jahren“, antwortete er.
- Wie empfanden Sie Jazz vor zwanzig Jahren?
- Daran erinnere ich mich nicht.

6. Ich verstehe das nicht

Auf dem Weg nach New York nahm Strawinsky ein Taxi und war überrascht, seinen Namen auf dem Schild zu lesen.
- Sie sind kein Verwandter des Komponisten? fragte er den Fahrer.
- Gibt es einen Komponisten mit einem solchen Nachnamen? - Der Fahrer war überrascht. - Hören Sie es zum ersten Mal. Allerdings ist Strawinsky der Name des Taxibesitzers. Ich habe nichts mit Musik zu tun – mein Name ist Rossini ...

7. freundlicher Kritiker

Strawinsky war sich der übermäßigen Weichheit der künstlerischen Einschätzungen des berühmten Kritikers Wladimir Stasow bewusst und sagte einmal:
- Er hat nicht einmal schlecht über das Wetter gesprochen ...

IGOR STRAVINSKY

ASTROLOGISCHES ZEICHEN: ZWILLINGE

NATIONALITÄT: RUSSISCHER / SPÄTER AMERIKANISCHER BÜRGER

BEDEUTENDES WERK: „HEILIGER FRÜHLING“

WO SIE DIESE MUSIK HÖREN KÖNNEN: IN DER KLASSISCHEN DISNEY-ANIMATIONSFANTASIE. (1940), IN DER FOLGE, IN DER DIE stämmigen Dinosaurier in einen Kampf geraten.

Kluge Worte: „Meine Musik wird von Kindern und Tieren am besten verstanden.“

Viele musikalische Darbietungen scheiterten. Manchmal applaudiert das Publikum höflich, aber es ist klar, dass die Musik sie nicht in ihren Bann gezogen hat. Manchmal herrscht Stille im Saal. Und manchmal ertönt ein missbilligender Pfiff.

Das Frühlingsopfer von Igor Strawinsky erhielt keine dieser Reaktionen. Schweigen wäre willkommen, für den Pfiff würden sie sich bedanken. Aber nein, das Publikum schrie, quiekte, knurrte und stampfte mit den Füßen. Sie schlugen mit den Fäusten auf die Stuhllehnen und schlugen aufeinander ein. Grauhaarige Pariser führten Männer im Smoking mit Regenschirmen vor. Was könnte eine solche Szene provoziert haben? Nur die schockierendste Musik der Moderne.

BALLETT – NICHTS FÜR REINE DAMEN

IN Ende des 19. Jahrhunderts Der Bassist des Jahrhunderts, Fjodor Strawinsky, bewies in der russischen Oper hervorragend sein großartiges Timbre der Stimme und die Fähigkeit, auf der Bühne zu bleiben. Sein Sohn Igor (der vorletzte von vier Söhnen) kam nicht raus Opernhaus, wo er viele Prominente der St. Petersburger Musikszene traf. Schon in jungen Jahren fühlte er sich zur Musik hingezogen, doch sein Vater bestand darauf, dass sein Sohn zur Universität ging. Strawinsky studierte ohne jede Leidenschaft Rechtswissenschaften und ließ die Gedanken über die Musik nicht los; Als er beim Komponisten Nikolai Rimsky-Korsakow erschien, bat er um Privatunterricht und begann sein intensives Kompositionsstudium.

Im Jahr 1905 machte Strawinsky seiner Cousine Ekaterina Gavrilovna Nosenko einen Heiratsantrag. Wie die Rachmaninows musste auch dieses Paar das Verbot der Heirat zwischen Cousins überwinden; Schließlich fanden sie einen Dorfpfarrer und nachdem sie ihn über den Grad ihrer Verwandtschaft belogen hatten, heirateten sie im Januar 1906. Die Strawinskys hatten vier Kinder: Fjodor wurde 1907 geboren, Ljudmila 1908, dann Swjatoslaw (Sulima) 1910 und Milena 1914. In der Zwischenzeit machte Strawinsky Bekanntschaft mit Diaghilew, der gerade mit dem Ballett begonnen hatte, um ihm neues Leben einzuhauchen. Diaghilew lud Strawinsky ein, Musik für Produktionen seiner Ballets Russes zu schreiben, und der Komponist stimmte trotz der Einwände alter Freunde und Lehrer zu. Rimsky-Korsakow starb 1908, aber seine Umgebung betrachtete das Ballett als ein Spektakel, das nur für verdorbene alte Männer geeignet war, die mit Ferngläsern zu Aufführungen kamen. Strawinsky blieb jedoch standhaft und reiste 1910 zur Uraufführung seines ersten Balletts „Der Feuervogel“ nach Paris. Und dann zog er mit seiner Familie komplett in den Westen und ließ sich in der Schweizer Stadt Montreux nieder.

JA, das ist ein Aufruhr!

Nach dem erfolgreichen Feuervogel schuf Strawinsky ein zweites Ballett, Petruschka. Dann begann er über die Geschichte des Mädchens nachzudenken, das zu Tode tanzte. Das Ergebnis dieser Überlegungen veränderte die europäische Musik.

Der Dirigent Pierre Monteux erinnerte sich, dass er am liebsten aus dem Raum gerannt wäre, als er zum ersten Mal „Das Frühlingsopfer“ von Strawinsky auf dem Klavier hörte. Im Gegenteil, Diaghilew war begeistert: Er spürte sofort, welche brillanten Möglichkeiten in dieser Musik lauern, sodass sein Geliebter und Schützling Vaclav Nijinsky sich in voller Kraft zeigen konnte. Der Choreograf Nijinsky stellte alle Regeln des klassischen Balletts auf den Kopf: Die Tänzer im Frühlingsopfer gingen mit umgestülpten Füßen und seitlich herausgestreckten Knien; Die Tänzer sprangen, ohne ihre Zehen zu strecken, und landeten mit einem heftigen Aufprall, der die Bühne zum Beben brachte. Die Proben gingen schleppend voran, die Tänzer gewöhnten sich nicht sofort an die neue Choreografie und das Orchester – mit der bisher nicht gesehenen Partitur. Als die Hornisten bei einer Probe eine besonders dissonante Phrase ausstießen, brach das Orchester in nervöses, hysterisches Gelächter aus.

Am Abend des 29. Mai 1913 in Pariser Theater Auf den Champs-Élysées herrschte – sowohl hinter den Kulissen als auch im Saal – eine angespannte Atmosphäre, in der Stadt kursierte bereits das Gerücht, das neue Ballett sei „schwer zu erkennen“. Allerdings war das Publikum auf die scharfen, pulsierenden Akkorde, die das Ohr quälten, völlig unvorbereitet. Das Publikum begann zu flüstern, dann zu pfeifen, dann zu schreien, zu kreischen und zu kämpfen. Strawinsky rannte hinter die Bühne, wo er Nijinsky in einer unerwarteten Pose vorfand: Der Choreograf kletterte auf einen Stuhl und zählte lautstark den Rhythmus vor, um den Tänzern zu helfen. Strawinsky musste Nijinsky am Frack festhalten, um zu verhindern, dass er auf die Bühne fiel. Diaghilew blinzelte, der Theaterdirektor trat in der Pause in den Vordergrund, um das Publikum zu beruhigen – ohne Erfolg. Dann wurde die Polizei gerufen.

Es war ein echter musikalischer Aufruhr.

Der nächste Auftritt verlief besser – teilweise konnte man sogar die Musik hören – der dritte war sogar noch besser. Aber Strawinsky war nicht mehr im Saal. Er wurde mit schrecklichen Magenschmerzen ins Krankenhaus gebracht; Der Komponist glaubte, er hätte sich durch den Verzehr abgestandener Austern vergiftet. Tatsächlich wäre er fast gestorben, da bei ihm Typhus diagnostiziert wurde.

LIEBE MICH – LIEBE MEINE LIEBE

Strawinsky unternahm kein neues Ballett und unterbrach die Arbeit für eine Weile, um nach seiner Krankheit wieder zu Kräften zu kommen. Auch seine Frau brauchte Pflege und Aufmerksamkeit: Bei Katya wurde Tuberkulose diagnostiziert, die eine lange und teure Behandlung erforderte. Erste Weltkrieg isolierte Strawinsky weiter von seinen in Russland verbliebenen Verwandten. Die Nachricht vom Sturz des Zaren nahm er mit Begeisterung auf, doch die mit der Zukunft des Landes verbundenen Hoffnungen zerbrachen, als die Bolschewiki in Russland zu regieren begannen. Die endlose Gewalt, die sowohl den Krieg als auch die Revolution begleitete, beeinflusste den Komponisten – er änderte seinen Stil. Strawinsky wechselte vom aggressiven Modernismus zum emotional zurückhaltenden Neoklassizismus.

Nach dem Krieg zogen die Strawinskys nach Südfrankreich, die meiste Zeit verbrachte der Komponist jedoch in Paris. Er verliebte sich in eine russische Einwanderin, Vera Sudeikina. Charmant, witzig, gesellig – Vera war das genaue Gegenteil der nachdenklichen, selbstsüchtigen Katya; außerdem war sie verheiratet, aber dieser Umstand war weder ihr noch Strawinsky peinlich. In den 1920er und 1930er Jahren verbrachte Strawinsky ein halbes Jahr auf dem Land mit seiner Frau, seinen Kindern und seiner Mutter (sein Vater, Fjodor Ignatjewitsch Strawinsky, starb 1902), und die zweite Jahreshälfte in Paris mit Vera oder auf Tournee . Strawinsky forderte seine Frau und Geliebte auf, die Situation so zu akzeptieren, wie sie ist, ohne Fragen oder Skandale. Als Strawinsky für längere Zeit abreiste, musste Katya sogar persönlich Geld für Spesen an Vera überweisen. Der Glaube blieb standhaft, aber Katya, von Krankheit geplagt, suchte Trost in Religion und Gebeten, und die Kinder des Komponisten hegten einen Groll gegen ihren brillanten Vater, den sie einst vergötterten.

Die Tochter der Strawinskys, Ljudmila, erkrankte an Tuberkulose und verbrachte zusammen mit ihrer Mutter viele Monate in Sanatorien. In den späten 1930er Jahren, als die faschistische Bedrohung über Europa drohte, waren beide bereits sehr schwach. Ljudmila starb am 30. November 1938, Ekaterina Gavrilovna starb vier Monate später. Der letzte Schlag war der Tod von Strawinskys Mutter im Juni 1939.

Der Empfang ist heiß, der Krieg ist kalt

Von Verlusten am Boden zerstört und von der politischen Situation beunruhigt, kam Strawinskys Einladung zu einem Vortrag in Harvard gerade recht. Zusammen mit Vera ging er nach Boston. Am 9. Mai 1940, etwas mehr als ein Jahr nach Katyas Tod, heirateten sie in Bedford, Massachusetts. Sie sagten dem Richter, dass Vera sich 1920 von ihrem ersten Ehemann scheiden ließ. Sie haben gelogen. Offensichtlich erschreckte sie der Vorwurf der zweiten Ehe weitaus weniger als die Missbilligung des „Lebens in Sünde“ durch die Amerikaner.

DER PRIMITIVE RHYTHMUS VON STRAVINSKYS HEILIGEM FRÜHLING schockiert das Publikum bei der Premiere, so dass sich seine Verwirrung in Störungen mit körperlicher Gewalt verwandelt.

Die Strawinskys ließen sich in Hollywood nieder, wo sie Freundschaften mit Edward G. Robinson, Marlene Dietrich und Cecil B. deMille schlossen. Die Studios fragten nach Musik, doch Strawinsky wollte die Rechte an seinen Werken nicht an Filmemacher abtreten. Er konnte sich lange Zeit nicht davon erholen, wie die Animatoren seine Musik in Disneys Fantasia entsorgten, die Partitur in Stücke rissen und Passagen neu arrangierten.

Der Krieg endete, aber die Strawinskys blieben in den USA; 1945 erhielten sie die amerikanische Staatsbürgerschaft. 1948 freundete sich der Komponist mit dem jungen Dirigenten Robert Kraft an, der später Strawinskys ergebener Sekretär und sogar „Adoptivsohn“ wurde. Kraft verstand Schönbergs Zwölftonsystem und führte Strawinsky bis ins Detail in diese Technik ein. Schon bald komponierte der Komponist zwölfstimmige Musik. Die Rückkehr zur Moderne ging mit einem wachsenden Interesse an Religion einher, das sich in Werken wie Sacred Hymn in the Name of Saint Mark (1956) und Sermon, Parable and Prayer (1961) widerspiegelte.

Der Verband der sowjetischen Komponisten lud Strawinsky auf jede erdenkliche Weise zu einem Besuch in seiner Heimat ein. Der Kalte Krieg ging weiter, und diese Einladung hatte natürlich einen politischen Hintergrund – die sowjetischen Behörden waren bestrebt, einen adligen Emigranten zu gewinnen und ein ehrenvolles Treffen für ihn zu arrangieren. Der Besuch des Komponisten war entweder geplant oder verschoben, doch schließlich trafen Strawinsky, Vera und Kraft im September 1962 in Moskau ein. Wir begegneten ihnen mit außergewöhnlicher Begeisterung und Herzlichkeit. Von dieser Einstellung zu sich selbst beeindruckt, äußerte sich Strawinsky bei verschiedenen Gelegenheiten positiv über die Sowjetunion, wofür er im Westen heftig kritisiert wurde. Die Kritik verschärfte sich erst, als Präsident Kennedy zehn Tage nach Strawinskys Rückkehr in die USA der amerikanischen Öffentlichkeit mitteilte, dass in Kuba sowjetische Atomraketen entdeckt worden seien.

TOR NACH DEM TOD

In seinem neunten Lebensjahrzehnt begann Strawinskys Gesundheitszustand zu schwächeln. Kraft wurde in der Familie immer unentbehrlicher, nun korrespondierte er mit dem Komponisten und studierte sogar Finanzangelegenheiten. Die Strawinsky-Kinder betrachteten ihn als misstrauische Person, und schon bald spaltete sich die Familie in zwei Lager: auf der einen Seite die Kinder, die davon überzeugt waren, dass Kraft und Vera einen Plan planten, sie zu enterben; auf der anderen Seite Vera und Kraft, die glauben, dass Strawinskys gierigen Kindern nur das Geld ihres Vaters am Herzen liegt.

Auf der Suche nach bester medizinischer Versorgung zogen Vera und Kraft mit dem Komponisten nach New York. Dort starb er am 6. April 1971 im Alter von achtundachtzig Jahren. Vera beschloss, Strawinsky in Venedig zu begraben, der Stadt, die der Komponist ihrer Meinung nach mehr liebte als andere. Kaum hatte sich die Erde auf dem Grab beruhigt, steckte die Familie bereits in finanziellen Schwierigkeiten. Die Klagen häuften sich, die Verfahren dauerten Jahre und hörten auch mit dem Tod von Vera im Jahr 1982 nicht auf.

SCHICKT ELEFANTEN UND TÄNZER!

1942 erhielt Strawinsky einen ungewöhnlichen Auftrag: ein Ballett für einen Elefanten. Die Idee des Elefantentanzes stammte vom Choreografen George Balanchine, der wiederum von einem beliebten amerikanischen Zirkus mit einem Kooperationsvorschlag angesprochen wurde. Strawinsky antwortete bereitwillig, indem er fröhliche, aufrührerische Musik schrieb – „Zirkuspolka für einen jungen Elefanten“. Das Plakat wurde am 9. April 1942 im New Yorker Madison Square Garden Sports Complex uraufgeführt und lautete: „Fünfzig Elefanten und fünfzig schöne Mädchen in einem originellen choreografischen Meisterwerk!“

Die Aktion wurde zwei Monate lang gezeigt. Zu dieser Zeit war Strawinsky der einzige Komponist der Welt, der ein Elefantenballett komponierte.

WIE MAN SICH IN AMERIKA EINEN NAMEN MACHT

Um die amerikanische Staatsbürgerschaft zu erhalten, mussten Strawinsky und Vera bei Interviews in den entsprechenden Institutionen viele Fragen beantworten. Zunächst fragte der Einwanderungsbeamte den Komponisten nach seinem Nachnamen.

Strawinsky, - hat der Komponist bewusst in Silben ausgedrückt, um es klarer zu machen.

„Oh“, antwortete der Angestellte. - Möchten Sie es ändern? Viele Menschen tun dies.

TORO! TORO!

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts war das Reisen in Russland immer ein Abenteuer. Als Strawinsky einmal das Dorf verließ, kam er zu spät zum Bahnhof, der Zug fuhr ohne ihn ab und der nächste Zug musste fast einen Tag warten. Doch ein Güterzug folgte derselben Route, und Strawinsky erhielt, nachdem er den Schaffner bestochen hatte, Zutritt zum Zug.

Er wurde in einen Viehwaggon gesteckt, der fast leer war, bis auf einen riesigen Bullen, der laut dem Komponisten „mit einem einzigen und nicht sehr ermutigenden Seil“ gefesselt war. Strawinsky verkroch sich in eine Ecke und verbarrikadierte sich mit einem Koffer. Er vertraute auf das Schicksal. „Ich muss seltsam ausgesehen haben, als ich in Smolensk aus dem Auto gestiegen bin: Ich stehe mit einem teuren Koffer (zumindest nicht mit einem Rucksack von einem Landstreicher) auf dem Bahnsteig und schüttle Heu aus meinem Mantel und meiner Mütze, aber Gleichzeitig sehe ich äußerst zufrieden aus – schließlich ist der Stierkampf erfolgreich zu Ende gegangen.

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Strawinsky und das Frühlingsopfer Im Sommer 1891 erreichten französische Kriegsschiffe den russischen Marinestützpunkt Kronstadt und wurden nicht mit feindlichem Feuer, sondern mit feierlichen Salutschüssen begrüßt. Zar Alexander III, dessen Ururgroßvater der napoleonischen Invasion widerstand,

Aus Buch Silberzeitalter. Porträtgalerie kultureller Helden der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Band 3. S-Z Autor Fokin Pavel Evgenievich

Igor Strawinsky Und wieder die Schicksale einer lustigen Annäherung. Der Name des großen Igor Strawinsky ist auf diesen Seiten bereits erklangen. Genauer gesagt, der Name des Große Liebe Musikerin - Vera Strawinskaya. Der dritte Ehemann von Vera Arturovna war der Künstler Sergei Sudeikin. Das Schiff, auf dem sich die Ehegatten befinden

Kompositionen von Igor Fedorovich Strawinsky nach Genre geordnet, mit Angabe von Titel, Entstehungsjahr, Genre/Interpreten, mit Kommentaren.

Opern

Nachtigall (lyrisches Märchen; Libretto von Strawinsky und S. S. Mitusov nach dem Märchen von H. K. Andersen, 1908–14, inszeniert 1914, Grand Opera, Paris)
Mavra (Opera-Buffa, Libretto von B. Kokhno, nach Puschkins Gedicht „Das Haus in Kolomna“, 1922, „Grand Opera“, Paris)
Oedipus Rex (Oedipus Rex, Oper-Oratorium, basierend auf der Tragödie des Sophokles, Libretto von J. Cocteau und Strawinsky, übersetzt aus dem Lateinischen ins Französisch J. Danielou, 1927, Theater Sarah Bernhardt, Paris; 2. Auflage 1948)
The Rake's Adventures (Career of the Moth - Rake's progress, Libretto von W. Auden und C. Kalman basierend auf einer Reihe von Stichen von J. Hogarth, 1951, Fenice Theatre, Venedig)

Ballette

Der Feuervogel (L’oiseau de feu, Märchenballett, Libretto von M. M. Fokin, 1910, Theater des Champs-Élysées, Paris; 2. Auflage 1945)
Petersilie (Petrouchka, lustige Szenen, Libretto von A. Benois und Strawinsky, 1311, Theater „Chatelet“, Paris; 2. Auflage mit einer reduzierten Komposition des Orchesters, 1946)
Das Frühlingsopfer, Gemälde der heidnischen Rus in zwei Teilen (Libretto von N. K. und S. P. Roerichs, 1913, The Theatre of the Champs-Elysées, Paris; 2. Auflage der Szene des Großen Heiligen Tanzes, 1943)
Eine Geschichte über einen Fuchs, einen Hahn, eine Katze und ein Schaf, eine lustige Aufführung mit Gesang und Musik (nach russischen Volksmärchen, 1917, aufgeführt 1922, Grand Opera, Paris)
Die Geschichte eines Soldaten (Das Märchen vom außer Kontrolle geratenen Soldaten und dem Teufel, gelesen, gespielt und getanzt, in 2 Teilen, für einen Vorleser, 2 Künstler, Mimik, Klarinette, Fagott, Kornett, Posaune, Schlagzeug, Violine und Kontrabass ; basierend auf russischen Volksmärchen aus der Sammlung A. N. Afanasyev und übersetzt ins Französische von Ch. Ramyuza – „L'histoire de soldat“, 1918, Lausanne)
Lied der Nachtigall (Chant du Rossignol, 1 Akt, zur Musik aus der Oper „Die Nachtigall“, Russisches Ballett von S. Diaghilew, Paris, 1920)
Pulcinella
Hochzeit (Les noces, choreografische Szenen mit Gesang und Musik Volkstexte aus der Sammlung von P. V. Kireevsky, 1923, Goethe Lyric Theatre, Paris)
Apollo Musagete (in 2 Szenen, für Streichorchester, 1928, Theater Sarah Bernhardt, Paris-Washington; 2. Auflage 1947)
Feenkuss (Le baiser de la fee, Ballett-Allegorie in 4 Szenen, Libretto von S. nach Andersens Märchen „Die Schneekönigin“, 1928, „Grand Opera“, Paris; 2. Auflage 1950)
Spielkarten (Jeu de cartes; ein anderer Name ist Poker, Ballett in 3 „Kapitulationen“, Choreographie von Strawinsky zusammen mit M. Malaev, 1937, New York)
Circus Polka (Basierend auf einem Stück für Kammerorchester, Barnum & Bailey Circus, New York, 1942)
Orpheus (3 Gemälde, Libretto von Strawinsky, 1948, New York City Ballet, New York)
Agon (für 12 Tänzer, in 3 Teilen, 1957, ebenda)
Cage (Cage, 1 Akt, zur Musik des Basler Konzerts für Streicher, New York City Ballet, 1951)

Für Solisten, Chor und Orchester

Heilige Hymne zur Ehre des Namens des Heiligen. Markus (Canticum Sacrum ad honorem Sancti Marci nominis, über einen Text aus dem Alten Testament, 1956)
Threni (Klagelied des Propheten Jeremia, im lateinischen Text aus dem Alten Testament, 1958)
Kantate Eine Predigt, eine Erzählung und ein Gebet (1961)
Hymnen für die Toten (Requiem-Gesänge, zum kanonischen Text der katholischen Trauermesse und Trauerfeier, 1966)

Für Chor und Orchester

Sinfonie der Psalmen (Symphonie der Psalmen, in lateinischen Texten des Alten Testaments, 1930, 2. Auflage 1948)
Sternenbanner (US-Nationalhymne, 1941)

Kantaten

Zum 60. Jahrestag von N. A. Rimsky-Korsakov (für Chor und Klavier, 1904; verschollen)
Starfaced (Joy of White Doves, nach Text von K. D. Balmont, 1912, Uraufführung 1939)
Babylon (basierend auf dem 1. Buch Mose, Kapitel XI, Lieder 1–9, 1944), Kantate über die Worte englischer Dichter des 15.–16. Jahrhunderts. (1952)

Für Chor und Kammerinstrumentalensemble

Messe für gemischten Chor und Doppelbläserquintett über den kanonischen Text der katholischen Liturgie, in 5 Teilen (1948), In Erinnerung an T. S. Eliot (Introitus T. S. Eliot in memoriam, über den lateinischen Text des katholischen Gebets für die Toten, 1965)

für Orchester

3 Symphonien (Es-dur, 1907, 2. Auflage 1917; in C, 1940; in 3 Sätzen – Symphonie in drei Sätzen, 1945)
Dumbarton Oaks-Konzert, Es-dur (Dumbarton Oaks, 1938)
Basler Konzert, D-dur (für Streichorchester, 1940)
Fantastisches Scherzo (1908)
Feuerwerk, Fantasie (1908, auch „Futuristisches Ballett ohne Tänzer“, 1917, Rom)
Russisches Lied (1937)
4 norwegische Stimmungen (Vier norwegische Stimmungen, 1942)
Ballettszenen in 11 Sätzen (1944)
Glückwunschvorspiel oder kleine Ouvertüre (Grußvorspiel ..., 1955, zum 80. Geburtstag von P. Monte)
Denkmal für Gesualdo di Venosa zum 400-jährigen Jubiläum
8 Miniaturen (1962, Besetzung für Klavierwerke für 5 Finger, 1921)
Variationen zum Gedenken an Aldous Huxley (1964), Kanon zum Thema der russischen Volksmelodie „Nicht die Kiefer vor den Toren schwankte“

Für Kammerorchester

3 Suiten aus dem Ballett Der Feuervogel (1919)
Suiten nach Zyklen leichter Stücke für Klavier zu 4 Händen (1921, 1925)
Konzerttänze (für 24 Instrumente, 1942, auch für Ballett überarbeitet)
Trauerode (elegisches Lied, in drei Teilen, oder Triptychon zum Gedenken an N. Koussevitskaya, 1943)
Zirkuspolka für einen jungen Elefanten (Zirkuspolka, 1942)
Scherzo a la Russe für Symphonie-Jazz-Orchester (1944)
Präludium für Jazzorchester (1937, 2. Auflage 1953, unveröffentlicht)

Für Instrument mit Orchester

Violinkonzert in D-Dur (1931)
Sätze für Klavier (1959)
Konzert für Klavier und Blasinstrumente (1924, 2. Auflage 1950)
Konzert für 2 Klaviere (1935)
Ebony-Konzert (Ebony-Konzert für Soloklarinette und Instrumentalensemble, 1945)
Capriccio für Klavier (1928)

Kammerinstrumentalensembles

Konzertierendes Duo für Violine und Klavier (1931)
Epitaph zum Grabstein von Max Egon von Fürstenberg (für Flöte, Klarinette und Harfe, 1959)
3 Stücke für Streichquartett (1914; Bearbeitungen enthalten im Zyklus von 4 Studien für Symphonieorchester, 1914-28)
Concertino für Streichquartett (1920)
symphonische Stücke für Blasinstrumente In Erinnerung an C. Debussy (auch betitelt Symphonie für Blasinstrumente, 1920, 2. Auflage 1947)
Blechbläseroktett (1923, 2. Auflage 1952)
Lied der Wolga-Lastkähne für Blas- und Schlaginstrumente (Bearbeitung des Russischen Volkslied„Hey, lasst uns gehen!“, 1917)
Ragtime für 11 Instrumente (1918)
5 monometrische Stücke für Instrumentalensemble (1921)

für Klavier

Scherzo (1902)
Sonaten (1904, 1924)
4 Studien (1908)
3 leichte Stücke zu 4 Händen (1915, auch zu 2 Händen, 1915, enthalten in der Suite für kleines Orchester, 1921)
Erinnerungen an den Marsch der Boches (1915)
5 leichte Stücke zu 4 Händen (1917), das vierte ist in der Suite für kleines Orchester von 1921 enthalten; 1. - für Klavier zu zwei Händen)
Trauerchoral zum Gedenken an Debussy (1920)
5 Fingers (8 einfachste Stücke auf 5 Noten, 1921)
Walzer für kleine Leser „Figaro“ (1922)
Serenade (1925)
Tango (1940; Bearbeitung für Violine und Klavier, 1940, auch für kleines Orchester, 1953)
Blumenwalzer (für 2 Klaviere, 1914)

Für Chor a Sarrella

Tochtergesellschaft für Frauenstimmenüber Volkstexte (1917)
Unser Vater (für gemischten Chor, kanonischer Text auf Russisch Orthodoxes Gebet, 1926; Neuausgabe mit lateinischem Text Pater noster, 1926)
I Believe (für gemischten Chor, in den russischen kanonischen Text des orthodoxen Gebets, 1932; Neuausgabe mit dem lateinischen Text Credo, 1949)
Freue dich, Mutter Gottes, Jungfrau (für gemischten Chor, in den russischen kanonischen Text des orthodoxen Gebets, 1934; Ausgabe mit dem lateinischen Text Ave Maria, 1949)
3 spirituelle Lieder von Carlo Gesualdo di Venosa, geschrieben anlässlich des 400. Geburtstages von Gesualdo (Enezem – Hymne, 1959, Descending, the dove cuts the air – Die herabsteigende Taube durchbricht die Luft, nach den Worten von T. S. Eliot, 1962)

Für Stimme und Orchester

Faun und Hirtin (Suite nach Worten von Puschkin, 1906)
Abraham und Isaak (heilige Ballade auf Hebräisch, aus dem Alten Testament, 1963)

Für Gesang und Instrumentalensemble

3 japanische Gedichte (für Sopran, 2 Flöten, 2 Klarinetten, Klavier und Streichquartett; russischer Text von A. Brandt, 1913; arrangiert für hohe Stimme und Klavier, 1913; für hohe Stimme und Kammerorchester, 1947)
Witze, komische Lieder (für Alt und 8 Instrumente, nach russischen Volkstexten, 1914)
Katzenschlaflieder (Suite über russische Volkstexte für Alt mit 3 Klarinetten, 1916; auch mit Flöte, Harfe und Gitarre, veröffentlicht 1956)
3 Lieder (nach Texten von W. Shakespeare, für Mezzosopran, Flöte, Klarinette und Bratsche, 1953)
4 russische Lieder (für Sopran, Flöte, Harfe und Gitarre, basierend auf 4 russischen Liedern für Gesang und Klavier und „3 Geschichten“ für Kinder, 1954)
In Erinnerung an Dylan Thomas (Funeral Canons and Song, für Tenor, Streichquartett und 4 Posaunen nach englischen Versen von D. Thomas, 1954)
Elegy of J.F.K. (J.F. Kennedy gewidmet, nach Texten von W.H. Auden, für Bariton, 2 Klarinetten, Altklarinette, 1964)

Für Gesang und Klavier

Romanze „Wolke“ (nach den Worten von Puschkin, 1902)
Der Dirigent und die Vogelspinne (nach dem Text von Kozma Prutkovs Fabel, 1906; Noten verloren)
Pastoral (Lied ohne Worte, 1907)
2 Lieder nach Texten von S. M. Gorodetsky (1908)
2 Gedichte von P. Verlaine (1910; 2. Auflage der 2. – 1919, 1. – 1951)
2 Gedichte von K. D. Balmont (1911; 2. Auflage 1947)
3 Geschichten für Kinder (über russische Volkstexte, 1917)
Wiegenlied (nach eigenem Text, 1917)
4 russische Lieder (für Volkstexte, 1918)
Eule und Kätzchen (Die Eule und das Pussy-Cat, nach englischen Gedichten von E. Lear, 1966)
Pilze ziehen in den Krieg (1904)
Luft des Meeres (?)

Bearbeitungen und Bearbeitungen von Werken anderer Komponisten

Klavierstück „Kobold“ von E. Grieg (Bearbeitung, für das Ballett Feast, 1909)
„Das Lied des Mephistopheles vom Floh“ von Beethoven (aus „Faust“ von J. W. Goethe; für Bass und Orchester, russischer Text von V. A. Kolomiytsov, 1909)
„Lied vom Floh“ von Mussorgsky (für Bass und Orchester, russischer Text von A. Strugovshchikov, 1909)
Marseillaise (für Solovioline, 1919)
Chöre aus dem Prolog der Oper „Boris Godunow“ von Mussorgski (für Klavier, 1918)
Canzonetta von J. Sibelius (für 9 Instrumente, 1963)
Nocturne und Brilliant Waltz von F. Chopin (für Orchester. 1909)

Strawinsky war in fast allen Werken tätig bestehende Genres: Dies ist Oper, Ballett, Kammerinstrumental- und Kammervokalmusik, Symphonie, vokal-sinfonische Musik, Instrumentalkonzert. In verschiedenen Schaffensperioden veränderte sich das Bild der Genres. In der Frühzeit (vor 1908) war die Wahl der Genres nicht unabhängig, sie wurde durch die Nachahmung des Lehrers diktiert. Von 1909 bis 1913 nahm das Ballett eine Ausnahmestellung ein. Später, ab den 10er Jahren, wurden andere Genres des Musiktheaters vorgeschlagen. In der Neoklassik spielen neben Ballett und Oper auch Instrumentalkompositionen eine herausragende Rolle. In den Jahren vor und während des Zweiten Weltkriegs wandte sich Strawinsky der Symphonie zu, die das allgemeine Streben nach konzeptioneller Symphonie widerspiegelt, das für die führenden europäischen Komponisten dieser Jahre – Honegger, Bartok, Hindemith, Schostakowitsch, Prokofjew – charakteristisch war. In der Spätphase seines Schaffens dominieren Kantaten-Oratorien-Kompositionen.

Einen besonderen Platz im Erbe des Autors von „Petruschka“ nimmt ein Musiktheater . Im Allgemeinen zeichnet sich Strawinsky durch eine lebendige Theatralik des Denkens aus, die sich in der Visualisierung von Gesten und plastischen „Intonationen“, die durch Musik verkörpert werden, in Klangspezifität, einem Gefühl für Bühnenzeit und Veränderungen im Tempo-Rhythmus widerspiegelt die Aktion. Konkrete visuelle Bilder leiteten oft die Fantasie des Komponisten. Strawinsky liebte es, das Orchester spielen zu sehen (es reichte ihm nicht, nur zuzuhören), während er eine Art „Instrumentaltheater“ genoss.

Sein eigenes Musiktheater vereint Trends aus der russischen Folklore - ein gespieltes Märchen, eine Possenreißeraktion, ein Spiel, ein Ritual, Puppentheater, - und spiegelt gleichzeitig die Techniken der Commedia dell'arte, der Opera seria und Opera buffa, mittelalterlicher Mysterien und des japanischen Kabuki-Theaters wider. Es berücksichtigt die theatralische Ästhetik von The World of Art, Meyerhold, Craig, Reinhardt, Brecht. Strawinskys Theater unterscheidet sich naturgemäß stark vom „Erlebnistheater“ Tschechow-Ibsen. Seine Natur ist anders. Dies ist ein Theater der Darstellung, der Aufführung, ein bedingtes Theater, nur zeitweise als besonderes Gerät, das offene Erfahrung ermöglicht. Deshalb lehnt Strawinsky die Veristen sowie das Wagner-Theater scharf (bis zur Ungerechtigkeit) ab.

Strawinsky bezieht sich auf Handlungsstränge, die sich in ihrem Ursprung und ihrer Natur unterscheiden: ein Märchen („Der Feuervogel“, „Die Nachtigall“, „Bayka“, „Das Märchen eines Soldaten“), ein Ritual („Das Frühlingsopfer“, „Die Hochzeit“), ein antiker griechischer Mythos („Ödipus Rex“, „Orpheus“, „Persephone“, „Apollo Musaget“), Handlungsstränge, die Realität und Fiktion verbinden („Petruschka“, „Die Abenteuer des Rechens“, „Kuss von die Fee"). Die Themen, die sich durch sein Musiktheater ziehen, lassen sich benennen: Der Mensch im Kreislauf der Naturgewalten, Mensch und Schicksal, Mensch und Versuchungen.

Strawinsky arbeitete intensiv daran Instrumentalgenres . Er schrieb Sinfonien, Konzerte für Soloinstrumente (Klavier und Violine) mit Orchester und Konzerte für Orchester, Kammer- und Instrumentalmusik, Kompositionen für Soloinstrumente – fast ausschließlich für das Klavier, das Strawinsky sehr schätzte, da er es sowohl als Soloinstrument als auch als Instrument einsetzte als Teil eines Orchesters und in Ensembles. Fast alle Instrumentalwerke des Komponisten entstanden nach 1923, also ausgehend von der neoklassischen Schaffensperiode. Und hier ist es notwendig, über die Merkmale seines instrumentellen Denkens zu sprechen, die sich darin manifestierten verschiedene Genres, nicht nur instrumental. Wir sprechen zunächst von der Konzertqualität als grundlegender Eigenschaft von Strawinskys musikalischem Denken. IN dieser Fall Dieser Begriff (abgeleitet von Concertare, was Konkurrenz, Rivalität und auch Übereinstimmung bedeutet) bezeichnet nicht den für das Konzert der Romantik typischen Gegensatz des Solisten zum Orchester, sondern das Prinzip der Entwicklung durch instrumentale Dialoge und Gegenüberstellungen von Lautstärken. Dieses Verständnis stammt aus der Barockzeit (von Händel, Bach, Vivaldi) und ist gleichzeitig nicht nur eine Wiederherstellung barocker Prinzipien. Die Einführung und Entwicklung des Konzerts erweiterte die Möglichkeiten der Sonatensatzform und des Sonatenzyklus und trug zur Individualisierung der Instrumente bei.

Mit diesem Prinzip kam Strawinsky erstmals in „Das Märchen vom Soldaten“ (1918) und „Pulcinella“ (1919) in Berührung. Was er dort fand, fasste er im Oktett (1923) zusammen. Das Prinzip des Konzerts manifestiert sich in allen weiteren Werken des Komponisten. Es kommt in Konzerten voll zur Geltung, dringt in Ensemblekompositionen ein, interagiert mit symphonischem Denken in Sinfonien.

Stimmliche Kreativität Strawinsky umfasst Kammerkompositionen – für Gesang und Klavier, Gesang und Kammerensemble oder Orchester – sowie Vokal- und Symphoniekompositionen. Die ersten sind relativ wenige, sie sind ungleichmäßig über den gesamten kreativen Weg verteilt, obwohl ihre Bedeutung in manchen Zeiträumen sehr wichtig ist; Das Erscheinen letzterer scheint zunächst nur eine Episode zu sein, doch in der späteren Zeit fällt gerade auf sie der Schwerpunkt von Strawinskys kompositorischem Schaffen.

Igor Fjodorowitsch Strawinsky(1882 - 1971), russischer Komponist, Dirigent und Pianist.

„Mann der tausend und einen Stile“, „Komponist-Chamäleon“, „Musikalischer Trendsetter“ Igor Fjodorowitsch Strawinsky ist der größte Komponist des 20. Jahrhunderts.

Sein Erbe gehört heute zu den Klassikern der Moderne. Ihm gelang es, die wichtigsten Merkmale der Epoche, ihren Konflikt und ihre Dynamik widerzuspiegeln. Die Vielfalt der Themen, Handlungsstränge und die Fließfähigkeit seiner kreativen Art sind Zeichen seines universellen Stils, der es schaffte, die spirituellen Prozesse der Moderne in enzyklopädischer Breite zu erfassen und zu verkörpern.

Igor Fjodorowitsch Strawinsky wurde am 5. Juni (17) 1882 in Oranienbaum in der Familie des berühmten Sängers und Solisten des Mariinsky-Theaters Fjodor Ignatijewitsch Strawinsky geboren. Die Mutter des Komponisten, Anna Kirillovna Kholodovskaya, war eine gute Pianistin.

Ab seinem neunten Lebensjahr studierte Igor Musik, aber, wie er sich selbst erinnert, bereits „von 3 Jahre verwirklichte sich als Musiker. Während eines Sommerurlaubs auf dem Land hörte und imitierte er den Gesang von Bauernmädchen, von Kindheit an erinnerte er sich an die Eindrücke militärischer Blasmusik aus der Kaserne, die sich in der Nähe der St. Petersburger Wohnung der Strawinskys in der Nähe des Krjukow-Kanals befand. taucht auch auf.

Wie sich der Komponist in „Die Chronik meines Lebens“ erinnert, war einer der unvergesslichen Eindrücke das Jahr 1892, als er bei der Jubiläumsaufführung von „Ruslan und Ljudmila“ das Glück hatte, Pjotr Iljitsch Tschaikowski zu sehen, den Gegenstand seiner besonderen Liebe: junger Musiker Schon damals gelang es ihm, in seinen Schriften „Die Kraft der instrumentellen Figurativität“ zu würdigen. Später wurde im Haus des zukünftigen Komponisten ein Foto von Tschaikowsky mit einer Widmungssignatur an Fjodor Ignatjewitsch als Familienerbstück aufbewahrt.

Ich muss sagen, dass Igors Vater nicht wollte, dass sein Sohn eine Karriere als professioneller Musiker macht, und ihn der juristischen Fakultät der Universität St. Petersburg zuwies. Der Juraunterricht faszinierte den jungen Mann nicht, parallel dazu wurde der Musikunterricht fortgesetzt. Seit 1902 stand Strawinsky der Familie von N. A. Rimsky-Korsakov nahe, der sein Talent als Komponist erkannte, ihm jedoch riet, ein harmonisches Gehör zu entwickeln, und ihm auch erlaubte, regelmäßig Rat einzuholen. Im Laufe der nächsten fünf Jahre wurde die Kommunikation zwischen ihnen enger und ging über die musikalische Beschäftigung hinaus.

Eintritt in den Kreis der Lebenden Musikalischer Prozess, besuchte der junge Strawinsky musikalische „Umgebungen“, in denen sich die bedeutendsten Musiker versammelten, darunter V. V. Stasov. Es gab auch Uraufführungen von Werken Strawinskys selbst (der Fis-Moll-Sonate und der Vokalise „Pastorale“, die von Nikolai Andreevichs Tochter Nadezhda aufgeführt wurde). Unter der strengen Anleitung von N. A. Rimsky-Korsakov schreibt Strawinsky seine Erste Symphonie mit der Widmung „Lieber Lehrer“. Es ist erwähnenswert, dass das Studium bei Rimsky-Korsakov Strawinskys einzige Komponistenschule wurde, dank derer er den Beruf des Komponisten perfekt beherrschte.

Um 1903-1904 war er Mitglied des Kreises „Abende moderner Musik“, zunächst heimlich vor seinem Lehrer, und erst nach einer Weile fand Rimsky-Korsakow heraus, dass sein Schüler seine Schule „betrug“. „Igor Fedorovich hat den Modernismus unnötig getroffen“, sagte Nikolai Andreevich mit Bedauern. „All diese dekadenten Texte sind voller Dunkelheit und Nebel.“ „Feuerwerk“, „Fantastisches Scherzo“ (nach Maeterlinck), die Oper „Die Nachtigall“ (nach Andersens gleichnamigem Märchen) – all das ist der Einfluss von Impressionismus und Symbolik.

1905 schloss Strawinsky sein Studium an der Universität ab, ein Jahr später heiratete er seine Cousine Ekaterina Nosenko. Er gibt seine juristische Karriere auf und beschließt, sich ganz der Musik zu widmen.

An der Uraufführung von Fireworks (1908) nahm Sergei Diaghilew teil, damals ein bekannter Philanthrop und Gründer der Zeitschrift World of Art, die den Ton für die gesamte „neue“ Kunst dieser Zeit vorgab. Diesem Mann war es bestimmt, dabei eine besondere Rolle zu spielen zukünftiges Schicksal Strawinsky.

Da er das Talent des jungen Komponisten sehr schätzte, lud Diaghilev ihn ein, ein Ballett für die Aufführung im Rahmen der „Russischen Jahreszeiten“ in Paris zu komponieren. Dieses Unternehmen machte vor allem zu Beginn die europäische Öffentlichkeit mit brillanten Beispielen zeitgenössischer russischer Kunst bekannt. Es war Diaghilew zu verdanken, dass Paris die gesamten Opern Mussorgskis hörte und das russische Ballett sah. Die Idee eines russischen Märchenballetts beschäftigte Diaghilew schon lange. Choreograf M. Fokin erinnert sich: „Die fantastischste Kreation Volksmärchen und gleichzeitig eignet sich der Feuervogel am besten für eine tänzerische Verkörperung!

Einige Monate nach Beginn der Arbeiten gab ihm der Komponist A. Lyadov das ihm zugesandte Libretto des Balletts zurück, und Diaghilev entschied sich schließlich für Strawinsky. 1910 war die Partitur fertig, mit hellem Timbre und impressionistischem Geist. Diese Ballettsensation wurde nach und nach vom Choreografen M. Fokin, den zukünftigen Darstellern der Hauptrollen – T. Karsavina, V. Nizhinsky, dem Künstler A. Golovin sowie Diaghilews ständigen Beratern – A. Benois und L. Bakst – vorbereitet . Strawinsky und Fokine saßen lange Zeit am Klavier auf der Suche nach der Synchronisation zwischen Bewegung und Musik. „Ich habe Szenen für ihn nachgeahmt“, erinnert sich der Choreograf. - Auf meine Bitte hin brach er seine eigenen oder volkstümlichen Themen in kurze Sätze, entsprechend den Momenten der Szene und den Gesten. Strawinsky beobachtete mich und wiederholte mir Fragmente der Melodie des Zarewitsch vor dem Hintergrund eines geheimnisvollen Zitterns, das den Garten des bösen Kaschtschei darstellte.

Einige Jahre später machte Strawinsky aus Ballettmusik ein neues Orchesterstück, redigierte den Text neu und eliminierte alle Klangfarbenüberschüsse. In der neuen Version erfreut sich die Suite von The Firebird weltweiter Beliebtheit.

Innerhalb von drei Jahren der Zusammenarbeit mit der Diaghilev-Truppe schuf Strawinsky zwei weitere Ballette, die ihn brachten Weltruhm, darunter „Petruschka“ und „Das Frühlingsopfer“. Die erste davon sind die „lustigen Szenen“, deren Autoren Strawinsky selbst, Benois und Diaghilew (1911) waren. Nach der Premiere des Balletts in Paris spricht Debussy begeistert über die Musik von „Petruschka“ und nennt den Autor „ein Genie der Farbe und des Rhythmus“.

Das Ballett „Das Frühlingsopfer“ – „Bilder der heidnischen Rus“ nach Roerichs Libretto. Nachdem er die frisch fertiggestellte Partitur von „Frühling“ zu vier Händen gespielt hatte, erinnert sich Lalua: „Wir waren stumm, bis ins Mark getroffen, wie nach einem Hurrikan, der aus den Tiefen der Jahrhunderte kam und in unserem Leben Wurzeln schlug“ (1913).

Kurz nach der Uraufführung erkrankte Strawinsky während seines Aufenthalts in der Schweiz an Typhus und befand sich zeitweise fast im Sterben. Der Patient wurde von Debussy, M. de Falla, A. Casella und Ravel besucht. Erwähnenswert ist das einzige Treffen zwischen Strawinsky und Skrjabin. Beide Musiker zeigten in verhaltener Weise gegenseitiges Interesse. Strawinsky bat den Autor von The Poem of Ecstasy, ihm seine letzten Klaviersonaten zu schicken. Hier lernte er den Expressionismus kennen, „Mond Pierrot“ von A. Schönberg.

Die „Schweizer“ Zeit spielte im Leben und Werk Strawinskys eine besondere Rolle. Er interessierte sich für russische Nationalbilder, für russische Exotik, für Märchen und Folklore. Davon zeugt zumindest die Liste der in diesen Jahren entstandenen Werke: „Scherze“, „Märchen vom Fuchs, dem Hahn, der Katze und dem Schaf“, „Die Geschichte eines Soldaten“.

Im Juli 1914 begann Strawinsky mit der Arbeit an „Die Hochzeit“, die ursprünglich als Ballett-Divertissement geplant war. Der Komponist reiste nach Kiew in der Hoffnung, eine poetische Sammlung russischer Volkslieder von P. Kireevsky und einige andere Materialien zu finden. Nachdem er dann in Ustilug, dem Anwesen seiner Familie, Halt gemacht hatte, beabsichtigte er, noch im selben Herbst nach Kiew zurückzukehren, um Materialien zu holen. Doch das Leben durchkreuzte seine Pläne: Wenige Tage nach seiner Rückkehr in die Schweiz brach der Krieg aus. Strawinsky beschloss, weder nach Paris noch in seine Heimat zurückzukehren, sondern in der neutralen Schweiz zu bleiben. Er ließ sich in Claran nieder. Und in den nächsten sieben Jahren bereiste er fast den gesamten Teil der französischen Schweiz – Claran, Salvan, Walross.

1917 besuchte Strawinsky Rom und Neapel. Dort lernte er Pablo Picasso kennen, mit dem ihn eine enge Freundschaft entwickelte. In der Schweiz debütierte er als Dirigent eigener Musik und schloss eine enge Freundschaft mit dem Dichter C. Ramuse und dem Dirigenten Ernest Ansermet.

1919 reiste Strawinsky nach Paris. Um ihn herum bildete sich ein Kreis enger Freunde, zu denen immer engere Beziehungen entstanden, das waren junge Modernisten: „die modischsten Pariser“, Jean Cocteau, Pablo Picasso, Ravel, Benoit, Nijinsky, die Künstler Matisse, Goncharova, Larionov. Im Salon des Philanthropen E. Polignac, der Strawinsky besonders bevorzugte, kam er Manuel de Falla, Gabriel Foret und Eric Satie nahe. Auch die jungen französischen „Sechs“ (J. Auric, F. Poulenc, D. Millau und andere) sahen Strawinsky als ihre Inspiration. Später sprach Strawinsky viel mit dem Schriftsteller Andre Gide und Charlie Chaplin.

In den ersten Jahren nach seiner Rückkehr nach Frankreich war der Komponist noch eng mit Diaghilew verbunden. In Europa waren seine Ballette erfolgreich, insbesondere Petruschka. 1921 ging er auf Tournee nach Spanien, Belgien, Holland und Deutschland. Am 22. Mai 1924 gab Strawinsky sein Konzertdebüt als Pianist. Mit dem Orchester von S. Koussevitzky führte er sein Klavierkonzert auf.

1925 unternahm er erstmals eine Reise in die USA. Nachfolgende Amerika-Tourneen in den Jahren 1937 und 1939 festigten seine kreativen Beziehungen zu diesem Land zunehmend. Mitte der 1920er Jahre reichte Strawinskys Interesse an einem mechanischen Klavier, das von der französischen Firma Pleyel entworfen wurde, bis in die Mitte der 1920er Jahre zurück. Den Komponisten faszinierte die Möglichkeit, eine dokumentarische Autorenaufnahme zu schaffen, die als eine Art Standard dienen könnte. Er untersuchte insbesondere die akustischen Prinzipien von Aufnahmen und die von ihnen bestimmten Merkmale der Harmonie und Stimmführung, passte Orchesterpartituren an das Klavier an und schuf sogar eine neue Orchestrierung von Wedding, die speziell für die Verwendung mechanischer Klaviere und eines elektrischen Harmoniums konzipiert war.

Strawinsky wohnte tatsächlich im Haus des Chefs der Firma Pleyel. Und dort traf er übrigens auch V. Mayakovsky, der 1923 in Paris ankam. Die Leidenschaft für Pianolas verging ebenso schnell wie viele andere vorübergehende Leidenschaften. So liebte er beispielsweise in der Schweiz das Radfahren, in Frankreich wurde er zum leidenschaftlichen Autofahrer. Nachdem er schnell das Autofahren gelernt hatte, bereiste er mit seinem Renault Hotchkiss die gesamte Côte d'Azur.

1939 starb die Frau des Komponisten E. Nosenko in Frankreich. Zuvor hatte er seine Mutter verloren und älteste Tochter. Der Tod eines geliebten Menschen erlebte den Komponisten sehr akut, dann entstand zum ersten Mal der Wunsch, in ein anderes Land zu ziehen. Aber es gab auch andere Gründe. 1936 spielten Freunde mit Strawinsky schlechter Witz: Sie überredeten ihn, seine Kandidatur unter den „Unsterblichen“ – an der Französischen Akademie – vorzulegen Bildende Kunst. Bei den Wahlen unterlag er jedoch skandalös und war stattdessen eher durchschnittlich Französischer Komponist Florent Schmidt. Dieser Vorfall war kein Unfall. Schon vorher begannen viele Franzosen, insbesondere die französische Musikjugend, ihr einstiges Idol zu verraten: Immer mehr Stimmen wurden laut, die forderten, den fremden „Meister“ vom Podest zu stürzen.

All dies blieb nicht unbemerkt vom Wohlergehen Strawinskys, der damals bereits französischer Staatsbürger war. Gleichzeitig festigten Reisen in die USA seine Beziehungen zu amerikanischen Firmen, Orchestern und Förderern. Auf ihren Auftrag hin verfasste er eine Reihe von Kompositionen. 1939 hielt er auf Einladung der Harvard University eine Vorlesungsreihe über seine musikalische Ästhetik.

Der Ausbruch des Zweiten Weltkriegs diente als letzter und unmittelbarer Anstoß für die endgültige Entscheidung: Der Mauntbatten-Dampfer lieferte den Komponisten an die Küste seiner „dritten Heimat“. Strawinsky lebte von 1920 bis 1940 in Frankreich. In Paris fanden die Uraufführungen seiner Oper „Mavra“ (1922), „Les Noces“ (1923) – dem letzten Werk der russischen Periode, sowie des Opern-Oratoriums „Oedipus Rex“ (1927) statt, das den Anfang markierte der Epoche im Werk des Komponisten, die üblicherweise als „neoklassisch“ bezeichnet wird.

Zu Beginn der vierziger Jahre begann eine neue Periode kreative Biografie Strawinsky, den man als „Amerikaner“ bezeichnen kann. Im Dezember 1939 reist er auf Einladung an die Westküste der Vereinigten Staaten – nach San Francisco und Los Angeles. Die Städte an der kalifornischen Küste erinnerten den Komponisten an die Côte d'Azur in Frankreich. Es wurde beschlossen, sich hier in Kalifornien, in Hollywood, niederzulassen. Diese Jahre an der Küste Pazifik See Viele prominente Schriftsteller und Musiker, die den Flammen des Krieges gegen den Faschismus in Europa entkommen waren, ließen sich nieder: Thomas Mann, Lion Feuchtwanger, Arnold Schönberg und viele andere.

Strawinsky lebte im Zentrum der amerikanischen Filmindustrie und lehnte konsequent jedes Angebot ab, für Filme zu arbeiten, mit der Begründung, er sei mit dem Prinzip des Zufalls, das die Komposition von Filmmusik bestimmt, nicht zufrieden. Da er im Epizentrum des Jazz steht, geht der Komponist auch an diesem Trend nicht vorbei. Für Woody Hermans Negerorchester schreibt er 1945 „The Black Concerto“, mit typischen Jazzeffekten, virtuosen Klarinettensoli und einer „Farbpartitur“ (seine Auftritte wurden von Lichteffekten durch mehrfarbige Scheinwerfer begleitet).

Schrittweise musikalische Sprache Strawinsky wird asketischer. Dynamik wird durch Zurückhaltung ersetzt. Der Komponist wendet sich der seriellen Technik zu, und diese wird fortan bei der Organisation des musikalischen Gefüges seiner Kompositionen dominieren. Die erste Serienkomposition ist Septett (1953). Threni (Klagelied des Propheten Jeremia; 1958) wurde zu einer völlig seriellen Komposition, in der Strawinsky die Tonalität als solche völlig aufgab. Ein Werk, in dem das serielle Prinzip absolut ist, sind Movements für Klavier und Orchester (1959). Finale musikalische Komposition Serienperiode - Variationen zum Gedenken an Aldous Huxley für Orchester.

1947 lernte Strawinsky Robert Kraft kennen, einen jungen Dirigenten. Bald wurde er Strawinskys ständiger musikalischer Assistent und Mitarbeiter sowie Interpret seiner Kompositionen. Krafts regelmäßige, langjährige Kommunikation mit Strawinsky diente als Grundlage für die Veröffentlichung ihrer Dialoge.

Eine bedeutende Gruppe stellen Werke dar, die eine Hommage an die Erinnerung an verstorbene Freunde und Verwandte darstellen. Strawinskys Umfeld lichtet sich, und gegen Ende seines Lebens spürt er seine Einsamkeit immer stärker: „Heute habe ich keine Gesprächspartner mehr, die die Welt mit meinen Augen betrachten würden.“

Zu den Gedenkwerken gehören: „Funeral Canons and a Song in Memory of Dylan Thomas“ (1954), „Epitaph“ (1959), „Elegy to John F. Kennedy“ (1964), Variationen in Erinnerung an Aldous Huxley (1964), Introitus zum Gedenken an Thomas Eliot und schließlich das letzte große Werk – Requiem Canticles für Alt und Basssolo, Chor und Orchester (1966). „Chants for the Dead“ vervollständigte mein gesamtes kreatives Bild“, „Ein Requiem in meinem Alter berührt zu viel für die Lebenden“, „Ich komponiere ein Meisterwerk von mir.“ den letzten Jahren“- I. Strawinsky gibt zu.

Und doch ließ die Intensität der Kompositions- und Aufführungstätigkeit auch im Alter nicht nach, bis zum 85. Lebensjahr galt ein strenger Arbeitsplan: ein halbes Jahr – alltägliche kreative Arbeit, ein halbes Jahr – Konzertreisen. 1962 besuchte Strawinsky Moskau und Leningrad. Die Reise in seine Heimat habe ihn, so der Komponist selbst, sehr inspiriert.

Eines seiner letzten vollendeten Werke ist eine Bearbeitung für Kammerorchester zweier geistlicher Lieder von Hugo Wolf (1968), aber er hat noch Zeit, vier Präludien und Fugen aus J. S. Bachs CTC (1968-1970) zu konzipieren und mit der Orchestrierung zu beginnen.

Aber dazu Kreative Aktivitäten Der Meister bricht ab. Am 6. April 1971, zwei Monate vor seinem 89. Geburtstag, starb Igor Fedorovich Strawinsky. Er ist zusammen mit seiner Frau Vera auf dem Friedhof San Michele in Venedig (Italien) im sogenannten „russischen“ Teil begraben, unweit des Grabes von Sergei Diaghilew.

Strawinskys Weg ist reich an häufigen Modulationen: von der Jugendsymphonie, die vom Einfluss von Glasunow und Brahms geprägt ist, über den russischen Impressionismus des Feuervogels und der Nachtigall bis hin zum Neoprimitivismus des Frühlingsopfers. Das Blechbläseroktett läutete eine Hinwendung zum Neoklassizismus ein, in dem sich im Laufe von dreißig Jahren auch mehrere parallele Strömungen herausbildeten.

Und schließlich eröffnete das Septett von 1952 ein weiteres Kapitel in Strawinskys Schaffensbiografie – die Periode des Serialismus. Seine künstlerischen Sympathien reichen von Bach bis Boulez, vom russischen Hochzeitsritus bis zur französischen Moderne, von den strengen Metren antiker Verse bis zu scharfen Jazz-Rhythmen – das ist der Kreis seiner künstlerischen Sympathien. Fast jedes neue Kapitel in Strawinskys Biografie ist ein Kapitel in der Geschichte der westeuropäischen Musik im 20. Jahrhundert.

Kreativität Strawinsky ist im Wesentlichen weit von den Ereignissen der Realität entfernt. Der Komponist vergleicht das ästhetische Empfinden des Musikhörers mit dem Gefühl, das man bei der Betrachtung des „Spiels der architektonischen Formen“ empfindet. Deshalb flieht er vor der Moderne, wendet sich von ihren Helden ab und nur manchmal bricht ein mächtiger Wind der Stürme des Lebens in seine musikalische Welt ein.

In der Musik hat Strawinsky am meisten Angst vor der „Willkür“ des Interpreten – eines Pianisten, Dirigenten, Schauspielers. Die Kunst der Darstellung – die exakte Erfüllung der Absichten des Autors – das ist sein Ideal! Helden sollen „romantische“ Erlebnisse vorenthalten werden. Daher z sehr wichtig erwirbt Nicht-Personifizierung, Depersonalisierung der Hauptfiguren (die Braut in der Hochzeit, der Auserwählte im Frühlingsopfer, im Fahrrad sind die Hauptfiguren Mimikfiguren, und andere im Orchester versteckte Künstler singen für sie oder ein Ganzes Chor).

Das Phänomen Musik ist uns einzig und allein dazu gegeben, Ordnung in alles Bestehende zu bringen, vor allem auch in das Verhältnis von „Mensch und Zeit“. Die Charakterzüge des Komponisten prägten sein Werk, zum Beispiel: professionelle Qualität Genauigkeit, Pünktlichkeit, Weitsicht, chronometrische Intuition. Es ist kein Zufall, dass Strawinsky als Komponist-Chronometer, Komponist-Ingenieur bezeichnet wurde, und sein Freund J. Cocteau versicherte, dass der Arbeitsplatz dieses Komponisten „einem gut organisierten Operationstisch eines Chirurgen“ ähnele.

Strawinskys Werk ist auch heute noch äußerst aktuell. Er war es, der es schaffte, fast das gesamte 20. Jahrhundert zu überstehen, dabei verschiedene Stilmasken aufzusetzen und sich selbst treu zu bleiben. Der Komponist selbst schreibt am Ende der Chronik: „Ich lebe weder in der Vergangenheit noch in der Zukunft. Ich bin in der Gegenwart. Ich weiß nicht, was morgen passieren wird. Für mich gibt es nur die Wahrheit von heute. Ich bin berufen, dieser Wahrheit zu dienen und ihr mit vollem Bewusstsein zu dienen.

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