Johann Sebastian Bachs Werke kurz. Bach ist ewige Harmonie

Alexander MAYKAPAR

Johann Sebastian Bach

1685 - 1750

Die wichtigsten Meilensteine ​​des Lebens

IST. Bach ist ein deutscher Komponist und Klavierspieler, also ein Interpret von Tasteninstrumenten (Orgel, Cembalo, Clavichord).
Geboren 1685 in Eisenach. Der größte Vertreter das größte Musikgenre. Zu seinen Lebzeiten war er nicht so sehr als Komponist berühmt, sondern eher als Organist und Cembalist. Die äußeren Umstände seines Lebens sind deutlich weniger vielfältig als die vieler seiner Zeitgenossen, etwa Händel.

Haus in Eisenach, wo J.S. Bach

Bach verbrachte seine Kindheit in Eisenach. Der Junge, der seine Eltern früh verlor (Bach war mit zehn Jahren Waise), wurde von seinem älteren Bruder Johann Christoph, der in Ohrdruf lebte, in seine Familie aufgenommen. Im Jahr 1700 zog Bach nach Lüneburg und trat dort in das Gymnasium ein. Mittlerweile spielt er gut Orgel, Klavier, Geige und Bratsche und übt die Aufgaben eines Assistenten des Kantors aus.
Im Jahr 1702 besuchte Bach mehrmals Hamburg, um dem ehrwürdigen J. Reinken zuzuhören. Infolgedessen gibt Reinken selbst eine begeisterte Bewertung des Orgelspiels des jungen Bach ab. Im folgenden Jahr machte Bach sein Abitur am Lüneburger Gymnasium und folgte im Frühjahr einer Einladung nach Weimar. Er beteiligt sich an der Erprobung einer neuen Orgel in Arnstadt und erhält dadurch die Zulassung als Organist. In dieser Funktion reist er 1705 nach Lübeck, um den berühmten Organisten Dietrich Buxtehude spielen zu hören.
1707 zog Bach nach Mühlhausen und wurde hier Organist der Blasiuskirche. Im selben Jahr heiratet er seine Cousine, ebenfalls eine Waise, Maria Barbara. Maria Barbara gebar Bach sieben Kinder, von denen vier überlebten. Zwei älteste Söhne – Wilhelm Friedemann und Carl Philipp Emanuel – wurden später bedeutende Komponisten und gingen als Schöpfer ihrer Werke in die Musikgeschichte ein Musikrichtung.
1708 erhielt Bach die Stelle eines Hoforganisten, Kammermusikers und ab 1714 eines Hofbegleiters in Weimar. 1717–1723 wir finden ihn als Hofkapellmeister in Köthen.

Der Innenraum der Schlosskirche in Weimar, in dem J.S. Bach führte seine Kantaten auf

1721, nach dem plötzlichen Tod von Maria Barbara, heiratet Bach die Tochter eines Hofmusikanten in Weißenfeld, Anna Magdalena Wilken. Sie repräsentiert auch eine Musikerdynastie, hat eine schöne Stimme und ein gutes Gehör. Anna Magdalena half ihrem Mann und schrieb viele seiner Werke neu. Aus dieser Ehe hat Bach 13 Kinder, von denen jedoch sechs überleben. Einer von Bachs Söhnen aus dieser Ehe, Johann Christian, wurde ein berühmter Musiker. (Angesichts der großen Zahl von Bach-Komponisten in der Weltmusikkultur ist es faktisch zur Praxis geworden, alle Bachs beim Namen zu nennen; wenn man einfach nur „Bach“ nennt, verstehen wir, dass es sich um Johann Sebastian handelt.)

Innenhof der Kirche St. Thomas, wo sich die Schule befand, und I.S. Bach

Im Jahr 1723 erhielt Bach, wie gezeigt, das bedeutendste zukünftiges Leben, seine Position - Thomaskantor und Stadtkapellmeister in Leipzig. Er zieht hierher und bleibt für den Rest seines Lebens hier. Von hier aus unternahm er mehrere Reisen, unter anderem 1747 nach Potsdam, wo er vor König Friedrich II. spielte und über ein von ihm vorgegebenes Thema improvisierte. Nach seiner Rückkehr nach Leipzig entwickelte Bach dieses Thema in mehreren komplexen polyphonen Stücken, druckte sie und legte sie dem König vor. Dieses Werk trägt den Titel „Musikalisches Angebot“.
Bach starb 1750.

Grab von I.S. Bach in der Kirche St. Thomas

Genie-Skala

Bach ist einer von die größten Vertreter Weltmusikkultur. Er arbeitete in allen Musikgenres seiner Zeit, mit Ausnahme der Oper, der seine Oratorien im Wesentlichen nahe stehen. Musikalisch stellt seine Kunst den Höhepunkt des musikalischen Barock dar. hell nationaler Künstler Bach verband die Traditionen des protestantischen Gesangs mit den Traditionen der italienischen und französischen Musikschulen.
Die führende Gattung in Bachs Gesangs- und Instrumentalwerk ist die geistliche Kantate. Bach schuf fünf jährliche Kantatenzyklen, die sich in ihrer Zugehörigkeit zum Kirchenkalender, in Textquellen (Psalmen, Chorstrophen, „freie“ Poesie), in der Rolle des Chorals usw. unterscheiden. Von den weltlichen Kantaten sind die berühmtesten „Bauer“ und „Kaffee“. Die in der Kantate erarbeiteten dramatischen Prinzipien fanden ihre Verkörperung in den Messen, der Passion. Die „Hohe“ Messe in h-Moll, die „Johannespassion“ und die „Matthäuspassion“ wurden zum Höhepunkt der jahrhundertealten Geschichte dieser Gattungen. Die Orgelmusik nimmt in Bachs Instrumentalwerk einen zentralen Platz ein.
Durch die Synthese der von seinen Vorgängern (D. Buxtehude, J. Pachelbel, G. Böhm, J.A. Reinken) geerbten Erfahrungen der Orgelimprovisation, verschiedener Variations- und polyphoner Kompositionsmethoden und zeitgenössischer Prinzipien der Konzertaufführung hat Bach traditionelle Genres neu überdacht und aktualisiert Orgelmusik- Toccata, Fantasie, Passacaglia, Choralvorspiel. Als virtuoser Interpret und einer der größten Kenner von Tasteninstrumenten seiner Zeit schrieb Bach viel für das Klavier. Unter den Klavierwerken nimmt das „Wohltemperierte Klavier“ – das erste Erlebnis in der Musikgeschichte – den wichtigsten Platz ein künstlerische Anwendung entwickelt an der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert. temperiertes System. Als größter Polyphonist schuf Bach in den HTC-Fugen unübertroffene Beispiele, eine Art Schule kontrapunktischer Fähigkeiten, die in der Kunst der Fuge, an der Bach in den letzten zehn Jahren seines Lebens arbeitete, fortgesetzt und vollendet wurde. Bachs Musik für Violine, Cello, Flöte, Oboe, Instrumentalensemble, Orchester – Sonaten, Suiten, Partiten, Konzerte – markiert eine deutliche Erweiterung der Ausdruckskraft und technischen Möglichkeiten der Instrumente, offenbart eine tiefe Kenntnis der Instrumente und Universalität in ihrer Interpretation . Es entstanden sechs Brandenburgische Konzerte für verschiedene Instrumentalensembles, die die Genre- und Kompositionsprinzipien des Concerto Grosso umsetzten Meilenstein Auf dem Weg zur klassischen Symphonie.
Zu Bachs Lebzeiten wurde ein kleiner Teil seiner Werke veröffentlicht. Echte Waage Das Genie Bachs, der einen starken Einfluss auf die weitere Entwicklung der europäischen Musikkultur hatte, begann sich erst ein halbes Jahrhundert nach seinem Tod zu entfalten. Zu den ersten Kennern gehört der Begründer der Bach-Studien I.N. Forkel (der 1802 „Ein Essay über das Leben und Werk Bachs“ veröffentlichte), K.F. Zelter, dessen Arbeit zur Bewahrung und Förderung des Erbes Bachs zur Aufführung der Matthäuspassion unter der Leitung von F. Mendelssohn im Jahr 1829 führte. Diese Aufführung hatte historische Bedeutung diente als Anstoß für die Wiederbelebung von Bachs Werk im 19.–20. Jahrhundert. 1850 wurde in Leipzig die Bach-Gesellschaft gegründet. (Zu den Ergebnissen der Aktivitäten der Gesellschaft siehe unseren Artikel „Ein Denkmal der Weltmusikkultur“ – „Kunst“ Nr. 18 (354), 16.–30. September 2006, S. 3).

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Biografie

Johann Sebastian Bach – der große Deutsche Komponist XVIII Jahrhundert. Seit Bachs Tod sind mehr als zweihundertfünfzig Jahre vergangen und das Interesse an seiner Musik wächst. Zu seinen Lebzeiten erhielt der Komponist nicht die verdiente Anerkennung als Schriftsteller, war aber als Interpret und insbesondere als Improvisator bekannt.

Das Interesse an Bachs Musik erwachte fast hundert Jahre nach seinem Tod: 1829 wurde Bachs größtes Werk, die Matthäus-Passion, unter der Leitung des deutschen Komponisten Mendelssohn öffentlich aufgeführt. Zum ersten Mal – in Deutschland – wurde die vollständige Sammlung von Bachs Werken veröffentlicht. Und Musiker auf der ganzen Welt spielen Bachs Musik und staunen über ihre Schönheit und Inspiration, Meisterschaft und Perfektion. „Kein Strom! – Das Meer soll sein Name sein“, sagte über Bach großer Beethoven.

Bachs Vorfahren waren schon lange für ihre Musikalität bekannt. Es ist bekannt, dass der Ururgroßvater des Komponisten, von Beruf Bäcker, Zither spielte. Aus der Familie Bach kamen Flötisten, Trompeter, Organisten und Geiger. Am Ende wurde jeder Musiker in Deutschland Bach genannt und jeder Bach ein Musiker.

Johann Sebastian Bach wurde 1685 in der deutschen Kleinstadt Eisenach geboren. Seine ersten Violinkenntnisse erhielt er von seinem Vater, einem Geiger und Stadtmusikanten. Der Junge hatte eine ausgezeichnete Stimme (Sopran) und sang im Chor der Stadtschule. Niemand zweifelte an seinem zukünftigen Beruf: Der kleine Bach sollte Musiker werden. Neun Jahre lang blieb das Kind als Waise zurück. Sein älterer Bruder, der als Kirchenorganist in der Stadt Ohrdruf tätig war, wurde sein Lehrer. Der Bruder schickte den Jungen ins Gymnasium und unterrichtete weiterhin Musik. Aber er war ein unsensibler Musiker. Der Unterricht war eintönig und langweilig. Für einen neugierigen zehnjährigen Jungen war das unerträglich. Deshalb strebte er nach Selbstbildung. Als der Junge erfuhr, dass sein Bruder in einem verschlossenen Schrank ein Notizbuch mit Werken berühmter Komponisten aufbewahrte, holte er nachts heimlich dieses Notizbuch heraus und schrieb im Mondlicht Notizen ab. Diese mühsame Arbeit dauerte sechs Monate und beschädigte die Vision des zukünftigen Komponisten schwer. Und wie groß war die Trauer des Kindes, als sein Bruder es eines Tages dabei erwischte und die bereits transkribierten Notizen mitnahm.

Mit fünfzehn Jahren beschloss Johann Sebastian, anzufangen unabhängiges Leben und zog nach Lüneburg. 1703 schloss er das Gymnasium ab und erhielt das Recht, die Universität zu betreten. Von diesem Recht musste Bach jedoch keinen Gebrauch machen, da es für den Lebensunterhalt notwendig war.

Im Laufe seines Lebens zog Bach mehrmals von Stadt zu Stadt und wechselte dabei den Arbeitsplatz. Der Grund war fast immer derselbe: unbefriedigende Arbeitsbedingungen, eine demütigende, abhängige Stellung. Doch so ungünstig die Situation auch war, er ließ nie den Wunsch nach neuem Wissen, nach Verbesserung auf. Mit unermüdlicher Energie studierte er ständig die Musik nicht nur deutscher, sondern auch italienischer und französischer Komponisten. Bach ließ es sich nicht nehmen, ihn persönlich kennenzulernen herausragende Musiker um zu lernen, wie man sie ausführt. Als der junge Bach einmal kein Geld für eine Reise hatte, ging er zu Fuß in eine andere Stadt, um dem berühmten Organisten Buxtehude zuzuhören.

Der Komponist verteidigte auch konsequent seine Einstellung zur Kreativität, seine Ansichten zur Musik. Entgegen der Bewunderung der höfischen Gesellschaft für ausländische Musik studierte Bach mit besonderer Liebe deutsche Volkslieder und Tänze und verwendete sie in seinen Werken. Da er die Musik von Komponisten aus anderen Ländern perfekt kannte, ahmte er sie nicht blind nach. Umfangreiches und tiefes Wissen half ihm, seine kompositorischen Fähigkeiten zu verbessern und zu verfeinern.

Sebastian Bachs Talent beschränkte sich nicht nur auf diesen Bereich. Er war der beste Orgel- und Cembalospieler seiner Zeitgenossen. Und wenn Bach als Komponist zu Lebzeiten keine Anerkennung fand, so war sein Können bei Improvisationen hinter der Orgel unübertroffen. Dies musste sogar seine Rivalen zugeben.

Es heißt, Bach sei nach Dresden eingeladen worden, um an einem Wettbewerb mit dem damals berühmten französischen Organisten und Cembalisten Louis Marchand teilzunehmen. Am Vortag fand ein erstes Kennenlernen der Musiker statt, beide spielten Cembalo. Noch in derselben Nacht reiste Marchand eilig ab und erkannte damit die unbestreitbare Überlegenheit Bachs. Bei einer anderen Gelegenheit, in der Stadt Kassel, überraschte Bach seine Zuhörer mit einem Solo auf dem Orgelpedal. Dieser Erfolg verdrehte Bach nicht, er blieb immer ein sehr bescheidener und fleißiger Mensch. Auf die Frage, wie er diese Perfektion erreicht habe, antwortete der Komponist: „Ich musste hart arbeiten, wer genauso hart ist, wird das Gleiche erreichen.“

Ab 1708 ließ sich Bach in Weimar nieder. Hier fungierte er als Hofmusiker und Stadtorganist. In der Weimarer Zeit schuf der Komponist seine besten Orgelwerke. Darunter sind die berühmte Toccata und Fuge in d-Moll, die berühmte Passacaglia in c-Moll. Diese Werke sind bedeutsam und tiefgründig, grandios in ihrem Umfang.

1717 zog Bach mit seiner Familie nach Köthen. Am Hof ​​des Fürsten von Köthen, wohin er eingeladen wurde, gab es keine Orgel. Bach schrieb hauptsächlich Klavier- und Orchestermusik. Zu den Aufgaben des Komponisten gehörte es, ein kleines Orchester zu leiten, den Gesang des Prinzen zu begleiten und ihn mit dem Cembalo zu unterhalten. Mühelos seinen Pflichten nachkommen, Bach Freizeit der Kreativität geschenkt. Die damals entstandenen Klavierwerke stellen nach den Orgelkompositionen den zweiten Höhepunkt seines Schaffens dar. In Köthen entstanden zwei- und dreistimmige Inventionen (Bach nannte dreistimmige Inventionen „Sinfonias“). Der Komponist beabsichtigte, diese Stücke bei seinem ältesten Sohn Wilhelm Friedemann zu studieren. Pädagogische Ziele leiteten Bach bei der Schaffung von Suiten – „Französisch“ und „Englisch“. In Köthen vollendete Bach auch 24 Präludien und Fugen, die den ersten Band eines großen Werks namens „Das Wohltemperierte Klavier“ bildeten. Im gleichen Zeitraum entstand auch die berühmte „Chromatische Fantasie und Fuge“ in d-Moll.

In unserer Zeit sind Bachs Inventionen und Suiten zu Pflichtstücken im Programm von Musikschulen geworden, und die Präludien und Fugen des Wohltemperierten Klaviers – in Schulen und Konservatorien. Diese vom Komponisten zu pädagogischen Zwecken konzipierten Werke sind auch für einen reifen Musiker interessant. Daher sind Bachs Klavierstücke, die mit relativ einfachen Inventionen beginnen und mit der komplexesten Chromatischen Fantasie und Fuge enden, auf Konzerten und im Radio zu hören, aufgeführt von den besten Pianisten der Welt.

Von Köthen aus zog Bach 1723 nach Leipzig, wo er bis zu seinem Lebensende blieb. Hier übernahm er die Stelle des Kantors (Chorleiters) der Gesangsschule an der Thomaskirche. Bach war verpflichtet, mit Hilfe der Schule die Hauptkirchen der Stadt zu betreuen und für deren Zustand und Qualität verantwortlich zu sein Kirchenmusik. Er musste schwierige Bedingungen für sich akzeptieren. Neben den Pflichten eines Lehrers, Erziehers und Komponisten gab es auch die Anweisung: „Verlassen Sie die Stadt nicht ohne die Erlaubnis des Herrn Bürgermeister.“ Nach wie vor waren seine kreativen Möglichkeiten begrenzt. Bach musste solche Musik für die Kirche komponieren, die „nicht zu lang sein und auch ... opernhaft sein sollte, aber bei den Zuhörern Ehrfurcht erwecken würde“. Aber Bach hat, wie immer, viele Opfer gebracht und das Wichtigste nie aufgegeben: seine künstlerischen Überzeugungen. Im Laufe seines Lebens schuf er Werke, die durch ihren tiefen Inhalt und inneren Reichtum bestechen.

So war es dieses Mal. In Leipzig schuf Bach seine besten Vokal- und Instrumentalkompositionen: die meisten Kantaten (insgesamt schrieb Bach etwa 250 Kantaten), die Passion nach Johannes, die Passion nach Matthäus, die h-Moll-Messe. „Passion“ oder „Leidenschaften“ nach Johannes und Matthäus ist eine Geschichte über das Leiden und Sterben Jesu Christi in der Beschreibung der Evangelisten Johannes und Matthäus. Die Messe steht inhaltlich der Passion nahe. In der Vergangenheit waren sowohl die Messe als auch die „Passion“ in der katholischen Kirche Chorgesänge. Bei Bach gehen diese Werke weit über den Rahmen des Gottesdienstes hinaus. Die Messe und die Passion von Bach sind monumentale Werke mit Konzertcharakter. An ihrem Auftritt nehmen Solisten, Chor, Orchester und Orgel teil. Von ihrer künstlerischen Bedeutung her stellen die Kantaten, die Passion und die Messe den dritten und höchsten Höhepunkt im Schaffen des Komponisten dar.

Die kirchlichen Autoritäten waren mit Bachs Musik offensichtlich unzufrieden. Wie schon in den Vorjahren wurde sie als zu hell, bunt, menschlich empfunden. Tatsächlich antwortete Bachs Musik nicht, sondern widersprach vielmehr der strengen Kirchenatmosphäre, der Stimmung der Loslösung von allem Irdischen. Neben bedeutenden Vokal- und Instrumentalwerken schrieb Bach weiterhin Musik für das Klavier. Fast zeitgleich mit der Messe entstand das berühmte „Italienische Konzert“. Bach vollendete später den zweiten Band des Wohltemperierten Klaviers, der 24 neue Präludien und Fugen enthielt.

Zusätzlich zu den riesigen kreative Arbeit und Gottesdiensten in der Kirchenschule beteiligte sich Bach aktiv an den Aktivitäten der „Musikhochschule“ der Stadt. Es handelte sich um eine Gesellschaft von Musikliebhabern, die für die Einwohner der Stadt Konzerte weltlicher, nicht kirchlicher Musik veranstaltete. Mit großem Erfolg trat Bach als Solist und Dirigent in Konzerten des „Musical Collegium“ auf. Speziell für die Konzerte des Vereins schrieb er viele Orchester-, Klavier- und Vokalwerke weltlichen Charakter.

Aber das Hauptwerk Bachs – der Leiter der Chorschule – brachte ihm nichts als Kummer und Ärger. Die von der Kirche für die Schule bereitgestellten Mittel waren verschwindend gering und die singenden Jungen hungerten und waren schlecht gekleidet. Auch das Niveau ihrer musikalischen Fähigkeiten war gering. Sänger wurden oft unabhängig von der Meinung Bachs rekrutiert. Das Schulorchester war mehr als bescheiden: vier Trompeten und vier Violinen!

Alle von Bach an die Stadtverwaltung gerichteten Hilfegesuche für die Schule wurden ignoriert. Der Kantor war für alles verantwortlich.

Der einzige Trost war immer noch Kreativität, Familie. Die erwachsenen Söhne – Wilhelm Friedemann, Philip Emmanuel, Johann Christian – erwiesen sich als talentierte Musiker. Schon zu Lebzeiten ihres Vaters wurden sie zu berühmten Komponisten. Große Musikalität zeichnete Anna Magdalena Bach, die zweite Frau des Komponisten, aus. Sie hatte ein ausgezeichnetes Gehör und eine schöne, kräftige Sopranstimme. gut gesungen und älteste Tochter Bach. Für seine Familie komponierte Bach Vokal- und Instrumentalensembles.

Die letzten Lebensjahre des Komponisten wurden von einer schweren Augenkrankheit überschattet. Nach einer erfolglosen Operation erblindete Bach. Aber auch dann komponierte er weiter und diktierte seine Werke für die Aufnahme. Bachs Tod blieb von der Musikszene nahezu unbemerkt. Er geriet bald in Vergessenheit. Das Schicksal von Bachs Frau und jüngster Tochter war traurig. Anna Magdalena starb zehn Jahre später in einem Haus der Armenverachtung. Die jüngste Tochter Regina fristete ein Bettlerdasein. IN letzten Jahren Beethoven half ihr durch ihr schwieriges Leben. Bach starb am 28. Juli 1750.

Er ist einer dieser seltenen und wundervolle Menschen der göttliches Licht aufzeichnen konnte.

Bach ist nicht neu, nicht alt, er ist viel mehr – er ist ewig...
R. Schumann

Das Jahr 1520 markiert den Beginn des verzweigten Stammbaums der Altbürgerfamilie Bachs. In Deutschland waren die Wörter „Bach“ und „Musiker“ mehrere Jahrhunderte lang synonym. Allerdings nur in fünfte Generation „aus ihrer Mitte ... kam ein Mann, dessen herrliche Kunst ein so helles Licht ausstrahlte, dass ein Widerschein dieses Glanzes auf sie fiel.“ Es war Johann Sebastian Bach, die Schönheit und der Stolz seiner Familie und seines Vaterlandes, ein Mann, der wie kein anderer von der Kunst der Musik selbst gefördert wurde. So schrieb 1802 I. Forkel, der erste Biograph und einer der ersten wahren Kenner des Komponisten zu Beginn des neuen Jahrhunderts, denn das Zeitalter Bachs verabschiedete sich unmittelbar nach seinem Tod vom großen Kantor. Aber schon zu Lebzeiten des Auserwählten der „Kunst der Musik“ war es schwierig, den Auserwählten des Schicksals zu nennen. Äußerlich unterscheidet sich die Biographie Bachs nicht von der Biographie eines deutschen Musikers an der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert. Bach wurde in der kleinen thüringischen Stadt Eisenach geboren, die in der Nähe der legendären Wartburg liegt, wo im Mittelalter der Legende nach die Farbe des Minnesangs zusammenlief, und zwar in den Jahren 1521-22. das Wort M. Luthers erklang: Auf der Wartburg übersetzte der große Reformator die Bibel in die Sprache des Vaterlandes.

J. S. Bach war kein Wunderkind, erhielt aber von Kindheit an in einem musikalischen Umfeld eine sehr gründliche Ausbildung. Zunächst unter der Leitung seines älteren Bruders J. K. Bach und der Schulkantoren J. Arnold und E. Herda in Ohrdruf (1696–99), dann an der Schule der Michaeliskirche in Lüneburg (1700–02). Im Alter von 17 Jahren besaß er Cembalo, Violine, Bratsche und Orgel, sang im Chor und fungierte, nachdem er seine Stimme verändert hatte, als Präfekt (Kantorsassistent). Schon in jungen Jahren spürte Bach seine Berufung im Orgelbereich und studierte unermüdlich sowohl bei den mittel- als auch norddeutschen Meistern – I. Pachelbel, I. Leve, G. Boehm, J. Reinken – die Kunst der Orgelimprovisation, die das war Grundlage seiner kompositorischen Fähigkeiten. Hinzu kommt eine umfassende Kenntnis der europäischen Musik: Bach nahm an Konzerten der für seinen französischen Geschmack bekannten Hofkapelle in Celle teil, zu der er Zugang hatte Schulbibliothek eine reiche Sammlung italienischer Meister und schließlich konnte er bei seinen wiederholten Besuchen in Hamburg die dortige Oper kennenlernen.

Im Jahr 1702 trat ein ziemlich gebildeter Musiker aus den Mauern der Michaelschule hervor, doch Bach verlor nicht seine Lust am Lernen, an der „Nachahmung“ von allem, was zur Erweiterung seines beruflichen Horizonts beitragen konnte. ganzes Leben. Ein ständiges Streben nach Verbesserung prägte seinen musikalischen Werdegang, der nach damaliger Tradition mit der Kirche, der Stadt oder dem Hof ​​verbunden war. Nicht zufällig, was für die eine oder andere freie Stelle sorgte, sondern entschlossen und beharrlich stieg er auf die nächste Stufe der musikalischen Hierarchie auf, vom Organisten (Arnstadt und Mühlhausen, 1703–08) zum Konzertmeister (Weimar, 1708–17) und Kapellmeister (Keten, 1717–23). ), schließlich Kantor und Kapellmeister (Leipzig, 1723-50). Gleichzeitig wuchs und erstarkte neben Bach, einem praktizierenden Musiker, der Bach-Komponist, der in seinen schöpferischen Impulsen und Leistungen weit über die Grenzen der ihm gestellten spezifischen Aufgaben hinausging. Dem Arnstädter Organisten wird vorgeworfen, er habe „viele seltsame Variationen im Choral gemacht ... die die Gemeinde verwirrten“. Ein Beispiel hierfür stammt aus dem ersten Jahrzehnt des 18. Jahrhunderts. 33 Choräle, die kürzlich (1985) als Teil einer typischen (von Weihnachten bis Ostern) Arbeitssammlung eines lutherischen Organisten Tsakhov sowie des Komponisten und Theoretikers G. A. Sorge gefunden wurden. In noch größerem Maße könnten diese Vorwürfe auf Bachs frühe Orgelzyklen zutreffen, deren Konzept bereits in Arnstadt Gestalt annahm. Besonders nach einem Besuch im Winter 1705/06. Lübeck, wohin er auf Ruf von D. Buxtehude ging (der berühmte Komponist und Organist suchte einen Nachfolger, der neben einem Platz in der Marienkirche bereit war, seine einzige Tochter zu heiraten). Bach blieb nicht in Lübeck, doch die Kommunikation mit Buxtehude prägte sein gesamtes weiteres Schaffen maßgeblich.

1707 zog Bach nach Mühlhausen, um die Stelle des Organisten in der St. Blasius-Kirche anzutreten. Ein Bereich, der zwar etwas größere Möglichkeiten bot als in Arnstadt, aber eindeutig nicht ausreichte, um, um es mit den Worten Bachs selbst zu sagen, „… regelmäßig Kirchenmusik aufzuführen und überhaupt, wenn möglich, zur Entwicklung der Kirchenmusik beizutragen, die.“ erstarkt fast überall, wofür ... ein umfangreiches Repertoire vortrefflicher Kirchenkompositionen (Rücktritt an den Magistrat der Stadt Mühlhausen am 25. Juni 1708). Diese Vorhaben wird Bach in Weimar am Hofe des Herzogs Ernst von Sachsen-Weimar verwirklichen, wo ihn sowohl in der Schlosskirche als auch in der Kapelle vielseitige Tätigkeiten erwarten. In Weimar wurde der erste und wichtigste Entwurf im Orgelbereich gezeichnet. Genaue Daten sind nicht erhalten, aber es scheint, dass (neben vielen anderen) Meisterwerke wie die Toccata und Fuge in d-Moll, die Präludien und Fugen in c-Moll und f-Moll, die Toccata in C-Dur, die Passacaglia in c-Moll usw. entstanden sind auch das berühmte „Orgelheft“, in dem „einem Organistenanfänger Anleitung gegeben wird, wie er einen Choral auf alle möglichen Arten dirigieren kann“. Der Ruhm Bachs verbreitete sich weithin – „ bester Kenner und Ratgeber, insbesondere was die Disposition ... und den Bau der Orgel selbst betrifft, sowie der „Phönix der Improvisation“. So gehört zu den Weimarer Jahren ein gescheiterter Wettbewerb mit dem berühmten französischen Organisten und Cembalisten L. Marchand, der das von Legenden überwucherte „Schlachtfeld“ vor der Begegnung mit seinem Gegner verließ.

Mit seiner Ernennung zum Vizekapellmeister im Jahr 1714 verwirklichte sich Bachs Traum von einer „regelmäßigen Kirchenmusik“, die er laut Vertrag monatlich zu erbringen hatte. Meist im Genre einer neuen Kantate mit synthetischer Textbasis (biblische Sprüche, Chorstrophen, freie, „madrigale“ Poesie) und entsprechenden musikalischen Komponenten (Orchestereinleitung, „trockene“ und begleitete Rezitative, Arie, Choral). Der Aufbau jeder Kantate ist jedoch weit entfernt von jeglichen Stereotypen. Es genügt, solche Perlen des frühen Gesangs- und Instrumentalschaffens wie BWV (Bach-Werke-Verzeichnis (BWV) – eine thematische Liste der Werke von J.S. Bach) 11, 12, zu vergleichen. Bach vergaß das „angesammelte Repertoire“ anderer Komponisten nicht. Solche sind beispielsweise in Bachs Kopien aus der Weimarer Zeit erhalten, die höchstwahrscheinlich für die bevorstehenden Aufführungen der Lukas-Passion angefertigt wurden. unbekannter Autor (lange Zeit wurden fälschlicherweise Bach zugeschrieben) und R. Kaisers Markus-Passion, die ihm als Vorbild für eigene Werke dieser Gattung diente.

Nicht weniger aktiv ist Bach – Kammermusikus und Begleiter. Mitten im intensiven Musikleben des Weimarer Hofes konnte er die europäische Musik umfassend kennenlernen. Wie immer war diese Bekanntschaft mit Bach kreativ, wie die Orgelbearbeitungen der Konzerte von A. Vivaldi, die Klavierbearbeitungen von A. Marcello, T. Albinoni und anderen beweisen.

Die Weimarer Jahre sind auch durch die erste Auseinandersetzung mit der Gattung Soloviolinsonate und -suite gekennzeichnet. All diese Instrumentalexperimente fanden auf neuem Terrain ihre brillante Umsetzung: 1717 wurde Bach als Großherzoglicher Kapellmeister von Anhalt-Keten nach Keten berufen. Dank Fürst Leopold von Anhalt-Keten selbst, einem leidenschaftlichen Musikliebhaber und Musiker, der Cembalo und Gambe spielte und eine gute Stimme hatte, herrschte hier eine sehr günstige musikalische Atmosphäre. Die schöpferischen Interessen Bachs, zu dessen Aufgaben die Begleitung des Fürsten in Gesang und Spiel und vor allem die Leitung einer hervorragenden Kapelle bestehend aus 15-18 erfahrenen Orchestermitgliedern gehörte, verlagern sich naturgemäß in den instrumentalen Bereich. Solo, hauptsächlich Violine und Orchesterkonzerte, darunter 6 Brandenburgische Orchestersuiten, Sonaten für Violine und Cello Solo. Dies ist das unvollständige Register der Keten-„Ernte“.

Mit Keten wird eine weitere Zeile im Werk des Meisters eröffnet (oder vielmehr fortgesetzt, wenn wir das „Orgelbuch“ meinen): Kompositionen für pädagogische Zwecke, in Bachs Sprache, „zum Nutzen und Nutzen der nach Lernen strebenden musikalischen Jugend“. Das erste dieser Reihe ist Wilhelm Friedemann Bachs Notenheft (1720 für den Erstgeborenen und Liebling seines Vaters, des späteren berühmten Komponisten, begonnen). Hier finden sich neben Tanzminiaturen und Chorbearbeitungen auch Prototypen von Band 1 „“ (Präludium), zwei- und dreiteiliger „Inventionen“ (Präambeln und Fantasien). Bach selbst vollendete diese Sammlungen 1722 bzw. 1723.

In Keten entstand das „Notizbuch der Anna Magdalena Bach“ (der zweiten Frau des Komponisten), das neben Stücken verschiedener Autoren auch 5 von 6 „Französischen Suiten“ enthält. In den gleichen Jahren entstanden „Kleine Präludien und Fughetten“, „Englische Suiten“, „Chromatische Fantasie und Fuge“ und andere Klavierkompositionen. So wie sich die Zahl der Bach-Schüler von Jahr zu Jahr vervielfachte, wurde auch sein pädagogisches Repertoire erweitert, das zu einer Schule der darstellenden Künste für alle nachfolgenden Musikergenerationen werden sollte.

Die Liste der Keten-Opuse wäre ohne die Erwähnung von Vokalkompositionen unvollständig. Dabei handelt es sich um eine ganze Reihe weltlicher Kantaten, die größtenteils nicht erhalten sind und bereits mit einem neuen, geistlichen Text ein zweites Leben erhalten haben. In vielerlei Hinsicht trug die latente, nicht an der Oberfläche liegende Arbeit im Gesangsbereich (in der reformierten Kirche von Keten war „normale Musik“ nicht erforderlich) in der letzten und umfangreichsten Schaffensperiode des Meisters Früchte.

Bach betritt das neue Feld des Thomaskantors und Musikdirektors der Stadt Leipzig nicht mit leeren Händen: Die „Probe“-Kantaten BWV 22, 23 sind bereits geschrieben; Magnifikat; „Leidenschaft nach John“. Leipzig ist die letzte Station von Bachs Wanderungen. Äußerlich, insbesondere gemessen am zweiten Teil seines Titels, wurde hier die gewünschte Spitze der offiziellen Hierarchie erreicht. Gleichzeitig zeugt die „Verpflichtung“ (14 Kontrollpunkte), die er „im Zusammenhang mit seinem Amtsantritt“ unterzeichnen musste und deren Nichteinhaltung mit Konflikten mit der Kirche und der Stadtverwaltung behaftet war, von der Komplexität dieser Angelegenheit Abschnitt aus Bachs Biographie. Die ersten drei Jahre (1723–26) waren der Kirchenmusik gewidmet. Bis es zu Streitigkeiten mit den Behörden kam und der Magistrat die liturgische Musik finanzierte, wodurch professionelle Musiker in die Aufführung einbezogen werden konnten, kannte die Energie des neuen Kantors keine Grenzen. Alle Erfahrungen aus Weimar und Köthen flossen in die Leipziger Kreativität ein.

Das Ausmaß dessen, was in dieser Zeit erdacht und geschaffen wurde, ist wirklich unermesslich: Wöchentlich (!) entstehen mehr als 150 Kantaten, 2. Aufl. „Passion nach Johannes“ und nach neuen Erkenntnissen auch „Passion nach Matthäus“. Die Uraufführung dieses monumentalsten Werks Bachs fällt nicht wie bisher angenommen auf das Jahr 1729, sondern auf das Jahr 1727. Der Rückgang der Intensität der Tätigkeit des Kantors, dessen Gründe Bach in dem bekannten „Projekt zum Guten“ formulierte Die kirchenmusikalische Umgestaltung unter Hinzufügung einiger unvoreingenommener Überlegungen zu deren Untergang“ (23. August 1730, Denkschrift an den Leipziger Magistrat) wurde durch Aktivitäten anderer Art kompensiert. Bachs Kapellmeister tritt erneut in den Vordergrund, diesmal an der Spitze des studentischen Collegium musicum. Bach leitete diesen Kreis 1729–37 und dann 1739–44 (?) Mit wöchentlichen Konzerten im Zimmermann-Garten oder im Zimmermann-Kaffeehaus leistete Bach einen enormen Beitrag zum öffentlichen Musikleben der Stadt. Das Repertoire ist äußerst vielfältig: Sinfonien (Orchestersuiten), weltliche Kantaten und natürlich Konzerte – das „Brot“ aller Amateur- und Profitreffen der damaligen Zeit. Hier entstand höchstwahrscheinlich die spezifisch Leipziger Variante von Bachs Konzerten – für Klavier und Orchester, die Adaptionen seiner eigenen Konzerte für Violine, Violine und Oboe etc. sind. Darunter sind klassische Konzerte in d-Moll, f-Moll, A-Dur .

Unter tatkräftiger Mithilfe des Bach-Kreises ging auch in Leipzig das städtische Musikleben weiter, sei es „feierliche Musik am prächtigen Tag des Namenstages Augusts II., aufgeführt am Abend unter Beleuchtung im Zimmermannsgarten“, oder „ Abendmusik mit Trompeten und Pauken“ zu Ehren desselben Augustus, oder schöne „Nachtmusik mit vielen Wachsfackeln, mit den Klängen von Trompeten und Pauken“ usw. In dieser Liste von „Musik“ zu Ehren der sächsischen Kurfürsten sind u. a Einen besonderen Platz nimmt die Missa ein, die August III. gewidmet ist (Kyrie, Gloria, 1733) – Teil einer weiteren monumentalen Schöpfung Bachs – die Messe in h-Moll, die erst 1747–48 fertiggestellt wurde. Im letzten Jahrzehnt hat sich Bach vor allem auf Musik konzentriert, die frei von jeglichem Zweck ist. Dabei handelt es sich um Band II des Wohltemperierten Klaviers (1744) sowie die Partiten, das italienische Konzert, die Orgelmesse und die Arie mit verschiedenen Variationen (nach Bachs Tod Goldbergs genannt), die in der Sammlung Klavierübungen enthalten sind. Im Gegensatz zur liturgischen Musik, die Bach offenbar als Hommage an das Handwerk betrachtete, versuchte er, seine nicht angewandten Werke der breiten Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Unter seiner eigenen Herausgeberschaft wurden Clavier Exercises und eine Reihe anderer Kompositionen veröffentlicht, darunter die letzten beiden, die größten Instrumentalwerke.

Im Jahr 1737 gründete der Philosoph und Historiker, ein Schüler Bachs, L. Mitzler, in Leipzig die „Gesellschaft Musikwissenschaften“, wo Kontrapunkt oder, wie wir heute sagen würden, Polyphonie als „Erster unter Gleichen“ anerkannt wurde. IN andere Zeit H. Telemann und G. F. Händel treten der Gesellschaft bei. Im Jahr 1747 wurde der größte Polyphonist J. S. Bach Mitglied. Im selben Jahr besuchte der Komponist die königliche Residenz in Potsdam, wo er vor Friedrich II. auf einem damals neuen Instrument – ​​dem Klavier – über ein von ihm vorgegebenes Thema improvisierte. Die königliche Idee wurde dem Autor hundertfach zurückgegeben – Bach schuf ein unvergleichliches Denkmal kontrapunktischer Kunst – „Musikalisches Opfer“, einen grandiosen Zyklus aus 10 Kanons, zwei Ricercars und einer vierteiligen Triosonate für Flöte, Violine und Cembalo.

Und neben dem „Musical Offering“ reifte ein neuer „Single-Dark“-Zyklus heran, dessen Idee bereits Anfang der 40er Jahre entstand. Dies ist die „Kunst der Fuge“, die alle Arten von Kontrapunkten und Kanons enthält. „Krankheit (gegen Ende seines Lebens erblindete Bach. – T.F.) hinderte ihn daran, die vorletzte Fuge zu vollenden... und die letzte auszuarbeiten... Dieses Werk erschien erst nach dem Tod des Autors und markierte den höchsten Grad polyphoner Meisterschaft.

Der letzte Vertreter der uralten patriarchalen Tradition und zugleich ein universell ausgestatteter Künstler der neuen Zeit – so erscheint J.S. Bach in einem historischen Rückblick. Ein Komponist, der es wie kein anderer in seiner großzügigen Zeit für große Namen schaffte, das Unvereinbare zu vereinen. Ein niederländischer Kanon und ein italienisches Konzert, ein protestantischer Choral und ein französisches Divertissement, eine liturgische Monodie und eine italienische Virtuosenarie ... Kombinieren Sie sowohl horizontal als auch vertikal, sowohl in der Breite als auch in der Tiefe. Daher durchdringen sich in seiner Musik, in den Worten der Zeit, die Stile „Theatralik, Kammermusik und Kirche“, Polyphonie und Homophonie, instrumentale und vokale Ansätze so frei. Deshalb wandern einzelne Stimmen so leicht von Komposition zu Komposition, wobei sie sowohl ihr Aussehen bewahren (wie zum Beispiel in der h-Moll-Messe, die zu zwei Dritteln aus bereits erklingender Musik besteht) als auch ihr Aussehen radikal verändern: die Arie aus der Hochzeitskantate (BWV 202) wird zum Finale der Violinsonaten (BWV 1019), Sinfonie und Chor aus der Kantate (BWV 146) sind identisch mit den ersten und langsamen Sätzen Klavierkonzert In d-Moll (BWV 1052) eröffnet eine mit Chorklängen angereicherte Ouvertüre aus der Orchestersuite D-Dur (BWV 1069) die Kantate BWV110. Beispiele dieser Art bildeten eine ganze Enzyklopädie. In allem (die einzige Ausnahme ist die Oper) sprach der Meister vollständig und vollständig, als würde er die Entwicklung eines bestimmten Genres abschließen. Und es ist zutiefst symbolisch, dass das Universum von Bachs Gedankenwelt „Die Kunst der Fuge“, aufgezeichnet in Form einer Partitur, keine Anweisungen zur Aufführung enthält. Bach spricht ihn sozusagen an alle Musiker. „In diesem Werk“, schrieb F. Marpurg im Vorwort zur Veröffentlichung von „Die Kunst der Fuge“, „sind die verborgensten Schönheiten, die in dieser Kunst denkbar sind, eingeschlossen ...“ Diese Worte wurden von den engsten Zeitgenossen des Komponisten nicht gehört. Nicht nur für eine sehr limitierte Abonnementausgabe, sondern auch für die „sauber und ordentlich gravierten Tafeln“ von Bachs Meisterwerk, die Philippe Emanuel 1756 „von Hand zu Hand zu einem angemessenen Preis“ zum Verkauf ankündigte, fand sich kein Käufer Diese Arbeit dient dem Nutzen der Öffentlichkeit und erfreut sich überall großer Beliebtheit. In einer Soutane der Vergesslichkeit hing der Name des großen Kantors. Aber dieses Vergessen war nie vollständig. Bachs veröffentlichte und vor allem handgeschriebene Werke – in Autographen und zahlreichen Kopien – gelangten in die Sammlungen seiner Schüler und Kenner, die sowohl bedeutend als auch völlig unbekannt waren. Unter ihnen sind die Komponisten I. Kirnberger und der bereits erwähnte F. Marpurg; großer Kenner alte Musik Baron van Swieten, in dessen Haus sich W. A. ​​​​Mozart Bach anschloss; Komponist und Lehrer K. Nefe, der seinem Schüler L. Beethoven die Liebe zu Bach einflößte. Schon in den 70ern. 18. Jahrhundert beginnt, Material für sein Buch I. Forkel zu sammeln, der den Grundstein für den künftigen neuen Zweig der Musikwissenschaft legte – die Bach-Studien. Besonders aktiv war um die Jahrhundertwende der Direktor der Berliner Singakademie, Freund und Korrespondent von I. W. Goethe K. Zelter. Als Besitzer der reichsten Sammlung von Bach-Manuskripten vertraute er eines davon dem zwanzigjährigen F. Mendelssohn an. Es handelte sich um die Matthäuspassion, deren historische Aufführung am 11. Mai 1829 den Beginn einer neuen Bach-Ära einläutete. „Ein verschlossenes Buch, ein in der Erde vergrabener Schatz“ (B. Marx) wurde geöffnet, und ein kraftvoller Strom der „Bach-Bewegung“ erfasste die gesamte Musikwelt.

Heute verfügt man über umfangreiche Erfahrungen im Studium und in der Förderung des Werks des großen Komponisten. Die Bach-Gesellschaft besteht seit 1850 (seit 1900 die Neue Bach-Gesellschaft, die 1969 zu einer internationalen Organisation mit Sektionen in der DDR, der BRD, den USA, der Tschechoslowakei, Japan, Frankreich und anderen Ländern wurde). Auf Initiative der NBO finden außerdem Bachfeste statt Internationale Wettbewerbe Künstler zu ihnen. J. S. Bach. 1907 wurde auf Initiative der NBO das Bach-Museum in Eisenach eröffnet, das heute zahlreiche Pendants in verschiedenen Städten Deutschlands hat, darunter auch das 1985 zum 300. Geburtstag des Komponisten „Johann-Johannes“ eröffnete. Sebastian-Bach-Museum in Leipzig.

Es gibt ein breites Netzwerk von Bach-Institutionen auf der Welt. Die größten davon sind das Bach-Institut in Göttingen (Deutschland) und die Nationale Forschungs- und Gedenkstätte J. S. Bachs in Deutschland in Leipzig. Die letzten Jahrzehnte waren von einer Reihe bedeutender Errungenschaften geprägt: Die vierbändige Bach-Documente-Sammlung wurde veröffentlicht, eine neue Chronologie der Vokalkompositionen wurde erstellt sowie die Kunst der Fuge, die bisher unbekannten 14 Kanons aus dem Goldberg-Variationen und 33 Choräle für Orgel wurden veröffentlicht. Seit 1954 erfolgt eine kritische Neuausgabe durch das Institut in Göttingen und das Bach-Zentrum Leipzig. komplette Sammlung Bachs Werke. Die Veröffentlichung des analytischen und bibliographischen Verzeichnisses von Bachs Kompositionen „Bach-Kompendium“ wird in Verbindung mit fortgesetzt Harvard Universität(USA).

Der Prozess der Beherrschung von Bachs Erbe ist endlos, so wie Bach selbst endlos ist – eine unerschöpfliche Quelle (erinnern wir uns an das berühmte Wortspiel: der Bach – ein Strom) der höchsten Erfahrungen des menschlichen Geistes.

T. Frumkis

Merkmale der Kreativität

Bachs zu seinen Lebzeiten nahezu unbekanntes Werk geriet nach seinem Tod lange Zeit in Vergessenheit. Es dauerte lange, bis man das Erbe des größten Komponisten wirklich würdigen konnte.

Die Entwicklung der Kunst im 18. Jahrhundert war komplex und widersprüchlich. Der Einfluss der alten feudal-aristokratischen Ideologie war stark; Aber die Keime einer neuen Bourgeoisie, die die spirituellen Bedürfnisse der jungen, historisch fortgeschrittenen Klasse der Bourgeoisie widerspiegelte, waren bereits im Entstehen und Reifen.

Im schärfsten Kampf der Richtungen, durch die Negierung und Zerstörung alter Formen, wurde eine neue Kunst behauptet. Der kalten Erhabenheit der klassischen Tragödie mit ihren Regeln, Handlungssträngen und Bildern der aristokratischen Ästhetik stand ein bürgerlicher Roman gegenüber, ein sensibles Drama aus dem bürgerlichen Leben. Im Gegensatz zur konventionellen und dekorativen Hofoper wurden Vitalität, Einfachheit und Demokratie gefördert. komische Oper; Leichte und unprätentiöse alltägliche Genremusik wurde der „gelehrten“ Kirchenkunst der Polyphonisten gegenübergestellt.

Unter solchen Bedingungen gab die Dominanz der aus der Vergangenheit übernommenen Formen und Ausdrucksmittel in Bachs Werken Anlass, sein Werk als veraltet und umständlich zu betrachten. In der Zeit der weit verbreiteten Begeisterung für die galante Kunst mit ihren eleganten Formen und einfachen Inhalten erschien Bachs Musik zu kompliziert und unverständlich. Sogar die Söhne des Komponisten sahen im Werk ihres Vaters nichts anderes als Lernen.

Bach wurde offenkundig von Musikern bevorzugt, deren Namen in der Geschichte kaum erhalten blieben; Andererseits verfügten sie nicht „nur über Gelehrsamkeit“, sie verfügten über „Geschmack, Brillanz und zartes Gefühl“.

Auch Anhänger der orthodoxen Kirchenmusik standen Bach feindlich gegenüber. Daher wurde Bachs Werk, das seiner Zeit weit voraus war, sowohl von Anhängern der galanten Kunst als auch von denen, die vernünftigerweise in Bachs Musik einen Verstoß gegen kirchliche und historische Kanones sahen, abgelehnt.

Im Kampf der widersprüchlichen Richtungen dieser kritischen Periode der Musikgeschichte wurde nach und nach die führende Richtung identifiziert, die Wege für die Entwicklung jener neuen zeichneten sich ab, die zur Symphonie von Haydn, Mozart usw. führte Opernkunst Glück. Und nur von den Höhen, zu denen die Musikkultur erhoben wurde bedeutende Künstler Ende des 18. Jahrhunderts wurde das grandiose Erbe Johann Sebastian Bachs sichtbar.

Mozart und Beethoven waren die ersten, die seine wahre Bedeutung erkannten. Als Mozart, bereits Autor von „Die Hochzeit des Figaro und Don Giovanni“, die ihm bis dahin unbekannten Werke Bachs kennenlernte, rief er aus: „Hier gibt es viel zu lernen!“ Begeistert sagt Beethoven: „Eg ist kein Bach – er ist ein Ozean“. Laut Serov drücken diese bildlichen Worte am besten „die immense Gedankentiefe und die unerschöpfliche Formenvielfalt von Bachs Genie“ aus.

Seit dem 19. Jahrhundert beginnt eine langsame Wiederbelebung von Bachs Werk. 1802 erschien die erste Biographie des Komponisten, verfasst vom deutschen Historiker Forkel; Mit reichhaltigem und interessantem Material machte sie auf das Leben und die Persönlichkeit Bachs aufmerksam. Dank der aktiven Propaganda von Mendelssohn, Schumann und Liszt begann Bachs Musik allmählich in ein breiteres Umfeld einzudringen. Im Jahr 1850 wurde die Bach-Gesellschaft gegründet, deren Ziel es war, das gesamte Manuskriptmaterial des großen Musikers zu finden, zu sammeln und in Form einer vollständigen Werksammlung zu veröffentlichen. Seit den 30er Jahren des 19. Jahrhunderts wird Bachs Werk nach und nach in das Musikleben eingeführt, erklingt auf der Bühne und ist Teil des pädagogischen Repertoires. Doch bei der Interpretation und Bewertung von Bachs Musik gab es viele gegensätzliche Meinungen. Einige Historiker charakterisierten Bach als einen abstrakten Denker, der mit abstrakten musikalischen und mathematischen Formeln operierte, andere sahen in ihm einen vom Leben losgelösten Mystiker oder einen orthodoxen, philanthropischen Kirchenmusiker.

Besonders negativ für das Verständnis des wahren Inhalts von Bachs Musik war die Einstellung zu ihr als einem Lagerhaus polyphoner „Weisheit“. Eine praktisch ähnliche Sichtweise reduzierte Bachs Werk auf die Position eines Handbuchs für Studenten der Polyphonie. Serov schrieb darüber empört: „Es gab eine Zeit, in der die gesamte Musikwelt die Musik von Sebastian Bach als schulpedantischen Unsinn betrachtete, Schrott, der sich manchmal, wie zum Beispiel in Clavecin bien tempere, für Fingerübungen eignet.“ mit Skizzen von Moscheles und Übungen von Czerny. Seit Mendelssohns Zeiten hat sich der Geschmack wieder Bach zugewandt, noch viel mehr als zu der Zeit, als er selbst lebte – und auch heute noch gibt es „Konservatoriendirektoren“, die im Namen von Konservatismus, schämen sich nicht, ihren Schülern beizubringen, Bachs Fugen ohne Ausdruckskraft zu spielen, also als „Übungen“, als Fingerbrechübungen... Wenn es auf dem Gebiet der Musik etwas gibt, an das man sich nicht unter der Ferula herantasten darf und mit einem Zeiger in der Hand, aber mit Liebe im Herzen, mit Angst und Glauben, das sind die Schöpfungen des großen Bach.

In Russland wurde Ende des 18. Jahrhunderts eine positive Einstellung zum Werk Bachs festgestellt. Im in St. Petersburg erschienenen „Taschenbuch für Musikliebhaber“ erschien eine Rezension von Bachs Werken, in der die Vielseitigkeit seines Talents und sein außergewöhnliches Können hervorgehoben wurden.

Für die führenden russischen Musiker war Bachs Kunst die Verkörperung einer gewaltigen schöpferischen Kraft, die die menschliche Kultur bereicherte und unermesslich voranbrachte. Russische Musiker unterschiedlicher Generationen und Strömungen konnten in der komplexen Bach-Polyphonie die hohe Poesie der Gefühle und die wirkungsvolle Kraft des Denkens begreifen.

Die Tiefe der Bilder von Bachs Musik ist unermesslich. Jeder von ihnen kann eine ganze Geschichte, ein Gedicht, eine Geschichte enthalten; In jedem werden bedeutende Phänomene verwirklicht, die gleichermaßen in grandiosen musikalischen Leinwänden eingesetzt oder in einer lakonischen Miniatur konzentriert werden können.

Die Vielfalt des Lebens in seiner Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft, alles, was ein inspirierter Dichter fühlen, worüber ein Denker und Philosoph nachdenken kann, ist in der allumfassenden Kunst Bachs enthalten. Eine große kreative Bandbreite ermöglichte die gleichzeitige Arbeit an Werken verschiedener Maßstäbe, Genres und Formen. Bachs Musik verbindet auf natürliche Weise die monumentale Form der Passionen, die h-Moll-Messe, mit der mühelosen Einfachheit kleiner Präludien oder Inventionen; die Dramatik der Orgelkompositionen und Kantaten – mit besinnlichen Texten der Chorvorspiele; Kammermusik der feingeschliffenen Präludien und Fugen des Wohltemperierten Klaviers – mit virtuoser Brillanz, der Lebensenergie der Brandenburgischen Konzerte.

Die emotionale und philosophische Essenz von Bachs Musik liegt in der tiefsten Menschlichkeit, in der selbstlosen Liebe zu den Menschen. Er sympathisiert mit einem trauernden Menschen, teilt seine Freuden, sympathisiert mit dem Wunsch nach Wahrheit und Gerechtigkeit. Bach zeigt in seiner Kunst das Edelste und Schönste, was in einem Menschen verborgen ist; das Pathos der ethischen Idee ist in seinem Werk erfüllt.

Nicht im aktiven Kampf und nicht in Heldentaten stellt Bach seinen Helden dar. Durch emotionale Erfahrungen, Reflexionen, Gefühle spiegelt sich seine Einstellung zur Realität, zur Welt um ihn herum wider. Bach geht nicht wahres Leben. Es war die Wahrheit der Realität, die Nöte des deutschen Volkes, die Bilder von atemberaubender Tragödie entstehen ließen; Nicht umsonst zieht sich das Thema des Leidens durch die gesamte Musik Bachs. Aber die Trostlosigkeit der umgebenden Welt konnte das ewige Lebensgefühl, seine Freuden und großen Hoffnungen nicht zerstören oder verdrängen. Die Themen Jubel und Begeisterung sind mit den Themen Leiden verflochten und spiegeln die Realität in ihrer kontrastierenden Einheit wider.

Bach ist gleichermaßen großartig darin, einfache menschliche Gefühle auszudrücken und Tiefe zu vermitteln Volksweisheit, in großer Tragödie und in der Offenlegung des universellen Strebens nach Frieden.

Bachs Kunst zeichnet sich durch eine enge Interaktion und Verbindung aller ihrer Bereiche aus. Die Gemeinsamkeit figurativer Inhalte macht Volksepen Passionen mit Miniaturen des Wohltemperierten Klaviers, majestätische Fresken der h-Moll-Messe mit Suiten für Violine oder Cembalo.

Bach hat keinen grundsätzlichen Unterschied zwischen geistlicher und weltlicher Musik. Gemeinsam ist die Natur musikalischer Bilder, die Mittel der Verkörperung, die Methoden der Entwicklung. Es ist kein Zufall, dass Bach nicht nur einzelne Themen, große Episoden, sondern sogar ganze abgeschlossene Nummern so leicht von weltlichen Werken auf geistliche Werke übertrug, ohne weder den Kompositionsplan noch die Art der Musik zu ändern. Themen von Leid und Trauer, Philosophische Überlegungen, unprätentiöser Bauernspaß findet sich in Kantaten und Oratorien, in Orgelphantasien und Fugen, in Klavier- oder Violinsuiten.

Es ist nicht die Zugehörigkeit eines Werkes zu einer spirituellen oder weltlichen Gattung, die seine Bedeutung bestimmt. Der bleibende Wert von Bachs Schöpfungen liegt in der Erhabenheit der Ideen, im tiefen ethischen Sinn, den er in jede Komposition einbringt, sei sie weltlich oder spirituell, in der Schönheit und seltenen Perfektion der Formen.

Bachs Kreativität verdankt seine Vitalität, unvergängliche moralische Reinheit und gewaltige Kraft der Volkskunst. Bach hat die Traditionen des Volksliederschreibens und des Musizierens von vielen Generationen von Musikern geerbt, sie haben sich durch die direkte Wahrnehmung lebendiger musikalischer Bräuche in seinem Gedächtnis verankert. Abschließend noch eine eingehende Untersuchung der Volksdenkmäler Musikalische Kunst ergänzte das Wissen Bachs. Ein solches Denkmal und zugleich eine unerschöpfliche schöpferische Quelle war für ihn der protestantische Gesang.

Der protestantische Gesang hat eine lange Geschichte. Während der Reformation inspirierten und vereinten Chorgesänge wie Kriegshymnen die Massen im Kampf. Der von Luther verfasste Choral „Der Herr ist unsere Feste“ verkörperte den kämpferischen Eifer der Protestanten und wurde zur Hymne der Reformation.

Die Reformation nutzte in großem Umfang weltliche Volkslieder, Melodien, die seit langem im Alltag üblich sind. Ungeachtet ihres früheren Inhalts, oft leichtfertig und mehrdeutig, wurden ihnen religiöse Texte beigefügt und sie verwandelten sich in Chorgesänge. Die Zahl der Choräle umfasste nicht nur deutsche Volkslieder, sondern auch französische, italienische und tschechische.

Anstelle volksfremder katholischer Hymnen, die vom Chor in einer unverständlichen lateinischen Sprache gesungen werden, werden für alle Gemeindemitglieder zugängliche Chormelodien eingeführt, die von der gesamten Gemeinde in ihrer eigenen deutschen Sprache gesungen werden.

So etablierten sich weltliche Melodien und passten sich dem neuen Kult an. Damit „die ganze christliche Gemeinschaft mitsingen kann“, wird die Melodie des Chorals in der Oberstimme herausgenommen und die übrigen Stimmen werden zur Begleitung; komplexe Polyphonie wird vereinfacht und aus dem Choral verdrängt; Es entsteht ein besonderes Chorlager, in dem sich rhythmische Regelmäßigkeit, die Tendenz, alle Stimmen zu einem Akkord zu verschmelzen und die obere melodische hervorzuheben, mit der Beweglichkeit der Mittelstimmen verbinden.

Eine besondere Kombination von Polyphonie und Homophonie ist ein charakteristisches Merkmal des Chorals.

In Choräle umgewandelte Volkslieder blieben dennoch Volksmelodien, und Sammlungen protestantischer Choräle erwiesen sich als Aufbewahrungsort und Schatzkammer für Volkslieder. Bach hat aus diesen alten Sammlungen das reichhaltigste melodische Material gewonnen; er gab den Chormelodien den emotionalen Inhalt und den Geist der protestantischen Kirchenlieder der Reformation zurück, gab der Chormusik ihre frühere Bedeutung zurück, das heißt, er belebte den Chor als Ausdrucksform der Gedanken und Gefühle des Volkes wieder.

Der Choral ist bei weitem nicht die einzige Form von Bachs musikalischer Verbindung Volkskunst. Am stärksten und fruchtbarsten war der Einfluss der Genremusik in ihren verschiedenen Formen. In zahlreichen Instrumentalsuiten und anderen Stücken erschafft Bach nicht nur Bilder alltäglicher Musik; er entwickelt viele der vor allem im urbanen Leben etablierten Genres neu und schafft Möglichkeiten für deren Weiterentwicklung.

Der Volksmusik entlehnte Formen, Lied- und Tanzmelodien finden sich in jedem Werk Bachs. Ganz zu schweigen von der weltlichen Musik, die er in seinen geistlichen Kompositionen in großem Umfang und auf vielfältige Weise verwendet: in Kantaten, Oratorien, Passionen und der h-Moll-Messe.

Bachs kreatives Erbe ist nahezu immens. Sogar das, was erhalten geblieben ist, zählt viele hundert Namen. Es ist auch bekannt, dass viele Bach-Kompositionen unwiederbringlich verloren gingen. Von den dreihundert Kantaten, die Bach gehörten, verschwanden etwa hundert spurlos. Von den fünf Passionen sind die Johannes-Passion und die Matthäus-Passion erhalten.

Bach begann relativ spät zu komponieren. Die ersten uns bekannten Werke entstanden im Alter von etwa zwanzig Jahren; Es besteht kein Zweifel, dass die Erfahrung praktischer Arbeit und das selbstständig erworbene theoretische Wissen große Arbeit geleistet haben, denn bereits in den frühen Bach-Kompositionen spürt man die Sicherheit des Schreibens, den Mut des Denkens und die kreative Suche. Der Weg zum Wohlstand war nicht lang. Für Bach als Organisten kam es erstmals auf dem Gebiet der Orgelmusik, also in der Weimarer Zeit. Aber das Genie des Komponisten kam in Leipzig am vollständigsten und umfassendsten zum Vorschein.

Johann Sebastian Bach ist die größte Persönlichkeit der Weltkultur. Das Werk eines im 18. Jahrhundert lebenden Universalmusikers ist genreübergreifend: Der deutsche Komponist verband und verallgemeinerte die Traditionen des protestantischen Chorals mit den Traditionen der Musikschulen Österreichs, Italiens und Frankreichs.

Auch 200 Jahre nach dem Tod des Musikers und Komponisten ist das Interesse an seinem Werk und seiner Biografie nicht abgekühlt, und Zeitgenossen nutzen Bachs Werke im 20. Jahrhundert und finden darin Relevanz und Tiefe. Das Choralvorspiel des Komponisten erklingt in Solaris. Die Musik von Johann Bach, der besten Schöpfung der Menschheit, wurde auf der Voyager Golden Record aufgenommen, die 1977 an einem von der Erde gestarteten Raumschiff angebracht war. Laut der New York Times ist Johann Sebastian Bach der erste der zehn besten Komponisten der Welt, der Meisterwerke geschaffen hat, die über der Zeit stehen.

Kindheit und Jugend

Johann Sebastian Bach wurde am 31. März 1685 in der thüringischen Stadt Eisenach, gelegen zwischen den Hügeln des Heinig-Nationalparks und dem Thüringer Wald, geboren. Der Junge wurde das jüngste und achte Kind in der Familie des Berufsmusikers Johann Ambrosius Bach.

In der Familie Bach gibt es fünf Generationen von Musikern. Die Forscher zählten fünfzig Verwandte Johann Sebastians, die das Leben mit der Musik verbanden. Unter ihnen ist der Ururgroßvater des Komponisten Veit Bach, ein Bäcker, der überall eine Zither – eine Zupfzither – bei sich trug Musikinstrument in Form einer Kiste.

Das Familienoberhaupt, Ambrosius Bach, spielte Geige in Kirchen und organisierte weltliche Konzerte, sodass er seinem jüngsten Sohn den ersten Musikunterricht erteilte. Johann Bach sang schon früh im Chor und erfreute seinen Vater mit seinem Können und seiner Gier nach musikalischem Wissen.

Im Alter von 9 Jahren starb Johann Sebastians Mutter, Elisabeth Lemmerhirt, und ein Jahr später wurde der Junge Waise. Der jüngere Bruder wurde vom älteren, Johann Christoph, einem Kirchenorganisten und Musiklehrer im nahe gelegenen Ohrdruf, betreut. Christophe schickte Sebastian auf das Gymnasium, wo er Theologie, Latein und Geschichte unterrichtete.

Der ältere Bruder brachte dem Jüngeren das Klavier- und Orgelspiel bei, doch diese Lektionen reichten dem neugierigen Jungen nicht aus: Heimlich von Christophe holte er aus dem Schrank ein Notizbuch mit Werken berühmter Komponisten und mondhelle Nächte transkribierte Notizen. Doch sein Bruder entdeckte Sebastian bei einer illegalen Tätigkeit und nahm die Aufzeichnungen mit.

Im Alter von 15 Jahren machte sich Johann Bach selbstständig: Er bekam eine Anstellung in Lüneburg und schloss das Gesangsgymnasium mit Bravour ab, was ihm den Weg zur Universität ebnete. Doch Armut und die Notwendigkeit, den Lebensunterhalt zu verdienen, machten meinem Studium ein Ende.

In Lüneburg trieb die Neugier Bach zum Reisen: Er besuchte Hamburg, Celle und Lübeck, wo er das Werk der berühmten Musiker Reinken und Georg Boehm kennenlernte.

Musik

Im Jahr 1703 erhielt Johann Bach nach seinem Abitur am Gymnasium in Lüneburg eine Anstellung als Hofmusiker in der Kapelle des Weimarer Herzogs Johann Ernst. Bach spielte sechs Monate lang Geige und erlangte erste Popularität als Interpret. Doch bald hatte Johann Sebastian es satt, die Ohren der Meister mit dem Geigenspiel zu erfreuen – er träumte davon, neue Horizonte in der Kunst zu entwickeln und zu eröffnen. Daher erklärte er sich ohne zu zögern bereit, die vakante Stelle als Hoforganist in der Kirche St. Bonifatius in Arnstadt, 200 Kilometer von Weimar entfernt, zu übernehmen.

Johann Bach arbeitete drei Tage die Woche und erhielt ein hohes Gehalt. Die nach dem neuen System gestimmte Kirchenorgel erweiterte die Möglichkeiten des jungen Interpreten und Komponisten: In Arnstadt schrieb Bach drei Dutzend Orgelwerke, Capricci, Kantaten und Suiten. Doch die angespannten Beziehungen zu den Behörden veranlassten Johann Bach, die Stadt nach drei Jahren zu verlassen.

Der letzte Tropfen, der die Geduld der kirchlichen Autoritäten überstieg, war die lange Exkommunikation des Musikers aus Arnstadt. Die trägen Kirchenmänner, die den Musiker ohnehin wegen seiner innovativen Herangehensweise an die Aufführung geistlicher Kultwerke nicht mochten, stellten Bach für eine Reise nach Lübeck vor eine demütigende Prüfung.

In der Stadt lebte und wirkte der berühmte Organist Dietrich Buxtehude, von dessen Improvisationen auf der Orgel Bach seit seiner Kindheit träumte. Da er kein Geld für eine Kutsche hatte, ging Johann im Herbst 1705 zu Fuß nach Lübeck. Das Spiel des Meisters schockierte den Musiker: Statt des vorgesehenen Monats blieb er vier Monate in der Stadt.

Nach seiner Rückkehr nach Arnstadt und einem Streit mit seinen Vorgesetzten verließ Johann Bach seinen „vertrauten Ort“ und ging in die thüringische Stadt Mühlhausen, wo er eine Anstellung als Organist in der St. Blasius-Kirche fand.

Die städtischen Behörden und die Kirchenbehörden favorisierten talentierter Musiker, sein Verdienst war höher als in Arnstadt. Johann Bach schlug einen wirtschaftlichen Plan für die Restaurierung der alten Orgel vor, der von den Behörden genehmigt wurde, und schrieb eine festliche Kantate „Der Herr ist mein König“, die der Amtseinführung des neuen Konsuls gewidmet war.

Doch ein Jahr später „entfernte“ der Wind der Wanderschaft Johann Sebastian von seinem Ort und überführte ihn in das zuvor verlassene Weimar. Im Jahr 1708 übernahm Bach die Stelle des Hoforganisten und ließ sich in einem Haus neben dem Herzogspalast nieder.

Die „Weimarer Zeit“ der Biographie Johann Bachs erwies sich als fruchtbar: Der Komponist komponierte Dutzende Klavier- und Orchesterwerke, lernte das Werk Corellis kennen, lernte den Umgang mit dynamischen Rhythmen und harmonischen Schemata. Kommunikation mit dem Arbeitgeber – Kronherzog Johann Ernst, ein Komponist und Musiker, beeinflusste Bachs Werk. 1713 brachte der Herzog aus Italien Noten zu Musikwerken lokaler Komponisten mit, was Johann Bach neue Horizonte in der Kunst eröffnete.

In Weimar begann Johann Bach mit der Arbeit am Orgelbuch, einer Sammlung von Chorvorspielen für Orgel, komponierte die majestätische Orgel Toccata und Fuge in d-Moll, Passacaglia in c-Moll und 20 geistliche Kantaten.

Am Ende seines Dienstes in Weimar war Johann Sebastian Bach ein bekannter Cembalobauer und Organist. 1717 kam der berühmte französische Cembalist Louis Marchand nach Dresden. Der Konzertmeister Volumier, der von Bachs Talent hörte, lud den Musiker ein, mit Marchand zu konkurrieren. Doch am Tag des Wettbewerbs lief Louis aus Angst vor einem Scheitern aus der Stadt.

Der Wunsch nach Veränderung rief Bach im Herbst 1717 auf die Reise. Der Herzog ließ seinen geliebten Musiker „mit einem Ausdruck der Schande“ frei. Der Organist wurde vom musikalisch bewanderten Fürsten Anhalt-Ketensky als Kapellmeister engagiert. Doch das Bekenntnis des Fürsten zum Calvinismus erlaubte es Bach nicht, raffinierte Musik für den Gottesdienst zu komponieren, weshalb Johann Sebastian hauptsächlich weltliche Werke schrieb.

In der „Keten“-Zeit komponierte Johann Bach sechs Suiten für Cello, französische und englische Klaviersuiten, drei Sonaten für Violinsolo. In Kothen erschienen die berühmten „Brandenburgischen Konzerte“ und ein Werkzyklus mit 48 Präludien und Fugen namens „Das Wohltemperierte Klavier“. Gleichzeitig verfasste Bach zwei- und dreistimmige Inventionen, die er „Symphonien“ nannte.

Im Jahr 1723 übernahm Johann Bach eine Stelle als Kantor des Thomaschors der Leipziger Kirche. Im selben Jahr hörte das Publikum das Werk des Komponisten, „Die Passion nach Johannes“. Bald übernahm Bach die Position des „Musikdirektors“ aller Stadtkirchen. Für 6 Jahre der „Leipziger Zeit“ schrieb Johann Bach 5 Kantaten-Jahreszyklen, von denen zwei verschollen sind.

Der Stadtrat stellte dem Komponisten acht Chorsänger zur Verfügung, doch diese Zahl war äußerst gering, sodass Bach selbst bis zu 20 Musiker engagierte, was häufig zu Auseinandersetzungen mit den Behörden führte.

In den 1720er Jahren komponierte Johann Bach hauptsächlich Kantaten für die Aufführung in den Leipziger Kirchen. Um das Repertoire zu erweitern, schrieb der Komponist weltliche Werke. Im Frühjahr 1729 wurde der Musiker zum Leiter der Hochschule für Musik ernannt, einem weltlichen Ensemble, das Bachs Freund Georg Philipp Telemann gegründet hatte. Das Ensemble veranstaltete das ganze Jahr über zweimal pro Woche zweistündige Konzerte im Zimmerman Coffee House neben dem Marktplatz.

Die meisten weltlichen Werke, die der Komponist zwischen 1730 und 1750 komponierte, schrieb Johann Bach für die Aufführung in einem Kaffeehaus.

Dazu gehören die verspielte „Kaffeekantate“, die komische „Bauernkantate“, Klavierstücke und Konzerte für Cello und Cembalo. In diesen Jahren entstand die berühmte „Messe in h-Moll“, die als das beste Chorwerk aller Zeiten gilt.

Für die geistliche Darbietung schuf Bach die Hohe Messe in h-Moll und die Matthäus-Passion und erhielt vom Hof ​​als Belohnung für sein Werk den Titel eines königlich-polnischen und sächsischen Hofkomponisten.

Im Jahr 1747 besuchte Johann Bach den Hof von König Friedrich II. von Preußen. Der Edelmann bot den Komponisten an musikalisches Thema und gebeten, eine Improvisation zu schreiben. Bach, ein Meister der Improvisation, komponierte sofort eine dreistimmige Fuge. Bald ergänzte er es um einen Variationszyklus zu diesem Thema, nannte es „Musikalisches Opfer“ und schickte es als Geschenk an Friedrich II.

Einen weiteren großen Zyklus namens „Die Kunst der Fuge“ vollendete Johann Bach nicht. Die Söhne veröffentlichten den Zyklus nach dem Tod ihres Vaters.

Im letzten Jahrzehnt verblasste der Ruhm des Komponisten: Der Klassizismus blühte auf, Zeitgenossen hielten Bachs Stil für altmodisch. Aber junge Komponisten, die mit den Werken Johann Bachs aufgewachsen waren, verehrten ihn. Die Arbeit des großen Organisten wurde geliebt und.

Das wachsende Interesse an der Musik Johann Bachs und die Wiederbelebung des Ruhmes des Komponisten begannen im Jahr 1829. Im März organisierte der Pianist und Komponist Felix Mendelssohn ein Konzert in Berlin, bei dem das Werk „Matthäus-Passion“ aufgeführt wurde. Es folgte eine unerwartet laute Resonanz, die Aufführung versammelte Tausende von Zuschauern. Mendelssohn reiste mit Konzerten nach Dresden, Königsberg und Frankfurt.

Das Werk „Musikalischer Witz“ von Johann Bach gehört noch immer zu den Favoriten tausender Interpreten auf der ganzen Welt. Inbrünstige, melodische, zarte Musikklänge in verschiedenen Variationen, angepasst an das Spiel auf modernen Instrumenten.

Bachs Musik wird von westlichen und westlichen Kulturen populär gemacht Russische Musiker. Die Swingle Singers veröffentlichten ihr Debütalbum „Jazz Sebastian Bach“, das der Gruppe aus acht Sängern Weltruhm und einen Grammy Award einbrachte.

Verarbeitet wurde die Musik von Johann Bach und den Jazzmusikern Jacques Loussier und Joel Spiegelman. Der russische Künstler versuchte, dem Genie Tribut zu zollen.

Privatleben

Im Oktober 1707 heiratete Johann Sebastian Bach eine junge Cousine aus Arnstadt, Maria Barbara. Das Paar hatte sieben Kinder, von denen drei jedoch im Säuglingsalter starben. Drei Söhne – Wilhelm Friedemann, Carl Philipp Emmanuel und Johann Christian – traten in die Fußstapfen ihres Vaters und wurden berühmte Musiker und Komponisten.

Im Sommer 1720, als Johann Bach und Fürst Anhalt-Ketensky im Ausland waren, starb Maria Barbara und hinterließ vier Kinder.

Das Privatleben des Komponisten verbesserte sich ein Jahr später: Am Hofe des Herzogs lernte Bach die junge Schönheit und talentierte Sängerin Anna Magdalena Wilke kennen. Johann heiratete Anna im Dezember 1721. Sie bekamen 13 Kinder, überlebten ihren Vater jedoch um neun.

IN hohes Alter Familie war für den Komponisten der einzige Trost. Für seine Frau und seine Kinder komponierte Johann Bach Vokalensembles Er veranstaltete Kammerkonzerte, genoss die Lieder seiner Frau (Anna Bach hatte eine wunderschöne Sopranistin) und das Spiel erwachsener Söhne.

Das Schicksal der Frau und jüngsten Tochter von Johann Bach war traurig. Anna Magdalena starb zehn Jahre später in einem Haus der Armenverachtung, und die jüngste Tochter, Regina, fristete ein halb bettelndes Leben. In ihren letzten Lebensjahren half Ludwig van Beethoven der Frau.

Tod

In den letzten fünf Jahren verschlechterte sich Johann Bachs Sehvermögen rapide, doch der Komponist komponierte Musik, indem er seinem Schwiegersohn Werke diktierte.

Im Jahr 1750 kam der britische Augenarzt John Taylor nach Leipzig. Der Ruf des Arztes kann kaum als einwandfrei bezeichnet werden, aber Bach klammerte sich an Strohhalme und wagte es. Nach der Operation kehrte das Sehvermögen des Musikers nicht zurück. Taylor operierte den Komponisten zum zweiten Mal, doch eine kurzfristige Rückkehr des Sehvermögens verschlechterte sich. Am 18. Juli 1750 ereignete sich ein Schlaganfall und am 28. Juli starb der 65-jährige Johann Bach.

Der Komponist wurde in Leipzig auf dem Kirchenfriedhof beigesetzt. Das verlorene Grab und die Überreste wurden 1894 gefunden und in einem Steinsarkophag in der St.-Johannes-Kirche beigesetzt, wo der Musiker 27 Jahre lang diente. Der Tempel wurde im Zweiten Weltkrieg durch Bombenangriffe zerstört, aber die Asche von Johann Bach wurde 1949 gefunden und auf dem Altar der St.-Thomas-Kirche beigesetzt.

1907 wurde in Eisenach, dem Geburtsort des Komponisten, ein Museum eröffnet, 1985 entstand ein Museum in Leipzig.

• Als Lieblingsbeschäftigung Johann Bachs galt der Besuch von Provinzkirchen in der Kleidung eines armen Lehrers.
• Dank des Komponisten singen sowohl Männer als auch Frauen in Kirchenchören. Johann Bachs Frau wurde die erste Chorsängerin der Kirche.
• Johann Bach nahm kein Geld für Privatunterricht.
• Der Nachname Bach wird aus dem Deutschen als „Bach“ übersetzt.

• Johann Bach verbrachte einen Monat im Gefängnis, weil er ständig seinen Rücktritt forderte.
• Georg Friedrich Händel ist ein Zeitgenosse Bachs, die Komponisten trafen sich jedoch nicht. Die Schicksale der beiden Musiker sind ähnlich: Beide erblindeten infolge einer erfolglosen Operation des Scharlatans Arzt Taylor.
• Ein vollständiger Katalog der Werke Johann Bachs, veröffentlicht 200 Jahre nach seinem Tod.
• Der deutsche Adlige befahl dem Komponisten, ein Werk zu schreiben, nach dem er tief und fest einschlafen konnte. Johann Bach erfüllte den Wunsch: die berühmten Goldberg-Variationen – und nun eine gute „Schlaftablette“.

Bachs Aphorismen

• „Um gut schlafen zu können, sollten Sie an einem anderen Tag zu Bett gehen, als Sie zum Aufwachen brauchen.“
• „Tastaturen zu bedienen ist einfach: Sie müssen nur wissen, welche Tasten Sie drücken müssen.“
• „Der Zweck der Musik ist es, Herzen zu berühren.“

Diskographie

• „Ave Maria“
• „Englische Suite N3“
• „Brandenburgisches Konzert N3“
• „Italienischer Einfluss“
• „Konzert N5 f-Moll“
• „Konzert N1“
• „Konzert für Cello und Orchester d-Moll“
• „Konzert für Flöte, Cello und Harfe“
• „Sonate N2“
• „Sonate N4“
• „Sonate N1“
• „Suite N2 h-Moll“
• „Suite N2“
• „Suite für Orchester N3 D-Dur“
• „Toccata und Fuge d-Moll“

Der herausragende deutsche Komponist, Organist und Cembalist Johann Sebastian Bach wurde am 21. März 1685 in Eisenach, Thüringen, Deutschland geboren. Er gehörte einer weit verzweigten deutschen Familie an, von der die meisten seit drei Jahrhunderten Berufsmusiker in Deutschland waren. Primär musikalische Ausbildung(spielt Geige und Cembalo) Johann Sebastian erhielt unter der Leitung seines Vaters – eines Hofmusikers.

1695, nach dem Tod seines Vaters (seine Mutter starb zuvor), wurde der Junge in die Familie seines älteren Bruders Johann Christoph aufgenommen, der als Kirchenorganist an der St.-Michaelis-Kirche in Ohrdruf tätig war.

In den Jahren 1700–1703 studierte Johann Sebastian an der Kirchensängerschule in Lüneburg. Während seines Studiums besuchte er Hamburg, Celle und Lübeck, um Kreativität kennenzulernen berühmte Musiker seiner Zeit, neue französische Musik. In den gleichen Jahren schrieb er seine ersten Werke für Orgel und Klavier.

1703 wirkte Bach in Weimar als Hofgeiger, 1703–1707 als Kirchenorganist in Arnstadt, dann von 1707–1708 in der Mühlhasener Kirche. Sein Schaffensinteresse galt damals vor allem der Musik für Orgel und Klavier.

In den Jahren 1708–1717 diente Johann Sebastian Bach als Hofmusiker des Herzogs von Weimar in Weimar. In dieser Zeit schuf er zahlreiche Chorvorspiele, eine Orgel-Toccata und eine Fuge in d-Moll sowie eine Passacaglia in c-Moll. Der Komponist schrieb Musik für das Klavier, mehr als 20 geistliche Kantaten.

In den Jahren 1717–1723 diente Bach mit Leopold, Herzog von Anhalt-Köthen, in Köthen. Drei Sonaten und drei Partiten für Violine Solo, sechs Suiten für Cello Solo, englische und französische Suiten für Klavier, sechs Brandenburgische Konzerte für Orchester entstanden hier. Von besonderem Interesse ist die Sammlung „Das Wohltemperierte Klavier“ – 24 Präludien und Fugen, die in allen Tonarten geschrieben sind und in der Praxis die Vorteile eines temperierten Musiksystems beweisen, um dessen Genehmigung es heftige Debatten gab. Anschließend schuf Bach den zweiten Band des Wohltemperierten Klaviers, der ebenfalls aus 24 Präludien und Fugen in allen Tonarten besteht.

In Köthen wurde mit dem „Notenbuch der Anna Magdalena Bach“ begonnen, das neben Stücken verschiedener Autoren fünf der sechs „Französischen Suiten“ enthält. In den gleichen Jahren entstanden „Kleine Präludien und Fughetten. Englische Suiten, Chromatische Fantasie und Fuge“ und andere Klavierkompositionen. In dieser Zeit schrieb der Komponist eine Reihe weltlicher Kantaten, von denen die meisten nicht erhalten blieben und mit einem neuen, geistlichen Text ein zweites Leben erhielten.

1723 wurde seine „Passion nach Johannes“ (ein vokaldramatisches Werk nach Evangelientexten) in der Leipziger Thomaskirche aufgeführt.

Im selben Jahr erhielt Bach die Stelle des Kantors (Regent und Lehrer) an der Leipziger Thomaskirche und der dieser Kirche angeschlossenen Schule.

1736 erhielt Bach vom Dresdner Hof den Titel eines königlich-polnischen und kursächsischen Hofkomponisten.

In dieser Zeit erreichte der Komponist den Höhepunkt seiner Meisterschaft und schuf großartige Beispiele in verschiedenen Genres – geistliche Musik: Kantaten (ca. 200 sind erhalten), „Magnificat“ (1723), Messen, darunter die unsterbliche „Hohe Messe“ in h-Moll (1733). ), „Passion nach Matthäus“ (1729); Dutzende weltlicher Kantaten (darunter die Comics „Coffee“ und „Peasant“); Werke für Orgel, Orchester, Cembalo, darunter „Arie mit 30 Variationen“ („Goldberg-Variationen“, 1742). Im Jahr 1747 verfasste Bach einen Dramenzyklus „Musikalische Opfergaben“, der dem preußischen König Friedrich II. gewidmet war. Das letzte Werk des Komponisten war das Werk „Die Kunst der Fuge“ (1749-1750) – 14 Fugen und vier Kanons zu einem Thema.

Johann Sebastian Bach ist die größte Persönlichkeit der Weltmusikkultur, sein Werk ist einer der Höhepunkte des philosophischen Denkens in der Musik. Bach schuf frei die Merkmale nicht nur verschiedener Genres, sondern auch nationaler Schulen unsterbliche Meisterwerkeüber der Zeit stehen.

In den späten 1740er Jahren verschlechterte sich Bachs Gesundheitszustand, wobei ein plötzlicher Verlust des Sehvermögens besonders besorgniserregend war. Zwei erfolglose Kataraktoperationen führten zur völligen Erblindung.

Die letzten Monate seines Lebens verbrachte er in einem abgedunkelten Raum, wo er den letzten Choral „Ich stehe vor deinem Thron“ komponierte und ihn seinem Schwiegersohn, dem Organisten Altnikol, diktierte.

Am 28. Juli 1750 starb Johann Sebastian Bach in Leipzig. Er wurde auf dem Friedhof in der Nähe der St.-Johannes-Kirche beigesetzt. Aufgrund des Fehlens eines Denkmals ging sein Grab bald verloren. Im Jahr 1894 wurden die Überreste gefunden und in einem Steinsarkophag in der St.-Johannes-Kirche beigesetzt. Nach der Zerstörung der Kirche durch die Bombenangriffe im Zweiten Weltkrieg wurde seine Asche aufbewahrt und 1949 im Altar der St.-Thomas-Kirche beigesetzt.

Zu seinen Lebzeiten genoss Johann Sebastian Bach Berühmtheit, doch nach dem Tod des Komponisten gerieten sein Name und seine Musik in Vergessenheit. Das Interesse an Bachs Werk entstand erst Ende der 1820er Jahre, 1829 organisierte der Komponist Felix Mendelssohn-Bartholdy eine Aufführung der Matthäus-Passion in Berlin. Im Jahr 1850 wurde die Bach-Gesellschaft gegründet, deren Ziel es war, alle Manuskripte des Komponisten zu identifizieren und zu veröffentlichen – in einem halben Jahrhundert wurden 46 Bände veröffentlicht.

Auf Vermittlung von Mendelssohn-Bartholdy wurde 1842 in Leipzig vor dem Gebäude der Alten Schule an der Thomaskirche das erste Bach-Denkmal errichtet.

1907 wurde das Bach-Museum in Eisenach eröffnet, wo der Komponist geboren wurde, 1985 in Leipzig, wo er starb.

Johann Sebastian Bach war zweimal verheiratet. 1707 heiratete er seine Cousine Maria Barbara Bach. Nach ihrem Tod im Jahr 1720 heiratete die Komponistin 1721 Anna Magdalena Wilcken. Bach hatte 20 Kinder, von denen jedoch nur neun ihren Vater überlebten. Vier Söhne wurden Komponisten – Wilhelm Friedemann Bach (1710–1784), Carl Philipp Emmanuel Bach (1714–1788), Johann Christian Bach (1735–1782), Johann Christoph Bach (1732–1795).

Das Material wurde auf der Grundlage von Informationen von RIA Novosti und offenen Quellen erstellt