Russische Avantgarde in der Literatur des 20. Jahrhunderts. Russische Avantgarde in der Malerei - Künstler, Trends, Charakteristika
Avantgarde (Konstruktivismus) in der Architektur von Leningrad - ein Trend in der russischen (sowjetischen) Architektur in der zweiten Hälfte der 1920er und frühen 1930er Jahre (einige Objekte wurden vor dem Ende der 1930er Jahre eingeführt). Russische Revolution, Aufbau einer neuen ... ... Wikipedia
Avantgarde- a, m. Avantgarde f. 1. Militär Ein Teil der Truppen befindet sich vor den Hauptstreitkräften. Es ist notwendig zu schauen, dass zunächst ein starkes Korps ... im Voraus alle Straßen und Pässe untersucht wurden ... welches Korps Avantgarde genannt wird. UV 1716 188. Feindliche Vorhut. JCF… … Historisches Wörterbuch der Gallizismen der russischen Sprache
Avantgarde (Kino)- Dieser Begriff hat andere Bedeutungen, siehe Vanguard. Plakat für Dziga Vertovs Film "Ein Mann mit einer Filmkamera" Av ... Wikipedia
Avantgarde (im Film)
Avantgarde (Filmregie)- DVD-Cover "Avantgarde: Experimentelles Kino der 1920er der 30er Jahre" Avantgarde (fr. Avantgarde, aus fr. Avant vor und fr. Garde, Garde) ist eine Richtung in der Entwicklung des Kinos, die als entstanden ist ein Gegengewicht zum kommerziellen Kino. Filmavantgarde ... ... Wikipedia
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Vorhut- (Französische Avantgarde, wörtlich: Avantgarde voraus; Wachgarde): Wiktionary hat einen Eintrag für "Avantgarde" ... Wikipedia
Avantgarde (Fußballverein)- Avantgarde (fr. Avantgarde, wörtlich: Avantgarde voraus; Gardewächter): Avantgarde (militärische Angelegenheiten) militärischer Begriff Avantgarde (Kunst) Begriff in der Kunst Avantgarde (Kino) Richtung in der Entwicklung des Kinos Avantgarde Metal Substyle Avantgarde ... Wikipedia
Kunst- Vincent van Gogh. Sternennacht, 1889 ... Wikipedia
VORHUT- VANGUARD (Französische Avantgarde-Vorwärtsabteilung) eine Kategorie, die in der modernen Ästhetik und Kunstgeschichte die Gesamtheit verschiedener innovativer Bewegungen und Trends in der Kunst des 1. Stockwerks bedeutet. 20. Jahrhundert In Russland benutzte er es zuerst (negativ ... ... Philosophische Enzyklopädie
Bücher
- Die Kunst des Buches in Russland in den 1910er bis 1930er Jahren. Meister der Linken. Materialien für den Katalog, S. V. Khachaturov. Den Lesern wird der erste Versuch eines systematischen Katalogs von Publikationen angeboten, die von Künstlern der sogenannten „Avantgarde“ (oder „linken“) Bewegungen der 1910er bis 1930er Jahre entworfen wurden. Gesammelte Materialien… Kaufen für 1078 UAH (nur Ukraine)
- Die Kunst des Buches in Russland 1910-1930, S. V. Khachaturov. Der Aufmerksamkeit der Leser wird der erste Versuch eines systematischen Katalogs von Veröffentlichungen angeboten, die von Künstlern der sogenannten "Avantgarde" (oder "linken") Bewegungen der 1910-1930er Jahre entworfen wurden. Gesammelt…
Avantgarde - (fr. Avantgarde - "Avantgarde") - eine Reihe verschiedener innovativer Bewegungen und Richtungen in künstlerische Kultur Moderne des ersten Drittels des 20. Jahrhunderts: Futurismus, Dadaismus, Surrealismus, Kubismus, Suprematismus, Fauvismus usw. Die Avantgarde ist eine extreme Manifestation der Moderne insgesamt. Avantgarde ist eine dynamische, experimentelle Kunst. Der Beginn der Avantgarde ist 1905-1906, und die Leute sprechen bereits in den 20er Jahren über seinen Tod.
Die soziale Basis der Avantgarde ist Protest, Feindschaft mit der modernen Zivilisation. Die avantgardistischen Arbeiten basieren auf dem Spiel mit der klassischen Kultur, verbunden mit der Idee der Zerstörung. Ein charakteristisches Merkmal der Avantgarde ist eine innovative künstlerische Praxis, sowohl im Bereich der künstlerischen Form als auch im Bereich der Pragmatik (die Interaktion des Textes mit dem Leser, die Einbeziehung des Wahrnehmenden in die Struktur des Artefakts ).
Vanguard konzentriert sich im Gegensatz zur klassischen Moderne bewusst auf das Publikum, beeinflusst es aktiv. In der Avantgarde gibt es keinen Evolutionsbegriff, er entwickelt sich nicht – das ist ein scharfer Protest gegen alles, was der Avantgarde konservativ erscheint. Wie der russische Philosoph V. F. Petrov-Stromsky feststellte, „war diese Kunst in ihren zerstörerischen Tendenzen eine Vorahnung und ein Vorbote der humanitären Katastrophe von 1914, die all das leere Gerede der Nietzsche-Gorki-Behauptung entlarvte, dass „der Mensch stolz klingt“.
Das Entstehungsjahr ist 1907, als der junge Pablo Picasso (1881-1973) sein programmatisch kubistisches Gemälde Die Jungfrauen von Avignon malte. Der Kubismus entstand als logische Fortsetzung der analytischen Suche in der Kunst der Postimpressionisten, beispielsweise Paul Cezanne, der sich 1907 mit dem berühmten Aufruf an Künstler wandte: „Interpretiere die Natur durch einen Zylinder, eine Kugel, einen Kegel“.
Es gibt drei Phasen in der Geschichte des Kubismus:
1. Cezanne (1907-1909), als die Kubisten versuchten, die einfachsten räumlichen Strukturen der Phänomene der Welt zu finden, stellten sie die Realität nicht dar, sondern schufen eine "andere Realität", die nicht das Aussehen des Objekts, sondern dessen vermittelte Design, Architektur, Struktur, Essenz.
2. Die analytische Phase des Kubismus (1910-1912) bestand in der Anwendung bestimmter geometrischer Techniken und der Kombination verschiedener Punkte oder Blickwinkel auf ein Objekt. In einem kubistischen Werk werden bewusst alle subjektiv-räumlichen Beziehungen der sichtbaren Welt verletzt. Dichte und schwere Gegenstände können hier schwerelos werden und leichte Gegenstände können schwer werden. Wände, Tischoberflächen, Bücher, Geigenelemente, Gitarren schweben in einem besonderen optisch surrealen Raum.
3. In der letzten, synthetischen Phase des Kubismus (1913-1914) bringen die Kubisten nichtbildliche Elemente in ihre Leinwände ein – Aufkleber aus Zeitungen, Theaterprogramme, Plakate, Streichholzschachteln, Kleiderfetzen, Tapetenfetzen, mischen Sand mit Farben Um die taktile Textur zu verbessern, Kies und andere kleine Gegenstände.
N. Berdyaev sah im Kubismus den Schrecken des Verfalls, des Todes, des "kosmischen Winterwinds", der alte Kunst und Sein wegfegte.
Vertreter des Kubismus: P. Picasso, J. Braque, H. Gris.
Fauvismus - (fr. Les faues - "wilde Tiere; Experimente mit offener Farbe") Farbe wurde zum wichtigsten Mittel des emotionalen Selbstausdrucks und zeigte Sympathie für die Objekte der umgebenden Welt. Die Fauvisten sorgten sich um die Übertragung bunter, ausdrucksstarker Manifestationen von Gegenständen, die Magie von Farbeffekten auf Innere Person. 1905 erschien das Gemälde „The Joy of Life“ von Henri Matisse (1869-1954) auf einer Ausstellung in Paris, in der die Tendenz zur abstrakten Schönheit deutlich erkannt wurde.
Vertreter des Fauvismus: J. Rouault, R. Dufy, A. Matisse, M. Vlaminka, A. Marquet, A. Derain.
Futurismus und Kubofuturismus.
Futurismus - (lat. Futurum - "Zukunft") - einer der unverschämtesten Trends in der Avantgarde-Kunst, am vollständigsten verwirklicht in der bildenden und mündlichen Kunst Italiens und Russlands. Der Beginn des Futurismus – die Veröffentlichung des „Manifests des Futurismus“ des italienischen Dichters F.T. Marinetti (1876-1944). Im Zentrum der Ästhetik des Futurismus steht die Bewunderung für die moderne Zivilisation: Berauscht von den neuesten technologischen Fortschritten idealisierten die Futuristen die Urbanisierung, die Entwicklung der Industrie und materielle Werte. Der Futurismus lehnte die klassische Hochkunst und ihre "mystischen Ideale" ab.
Der russische Futurismus entstand unabhängig vom italienischen und war bedeutender. Die Grundlage des russischen Futurismus ist das Gefühl des Zusammenbruchs, der Krise alles Alten. Dem Futurismus am nächsten stand die Vereinigung der Kubo-Futuristen "Gilea", zu der A. Kruchenykh, V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, die Brüder V. und D. Burliuks, V. Kamensky und andere gehörten, die sich "Futuristen" nannten. "budetlenami" .
Besonders hervorzuheben sind russische Kubo-Futuristen-Künstler, die kreativ mit Dichtern interagieren: N. Goncharova, M. Larionov, M. Matyushin, K. Malevich.
Abstraktionismus.
Abstraktionismus ist ein allgemeiner Trend in einer Reihe von Avantgarde-Bereichen der 1910er bis 1920er Jahre. in der Malerei zu bildhaft-plastischen Kompositionen, Farbkombinationen, die jeder verbalisierten Bedeutung entbehren. Im Abstraktionismus haben sich zwei Strömungen entwickelt: die psychologische und die geometrische.
Begründer des psychologischen Abstraktionismus war Wassily Kandinsky (1866-1944), der in den Gemälden „Berg“, „Moskau“ und anderen den eigenständigen Ausdruckswert der Farbe betonte. Musikalische Assoziationen von Farbkombinationen sind wichtig, mit deren Hilfe abstrakte Kunst versuchte, die tiefen "Wahrheiten des Seins", die Bewegung "kosmischer Kräfte" sowie die Lyrik und Dramatik menschlicher Erfahrungen auszudrücken.
Geometrischer (logischer, intellektueller) Abstraktionismus ist nicht-figurativer Kubismus. Künstler schufen eine neue Art von künstlerischem Raum, indem sie verschiedene geometrische Formen, farbige Flächen, gerade und unterbrochene Linien kombinierten. Zum Beispiel in Russland - Rayonismus von M. Larionov (1881-1964), der als eine Art Brechung der ersten Entdeckungen auf dem Gebiet der Kernphysik entstand; "Objektlosigkeit" von O. Rozanova, L. Popova, V. Tatlin; Suprematismus von K. Malewitsch.
Suprematismus.
Kasimir Malewitsch (1878,1879-1935) entdeckte 1913 mit dem Gemälde „Schwarzes Quadrat“ den Suprematismus. "Was ich dargestellt habe, war kein "leeres Quadrat, sondern eine Wahrnehmung von Voreingenommenheit"" (K. Malevich).
Später formulierte der Künstler in dem Aufsatz „Suprematismus oder die Welt des Nicht-Schauens“ (1920) seine ästhetischen Prinzipien: Kunst ist beständig, reine plastische Sensibilität, universelle (suprematistische) Bildformeln und -kompositionen – ideale Konstruktionen aus geometrisch korrekten Elementen . Die Handlung, Zeichnung, räumliche Perspektive fehlen im Suprematismus, Hauptsache die geometrische Form und offene Farbe. Pflege in abstrakten Formen. 3 Perioden des Suprematismus: Schwarz, Farbe und Weiß. Weiß: Als der Künstler begann, weiße Formen auf weißem Hintergrund zu schreiben.
Konstruktivismus.
Der Konstruktivismus ist eine der Hauptrichtungen der Avantgarde, die die Kategorie des Bauens ins Zentrum ihrer Ästhetik stellte. Der Konstruktivismus erschien zu Beginn der wissenschaftlichen und technologischen Revolution und idealisierte die Ideen des Technismus; Er stellte Maschinen und ihre Produkte über das Individuum, rief zum Kampf gegen die Kunst auf. Design - die zweckmäßige Organisation von Elementen künstlerische Struktur, die einen bestimmten Gebrauchs- oder Funktionswert hat. Der Vorfahr des Konstruktivismus in Russland ist Wladimir Tatlin (1885-1953), der eine Reihe sogenannter Eckreliefs geschaffen hat: plastische Bilder aus dem Bild in den realen Ausstellungsraum zu bringen, indem reale Materialien verwendet werden: Blech, Holz, Papier, bemalt die passenden Farben. Sein berühmtes Projekt „Denkmal für die Dritte Kommunistische Internationale“, das die Idee der gesellschaftspolitischen Rolle der Dritten Internationale verkörperte. Der russische Konstruktivismus stand im Dienste der revolutionären Ideologie der Bolschewiki.
Die erste offizielle Bestätigung des Konstruktivismus in Europa fand 1922 in Düsseldorf statt, als die Gründung der „International Constructivist Faction“ bekannt gegeben wurde. Das Ziel künstlerischen Schaffens ist nach konstruktivistischer Ästhetik die „Lebensgestaltung“, die Herstellung zweckdienlicher „Dinge“. Dies trug zur Entwicklung des Designs bei. Der Theoretiker und Praktiker des Funktionalismus (Konstruktivismus) Le Corbusier (1887-1965) wollte die Stadt in einen sonnenverwöhnten Freiluftpark verwandeln. Er schuf ein Modell einer "strahlenden Stadt", die nicht in Stadtteile hierarchisch unterschiedlicher Ebenen unterteilt ist. Corbusier setzte in der Architektur die Ideen des Rationalismus, der Demokratie und der Gleichheit durch.
Einen besonderen Platz in der Geschichte des Konstruktivismus nahm das "Bauhaus" (Bauhaus - "Zunft der Baumeister") ein - eine vom Architekten W. Gropius 1919 in Deutschland organisierte Kunst- und Industrieschule, die in Weimar, Dessau, Berlin bis zur Schließung durch die Nationalsozialisten 1933 Zweck dieser Schule war die Ausbildung von Gestaltern auf der Grundlage der Verbindung neuester Errungenschaften aus Kunst, Wissenschaft und Technik.
Der Dadaismus ist eine Avantgarde-Bewegung in Kunst und Literatur. Westeuropa. In der Schweiz gegründet und von 1916 bis 1922 entwickelt. Gründer der Richtung ist der rumänische Dichter Tristan Tzara (1896-1963). Die Ursprünge von Dada gehen auf das 1916 eröffnete Café „Voltaire“ in Zürich zurück, wo die Dadaisten (H.Ball, R.Hülzenbeck, G.Arp) Theater- und Musikabende veranstalteten.
Französisch "dada" - ein hölzernes Kinderpferd (Tzara öffnete zufällig das "Wörterbuch" von Larousse),
- "dada" - inkohärent, Babysprache,
Dada ist Leere. Im Grunde bedeutet dieses Wort nichts. In der Abwesenheit von Bedeutung gibt es Bedeutung.
Einer der Begründer des Dadaismus, der deutsche Dichter und Musiker Hugo Ball (1886-1927), glaubte, dass er für die Deutschen „ein Indikator für idiotische Naivität“ und allerlei „Kindheit“ sei: „Was wir Dada nennen, ist aus Dummheit gewonnen die Leere, in die wir gehüllt sind, beunruhigt immer mehr; die Geste des Gladiators, das Spiel altersschwacher Überreste ... die öffentliche Aufführung einer falschen Moral."
Die Prinzipien des Dadaismus waren: Bruch mit den Traditionen der Weltkultur, Flucht vor Kultur und Realität, die Vorstellung von der Welt als Chaos und Wahnsinn, in die ein wehrloser Mensch geworfen wird, Pessimismus, Unglaube, Verleugnung von Werten, ein Gefühl des allgemeinen Verlusts und der Sinnlosigkeit des Seins, der Zerstörung von Idealen und dem Sinn des Lebens. Die Realität im Werk der Dadaisten wurde ad absurdum geführt. Sie bekämpften die Gesellschaft mit Hilfe einer Sprachrevolution: Indem sie die Sprache zerstörten, zerstörten sie die Gesellschaft. Dadaisten sind vor allem für ihre Parolen und ihr schockierendes Verhalten bekannt, erst dann für ihre künstlerischen Texte. Die Werke der Dadaisten sind auf Schock angelegt und stellen eine irrational-anarchische Kombination von Wörtern und Klängen dar, die auf den ersten Blick bedeutungslos erscheinen. Ironie, Erotik, schwarzer Humor, eine Beimischung des Unbewussten sind die Bestandteile der Artefakte des Dadaismus.
Fertigprodukte.
Ready-mades – (engl. Ready-made – „ready“) – Werke – Gebrauchsgegenstände, die aus der Umgebung ihrer normalen Funktion herausgelöst und auf einer Kunstausstellung als Kunstwerke ohne jegliche Veränderungen ausgestellt werden. Gründer Marcel Duchamp (1887-1968), der 1913 die ersten Readymades in New York ausstellte: Bicycle Wheel (1913) montiert auf einem weißen Hocker, Bottle Dryer (1914) gelegentlich bei einem Trödelhändler gekauft, "Fountain" (1917) - ein Urinal, direkt vom Laden zur Ausstellung geliefert.
Duchamp glaubte, dass keine Bildkopie das Sujet besser darstellen könne als er selbst mit seinem Auftreten. Es ist einfacher, das Objekt selbst im Original freizulegen, als sich um eine Abbildung zu bemühen. Die Einführung eines Objekts in den Raum einer Kunstausstellung legitimierte seinen Status als Kunstwerk, wenn diese „Einführung“ von einem anerkannten Künstler durchgeführt wurde.
Surrealismus.
Der Surrealismus (fr. Surrealismus - "Superrealismus") erschien in den 1920er Jahren. in Frankreich als eine Richtung, die auf dem künstlerischen und ästhetischen Boden der Ideen des Freudianismus, des Intuitionismus, der künstlerischen Entdeckungen des Dadaismus und der metaphysischen Malerei entstand.
Die Ästhetik des Surrealismus ist in 2 "Manifestos of Surrealism" von Andre Breton (1896-1966) dargelegt. Surrealisten forderten die Befreiung des menschlichen Geistes von den "Fesseln" des Szientismus, der Logik, der Vernunft und der traditionellen Ästhetik. 2 Hauptprinzipien des Surrealismus: automatisches Schreiben und Traumaufzeichnung. Verschlimmerung von Methoden der Unlogik, Paradoxizität, Überraschung. Eine surreale (superreale) künstlerische Atmosphäre, die den Betrachter auf andere Bewusstseinsebenen entführt. Für den Surrealismus sind Mensch und Welt, Raum und Zeit fließend und relativ. Das Chaos der Welt verursacht Chaos künstlerisches Denken- das ist das Prinzip der Ästhetik des Surrealismus. Der Surrealismus bringt eine Person auf ein Date mit einem mysteriösen und unerkennbaren, dramatisch angespannten Universum. Ein einsamer Mann steht vor einer mysteriösen Welt.
Surrealismus in der Malerei: J. Miro, I. Tanguy, G. Arp, S. Dali, M. Ernst, A. Masson, P. Delvaux, F. Picabia, S. Matta.
Weit ist der Kosmos der Gemälde des spanischen Malers, Bildhauers und Grafikers Salvador Dali (1904-1989), der erklärte: „Der Surrealismus bin ich.“ (Werke "Die Beständigkeit der Erinnerung", "Gala" usw.). Seine Leinwände sind wie ein großartiges "Begräbnis Gottes", ein Sterbender in der Brust und kalte Tränen für diesen Verlust. Die verschobene und verzerrte unkenntliche Welt auf seinen Leinwänden erstarrt oder verkrampft sich. Das Ziel ist zu zeigen, dass alles auf der Welt ineinander umwandelbar ist. Eine unglückliche Ironie.
Der Surrealismus im Kino wird durch die Arbeit des Regisseurs Luis Buñuel (1900-1983) repräsentiert.
Kino ähnelt Träumen und ist mit Mysterien verbunden. Buñuels Film "Der andalusische Hund" ist berühmt für die Szene des Schneidens des Auges - dies ist die Szene einer surrealen Geste (Akt), seine Filme "Schönheit des Tages", "Frau ohne Liebe" sind bemerkenswert.
Der Begriff „Pop-Art“ (engl. Popular Art – „volkstümliche, öffentliche Kunst“) wurde 1965 von dem Kritiker L. Allway eingeführt. abstrakte Kunst. Pop-Art-Theoretiker argumentieren, dass jedes Objekt in einem bestimmten Kontext seine ursprüngliche Bedeutung verliert und zu einem Kunstwerk wird. Die Aufgabe des Künstlers besteht darin, einem gewöhnlichen Objekt künstlerische Qualitäten zu verleihen, indem er einen bestimmten Kontext für seine Wahrnehmung organisiert. Poetik von Etiketten und Werbung. Pop Art ist eine Komposition aus Alltagsgegenständen, manchmal kombiniert mit einem Modell oder einer Skulptur.
Vertreter: R. Hamilton, E. Paolozzi, L. Allway, R. Banham, P. Blake, R.B. China, D. Hockney, P. Phillips. In Amerika: Robert Rauschenberg (1925-2008), Jesper Johns (geb. 1930), Andy Warhol, R. Lichtenstein, K. Oldenburg, D. Dyne und andere.
Andy Warhol verwendete Schablonen für die Massenproduktion seiner Arbeiten in The Factory. Sein berühmtes Diptychon „Merlin“, das er persönlich kannte. Die Idee der schwindenden, verblassenden "Fotokopie" -Farbe: Wenn Sie eine Berühmtheit werden, werden Sie wiederholbar, verletzlich und hören allmählich auf zu existieren, gelöscht in der Dunkelheit des Todes. Jasper Johns malte die amerikanische Flagge: Er schnitt Zeitungspapier in Stücke und bedeckte es mit Farbe und Wachs.
Minimalismus.
Der Minimalismus ist eine Reaktion auf die bunte Welt der Pop-Art, einer Kunstrichtung, die die Prinzipien der Grenzökonomie der „grafischen und expressiven Mittel“ proklamierte, die technische Details und Gestaltungen in ihrer minimalen Menge und mit minimalem Eingriff des Künstlers in die Organisation des erstellten Objekts. Häufiger handelte es sich um Metallskulpturen, die in dezenten Farben bemalt waren.
Vertreter: S. LeWitt, D. Flavin, K. Andre, R. Morris, D. Judd, F. Stellar.
Land Kunst.
Land-Art (engl. Land-art – „Natur-Art“) ist eine künstlerische Praxis, bei der die Tätigkeit des Künstlers in die Natur getragen wird und das Material für Kunstobjekte entweder rein ist natürliche Materialien oder ihre Kombinationen mit einer minimalen Anzahl künstlicher Elemente. In den 1960er-1980er Jahren. Die Künstler V. de Maria, M. Heitzer, D. Oppenheim, R. Smithson, Christo und andere führten große Projekte an unzugänglichen Orten der Naturlandschaft und in Wüsten durch. Auf den Bergen, am Grund ausgetrockneter Seen, gruben Künstler riesige Gruben und Gräben. verschiedene Formen, baute bizarre Haufen aus Gesteinsbrocken, legte Steinspiralen in Meeresbuchten, malte riesige Zeichnungen auf Wiesen mit Hilfe von Kalk usw. Landaristen protestierten mit ihren Projekten gegen die moderne urbane Zivilisation, die Ästhetik von Metall und Kunststoff.
Konzeptualismus.
Der Konzeptualismus (engl. Concept – „Konzept, Idee, Konzept“) wurde 1968 von den amerikanischen Künstlern T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, J. Kossuth, L. Weiner begründet. Joseph Kossuth (geb. 1945) im Programmbeitrag „Kunst nach der Philosophie“ (1969) als Konzeptkunst bezeichnet kulturelles Phänomen die traditionelle Kunst und Philosophie ersetzten. Das Konzept ist die Idee hinter der Arbeit. Die Arbeit muss ein dokumentiertes Projekt, eine dokumentarische Fixierung des Konzepts und des Prozesses seiner Materialisierung sein. Zum Beispiel J. Kossuths Komposition „One and Three Chairs“ (1965) aus dem Museum of Modern Art in New York, die drei „Hypostasen“ eines Stuhls darstellt: den tatsächlich an der Wand stehenden Stuhl, seine Fotografie und eine verbale Beschreibung des Stuhls aus dem Lexikon.
Moderne in Theater und Kino.
Einer der Ideologen der Moderne, der französische Philosoph Jacques Lacan (1901-1981), glaubte, dass die Ursache vieler Neurosen, Psychosen und anderer Störungen, die eine Bedrohung darstellen geistiges Leben Mann, sind "die theatralischen Wirkungen des menschlichen Selbst". Involviert in den Prozess der Identifikation (Suche nach dem eigenen wahren „Ich“) setzt sich der Mensch der Versuchung des Spiels aus, die Maske zu wechseln. Das modernistische Theater spiegelte diese Tragödie der menschlichen Spaltung, die Zerbrechlichkeit des Ichs wider, zeigte die Absurdität der Welt und erfüllte gleichzeitig eine Art therapeutisch-kathartische Funktion, die menschliche Psyche aus der Selbstisolierung zu befreien Wildnis der Einsamkeit.
Tragödientheater. Die Umsetzung im Bühnenraum ist kein spezifisches Werk des Dramatikers, sondern sein gesamtes Werk, das er als ganzheitliche Welt interagierender Bilder und aufeinander bezogener Kollisionen wahrnimmt.
Repräsentant: der englische Filmemacher und Reformer Gordon Craig.
Episches Theater. Erstellt ein System neuer Beziehungen, das auf fröhlicher Relativität und moralisierender Unmoral basiert, zynische Kommunikationsfreiheit zwischen dem Schauspieler und der Figur.
Vertreter: Deutscher Dramatiker und Regisseur Bertolt Brecht (1898-1956) - Gründer des Theaters "Berliner Ensemble".
Theater der sozialen Maske. Die Theatermaske drückt einen bestimmten Gesellschaftstyp aus, ohne individuelle Züge. So stand beispielsweise jede Figur in den Aufführungen von V. Meyerhold ("Die Wanze", "Der Wald", "Die Kameliendame" usw.) vor dem Zuschauerraum und berichtete dem Publikum selbstständig über sich. Beziehungen zwischen Menschen werden geschwächt, Konflikte werden verschleiert.
Repräsentant: der russische Experimentaldirektor Vsevolod Meyerhold (1874-1940).
"Theater der Gewalt" Sie versuchten, dem Theater die uralte Form eines rituellen Heiligtums zurückzugeben, in dem sich der Zuschauer den ursprünglichen, "kosmischen" Elementen der Vitalität anschließen und in eine "transzendentale Trance" fallen kann.
Vertreter: Antonin Artaud (1896-1948).
absurdes Theater.
Das Hauptmotto: "Es gibt nichts auszudrücken, es gibt nichts auszudrücken, es gibt keine Macht, sich auszudrücken, kein Verlangen, sich auszudrücken, sowie eine Verpflichtung, sich auszudrücken."
Der Hauptvertreter: Eugene Ionesco (1909-1994), in seinen Werken "Bald Singer", "Lesson", "Chairs" und so weiter. Indem er den Alltag in die Fantasie überführt, menschliche Beziehungen und Gefühle übertreibt, versucht er, die Absurdität der menschlichen Existenz zu zeigen. Zum Beispiel in dem Stück „Lesson“: Ein Mathematiklehrer tötet seinen Schüler nach der Logik: „Arithmetik führt zu Philosophie, und Philosophie führt zu Verbrechen“, „Worte können töten“. In dem Stück „Stühle“ tragen zwei alte Männer Stühle, warten auf einen Sprecher, der nicht kommt – sie bringen sich um. Das Bild der Raumleere im Saal und in den Seelen dieser alten Menschen wird auf die Spitze getrieben. In Ionescos Tragikomödie „Warten auf Godot“ ist die Szene eine Straße, an deren Seite ein einsamer Baum steht, unter dem 2 Helden sitzen. Ihr Treffen ist ein Moment, ein Moment. Die Vergangenheit ist nicht mehr, und die Zukunft ist nicht gekommen. Die Helden wissen nicht, woher sie kommen, sie haben keine Ahnung, wie die Zeit vergeht. Sie sind machtlos, irgendetwas zu tun. Sie sind schwach und scheinen krank zu sein. Sie warten auf Godot – und wissen selbst nicht, wer es ist. Im Stück „Endgame“ spielt sich die Handlung in einem Raum ab, in dem der Held an einen Stuhl gefesselt ist und sich nicht selbstständig bewegen kann. In dem Stück „Oh happy days“ im Wüstenraum wird die Heldin Vini an einen Punkt gekettet. Im 1. Akt ist sie bis zur Hüfte mit Erde bedeckt, im 2. Akt ist nur noch ihr Kopf zu sehen. Die Metapher eines Punktes im Raum, an dem die Heldin hängt, ist der Tod, ein Grab, das alle zu sich zieht, obwohl es nicht alle bis zum Zeitpunkt ihrer Anwesenheit bemerken.
Vertreter des "Theaters des Absurden": A. Adamov, J. Genet, S. Beckett.
"Fotogenie" - der Stil des französischen Regisseurs und Filmtheoretikers Louis Delluc (1890-1924), einschließlich der Methoden des schnellen und langsamen Drehens, des assoziativen Schnitts, der doppelten Komposition, um die innere Bedeutung und das Geheimnis des Themas hervorzuheben.
monumentalen Stil.
Filme des monumentalen Stils sind Filme ohne Drehbuch, die Bedeutung des Werks wurde dem Publikum nicht durch die Entwicklung von Charakteren oder Handlungen vermittelt, sondern durch eine neue Art der Montage - "Montage von Attraktionen", bei der Gesten eine wichtige Rolle spielten Rolle.
Repräsentativ: Der russische Filmregisseur Sergej Eisenstein (1898-1948), seine Filme „Panzerkreuzer Potemkin“, „Iwan der Schreckliche“, „Alexander Newski“ usw.
Post-Hollywood-Stil.
Sie entstand als Reaktion auf die Folgen des „Wirtschaftswunders“ in Europa nach dem Zweiten Weltkrieg. Die philosophische Grundlage bilden die Gedanken von F. Nietzsche ("über den Tod Gottes") und O. Spengler (über den Untergang Europas). Der Held der Filme ist eine zusätzliche Person in der Wohlfahrtsgesellschaft.
So verband der deutsche Regisseur und Drehbuchautor Rainer Werner Fassbinder (1945-1982) die Motive der Werke von T. Mann mit Elementen der Kriminalchronik, die Musik von L. Beethoven mit den Schreien der Fußballfans und so weiter.
Moderne in der Musik.
Deutscher Philosoph und Soziologe der Mitte des 20. Jahrhunderts. Theodor Adorno (1903-1969) glaubte, dass die wahre Musik diejenige ist, die das Gefühl der Verwirrung des Einzelnen nach außen transportiert und von allen gesellschaftlichen Aufgaben völlig abgeschottet ist.
spezifische Musik.
Aufnehmen natürlicher oder künstlicher Geräusche, die dann gemischt und bearbeitet werden.
Repräsentant: der französische Akustiker und Komponist Pierre Schaeffer (1910-1995).
Aleatorica.
In der Musik ist das Wichtigste der Zufall. So kann eine musikalische Komposition mit Hilfe von Losen aufgebaut werden, basierend auf den Zügen eines Schachspiels, dem Spritzen von Tinte auf Notenpapier, dem Werfen von Würfeln und so weiter.
Vertreter: Deutscher Komponist, Pianist und Dirigent Karlheinz Stockhausen (geb. 1928), französischer Komponist Pierre Vulez.
Pointillismus.
Musik in Form von ruckartigen Klängen umgeben von Pausen, sowie kurze 2-3 Klänge, Motive.
Vertreter: österreichischer Komponist und Dirigent Anton Webern (1883-1945).
Elektronische Musik.
Musik, die mit Hilfe von elektronisch-akustischen und klangreproduzierenden Geräten erstellt wurde.
Vertreter: H. Eimert, K. Stockhausen, W. Mayer-Epper.
AN DER WENDE DES XIX-XX JAHRHUNDERTS
Einführung
Die Kulturgeschichte der Meilensteine der Menschheitsentwicklung ist immer interessant, denn um die Jahrhundertwende entstehen neue Phänomene in der Musik, neue Strömungen, die von jungen Komponisten, Künstlern und Schriftstellern vertreten werden, die nicht nur die Techniken und Techniken ablehnen vergangener Zeiten, sondern bieten auch ihre eigene Vision der Welt, die seine füllt neue Philosophie und Ideologie sowie ihre eigenen Methoden des Schreibens von Malerei, Poesie und Musik.
Obwohl das Phänomen der russischen Avantgarde nicht lange existierte, nur wenige Jahrzehnte, wurden dank ihr so große Künstler wie Kasimir Malewitsch und Wassily Kandinsky „geboren“, die eine große Anzahl von Kunstwerken hinterließen. Das zweite Jahrzehnt des letzten Jahrhunderts stellte Malewitsch und Kandinsky auf eine Stufe mit Picasso. spezielle Bedeutung hat die Tatsache, dass der allgemeine Begriff der "russischen Avantgarde" aus mehreren Strömungen besteht, die nicht nur für die Malerei, sondern für die gesamte Kunst dieser Zeit, einschließlich Architektur, Bildhauerei, Kino, Design und Literatur, charakteristisch waren. Trotz der Tatsache, dass sich der Avantgarde-Trend in der Kunst in anderen Ländern entwickelte, traten viele Trends in Russland auf. Sie erhielten auch den Namen "Russische Avantgarde". Das Erbe der russischen Avantgarde-Künstler ist immer noch sehr beliebt. Dies sind Gemälde von Künstlern und Gedichte von Dichtern, unter denen das Werk von Vladimir Mayakovsky einen besonderen Platz einnimmt; und unübertroffene Gebäude und Konstruktionen, die in unserer Zeit die Augen der Moskauer erfreuen.
Die Relevanz des Projekts.
Die Wende vom 20. zum 21. Jahrhundert ist genau die Zeit, in der wir leben. Deshalb interessierte mich die Kulturgeschichte des letzten Jahrhunderts, als die romantische und postromantische Kunst von Komponisten, Künstlern und Dichtern abgelöst wurde, die in ihren Werken die Ideen der Avantgarde verkündeten. Ich wollte die Ideen der Vorboten der Avantgarde verstehen, denn auch heute noch manifestieren sich viele der Ideen, die sie vor mehr als 100 Jahren vorgetragen haben, in der Kunst unserer Zeit, viele Komponisten verwenden noch immer die von den Autoren vorgeschlagene Kompositionstechnik der Musik im frühen 20. Jahrhundert erregen immer noch Gemälde von Avantgarde-Künstlern Aufmerksamkeit und verursachen Kontroversen zu ihrer Verteidigung und dagegen.
Phasen der Arbeit an einem kreativen Projekt.
In der Arbeit am Projekt können Sie die Hauptarbeitsschritte identifizieren, die mit der Lösung bestimmter Aufgaben verbunden waren.
ICH. Phase der Problematisierung . Die Problemstellung, das Thema des Projekts, zu dem wir versuchten, die folgenden Fragen zu beantworten.
Grundsätzliche Frage:
Was ist Avantgarde in der Kunst?
Was ist die Entstehungsgeschichte der Avantgarde?
Wie manifestieren sich neue, avantgardistische Ansichten in Philosophie, Malerei, Poesie und Musik des frühen 20. Jahrhunderts?
Welche Möglichkeiten, Inhalte in einem Werk zu vermitteln, bieten junge Autorinnen und Autoren?
Wie manifestieren sich die Merkmale der Avantgarde in verschiedenen Kunstgattungen?
Welche neuen Kompositionstechniken treten zu Beginn des 20. Jahrhunderts auf?
Welche Bedeutung hat der Avantgardismus in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts in der Geschichte der Weltkultur?
Auf diese Weise, Gegenstand der Forschung ist avantgardistische Schriften und Werke in Musik, Poesie und Malerei des XX Jahrhunderts.
Erwartete Ergebnisse:
1. Die Durchführung einer historischen Studie über die Entstehung und Entwicklung avantgardistischer Ideen wird dazu beitragen, Ihren Horizont zu erweitern.
2. Erweiterung eigene Ideenüber kulturelle Phänomene, die um die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert stattfanden;
3. Entwicklung analytischer Fähigkeiten beim Betrachten und Studieren der Dodekaphonie-Technik, die von den Komponisten der Novovensk-Schule vorgeschlagen wurde;
4. Erstellen einer Präsentation, die die Manifestation der Avantgarde widerspiegelt verschiedene Arten Kunst.
2. Phase der Zielsetzung. Ziel unserer Tätigkeit ist die Suche und Erforschung dieses Themas und seiner praktischen Umsetzung.
Ziel des Projekts: Bekanntschaft mit verschiedenen Bereichen der Avantgarde-Kunst der ersten Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts.
Projektziele:
Lernen Sie die verschiedenen Kunstrichtungen im Rahmen der Avantgarde kennen;
Bestimmen Sie die Besonderheiten einiger von ihnen, ihren ideologischen Inhalt;
Die Bedeutung der Avantgarde für die Entwicklung der Weltkultur aufzeigen;
Erstellen Sie eine Präsentation basierend auf einem kreativen Projekt, das den Inhalt dieses Themas widerspiegelt.
Wir planten, den Forschungsteil des Projekts in 2 Monaten (60 Tagen) abzuschließen, daher wurde der folgende Arbeitsplan erstellt.
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Was soll getan werden |
Zeitraum der Ausführung |
Leistung |
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1. |
Durchdenken des Zwecks und der Ziele des Projekts |
1 Tag |
Erledigt |
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2. |
Erfassung von Arbeits- und Planungsschritten |
1 Tag |
Erledigt |
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3. |
Erstellen einer Projektentwicklung |
2 Tage |
Erledigt |
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4. |
Auswahl von Material über Sorten und Besonderheiten künstlerische Sprache innerhalb der Avantgarde. |
15 Tage |
Erledigt |
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5. |
Arbeiten mit Quellen: Literaturrecherche zum Thema; Bekanntschaft mit musikalischen, poetischen und bildnerischen Kunstwerken;
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25 Tage |
Erledigt |
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6. |
Erstellung des Projekttextes. Systematisierung des untersuchten Materials. |
5 Tage |
Erledigt |
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7. |
Auswertung der geleisteten Arbeit |
2 Tage |
Erledigt |
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8. |
Bearbeitung Ihrer Arbeit |
1 Tag |
Erledigt |
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9. |
Arbeiten Sie an der Erstellung einer Präsentation |
8 Tage |
Erledigt |
Fertigstellungszeit des Projekts - 2 Monate (60 Tage)
In unserer Arbeit haben wir Folgendes verwendet Methoden:
Die Methode einer umfassenden vergleichenden Analyse der Manifestation der Merkmale der Avantgarde in Werken verschiedener Kunstgattungen (Malerei, Musik, Literatur)
Durch die Methode der historischen Analyse werden wie in Kunstwerken die Merkmale neuer philosophischer Ideen, neuer figurativer Inhalte manifestiert;
Die Methode zur Beschreibung des untersuchten Materials.
Studium und Analyse von Forschungsmaterial.
Produktion und Design des Projektprodukts.
Vorbereitung auf die Präsentation von Forschungsmaterial.
Bekanntschaft von Mitschülern mit der Entstehungsgeschichte und künstlerischen Bedeutung der Avantgardekunst zu Beginn des 20. Jahrhunderts.
Präsentation des Inhalts des Projekts und Präsentation im Unterricht für Musikliteratur in der Kinderkunstschule, Unterricht des Moskauer Kunsttheaters in einer weiterführenden Schule.
Um einen Bericht über den Fortschritt der Projektarbeit zu schreiben, wurden die Möglichkeiten des WORD-Texteditors genutzt.
Bei der Entwicklung der Präsentation wurden folgende Computertechnologien beherrscht: Office-Programme Microsoft Word, Microsoft PowerPoint.
Als Ergebnis der Umsetzung dieses Projekts wurden die Fähigkeiten zur Arbeit mit der Informationssuche, die Fähigkeit zur Auswahl und Bewertung des wichtigsten Materials für die Offenlegung des Themas verbessert.
Für Studierende wurde ein kreativer Bericht in Form einer Präsentation gehalten.
Das Projekt wurde am vorgestellt Allrussischer Wettbewerb kreatives Projekt s Studenten.
Vorbereitung auf die Präsentation der Ergebnisse.
Präsentation der Ergebnisse des Allrussischen Wettbewerbs für kreative Projekte von Studenten.
Literatur
Internet
Gespräche mit Lehrkräften der Kinderkunstschule zu interessanten Themen.
Arbeiten mit einem Wörterbuch;
Mit Internetseiten arbeiten;
Analyse musikalischer, poetischer und künstlerischer Werke.
Wenden Sie das erworbene Wissen im Unterricht für Geschichte und Weltkunstkultur in einer weiterführenden Schule an.
Verwenden Sie dieses kreative Projekt als Anschauungsmaterial im Musikliteraturunterricht an der Kinderkunstschule.
Der Begriff „Avantgarde“ tauchte in den 1920er Jahren auf und etablierte sich endgültig nach dem Zweiten Weltkrieg. Die Phänomene der Avantgarde sind charakteristisch für viele Kunstgattungen – Theater, Literatur, Musik, vor allem aber – für die bildende Kunst. Die Avantgardisten gaben die traditionellen Techniken auf, die für realistische Kunstbewegungen charakteristisch sind. Neue Strömungen in der bildenden Kunst (Kubismus, Suprematismus, Abstraktionismus usw.) liefen zusammen, um sich von Gegenständlichkeit und Gegenständlichkeit zu befreien. Der Avantgardismus ist gekennzeichnet durch die Verleugnung aller Grundlagen, diese Richtung leugnet jede Manifestation der Kontinuität künstlerischer Traditionen.
In verschiedenen historischen Phasen wurde die Rolle der Avantgarde von aufeinanderfolgenden Strömungen gespielt: 1900-1910. - die Zeit des Auftretens von Fauvismus, Kubismus, Futurismus, Expressionismus, Dadaismus, abstrakter Kunst; in den 1920er-1930er Jahren der Surrealismus tritt in den Vordergrund, in der Nachkriegszeit entstehen neue Tendenzen des Abstraktionismus - abstrakter Expressionismus, Tachismus, informelle Kunst usw .; 1960er-1970er Jahre - eine Übergangszeit von der "klassischen" Avantgarde zur Neo-Avantgarde oder Postmoderne. Durch die Schaffung vieler Techniken, Methoden, künstlerischer und antikünstlerischer Ausdrucksformen trugen Avantgarde-Künstler zur Entstehung und Entwicklung neuer Kunstarten wie Fotografie, Kino und elektronischer Musik bei.
Bei aller Vielfalt kreative Programme Avantgarde lassen sich noch einige Gemeinsamkeiten herausgreifen wie die Position des ständigen Protests, die Abkehr von klassischen Formen der Feinheit und Schönheit zugunsten der Konzentration auf das Primitive, die Fähigkeit, sich ständig zu erneuern. Das Bild wird expressiven Deformationen, analytischer Artikulation und diversen spielerischen Transformationen bis hin zur völligen Verdrängung der Bildlichkeit unterzogen. Avantgarde-Künstler lehnen die in sich geschlossene Form ab und streben danach, sie zu "öffnen", indem sie dem Werk auf verschiedene Weise Dynamik verleihen. Ein solches "offenes" Werk setzt die Beteiligung des Betrachters am Prozess der Enthüllung der Bedeutung des Werkes voraus: Der Betrachter löst die ihm angebotenen Rätsel und Paradoxien, verleiht den Zeichen und Symbolen ihre eigene Bedeutung. Ein Paradebeispiel das ist die „Auflösung“ des Suprematismus in der Malerei. Suprematismus Erstellt von K. Malevich im Jahr 1910. Der Zweck der Richtung besteht darin, die Realität in einfachen Formen (Quadrat, Kreis, Dreieck, gerade Linie) auszudrücken, die anderen Formen der physischen Welt zugrunde liegen. In den Gemälden dieser Richtung gibt es keine Konzepte von oben, unten, rechts, links - alle Richtungen sind gleich, als ob sie im Raum wären. Eine in sich geschlossene Welt entsteht. Malewitschs berühmtes „Schwarzes Quadrat“ wurde zum bildlichen Manifest des Trends.
Das Übergangsphänomen, das als Grundlage für viele andere Strömungen der russischen Avantgarde diente, war Kubo-Futurismus. Diese Richtung verband die Traditionen des italienischen Futurismus und des französischen Kubismus. O. Rozanova, L. Popova, N. Udaltsova, N. Goncharova, A. Exter, K. Malevich arbeiteten in einer bestimmten Periode ihrer Arbeit im Geiste des Kubo-Futurismus. Diese Arbeiten waren so abstrakt wie möglich, abstrahiert von den spezifischen Formen der Realität und den traditionellen Regeln für die Herstellung eines Gemäldes.
Die Hauptmerkmale der Avantgarde
1. Absage an die traditionelle Einteilung der Literatur in Fach- und Laienliteratur, begleitet von einer energischen Absage an alles, was als „akademisch“, „museal“ bezeichnet wird, und im Gegenteil, einem kreativen Interesse an Folklore.
2. Eine bewusste und manchmal schockierende Haltung gegenüber „Unverständlichkeit“ als Mittel zur Überwindung des Automatismus der ästhetischen Wahrnehmung, daher, so Maxim Shapir, „tritt das Missverständnis, ganz oder teilweise, organisch in den Plan des Avantgarde-Künstlers ein.
3. Der Wunsch, die Grenzen dazwischen zu verwischen verschiedene Genres und darüber hinaus einzelne Kunstformen bis hin zu Mischformen wie der visuellen Poesie.
4. Die Suche nach einer eigenen, „zertifizierten“ Gattung, Technik oder Technik, die im Bewusstsein der Öffentlichkeit und im Gedächtnis der Kultur fortan strikt mit diesem und keinem anderen Namen verbunden sein wird. Die Visitenkarte von Dmitry Avaliani war also Blattumkehrer, Alexander Gornon interessiert sich ausschließlich für Phonosemantik.
5. Die unerhörte und skandalöse Art der Präsentation von Avantgarde-Künstlern ihrer selbst und ihrer Werke.
Avantgardismus hat viele Bereiche der Kunst berührt: Malerei, Literatur, Kino, Musik und mehr. Betrachten Sie mehrere Avantgarde-Bewegungen. Wenden wir uns der Avantgarde-Literatur zu.
Futurismus- ein Ableger der Moderne, eine Avantgardebewegung der 10-30er Jahre des 20. Jahrhunderts, die 1909 in Italien entstand. Der Autor des ersten Manifests der Futuristen wäre der Dichter Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944) gewesen. . Futuristen waren dagegen Literarische Traditionen. Sie forderten die Zerstörung von Museen und Bibliotheken, um Italien von Professoren und Archäologen zu befreien.Die alte Kultur, die ihrer Meinung nach von Denkfaulheit und Untätigkeit sang, stellten die Futuristen der neuen entgegen. Futuristen widersetzten sich dem Psychologismus in der Literatur, weil die Psychologie bis auf den Grund erschöpft ist und durch die Lyrik der unbelebten Materie ersetzt wird. Ihrer Meinung nach verursacht ein glühendes Holz oder Eisen stärkere Gefühle als das Lächeln oder die Tränen einer Frau. Die Futuristen führten die Zerstörung des Wortschatzes durch, forderten Substantive auf, sie so zu setzen, wie sie ihnen in den Sinn kommen, das Adjektiv zu streichen, das die Dynamik der Wahrnehmung verzögert, Wörter ohne Hilfswörter zu verbinden. Futuristen schockierten das Publikum mit abstruser Sprache. In der bildenden Kunst vermittelt die Dynamik den Zeitgeist der Futuristen mit abstrakten Linien und erstaunliche Formen, bunte Farben. Die Musik angesammeltes Gebrüll, Lärm.
Der Futurismus hatte andere Merkmale in sich Slawische Länder. Am deutlichsten manifestierte sich in Russland. Die Futuristen erklärten sich 1911. Russische Futuristen schufen künstliche Wörter, unlogische syntaktische Konstruktionen. Der russische Futurist O. Kruchenykh zum Beispiel hat ein solches Gedicht geschrieben
Loch, bul, schyl
ubeshur
skoom
du mit buh
g l ez
Er erklärte, dass in diesen fünf Zeilen mehr russische Staatsangehörige vorkommen als in der gesamten Poesie von A.S. Puschkin.
Avantgarde in der Malerei .
E 
Expressionismus- Strom ein Europäische KunstÄra der Moderne, die in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts vor allem in Deutschland und Österreich am weitesten entwickelt war. Der Expressionismus versucht nicht so sehr, die Realität wiederzugeben, sondern den emotionalen Zustand des Autors auszudrücken. Der Expressionismus entstand als akute, schmerzhafte Reaktion auf den Ersten Weltkrieg und revolutionäre Bewegungen. Die von den Massakern des Weltkrieges traumatisierte Generation nahm die Realität äußerst subjektiv wahr, durch das Prisma von Emotionen wie Enttäuschung, Angst und Angst. Schmerz- und Schreimotive sind sehr häufig. Die deutschen Expressionisten betrachteten ihre Vorgänger als Postimpressionisten, die in spätes XIX Jahrhundert und eröffneten neue Ausdrucksmöglichkeiten von Farbe und Linie, bewegten sie sich von der Reproduktion der Realität zum Ausdruck ihrer eigenen subjektiven Zustände. Die dramatischen Gemälde von Vincent, van Gogh, Edvard Munch und James Ensor sind bei aller Individualität der Manieren dieser Künstler von überwältigenden Emotionen der Freude, Empörung und des Entsetzens durchdrungen. Banalität, Hässlichkeit und Widersprüche modernes Leben gab den Expressionisten Gefühle von Irritation, Ekel, Angst, die sie mit Hilfe von eckigen, verdrehten Linien, schnellen und groben Strichen vermittelten,
Edward Munch. Schrei
schreiende Farbe. Bevorzugt wurden extrem kontrastreiche Farben, um die Wirkung auf den Betrachter zu verstärken, ihn nicht gleichgültig zu lassen. Auf den ersten Blick unauffällige Bilder des modernen Straßenlebens erhielten unter der Bürste der Expressionisten eine überquellende emotionale Färbung.
Zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts tauchte in der Kunst eine neue Richtung auf - der Kubismus. Diese Richtung basiert auf der Zerlegung und Verformung von Objekten. Die abgebildeten Objekte werden in geometrische Flächen zerlegt, ihre Formen in gewisser Weise verschoben. Die Ursprünge des Kubismus sind eng mit dem Namen des berühmten Pablo Picasso verbunden. Picassos Kubismus entsteht durch das Interesse des Künstlers am Primitivismus Afrikanische Skulptur. Um die Jahreswende 1907-1908 begann er sich für sie zu interessieren. Gehackte Formen Afrikanische Kunst konsolidierte Picassos Wunsch nach einer abstrakten Verallgemeinerung von Bildern
Kubismus in der Malerei - nicht nur ein Bild eines Objekts, es ist ein Bild eines Objekts, 
die geistig zerstört und im Kopf des Künstlers neu erschaffen wird. Meistens verlieren Objekte auf Leinwänden im Stil des Kubismus vollständig den Kontakt zu ihren tatsächlichen Prototypen und verwandeln sich in abstrakte Symbole, deren Bedeutung nur einem Autor bekannt ist. Der Stil des Kubismus drückte einen großen Einfluss auf die Entwicklung der Malerei aus und veränderte die Vorstellung der Künstler darüber, wie Textur, Volumen und Raum vermittelt werden können.
Wenn wir über den russischen Kubismus sprechen, sollte klar sein, dass die Entwicklung dieser Richtung in diesem Land etwas anders verlief als in europäischen Ländern. Die Werke von Chagall, Malewitsch, Archipenko, Altman und Lentulov werden oft dem russischen Kubismus zugeschrieben, ihre Werke können jedoch auch als Beispiel für andere Kunstrichtungen herangezogen werden. Zweifellos löste der Kubismus in der Malerei einen ungeheuren Schock aus. Er war es, der der abstrakten Kreativität den Weg ebnete und dem Publikum die Möglichkeit gab, die Symbole zu interpretieren, die in den Werken der Kubisten dargestellt sind. Der Kubismus in der Malerei bereitete das Massenbewusstsein von Zuschauern und Künstlern vor und diente als Grundlage für die Entwicklung abstrakter Kunstrichtungen wie Futurismus, Konstruktivismus und vielem mehr.
Vater theatralische Avantgarde Alfred Jarry gilt als Autor des Stücks King Ubu, das erstmals 1896 auf der Bühne des symbolistischen Theaters „Creativity“ in Paris aufgeführt wurde. Die im Klassizismus aufgewachsenen Pariser waren schockiert über den obszönen Stil und verwirrt über die ungewohnte Form des Stücks. Viele Theaterhistoriker behaupten, dass Alfred alle avantgardistischen Theaterbewegungen des 20. Jahrhunderts hervorgebracht hat: Surrealismus, Absurdität und das "Theater der Grausamkeit". In Russland wurde dieses Stück praktisch nicht aufgeführt, 2001 wurde es von einem der Moskauer Theater aufgeführt.
Alle Vertreter der Avantgarde-Bewegungen waren für die Theaterreform, aber die Futuristen, angeführt von F.T. Ihre theatralischen Theorien beeinflussten alle nachfolgenden europäischen Bühnenregie im 20. Jahrhundert. Italienischer Futurismus und Dadaismus haben gemeinsame Wurzeln - das Werk von A. Jarry. .
Futuristen und Dadaisten stellten das zeitgenössische Theatersystem in Frage. Neu Theaterlösungen Futuristen in zwölf theoretischen Manifestdokumenten untermauert. Ihre Kritik begann mit einer Verurteilung des Primats der Dramaturgie in Theaterkunst, die als Gewalt gegen das Spiel angesehen wurde - ein freies kreatives Element. Im Manifest kündigten die Futuristen die Schaffung eines neuen Theaters an – improvisierend, dynamisch, surreal. Sie nahmen dem Wort, dem Hauptelement des akademischen Theaters, den Vorrang und gaben es der körperlichen Aktion. Den Platz der Dramaturgie nahmen kurze Stücke ohne Worte ein, in denen es Szenenskelette gab, aber es gab keine Handlungslogik, keine psychologische Entwicklung des Bildes. Anschließend in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. das plastische Theater des Künstlers entstand. Sowohl der Futurismus als auch der Dadaismus standen der wichtigsten Eroberung des frühen 20. Jahrhunderts skeptisch gegenüber. - Regietheater. Im Direktor sahen sie einen Bürgerlichen aus der Kunst. Sie lehnten auch die Position des Schauspielers ab, der auf der Bühne nur als Gegenstand betrachtet wurde, ebenso wie ein Tisch oder ein Stuhl.
Wie manifestiert sich die Avantgarde der Musik?
Wenn wir uns einer Diskussion über Musik zuwenden, ist es besonders interessant festzustellen, wie in relativ kurzer Zeit diese musikalischen Innovationen entstanden sind verschiedene Punkte des Globus, unter Komponisten, die überhaupt keinen Kontakt zueinander hatten, so dass hier nicht von „böswilliger Beeinflussung durch einen Abtrünnigen von uralten musikalischen Normen“ gesprochen werden kann, der „die Gesetze der Musik verletzt“ und dann konvertiert seine anderen Kollegen zu seinem Glauben. Wie Sie wissen, handelten Autoren wie Skrjabin, Schönberg, Strawinsky, Bartok, Ives, Roslavets, Lurie und andere absolut unabhängig und kamen zu ebenso gegensätzlichen wie ähnlichen Ergebnissen an Mut, Erfindungsreichtum und Abgeschiedenheit. aus der Musiksprache der Vergangenheit. Man kann sagen, dass das Wichtigste, was all diese unterschiedlichen Komponisten vereinte, das Hören kosmischer Prozesse war, die in den Raum dieser Zeit eindrangen. Und dieser Faktor erwies sich als entscheidend für ihre ästhetische Gestaltung. Der Entwicklungsweg der Musiksprache des ausgehenden 19. Jahrhunderts. war dramatisch und ergreifend. Wie immer in der Kunst werden manche Systeme obsolet und neue treten an ihre Stelle. Das ist die Essenz der Avantgarde. In der russischen musikalischen Avantgarde sind zwei grundlegend verschiedene Generationen zu unterscheiden: die Avantgarde der 1910er–1920er Jahre und die Avantgarde der 1960er–1980er Jahre. Obwohl es eine gewisse Kontinuität zwischen ihnen gibt, ist sie nicht signifikant.
Avantgarde der 1910er–1920er Jahre
Forscher stellen fest, dass die frühe musikalische Avantgarde ein sehr heterogenes Phänomen ist. Die Hauptsache war hier die Suche nach einer Art "neuem Weltbild", "gesundem Weltbild". Im Sinne des „neuen Welthörens“ wurden viele musikalische Grundkategorien neu gedacht – Klang, Tonsystem, Klangfarbe, Harmonie etc. Fast alle frühen Avantgarde-Künstler aktualisierten auf die eine oder andere Weise das traditionelle Temperamentsystem und erfanden neue Systeme der Tonteilung. Im Zusammenhang mit der Temperamenterneuerung stellte sich die Frage nach einer neuen Einstellung zum Klang. Im Idealfall strebten Avantgardisten danach, neue Instrumente oder Geräte zu erfinden, die diesem Ansatz entsprachen: das berühmte Theremin (das weltweit erste elektroakustische Instrument, das von Ingenieur L.S. gebaut wurde) und „Crystal“. Diese Instrumente gaben einen grundlegend neuen Klang, aber ebenso oft wurde versucht, traditionelle Klaviere, Orgeln zu „verbessern“ und neue Spieltechniken auf sie anzuwenden.
Eine der Schöpfungen der Avantgarde-Bewegung in der Musik des 20. Jahrhunderts war die Dodekaphonie. Der Autor dieser Technik war Arnold Schönberg, ein österreichischer Komponist, Schöpfer der „Neuen Wiener Schule“, ein Lehrer, der so herausragende Schüler wie Anton Webern, Alban Berg und andere unterrichtete.
Die Dodekaphonie ersetzte das uns bekannte diatonische System. Die Essenz des diatonischen Systems sind die 12 Klänge, die das europäische Ohr unterscheidet (das sogenannte temperamentvolle System), Sie können nur 7 nehmen und darauf basierend eine Komposition aufbauen. Sieben Klänge bildeten eine Tonalität. Die einfachste Tonart in C-Dur verwendet beispielsweise die bekannte Tonleiter: do, re, mi, fa, salt, la, si. Einfach ausgedrückt verwendet diese Taste nur die weißen Tasten des Klaviers. Die Tonalität von c-Moll unterscheidet sich dadurch, dass statt mi E-Dur erscheint. Das heißt, in der Tonart c-Moll ist es nicht mehr möglich, ein einfaches mi zu verwenden, mit Ausnahme der sogenannten Modulationen, also Übergänge zu einer verwandten Tonart, die sich von der ursprünglichen durch eine Abnahme oder Zunahme unterscheidet um einen halben Ton. Allmählich gegen Ende des neunzehnten Jahrhunderts. Modulationen wurden immer gewagter, Komponisten, so Webern, „fingen an, sich zu viel zu erlauben“. Und nun begann der Kontrast zwischen Dur und Moll allmählich zu verblassen. Es beginnt bei Chopin, ist schon bei Brahms deutlich sichtbar, und die Musik von Gustav Mahler baut darauf auf. Zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts. Novye-Komponisten, die mit der musikalischen Form experimentierten, gelangten in eine Sackgasse. Es stellte sich heraus, dass man Musik mit allen zwölf Tönen komponieren kann: Es war Chaos – eine schmerzhafte Zeit der Atonalität.
Es gab zwei entgegengesetzte Wege aus dem musikalischen Chaos heraus. Die erste ist die Komplikation des diatonischen Systems durch Polytonalität, d.h. durch Gleichzeitigkeit des Klangs - ging Strawinsky, Hindemith, Schostakowitsch. Den zweiten, harten Weg beschritten die Neuwiener, und zwar die Schaffung eines ganzen Systems aus einem Fragment des alten Systems.
Tatsache ist, dass bis zum Ende des neunzehnten Jahrhunderts. nicht nur das diatonische Prinzip verfiel, sondern auch die klassische Wiener Harmonik selbst, also das Prinzip, nach dem eine Stimme die Melodie führt, aber eine Begleitung. In der Musikgeschichte ging der Wiener Harmonik der Kontrapunkt oder die Polyphonie voraus, bei der es keine Hierarchie von Melodie und Begleitung gab, sondern mehrere gleichberechtigte Stimmen.
Die Novovenets kehrten weitgehend zum System des strengen Prä-Bach-Kontrapunkts zurück. Indem sie die Harmonie als Prinzip aufgegeben hatten, waren sie leichter in der Lage, Musik auf neue Weise zu organisieren. Ohne die Gleichheit der 12 Töne (Atonalismus) aufzugeben, führte Schönberg eine Regel ein, nach der beim Komponieren einer Komposition eine Folge aller sich nicht wiederholenden 12 Töne durchlaufen werden muss, nach der sie wiederholt und variiert werden kann, also 1 ist ) Direkte; 2) rakhodnaya, das heißt, vom Ende zum Anfang gehen; 3) invertiert, das heißt, als ob sie relativ zur Horizontalen umgedreht wären, und 4) in einer Schale umgedreht. Der Komponist hatte vier Serien in seinem Arsenal. Das war natürlich sehr wenig. Dann wurde eine Regel eingeführt, nach der die Reihe von jedem Schritt aus beginnen konnte, wobei nur die ursprüngliche Folge von Tönen und Halbtönen beibehalten wurde. Dann ergaben 4 Reihen, multipliziert mit 12 Stimmungstönen, 48 Möglichkeiten. Das ist die Essenz der Zwölftonmusik. Seine Grundlage ist die Gleichheit aller Klänge.
Russische Avantgarde als Kunstphänomen des 20. Jahrhunderts
Russische Avantgarde ist ein allgemeiner Begriff für ein bedeutendes künstlerisches Phänomen, das von 1890 bis 1930 in Russland blühte, obwohl einige frühe Manifestationen auf die 1850er und später auf die 1960er Jahre zurückgehen. Das mit dem Begriff „Russische Avantgarde“ definierte Kunstphänomen des 20. Jahrhunderts entspricht keinem bestimmten künstlerischen Programm oder Stil. Dieser Begriff wird schließlich den radikalen innovativen Tendenzen zugeordnet, die in der russischen Kunst in den Vorkriegsjahren - 1907-1914 - Gestalt annahmen, in den Jahren der Revolution in den Vordergrund traten und im ersten Jahrzehnt nach der Revolution zur Reife gelangten. Die verschiedenen Strömungen der künstlerischen Avantgarde eint ein entschiedener Bruch nicht nur mit den akademischen Traditionen und der eklektischen Ästhetik des 19. Jahrhunderts, sondern auch mit der damals überall und in allen Formen dominierenden neuen Kunst des Jugendstils der Kunst von Architektur und Malerei bis hin zu Theater und Design. Gemeinsam war der russischen Avantgarde eine radikale Ablehnung des kulturellen Erbes, eine völlige Verweigerung der Kontinuität des künstlerischen Schaffens und eine Kombination aus destruktiven und kreativen Prinzipien: der Geist des Nihilismus und die revolutionäre Aggression mit kreativer Energie, die darauf abzielt, etwas grundlegend Neues zu schaffen Kunst und in anderen Lebensbereichen.
Die Hauptvertreter dieses Trends in Russland sind V. Malevich, V. Kandinsky, M. Larionov, M. Matyushin, V. Tatlin, P. Kuznetsov, G. Yakulov, A. Exter, B. Ender und andere.
Alle Strömungen der Avantgarde-Kunst sind in der Tat dadurch gekennzeichnet, dass spirituelle Inhalte durch Pragmatismus, Emotionalität durch nüchternes Kalkül, künstlerische Bildsprache durch einfache Harmonisierung, Ästhetik der Formen, Komposition durch Konstruktion, große Ideen durch Utilitarismus ersetzt werden. Der traditionelle russische Maximalismus, der sich deutlich in der Bewegung der Wanderer und der „Sechziger“ des 19. Jahrhunderts manifestierte, wurde durch die Russische Revolution nur noch verstärkt und führte dazu, dass Sowjetrussland überall als Geburtsort der Avantgarde-Kunst gilt die Welt.
Die neue Kunst erobert mit ungezügelter Freiheit, fesselt und fesselt, zeugt aber gleichzeitig von Degradation, Zerstörung der Integrität von Inhalt und Form. Die Atmosphäre von Ironie, Spiel, Karneval und Maskerade, die einigen Strömungen der Avantgarde-Kunst innewohnt, maskiert nicht nur, sondern offenbart vielmehr eine tiefe innere Zerrissenheit in der Seele des Künstlers. Die Ideologie des Avantgardismus trägt eine destruktive Kraft in sich. In den 1910er Jahren wuchs laut N. Berdyaev in Russland eine "Rowdy-Generation" heran.
Die Avantgarde zielte auf eine radikale Transformation des menschlichen Bewusstseins durch die Kunst, auf eine ästhetische Revolution, die die spirituelle Trägheit der bestehenden Gesellschaft zerstören würde, während ihre künstlerische utopische Strategie und Taktik viel entschiedener, anarchistischer und rebellischer war. Nicht zufrieden mit der Schaffung exquisiter "Zentren" der Schönheit und des Mysteriums, die der grundlegenden Materialität des Seins entgegenstehen, brachte die Avantgarde die raue Materie des Lebens, die "Poetik der Straße", den chaotischen Rhythmus der Moderne in ihre Bilder ein Stadt, Natur, ausgestattet mit einer mächtigen kreativen und zerstörerischen Kraft. Mehr als einmal betonte er in seinen Werken deklarativ das Prinzip der „Anti-Kunst“ und lehnte damit nicht nur die früheren, traditionelleren Stilrichtungen, sondern auch den etablierten Kunstbegriff insgesamt ab.
Die Bandbreite an Avantgarde-Trends ist groß. Transformationen umfassten alle Arten von Kreativität, aber die bildende Kunst fungierte ständig als Initiator neuer Bewegungen. Die Meister des Postimpressionismus bestimmten die wichtigsten Tendenzen der Avantgarde; seine frühe Front wurde durch Gruppenauftritte von Vertretern des Fauvismus und des Kubismus skizziert. Der Futurismus stärkte die internationalen Kontakte der Avantgarde, führte neue Prinzipien für das Zusammenspiel der Künste (Kunst, Literatur, Musik, Theater, Fotografie und Kino) ein. In den 1900-10er Jahren werden neue Trends nacheinander geboren. Expressionismus, Dadaismus, Surrealismus mit ihrer Sensibilität für das Unbewusste in menschliche Psyche markierte die irrationale Linie der Avantgarde, im Konstruktivismus hingegen manifestierte sich ihr rationaler, konstruktiver Wille. Nicht alle Strömungen der europäischen Avantgarde fanden ihren Niederschlag in der russischen Avantgarde. Strömungen wie Dadaismus, Surrealismus, Fauvismus und einige andere waren nur für Europa typisch.
Während der Kriege und Revolutionen der 1910er Jahre interagierten die politische und künstlerische Avantgarde aktiv. Die linken Kräfte in der Politik versuchten, die Avantgarde für ihre Agitations- und Propagandazwecke zu nutzen, später versuchten die totalitären Regime (vor allem in Deutschland und der UdSSR), sie durch strenge Zensur zu unterdrücken und die Avantgarde in den Untergrund zu treiben.
Unter den Bedingungen des politischen Liberalismus verliert die Avantgarde seit den 1920er Jahren ihr einstiges Pathos der Konfrontation, geht ein Bündnis mit der Moderne ein, nimmt Kontakt mit ihr auf Popkultur. Die Krise der Avantgarde, die Mitte des 20. Jahrhunderts ihre einstige "revolutionäre" Energie weitgehend verbraucht hatte, war ein Ansporn für die Herausbildung der Postmoderne als ihrer Hauptalternative.
1917 änderte alles. Es wurde nicht sofort deutlich. Die ersten 5 Jahre - die heroische Fünfjahresperiode 1917-1922 - ließen noch Hoffnung aufkommen. Aber bald zerstreuten sich die Illusionen. Das Drama der Zerstörung der grandiosen Bastion der modernistischen Kunst, die in Russland durch Genie und Arbeit, Manifeste und hitzige Diskussionen weltberühmter Meister geschaffen wurde, begann. Um die Wende der 1920er und 1930er Jahre wurden unrealistische Trends vollständig verboten; einige Künstler gingen in andere Länder; andere wurden unterdrückt oder, einer grausamen Zwangsläufigkeit erliegend, gaben sie die Avantgarde-Suche auf. 1932 wurden zahlreiche Kunstvereine endgültig geschlossen; Die Behörden gründeten eine einzige Künstlervereinigung.
Daraus lässt sich schließen, dass die russische Avantgarde tatsächlich ein Phänomen des 20. Jahrhunderts ist, da es zuvor keine andere Kunstrichtung gewagt hat, eine solche Herausforderung an die traditionelle Kunst zu stellen.
Abschluss
Nachdem wir uns mit diesem Thema beschäftigt haben, können wir mit Sicherheit sagen, dass die gesamte Weiterentwicklung der Musik des 20. Jahrhunderts von der kreativen Explosion des Anfangs des Jahrhunderts bestimmt wurde. Mit diesem Übergang von der zweidimensionalen zur dreidimensionalen Welt lässt sich die Manifestation einer neuen ästhetischen Erfahrung zu Beginn des Jahrhunderts vergleichen. Für das Phänomen des künstlerischen Aufschwungs des frühen 20. Jahrhunderts gibt es zwei mögliche Erklärungen - die erste ist ein Wunder und ein Phänomen der Vorsehung, und die zweite ist die fortschreitende Anhäufung von geistigem Reichtum, die sich eines Tages plötzlich auf diese Weise manifestierte. Denn die ihr vorangegangene Hochkultur war der Nährboden für die Neue Kultur. Schönberg hätte niemals als Schönberg entstehen können, wenn er nicht in den Traditionen von Bach, Beethoven, Wagner und Brahms aufgewachsen wäre. Diese Idee ist für Literatur und Malerei durchaus relevant.
Hypothese dass das Aufkommen neuer philosophischer Wissenschaftsanschauungen eine Vielzahl neuer Strömungen im kulturellen Leben einer Person hervorruft, als Ausdruck der Lebensphilosophie, der Weltanschauung einer Person ist wahr. Dies bestätigte die Bekanntschaft mit den Gemälden von Künstlern, musikalischen Werken und poetischen Schöpfungen.
Die Arbeit an diesem Projekt hat mir geholfen, mein Verständnis für verschiedene Arten von Kunst zu erweitern und zu einem tieferen Verständnis der Kultur des frühen zwanzigsten Jahrhunderts beigetragen. Hat geholfen, viele interessante Dinge zu sehen und zu lernen Musikalische Kompositionen, Werke der Literatur und Malerei
Basierend auf den Ergebnissen der Projektarbeit präsentierte ich vor den Schülern meiner Gruppe im Klassenzimmer eine Präsentation und eine Geschichte über die Avantgarde des frühen zwanzigsten Jahrhunderts Musikalische Literatur. Die Jungs zeigten Interesse an meinem Projekt und interessierten sich sehr für die von mir angebotenen Informationen.
Endeffekt Projektaktivitäten war die Erstellung einer Computerpräsentation, die zeigte, dass das Material zum Studium avantgardistischer Werke nicht nur zu meinem intellektuellen Wachstum beitrug, sondern auch meine Vorstellungskraft und Inspiration aktivierte und mein kreatives Potenzial verwirklichte.
Referenzliste
Alpatov M. Kunst. - M.: Aufklärung, 1969.
Album. Russische Künstler von „A“ bis „Z“ - M.: Slovo, 1996.
Wlassow V. G. Stile in der Kunst. Wörterbuch. - Sankt Petersburg: Lita, 1998.
Geschichte der russischen und sowjetischen Kunst - M.: Higher School, 1989. S. 53.
Krusanov A. V. Russische Avantgarde 1907-1932: Ein historischer Rückblick. T.1. - St. Petersburg, 1996.
Kulturologie: Proc. für Universitäten / Ed. NG Baghdasaryan. - M.: Gymnasium, 1998.
Beliebt Lexikon der Kunst. - M.: Pädagogik, 1986.
Russische Künstler. - Samara: AGNI, 1997.
Russische Künstler des XII-XX Jahrhunderts: Enzyklopädie. - M.: Azbuka, 1999.
Website Futurismus in Bildern http://www.woodli.com
Wikipedia-Website http://www.wikipedia.org
Website http://www.Artonline.ru
Website http://www.krugosvet.ru
Uploads -> Forschungsarbeit Ökologische Situation in den Wäldern der Arsky-Forstwirtschaft am Beispiel der Baltasinsky-Bezirksforstwirtschaft
Eine der Hauptrichtungen der Avantgarde. Im Gegensatz zur traditionellen Kunst ahmt sie die Realität nicht nach und gibt ihre Elemente nicht wieder. Das Objekt der abstrakten Kunst ist der Werkzeugkasten des Künstlers: Farbe, Linie und Form. Die ersten abstrakten Werke wurden von Wassily Kandinsky in den späten 1900er und frühen 1910er Jahren geschaffen; Als erstes abstraktes Werk gilt sein „Bild mit Kreis“ (1911). In den Jahren 1912-1915 erschienen abstrakte Bildsysteme des Luchismus (Larionov, 1912) und des Suprematismus (Malevich, 1915).
Vorhut
Zunächst wurde der Begriff in militärischen Angelegenheiten und in Bezug auf verwendet politische Ereignisse- bis der französische Kritiker Théodore Duret es 1885 verwendete Kunstkritik. In diesem Sinne hat das Wort jedoch keine Wurzeln geschlagen. Erst in den 1950er Jahren kehrte sie dank des französischen Kritikers Michel Sefort, der die russische Kunst des frühen 20. Jahrhunderts erstmals als Avantgarde bezeichnete, in die Kunstgeschichte zurück.
Allheit
Der Begriff wurde im Frühjahr 1913 von Ilya Zdanevich, einem Künstler, Schriftsteller, Verleger und Journalisten, geprägt. Die künstlerischen und ästhetischen Ideen von Mikhail Larionov und den Künstlern seines Kreises bildeten die Grundlage der Allmacht: Im Katalog zur Ausstellung "Target" erkannte er alle existierenden Stile - Kubismus, Futurismus, Orpheismus und andere. Am 5. November desselben Jahres stellte Zdanevich sein Konzept in Moskau zum Abschluss der Ausstellung von Natalia Goncharova öffentlich vor. Der Vortrag hieß „Natalia Goncharova und All-Glück“. Danach ging Zdanevich nach St. Petersburg, um dort in Vorträgen und Debatten die Idee der Allmacht zu propagieren. Diese Auftritte waren charakteristisch für den unverschämten Charakter der Avantgarde. So schminkte Zdanevich am Ende der Aufführung „Face Painting“ am 9. April 1914 sein Gesicht mit schwarzer Farbe, und am 17. April desselben Jahres leugnete er bei der Aktion „Anbetung des Schuhs“ alles, was war galt als schön und besang die Schönheit des Schuhs „schön, wie Autos und Motoren“.
Zaun malen
Der Appell an die Handlungen und den Stil der Inschriften auf den Zäunen ist eines der charakteristischsten Merkmale der Avantgarde und des Neoprimitivismus. Diese Richtung macht sich besonders in den Werken von Larionov aus der neoprimitivistischen Zeit bemerkbar.
Konstruktivismus
El Lissitzky. Projekt eines Wolkenkratzers in der Nähe der Nikitsky Gates, Blick vom Tverskoy Boulevard charnelhouse.org Aus dem Lateinischen constructio – „Konstruktion“. Die Hauptmerkmale des Konstruktivismus sind Strenge, Prägnanz und geometrische Formen. Der Stil wurde 1922 im gleichnamigen Buch des Künstlers und Kunsttheoretikers Alexei Gan offiziell benannt. Zu den bekanntesten Konstruktivisten zählen Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova, die Architekten Moses Ginzburg, Konstantin Melnikov und die Brüder Vesnin. Am weitesten verbreitet war der Konstruktivismus verschiedene Bereiche künstlerisches Schaffen: Bühnenbilder und Kostüme, Buchgestaltung, Architektur etc.
Kosmismus
Lazar Khidekel. Städte der Zukunft. Oberirdische Stadt. 1927 newsfeed.kosmograd.com Ein philosophisches Konzept, das in den 1870er Jahren entstand und sich auf Philosophen und Wissenschaftler bezieht, die über den außerirdischen Weltraum und den Kosmos nachdachten. Gegenstandslose oder abstrakte Kunst trug zur Entwicklung des Kosmismus bei, während Malewitschs Schüler – der Künstler Ivan Kudryashov und der Architekt Lazar Khidekel – den kosmischen Aspekt der geometrischen Nicht-Objektivität und die Ideen des Kosmismus entwickelten.
Kubismus
George Braque. Geige und Leuchter. 1910 San Francisco Museum of Modern Art Der Kubismus entstand in Frankreich im Herbst 1908 in den Werken von Georges Braque und Pablo Picasso. Es dringt auf verschiedenen Wegen nach Russland ein. So bringt die Künstlerin Alexandra Exter regelmäßig verschiedene Informationen über den neuen modischen Stil aus Paris, und 1908 öffnet der Sammler Sergei Ivanovich Shchukin sein Herrenhaus in der Bolshoy Znamensky Lane für alle. Die Sammlung enthält unter anderem Werke der Kubisten, und zukünftige Tamburine besuchen regelmäßig die Galerie. 1912 wurde ein Artikel des Künstlers und Dichters David Burliuk „Cubism“ in der Sammlung „A Slap in the Face of Public Taste“ veröffentlicht. Kubismus, schreibt er, impliziere ein flaches Verständnis der Welt oder einen Kanon einer verschobenen Konstruktion, und seine wichtigste Technik sei die Darstellung eines Objekts aus mehreren Blickwinkeln. Drei Jahre später definiert Kasimir Malewitsch im Manifest „Vom Kubismus zum Suprematismus“ das Wesen der Bewegung als „Dissonanz“, die aus dem „Aufeinandertreffen zweier Formen“ resultiert: „Im Prinzip des Kubismus liegt noch immer eine sehr wertvolle Aufgabe , nicht um Objekte zu übertragen, sondern um ein Bild zu machen.<...>In unserer Ära des Kubismus hat der Künstler das Ding als solches mit seinem Sinn, Wesen und Zweck zerstört.
Kubofuturismus
Natalia Gontscharowa. Fabrik. 1912 Staatliches Russisches Museum Zum ersten Mal wurde dieses Konzept 1912 von dem französischen Kritiker Marcel Boulanger verwendet, und im nächsten Jahr verbreitet sich der Begriff in der russischen Kultur. Die poetisch-künstlerische Gruppe "Gileya", sowie die Künstler des Kreises der "Union of Youth" verstehen sich als Kubo-Futuristen. In kubo-futuristischen Arbeiten erscheint die Welt in Fragmente zersplittert oder in Elemente zerlegt. Im November 1913 bezeichnet Malewitsch seine Werke im Katalog der Union of Youth-Ausstellung als kubo-futuristisch. In den Jahren 1912-1913 erschien das kubo-futuristische Gemälde von Natalia Goncharova ("Fabrik").
Linke Kunst
Alexander Rodtschenko. Magazin-Cover-Option "Lef" "Lef"- "Left Front", eine Zeitschrift, die 1923-1925 in Moskau veröffentlicht wurde, Chefredakteur - Vladimir Mayakovsky. Mehrere Zimmer sind von Alexander Rodtschenko dekoriert.(Karikatur von O. Brik). 1924 Staatliches Museum Bildende Kunst ihnen. A. S. Puschkin
Im Frühjahr 1915, nach der Ausstellung von Gemälden linker Strömungen in Petrograd, wurde der Begriff "linke Kunst" zusammen mit dem Begriff "Futurismus" auf innovative Kunst angewendet. 1917 wurden drei Verbände gegründet; eine von ihnen hieß "links" und vereinte die Mehrheit der Avantgarde-Künstler. Bis 1919 änderte der Begriff seine Bedeutung: Jetzt heißt er gegenstandslose und proletarische Künstler. Letztere bildeten Anfang der 1920er Jahre eine Gruppe um die Zeitschrift Lef.
Lineismus
Alexander Rodtschenko. Lineares Design Nr. 108. 1920 monoskop.org 1919 wurde der Begriff von Alexander Rodtschenko erfunden und bezeichnet eine der Strömungen in der gegenstandslosen Kunst. „Die Linie als Konstruktionselement und als eigenständige Form der Malerei eingeführt und angekündigt“, schrieb er im Manifest des frühen Konstruktivismus.
Rayismus
Michail Larionow. Hahn (Strahlende Studie). 1912Eines der ersten von Mikhail Larionov entwickelten nicht-objektiven Malsysteme. Der Rayonismus, glaubte Larionov, sollte die sichtbare materielle Welt und die spirituelle Welt in einer einzigen Harmonie verbinden. 1912 schuf der Künstler die ersten luchistischen Werke, die gleichzeitig auf den Ausstellungen der World of Art gezeigt wurden. In den Jahren 1913 und 1914 wurde Larionovs Luchist-Gemälde auf den Ausstellungen Target und Number 4 ausgestellt. Der realistische Rayonismus ist durch animalische Handlungen gekennzeichnet. Für die nächste Stufe des Rayonismus - Pneumorayismus - die Verwendung anderer Techniken (z. B. Pappmaché-Einlagen, Zeichen wie Notizen, Kreuze usw.).
Orientalismus
Ein wichtiger Bestandteil des Künstlerprogramms Frühe Avantgarde. Der Einfluss der orientalischen Kunst spiegelte sich hauptsächlich in Theorien und Manifesten wider und zog Avantgarde-Künstler mehr mit Handlungen und Themen als mit Techniken an. Wichtig war das Eintauchen in die Atmosphäre des Ostens und nicht das Studium der Besonderheiten der Kunst. Die theoretische Begründung für den Orientalismus wurde von Mikhail Larionov und Ilya Zdanevich entwickelt. Und genau die Liebe zum Osten wurde zum Grund für Larionovs Bruch mit dem „Karobuben“ - der Künstler warf seinen Mitgliedern nachahmenden Westernismus vor. Mitte der 1910er Jahre geriet das Thema Osten jedoch in Vergessenheit, und der Orientalismus hatte sich erschöpft.
Primitivismus
Michail Larionow. Frühling. Jahreszeiten (neues Primitiv). 1912 Staatliche Tretjakow-Galerie Die Richtung der frühen russischen Avantgarde (Ende 1900 - Anfang 1910). Zu den Merkmalen des Primitivismus gehören infantile, kindliche Formen und Proportionen von Figuren, unbeholfene Plastizität, Nachahmung der Amateurzeichnung und naive Fabelhaftigkeit. Die grundlegende Rolle spielte hier das Vertrauen auf die nationale Tradition, auf Muster von alten und Volkskunst, zuallererst die Ikone, Schiene, skulpturale Archaik. Zum ersten Mal wurde das Wort von dem Dichter und Kritiker Sergei Makovsky in einem Artikel über die Ausstellung „Blaue Rose“ verwendet: „Sie sind Vorboten des Primitivismus, zu dem die moderne Malerei gekommen ist, und suchen eine Wiederbelebung an den Quellen – in direkter Kreativität, nicht erschöpft durch das Gewicht der historischen Erfahrung.<...>Der moderne bewusste Primitivismus, verstanden als Hauptaufgabe, ist der letzte Sieg der künstlerischen Befreiung. Im Sommer 1907 wurde der Begriff auch in der Ankündigung der Burliuk-Ausstellung in Cherson verwendet.
Suprematismus
Kasimir Malewitsch. Untitled. Um 1916 Die Peggy-Guggenheim-Sammlung der Solomon R. Guggenheim Foundation, Venedig So beschrieb Malewitsch im Dezember 1915 seine auf der "Last Futurist Exhibition" 0.10 "gezeigten Werke". Sein „Schwarzes Quadrat“ eröffnete ein neues Experimentierfeld – eine rein geometrische, gegenstandslose Form. Anfang 1920 ging Malewitsch nach Witebsk, um dort zu lehren, und dort wurde der Suprematismus zur Grundlage der neuen Pädagogik von Unovis - "Affirmatives of the New Art".
Futurismus
Giacomo Balla. Geschwindigkeit + Sound. 1913-1914 Die Peggy-Guggenheim-Sammlung der Solomon R. Guggenheim Foundation, Venedig, 1976 Aus dem italienischen Futuro - "Zukunft". Der Futurismus entstand 1909 in Italien dank Filippo Tommaso Marinetti und verbreitete sich in allen Bereichen des künstlerischen Schaffens. Grundlage des Futurismus ist eine neue Kunstsprache, die der veränderten Welt entspricht. Laut David Burliuk begannen russische Künstler und Schriftsteller 1911, den Begriff zu verwenden. Die Futuristen selbst nannten sich damals jedoch Futuristen oder Zukunftsmenschen. Die Gruppen, die dem Futurismus am nächsten standen, waren Donkey Tail und Youth Union. Der Futurismus war bis 1914 in der russischen Malerei besonders beliebt.
Das Wort Avantgarde selbst stammt aus dem Militärvokabular, wo es eine kleine Eliteabteilung bezeichnet, die vor der Hauptarmee in feindliches Gebiet einbricht und ihr den Weg ebnet, und die kunsthistorische Bedeutung dieses Begriffs als Neologismus ist gebraucht Alexandre Benois(1910), erworben in den ersten Jahrzehnten des zwanzigsten Jahrhunderts. Seitdem wird die klassische Avantgarde als die Gesamtheit heterogener und unterschiedlich bedeutender künstlerischer Bewegungen, Strömungen und Schulen bezeichnet, die im Schoß der Klassik oder anders gesagt der Ersten Moderne geboren wurden und ihre rebellische Opposition gegen die zeitgenössische Moderne manifestierten Norm und insbesondere die traditionelle Vorstellung von Kunst, ihre Aufgaben und Formen. „Der Modernismus“, bemerkt Lev Rubinshtein heute, „als ob er die Grundwerte der traditionellen Kunst akzeptiert, sich aber mit der Erneuerung der künstlerischen Mittel beschäftigt, um die sogenannten ewigen Aufgaben der Kunst zu lösen. In diesem Sinne ist es dasselbe traditionelle Kunst, aber mit einer neuen Sprache aufgenommen, um dasselbe zu beschreiben. Die Avantgarde dagegen schafft immer wieder eine andere Kunst, sie erneuert nicht ihre Mittel, sondern den Gegenstand der Kunst selbst. Diese Prinzipien, d.h. demonstrativer und oft aggressiver Radikalismus, „die Dominante der Nicht-Traditionalität“, die Alexei Zverev als das „Hauptunterscheidungsmerkmal“ des gesamten Phänomens herausstellte, sowie der Sprung vom Setting zur Rekonstruktion der Realität in erkennbarer und vitaler Weise authentische Formen bis zu ihrer totalen analytischen Deformation hat die Avantgarde bewahrt und in ihrem neuen Aufkommen, das als ästhetisch scharfe Reaktion auf die zweite Periode der Moderne in unserem Land zeitlich mit dem kurzfristigen, aber stürmischen Siegeszug der „ Gegenkultur“ in der westlichen künstlerischen Praxis.
Jetzt wird die Avantgarde „archiviert“, um den Begriff von Boris Groys zu verwenden, nicht weniger als die Moderne oder, sagen wir, die Klassik. Aber da Kunstrevolutionäre mit über ein Jahrhundert nicht erkalteter Begeisterung immer noch bereit sind auszurufen: „Die Avantgarde ist tot, aber ich lebe noch!“ Es macht Sinn, erstens genetisch zu inventarisieren Gemeinsamkeiten und die Vorzeichen dieses Phänomens insgesamt, und zweitens, um auf die Unterschiede zwischen der klassischen Avantgarde und derjenigen hinzuweisen, die in den 1950er und 1960er Jahren wieder auflebte und später in ein dramatisches Bündnis-feindliches Verhältnis zur Postmoderne eintrat immer noch als modern empfunden.
Wenn wir also über Konstanten sprechen, sollten sie Folgendes enthalten:
- a) die bedingungslose Bevorzugung von Ausdruckskraft gegenüber Bildhaftigkeit, und der kreative Prozess - für kreative Ergebnisse, der im Bereich des Theaters zu einem Probenkult mit Anatoly Vasiliev, im Bereich des Kinos - zu ermüdenden langen Drehs mit Alexei German und Yuri führt Nordshtein und im Bereich der Literatur - zur Priorität von Entwürfen gegenüber bereits replizierten „Meisterwerken“ (der legendäre mit Manuskripten gefüllte Khlebnikov-Kissenbezug ist eine geräumige Metapher für diesen Diskurs);
- b) die Absage an die traditionelle Einteilung der Literatur in fachliche und nicht-fachliche Literatur, begleitet von einer energischen Absage an alles, was als „akademisch“, „museal“ bezeichnet wird, und im Gegenteil, ein kreatives Interesse an Folklore (vor allem exotisch ), naive Kunst, Graphomanie, Kreativität von Kindern, Geisteskranken, Alkoholikern und Drogenabhängigen;
- c) eine bewusste und manchmal schockierende Haltung gegenüber „Unverständlichkeit“ als Mittel zur Überwindung (oder Zerstörung) des Automatismus der ästhetischen Wahrnehmung, weshalb laut Maxim Shapir „Mißverständnisse, vollständig oder teilweise, organisch in die Avantgarde-Künstler eintreten Plan und verwandelt den Adressaten vom Subjekt der Wahrnehmung in ein Objekt, in ein ästhetisches Ding, das von seinem Schöpfer-Künstler bewundert wird“;
- c) der Wunsch, die Grenzen zwischen verschiedenen Genres und darüber hinaus einzelnen Kunstgattungen zu verwischen, was in Mischformen wie visueller (einschließlich Vakuum) und klangvoller Poesie gipfelt;
- d) ein "technischer" Ansatz zur Kombination scheinbar zufällig unter dem Arm aufgetauchter Materialien und die praktische Nutzung der Errungenschaften des wissenschaftlichen und technologischen Fortschritts sowie, wie Boris Groys betont, - die Bereitschaft und " Fähigkeit, einem Objekt Wert zu geben, das "nicht verdient", d.h. ist an sich nicht wertvoll, vor und abgesehen von seiner Wahl zum Künstler“ (die berühmte Toilettenschüssel, die Marcel Duchamp in den Louvre gebracht hat, und die zerknitterten, leicht verschmutzten Laken, die Sergey Provorov und Ignat Filippov als visuelle Poesie positionieren, sind ästhetisch synonym dafür Respekt);
- e) die Suche nach einer eigenen, „zertifizierten“ Gattung, Technik oder Technik, die im Bewusstsein der Öffentlichkeit und im Gedächtnis der Kultur fortan strikt mit diesem und keinem anderen Namen verbunden sein wird (so die Visitenkarte von Dmitry Avaliani Blattwender, Alexander Gornon interessiert sich ausschließlich für Phonosemantik, und Lev Rubinstein ist derjenige, der Gedichte auf Karteikarten schreibt);
- f) aktives lebensbildendes Pathos, denn Biografien für Avantgarde-Künstler sind nicht weniger Gegenstand der Manipulation als Kunstwerke, und in diesem Sinne sagen sie zu Recht über Dmitry Aleksandrovich Prigov, dass sein eigenes Image seine höchste kreative Leistung ist;
- e) die unerhörte und skandalöse Natur der Präsentation von Avantgarde-Künstlern ihrer selbst und ihrer Werke, aufgrund derer diese Präsentationen oft als Theaterstücke oder Performances gespielt werden.
All dies weist darauf hin, dass in seinem eigenen Eintauchen in den chaotischen, ästhetisch schlappen und ethisch unkoordinierten Kontext der Postomoderne, die bereits in unserem Jahrhundert stattgefunden hat, mit seiner totalen Ironie und grundsätzlichen Ablehnung jeglicher Zielsetzung, sowohl in der Kunst als auch in Leben musste sich die Avantgarde ernsthaft wandeln. Er litt – verlor fast vollständig seinen Utopismus und seinen revolutionären Impuls, nicht nur die Kunst, sondern auch die Realität neu zu organisieren. Vielleicht geschah dies, weil, wie Boris Groys nicht ohne Ironie sagt, „es zu Stalins Zeiten wirklich möglich war, den Traum der Avantgarde zu verwirklichen und das gesamte gesellschaftliche Leben in einheitlichen Kunstformen zu organisieren, wenn auch natürlich nicht in diejenigen, die der Avantgarde selbst wünschenswert erschienen. Aber wie dem auch sei, „die heutigen Avantgarde-Künstler haben nicht Mayakovskys messianischen Anspruch, Machtwillen und tribunenhafte Natur geerbt, sondern Khlebnikovs Rolle als privater „kleiner Mann“, der natürlich den „Zemshar Vorsitzende“, widerspricht aber nicht, dass diese Aufträge unerfüllt oder nur in Träumen durchführbar blieben. Avantgardisten verstecken sich entweder vor der Öffentlichkeit in ihren Labors, die nur einem engen Kreis von Eingeweihten zugänglich sind (wie Ry Nikonova oder Viktor Sosnora), oder sie sind im Falle einer öffentlichen Manifestation eher eine Figur des Showbusiness als ein Denkmal Mayakovsky oder Svoboda auf den Barrikaden.
Möglicherweise war dieser Verlust gesellschaftlicher Ambitionen, wenn Lebensgestaltung bewusst nicht auf die Gesellschaft, sondern nur auf das eigene Image abzielt, einer der Gründe für die Marginalisierung der heutigen Avantgarde, ihr Herausfallen aus der Zone von künstlerisches Risiko und Fokus der Lesererwartungen. Allerdings, um noch zwei zu nennen mögliche Gründe. Hier ist die erste, formuliert von Jan Shenkman, der bemerkte, dass „der Leser keine Experimente mag. Denn das gelingt ihnen selten. Auf einen erfolgreichen Experimentator kommen fünfzehn bis zwanzig Opfer von Fortschritt und Zivilisation. Ihre Namen sind unsterblich, ihre Leistung ist unsterblich. Literarischer Prozess ohne sie fast unmöglich. Literatur - ganz. Und über den zweiten Grund sagte die Nowosibirsker Forscherin E. Tyryshkina zart: „Der Moment der Meisterschaft in der Avantgarde wird reduziert“, und man kann auch annehmen, dass auch der Begriff des Talents, des kreativen Talents, reduziert wird, was letztendlich - Wer wird argumentieren? - sie entscheiden absolut alles in der Kunst.
Es ist allgemein anerkannt, dass der Avantgarde-Trend in der Kunst im 20. Jahrhundert entstand. Dies wird von allen modernen maßgeblichen Quellen angegeben. Wir lesen im Wörterbuch der Fremdwörter: „Avantgarde (fr. avantgardisme) - Avantgarde - der Name einer Reihe von Trends in der Kunst des zwanzigsten Jahrhunderts, die mit bestehenden realistischen Normen und Traditionen brechen, Mittel aktualisieren künstlerische Ausdruckskraft. Avantgardisten sehen in der Kunst eine besondere ästhetische Sphäre ohne gesellschaftliche Bedeutung; die formale erneuerung der künstlerischen ausdrucksmittel ist von überragender bedeutung.
Im sowjetischen enzyklopädischen Wörterbuch: „Avantgardismus (französisch Avantgardisme) ist eine Bewegung in der künstlerischen Kultur des 20. Jahrhunderts, die mit bestehenden Normen und Traditionen bricht und die Neuheit der Ausdrucksmittel zum Selbstzweck macht. Der Avantgardismus ist eng mit der Moderne verwandt und spiegelt ein anarchistisch-subjektivistisches individualistisches Weltbild wider. Die Prinzipien der Avantgarde wurden von solchen literarischen und künstlerischen Bewegungen wie Expressionismus, Kubismus, Futurismus, Dadaismus, Surrealismus übernommen. Es wurde auch von "Strom der Bewusstseinsliteratur", "Neuer Roman", absurdes Drama und andere" aufgenommen.
Im Humanitären Enzyklopädischen Wörterbuch: „Avantgardismus (französische Avantgarde - Vorwärtsdistanz) ist eine Bewegung in der künstlerischen Kultur des zwanzigsten Jahrhunderts, die mit den etablierten Prinzipien und Normen der Kunst bricht; das Streben nach grundlegend neuen Ausdrucksmitteln der künstlerischen Sprache und Möglichkeiten der Beeinflussung des Publikums. Der Avantgardismus vereint mehrere äußerlich unterschiedliche Strömungen, deren ästhetisches Wesen auf eine offen erklärte oder verdeckte Ersetzung der zentralen ästhetischen Kategorie durch die schöne Kategorie des Neuen, Ursprünglichen hinausläuft.
Die offiziellen, akademischen, maßgeblichen Verlage von Enzyklopädien geben also einstimmig zu, dass die Avantgarde als fortgeschrittene Bewegung in der Belletristik im 20. Jahrhundert entstanden ist. Es scheint, dass in der neuen Ausgabe der zwanzigbändigen Großen Russischen Enzyklopädie auch anerkannt wird, wie man früher glaubte, dass die Strömung der Avantgarde als solche im zwanzigsten Jahrhundert entstand. Ist das wirklich? Die Frage ist nicht müßig, da bekannt ist, dass ein Bruch eines Gliedes im System künstlerischer Werte dies auf die eine oder andere Schwäche der gesamten Kette hindeutet.
Um die Frage zu klären: Ist der Avantgardismus als künstlerische Kulturströmung wirklich im 20. Jahrhundert entstanden? -- Der Autor dieses Artikels analysierte die Prozesse des poetischen Schaffens in der Weltliteratur von der Renaissance bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts und analysierte auch die Entwicklungsgeschichte der poetischen Lyrik der Vergangenheit von der Antike. Der Autor dieses Artikels machte in seiner Studie auf das Werk des amerikanischen Dichters Walt Whitman aufmerksam. Mehr als anderthalb Jahrhunderte sind vergangen, seit Walt Whitman den Gedichtband Leaves of Grass (4. Juni 1855) veröffentlichte. Das Buch entmutigte amerikanische Leser buchstäblich, verblüffte sie mit Mut und Innovation, begeisterte die amerikanische Zeitungswelt, und Vorwürfe und Anschuldigungen aller Todsünden regneten auf den Autor herab; Unmengen vulgärer Parodien und Beleidigungen ergossen sich gegen ihn.
Aber wer ist er, dieser Emporkömmling, - die Leser waren ratlos, - und was erlaubt er sich? Das ist eklatante Blasphemie gegen Gläubige. Er gibt vor, Gott zu sein. Er ist einfach ein unmoralischer und unverschämter Schreiberling...
„Laut Whitman stellt sich heraus“, schrieb Lanier, „dass, wenn die Prärie riesig ist, Ausschweifungen lobenswert sind, und wenn der Mississippi voll fließt, dann ist jeder Amerikaner Gott.“
In seinen Schriften stattete Walt Whitman den sündigen Menschen mit den Eigenschaften des Sohnes Gottes aus. Er hat seine Verpflichtung gegenüber allen Göttern und Göttern, die jemals auf Erden verehrt und verehrt wurden, nicht geleugnet. Whitman kritisierte die perverse Gesellschaft, ihre Heuchelei und Heuchelei und argumentierte, dass alle darin gleichgestellt seien. Menschenwürde mit den Tugenden allen Lebens auf der Erde.
Whitmans Miniaturen, in freier Form (freie Verse) geschrieben, waren eine Schule für viele angloamerikanische Imagisten – Richard Aldington, Hilda Doolittle, Ezra Pound, David Herbert Lawrence. Auf Whitman folgten Carl Sandburg, der den Stil seiner Arbeit übernahm, und Edgar Lee Masters.
Whitmans Innovation wurde von russischen Dichtern begrüßt. Russische Dichter wurden nicht nur seine Bewunderer, sondern einige von ihnen folgten in bestimmten Fällen in ihrem poetischen Werk mehr oder weniger dem Beispiel seiner Avantgarde. So sind zum Beispiel Fets Weltraumthemen zweifellos von Whitmans Poetik inspiriert. Whitman ruft in „Song of Myself“ aus:
Große helle Sonne, wie schnell würdest du mich töten
Wenn nicht dieselbe Sonne in mir aufgehen würde...
Zweifellos wendet sich Fet unter dem Einfluss dieses Fragments an Gott:
Nein, du bist mächtig und für mich unbegreiflich
Die Tatsache, dass ich selbst, machtlos und augenblicklich,
Ich trage in meiner Brust, wie dieser Seraph,
Feuer ist stärker und heller als das ganze Universum...
I. S. Turgenev war fasziniert von Whitmans poetischen Übersetzungen, obwohl sie nicht von ihm veröffentlicht wurden:
Beat, beat, drums! - Schlag, schlag, schlag!
Durch die Fenster, durch die Türen - stürmen Sie herein wie die dreiste Kraft rücksichtsloser Menschen.
Der Prototyp des Nihilisten Bazarov in der Arbeit von I. S. Turgenev "Väter und Söhne" war Whitman. Es ist bekannt, dass Whitman während des Krieges in Nord- und Südamerika, während er in einem Militärkrankenhaus arbeitete, seine Hand berührte, auf der sich ein Schnitt befand, an der brandigen Wunde eines Soldaten, eine Blutvergiftung erhielt und für die Rest seines Lebens war bettlägerig, gelähmt. Trotzdem blieb Whitman fröhlich. Ebenso tragisch gestaltete sich das Schicksal von Turgenjews Bazarov, der bei der Versorgung des Patienten eine Blutvergiftung erlitt.
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts „berührte“ Konstantin Balmont Whitmans poetische Schule. Wenig später tauchte in Russland eine ganze Galaxie von Anhängern der Whitman-Schule auf - Blok, Mandelstam, Mayakovsky. Es wurde allgemein angenommen, dass Mayakovsky seine poetische Schreibweise von Whitman im Allgemeinen übernommen hatte. In diesem Zusammenhang erschien das bekannte unfreundliche Epigramm von Yesenin auf Mayakovsky:
Äh, Ausschlag! Äh, Hitze! Mayakovsky - Mittelmäßigkeit!
Das Gesicht wird mit Öl gepflegt“, enthäutete Whitman.
Man kann davon ausgehen, dass sich die avantgardistische Richtung der poetischen Kreativität zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts entlang zweier Hauptkanäle entwickelt hat, der Whitman-Schule und der Nietzsche-Schule. Symbolismus und Akmeismus orientierten sich mehr an Nietzsche, während Futurismus und Imagismus aus Whitmans Quelle gespeist wurden. Es ist auch bemerkenswert, dass Whitmans Ideen sogar von einigen orthodoxen Hierarchen akzeptiert wurden. Der bekannte Ausdruck von Anthony of Surozh wiederholt genau Whitmans Idee, dass "... der Mensch nirgendwo Glückseligkeit findet, außer in sich selbst, sondern in der Gegenwart Gottes."
Walt Whitmans Buch "Leaves of Grass" versetzte die Welt mit Mut und Innovation in Erstaunen, beeinflusste radikal den Entstehungsprozess der Weltliteratur, war wirklich Avantgarde im höchsten und weitesten Sinne des Wortes. Als Ausgangspunkt für die Entstehung der Weltavantgarde-Poesie sollte daher nicht das 20. Jahrhundert, sondern die Mitte des 19. Jahrhunderts angesehen werden.
Die Weiterentwicklung der Avantgarde-Kunst, auch in Russland, ist bis heute bekannt, einschließlich ihres aktuellen Standes mit dem Aufkommen von neue Schule absurde Miniatur, deren Gründer ein junger, begabter Schriftsteller ist, Yuri Tuboltsev, ein gebürtiger Russe, der jetzt in Deutschland lebt. Leser der Zeitschrift „Wissen. Verständnis. Skill“ kennt den Inhalt seiner „Poetics of Expanded Absurdity“ bereits aus dem veröffentlichten Artikel „Yuri Tuboltsev und die literarische Miniatur der Avantgarde“.
Yuri Tuboltsev war der Erste, der es zu spüren bekam kritische Situation in der Literatur und richtete den Hauptvektor seiner kreativen Bemühungen sofort auf einen neuen, unbekannten Meilenstein im Avantgardismus - die Absurdosophie, die Philosophie der erweiterten Absurdität. Er wird sich der schwierigen Aufgabe stellen, sich auf dem so entstandenen Standbein im Internet und in der traditionellen literarischen Sphäre zu etablieren. Avantgardismus wird durch das Leben selbst zum Leben erweckt; die Realität selbst fordert die entsprechende Kreativität der Meister des Wortes, und in der Regel werden junge Autoren zu Führern der neuen Richtung. Yuri Tuboltsev betritt zielstrebig und beharrlich, verhärtete Gewohnheiten überwindend, die Weiten eines neuen literarischen Feldes. Der junge Autor bringt viele ästhetische Schönheiten auf ungewöhnliche, groteske Weise zum Ausdruck. Gedichte und Miniaturen seiner Poetik des Absurden zeichnen sich durch ihre Vielseitigkeit und Originalität im Umgang mit dem Verhältnis von Realität und Fiktion aus. Seine exquisiten Miniaturarbeiten sind sowohl in Bezug auf künstlerisches Wort, und ihr praktischer Zweck; sie zeigen die Kehrseiten einer umfassenden Lüge, Heuchelei, Ekel, Gier, Unzuverlässigkeit der Machthaber usw. Seine Themen sind modernes absurdes Leben („Poetik der erweiterten Absurdität“), wo figurative Repräsentanten („Helden der Schweinezeit“) im Überfluss.
So wird der Zeitpunkt der Entstehung der Avantgarde-Poesie bestimmt - Mitte des neunzehnten Jahrhunderts leichte Hand Walt Whitman (1855, Grasblätter). Auch die moderne Strömung der Avantgarde-Literatur wurde definiert – die „Poetik der erweiterten Absurdität“, die Absurdosophie. Aber es stellt sich eine andere Frage: War Avantgarde-Dichtung in einer früheren historischen Periode bekannt? Versuchen wir, in die ältesten Quellen der Poesie einzudringen - alte indische Slokas (Verse). Viele fortgeschrittene Menschen unserer Zeit in der Zeit der aktuellen Verschärfung der Weltkrise in Europäische Zivilisation im Allgemeinen und in Spiritualität, Kunst, Kultur und Literatur im Besonderen dachten sie über alles nach, was geschah. Es trat Ernüchterung ein und eine Phase des Nachdenkens zum Thema: „Wohin können wir als nächstes gehen?“ Immer mehr Menschen richteten ihren Blick auf den „Stern des Ostens“ – auf das Land des alten Bharata, der Wiege der Menschheit. Richten wir unser geistiges Auge und wir nach Osten. Versuchen wir, die Antwort auf die Frage zu finden, die uns interessiert: War die Avantgarde-Poesie in der Antike auf dem Territorium des modernen Indien bekannt?
Die Devanagari-Sprache ist die älteste Sprache der Erde. IN goldenes Zeitalter der Menschheit sprachen alle Menschen dieselbe Devanagari-Sprache, die das ursprüngliche Silbensystem der Schrift war, das in die Sanskrit-Sprache umgewandelt wurde. Ähnlichkeit der Sanskrit-Sprache mit Slawisch besonders bei den ostslawischen Sprachen auffallend - in Bezug auf den lexikalischen Grundstock, die grammatikalische Struktur, die Rolle der Formanten und viele andere Besonderheiten. Wie die russische Sprache haben die Sanskrit- und Devanagari-Sprachen einen außergewöhnlichen Reichtum, eine Flexibilität von Konsonantenklängen, als visuelles Mittel der Klangstruktur von Wörtern, die für andere Sprachen nur in geringem Maße charakteristisch ist. Die Instrumentierung und Klangstruktur einer Sanskrit- und russischen Phrase kann sich erheblich von der Instrumentierung und Klangstruktur ihrer Einzelwörter unterscheiden. Solche Eigenschaften der Sprache schaffen ein sehr kraftvolles und originelles künstlerisches Ausdrucksmittel, das fast nicht in Übersetzungen übertragen wird. Dies ist eine sehr wichtige Originalität, die der Poetik der russischen Poesie und den poetischen Slokas des Sanskrit innewohnt.
Wie in der russischen Poesie kommt auch in der Sanskrit-Dichtung inneren Reimen, Assoziationen und Alliterationen eine wichtige Rolle als künstlerisches Ausdrucksmittel zu. Obwohl solche poetischen Techniken, wie Bryusov zeigte, bereits von Puschkin weit verbreitet waren, wurden sie theoretisch von Dichtern des späten neunzehnten und frühen zwanzigsten Jahrhunderts entwickelt. Von den russischen Dichtern wurden sie von A. Bely, V. Bryusov sorgfältig studiert; Die Symbolisten und Futuristen betrachteten diese Techniken als besondere Errungenschaften der modernen Poetik und stellten sie zur Schau („... Und die Assonanzen schneiden wie Säbel den Reim in Eile“, I. Severyanin). Dies ist jedoch überhaupt nicht der Fall. Alle genannten Techniken waren bereits in der Antike bekannt. Sie waren perfekt im Besitz der Dichter Griechenlands und Roms.
Man muss sich nur fragen, inwieweit die Sanskrit-Dichtung, sogar die Epos, diesen „neuesten Schrei der Mode“ subtil und nachdenklich verwendet. Welche russische Modernität und Avantgarde atmet Sanskrit-Poesie. In so epischen Denkmälern wie "The Tale of Rama", ziseliert in der Form und perfekt in der Sprache, gibt es alle Arten von Alliterationen, Binnenreimen. Ihr Reichtum scheint unerschöpflich zu sein, „Lakshmanas Motiv“ - manchmal auf Sh - auf L, mit einer Vielzahl von Instrumenten und verschiedenen Variationen von Alliterationen (russische Dichter A. S. Puschkin, V. V. Mayakovsky, V. Ya Bryusov und andere). Es ist hier sogar angebracht, von „charakteristischen Motiven“ im Sinne Wagners zu sprechen, die sowohl konstruktiv als auch instrumental mit ungewöhnlicher Komplexität entwickelt wurden.
"The Tale of Rama" ist eine poetische Geschichte über die Beherrschung des neuen Landes durch die Arier, wo sie dazu bestimmt waren, über viele Jahrtausende einen Staat und eine Kultur zu errichten. Rama wird als Gründer des arischen Indien geehrt. Im Laufe der Zeit nahm das Ramayana die Form des Mahabharata an. Als Beispiel für die Gegenwart avantgardistischer Ausdrucksformen im Mahabharata-Epos wollen wir einen Auszug aus dem Lied der Witwe auf dem Schlachtfeld von Kurukshetra nach der Schlacht anführen.
Witwe (Rezitativ)
Mein Herr Supreme,
Habe ich nicht recht?!
Lass ihn lebendig werden
Ohne einen Freund - ich bin tot ...
Brauche keinen Freund
Ich habe Brot und Blut!
Brauche keinen Freund
Mir der Himmel des Tages!
Sie müssen keinen Freund mitbringen
Ich bin Frühlingsfarbe!
Brauche keinen Freund
Ich bin glücklich und leicht!
Ich brauche kein Zuhause
Felder und Gärten!
Ohne einen Freund, mein Leben
Nicht nötig! Nicht nötig!..
Lass ihn leben!
Ich bin tot ohne einen Freund!
Mein Herr Allmächtiger
Habe ich nicht schon Recht?
Und ein weiteres Beispiel für die Präsenz von Avantgarde in den Sanskrit-Slokas des Mahabharata: ein Ausschnitt aus dem Stück „Vision of the Mahabharata“ während der Schlacht auf dem Schlachtfeld von Kurukshetra.
Verlust von Rädern und Achsen und Deichsel,
Zusammenstoß in der Streitwagenschlacht. Und der Fremde
Und die Einheimischen, sie wurden in Qualen gequält.
Die Elefanten stürzten bedrohlich ins Dickicht der Reiter.
Trampling von Pferden, Streitwagen und Kavallerie.
Und die Pfeile durchbohrten die wütenden Elefanten.
Und die Elefanten fielen übereinander auf einen Haufen,
Und die Bezirke hallten wider von ihrem Gebrüll.
Und die Leute stöhnten und die Pferde wieherten.
Und die Täler bebten und die Gipfel zitterten,
Die Pandavas auf Bhishma sind voller Wut
Sie griffen mit Pfeilen rechts und links an:
Zupacken, umwerfen, in den unteren Rücken schlagen! --
Die Kämpfer schrien und umringten den Streitwagen ...
Und es gab keinen Platz für Bhishma auf dem Körper,
Wo würden die Pfeile nicht wie Regenströme leuchten b:
Herausragen wie Nadeln inmitten von Blut und Dreck,
Wie auf einem Stachelschwein!..
So fiel Bhishma vor den Augen seines Rati,
Fiel bei Sonnenuntergang von seinem Streitwagen.
Nach Osten fiel Kopf, drohend -
Unsterbliche und Sterbliche hörten Schreie,
Fallen bei Sonnenuntergang - auf einem blutigen Feld,
Er gab den Pandavas Mut und Festigkeit.
Aber dies, das Stärkste in der Familie, ist ein Sturz,
Dann wurden die Kauravas in Verwirrung gestürzt.
Dieser Stamm, beklagten sie, fiel vom Streitwagen,
Ohne Maß maß er die Kuru der Grenze.
Aus dem zerstörerischen Kampf in Angst, zurückschreckend,
Krieger zweier Vernichtungslager …
Sie sind ohne Schilde und kriegerischen Stahl,
Rund um Bhishma, den berühmten Krieger aus Stahl…
Er war umgeben von Freunden und Feinden,
Wie der Schöpfer der Welt von Gottheiten umgeben ist
Ehre den tapferen Mann, vergiss den Ort,
Die Pandavas kamen zusammen mit den Kauravas!..
Die Essenz des tragischen Konflikts in der indischen Philosophie besteht darin, ihn zu lösen moralische Frage, und der Sieg steht immer hinter dem moralischen Gesetz, hinter der Wahrheit. (Das gleiche moralische Gesetz wurde von unseren fernen Vorfahren in Rus aufgestellt, erinnern wir uns an das russische Sprichwort: Gott ist nicht an der Macht, sondern in der Wahrheit). Nehmen wir als Vergleichsbeispiel an: Das Wesen der tragischen Kollision in der griechischen Literatur ist der Kampf eines persönlichen und moralischen Prinzips mit dem blinden Schicksal, und der Vorteil bleibt immer beim Schicksal. „Oh Erde, meine Mutter, oh ewiger Äther, sieh, was für Leiden ich von Gott ertrage – unschuldig“ – so endet tragisch der Zusammenstoß des gefesselten Prometheus – der Verkörperung des gesamten griechischen Weltbildes (Aischylos).
Eine interessante Tatsache sind die poetischen Parallelen des altindischen Epos "Ramayana" mit dem Werk des Genies der russischen Poesie A. S. Puschkin. Die vollständige Übereinstimmung des Schemas von "The Tale of Rama" mit dem Schema von "Ruslan und Lyudmila" von Puschkin ist auffällig (der Zauberer entführt seine Frau, der Ehemann findet den Zauberer, kämpft mit ihm und gibt seine Frau zurück). Es wäre von großem literarischem Interesse, herauszufinden, auf welchen Wegen dieses Schema Puschkin erreicht hat.
Die Kunst der Avantgarde in der Poesie entstand also nicht im 20. Jahrhundert, wie es heute offiziell angenommen wird, sondern in der Mitte des 19. Jahrhunderts. Die Veröffentlichung von Walt Whitmans Buch „Leaves of Grass“ markierte ein ganzes System von Strömungen avantgardistischer Poesie in der Welt. Darüber hinaus waren alle modernsten Techniken der Avantgarde-Poesie bekannt und wurden sogar in der Sanskrit-Poesie erfolgreich eingesetzt, z epische Werke wie Ramayana und Mahabharata.
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Zit. Zitiert aus: Sharapova A. Vorwort // Whitman W. Grashalme. M.: Eksmo, 2005. S. 7.
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Sigachev A. A. Yu. Tuboltsev und literarische Miniatur der Avantgarde // Elektronisches Tagebuch"Wissen. Verständnis. Fähigkeit". 2009. Nr. 5. Philologie. URL: http://www.zpu-journal.ru/e-zpu/2009/5/Sigachev/
Sigachev A. A. Über Avantgarde, über Zeit und Absurdosophie // Elektronische Zeitschrift „Wissen. Verständnis. Fähigkeit". 2009. Nr. 5. Philologie. URL: http://www.zpu-journal.ru/e-zpu/2009/5/Sigachev_Absurdsophy/
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