Ιταλική Όπερα. Ιστορία της ιταλικής όπερας

Το Teatro Olimpico είναι ένα από τα τρία αναγεννησιακά θέατρα που έχουν επιβιώσει μέχρι σήμερα. Το σχέδιό του είναι η παλαιότερη διακόσμηση στον κόσμο. Το θέατρο βρίσκεται στην πόλη Vicenza, στην ιταλική περιφέρεια Veneto. Ιστορία δημιουργίας Η κατασκευή του θεάτρου ξεκίνησε το 1580. Ο αρχιτέκτονας ήταν ένας από τους περισσότερους διάσημους δασκάλουςΑναγεννησιακός Andrea Palladio Πριν προχωρήσει στη δημιουργία του έργου, ο Andrea Palladio μελέτησε τη δομή δεκάδων ρωμαϊκών θεάτρων. Δεν έχει γη για νέο θέατρο...

Το Teatro Massimo είναι μια από τις μεγαλύτερες όπερες όχι μόνο στην Ιταλία, αλλά σε ολόκληρη την Ευρώπη, και φημίζεται για την εξαιρετική ακουστική του. ...

Οι περισσότεροι ταξιδιώτες γνωρίζουν εκ των προτέρων ποια αξιοθέατα της Ιταλίας θέλουν να επισκεφθούν. Αν μιλάμε για Μίλαν, τότε ο νούμερο ένα βαθμός για...

Το Teatro San Carlo στην Ιταλία είναι μια από τις παλαιότερες όπερες στον κόσμο, Μνημείο Παγκόσμιας Κληρονομιάς της UNESCO Διαβάστε επίσης: Οι Ιταλοί προτείνουν να συνεισφέρουν...

Το Θέατρο Goldoni, πρώην Θέατρο San Luca και Teatro Vendramin di San Salvatore, είναι ένα από τα κύρια θέατρα στη Βενετία. Το θέατρο βρίσκεται...

Οι πολιτιστικές διακοπές στην Ιταλία, φυσικά, δεν θα είναι ολοκληρωμένες χωρίς μια επίσκεψη στο θέατρο. Προτιμώ πολιτιστική αναψυχήκαι θα θέλατε να μάθετε περισσότερα για τη θεατρική ζωή στην Ιταλία; Ονειρευόσασταν εδώ και καιρό να παρακολουθήσετε ιταλική όπερα στη γενέτειρα του είδους, αλλά δεν ξέρετε πώς να την οργανώσετε; Τότε έχετε έρθει στον σωστό ιστότοπο. Κάτω από τους τίτλους θέατρα της Ιταλίας, σας προσφέρουμε χρήσιμες πληροφορίες σχετικά με το πρόγραμμα και το ρεπερτόριο των ιταλικών θεάτρων. Επίσης εδώ μπορείτε να βρείτε πολλά ενδιαφέροντα γεγονόταγια τα θέατρα της Ιταλίας, για την ιστορία της κατασκευής τους και τους θρύλους που τυλίγουν τα διάσημα κτίρια.

Γνωρίζατε ότι ακόμη και τα αρχαία αμφιθέατρα, που έχουν ηλικία άνω των δύο χιλιάδων ετών, μπορούν να λειτουργήσουν ως θεατρικές σκηνές στην Ιταλία; Το γεγονός όμως ότι όπερεςΗ Ιταλία όπως η Σκάλα και το Σαν Κάρλο δικαίως αποκαλούνται οι καλύτερες υπάρχουσες στον κόσμο; Ενδιαφέρεστε να μάθετε για την ιστορία της κατασκευής τους; Θα θέλατε να μάθετε για το ρεπερτόριο και το κόστος των εισιτηρίων για τα παγκοσμίου φήμης θέατρα όπερας στην Ιταλία; Στη συνέχεια, αυτή η ενότητα του ιστότοπου δημιουργήθηκε ειδικά για εσάς.

Teatro alla Scala(ΜΙΛΑΝΟ)

Μαργαριτάρι του κόσμου μουσική κουλτούρα. Είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς ένα θέατρο με πιο λαμπρή ιστορία από τη διάσημη Σκάλα. Για περισσότερα από 300 χρόνια ύπαρξης, αυτοί οι τοίχοι έχουν δει πολλά, αλλά κατάφεραν να διατηρήσουν, ίσως, το πιο σημαντικό πράγμα για το θέατρο - μια μοναδική γοητεία και μυστήριο. συναυλιακή σεζόνστη Σκάλα διαρκεί από τον Δεκέμβριο έως τον Ιούνιο (το φθινόπωρο γίνονται συμφωνικές συναυλίες στη σκηνή του). Το άνοιγμα της σεζόν είναι ιδιαίτερα πανηγυρικό. Είναι πάντα 7 Δεκεμβρίου, ημέρα του Αγίου Αμβροσίου, του πολιούχου του Μιλάνου. Δυστυχώς, τα εισιτήρια μερικές φορές εξαντλούνται έξι μήνες νωρίτερα, οπότε κάντε κράτηση εκ των προτέρων. Κατά προσέγγιση τιμή εισιτηρίου - όπερα / μπαλέτο: parterre 260/150; αμφιθέατρο 80-260/125; μπαλκόνι 40-105/30-80 ευρώ

Αμφιθέατρο - Arena di Verona(ΒΕΡΟΝΑ)

Το αρχαίο ρωμαϊκό αμφιθέατρο είναι διάσημο για τις παραστάσεις όπερας και συναυλιών που πραγματοποιούνται σε αυτό. Χτίστηκε τον 1ο αιώνα π.Χ. Το μεγαλύτερο κτίριο από ροζ πέτρα της Βερόνας είναι το δεύτερο μόνο μετά το Ρωμαϊκό Κολοσσαίο. Στην αρχαιότητα γινόταν Μάχες μονομάχων, στο Μεσαίωνα - τουρνουά jousting. Στους XVI και XVII αιώνα. οι κερκίδες των θεατών ανακατασκευάστηκαν πλήρως και η σημερινή Αρένα είναι ένα μεγαλειώδες αμφιθέατρο 25 χιλιάδων θέσεων, στη σκηνή της οποίας δίνονται μαγευτικές παραστάσεις όπερας κάτω από ανοιχτός ουρανός. Διαθέτει εξαιρετική οικοδομική ακουστική. Σήμερα, υπάρχουν συνήθως τέσσερις διαφορετικές σκηνικές παραγωγές κάθε χρόνο μεταξύ Ιουνίου και Αυγούστου. Στα μέσα Ιουλίου δίνονται παραστάσεις σχεδόν καθημερινά. Τους χειμερινούς μήνες η όπερα και το μπαλέτο δίνουν παραστάσεις στην Ακαδημαϊκή Φιλαρμονική.

Κατά προσέγγιση κόστος εισιτηρίων για πρεμιέρες στη Φιλαρμονική: παρτέρι όπερας/μπαλέτου - 90/60 ευρώ. αμφιθέατρο όπερας/μπαλέτου — 70/50; box benoir όπερα / μπαλέτο - 60/35; μπαλκόνι όπερας/μπαλέτου -55/40. Το κόστος των εισιτηρίων για επαναλαμβανόμενες παραστάσεις είναι περίπου μείον 10 ευρώ. Τιμές εισιτηρίων για την Αρένα: πάγκοι 220 ευρώ, αμφιθέατρο 95, μπαλκόνι 40. Δεν επιτρέπονται παιδιά κάτω των 4 ετών.

San Carlo - Teatro di San Carlo(ΝΕΑΠΟΛΗ)

Η Όπερα στη Νάπολη χτίστηκε με εντολή του Καρόλου Γ' για να αντικαταστήσει το ερειπωμένο θέατρο του San Bartolomeo. Άνοιξε το 1737, εκείνη την εποχή στο αίθουσα θεάτρουφιλοξενούσε έως και 3300 θεατές, γεγονός που έκανε το θέατρο το πιο ευρύχωρο στον κόσμο.

Κατά προσέγγιση κόστος εισιτηρίων για πρεμιέρες: παρτέρι όπερας/μπαλέτου - 170/130 ευρώ. αμφιθέατρο όπερας/μπαλέτου — 110/100; κουτί μπενουάρ όπερας/μπαλέτου — 90/50; μπαλκόνι όπερας/μπαλέτου -60/40. Το κόστος των εισιτηρίων για επαναλαμβανόμενες παραστάσεις είναι περίπου μείον 10 ευρώ. .

Θέατρο La Phoenix(ΒΕΝΕΤΙΑ)

Η καρδιά της μουσικής ζωής της Βενετίας. Ένα ασυνήθιστο θέατρο με προβλήτα και κομψό χώρο περιπάτου. Το θέατρο, που χτίστηκε το 1792, επέζησε από δύο πυρκαγιές και κάθε φορά, δικαιολογώντας το όνομά του, σαν πουλί του Φοίνικα, ξαναγεννιόταν από τις στάχτες. Μετά από μια τελευταία τρομακτική αγκαλιά των φλόγων που κατέστρεψε σχεδόν ολοσχερώς το θέατρο, το νέο, ανακαινισμένο La Fenice άνοιξε τις πόρτες του στο κοινό στις 14 Δεκεμβρίου 2003.

Κατά προσέγγιση κόστος εισιτηρίων για πρεμιέρες: παρτέρι όπερας/μπαλέτου - 190/140 ευρώ. αμφιθέατρο όπερας/μπαλέτου — 160/100; box benoir όπερα / μπαλέτο - 110/90; μπαλκόνι όπερας/μπαλέτου -70/50. Το κόστος των εισιτηρίων για επαναλαμβανόμενες παραστάσεις είναι περίπου μείον 10 ευρώ.

Όπερα - Teatro dell'Opera di Roma(ΡΩΜΗ)

Μια από τις μεγαλύτερες όπερες της Ευρώπης, που μπορεί να φιλοξενήσει έως και δύο χιλιάδες διακόσιους λάτρεις της μουσικής. Εδώ έρχεται η όπερα και παραστάσεις μπαλέτουστις παραγωγές των σταρ της παγκόσμιας σκηνοθεσίας. Ήταν στην Όπερα της Ρώμης που έγινε η παγκόσμια πρεμιέρα της Tosca του Puccini, μιας σειράς όπερων του Mascagni, συμπεριλαμβανομένων των Rural Honor, Iris και Masks. Στη σκηνή του τραγούδησαν η Amelita Galli-Curci, η ιδιοκτήτρια της πιο διάσημης σοπράνο της κολορατούρα των αρχών του περασμένου αιώνα, των τενόρων Beniamino Gigli, Enrico Caruso, Tito Skipa.

Το καλοκαίρι, παραστάσεις όπερας πραγματοποιούνται υπαίθρια στα Λουτρά του Καρακάλλα. Κάποτε ήταν γνωστά ως το όγδοο θαύμα του κόσμου. Το καλοκαίρι του 1990, η θρυλική συναυλία τριών τενόρων - Placido Domingo, Jose Carreras και Luciano Pavarotti - πραγματοποιήθηκε στα ερείπια των Λουτρών του Caracalla.

Κατά προσέγγιση κόστος εισιτηρίων για πρεμιέρες: παρτέρι όπερας/μπαλέτου - 160/90 ευρώ. αμφιθέατρο όπερας/μπαλέτου — 130/80; box benoir όπερα / μπαλέτο - 60/35; μπαλκόνι όπερας/μπαλέτου — 35/30. Το κόστος των εισιτηρίων για επαναλαμβανόμενες παραστάσεις είναι περίπου μείον 20 ευρώ.

Η Ιταλία, που έδωσε στον κόσμο τέτοια οι μεγαλύτεροι συνθέτεςόπως ο Παγκανίνι, ο Βιβάλντι, ο Ροσίνι, ο Βέρντι, ο Πουτσίνι - χώρα κλασσική μουσική. Η Ιταλία έχει επίσης εμπνεύσει πολλούς ξένους: για παράδειγμα, ο Richard Wagner δημιούργησε το Parsifal του κατά τη διάρκεια της παραμονής του στο Ravello, το οποίο έφερε σε αυτή την πόλη, όπου διεξάγεται τώρα το διάσημο μουσικό φεστιβάλ, διεθνή φήμη. Οι μουσικές σεζόν ανοίγουν, ανάλογα με το θέατρο, από Νοέμβριο έως Δεκέμβριο και είναι σημαντικό γεγονόςΙταλική και διεθνής μουσική ζωή. Η TIO.BY και η Εθνική Υπηρεσία Τουρισμού της Ιταλίας ετοίμασαν μια επιλογή για το ποιο από τα πολλά ιταλικά θέατρα να διαλέξετε. Έχουμε επισυνάψει έναν σύνδεσμο για το πρόγραμμα για κάθε θέατρο.

Θέατρο La Scala στο Μιλάνο

Ενα από τα πολλά διάσημα θέατρα, χωρίς αμφιβολία - Θέατρο La Scala του Μιλάνου. Κάθε χρόνο, το άνοιγμα της σεζόν του γίνεται μια εκδήλωση υψηλού προφίλ με τη συμμετοχή διάσημων προσώπων από τον κόσμο της πολιτικής, του πολιτισμού και του θεάματος.

Το θέατρο δημιουργήθηκε μετά από εντολή της Αυστριακής βασίλισσας Μαρίας Τερέζα μετά την πυρκαγιά που κατέστρεψε το Βασιλικό Θέατρο της πόλης του Ρέτζιο Ντούκαλε το 1776. Οι εποχές της Σκάλας είναι ένα από τα πιο σημαντικά γεγονότα πολιτιστική ζωήΜιλάνο. Στο πρόγραμμα εναλλάσσονται όπερα και μπαλέτο, καθώς και ονόματα Ιταλών και ξένων συνθετών.

Το πρόγραμμα της σεζόν είναι διαθέσιμο εδώ.

Teatro La Fenice στη Βενετία

Όχι πολύ πίσω από τη Σκάλα και την ενετική όπερα La Fenice, χτισμένη στην πλατεία Campo San Fantin στη συνοικία San Marco. Μετάφραση από τα ιταλικά, το θέατρο ονομάζεται "Phoenix" - ακριβώς επειδή αναγεννήθηκε δύο φορές μετά από πυρκαγιές, σαν ένα υπέροχο πουλί Φοίνικας, από τις στάχτες. Η τελευταία αποκατάσταση ολοκληρώθηκε το 2003.

Φιλοξενεί ένα σημαντικό σαλόνι όπερας και ένα διεθνές φεστιβάλ σύγχρονη μουσική, καθώς και την ετήσια πρωτοχρονιάτικη συναυλία. Κάθε εποχή είναι πλούσια και ενδιαφέρουσα και το πρόγραμμά της συνδυάζει έργα κλασικού και μοντέρνου ρεπερτορίου. Ελέγξτε το πρόγραμμα της σεζόν πριν την επισκεφτείτε.

Βασιλικό Θέατρο στο Τορίνο

Το Βασιλικό Θέατρο του Teatro Regio στο Τορίνο χτίστηκε κατόπιν εντολής του Victor Amadeus της Σαβοΐας. Η πρόσοψη του κτιρίου του XVIII αιώνα, μαζί με άλλες κατοικίες της δυναστείας της Σαβοΐας, αναγνωρίζεται ως μνημείο της UNESCO.

Η σεζόν όπερας και μπαλέτου ξεκινά τον Οκτώβριο και τελειώνει τον Ιούνιο, και κάθε χρόνο μπορείτε να βρείτε όλα τα είδη μουσικές εκδηλώσεις: χορωδιακές συναυλίες και συμφωνική μουσική, βραδιές μουσικής δωματίου, παραστάσεις στο Teatro Piccolo Regio, που προορίζονται για νέο κοινό και για οικογενειακή θέαση, καθώς και το φεστιβάλ «MITO - Μουσικός Σεπτέμβρης».

Η Ρώμη προσφέρει επίσης στους λάτρεις της όπερας και του μπαλέτου πολλές όμορφες συναντήσεις. το πιο σημαντικό κέντροΚλασική μουσική είναι η Όπερα της Ρώμης, γνωστή και ως Θέατρο Costanzi, από το όνομα του δημιουργού της, Domenico Costanzi. Συχνός καλεσμένος αυτού του θεάτρου, καθώς και καλλιτεχνικός διευθυντήςσεζόν 1909-1910 ήταν ο Pietro Mascagni. Οι λάτρεις του μπαλέτου θα ενδιαφέρονται να μάθουν ότι στις 9 Απριλίου 1917, πραγματοποιήθηκε εδώ η ιταλική πρεμιέρα του μπαλέτου The Firebird του Igor Stravinsky, που ερμήνευσαν οι καλλιτέχνες του ρωσικού μπαλέτου Sergei Diaghilev.

Υπάρχουν πολλές παραστάσεις όπερας στο playbill αυτού του θεάτρου, αλλά μεγάλη προσοχή δίνεται και στο μπαλέτο.
Εάν οι χειμερινές σεζόν της Όπερας της Ρώμης πραγματοποιούνται στο παλιό κτήριο στην Piazza Beniamino Gigli, τότε από το 1937 ο χώρος διεξαγωγής της καλοκαιρινές εποχέςστο ύπαιθρο έχει γίνει ένα εκπληκτικό αρχαιολογικό συγκρότημα των Λουτρών του Καρακάλλα . Οι παραστάσεις της όπερας που ανεβαίνουν σε αυτή τη σκηνή έχουν τεράστια επιτυχία με το κοινό, ειδικά με τους τουρίστες που χαίρονται με τον συνδυασμό αυτού του υπέροχου τόπου με παραγωγές όπερας.

Θέατρο San Carlo στη Νάπολη

Το πιο σημαντικό θέατρο στην περιοχή της Καμπανίας είναι, φυσικά, το θέατρο San Carlo στη Νάπολη, το οποίο χτίστηκε το 1737 κατόπιν εντολής του βασιλιά Καρόλου της δυναστείας των Βουρβόνων, ο οποίος ήθελε να δημιουργήσει ένα νέο θέατρο που αντιπροσωπεύει τη βασιλική εξουσία. Το San Carlo πήρε τη θέση του μικρού θεάτρου του San Bartolomeo και το έργο ανατέθηκε στον αρχιτέκτονα, συνταγματάρχη του Βασιλικού Στρατού Giovanni Antonio Medrano και στον πρώην διευθυντή του θεάτρου του San Bartolomeo Angelo Carazale. Δέκα χρόνια μετά την κατασκευή του θεάτρου, τη νύχτα της 13ης Φεβρουαρίου 1816, το κτίριο καταστράφηκε από πυρκαγιά, η οποία άφησε ανέπαφα μόνο τους εξωτερικούς τοίχους και μια μικρή προέκταση. Αυτό που βλέπουμε σήμερα είναι μια ανασυγκρότηση που ακολουθείται από ανάπλαση.

Αυτό το υπέροχο θέατρο υποδέχεται πάντα τους λάτρεις της όπερας με ένα πολύ πλούσιο πρόγραμμα, που συχνά αντιπροσωπεύει ένα ταξίδι στη ναπολιτάνικη οπερατική παράδοση και την επιστροφή των μεγάλων κλασικών του συμφωνικού ρεπερτορίου, συμπεριλαμβανομένων εκείνων που διαβάζονται μέσα από το πρίσμα μιας νέας αντίληψης και με τη συμμετοχή διασημότητες του κόσμου. Κάθε σεζόν στη σκηνή της παλαιότερης όπερας της Ευρώπης γίνονται λαμπερά ντεμπούτα και υπέροχες επιστροφές.

Φυσικά, είναι απλά αδύνατο να περιγράψει κανείς όλο το μεγαλείο της θεατρικής Ιταλίας. Θέλουμε όμως να σας συμβουλεύσουμε μερικά ακόμη θέατρα με προγράμματα που αξίζουν προσοχή.

Φιλαρμονικό Θέατρο στη Βερόνα.το πρόγραμμα της σεζόν στον σύνδεσμο.

Teatro Comunale στη Μπολόνια;προγράμματα σεζόν όπερας, μουσικής και μπαλέτου.

Θέατρο Carlo Felice στη Γένοβα.προγράμματα μουσικής, όπερας και μπαλέτου.

Βασιλικό Θέατρο στην Πάρμα; σύνδεσμος προγράμματος σεζόν

Teatro Comunale στο Τρεβίζο; σύνδεσμος προγράμματος σεζόν

Όπερα Τζουζέπε Βέρντι στην Τεργέστη; σύνδεσμος προγράμματος σεζόν

Αίθουσα συναυλιών στο μουσικό πάρκο στη Ρώμη; πρόγραμμα της σεζόν

Το περιεχόμενο του άρθρου

ΙΤΑΛΙΚΟ ΘΕΑΤΡΟ.Η θεατρική τέχνη της Ιταλίας, με τις απαρχές της, πηγαίνει πίσω στις λαϊκές τελετουργίες και παιχνίδια, στα καρναβάλια, τα λατρευτικά τραγούδια και τους χορούς που συνδέονται με τον φυσικό κύκλο και την αγροτική εργασία. Οι Αγώνες του Μαΐου ήταν πλούσιοι σε τραγούδια και δραματική δράση. , κρατιέται από μια αναμμένη φωτιά, που συμβολίζει τον ήλιο. Από τα μέσα του 13ου αι Ο Λάουντα αναδύεται στην Ούμπρια (Λάουντα) , ένα είδος τετράγωνου θεάματος, -θρησκευτικά εγκωμιαστικά άσματα, που σταδιακά απέκτησαν διαλογική μορφή. Οι πλοκές αυτών των παραστάσεων ήταν κυρίως σκηνές ευαγγελίου - ο ευαγγελισμός, η γέννηση του Χριστού, οι πράξεις του Χριστού ... Ανάμεσα στους συνθέτες των εγκώμιων, ξεχώρισε ο Τοσκανός μοναχός Jacopone da Todi (1230-1306). Το πιο διάσημο έργο του Θρήνος της Παναγίας. Ο Λάουντας χρησίμευσε ως βάση για την εμφάνιση ιερών παραστάσεων (sacre rappresentazioni), οι οποίες αναπτύχθηκαν τον 14ο-15ο αιώνα. (αρχικά και στην κεντρική Ιταλία), ένα είδος κοντά στο μυστήριο, κοινό στις χώρες της βόρειας Ευρώπης. Το περιεχόμενο των ιερών παραστάσεων βασίστηκε στις πλοκές της Παλαιάς και της Καινής Διαθήκης, στις οποίες προστέθηκαν μυθικά και ρεαλιστικά μοτίβα. Οι παραστάσεις παίχτηκαν σε μια εξέδρα που ήταν τοποθετημένη στην πλατεία της πόλης. Η σκηνή χτίστηκε σύμφωνα με τον αποδεκτό κανόνα - στο κάτω μέρος είναι η "κόλαση" (το ανοιχτό στόμα ενός δράκου), στην κορυφή είναι ο "παράδεισος" και μεταξύ τους υπάρχουν άλλες σκηνές δράσης - "Βουνό", "Έρημος" , «Βασιλικό Παλάτι» κ.λπ. Ενα από τα πολλά διάσημους συγγραφείςαυτού του είδους ήταν ο Feo Belcari - Αναπαράσταση του Αβραάμ και του Ισαάκ (1449), Ο Άγιος Ιωάννης στην έρημο(1470) και άλλοι.Ιερές παραστάσεις συνέθεσε και ο ηγεμόνας της Φλωρεντίας Λορέντζο Μέντιτσι.

Το 1480, ο νεαρός ποιητής της αυλής και γνώστης της αρχαιότητας, Angelo Poliziano (1454-1494), με εντολή του καρδινάλιου Francesco Gonzaga, έγραψε ένα ποιμαντικό δράμα στην πλοκή. αρχαίος ελληνικός μύθος Ο θρύλος του Ορφέα. Αυτό ήταν το πρώτο παράδειγμα έκκλησης στις εικόνες του αρχαίου κόσμου. Με ένα έργο του Poliziano, διαποτισμένο από ένα φωτεινό, εύθυμο συναίσθημα, ξεκινά το ενδιαφέρον για τα μυθολογικά έργα και, γενικά, μια γοητεία για την αρχαιότητα.

Το ιταλικό λογοτεχνικό δράμα, με το οποίο ξεκινά η ιστορία της αναγεννησιακής δυτικοευρωπαϊκής δραματουργίας, βασίστηκε στην αισθητική του στην εμπειρία της αρχαίας δραματουργίας. Οι κωμωδίες του Πλαύτου και του Τέρενς καθόρισαν για τους Ιταλούς ανθρωπιστές θεατρικούς συγγραφείς τα θέματα των έργων τους, τη σύνθεση των χαρακτήρων και συνθετική κατασκευή. Μεγάλης σημασίαςείχε παραστάσεις λατινικών κωμωδιών από μαθητές και φοιτητές, ιδιαίτερα στη Ρώμη υπό τη διεύθυνση του Pomponio Leto τη δεκαετία του 1470. Χρησιμοποιώντας παραδοσιακές πλοκές, εισήγαγαν νέους χαρακτήρες, μοντέρνα χρώματα και εκτιμήσεις στις συνθέσεις τους. Έκαναν την πραγματική ζωή περιεχόμενο των έργων τους και τους χαρακτήρες του σύγχρονου ανθρώπου. Ο πρώτος κωμικός της σύγχρονης εποχής ήταν ο μεγάλος ποιητής του εκλιπόντος Ιταλική ΑναγέννησηΛουδοβίκος Αριόστο. Τα έργα του είναι γεμάτα ρεαλιστικές εικόνες, αιχμηρά σατυρικά σκίτσα. Έγινε ο ιδρυτής της ιταλικής εθνικής κωμωδίας. Από αυτόν προέρχεται η ανάπτυξη της κωμωδίας σε δύο κατευθύνσεις - καθαρά διασκεδαστική ( Καλάνδρια Cardinal Bibiena, 1513) και ένα σατιρικό που παρουσίασε ο Pietro Aretino ( δικαστικούς τρόπους, 1534, Φιλόσοφος, 1546), Τζορντάνο Μπρούνο ( Κηροπήγιο, 1582) και ο Niccolo Machiavelli, ο οποίος δημιούργησε καλύτερη κωμωδίαεποχή - μανδραγόρας(1514). Γενικά, όμως, οι δραματικές γραφές των Ιταλών κωμικών ήταν ατελείς. Δεν είναι τυχαίο ότι όλη η σκηνοθεσία ονομάστηκε «Συλλογική Κωμωδία» (commedia erudita).

Ταυτόχρονα με λογοτεχνική κωμωδίαέρχεται η τραγωδία. Η ιταλική τραγωδία δεν έφερε μεγάλη επιτυχία. Πολλά έργα αυτού του είδους συντέθηκαν, περιείχαν τρομερές ιστορίες, εγκληματικά πάθη και απίστευτες σκληρότητες. Έχουν ονομαστεί «τραγωδίες φρίκης». Πλέον επιτυχημένη δουλειάείδος - ΣοφονίσμπαΓ. Τρισινό, γραμμένο σε λευκό στίχο (1515). Η εμπειρία που αποκτήθηκε στο Trissino περαιτέρω ανάπτυξηπολύ έξω από την Ιταλία. Η τραγωδία του Π. Αρετίνου είχε και ορισμένα πλεονεκτήματα. Οράτιος (1546).

Το τρίτο - το πιο επιτυχημένο και ζωντανό - είδος του ιταλικού λογοτεχνικού δράματος του 16ου αιώνα. έγινε ποιμενικό, το οποίο γρήγορα διαδόθηκε στα δικαστήρια της Ευρώπης (). Το είδος έχει αποκτήσει αριστοκρατικό χαρακτήρα. Η γενέτειρά του είναι η Φεράρα. διάσημο ποίημα J.Sannazzaro Αρκαδία(1504), δοξάζοντας την αγροτική ζωή και τη φύση ως «γωνιά χαλάρωσης», σηματοδότησε την αρχή της σκηνοθεσίας. κατά το πολύ διάσημα έργαποιμενικός χάλυβας Αμίντα Torquato Tasso (1573), ένα έργο γεμάτο αληθινή ποίηση και αναγεννησιακή απλότητα, και πιστός ποιμένας D.-B. Guarini (1585), που διακρίνεται από την πολυπλοκότητα τόσο της ίντριγκας όσο και της ποιητικής γλώσσας, γι' αυτό και αναφέρεται ως μανιερισμός.

Ο διαχωρισμός του λογοτεχνικού δράματος από το κοινό δεν συνέβαλε στην ανάπτυξη του θεάτρου. Η σκηνική τέχνη γεννήθηκε στην πλατεία - στις παραστάσεις μεσαιωνικών μπουφούνων (γκιουλάρι), κληρονόμων μίμων αρχαία Ρώμη, σε αστείες φαρσικές παραστάσεις. Η φάρσα (farsa) σχηματίζεται τελικά τον 15ο αιώνα. και αποκτά όλα τα σημάδια μιας λαϊκής ιδέας - αποτελεσματικότητα, φασαρία, καθημερινότητα, σατιρική ελεύθερη σκέψη πραγματική ζωή, που έγινε θέμα φάρσας, μετατράπηκε σε αστείο. Με ζωηρό, γκροτέσκο τρόπο, η φάρσα χλεύαζε τις κακίες των ανθρώπων και κοινωνία. Η φάρσα είχε μεγάλη επιρροή στην ανάπτυξη του ευρωπαϊκού θεάτρου και στην Ιταλία συνέβαλε στη δημιουργία ιδιαίτερο είδος τέχνες του θεάματος- Αυτοσχέδια κωμωδία.

Μέχρι τα μέσα του 16ου αι. δεν υπήρχε επαγγελματικό θέατρο στην Ιταλία. Στη Βενετία, που προηγήθηκε στη δημιουργία κάθε είδους θεαμάτων, ήδη στο γύρισμα του 15ου-16ου αιώνα. υπήρχαν αρκετές ερασιτεχνικές θεατρικές κοινότητες. Σε αυτές συμμετείχαν τεχνίτες και άνθρωποι από τα μορφωμένα στρώματα της κοινωνίας. Σταδιακά από ένα τέτοιο περιβάλλον άρχισαν να αναδύονται ομάδες ημιεπαγγελματιών. Η πιο σημαντική σκηνή στη γέννηση του επαγγελματικού θεάτρου συνδέεται με τον ηθοποιό και θεατρικό συγγραφέα Angelo Beolco, με το παρατσούκλι Ruzzante (1500–1542), το έργο του οποίου άνοιξε το δρόμο για την εμφάνιση της commedia dell'arte. τα θεατρικά του, Ανκονιτάνκα, Mosqueta, Διαλόγουςπεριλαμβάνονται στο ρεπερτόριο του ιταλικού θεάτρου και στη σημερινή εποχή.

Μέχρι το 1570, καθορίστηκαν τα κύρια καλλιτεχνικά συστατικά του νέου θεάτρου: μάσκες, διάλεκτοι, αυτοσχεδιασμός, μπουφονισμός. Εγκρίθηκε επίσης το όνομά του commedia dell'arte, που σήμαινε " επαγγελματικό θέατρο". Το όνομα «κωμωδία των μασκών» είναι περισσότερο όψιμη προέλευση. Οι χαρακτήρες αυτού του θεάτρου, τα λεγόμενα. σταθερούς τύπους (tipi fissi) ή μάσκες. Οι πιο δημοφιλείς μάσκες ήταν ο Pantalone, ένας Βενετός έμπορος, ο γιατρός, ένας δικηγόρος από τη Μπολόνια, που έπαιζε τους ρόλους των υπηρετών zanni Brigella, Harlequin και Pulcinella, καθώς και του Captain, Tartaglia, της υπηρέτριας της Servette και δύο ζευγαριών Εραστών. Κάθε μάσκα είχε τη δική της παραδοσιακή φορεσιά και μιλούσε τη δική της διάλεκτο, μόνο που οι Εραστές δεν φορούσαν μάσκες και μιλούσαν στα σωστά ιταλικά. Οι ηθοποιοί έπαιξαν τα έργα τους σύμφωνα με το σενάριο, αυτοσχεδιάζοντας το κείμενο στην πορεία του έργου. Οι παραστάσεις είχαν πάντα πολύ τεμπέληδες και μπουφές. Συνήθως ο ηθοποιός της commedia dell'arte έπαιζε μόνο τη μάσκα του σε όλη του τη ζωή. Πλέον αξιόλογοι θίασοι- «Gelosi» (1568), «Confidenti» (1574) και «Fedeli» (1601). Υπήρχαν πολλοί σπουδαίοι ηθοποιοί μεταξύ των ερμηνευτών - Isabella Andreini, Francesco Andreini, Domenico Biancolelli, Niccolo Barbieri, Tristano Martinelli, Flaminio Scala, Tiberio Fiorilli και άλλοι. Η τέχνη του θεάτρου μάσκας ήταν πολύ δημοφιλής όχι μόνο στην Ιταλία, αλλά και στο εξωτερικό. θαυμάζονταν όπως στα ανώτερα στρώματα της κοινωνίας, και στον απλό λαό. Η κωμωδία των μασκών είχε μεγάλη επιρροή στη διαμόρφωση των εθνικών θεάτρων στην Ευρώπη. Η παρακμή της commedia dell'arte ξεκίνησε στο δεύτερο μισό του 17ου αιώνα και στα τέλη του 18ου αιώνα. αυτή παύει να υπάρχει.

Η ανάπτυξη της τραγωδίας, της κωμωδίας, της ποιμαντικής απαιτούσε ένα ειδικό κτίριο για την παράστασή τους. νέου τύπουένα κλειστό κτίριο θεάτρου με μια σκηνή κουτιού, αίθουσακαι tiers δημιουργήθηκε στην Ιταλία με βάση τη μελέτη της αρχαίας αρχιτεκτονικής. Την ίδια εποχή στο ιταλικό θέατρο του 17ου αιώνα. Έγιναν επιτυχημένες αναζητήσεις στον τομέα της σκηνογραφίας (ιδιαίτερα, δημιουργήθηκαν πολλά υποσχόμενα σκηνικά), αναπτύχθηκαν και βελτιώθηκαν θεατρικά μηχανήματα. Τόσο τον 12ο όσο και τον 13ο αιώνα. χτίστηκαν θέατρα σε όλη τη χώρα, τα λεγόμενα. Ιταλικά (όλα "italiana), τα οποία στη συνέχεια εξαπλώθηκαν σε όλη την Ευρώπη ().

Παρά την οικονομική και πολιτική υστέρηση, η Ιταλία διακρινόταν για τον πλούτο και την πολυμορφία της θεατρικής ζωής. Μέχρι τον 18ο αιώνα Η Ιταλία έχει τα καλύτερα στον κόσμο μουσικό θέατρο, που διέκρινε δύο τύπους - μια σοβαρή όπερα και μια κωμική όπερα (opera buff). Υπήρχε κουκλοθέατρο, παραστάσεις της commedia dell'arte έδιναν παντού. Ωστόσο, η μεταρρύθμιση του δραματικού θεάτρου ετοιμάζεται εδώ και καιρό. Στην Εποχή του Διαφωτισμού, η αυτοσχέδια κωμωδία δεν ανταποκρίνεται πλέον στις απαιτήσεις των καιρών. Χρειαζόταν ένα νέο, σοβαρό, λογοτεχνικό θέατρο. Η κωμωδία των μασκών δεν μπορούσε να υπάρξει στην παλιά της μορφή, αλλά τα επιτεύγματά της έπρεπε να διατηρηθούν και να μεταφερθούν προσεκτικά στο νέο θέατρο. Αυτό έγινε από τον Κάρλο Γκολντόνι. Πραγματοποίησε τη μεταρρύθμιση προσεκτικά. Άρχισε να εισάγει πλήρως γραπτά και λογοτεχνικά κείμενα μεμονωμένων ρόλων και διαλόγων στα έργα του και το βενετσιάνικο κοινό δέχτηκε την καινοτομία του με ενθουσιασμό. Αυτή τη μέθοδο εφάρμοσε για πρώτη φορά στην κωμωδία Μόμολο, ψυχή της κοινωνίας(1738). Ο Γκολντόνι δημιούργησε ένα θέατρο χαρακτήρων, εγκαταλείποντας τις μάσκες, το σενάριο και, γενικά, τον αυτοσχεδιασμό. Οι χαρακτήρες του θεάτρου του έχασαν το υπό όρους περιεχόμενό τους και έγιναν ζωντανοί άνθρωποι - άνθρωποι της εποχής τους και της χώρας τους, της Ιταλίας του 18ου αιώνα. Ο Γκολντόνι πραγματοποίησε τη μεταρρύθμισή του σε έναν σκληρό αγώνα με τους αντιπάλους. Δεύτερο μισό του 18ου αιώνα μπήκε στην ιστορία της Ιταλίας ως η εποχή των θεατρικών πολέμων. Του εναντιώθηκε ο αββάς Κιάρι, ένας μέτριος θεατρικός συγγραφέας και επομένως όχι επικίνδυνος, αλλά ο κύριος αντίπαλός του, εφάμιλλος του σε ταλέντο, ήταν ο Κάρλο Γκότσι. Ο Gozzi υπερασπίστηκε το θέατρο των μασκών, θέτοντας το καθήκον να αναβιώσει την παράδοση της αυτοσχέδιας κωμωδίας. Και σε κάποια φάση φάνηκε ότι τα κατάφερε. Και παρόλο που ο Γκολντόνι άφησε χώρο για αυτοσχεδιασμό στις κωμωδίες του και ο ίδιος ο Γκότσι ηχογράφησε τελικά σχεδόν όλα τα δραματικά του έργα, η διαμάχη τους ήταν σκληρή και ασυμβίβαστη. Αφού το βασικό νεύρο της αντιπαράθεσης των δύο μεγάλων Βενετών βρίσκεται στο ασυμβίβαστο των κοινωνικών τους θέσεων, σε διαφορετικές απόψεις για τον κόσμο και τον άνθρωπο.

Ο Γκολντόνι στα έργα του ήταν εκπρόσωπος των ιδεών της τρίτης εξουσίας, υπερασπιστής των ιδανικών και των ηθών της. Ολόκληρη η δραματουργία του Γκολντόνι υποτιμάται με το πνεύμα του εύλογου εγωισμού και της πρακτικότητας - τις ηθικές αξίες της αστικής τάξης. Ενάντια στην προπαγάνδα από τη σκηνή τέτοιων απόψεων στην πρώτη θέση και μίλησε ο Gozzi. Έγραψε δέκα ποιητικά παραμύθια για το θέατρο, τα λεγόμενα. fiaba (fiaba / παραμύθι). Επιτυχία θεατρικά παραμύθιαΟ Γκόζι ήταν εκπληκτικός. Και στον πρόσφατο αγαπημένο τους Goldoni, το βενετσιάνικο κοινό ξεψύχησε απροσδόκητα γρήγορα. Εξουθενωμένος από τον αγώνα, ο Γκολντόνι παραδέχτηκε την ήττα και έφυγε από τη Βενετία. Αλλά αυτό δεν άλλαξε τίποτα στη μοίρα της ιταλικής σκηνής - η μεταρρύθμιση του εθνικού θεάτρου είχε ήδη ολοκληρωθεί μέχρι εκείνη τη στιγμή. Και το θέατρο της Ιταλίας ακολούθησε αυτόν τον δρόμο.

Από τα τέλη του 18ου αιώνα στην Ιταλία ξεκινά η εποχή του Risorgimento -ο αγώνας για την εθνική ανεξαρτησία, για την πολιτική ενοποίηση της χώρας και τους αστικούς μετασχηματισμούς- που κράτησε σχεδόν έναν αιώνα. Η τραγωδία γίνεται το πιο σημαντικό είδος στο θέατρο. Ο μεγαλύτερος συγγραφέας τραγωδιών ήταν ο Βιτόριο Αλφιέρι. Με το όνομά του συνδέεται η γέννηση της τραγωδίας του ιταλικού ρεπερτορίου. Δημιούργησε σχεδόν μόνος του μια τραγωδία πολιτικού περιεχομένου. Ένας παθιασμένος πατριώτης που ονειρευόταν την απελευθέρωση της πατρίδας του, ο Αλφιέρι αντιτάχθηκε στην τυραννία. Όλες οι τραγωδίες του είναι εμποτισμένες με το ηρωικό πάθος του αγώνα για ελευθερία.

Η εποχή του Risorgimento έφερε στη ζωή μια νέα καλλιτεχνική διεύθυνση- ρομαντισμό. Τυπικά, η εμφάνισή του συνέπεσε με την αποκατάσταση της αυστριακής κυριαρχίας. Επικεφαλής και ιδεολόγος του ρομαντισμού ήταν ο συγγραφέας Alessandro Manzoni. Η πρωτοτυπία του θεατρικού ρομαντισμού στην Ιταλία στον πολιτικό και εθνικο-πατριωτικό προσανατολισμό του. Ο κλασικισμός θεωρήθηκε έκφραση του αυστριακού προσανατολισμού, μια κατεύθυνση που σήμαινε όχι μόνο συντηρητισμό, αλλά και ξένο ζυγό και ο ρομαντισμός ένωσε την αντίθεση. Σχεδόν όλοι οι δημιουργοί του ιταλικού θεάτρου στη ζωή ακολούθησαν τα ιδανικά που διακήρυξαν: ήταν αληθινοί μάρτυρες της ιδέας - πολέμησαν στα οδοφράγματα, ήταν στις φυλακές, άντεξαν κακουχίες, έζησαν στην εξορία για μεγάλο χρονικό διάστημα. Ανάμεσά τους οι G. Modena, S. Pellico, T. Salvini, E. Rossi, A. Ristori, P. Ferrari κ.α.

Ο ήρωας του ρομαντισμού είναι μια ισχυρή προσωπικότητα, ένας μαχητής για τη δικαιοσύνη και την ελευθερία, και όχι τόσο την προσωπική ελευθερία όσο την καθολική ελευθερία - την ελευθερία της Πατρίδας. Το καθήκον της εποχής ήταν να συσπειρώσει όλους τους Ιταλούς στον αγώνα για έναν κοινό σκοπό. Να γιατί κοινωνικά προβλήματασβήνουν στο παρασκήνιο και περνούν απαρατήρητοι. Τα ερωτήματα της πραγματικής μορφής των Ιταλών ρομαντικών ενδιαφέρθηκαν επίσης πολύ λιγότερο. Από τη μια αρνήθηκαν τους αυστηρούς κανόνες του κλασικισμού, διακηρύσσοντας την προσήλωσή τους στις ελεύθερες φόρμες, από την άλλη, στο έργο τους, οι ρομαντικοί εξακολουθούσαν να εξαρτώνται πολύ από την κλασικιστική αισθητική. Η κύρια πηγή έμπνευσης για τους ρομαντικούς θεατρικούς συγγραφείς είναι η ιστορία και η μυθολογία. οι πλοκές ερμηνεύονταν από τη σκοπιά του σήμερα, οπότε οι παραστάσεις έπαιρναν συνήθως μια έντονη πολιτική χροιά. Οι καλύτερες τραγωδίες είναι Kai Gracchus V.Monti (1800), Αρμίνια I. Pindemonte (1804), Αϊάς W. Foscolo (1811), Κόμης του Carmagnoll(1820) και Adelgiz(1822) A. Manzoni, Τζιοβάνι ντα Προσίντα(1830) και Άρνολντ Μπρέσιαν(1843) D. B. Nicollini, Pia de Tolomei(1836) Κ. Μαρένκο. Τα έργα βασίζονται σε μεγάλο βαθμό σε κλασικιστικά μοντέλα, αλλά είναι γεμάτα πολιτικούς υπαινιγμούς και τυραννικά πάθη. Η μεγαλύτερη επιτυχία έπεσε στον κλήρο της τραγωδίας του Σίλβιο Πέλικο Φραντσέσκα ντα Ρίμινι (1815).

Η ηρωική τραγωδία στο δεύτερο μισό του αιώνα δίνει τη θέση της στο μελόδραμα. Μαζί με την κωμωδία, το μελόδραμα γνώρισε μεγάλη επιτυχία στο κοινό. Ο πρώτος θεατρικός συγγραφέας ήταν ο Paolo Giacometti (1816–1882), ο οποίος έγραψε περίπου 80 έργα για το θέατρο. Τα καλύτερα του έργα: Ελισάβετ, βασίλισσα της Αγγλίας (1853), Ιουδίθ(1858) και ένα από τα πιο ρεπερτορικά μελοδράματα του 19ου αιώνα. Εμφύλιος θάνατος(1861). Η δραματουργία του Τζιακομέτι είναι ήδη εντελώς απαλλαγμένη από τον κλασικισμό, τα έργα του συνδυάζουν ελεύθερα τα χαρακτηριστικά της κωμωδίας και της τραγωδίας, έχουν ρεαλιστικά σκιαγραφημένα χαρακτήρες, έχουν ρόλους, οπότε τα θέατρα τους ανέβασαν πρόθυμα στη σκηνή. Ο Paolo Ferrari (1822–1889), ένας παραγωγικός θεατρικός συγγραφέας και διάδοχος των παραδόσεων του Carlo Goldoni, ξεχώρισε επίσης μεταξύ των κωμικών. Τα έργα του δεν εγκατέλειψαν τη σκηνή παρά τα τέλη του αιώνα. Η καλύτερή του κωμωδία Ο Γκολντόνι και οι δεκαέξι νέες του κωμωδίες(1853) συνεχίζει να παίζεται στην Ιταλία.

Στη δεκαετία του 1870, σε μια νικηφόρα και ενωμένη Ιταλία, αναδύθηκε ένα νέο καλλιτεχνικό κίνημα, το βερίσμο. Οι θεωρητικοί του βερισμού, Λουίτζι Καπουάνα και Τζιοβάνι Βέργκα, υποστήριξαν ότι ο καλλιτέχνης πρέπει να απεικονίζει μόνο τα γεγονότα, να δείχνει ζωή χωρίς εξωραϊσμό, να είναι αμερόληπτος και να απέχει από τις εκτιμήσεις και τα σχόλιά του. Οι περισσότεροι θεατρικοί συγγραφείς ακολούθησαν πολύ αυστηρά αυτούς τους κανόνες και ίσως αυτό ήταν που στέρησε από τις δημιουργίες τους την αληθινή ζωή. Τα καλύτερα έργα ανήκουν στην πένα του Δ. Βέργα (1840-1922), αυτός πιο συχνά από άλλους παραβίαζε τις προδιαγραφές της θεωρίας. Δύο από τα έργα του αγροτική τιμή(1884) και Αυτή-λύκος(1896) περιλαμβάνονται στο ρεπερτόριο των ιταλικών θεάτρων σήμερα. Τα έργα γίνονται με μαεστρία. Το είδος είναι τραγωδία. λαϊκή ζωή. Διακρίνονται από ισχυρό δραματικό νεύρο, αυστηρότητα και αυτοσυγκράτηση. μέσα έκφρασης. Το 1889 ο P. Mascagni έγραψε μια όπερα αγροτική τιμή.

Στα τέλη του 19ου αιώνα εμφανίζεται ένας θεατρικός συγγραφέας, του οποίου η φήμη ξεπερνά τα σύνορα της Ιταλίας. Gabriele D "Ο Annunzio έγραψε δώδεκα και μισή θεατρικά έργα, τα οποία ονόμασε τραγωδίες. Όλα μεταφράστηκαν σε ευρωπαϊκές γλώσσες. Στις αρχές του αιώνα, ο D'Annunzio ήταν ένας πολύ δημοφιλής θεατρικός συγγραφέας.Η δραματουργία του ταξινομείται συνήθως ως συμβολισμός και νεορομαντισμός, αν και έχει επίσης χαρακτηριστικά νεοκλασικισμού.Τα βεριστικά μοτίβα συνδυάζονται με τον αισθητισμό.

Γενικά, ωστόσο, τα επιτεύγματα της δραματουργίας ήταν κάτι παραπάνω από μέτρια. Ιταλικά 19ος αιώνας παρέμεινε στην ιστορία του θεάτρου ως αιώνας υποκριτικής. Η υψηλή τραγωδία δεν έδωσε σπουδαία έργα στη δραματουργία. Αλλά τραγικό θέμαπαρόλα αυτά ακουγόταν στο θέατρο, ακούστηκε και έλαβε παγκόσμια αναγνώριση. Συνέβη στην όπερα (Τζουζέπε Βέρντι) και στην τέχνη των μεγάλων Ιταλών τραγικών. Της εμφάνισής τους προηγήθηκε η θεατρική μεταρρύθμιση.

Ο τύπος του ηθοποιού κοντά στον κλασικισμό παρέμεινε στο ιταλικό θέατρο για αρκετό καιρό: τέχνες του θεάματοςπαρέμεινε στην αιχμαλωσία των διακηρύξεων, της ρητορικής, των κανονικών στάσεων και χειρονομιών. Η μεταρρύθμιση της σκηνικής τέχνης, ίσης σημασίας με αυτή του Carlo Goldoni, πραγματοποιήθηκε στα μέσα του αιώνα από τον λαμπρό ηθοποιό και διευθυντή θεάτρου Gustavo Modena (1803–1861). Από πολλές απόψεις, ήταν μπροστά από την εποχή του. Η Μόντενα έφερε στη σκηνή έναν άντρα με όλα του τα χαρακτηριστικά, φυσικό λόγο, «χωρίς βερνίκι, χωρίς κόθουρνς». Αυτός δημιούργησε ένα νέο στυλυποκριτική, τα κύρια χαρακτηριστικά της οποίας ήταν η απλότητα και η αλήθεια. Στο θέατρό του κηρύχθηκε πόλεμος στην πρεμιέρα, υπήρχε μια τάση να απομακρυνθεί από έναν άκαμπτο ρόλο, για πρώτη φορά προέκυψε το ζήτημα ενός υποκριτικού συνόλου. Η επιρροή του Γκουστάβο Μόντενα στους συγχρόνους του ήταν τεράστια.

Η Αδελαΐδα Ριστόρι (1822-1906) δεν ήταν μαθήτρια της Μόντενα, αλλά θεωρούσε τον εαυτό της κοντά στο σχολείο του. Η πρώτη μεγάλη τραγική ηθοποιός της οποίας η τέχνη αναγνωρίστηκε εκτός Ιταλίας, ήταν μια πραγματική ηρωίδα της εποχής της, εκφράζοντας το πατριωτικό επαναστατικό πάθος της. Στην ιστορία του θεάτρου, παρέμεινε η ερμηνεύτρια πολλών τραγικών ρόλων: Francesca ( Φραντσέσκα ντα Ρίμινι Pellico), Mirra ( ΣμύρναΑλφιέρι), Λαίδη Μάκβεθ ( ΜάκβεθΣαίξπηρ), Μήδεια ( Μήδεια Legure), Mary Stuart ( Μαίρη Στιούαρτ Schiller). Ο Ριστόρι έλκονταν από χαρακτήρες δυνατούς, συμπαγείς, ηρωικούς, γεμάτους μεγάλα πάθη. Η ηθοποιός αποκάλεσε το στυλ της ρεαλιστικό, προτείνοντας τον όρο «πολύχρωμος ρεαλισμός», αναφερόμενος στην «ιταλική θέρμη», «φλογερή έκφραση παθών».

Το αντίθετο του Ristori ήταν η Clementina Cazzola (1832-1868), μια ρομαντική ηθοποιός που δημιουργούσε εικόνες με τον καλύτερο λυρισμό και ψυχολογικό βάθος, ήταν ικανή για πολύπλοκους χαρακτήρες. Αντιμετώπισε τον Ristori, ο οποίος πάντα έβγαζε στην επιφάνεια το κύριο χαρακτηριστικό του χαρακτήρα. Στο ιταλικό θέατρο ο Cazzola θεωρείται ο πρόδρομος του E. Duse. Οι καλύτεροι ρόλοι της περιλαμβάνουν την Pia ( Pia de Tolomei Marenko), Marguerite Gauthier ( κυρία με καμέλιες Dumas), Adrienne Lecouvreur ( Αντριέν ΛεκουβρέρΓραμματέας), καθώς και ο ρόλος της Δεσδαιμόνας ( Οθέλλος Shakespeare), που έπαιξε μαζί με τον σύζυγό της, T. Salvini, τον μεγάλο τραγικό.

Ο Tommaso Salvini, μαθητής του G. Modena και του L. Domeniconi, ενός από τους πιο εξέχοντες εκπροσώπους του σκηνικού κλασικισμού. Ο ηθοποιός δεν ενδιαφέρεται ένας κοινός άνθρωπος, αλλά ένας ήρωας που η ζωή του δίνεται σε έναν υψηλό στόχο. Έβαλε το όμορφο πάνω από την εγκόσμια αλήθεια. Ανέβασε την εικόνα του ανθρώπου ψηλά. Η τέχνη του συνδύαζε οργανικά το μεγάλο και το συνηθισμένο, το ηρωικό και το καθημερινό. Ήξερε με μαεστρία πώς να ελέγχει την προσοχή του κοινού. Ήταν ένας ηθοποιός με ισχυρό ταμπεραμέντο, ισορροπημένος από ισχυρή θέληση. Η εικόνα του Οθέλλου ( Οθέλλος Shakespeare) - η υψηλότερη δημιουργία του Salvini, "ένα μνημείο, ένα μνημείο, ένας νόμος για όλους τους χρόνους" (Stanislavsky). Οθέλλος έπαιζε όλη του τη ζωή. Τα καλύτερα έργα του ηθοποιού περιλαμβάνουν επίσης τους κύριους ρόλους σε έργα. Χωριουδάκι, βασιλιάς Ληρ, Μάκβεθ Shakespeare, καθώς και ο ρόλος του Corrado στο έργο Εμφύλιος θάνατοςΤζιακομέτι.

Το έργο ενός άλλου λαμπρού τραγικού ποιητή, του Ερνέστο Ρόσι (1827–1896), αντιπροσωπεύει ήδη ένα διαφορετικό στάδιο στην ανάπτυξη των παραστατικών τεχνών στην Ιταλία. Ήταν ο πιο αγαπημένος και πιο συνεπής μαθητής του G. Modena. Σε κάθε χαρακτήρα, ο Rossi προσπάθησε να δει όχι έναν ιδανικό ήρωα, αλλά απλώς ένα άτομο. Ο πιο λεπτός ψυχολόγος ηθοποιός, μπορούσε επιδέξια να δείξει τον εσωτερικό κόσμο, να μεταφέρει τις παραμικρές αποχρώσεις του χαρακτήρα του χαρακτήρα. Οι τραγωδίες του Σαίξπηρ αποτελούν τη βάση του ρεπερτορίου του Ρόσι, τους έδωσε 40 χρόνια από τη ζωή του και έπαιξε σε αυτές μέχρι την τελευταία μέρα. Αυτοί είναι οι κύριοι ρόλοι στα έργα Χωριουδάκι, ΡΩΜΑΙΟΣ ΚΑΙ ΙΟΥΛΙΕΤΑ, Μάκβεθ, βασιλιάς Ληρ, Κοριολανός, Ριχάρδος Γ', Ιούλιος Καίσαρας, Ο Έμπορος της Βενετίας. Έπαιξε επίσης στα έργα των Dumas, Giacometti, Hugo, Goldoni, Alfieri, Corneille, έπαιξε στις μικρές τραγωδίες του Πούσκιν και του Ivan the Terrible στο δράμα του A.K. Tolstoy. Ρεαλιστής καλλιτέχνης, δεξιοτέχνης της μετενσάρκωσης, δεν αποδέχτηκε τον βερισμό, αν και ο ίδιος ετοίμασε την εμφάνισή του με όλη του την τέχνη.

Ο Verismo, ως καλλιτεχνικό φαινόμενο, εκφράστηκε πλήρως στη σκηνή από την Ermette Zacconi (1857–1948). Το ρεπερτόριο του Zacconi είναι πάνω από όλα σύγχρονο παιχνίδι. Με μεγάλη επιτυχία έπαιξε στα έργα του Ίψεν, Α.Κ. Το δημιουργικό του στυλ περιείχε τα πάντα, από την κωμωδία dell'arte μέχρι την υψηλή τραγωδία και τον νατουραλισμό.

Η σημαντικότερη τραγική ηθοποιός της αλλαγής του αιώνα ήταν η θρυλική Eleonora Duse. Η πιο αδύνατη ψυχολόγος ηθοποιός, που η τέχνη της έμοιαζε να είναι κάτι περισσότερο από την τέχνη της μετενσάρκωσης.

19ος αιώνας - η ακμή του διαλεκτικού πολιτισμού. Λαμβάνει τη μεγαλύτερη ανάπτυξη στη Σικελία, τη Νάπολη, το Πεδεμόντιο, τη Βενετία, το Μιλάνο. Το διαλεκτικό θέατρο είναι το πνευματικό τέκνο της commedia dell'arte, πήρε πολλά από αυτό: ο αυτοσχεδιαστικός χαρακτήρας του παιχνιδιού σύμφωνα με ένα προκατειλημμένο σενάριο, η αγάπη για τον μπουφόν, οι μάσκες. Οι παραστάσεις γίνονταν στην τοπική διάλεκτο. Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα η διαλεκτική δραματουργία μόλις άρχιζε να αποκτά τη λογοτεχνική της βάση. Το διαλεκτικό θέατρο εκείνης της εποχής ήταν πρωτίστως θέατρο υποκριτικής. Ο Σικελός Τζιοβάνι Γκράσο (1873-1930), «πρωτόγονος τραγικός», ηθοποιός αυθόρμητης ιδιοσυγκρασίας, λαμπρός ερμηνευτής αιματηρών μελοδραμάτων, ήταν πολύ γνωστός όχι μόνο στην Ιταλία, αλλά και στο εξωτερικό. Ο βόρειος Edoardo Ferravilla (1846-1916), ένας λαμπρός ηθοποιός κόμικ, συγγραφέας και ερμηνευτής των κειμένων του, γνώρισε μεγάλη επιτυχία. Ο Antonio Petito (1822-1876) είναι η πιο θρυλική φιγούρα του ναπολιτάνικου θεάτρου, ένας λαμπρός αυτοσχεδιαστής που εργάστηκε στην τεχνική της commedia dell'arte, ένας αξεπέραστος ερμηνευτής της μάσκας Pulcinella. Ο μαθητής και οπαδός του Eduardo Scarpetta (1853-1925), ένας λαμπρός ηθοποιός, «ο βασιλιάς των κωμικών», ο δημιουργός της μάσκας του Felice Xoshamocchi, διάσημος θεατρικός συγγραφέας. Η καλύτερή του κωμωδία Οι φτωχοί και οι ευγενείς (1888).

20ος αιώνας.

Αρχές 20ου αιώνα μπήκε στην ιστορία των παραστατικών τεχνών ως η εποχή της θεατρικής επανάστασης. Στην Ιταλία τον ρόλο των καινοτόμων της σκηνής ανέλαβαν οι φουτουριστές. Στόχος τους είναι να δημιουργήσουν την τέχνη του μέλλοντος. Οι φουτουριστές αρνήθηκαν το ακαδημαϊκό θέατρο, τα θεατρικά είδη που υπήρχαν, προσπάθησαν να εγκαταλείψουν τον ηθοποιό ή να αναγάγουν τον ρόλο του σε μαριονέτα, επίσης να εγκαταλείψουν τη λέξη, αντικαθιστώντας την με πλαστικές συνθέσεις και σκηνογραφία. Θεωρούσαν το παραδοσιακό θέατρο στατικό, πιστεύοντας ότι στην εποχή του μηχανικού πολιτισμού το κυριότερο είναι η κίνηση. Οι πιο εξέχουσες μορφές του φουτουρισμού ήταν οι F.T. Marinetti (1876–1944) και A.J. Bragaglia (1890–1961). Τα θεατρικά τους μανιφέστα: Μανιφέστο Θεάτρου Variety(1913) και Φουτουριστικό Μανιφέστο Συνθετικού Θεάτρου(1915) δεν έχουν χάσει ακόμη τη σημασία τους. Η δραματουργία των φουτουριστών είναι κυρίως τα έργα του Μαρινέτι, που ονομάζονται συνθέσεις ( σύντομα σκίτσαεκτελούνται πιο συχνά χωρίς λόγια). Μεγαλύτερο ενδιαφέρον παρουσιάζει η σκηνογραφία: στο φουτουριστικό θέατροεργάστηκαν οι καλύτεροι καλλιτέχνες εκείνης της εποχής: J. Balla, E. Prampolini (1894–1956), F. Depero (1892–1960). Το θέατρο των φουτουριστών δεν είχε επιτυχία με το κοινό: οι παραστάσεις συχνά προκαλούσαν αγανάκτηση και συχνά λάμβαναν χώρα με σκάνδαλα. Ο ρόλος των φουτουριστών έγινε σαφής αργότερα - στο δεύτερο μισό του αιώνα: τότε ήταν που οι ιδέες τους αναπτύχθηκαν περαιτέρω. Μαζί με τα λεγόμενα. Με τους «θεατρικούς συγγραφείς του γκροτέσκου» και τους θεατρικούς συγγραφείς του «λυκόφωτος» οι φουτουριστές προετοίμασαν την εμφάνιση της μεγαλύτερης μορφής στο θέατρο του 20ού αιώνα. Λ.Πιραντέλλο. Μεγάλη σημασία το 1920-1930 ήταν η δραστηριότητα ξένων σκηνοθετών: πρόκειται για τις παραγωγές του M. Reinhardt, V.I. (1896-1975), ο οποίος εισήγαγε τους Ιταλούς στα ρωσικά. σχολή θεάτρουκαι τις διδασκαλίες του Στανισλάφσκι.

Ο Λουίτζι Πιραντέλλο άρχισε να γράφει για το θέατρο το 1910. Στα πρώτα έργα αφιερωμένα στη ζωή στη Σικελία και γραμμένα στη σικελική διάλεκτο, η επίδραση του βερισμού είναι ξεκάθαρα αισθητή. Τα κύρια θέματα του έργου του είναι η ψευδαίσθηση και η πραγματικότητα, το πρόσωπο και η μάσκα. Προέρχεται από το γεγονός ότι τα πάντα στον κόσμο είναι σχετικά και δεν υπάρχει αντικειμενική αλήθεια.

Άλλοι σημαντικοί ηθοποιοί της εποχής είναι οι Ruggiero Ruggieri (1871–1953), Memo Benassi (1891–1957) και οι αδερφές Gramatika: Irma (1870–1962) και Emma (1875–1965). Από τους θεατρικούς συγγραφείς, ο Sem Benelli (1877–1949), συγγραφέας του έργου του ρεπερτορίου Δείπνο με αστεία(1909) και Hugo Betty (1892–1953), καλύτερο παιχνίδιποιόν Διαφθορά στο Μέγαρο της Δικαιοσύνης(1949).

Ανάμεσα στους δύο παγκόσμιους πολέμους σημαντικό μέροςστην κουλτούρα της Ιταλίας, το διαλεκτικό θέατρο κατέλαβε (αν και η πολιτική του φασιστικού κράτους είχε στόχο την καταστολή των διαλέκτων). Το ναπολιτάνικο θέατρο γνώρισε ιδιαίτερη επιτυχία. Από το 1932 άρχισε να λειτουργεί το Χιουμοριστικό Θέατρο των Αδελφών Ντε Φίλιππο. Ωστόσο, η πιο σημαντική φιγούρα εκείνης της εποχής ήταν ο Ραφαέλε Βιβιάνι (1888-1950), ένας άνθρωπος με «παθόν πρόσωπο και αστραφτερά μάτια αλήτη», ο δημιουργός του δικού του θεάτρου, ηθοποιός και θεατρικός συγγραφέας. Τα έργα της Viviani μιλάνε για τη ζωή των απλών Ναπολιτάνων, περιέχουν πολλή μουσική και τραγούδια. Μερικές από τις καλύτερες κωμωδίες του είναι Οδός Τολέδο τη νύχτα(1918), Ναπολιτάνικο χωριό (1919), ψαράδες (1924), Ο τελευταίος αλήτης του δρόμου (1932).

Η περίοδος της Αντίστασης και τα πρώτα χρόνια μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο μπήκαν στην ιστορία της Ιταλίας ως το δεύτερο Risorgimento - τόσο καθοριστικές και μη αναστρέψιμες ήταν οι αλλαγές που συνέβησαν σε όλους τους τομείς της ζωής και της τέχνης. Μετά για πολλά χρόνιακοινωνική στασιμότητα, όλα ήταν σε κίνηση και απαιτούσαν αλλαγή. Και αν στα χρόνια της φασιστικής δικτατορίας το θέατρο κυριολεκτικά έπνιγε το ψέμα, τη ρητορική και την πομπωδία (έτσι ήταν η γραμμή της επίσημης τέχνης), τώρα επιτέλους άρχισε να μιλάει ανθρώπινη γλώσσα και να στραφεί σε έναν ζωντανό άνθρωπο. Η τέχνη της μεταπολεμικής Ιταλίας κατέπληξε τον κόσμο με την ειλικρίνειά της. Η ζωή όπως είναι, με όλη της τη φτώχεια, τους αγώνες, τις νίκες και τις ήττες και τα απλά ανθρώπινα συναισθήματα, ήρθε στην οθόνη και στη σκηνή. Μετά τον πόλεμο, το θέατρο αναπτύχθηκε σύμφωνα με τον νεορεαλισμό, ένα από τα πιο δημοκρατικά και ανθρωπιστικά κινήματα τέχνης του εικοστού αιώνα. Το διαλεκτικό θέατρο παίρνει μια νέα πνοή. Ο Ναπολιτάνος ​​Eduardo De Filippo λαμβάνει εθνική αναγνώριση και η δραματουργία του κατακτά γρήγορα τις σκηνές του κόσμου. Ονόμασε τα έργα του «σκηνοθετημένη πραγματική ζωή». Στις θλιβερές του κωμωδίες μιλαμεγια τη ζωή, για τις σχέσεις στην οικογένεια, για την ηθική και τον σκοπό ενός ανθρώπου, για τα προβλήματα του πολέμου και της ειρήνης.

Το επάγγελμα του σκηνοθέτη, που εμφανίστηκε στο ευρωπαϊκό θέατρο στις αρχές του αιώνα, καθιερώθηκε στην Ιταλία μόλις στο δεύτερο μισό του αιώνα. Ο πρώτος σκηνοθέτης με την ευρωπαϊκή έννοια της λέξης ήταν ο Luchino Visconti (1906–1976), ένας ρεαλιστής καλλιτέχνης με έντονη αίσθηση της ομορφιάς, ένας ένθερμος αντιφασίστας και ουμανιστής που εργάστηκε τόσο στο θέατρο όσο και στον κινηματογράφο. Στο θέατρο Visconti, η παράσταση κατανοείται ως σύνολο, υπόκειται σε ένα ενιαίο σχέδιο, κηρύσσεται πόλεμος στην πρεμιέρα, οι ηθοποιοί μαθαίνουν να εργάζονται σε ένα σύνολο. Τα πιο σημαντικά έργα του Βισκόντι στο δραματικό θέατρο: Εγκλημα και τιμωρίαΝτοστογιέφσκι (1946), γυάλινο θηριοτροφείο (1946), Επιθυμία Τραμ T. Williams (1949), Rosalind, ή Όπως σας αρέσει (1948), Troilus και CressidaΣαίξπηρ Ορέστης Alfieri (1949) ξενοδόχος Goldoni (1952) Τρεις αδερφές (1952), Ο θείος Ιβάν (1956), Ο Βυσσινόκηπος(1965) Τσέχοφ.

Πρώτα μεταπολεμικά χρόνιαστην Ευρώπη ξεκίνησε ένα κίνημα για προσιτά και κατανοητά λαϊκά θέατρα. Στην Ιταλία συγχωνεύτηκε με τον αγώνα για στατικά θέατρα, που ονομάστηκε Stabile (σταθερό / μόνιμο). Το πρώτο Stabile ήταν το Piccolo Teatro στο Μιλάνο, που ιδρύθηκε το 1947 από τους P. Grassi και J. Strehler. Το καλλιτεχνικό θέατρο στην υπηρεσία της κοινωνίας - αυτό είναι το καθήκον που έθεσε ο Piccolo Teatro. Στο έργο του Strehler, αρκετές γραμμές της ευρωπαϊκής θεατρική κουλτούρα: η εθνική παράδοση της commedia dell'arte, η τέχνη του ψυχολογικού ρεαλισμού και του επικού θεάτρου.

Στη δεκαετία 1960-1970 Ευρωπαϊκό θέατρογνώρισε μια έξαρση Μια νέα γενιά σκηνοθετών και ηθοποιών ήρθε στο ιταλικό θέατρο. Οι νέοι άνθρωποι, οι περισσότεροι νιώθουν έντονα εξαντλημένοι παραδοσιακή γλώσσασκηνές άρχισαν να εξερευνούν έναν νέο χώρο, να δουλεύουν διαφορετικά με το φως, τον ήχο, να αναζητούν νέες μορφές σχέσης με το κοινό. Εκείνα τα χρόνια δούλεψαν ενεργά οι Giancarlo Nanni, Aldo Trionfo, Meme Perlini, Gabriele Lavia, Carlo Cecchi, Carlo Quartucci, Giuliano Vasiliko, Leo De Berardinis. Ωστόσο, οι πιο σημαντικές μορφές της γενιάς του εξήντα: Roberto De Simone, Luca Ronconi, Carmelo Bene, Dario Fo. Όλοι τους έχουν κάνει πολλά για να εμπλουτίσουν τη θεατρική γλώσσα, οι ανακαλύψεις τους χρησιμοποιούνται ευρέως στη θεατρική πράξη.

Ο Ντάριο Φο είναι ο πιο εξέχων εκπρόσωπος του πολιτικού θεάτρου. Ο Φο ενδιαφέρεται για τον άνθρωπο ως κοινωνικό τύπο, με έντονα, μυτερά, υπερβολικά χαρακτηριστικά, τοποθετημένο σε μια οξεία, φαρσική, παράδοξη κατάσταση. Χρησιμοποιεί εκτενώς τεχνικές λαϊκού θεάτρου όπως ο αυτοσχεδιασμός και ο μπουφόν.

Ο Carmelo Bene (γεν. 1937) είναι ο αναγνωρισμένος επικεφαλής της ιταλικής πρωτοπορίας του δεύτερου μισού του 20ού αιώνα. Ο Μπενέ αποκαλείται σπουδαίος ηθοποιός. Ο ίδιος γράφει, σκηνοθετεί και ερμηνεύει τους βασικούς ρόλους στα έργα του. Το έργο του υπάρχει στην άρρηκτη ενότητα συγγραφέα, ηθοποιού και σκηνοθέτη. Ο Μπενέ είναι συγγραφέας πολλών παραστάσεων, βασισμένων κυρίως σε έργα παγκόσμιας λογοτεχνίας και θεάτρου: Ο Πινόκιο Kallodi (1961) Φάουστ και Μαργαρίτα (1966), Σαλώμη Wilde (1972) Τουρκική Θεοτόκος Bene (1973) ΡΩΜΑΙΟΣ ΚΑΙ ΙΟΥΛΙΕΤΑ (1976), Richard Sh (1978), Οθέλλος(1979), Ο Μάνφρεντ Byron (1979) Μάκβεθ (1983), Χωριουδάκι(ρυθμίζεται επανειλημμένα) κ.λπ. Όλες αυτές είναι πρωτότυπες συνθέσεις του Μπενέ, βασισμένες σε γνωστά έργα και πολύ αόριστα τα θυμίζουν. Ο Benet εγκαταλείπει την παραδοσιακή δραματική μορφή: στις παραστάσεις του δεν υπάρχουν γεγονότα βασισμένα στην αρχή της αιτίας και του αποτελέσματος, δεν υπάρχει πλοκή και διάλογος με τη συνήθη έννοια, η λέξη μερικές φορές αντικαθίσταται από ήχο και η εικόνα κυριολεκτικά καταρρέει, γίνεται ένα άψυχο αντικείμενο ή εξαφανίζεται τελείως. Ρέκβιεμ για έναν άνθρωπο - έτσι θα μπορούσε κανείς να ορίσει το κύριο περιεχόμενο της τέχνης του.

Από τους νεότερους που σήμερα εργάζονται με επιτυχία στο ιταλικό θέατρο, μπορεί κανείς να αναφέρει τον σκηνοθέτη Federico Tiezzi (1951), τον σκηνοθέτη και ηθοποιό Giorgio Barberio Corsetti (1951), τον σκηνοθέτη Mario Martone (1962), ο οποίος για αρκετά χρόνια ήταν επικεφαλής του ρωμαϊκού θεάτρου " Stabile», ο οποίος ανέβασε μια σειρά από πολύ ενδιαφέρουσες παραστάσεις, μεταξύ των οποίων ήταν και η παράσταση Δέκα εντολές R. Viviani (2001).

Στο δεύτερο μισό του 20ου αιώνα το ιταλικό θέατρο, έχοντας γίνει θέατρο σκηνοθέτη, δεν έπαψε να είναι θέατρο μεγάλων ηθοποιών. Στις παραστάσεις οι μεγαλύτεροι σκηνοθέτες δούλευαν πάντα και καλύτεροι ηθοποιοίχώρες. Αυτό ισχύει για τον Eduardo de Filippo και για τον Giorgio Strehler και τον Luchino Visconti, καθώς και για τους σκηνοθέτες της δεκαετίας του εξήντα που ήρθαν στο θέατρο στο κύμα αμφισβήτησης. Ο πυρήνας του θιάσου Visconti ήταν το παντρεμένο ζευγάρι Rina Morelli και Paolo Stoppa, λεπτοί ψυχολόγοι ηθοποιοί που έπαιξαν σε όλες τις παραστάσεις του στο δραματικό θέατρο. Ο Vittorio Gassman είχε επίσης τεράστια επιτυχία στις παραστάσεις του Visconti (ειδικά στις παραστάσεις ΟρέστηςΑλφιέρι και Troilus και CressidaΣαίξπηρ). Μετά την αποχώρησή του από το Visconti, ο Gassman έπαιξε πολύ στο κλασικό ρεπερτόριο. πιο αξιοσημείωτες ήταν οι ερμηνείες του ΟθέλλοςΚαι ΜάκβεθΣαίξπηρ.

Στη μακρά παράδοση του ιταλικού θεάτρου, ο θίασος συνήθως συγκεντρωνόταν γύρω από έναν μεγάλο ηθοποιό (ή ηθοποιό) και οι παραστάσεις συνήθως ανέβαιναν με βάση τη δεδομένη πρεμιέρα. Σε μια τέτοια θεατρική ομάδα, ο πρώτος ηθοποιός, ο ηθοποιός σταρ (που ονομαζόταν divo ή mattatore στην Ιταλία) περιβαλλόταν συχνά από πολύ αδύναμους ερμηνευτές.

Για αρκετές δεκαετίες (μέχρι σήμερα), πολύ δημοφιλείς ηθοποιοίΟ Giorgio Albertazzi και η Anna Proklemer, παίζοντας τους βασικούς ρόλους στα έργα του παγκόσμιου κλασικού ρεπερτορίου. Πολλοί πολύ διάσημοι και αγαπημένοι από το ιταλικό κοινό ηθοποιοί διαφορετικών γενεών δούλεψαν πολύ στο θέατρο, όπως οι Anna Magnani, Salvo Rondone, Giancarlo Tedeschi, Alberto Lionello, Luigi Proietti, Valeria Moriconi, Franco Parenti, του οποίου το όνομα είναι πλέον ένας από τους θέατρα στο Μιλάνο. Ο Parenti εργάστηκε επίσης στο Piccolo Teatro με τον Giorgio Strehler. Στο Strehler Theatre έπαιζαν πάντα υπέροχοι ηθοποιοί. Αυτός είναι ο Tino Buazzelli, ο διάσημος ερμηνευτής του ρόλου του Galileo στο έργο Η ζωή του ΓαλιλαίουΒ. Μπρεχτ. Ο Τίνο Καράρο, ο οποίος για πολλά χρόνια έπαιζε τους κύριους ρόλους στα έργα του Σαίξπηρ ( βασιλιάς Ληρ, Καταιγίδα), Μπρεχτ, Στρίντμπεργκ κ.ά.. Εξαιρετική ερμηνεύτρια γυναικείων ρόλων στο θέατρο του σκηνοθέτη ήταν η Βαλεντίνα Κορτέζε, μεταξύ των κορυφών, έργο της οποίας ήταν ο ρόλος της Ρανέβσκαγια στο βυσσινόκηπος(παραγωγή 1974). Από τις νεότερες ξεχωρίζει η Πάμελα Βιλορέσι, μια υπέροχη ερμηνεύτρια γυναικείες εικόνεςστις κωμωδίες του Carlo Goldoni, στα έργα των Lessing, Marivaux κ.α.. Στην τελευταία περίοδο της δουλειάς του σκηνοθέτη, η ηθοποιός Andrea Jonasson, η οποία ερμήνευσε δραματικούς ρόλουςστις παραγωγές του Μπρεχτ, του Λέσινγκ, του Πιραντέλλο και άλλων. Ξεχωριστή θέση μεταξύ των ηθοποιών του θεάτρου Piccolo κατέχουν δύο σπουδαίοι ερμηνευτές της μάσκας του Αρλεκίνου - ο Marcello Moretti και ο Ferruccio Soleri στη θρυλική παράσταση Αρλεκίνοςβασισμένο στην κωμωδία Goldoni Υπηρέτης δύο κυρίων.

Ο Luca Ronconi συγκεντρώνει επίσης μια ομάδα ηθοποιών του. Πρόκειται, καταρχάς, για δύο μεγαλύτερες ηθοποιούς Franka Nuti και Marisa Fabbri, που έπαιξαν τους βασικούς ρόλους σε τέτοιες παραστάσεις του σκηνοθέτη όπως bacchantesΕυριπίδης (1978) φαντάσματαΊψεν, Τελευταιες μερεςανθρωπότητα Kraus και άλλοι, η Mariangela Melato, που έπαιξε στα καλύτερα έργα του σκηνοθέτη όπως π.χ Έξαλλος ΡόλαντΚαι ορέστεα. Δούλεψε πολύ με τον Ronconi και τον Massimo de Francovich, μεταξύ των οποίων οι μεγάλες επιτυχίες είναι ο ρόλος του Lear στο έργο. βασιλιάς Ληρ, καθώς και ο νεαρός Massimo Popolicio, ένας ηθοποιός ευρείας εμβέλειας που έχει πρόσβαση σε ρυθμούς, τόσο δράμα όσο και κωμωδία (η τεράστια επιτυχία του έφερε το ρόλο δύο αδερφών στην κωμωδία Goldoni Βενετσιάνικα δίδυμα).

Είναι ιδιαίτερα απαραίτητο να ξεχωρίσουμε τους ηθοποιούς της ναπολιτάνικης σχολής. Από τους πιο γνωστούς είναι οι παλαιότεροι ηθοποιοί Salvatore de Muto, Toto (Antonio de Curtis), Peppino de Filippo και Pupella Maggio, που δούλεψαν πολύ στο θέατρο του Eduardo de Filippo. Από τους νεότερους οι ηθοποιοί Mariano Riggillo, Giuseppe Barra, Leopoldo Mastellone κ.α.

Δεύτερο μισό του 20ου αιώνα μπήκε στην ιστορία του ιταλικού θεάτρου ως η εποχή της αναγέννησης της τέχνης της σκηνογραφίας. Οι καλύτεροι καλλιτέχνες πάντα δούλευαν με τους καλύτερους σκηνοθέτες της χώρας. Οι πιο λαμπερές φιγούρες είναι οι Luciano Damiani και Ezio Frigerio. τα ονόματά τους είναι στις αφίσες όλων τις καλύτερες παραστάσειςΣτρέλερ. Και επίσης αυτός είναι ο Enrico Job, ο Pier Luigi Pizzi, ο Gae Aulenti, η Margherita Palli.

Μαρία Σκορνιάκοβα

Τι κάνει τους λάτρεις της κλασικής μουσικής να κάνουν κράτηση πτήσεων προς την Ευρώπη για να παρακολουθήσουν παραστάσεις όπερας; Στις ευρωπαϊκές πόλεις το επίπεδο της όπερας είναι σε υψηλό επίπεδο, η αρχιτεκτονική των θεάτρων είναι εκπληκτική. Για όλους όσους αγαπούν αυτό το είδος τέχνης, προσφέρουμε μια επισκόπηση των πιο σημαντικών όπερων στην Ευρώπη.

Λα Σκάλα, Μιλάνο
Η Όπερα της Σκάλας άνοιξε τις πόρτες της στους επισκέπτες το 1778. Σήμερα, έχοντας κλείσει αεροπορικά εισιτήρια για Μιλάνο, και πηγαίνοντας στην πιο διάσημη όπερα, μπορείς να ακούσεις τα παγκόσμια αριστουργήματα των Bellini, Verdi, Puccini, Donizetti, Rossini. Παρεμπιπτόντως, η χωρητικότητα της αίθουσας είναι 2.030 θεατές και το κόστος των εισιτηρίων κυμαίνεται από 35 έως 300 ευρώ. Η Σκάλα είναι μοναδική στο ότι η σεζόν ανοίγει στις 7 Δεκεμβρίου (αυτή είναι η ημέρα του Αγίου Αμβροσίου, του πολιούχου του Μιλάνου) και διαρκεί μέχρι τον Νοέμβριο. Η Σκάλα έχει αυστηρό ενδυματολογικό κώδικα, μόνο ένα μαύρο φόρεμα ή σμόκιν επιτρέπεται να μπει στο θέατρο.

Σαν Κάρλο, Νάπολη
Το San Carlo είναι η μεγαλύτερη όπερα όχι μόνο στην Ιταλία, αλλά και στην Ευρώπη. Μόνο τα θέατρα στη Νέα Υόρκη και το Σικάγο το ξεπερνούν σε μέγεθος. Το θέατρο άρχισε να λειτουργεί το 1737. Ξαναχτίστηκε το 1817 μετά από πυρκαγιά. Απίστευτα πολυτελές θέατρο χωρητικότητας 3.283 θεατών, οι τιμές των εισιτηρίων ξεκινούν από 25 ευρώ. Εάν αποφασίσετε να κάνετε κράτηση πτήσεων και να επισκεφθείτε αυτήν την υπέροχη πόλη, τότε φροντίστε να ακούσετε το Otello του Giuseppe Verdi στο San Carlo - θα απολαύσετε μεγάλη χαρά.

Covent Garden, Λονδίνο
Αν κλείσετε εισιτήριο για, μπορείτε να δείτε όχι μόνο τη Γέφυρα του Πύργου και τη βασιλική φρουρά, αλλά και το βασιλικό θέατρο. Άνοιξε το 1732 υπό την ηγεσία του Handel, το θέατρο επέζησε από περισσότερες από 3 πυρκαγιές και κάθε φορά αναστηλώθηκε, διατηρώντας την εξαίσια αρχιτεκτονική. Η αποκλειστικότητα του θεάτρου έγκειται στο γεγονός ότι προβάλλονται πολλές παραγωγές αγγλική γλώσσα. Τα εισιτήρια κοστίζουν από 10 έως 200 λίρες. Στο Covent Garden, σας προτείνουμε να ακούσετε την όπερα Norma του Vincenzo Bellini.

Grand Opera, Παρίσι
Για να εκτιμηθεί το μεγαλείο του θεάτρου, αρκεί να απαριθμήσουμε τους μεγάλους συνθέτες που ερμήνευσαν τα έργα τους σε αυτό: Deelib, Rossini, Meyerbeer. Στο πιο επισκέψιμο θέατρο του κόσμου τα εισιτήρια κοστίζουν έως και 350 ευρώ, και η χωρητικότητα της αίθουσας είναι 1900 θεατές. Πρόσοψη με 7 καμάρες, γλυπτά Δράμας, Μουσικής, Ποίησης και Χορού και εσωτερικό με μαρμάρινες σκάλες, τοιχογραφίες του Pils, πίνακες των Chagall και Baudry. Αξίζει τον κόπο να κάνετε κράτηση πτήσεων για να επισκεφτείτε την Grand Opera τουλάχιστον μία φορά

Βασιλική Όπερα, Βερσαλλίες
Η Βασιλική Όπερα των Βερσαλλιών βρίσκεται σε ένα μεγάλο πολυτελές παλάτι και είναι το μεγαλύτερο ανάκτορο θέατρο στον κόσμο. Η αρχιτεκτονική του μοναδικότητα έγκειται στο γεγονός ότι είναι πλήρως κατασκευασμένο από ξύλο και όλες οι μαρμάρινες επιφάνειες είναι μόνο απομιμήσεις. Το θέατρο φιλοξένησε πρεμιέρες λαμπρών όπερων, συμπεριλαμβανομένης της Ιφιγένειας στον Ταύρο του Γκλουκ. Τώρα αυτό το θέατρο είναι υποχρεωτικό κομμάτι πολιτιστικό πρόγραμμαγια όσους έχουν κάνει κράτηση πτήσεων για Παρίσι. Η ελάχιστη τιμή εισιτηρίου είναι 20 ευρώ.

Κρατική Όπερα της Βιέννης, Βιέννη
Η Όπερα της Βιέννης είναι ένα πραγματικά βασιλικό στυλ και κλίμακα. Στα εγκαίνια του θεάτρου ερμήνευσαν τον Ντον Τζιοβάνι του Μότσαρτ. Τα πάντα στην όπερα είναι εμποτισμένα με το πνεύμα του μεγάλου Αυστριακού συνθέτη: η νεοαναγεννησιακή πρόσοψη του θεάτρου είναι διακοσμημένη με τοιχογραφίες βασισμένες στην όπερα Ο Μαγικός Αυλός. Και ο πιο δημοφιλής καλλιτεχνικός διευθυντής ήταν ο μαέστρος Γκούσταβ Μάλερ. Κάθε χρόνο τον Φεβρουάριο, η βιεννέζικη χοροεσπερίδα γίνεται στο θέατρο. Έχοντας κλείσει εισιτήριο για Βιέννη, επισκεφθείτε οπωσδήποτε την όπερα!

Teatro Carlo Felice, Γένοβα
Το θέατρο Carlo Felice στη Γένοβα είναι ένα σύμβολο της πόλης, για το οποίο δεν έχουν εξοικονομηθεί χρήματα και κόπος. Για παράδειγμα, ο σχεδιασμός της σκηνής δημιουργήθηκε από τον Luigi Canonica, ο οποίος έχτισε τη Σκάλα. Το θέατρο είναι άρρηκτα συνδεδεμένο με το όνομα του Τζουζέπε Βέρντι, ο οποίος έκανε τις πρεμιέρες των όπερών του για πολλές σεζόν στη σειρά. Και μέχρι σήμερα, στο playbill του θεάτρου μπορείτε να δείτε τις δημιουργίες του πανέξυπνου συνθέτη. Αν έχετε κλείσει πτήσεις για Γένοβα, σας συμβουλεύουμε να ακούσετε την όπερα «Mary Stuart» του Gaetano Donizetti. Παρεμπιπτόντως, οι τιμές των εισιτηρίων είναι αρκετά δημοκρατικές και ξεκινούν από 7 ευρώ.

Gran Teatro Liceu, Βαρκελώνη
, αγάπησε την όπερα και να περάσεις από το «Grand Teatro Liceo» είναι απλά αδύνατο! Το θέατρο φημίζεται τόσο για το κλασικό ρεπερτόριο όσο και για τη σύγχρονη προσέγγιση των έργων. Το θέατρο επέζησε από έκρηξη, μεγάλη πυρκαγιά και αποκαταστάθηκε ακριβώς σύμφωνα με τα αρχικά σχέδια. Τα καθίσματα στην αίθουσα είναι κατασκευασμένα από χυτοσίδηρο με επένδυση από κόκκινο βελούδο, ενώ οι πολυέλαιοι από ορείχαλκο σε σχήμα δράκου με κρυστάλλινες αποχρώσεις.

Θέατρο Estates, Πράγα
Το θέατρο της Πράγας είναι το μοναδικό στην Ευρώπη που έχει επιβιώσει σχεδόν αμετάβλητο. Ήταν στο θέατρο Estates που ο Μότσαρτ παρουσίασε για πρώτη φορά στον κόσμο τις όπερες του Don Giovanni και Mercy of Titus. Μέχρι τώρα, τα έργα του αυστριακού κλασικού αποτελούν τη βάση του ρεπερτορίου του θεάτρου. Μεταξύ των βιρτουόζων που εμφανίστηκαν σε αυτή τη σκηνή είναι οι Anton Rubinstein, Gustav Mahler, Niccolo Paganini. Εκτός από όπερα, μπαλέτο και δραματικές παραστάσεις δίνονται εδώ. Και ο Τσέχος σκηνοθέτης Milos Forman γύρισε εδώ την ταινία του Amadeus, που έφερε πολλά Όσκαρ.

Κρατική Όπερα της Βαυαρίας, Μόναχο
Η Κρατική Όπερα της Βαυαρίας θεωρείται ένα από τα παλαιότερα θέατρα στον κόσμο, άνοιξε ήδη από το 1653! Το θέατρο χωράει 2.100 θεατές και οι τιμές των εισιτηρίων ξεκινούν από 11 ευρώ και τελειώνουν στα 380 ευρώ. Εδώ παρουσιάστηκαν οι πρεμιέρες του Wagner - "Tristan and Isolde", "Rheingold", "Valkyrie". Δίνει 350 παραστάσεις ετησίως (συμπεριλαμβανομένου του μπαλέτου). Για όσους έχουν κλείσει πτήση για Μόναχο, πρέπει να δουν τη Βαυαρική Όπερα.