Naziv baletnih trupa svjetskih kazališta. Kratka povijest baleta
Sekcija publikacija Kazališta
Poznati ruski baleti. 5 najboljih
Klasični balet nevjerojatna je umjetnička forma koja se rodila u Italiji tijekom zrele renesanse, "preselila" u Francusku, gdje je zasluga za njegov razvoj, uključujući osnivanje Akademije za ples i kodifikaciju mnogih pokreta, pripala kralju Luju XIV. . Francuska je umjetnost kazališnog plesa izvozila u sve europske zemlje, uključujući Rusiju. Sredinom 19. stoljeća prijestolnica europskog baleta više nije Pariz, koji je svijetu podario remek-djela romantizma Silfidu i Giselu, već Peterburg. Upravo je u sjevernoj prijestolnici gotovo 60 godina radio veliki koreograf Marius Petipa, tvorac sustava klasičnog plesa i autor remek-djela koja još uvijek ne silaze s pozornice. Nakon Oktobarske revolucije balet su htjeli izbaciti s broda moderne, ali su ga uspjeli obraniti. Sovjetsko vrijeme obilježen je stvaranjem znatnog broja remek-djela. Predstavljamo pet domaćih vrhunskih baleta - kronološkim redom.
"Don Quijote"
Scena iz baleta Don Quijote. Jedna od prvih produkcija Mariusa Petipaa
Premijera baleta L.F. Minkus "Don Quijote" u Boljšoj teatru. 1869. godine Iz albuma arhitekta Alberta Kavosa
Scene iz baleta Don Quijote. Kitri - Lyubov Roslavleva (u sredini). Uprizorenje A.A. Gorski. Moskva, Boljšoj teatar. 1900
Glazba L. Minkus, libreto M. Petipa. Praizvedba: Moskva, Boljšoj teatar, 1869., koreografija M. Petipa. Daljnje produkcije: Sankt Peterburg, Marijinsko kazalište, 1871., koreografija M. Petipa; Moskva, Boljšoj teatar, 1900., Sankt Peterburg, Marijinski teatar, 1902., Moskva, Boljšoj teatar, 1906., sve - koreografija A. Gorskog..
Balet "Don Quijote" kazališna je predstava puna života i slavljenja, vječno slavlje plesa, koje ne umara odrasle i na koje roditelji rado vode svoju djecu. Iako se naziva imenom heroja poznati roman Cervantes, ali odbijen od jedne od njegovih epizoda, "Vjenčanje Quiterije i Basilija", a govori o pustolovinama mladih junaka, čija ljubav na kraju pobjeđuje, unatoč protivljenju junačinog tvrdoglavog oca, koji ju je htio udati za bogataša. Gamache.
Dakle, Don Quijote s tim nema gotovo nikakve veze. Tijekom cijele predstave, visoki, mršavi umjetnik, u pratnji niskog, trbušastog kolege koji tumači Sancha Panzu, korača pozornicom, ponekad otežavajući gledanje prekrasnih plesova koje su skladali Petipa i Gorsky. Balet je, u biti, koncert u kostimima, slavlje klasičnog i karakterističnog plesa, gdje svi umjetnici svake baletne trupe imaju nešto raditi.
Prva produkcija baleta održana je u Moskvi, kamo je Petipa povremeno putovao kako bi podigao razinu lokalne trupe, koja se nije mogla usporediti s briljantnom trupom Marijinskog kazališta. Ali u Moskvi se lakše disalo, pa je koreograf, u biti, postavio baletnu reminiscenciju na divne godine mladosti provedene u sunčanoj zemlji.
Balet je doživio uspjeh, a dvije godine kasnije Petipa ga je preselio u Sankt Peterburg, što je zahtijevalo preradu. Tamo su karakteristični plesovi bili mnogo manje zainteresirani od čiste klasike. Petipa je "Don Quijotea" proširio na pet činova, komponirao "bijeli čin", takozvani "Don Quijoteov san", pravi raj za ljubiteljice balerina u tutama, vlasnice lijepih nogu. Broj Kupida u "Snu" dostigao je pedeset i dva...
Don Quijote je do nas došao u preradi moskovskog koreografa Aleksandra Gorskog, koji je bio sklon idejama Konstantina Stanislavskog i želio stari balet učiniti logičnijim i dramski uvjerljivijim. Gorsky je uništio Petipaove simetrične kompozicije, ukinuo tute u sceni "Sna" i inzistirao na upotrebi tamnopute šminke za španjolske plesače. Petipa ga je nazvao "svinjom", no već u prvoj preinaci Gorskog balet je na pozornici Boljšoj teatra izveden 225 puta.
"Labuđe jezero"
Scenografija za prvu izvedbu. Veliko kazalište. Moskva. 1877. godine
Scena iz baleta Labuđe jezero»P.I. Čajkovski (koreografi Marius Petipa i Lev Ivanov). 1895. godine
Glazba P. Čajkovski, libreto V. Begičev i V. Geltser. Praizvedba: Moskva, Boljšoj teatar, 1877., koreografija V. Reisingera. Naknadna produkcija: St. Petersburg, Mariinsky Theatre, 1895., koreografija M. Petipa, L. Ivanov.
Svima omiljeni balet, čija je klasična verzija postavljena 1895., zapravo je rođen osamnaest godina ranije u moskovskom Boljšoj teatru. Partitura Čajkovskog, čija je svjetska slava tek dolazila, bila je svojevrsna zbirka "pjesama bez riječi" i činila se prekompliciranom za ono doba. Balet je izveden 40-ak puta i pao u zaborav.
Nakon smrti Čajkovskog, Labuđe jezero postavljeno je u Marijinskom kazalištu, a sve kasnije produkcije baleta temeljene su na ovoj verziji koja je postala klasik. Radnja je dobila veliku jasnoću i logiku: balet je govorio o sudbini prelijepe princeze Odette, koja je voljom zlog genija Rothbarta pretvorena u labuda, o tome kako je Rothbart prevario princa Siegfrieda, koji se u nju zaljubio, pribjegavajući čarima svoje kćeri Odile i o smrti junaka. Dirigent Ricardo Drigo smanjio je partituru Čajkovskog za oko trećinu i reorkestrirao je. Petipa je napravio koreografiju za prvi i treći čin, Lev Ivanov za drugi i četvrti. Ta je razdvojenost idealno odgovarala pozivu oba briljantna koreografa, od kojih je drugi morao živjeti i umrijeti u sjeni prvoga. Petipa je otac klasičnog baleta, tvorac besprijekorno skladnih kompozicija i pjevač žene-vile, žene-igračke. Ivanov je inovativan koreograf s neobično osjetljivim osjećajem za glazbu. Ulogu Odette-Odile tumačila je Pierina Legnani, “Kraljica milanskih balerina”, ona je ujedno i prva Raymonda te izumiteljica 32 fouettea, najteže vrste rotacije na špic cipelama.
Možda ne znate ništa o baletu, ali Labuđe jezero je poznato svima. U posljednjim godinama postojanja Sovjetski Savez, kada su se ostarjeli voditelji nerijetko smjenjivali, srčana melodija “bijelog” dueta glavnih likova baleta i rafali krila s TV ekrana najavljivali su tužan događaj. Japanci toliko vole Labuđe jezero da su ga spremni gledati ujutro i navečer u izvedbi bilo koje trupe. Niti jedna trupa na turneji, kojih ima mnogo u Rusiji, a posebno u Moskvi, ne može bez Lebedinog.
"Orašar"
Scena iz baleta Orašar. Prvo uprizorenje. Marianna - Lydia Rubtsova, Clara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasily Stukolkin. Opera Mariinskii. 1892. godine
Scena iz baleta Orašar. Prvo uprizorenje. Opera Mariinskii. 1892. godine
Glazba P. Čajkovski, libreto M. Petipa. Praizvedba: Sankt Peterburg, Marijinsko kazalište, 1892., koreografija L. Ivanova.
Iz knjiga i internetskih stranica još uvijek kolaju pogrešni podaci da je Orašara postavio otac klasičnog baleta Marius Petipa. Zapravo, Petipa je napisao samo scenarij, a prvu produkciju baleta izveo je njegov podređeni Lev Ivanov. Na Ivanova je pao nemoguć zadatak: scenarij, rađen u stilu tada pomodne baletne ekstravagancije uz neizostavno sudjelovanje talijanskog gosta, bio je u očitoj kontradikciji s glazbom Čajkovskog, koja je, iako pisana u strogom skladu s Petipaovim uputama, bila u potpunoj suprotnosti s glazbom Čajkovskog. odlikovao se velikim osjećajem, dramatičnim bogatstvom i složenim simfonijskim razvojem. Osim toga, junakinja baleta bila je tinejdžerica, a balerina-zvijezda bila je pripremljena samo za završni pas de deux (duet s partnerom, koji se sastoji od adagia - sporog dijela, varijacija - solo plesova i kode (virtuozno finale)). Prva produkcija Orašara, u kojoj se prvi, pretežno pantomimski čin, oštro razlikuje od drugog, divertismentskog čina, nije bila baš uspješna, kritičari su zabilježili samo Valcer pahuljica (u njemu su sudjelovala 64 plesača) i Pas de deux of the Dragee Fairy and Prince of Whooping Cough , koji je inspiriran Ivanovljevim Adagiom s ružom iz Trnoružice, gdje Aurora pleše s četiri gospodina.
Ali u 20. stoljeću, koje je uspjelo prodrijeti u dubinu glazbe Čajkovskog, Orašaru je bila predodređena zaista fantastična budućnost. Bezbrojne su baletne predstave u Sovjetskom Savezu, europskim zemljama i SAD-u. U Rusiji su osobito popularne produkcije Vasilija Vainonena u Lenjingradskom državnom akademskom kazalištu za operu i balet (danas Marijinski teatar u Sankt Peterburgu) i Jurija Grigoroviča u moskovskom Boljšoj teatru.
"Romeo i Julija"
Balet Romeo i Julija. Julija - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergejev. 1939. godine
Gospođa Patrick Campbeple kao Julija u Shakespeareovom Romeu i Juliji. 1895. godine
Finale Romea i Julije. 1940. godine
Glazba S. Prokofjev, libreto S. Radlov, A. Piotrovski, L. Lavrovski. Praizvedba: Brno, Kazalište opere i baleta, 1938., koreografija V. Psote. Naknadna produkcija: Lenjingrad, Državno akademsko kazalište za operu i balet. S. Kirov, 1940., koreografija L. Lavrovskog.
Ako Shakespeareova fraza u poznatom ruskom prijevodu glasi "Nema tužnije priče na svijetu od priče o Romeu i Juliji", zatim su rekli za balet velikog Sergeja Prokofjeva napisan na ovoj radnji: "Nema tužnije priče na svijetu od Prokofjevljeve glazbe u baletu". Uistinu nevjerojatna ljepotom, bogatstvom boja i izražajnošću, partitura "Romea i Julije" u trenutku kada se pojavila činila se prekompliciranom i neprikladnom za balet. Baletani su jednostavno odbili plesati s njom.
Prokofjev je napisao partituru 1934. godine, a izvorno nije bila namijenjena kazalištu, već poznatoj Lenjingradskoj akademskoj koreografskoj školi za proslavu 200. obljetnice. Projekt nije realiziran zbog ubojstva Sergeja Kirova u Lenjingradu 1934., a u vodećem glazbenom kazalištu druge prijestolnice došlo je do promjena. Nije se ostvario ni plan postavljanja Romea i Julije u moskovskom Boljšoju. Godine 1938. praizvedbu je izvelo kazalište u Brnu, a samo dvije godine kasnije Prokofjevljev balet konačno je postavljen u autorovoj domovini, u tadašnjem kazalištu Kirov.
Koreograf Leonid Lavrovski, u okviru žanra “drambalet” (forma koreografske drame karakteristične za balet 1930-ih i 1950-ih), iznimno prihvaćen od strane sovjetskih vlasti, stvorio je impresivan, uzbudljiv spektakl s pomno oblikovanim masovnim scenama i fino definirane psihološke karakteristike likova. Na raspolaganju mu je bila Galina Ulanova, najprofinjenija balerina-glumica, koja je u ulozi Julije ostala nenadmašna.
Prokofjevljevu partituru brzo su cijenili zapadni koreografi. Prve verzije baleta pojavile su se već četrdesetih godina prošlog stoljeća. Njihove kreatorice bile su Birgit Kuhlberg (Stockholm, 1944.) i Margarita Froman (Zagreb, 1949.). Poznate produkcije "Romea i Julije" pripadaju Fredericku Ashtonu (Kopenhagen, 1955), Johnu Cranku (Milano, 1958), Kennethu MacMillanu (London, 1965), Johnu Neumeieru (Frankfurt, 1971, Hamburg, 1973).I. Mojsejev, 1958., koreografija Y. Grigorovicha, 1968.
Bez "Spartaka" je nezamisliv koncept "sovjetskog baleta". Ovo je pravi hit, simbol epohe. Sovjetsko razdoblje razvio druge teme i slike, duboko različite od tradicionalnog klasičnog baleta naslijeđenog od Mariusa Petipaa i Carskih kazališta u Moskvi i St. Petersburgu. Bajke sa sretnim završetkom su arhivirane, a zamijenile su ih herojske priče.
Još 1941. jedan od vodećih sovjetskih skladatelja, Aram Khachaturian, govorio je o svojoj namjeri da napiše glazbu za monumentalnu, herojsku predstavu koja će se izvesti u Boljšoj teatru. Tema za to bila je epizoda iz drevne rimske povijesti, ustanak robova pod vodstvom Spartaka. Khachaturian je stvorio živopisnu partituru koristeći armenske, gruzijske, ruske motive i punu prekrasnih melodija i vatrenih ritmova. Predstavu je trebao postaviti Igor Moiseev.
Trebalo je mnogo godina da njegov rad izađe pred publiku, a pojavio se ne u Boljšoj teatru, već u Kazalištu. Kirov. Koreograf Leonid Yakobson stvorio je zapanjujuću i inovativnu izvedbu, napuštajući tradicionalne atribute klasičnog baleta, uključujući ples na pointe, koristeći slobodnu plastiku i balerine u sandalama.
Ali balet "Spartak" postao je hit i simbol epohe u rukama koreografa Jurija Grigoroviča 1968. godine. Grigorovich je impresionirao gledatelja potpuno izgrađenom dramaturgijom, suptilnim portretiranjem likova glavnih likova, vještim postavljanjem scena gomile, čistoćom i ljepotom lirskih adagia. Svoj je rad nazvao "predstavom za četiri solista s corps de balletom" (corps de ballet - umjetnici uključeni u masovne plesne epizode). Vladimir Vasiljev igrao je ulogu Spartaka, Krasa - Maris Liepa, Frigije - Ekaterina Maksimova i Egine - Nina Timofejeva. Card de ballet je bio pretežno muški, što čini balet "Spartacus" jedinstvenim.
Uz poznata čitanja Spartaka od Yakobsona i Grigorovicha, postoji još oko 20 produkcija baleta. Među njima su verzija Jirija Blazeka za Praški balet, Laszlo Serega za Budimpeštanski balet (1968.), Jüri Vamos za Arena di Verona (1999.), Renato Zanella za Balet Bečke državne opere (2002.), Natalia Kasatkina i Vladimir Vasileva za Državno akademsko kazalište koje režiraju.klasični balet u Moskvi (2002).
Ulaznice za svjetski poznate kazališne predstave potrebno je rezervirati puno unaprijed. Pokušajmo otkriti kako te atrakcije privlače posjetitelje kazališta iz cijelog svijeta i koliko košta ulaznica za najbolje kazalište mir.
Naravno, ovom popisu očito nedostaju kazališta Bolshoi ili Mariinsky, ali odlučili smo posvetiti poseban članak najpoznatijim kazalištima u Rusiji.
Najpoznatija kazališta na svijetu
Život je u punom jeku u glavnim gradovima Europe. Pariz, London, Milano - ovdje ne hrle samo ljubitelji mode i turisti s fotoaparatima. Intelektualci – poznavatelji arhitekture, kazališta, opere, baleta i glazbe također će biti oduševljeni.Kazalište Covent Garden
LondonGlavni grad Velike Britanije bogat je kazalištima s poviješću. Upravo su na pozornici londonskog Globea prvi put postavljene Shakespeareove drame. No iako Globe, koji je preživio dvije rekonstrukcije, radi i danas, Kraljevska opera u Covent Gardenu, matična pozornica Kraljevskog baleta i Kraljevske opere, ima status najpoznatijeg kazališta u Londonu.
Moderna zgrada već je treća. Godine 1732. kazalište je prvi put otvorilo svoja vrata gledateljima koji su došli pogledati predstavu "Svjetovni običaji" prema drami Williama Congrevea. Nakon 76 godina zgradu Covent Gardena uništio je požar. Za oporavak je trebalo 9 mjeseci. Ponovno otvoreno kazalište oduševilo je publiku Macbethom. Godine 1856. kazalište je ponovno izgorjelo, ali je dvije godine kasnije ponovno rođeno iz pepela kakvog ga sada možemo vidjeti.
Rekonstrukcija velikih razmjera kazalište održano je 1990. godine. Sada njegova 4-slojna dvorana prima 2268 posjetitelja. Cijene ulaznica za kazalište Covent Garden kreću se od £15 do £135.
velika opera
ParizNajpoznatije kazalište u Parizu je Grand Opera. Godine 1669. Luj XIV. "dao je zeleno svjetlo" za osnivanje operne kuće pjesniku Pierreu Perrinu i skladatelju Robertu Kamberu. Tijekom stoljeća kazalište je nekoliko puta mijenjalo ime i lokaciju, sve dok 1862. nije završilo u IX pariškom arondismanu, u zgradi koju je projektirao Charles Garnier, koju je 1875. godine sagradio arhitekt Charles Garnier.
Pročelje kazališta je raskošno – krase ga četiri skulpture (personifikacije drame, glazbe, poezije i plesa), kao i sedam lukova. Zgrada je okrunjena veličanstvenom sjajnom kupolom.
Pozornica Grand Opere vidjela je njemačke, talijanske i francuski kompozitori. Tu je održana premijera Stravinskijeve opere "Mavra". Sadašnji naziv mu je Palais Garnier i možda je najposjećenije kazalište na svijetu.
VenaAustrija je rodno mjesto mnogih klasika: Haydna, Mozarta, Beethovena, čija je glazba bila temelj Bečke klasične glazbene škole. Možda se zato Bečku operu s pouzdanjem može nazvati najpoznatijom opernom kućom na svijetu.
Zgrada opere sagrađena je 1869. Otvorenje je obilježila Mozartova opera Don Giovanni.
Budući da je zgrada kazališta izgrađena u stilu vrlo uobičajene neorenesanse, više puta je bila izložena nemilosrdnim kritikama - fasada zgrade činila se dosadnom Bečanima, neupadljivom.
Drugi svjetski rat kazalište je djelomično uništeno, ali je 1955. svečano ponovno otvoreno Beethovenovom operom Fidelio. Po broju izvedbi nijedna druga operna kuća ne može se mjeriti s Bečkom operom. U ovoj zgradi na Ringstrasse 285 dana u godini izvodi se oko 60 opera. Svake godine, tjedan dana prije prvog dana korizme, ovdje se održava Bečki bal - manifestacija uvrštena na popis nematerijalnih kulturnih dobara pod zaštitom UNESCO-a.
La Scala
Milan>U renesansnoj Italiji rođena je moderna opera. Godine 1776. milanskom arhitektu Giuseppeu Piermariniju dopao se komad zemlje na mjestu uništene crkve Santa Lucia della Scala. Odlučeno je da se na njemu izgradi operna kuća, koja je na kraju dobila ime po svom "pretku".
Prilikom gradnje temelja pod zemljom su pronašli mramornu ploču s likom starorimskog glumca Pilada, koju su graditelji uzeli kao znak odozgo.
Prva opera La Scale bila je Priznata Europa skladatelja Antonija Salierija. Upravo su u tim zidinama prvi put zazvučali orkestri Gavazzenija Gianandree, Artura Toscaninija i Riccarda Mutija.
Danas Scalu s pravom čita jedno od najpoznatijih svjetskih kazališta. Ovo je prva nakon Milanske katedrale koju razgledavaju turisti koji su stigli u Milano.
Posljednji put kazalište je rekonstruirano početkom 2000-ih. Otvorenje je bilo 2004. godine, a na obnovljenoj pozornici ponovno je izvedena Salierijeva opera Obnovljena Europa.
Palača katalonske glazbe
BarcelonaPrilično mlado (u usporedbi s prethodnim) kazalište, Palača katalonske glazbe u Barceloni, otvorila je vrata glazbenim estetama 1908. godine. Barcelona voli Gaudijevu španjolsku secesiju, pa je odlučeno da se glavna koncertna dvorana u zemlji izgradi u istom stilu - valovi i spirale ovdje prevladavaju nad ravnim linijama.
Pročelje palače podsjeća nas da su u Španjolskoj europska i arapska kultura blisko isprepletene kao nigdje drugdje.
Ali glavna značajka Koncertna dvorana- njegovo osvjetljenje. Svjetlo je potpuno prirodno. Kupola Palače katalonske glazbe izrađena je od obojenog staklenog mozaika. Zrake sunca, prelomljene, stvaraju neopisiv učinak!
Sydney Opera House
SydneyOpera u Sydneyu možda nije najposjećenija na svijetu, ali je svakako najprepoznatljivije i najneobičnije kazalište. Njegovi bijeli zidovi poput jedra postali su jedno od modernih svjetskih čuda.
Svečana ceremonija otvaranja održana je u listopadu 1973. uz sudjelovanje kraljice Elizabete II.
Svi znaju kako kazalište u Sydneyju izgleda izvana, a sada provjerite kako izgleda iznutra - kakva divna kombinacija futurizma i gotike!
Ukupna površina zgrade prelazi dva hektara. Unutra ćete pronaći gotovo tisuću soba, jer je zgrada "sjedište" Australske opere u Sydneyu Simfonijski orkestar, Nacionalni balet i Sydney Theatre Company.
Rasvjeta kazališta troši energiju, sasvim usporedivu s potrošnjom struje u malom australskom gradu.
Kabukiza
TokioO europskim kazalištima znamo puno, ali što je s kazalištem na Istoku? Koje su karakteristike, posebno, Japanaca kazališna kultura?
Klasično japansko kazalište kombinira dramu, glazbu, ples i poeziju na pozornici. Scenografija na predstavama je jednostavna, što se ne može reći za maske i kimona glumaca. Smisao predstave tvrd je orah za nespremnog gledatelja koji nije upoznat s japanskom kulturom i ne može razumjeti mnoge suptilne reference na mitologiju, književnost i povijest.
Ipak, tokijsko kazalište Kabuki-za obožavaju ne samo Japanci, već i turisti - niti jedno od 1964 mjesta u dvorani obično nije prazno. Cijene ulaznica kreću se od 15.000 jena (oko 8.000 rubalja), a uz nadoplatu gledatelji mogu kupiti audio vodič koji će objasniti sve detalje o tome što se događa.
Radio City Music Hall
NYIzgrađena u srcu Manhattana 1932., Radio City Music Hall postala je jedno od omiljenih mjesta za zabavu Njujorčana. Predstave, mjuzikli, performansi jazz orkestri, svježe filmske premijere - sve se to moglo vidjeti ovdje. Doba se promijenilo, ali šik i briljantnost brodvejskih mjuzikla 20. stoljeća i dalje će osvajati Amerikance i turiste.
Posebno je popularan tradicionalni božićni mjuzikl.
Radio City može primiti 6000 ljudi odjednom, zbog čega se na njegovoj pozornici često održavaju nacionalni događaji poput dodjele glazbenih nagrada Grammy.
Ponos dvorane Radio Cityja su ogromne orgulje s 4410 cijevi.
Semperova opera
DresdenOna je Nacionalna opera u Dresdenu ili Semperoper u čast arhitekta Gottfrieda Zempera. Velebno neorenesansno zdanje prvi je put primilo posjetitelje 12. travnja 1841. godine. Prvo djelo koje je zvučalo s ove pozornice bila je Goetheova drama Ifigenija u Tauridi. Kasnije su ovdje održane premijere mnogih opera Richarda Wagnera.
Objavio copypaster u sri, 15/08/2007 - 01:11
Balet je prilično mlada umjetnost. Star je nešto više od četiri stotine godina, iako ples krasi ljudski život od davnina.
Balet je rođen u sjevernoj Italiji tijekom renesanse. Talijanski prinčevi voljeli su veličanstvene dvorske svečanosti u kojima je ples zauzimao važno mjesto. Seoski plesovi nisu bili prikladni za dvorske dame i gospodu. Njihove halje, kao i dvorane u kojima su plesali, nisu dopuštale neorganizirano kretanje. Posebni učitelji - majstori plesa - nastojali su dovesti u red dvorske plesove. S plemićima su unaprijed uvježbavali pojedine figure i pokrete plesa i vodili skupine plesača. Postupno je ples postajao sve teatralniji.Pojam "balet" pojavio se krajem 16. stoljeća (od talijanskog balletto - plesati). Ali tada to nije značilo nastup, već samo plesnu epizodu koja prenosi određeno raspoloženje. Takvi "baleti" obično su se sastojali od slabo povezanih "izlaza" likova - najčešće heroja Grčki mitovi. Nakon takvih "ispada" započeo je zajednički ples - "veliki balet".
Prva baletna predstava bila je Kraljičina komedija baleta koju je u Francuskoj 1581. postavio talijanski koreograf Baltazarini di Belgiojoso. Bilo je to u Francuskoj daljnji razvoj balet. Najprije su to bili baleti pod maskama, a zatim pompozni melodramatični baleti na viteškim i fantastičnim zapletima, gdje su plesne epizode zamijenjene vokalnim arijama i recitiranjem pjesama. Nemojte se iznenaditi, u to vrijeme balet nije bio samo plesna predstava.
Za vladavine Luja XIV., izvedbe dvorskog baleta dosegle su poseban sjaj. Sam Louis volio je sudjelovati u baletima, a svoj poznati nadimak "Kralj Sunce" dobio je nakon uloge Sunca u "Baletu noći".
Godine 1661. osnovao je Kraljevsku akademiju za glazbu i ples, koja je uključivala 13 vodećih majstora plesa. Njihova je dužnost bila čuvati plesnu tradiciju. Ravnatelj akademije, kraljevski plesni učitelj Pierre Beauchamp, identificirao je pet osnovnih pozicija klasičnog plesa.
Ubrzo je otvorena Pariška opera, čiji je koreograf bio isti Beauchamp. Pod njegovim vodstvom formirana je baletna trupa. Isprva su je činili samo muškarci. Žene su se na pozornici Pariške opere pojavile tek 1681. godine.
Kazalište je izvodilo opere-balete skladatelja Lullya i komedije-balete dramatičara Molièrea. Isprva su u njima sudjelovali dvorjani, a predstave se gotovo nisu razlikovale od predstava u palači. Plesali su se već spomenuti spori menueti, gavote i pavane. Maske, teške haljine i cipele s visokom petom otežavale su ženama izvođenje složenih pokreta. Stoga su se muški plesovi tada razlikovali većom gracioznošću i gracioznošću.
Do sredine 18. stoljeća balet je stekao veliku popularnost u Europi. Svi aristokratski dvorovi Europe nastojali su oponašati luksuz francuskog kraljevskog dvora. U gradovima su se otvarale operne kuće. Brojni plesači i plesni učitelji lako su nalazili posao.
Ubrzo pod utjecajem ženske mode baletni kostim postao mnogo lakši i slobodniji, ispod njega su se nagađale linije tijela. Plesačice su napustile cipele s petom, zamijenivši ih laganim cipelama bez pete. Muška nošnja također je postala manje glomazna: uske pantalone do koljena i čarape omogućile su da se vidi figura plesača.
Svaka inovacija činila je plesove značajnijima, a plesnu tehniku sve većom. Postupno se balet odvaja od opere i pretvara u samostalnu umjetnost.
Iako je francuska baletna škola bila poznata po gracioznosti i plastičnosti, karakterizirala ju je određena hladnoća i formalnost izvedbe. Stoga su koreografi i umjetnici tražili druga izražajna sredstva.
Krajem 18. stoljeća rađa se novi pravac u umjetnosti - romantizam, koji ima snažan utjecaj na balet. U romantičnom baletu plesačica je stajala na špic cipelama. Prva je to učinila Maria Taglioni, potpuno promijenivši dotadašnje predodžbe o baletu. U baletu "La Sylphide" pojavila se kao krhko stvorenje iz podzemlje. Uspjeh je bio zapanjujući.
U to su se vrijeme pojavili mnogi prekrasni baleti, ali, nažalost, romantični balet bio je posljednji procvat. plesna umjetnost na zapadu. Od druge polovica XIX st. balet, izgubivši svoje prijašnje značenje, postao je privjesak operi. Tek 1930-ih, pod utjecajem ruskog baleta, u Europi počinje oživljavanje ove vrste umjetnosti.
U Rusiji je prva baletna predstava - "Balet Orfeja i Euridike" - izvedena 8. veljače 1673. na dvoru cara Alekseja Mihajloviča. Ceremonijalni i spori plesovi sastojali su se od izmjene gracioznih položaja, naklona i pokreta, koji su se izmjenjivali s pjevanjem i govorom. Ne značajnu ulogu nije igrao u razvoju scenskog plesa. Bila je to samo još jedna kraljevska "zabava", koja je privlačila svojom neobičnošću i novinom.
Tek četvrt stoljeća kasnije, zahvaljujući reformama Petra I., glazba i ples ušli su u život ruskog društva. U plemićke škole uvedena je obavezna nastava plesa. Na dvoru su počeli nastupati glazbenici otpušteni iz inozemstva, operni umjetnici i baletne družine.
Godine 1738. otvorena je prva baletna škola u Rusiji, a tri godine kasnije 12 dječaka i 12 djevojčica iz dvorske posluge postali su prvi profesionalni plesači u Rusiji. Isprva su nastupali u baletima stranih majstora kao figuranti (tako su se nazivali kor de baletani), a kasnije u glavnim ulogama. Izvanredan plesač tog vremena, Timofey Bublikov, zablistao je ne samo u Sankt Peterburgu, već iu Beču.
Početkom 19. stoljeća ruska baletna umjetnost dostiže svoju stvaralačku zrelost. Ruski plesači unijeli su izražajnost i duhovnost u ples. Osjećajući to vrlo točno, A. S. Puškin je ples svoje suvremenice Avdotje Istomine nazvao "letom ispunjenim dušom".
Balet je u to vrijeme zauzimao povlašteni položaj među ostalim vrstama kazališne umjetnosti. Vlasti su tome posvetile veliku pozornost, dale su državne subvencije. Baletne trupe iz Moskve i Sankt Peterburga nastupale su u dobro opremljenim kazalištima, a diplomanti kazališnih škola godišnje su popunjavali osoblje plesača, glazbenika i dekoratera.
Arthur St. Leon
U povijesti našeg baletnog kazališta često se susreću imena stranih majstora koji su odigrali značajnu ulogu u razvoju ruskog baleta. Prije svega, to su Charles Didelot, Arthur Saint-Leon i Marius Petipa. Pomogli su u stvaranju ruske baletne škole. Ali talentirani ruski umjetnici također su omogućili otkrivanje talenata svojih učitelja. To je uvijek privlačilo najveće koreografe Europe u Moskvu i Sankt Peterburg. Nigdje na svijetu nisu mogli sresti tako veliku, talentiranu i dobro uvježbanu trupu kao u Rusiji.
Sredinom 19. stoljeća u rusku književnost i umjetnost dolazi realizam. Koreografi su grozničavo, ali bezuspješno, pokušavali stvoriti realistične izvedbe. Nisu uzeli u obzir da je balet uvjetna umjetnost i da se realizam u baletu bitno razlikuje od realizma u slikarstvu i književnosti. Počela je kriza baletne umjetnosti.
Nova etapa u povijesti ruskog baleta započela je kada je veliki ruski skladatelj P. Čajkovski prvi skladao glazbu za balet. Bilo je to Labuđe jezero. Prije toga, baletna glazba nije shvaćana ozbiljno. Bila je smatrana inferiorni pogled glazbena kreativnost, samo pratnja plesu.
Zahvaljujući Čajkovskom, baletna je glazba postala ozbiljna umjetnost uz operu i simfonijska glazba. Prije je glazba bila potpuno ovisna o plesu, sada se ples morao pokoravati glazbi. Bila su potrebna nova izražajna sredstva i novi pristup stvaranju predstave.
Daljnji razvoj ruskog baleta vezan je uz ime moskovskog koreografa A. Gorskog, koji je, napustivši zastarjele tehnike pantomime, u baletnoj predstavi koristio tehnike moderne režije. Davanje veliki značaj slikovitim oblikovanjem izvedbe privukao je na rad najbolje umjetnike.
Ali pravi reformator baletne umjetnosti je Mihail Fokin, koji se pobunio protiv tradicionalne konstrukcije baletnu izvedbu. Tvrdio je da tema predstave, njezina glazba, doba u kojem se radnja odvija, svaki put zahtijevaju drugačije plesne pokrete, drugačiji plesni obrazac. Prilikom postavljanja baleta "Egipatske noći" Fokina je inspirirao poezijom V. Brjusova i staroegipatskim crtežima, a slike baleta "Petruška" bile su inspirirane poezijom A. Bloka. U baletu Daphnis i Chloe napustio je pointe i slobodnim, plastičnim pokretima oživio antičke freske. Njegova "Chopiniana" oživjela je atmosferu romantičnog baleta. Fokin je napisao da "sanja stvoriti baletnu dramu od baletne zabave, od plesa - razumljivog govornog jezika". I uspio je.
Anna Pavlova
Godine 1908. započele su godišnje predstave ruskih baletana u Parizu, koje je organizirao kazališni lik S. P. Djagiljev. Imena plesača iz Rusije - Vaslav Nižinski, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - postala su poznata u cijelom svijetu. Ali prvo u ovom redu je ime neusporedive Anne Pavlove.
Pavlova - lirska, krhka, izduženih linija tijela, ogromnih očiju - evocirala je gravure s prikazima romantičnih balerina. Njezine su junakinje prenosile čisto ruski san o skladnom, produhovljenom životu ili čežnju i tugu za neispunjenim. Umirući labud, kreator velike balerine Pavlove, poetski je simbol ruskog baleta s početka 20. stoljeća.
Tada se, pod utjecajem vještine ruskih umjetnika, zapadni balet uzdrmao i dobio drugi vjetar.
Nakon Oktobarske revolucije 1917. mnoge figure baletnog kazališta napustile su Rusiju, ali je unatoč tome škola ruskog baleta preživjela. Patos kretanja prema novom životu, revolucionarne teme i, što je najvažnije, prostor za kreativni eksperiment inspirirali su baletne majstore. Njihova je zadaća bila koreografsku umjetnost približiti narodu, učiniti je vitalnijom i pristupačnijom.
Tako je nastao žanr dramskog baleta. Bile su to predstave, obično temeljene na radnjama poznatih književna djela, koji su građeni po zakonima dramske izvedbe. Sadržaj u njima prikazan je uz pomoć pantomime i slikovitog plesa. Sredinom 20. stoljeća dramski je balet bio u krizi. Koreografi su pokušali očuvati ovaj žanr baleta, pojačavajući spektakl predstava uz pomoć scenskih efekata, ali, nažalost, uzalud.
Krajem 1950-ih dolazi do prekretnice. Koreografi i plesači nove generacije oživjeli su zaboravljene žanrove - balet u jednom činu, baletna simfonija, koreografska minijatura. A od 1970-ih nastaju neovisne baletne trupe, neovisne o opernim i baletnim kazalištima. Njihov broj je u stalnom porastu, među njima su studiji slobodnog plesa i modernog plesa.
u 16. stoljeću, prešla je dug put i do našeg vremena postala popularna u cijelom svijetu. Brojne baletne škole i kazališne trupe čiji se broj iz godine u godinu povećava, klasične su i moderne.
Ali ako postoje deseci poznatih show baleta, a zapravo se od drugih plesnih ansambala razlikuju samo po razini vještine, onda se nacionalna baletna kazališta s dugom poviješću mogu nabrojati na prste.
Ruski balet: Boljšoj i Marijinski teatri
Vi i ja imamo čime biti ponosni, jer je ruski balet jedan od najboljih na svijetu. Labuđe jezero, Orašar, poznati plastični baleti koji su se pojavili u našoj zemlji početkom 20. stoljeća učinili su Rusiju drugom domovinom ove umjetnosti i pružili našim kazalištima beskrajan niz zahvalnih gledatelja iz cijelog svijeta.
Danas se za titulu najboljih natječu trupe Boljšoj i Marijinskog kazališta čije se vještine usavršavaju iz dana u dan. Plesači obje trupe odabrani su među učenicima Sanktpeterburške akademije nazvane po A. Ya. Vaganova, a od prvih dana treninga svi njeni studenti sanjaju o tome da će jednog dana nastupiti solo na glavnoj pozornici zemlje. .
Francuski balet: Grand Opera
Kolijevka svjetskog baleta, čiji je odnos prema izvedbama nepromijenjen već tri stoljeća, gdje postoji samo klasični akademski ples, a sve ostalo se smatra zločinom nad umjetnošću, ultimativni je san svih plesača svijeta.
Svake godine članstvo se popuni sa samo tri plesača koji su prošli toliko selekcija, natjecanja i testiranja da ni astronauti nisu sanjali. Ulaznice za Parišku operu nisu jeftine i mogu ih priuštiti samo najbogatiji poznavatelji umjetnosti, ali dvorana je puna tijekom svake izvedbe, jer osim samih Francuza, ovdje dolaze svi Europljani koji sanjaju da se dive klasičnom baletu.
Sjedinjene Države: Američko baletno kazalište
Široku popularnost stekao nakon izlaska "Crnog labuda", Američki baletni teatar osnovao je solist ruskog Boljšoj teatra.
Imajući vlastitu školu, balet ne angažira vanjske plesače i ima prepoznatljiv rusko-američki stil. Produkcije koegzistiraju s klasičnim pričama, poput slavnog Orašara, i novima plesnih smjerova. Mnogi baletni poznavatelji tvrde da je ABT zaboravio na kanone, no popularnost ovog teatra raste iz godine u godinu.
UK: Birmingham Royal Ballet
Londonski balet, kojim upravlja sama kraljica, malen je po broju plesača, ali se ističe strogošću odabira sudionika i repertoara. Ovdje nećete susresti moderne trendove i žanrovska odstupanja. Možda zato, nesposobni izdržati oštre tradicije, mnogi mlade zvijezde ovog baleta napuštaju ga i počinju stvarati vlastite trupe.
Nije lako doći na izvedbu kraljevskog baleta, time su počašćeni samo najplemenitiji i najbogatiji ljudi svijeta, ali jednom u tri mjeseca ovdje se organiziraju dobrotvorne večeri s otvorenim ulazom.
Austrijski balet: Bečka opera
Povijest Bečke opere duga je stoljeće i pol, a cijelo to vrijeme ruski plesači bili su prvi solisti trupe. Poznata po svojim godišnjim balovima, koji su se održavali tek u Drugom svjetskom ratu, Bečka opera najposjećenija je atrakcija Austrije. Ljudi dolaze ovdje kako bi se divili talentiranim plesačima i, gledajući svoje sunarodnjake na pozornici, ponosno govore svoj materinji jezik.
Ovdje je vrlo lako doći do ulaznica: zahvaljujući ogromnoj dvorani i nedostatku preprodavača, to možete učiniti na dan baleta, jedina iznimka bit će dani premijera i otvaranja sezone.
Dakle, ako želite vidjeti klasični balet u izvedbi najtalentiranijih plesača, otiđite u jedno od ovih kazališta i uživajte u drevnoj umjetnosti.
Velika Britanija. Prije turneje trupe Diaghilev i Anna Pavlova u Londonu 1910-ih i 1920-ih, balet je u Engleskoj bio predstavljen uglavnom izvedbama pojedinih poznate balerine na pozornicama glazbenih dvorana npr. Dankinja Adeline Genet (1878-1970). Engleski balet duguje svoje rođenje dvjema ženama koje su radile za Diaghilev: Marie Rambert (1888.-1982.), rođenoj Poljakinji, i Ninette de Valois (r. 1898.), rođenoj u Irskoj, ali treniranoj u Londonu. Ramberta, učenika glazbenika i tvorca sustava ritmičke gimnastike Emilea Jacques-Dalcrozea, Djagiljev je pozvao da pomogne Nijinskom kada je morao raditi na partituri Stravinskijevog Posvećenja proljeća, što je bilo vrlo teško u smislu ritma. . Nekoliko godina plesala je u corps de balletu Ruskog baleta, a zatim se vratila u Englesku i 1920. otvorila vlastitu školu. Njezini su učenici nastupali, prvo pod nazivom Marie Rambert Dancers, zatim kao dio Ballet Cluba, u malenom Mercury Theatreu, smještenom u Nottinhill Gateu u Londonu. U Rambertu su započeli svoje karijere mnogi poznati engleski umjetnici, uključujući koreografe Fredericka Ashtona i Anthonyja Tudora. Oboje su se okrenuli plesu kao odrasli, ali su vrlo brzo počeli postavljati male balete kod Ramberta. Tridesetih godina prošlog stoljeća u njihovim je produkcijama stasala cijela generacija mladih engleskih plesača. De Valois, koja je također plesala u Djagiljevovoj trupi, nakon što ga je napustila, otvorila je školu u Londonu, koja je ubrzo postala dio kazališta Sadler's Wells, a 1931. od njezinih učenika osnovan je Vic Wells Ballet; 1948. nazvan je "Sadler's Wells Balle". Ashton je udružio snage s Ninette de Valois kako bi stvorio balete koji su iznijeli na vidjelo talente mladih umjetnika koje je obučavao de Valois, Margot Fontaine (1919.-1991.), Beryl Gray (r. 1927.), Robert Helpman (1909.-1986.), Moira Shearer (r. 1926.). Uz njihovo sudjelovanje u sljedećih četrdesetak godina razvio se specifično engleski stil baletne izvedbe i performansa koji karakteriziraju virtuoznost, dramatičnost i čista klasična liričnost. Ashtonove produkcije uključuju one pune humora (Facade, 1931., glazba Williama Waltona; Vain Precaution, 1960., glazba Ferdinanda Herolda, aranžman Johna Lunchburyja) i tragične (Ondine, 1958., glazba H.W. Henzea; A Month in the Country, 1976., na glazbu F. Chopina), besprizorne (Simfonijske varijacije, 1946., na glazbu S. Franka; Monotonija 1 i Monotonija 2, 1965., 1966., na glazbu E. Satiea) i narativne (Pepeljuga, 1948., glazba Prokofjeva; San, 1964, na glazbu F. Mendelssohna u obradi Lanchburyja). Ashton je rado stvarao balete prema književnim djelima: na primjer, njegov San temelji se na Shakespeareovoj drami San ljetne noći, a Mjesec na selu prema istoimenoj Turgenjevljevoj drami. Ashtonova muza bila je Margot Fonteyn, čiji se talent balerine razvijao paralelno s njegovim koreografskim eksperimentima. Za nju je 1963. stvorio svoj posljednji balet: to je Marguerite i Armand (prema Dami s kamelijama sina Aleksandra Dumasa i na glazbu F. Liszta). U to je vrijeme Fonteyn, koji je već bio preko četrdeset godina, doživio, takoreći, drugu fazu mladosti, pronašavši novog partnera u osobi plesača Rudolfa Nurejeva, koji je emigrirao iz Sovjetskog Saveza. Ashton je bio inspiriran talentima većine različitih izvođača: drama karakteristična za Lynn Seymour (r. 1939.) ili Christophera Gablea (1940.-1998.), briljantna tehnika i istodobno emotivnost, očituje se u duetu Anthonyja Dowella (r. 1943.) i Antoniet Sibley (r. 1939.). Nažalost, nakon Ashtonove smrti (1988.) njegove se produkcije ne čuvaju s istom brigom s kojom se u Americi čuvaju baleti Balanchinea ili Tudora. Tridesetih godina 20. stoljeća Ninette de Valois pozvala je ravnatelja Marijinskog kazališta Nikolaja Sergejeva (1876. – 1951.), koji je emigrirao iz Rusije, da postavi klasične balete 19. stoljeća kako bi obogatio repertoar i pružio umjetnicima mogućnost usavršavanja. dosad neuobičajene plesne forme. Do 1956. Sadler's Wells Ballet postao je Kraljevski balet i nastupao je u Kraljevskoj operi u Covent Gardenu. U svom repertoaru 1960-ih i 1970-ih, uz tradic klasična djela i produkcijama Fredericka Ashtona pojavili su se dramski baleti Kennetha Macmillana. Njegove izvedbe odlikuju se naglašenom dramatikom, pune su akrobatskih koraka i potpora koje služe kao izraz intenzivnih emocija. Najuspješnije Macmillanove izvedbe bile su višečinke Romeo i Julija (glazba Prokofjeva, 1965.) i Manon (1974., na glazbu J. Masseneta, obrada Leightona Lucasa), koje se postavljaju u mnogim zemljama. Ashton, koji je vodio Kraljevski balet od 1963., povukao se 1970. nakon de Valoisovog odlaska.Do 1977. trupa je radila pod vodstvom Macmillana, zatim Normana Morrisa (r. plesačica i koreografkinja Martha Graham (1894.-1991.). Godine 1986. Dowell, plesač koji je radio s Ashtonom, preuzeo je čelo trupe, dok je Macmillan ostao jedan od koreografa trupe do svoje smrti 1992. Zamijenio ga je David Bintley (r. 1957.), čiji su baleti, ponekad dramatičan, ponekad bez zapleta, stilski i žanrovski vrlo raznolik. Dowell je na repertoar uveo produkcije Balanchinea i Robbinsa, kao i djela W. Forsytha i nekih plesača trupe. Pozvao je u goste plesače iz Rusije, Francuske i SAD-a, ali je istodobno posvetio pozornost vlastitim umjetnicima: pod njim su procvjetali talenti Darcyja Bussela (r. 1969.) Viviane Durante (r. 1967.). Kao odgovor na kritike koje su ukazivale na nedostatak pozornosti prema Ashtonovoj ostavštini, Dowell je organizirao Royal Ballet Festival za sezonu 1994.-1995. Tijekom 1940-ih i 1940-ih trupa Balle Rambert nastavila je postavljati nove balete, zadržavajući izvorne klasične balete na svom repertoaru, dizajnirane za malu postavu. Godine 1966. trupa se reorganizira, potpuno napušta tradicionalne izvedbe i zadržava samo djela u modernom plesnom stilu. Godine 1987. Richard Alston (r. 1948.), na kojeg je uglavnom utjecao stil američkog koreografa Mercea Cunninghama (r. 1919.), postaje njezin voditelj. Godine 1994. tu je dužnost preuzeo Christopher Bruce (r. 1945.), bivši glavni plesač i koreograf trupe. Ostale engleske trupe uključuju English National Ballet, čiji je izravni prethodnik trupa koju su 1949. osnovali bivši Djagiljevljevi plesači Alicia Markova i Anton Dolin (1904.-1983.), a koja je godinama nosila naziv "London Festival Balle". Godine 1984. Danac Peter Schaufus (r. 1949.), koji je vodio trupu, oživio je Ashtonov balet Romeo i Julija, koji je tada bio gotovo zaboravljen. Godine 1990. Ivan Nagy postaje vođa trupe. Kraljevski balet uvijek održavao drugu, malu mobilnu trupu. Skrasila se u Birminghamu 1990-ih i danas je poznata kao Birmingham Royal Ballet.
Sovjetska Rusija i druge zemlje. U Rusiji balet nije izgubio na važnosti u godinama nakon Prvog svjetskog rata i pod sovjetskom vlašću, čak ni kada se činilo da politička i ekonomska situacija ugrožava samo postojanje Boljšog i Mariinskog (nazvanog po Oktobarskoj revoluciji Državno kazalište opera i balet, GOTOB, a od 1934. - ime S.M. Kirova) kazališta. Dvadesete godine 20. stoljeća razdoblje su intenzivnog eksperimentiranja u formi i sadržaju baletne izvedbe. Tu su i produkcije Proletkulta o političkim i društvenim temama, au Moskvi djela Kasyana Goleizovskog (1892.-1970.), au Petrogradu (1924. preimenovan u Lenjingrad) razne produkcije Fjodora Lopuhova (1886.-1973.), uključujući njegovu Veličanstvo the Universe (1922.) na glazbu Beethovenove Četvrte simfonije. Crveni mak na glazbu R. M. Gliera, balet koji su 1927. postavili Vasilij Tihomirov (1876.-1956.) i Lev Laščilin (1888.-1955.) u Moskvi, poslužio je kao prototip za mnoge kasnije sovjetske balete: ovo je višečinovnica predstava čija su tema plemenite strasti i junačka djela, a posebno napisana glazba je simfonijske prirode. Takvi baleti kao što su 1932. Plamen Pariza Vasilija Vainonena (1901.-1964.) i 1934. Bakhchisarayska fontana Rostislava Zakharova (1907.-1984.) - oba s glazbom Borisa Asafjeva, kao 1939. Laurencia (glazba Alexandera Cranea) ) Vakhtanga Chabukianija (1910.-1992.) i 1940. godine Romeo i Julija Leonida Lavrovskog (1905.-1967.) (glazba Prokofjeva), mogu poslužiti kao primjer onih estetskih načela koja su slijedile ne samo glavne trupe – Kazalište . S.M.Kirova u Lenjingradu i Boljšoj teatar u Moskvi – ali i svih oko 50 kazališta koja su radila u zemlji. Iako su sačuvani pojedinačni nalazi iz 1920-ih, prevladavaju izvedbe orijentirane prema sovjetskoj političkoj ideologiji, a način izvedbe ističe se konzolnošću u izvođenju pokreta i gipkosti (osobine u rukama i leđima), uz istodobno razvijanje skokova u vis, akrobatskih dizanja. (primjerice, visoko podizanje na jednoj ruci gospodina) i brzo vrtenje, što je sovjetskim baletima davalo poseban dramatični izražaj. Jedna od učiteljica koja je pridonijela razvoju ovog stila bila je Agripina Vaganova (1879.-1951.). Bivša plesačica u Marijinskom kazalištu, počela je predavati na kraju glumačke karijere. Postavši profesorica na Lenjingradskoj koreografskoj školi, Vaganova je razvila program i udžbenik klasičnog plesa i pripremila svoje učenike da mogu izvoditi kako velike romantične balete prošlosti, tako i nove sovjetske, svojom virtuoznom tehnikom. U cijelom Sovjetskom Savezu, kao iu Istočnoj Europi, Vaganova sustav stavljen je kao osnova za obuku. Gledatelji u Zapadna Europa i Sjedinjene Države praktički nisu bile upoznate sa sovjetskim baletom sve do sredine 1950-ih, kada su baletne trupe Kazališta. Kirov i Boljšoj teatar prvi su put otišli na turneju na Zapad. Zanimanje za njega pobudilo je nevjerojatno umijeće balerina Boljšoj Galine Ulanove (1910.-1998.), koja je prodornim lirizmom prenijela osjećaje Giselle i Julije, i Maye Plisetskaya (r. 1925.), koja je zadivila svojom briljantnom tehnikom u ulozi Odette-Odile u Labuđem jezeru. Dok je Boljšoj teatar utjelovljivao najspektakularnije značajke sovjetskog stila, klasična čistoća plesača Kirovskog kazališta došla je do izražaja u umjetnicima poput Natalije Dudinske (r. 1912.) i Konstantina Sergejeva (1910.-1992.), koji su pridonijeli oživljavanje tradicije Petipa. Postigao veliki uspjeh sljedeće generacije umjetnici: Jekaterina Maksimova (r. 1939.), Vladimir Vasiljev (r. 1940.), Natalija Besmertnova (r. 1941.) i Vjačeslav Gordejev (r. 1948.) u Boljšoj teatru, Irina Kolpakova (r. 1933.), Alla Sizova (r. 1939) i Jurij Solovjev (1940-1977) u Kirovskom kazalištu. Godine 1961. Nurejev, jedan od vodećih plesača Kirovskog kazališta, boravio je na Zapadu tijekom turneje trupe po Francuskoj. Isto su učinila još dva istaknuta umjetnika istoga kazališta - Natalija Makarova i Mihail Barišnjikov (Makarova - u Londonu 1970., Barišnjikov - u Kanadi 1974.). U 1980-ima je administrativni i politički pritisak na umjetnost u Sovjetskom Savezu popustio, Oleg Vinogradov (r. 1937.), koji je vodio baletnu trupu Kazališta. Kirov od 1977. počeo je uvoditi u repertoar balete Balanchinea, Tudora, Mauricea Béjarta (r. 1927.) i Robbinsa. Manje sklon inovacijama bio je Jurij Grigorovič (r. 1927.), koji je od 1964. bio na čelu Boljšoj baleta. Njegove rane produkcije - Kameni cvijet (glazba Prokofjeva, 1957.) i Spartak (glazba A.I. Khachaturiana, 1968.) - tipične su Sovjetske izvedbe. Grigorovich se oslanja na spektakularne efekte, pouzdano upravlja velikom masom plesača koji se energično kreću, široko koristi narodni ples preferira herojske priče. Dugi niz godina na pozornici Boljšoj teatra gotovo isključivo su se prikazivali Grigorovičevi baleti ili njegove adaptacije starih drama poput Labuđeg jezera. Do kraja 1980-ih Irek Mukhamedov (r. 1960.) i Nina Ananiashvili (r. 1963.) iz Boljšoj teatra, kao i Altynai Asylmuratova (r. 1961.) i Farukh Ruzimatov (r. 1963.) iz teatra. Kirov je dobio dopuštenje da nastupa s vodećim baletnim trupama na Zapadu, a zatim je postao dio tih grupa. Čak su i Vinogradov i Grigorovič počeli tražiti prilike da pokažu svoje talente izvan Rusije, gdje je državno financiranje kazališta značajno smanjeno nakon raspada SSSR-a 1991. Godine 1995. Grigoroviča je na mjestu ravnatelja Boljšoj baleta zamijenio Vladimir Vasiljev. Ostale trupe u Sankt Peterburgu su balet Malog kazališta opere i baleta. M. P. Mussorgsky (do 1991. zvao se Mali teatar opere i baleta), Sanktpeterburško "Baletno kazalište Boris Eifman", koje vodi koreograf Boris Eifman (r. 1946.), trupa Koreografske minijature koju je stvorio Leonid Yakobson ( 1904-1975), koji je radio u Kazalištu. Kirov 1942.-1969., čiji je rad postao poznat na Zapadu. Trupa u Moskvi glazbeno kazalište ih. K.S. Stanislavsky i Vl.I.Nemirovich-Danchenko, Kazalište klasičnog baleta. Trupa "Eksperiment", koju je u Permu stvorio Evgenij Panfilov (r. 1956.), zaslužuje pozornost. Raspad Sovjetskog Saveza i ekonomska kriza koja je uslijedila donijeli su goleme teškoće baletnim trupama koje je do tada izdašno subvencionirala država. Mnogi plesači i učitelji napustili su zemlju kako bi se nastanili u SAD-u, Engleskoj, Njemačkoj i drugim zapadnim zemljama. Tijekom Hladnog rata mnoge zemlje istočne Europe, koji su bili dio sovjetskog bloka, slijedili su sovjetska načela kako u obuci plesača tako iu postavljanju predstava. Kada su se granice otvorile, mnogi umjetnici iz ovih zemalja, posebno iz Mađarske i Poljske, pridružili su se dostignućima koreografija zapadnih trupa koje su im dolazile, te su i sami počeli putovati izvan svojih zemalja.
Francuska. Francuski balet početkom 20. stoljeća bila u kriznom stanju. Ruski umjetnici koji su pozvani u Parišku operu, posebno iz trupe Djagiljev, bili su mnogo jači francuski izvođači. Nakon smrti Djagiljeva, vodeći plesač njegove trupe, Sergej Lifar (1905.-1986.), koji je svojedobno stigao u Francusku iz Ukrajine, vodio je Balet pariške opere i ostao na toj dužnosti 1929.-1945., zatim 1947.-1958. . Pod njegovim su vodstvom stasale vrsne plesačice, a osobito prekrasna lirska balerina Yvette Chauvire (r. 1917.), koja se proslavila izvedbom uloge Giselle. Najzanimljiviji eksperimenti na polju koreografije izvedeni su izvan Pariške opere, posebice Rolanda Petita i Mauricea Béjarta. Petit (r. 1924.) napustio je Operu 1944. i stvorio "Ballet des Champs-Elysées", gdje je, među ostalim predstavama, postavio balet Mladost i smrt (1946., na glazbu J.S. Bacha) za mladog i dinamičnog plesača Jean Babilé (r. 1923.). Zatim je za trupu "Ballet of Paris" stvorio jedan od svojih najpoznatijih i dug život produkcije - Carmen (1949, na glazbu J. Bizeta) s Reneom (Zizi) Jeanmerom (r. 1924). Petitov smisao za teatralnost omogućio mu je da radi u raznim žanrovima i da sudjeluje u komercijalnim događajima. Od 1972. do 1998. vodio je trupu " Nacionalni balet Marseille", gdje je postavio mnoge stilske i oštre kazališne predstave. Nakon Lifara, trupu Pariške opere predvodili su jedan po jedan takav slavni majstori poput Haralda Landera (1905.-1971.), Georgesa Skibina (1920.-1981.), Violette Verdi i Roselle Hightower (r. 1920.). Repertoar su obogatila djela Petita i Béjarta, Balanchinea, Robbinsa, Grigorovicha, Glenna Tetleya, te predstavnika američkog modernog plesa Paula Taylora (r. 1930.) i Mercea Cunninghama. Godine 1983. Rudolf Nureyev imenovan je na mjesto voditelja. Posebnu pozornost posvetio je razvoju balerina kao što su Sylvie Guillaume (r. 1965.) i Isabelle Guerin (r. 1961.), a društvu je dao priliku da se okuša u koreografskim djelima različitih smjerova, zadržavajući klasiku. Nakon odlaska Nurejeva (1989.), u trupu se vratio Patrick Dupont (r. 1959.), bivši vodeći plesač, koji je nosio titulu "zvijezde", sada kao voditelj. U 1970-ima i 1980-ima francuske provincijske trupe počele su dobivati potporu države i stekle međunarodnu slavu. Osobito se ističe tvrtka "Ballet of the Rhine Departments", koja je pod vodstvom Jeana Paula Graviera prikazala nekoliko rekonstrukcija predstava 18. stoljeća, napravljenih na temelju pomnih povijesno istraživanje poduzeo švedski koreograf Ivo Kramer (r. 1921.), osobito balete Daubervalova Uzaludna mjera opreza i Medeja i Jason Noverre (glazba Jean Joseph Rodolphe). Opera Ballet de Lyon izvodi stilizirane dramske plesne izvedbe u koreografiji Magy Marin (r. 1947.).
Danska. Balet u Danskoj ušao je u 20. stoljeće u stanju stagnacije. Ovdje je zahvaljujući Hansu Becku sačuvana ostavština Augusta Bournonvillea, no nedostatak inicijative doveo je do zaustavljanja razvoja Kraljevskog baleta u Kopenhagenu. Do određenog oživljavanja njegovih aktivnosti došlo je u razdoblju 1932.-1951., kada je trupu vodio Harald Lander (Lanner), Beckov učenik. Lander je zadržao Bournonvilleova djela, ako je moguće u njihovoj izvornoj verziji, ali je postavljao i vlastite balete: najpoznatije od njih su Etide (1948., na glazbu K. Czernyja, obrada Knudogea Risagera), gdje su glavne komponente baletnog treninga razreda dovedeni su na pozornicu i teatralizirani. Godine 1951. Lander je za umjetničkog savjetnika trupe imenovao Veru Volkovu (1904.-1975.), u to vrijeme najautoritativniju stručnjakinju na Zapadu za sustav Vaganova. Uz njezin trud, danski su plesači svladali nova tehnologija, što im je otvorilo nove mogućnosti u izvođenju radova različitim stilovima. Grupa je izašla iz izolacije, obišla Europu, Rusiju i američki kontinent. Gracioznost i radosna animacija svojstvena stilu Bournonvillea ostavila je najpovoljniji dojam, kao i bravuroznost plesa, koja je odlikovala nastup danskih plesača, posebno Erica Bruna. Obuka muških plesača prepoznata je kao jedno od glavnih postignuća danske škole. U 1960-ima i 1970-ima došlo je do iznimnog porasta zanimanja za povijest baleta, a izvedbe u Bournonvilleu počele su se proučavati kao najautentičniji primjeri preživjelih romantičnih baletnih djela, što je potaknulo Royal Danish Ballet da održi Bournonville Ballet Festivals 1979. i 1992. godine. Nakon Landera, tim je radio pod vodstvom mnogih umjetnika, uključujući Flemminga Flindta (r. 1936.), Henninga Kronshtama (r. 1934.) i Franka Andersena (r. 1954.). Godine 1994. trupom je upravljao Peter Schaufus, a 1996.-1999. Engleskinja Maina Gielgud (r. 1945.). Repertoar Kraljevskog danskog baleta postupno se širio radom inozemnih koreografa, a istodobno su se na repertoar počeli uvrštavati baleti Bournonvillea. plesne grupeŠirom svijeta. Godine 1982. Nacionalni balet Kanade postavio je cijeli balet Naples (glazba Niels Wilhelm Gade, Edward Mats Ebbe Helsted, Holger Simon Paulli i Hans Christian Lumby), a 1985. Balle West u američkom gradu Salt Lake Cityju (Utah) .), u režiji Brucea Marksa i Tonyja Landera, prikazao je rekonstrukciju baleta Abdalla (glazba Holgera Simona Paullija), koji dosad nije izveden 125 godina.
Njemačka. Tijekom prve polovice 20.st u Njemačkoj je najznačajniji fenomen bio razvoj slobodnog plesa, koji je ovdje dobio naziv "ekspresivni" - Ausdruckstanz. Nakon Drugoga svjetskog rata vlade SRN-e i DDR-a posvetile su veliku pozornost potpori baletnih trupa. U svim većim gradovima Zapadne Njemačke pri opernim su kućama stvorene neovisne baletne skupine koje su svoje nastupe izvodile uz sudjelovanje u operama. John Cranko iz Engleske (1927.-1973.), koji je izvodio i postavio niz predstava u engleskoj trupi "Sadler's Wells Theatre Balle", na čelu Stuttgartskog baleta 1961. formirao je opsežan repertoar vlastitih višečinki, u mnogim poštovanja stilom podsjeća na sovjetske balete, bogat dramatiziranim plesovima . Ovo su Romeo i Julija (glazba Prokofjeva, 1962.). Onjegin (1965., na glazbu Čajkovskog, obrada K. Kh. Stolzea) i Ukroćena goropadnica (1969., na glazbu A. Scarlattija, obrada K.-H. Stolzea), baleti čiji je uspjeh uvelike ovisio je o sudjelovanju u njima divne plesačice Marcie Heide (r. 1939.), rođene Brazilke, i njezina partnera, Amerikanca Richarda Craghana (r. 1944.). Grupa je ubrzo stekla svjetsku slavu; nakon prerane Crankove smrti, na čelu ju je Glen Tetley, koji je u spomen na Cranka postavio balet Solo na orguljama (Voluntaries, 1973, na glazbu F. Poulenca). Među glavnim Crankovim postignućima bila je kreativna radionica koju je stvorio, u kojoj su mladi koreografi mogli eksperimentirati. Ovdje su počeli djelovati Amerikanci William Forsythe i John Neumeier (r. 1942.), te Čeh Jiri Kilian (r. 1947.). Svi su oni postali vodeći koreografi u baletna kazališta Europi u narednim desetljećima. Neumeier je preuzeo balet u Hamburgu 1973. i tamo stvorio bogat repertoar, kako od vlastitih izdanja klasičnih predstava tako i od originalnih produkcija na religijske i filozofske teme, gdje je koristio glazbu Mahlera, Stravinskog i Bacha. Njegov balet Passion for St. Matthew (1981.) trajao je četiri sata. Forsythe se pridružio Stuttgart Balletu nedugo prije Crankove smrti i plesao je ovdje, postavljajući predstave, do 1984., kada je pozvan na čelo Frankfurtskog baleta. Pod utjecajem ideja uobičajenih u modernoj književnosti, Forsyth ih je primijenio na balet. U njegovoj koreografiji prisutna je ista fragmentiranost koja odlikuje književnost postmodernog doba, u plesu su često uključeni verbalni dijelovi, a koriste se tehnike srodne drugim umjetničkim formama. Plesna tehnika temelji se na ekstremnoj energiji, narušavanju prirodne ravnoteže, a cilj joj je prenijeti romantične odnose u trenutku. najviši napon. Takvi su baleti Ljubavne pjesme (1979., narodna glazba) i U sredini, nešto povišeno (glazba Leslieja Stucka i Toma Wilemsa) koje je Forsythe postavio na poziv Nurejeva u Pariška opera 1988. Forsyth je u svojim produkcijama rado koristio oštrozvučnu elektronička glazba Nizozemca Toma Willemsa, što je pridonijelo stvaranju atmosfere otuđenosti i nejasne tjeskobe.
Nizozemska. Prije Drugog svjetskog rata utjecaj njemačkog slobodnog plesa bio je najjači u Nizozemskoj. Nakon rata porastao je interes publike za balet te je u Amsterdamu stvorena trupa "Nizozemski nacionalni balet". Godine 1959. nekoliko plesača i koreografa, koji su napustili ovu trupu, osnovali su "Nizozemski plesni teatar", koji se smjestio u Haagu i posvetio se isključivo suvremene koreografije. Dvije su trupe često izmjenjivale i umjetnike i predstave. Hans van Manen (r. 1932.) i Rudy van Dantzig (r. 1933.), umjetnički ravnatelj Nizozemskog nacionalnog baleta, zajedno s Glenom Tetleyjem formirali su repertoar nizozemskog plesni teatar". U središtu Tetleyeva rada nalaze se različiti utjecaji: to su Chania Holm (1898.-1992.) i Martha Graham, i Jerome Robbins, te American Balle Theatre; nije uzalud što on u svojim produkcijama koristi i tehniku prstiju i baleta, te ekscesa tijela i naglašeno izražajnih ruku karakterističnih za moderni ples, ali ne koriste skokove i klizanje razvijene u klasičnom plesu. Baleti van Dantiga i van Manena slični su baletima Tetleya po tome što imaju mješavinu različitih tehnika. 1965., glazba Jana Bermana) izvodile su mnoge baletne trupe diljem svijeta.Godine 1978. Jiri Kilian, kojeg se često uspoređuje s Tudorom, postao je voditelj Nizozemskog plesnog kazališta, jer su se obojica doticali teme koje se tiču ljudi i radije koriste glazbu skladatelja Srednja Europa. Kilian je mješovitom stilu svojih prethodnika dodao nove kvalitete: opsežna upotreba pokreta koji se izvode ležeći na podu, dramatični skulpturalni efekti, visoka dizanja i vrtnje. Njegovi baleti Povratak u tuđinu (1974. i 1975. - dva izdanja) i Sinfonietta (1978.), nastali na glazbu L. Janaceka i izvedeni u mnogim zemljama, pokazuju mogućnosti koje se otvaraju kada se plesni obrazac gradi na plesačima. blizu jedno drugome. Zanima ga kultura australski starosjedioci, koreograf je 1983. kreirao balete The Haunted Place (Stamping Ground, glazba Carlosa Chaveza) i Sleep Time (Dreamtime, glazba Takemitsua). Početkom 1990-ih, Kilian se pridružio glavnoj trupi s drugom trupom - "Netherlands Theatre 3". Scapino Ballet, sa sjedištem u Rotterdamu pod vodstvom Nielsa Kristea (r. 1946.), još je jedna nizozemska kompanija koja je privukla pozornost svojim modernim produkcijama.
Baletna umjetnost diljem svijeta. Kako je sredinom 20.st uloga baleta se povećala, trupe su se počele stvarati u gotovo svim zemljama Amerike, Europe, Azije, uključujući i neka područja Srednja Azija i Africi, kao iu Australiji i Novom Zelandu. Balet je našao mjesto za sebe iu zemljama bogate plesne tradicije poput Španjolske, Kine, Japana i Male Azije. Maurice Béjart, koji je odrastao u poslijeratnoj Francuskoj, osnovao je Balet 20. stoljeća u Bruxellesu 1960. godine. Ova trupa, kao i vrlo neobična škola organizirana pod njom pod nazivom "Mudra", imala je za cilj promicanje baletne umjetnosti, demonstrirajući plesne drame zasnovane na psihologiji i modernim filozofskim idejama. Mnoge predstave održavale su se na stadionima kako bi ih moglo vidjeti što više gledatelja. Béjart je opovrgao često citiranu Balanchineovu tvrdnju da je »balet žena« i usredotočio se na muške plesače: primjerice, u baletu Žar ptica (na glazbu suite Stravinskog, 1970.) izvođača glavnog dijela zamijenio je mladim čovjek koji prikazuje partizana. Ipak, Balanchineova vodeća balerina Susan Farrell, koja je nakon udaje privremeno napustila njujoršku trupu, pet je godina plesala u njegovoj trupi. Godine 1987. Gerard Mortier, ravnatelj Théâtre de la Monnaie u Bruxellesu, gdje je radio Balet 20. stoljeća, predložio je Bejartu da smanji troškove i smanji sastav trupe. Bejart, koji se nije slagao s tim zahtjevima, počeo je tražiti drugo mjesto gdje bi mogao nastaviti svoj rad. Stizale su mu brojne ponude iz raznih zemalja Europe, a on je odabrao Lausannu u Švicarskoj. Sada se njegova trupa zove "Béjart's Ballet". U posljednjim desetljećima 20.st talijanska balerina Carla Fracci, Alessandra Ferri (r. 1963.) i Viviana Durante, vodeća plesačica Engleskog kraljevskog baleta, s velikim su uspjehom nastupale izvan Italije, ali u domovini nije bilo kazališta u kojem su mogle naći dostojnu primjenu. svoje talente. U Španjolskoj, gdje su tradicije nacionalnog plesa još uvijek jače od bilo kakvih inovacija, ipak se pojavio domaći koreograf privržen klasičnom baletu - Nacho Duato (r. 1957.), koji vodi Ballet Lirico Nacional. Duato, bivša plesačica u Nizozemskom plesnom kazalištu, koreografira plesove koji kombiniraju Kilianovu samostalnost sa žestokom strašću. U 1920-ima švedski impresario Rolf de Mare (1898.-1964.) osnovao je u Parizu Švedski balet u koreografiji Jeana Berlina (1893.-1930.). Ta je grupa izvodila hrabre eksperimente i nekoliko godina svog postojanja, od 1920. do 1925., natjecala se s Djagiljevljevim Ruskim baletom. Kraljevski švedski balet, smješten u zgradi Kraljevske opere u Stockholmu od 1773. godine, bio je pod vodstvom Anthonyja Tudora od 1950. do 1953. godine. Godine 1950. ovdje je premijerno izvedena Birgit Kulberg (r. 1908.) Freken Julia (glazba Thure Rangström), koju i danas izvode mnoge trupe diljem svijeta. Godine 1963. Tudor, ponovno pozvan u Kraljevski balet, postavlja Eho truba (na glazbu Bohuslava Martinua). Birgit Kulberg, koja je studirala kod Kurta Joossa i Marthe Graham, osnovala je vlastitu trupu 1967. i eksperimentirala s kombiniranjem klasične koreografije i modernog plesa u jednoj predstavi. Njezin sin Mats Ek (r. 1945.), koji je na čelu Kulberg ballea od 1990., izveo je potpuno nove produkcije baleta Giselle i Labuđe jezero, koje ni po čemu ne podsjećaju na tradicionalne produkcije baleta Giselle i Labuđe jezero. U 20. stoljeću nastale su tri značajne kanadske trupe: Royal Winnipeg Ballet, osnovan pod imenom Winnipeg Ballet Club 1938. i do 1949. postao profesionalna trupa; "National Ballet of Canada", nastao u Torontu 1951.; i Veliki kanadski balet, koji je započeo s radom u Montrealu 1957. Nacionalni balet Kanade utemeljila je Celia Franca (r. 1921.), koja je nastupala s engleskim trupama Balle Rambert i Sadler's Wells Ballet. Oslanjajući se na iskustvo Sadlerovog Wells Ballea, počela je postavljati klasične balete iz 19. stoljeća. Franca je vodila trupu do 1974., kada ju je zamijenio Alexander Grant (r. 1925.). Reid Anderson (r. 1949.) bio je vođa trupe od 1994. do 1996., a 1996. na tu je dužnost postavljen James Kudelka (r. 1955.). Balet se na Kubi brzo razvijao. Alicia Alonso, jedna od najpoznatijih američkih balerina u Sjedinjenim Državama, vratila se u domovinu nakon revolucije Fidela Castra 1959. godine i osnovala trupu "National Ballet of Cuba". Scenski život same Alonso bio je vrlo dug, prestala je nastupati tek u dobi od više od šezdeset godina. Mnogi veliki plesači i koreografi radili su u Buenos Airesu u različitim vremenima, posebice Nijinska i Balanchine. Argentinci Julio Bocca i Paloma Herrera (r. 1975.), koji su postali vodeći plesači "American balle tietr", počeli su učiti ples u Buenos Airesu. Mnogi ruski plesači nakon revolucije 1917. napustili su zemlju preko azijske granice. Neki od njih su se privremeno ili trajno nastanili u Kini. Nakon Drugog svjetskog rata, učitelji i koreografi iz SSSR-a radili su u Kini. Tijekom razdoblja kineske kulturna revolucija 1960. Sovjetski utjecaj jenjava, a počinju se stvarati nacionalna djela, poput Crvenog ženskog bataljona ili Sjedokose djevojke (obje 1964.). Ove predstave primjeri su pravca koji negira lirizam u baletu kao dekadenciju, njihova je izuzetna značajka željezna disciplina i jasnoća u masovnim plesovima koje izvodi corps de ballet na prstima. Kako se strani utjecaj povećavao 1970-ih i 1980-ih, nove baletne trupe pojavile su se u mnogim kineskim gradovima. Također se stvaraju u glavnim gradovima mnogih drugih azijskih zemalja.
Zaključak. Do kraja 20.st problemi s kojima se suočava baletna umjetnost postajali su sve jasniji. U 1980-ima, kada su Balanchine, Ashton i Tudor umrli (1980-ih) i Robbins se odselio iz snažna aktivnost, nastao je kreativni vakuum. Većina mladih koreografa koji su djelovali krajem 20. stoljeća nije bila previše zainteresirana za razvoj resursa klasičnog plesa. Preferirali su mješavinu različitih plesnih sustava, pri čemu se klasični ples doimao iscrpljenim, a moderni ples bez originalnosti u otkrivanju tjelesnih mogućnosti. U nastojanju da dočaraju ono što čini bit suvremenog života, koreografi koriste tehniku prstiju kao da naglašavaju misli, ali zanemaruju tradicionalne pokrete ruku (port de bras). Umjetnost podrške svedena je na svojevrsnu interakciju između partnera, kada se žena vuče po podu, baca, kruži, ali gotovo nikada se ne podržava ili pleše s njom. Većina trupa gradi svoj repertoar tako da uključuje klasike 19. stoljeća. (Silfida, Giselle, Labuđe jezero, Trnoružica), najpoznatiji baleti majstora 20. stoljeća. (Fokine, Balanchine, Robbins, Tudor i Ashton), popularne produkcije Macmillana, Cranka, Tetleya i Kiliana te rad nove generacije koreografa poput Forsytha, Duata, Jamesa Koudelke. U isto vrijeme, plesači dobivaju bolju obuku, kao ima upućenijih učitelja. Relativno novo područje plesne medicine dalo je plesačima pristup tehnikama za sprječavanje ozljeda. Postoji problem uvođenja plesača u glazbu. Rasprostranjena popularna glazba ne poznaje raznolikost stilova, u mnogim je zemljama poučavanje glazbene pismenosti na niskoj razini, kada se postavljaju plesovi, fonogrami se stalno koriste - sve to koči razvoj muzikalnosti među plesačima. novi fenomen posljednjih desetljeća započela su baletna natjecanja, od kojih je prvo održano u Varni (Bugarska) 1964. Ne privlače samo nagrade, već i priliku da se pokažu sucima koji predstavljaju najprestižnije organizacije. Postupno je bilo više natjecanja, barem deset u različitim zemljama; neki zajedno nude novčane stipendije. U vezi s potrebom za koreografima nastali su i natječaji za koreografe.
- - Prvu izvedbu u Moskvi - "Balet Orfeja i Euridike" postavio je 1673. Šveđanin N. Lim. Godine 1773. u moskovskom sirotištu otvoreno je odjeljenje...
Moskva (enciklopedija)
- - klasika se prvi put pojavila u Japanu 1912. godine, kada je tamo stigao talijanski koreograf Giovanni Roshi, koji je tri godine predavao ples u Teatru Teikoku Gekijo ...
Cijeli Japan
- - balet, pogled izvedbena umjetnost: glazbeno-koreografsko scenska predstava u kojoj se plesom prenose svi događaji, karakteri i osjećaji likova ...
Enciklopedija umjetnosti
- - - pogled na pozornicu. tužba; izvedba, čiji je sadržaj utjelovljen u glazbeno-koreograf. slike. Na temelju opće dramaturgije. plan B. spaja glazbu, koreografiju i likovnu umjetnost...
- - Otvorimo knjigu Puškina: Kazalište je već puno; lože sjaje; Parter i stolice - sve je u punom jeku; U raju nestrpljivo pljušti, I zavjesa dižući se šušti...
- - vrsta kazališne umjetnosti, gdje je gl izražajno sredstvo poslužuje tzv. "klasični" ples; scensko djelo koje pripada ovoj vrsti umjetnosti...
Collier Encyclopedia
