Avanguardie russe nella letteratura del XX secolo. Avanguardia russa nella pittura: artisti, tendenze, caratteristiche

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Avanguardia (nel cinema)

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Arte—Vincent van Gogh. Notte stellata, 1889 ... Wikipedia

AVANGUARDIA- VANGUARD (distacco in avanti dell'avanguardia francese) una categoria che significa nell'estetica moderna e nella storia dell'arte la totalità dei diversi movimenti innovativi e tendenze nell'arte del 1° piano. 20 ° secolo In Russia, l'ha usato per la prima volta (in negativo ... ... Enciclopedia filosofica

Libri

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Avant-garde - (fr. avant-garde - "vanguard") - un insieme di diversi movimenti e direzioni innovativi in cultura artistica modernismo del primo terzo del XX secolo: futurismo, dadaismo, surrealismo, cubismo, suprematismo, fauvismo, ecc. L'avanguardia è una manifestazione estrema del modernismo nel suo insieme. L'avanguardia è un'arte dinamica e sperimentale. L'inizio dell'avanguardia è il 1905-1906 e si parla della sua morte già negli anni '20.

La base sociale dell'avanguardia è la protesta, l'inimicizia con la civiltà moderna. Le opere d'avanguardia si basano sul gioco con la cultura classica, unita all'idea di distruzione. Un tratto caratteristico dell'avanguardia è una pratica artistica innovativa, sia nel campo della forma artistica che nel campo della pragmatica (l'interazione del testo con il lettore, l'inclusione di colui che percepisce nella struttura del manufatto ).

Vanguard, a differenza del modernismo classico, si concentra consapevolmente sul pubblico, lo influenza attivamente. Nell'avanguardia non esiste il concetto di evoluzione, non si sviluppa: questa è una forte protesta contro tutto ciò che sembra conservatore all'avanguardia. Come ha osservato il filosofo russo V.F. Petrov-Stromsky, "nelle sue tendenze distruttive, quest'arte era una premonizione e un presagio della catastrofe umanitaria del 1914, che ha rivelato tutti i discorsi vuoti dell'affermazione di Nietzsche-Gorky secondo cui "l'uomo suona orgoglioso".

L'anno di origine è il 1907, quando il giovane Pablo Picasso (1881-1973) dipinse il suo quadro cubista programmatico Le fanciulle di Avignone. Il cubismo nasce come logica continuazione delle ricerche analitiche nell'arte dei post-impressionisti, ad esempio Paul Cezanne, che nel 1907 si rivolse agli artisti con il famoso appello: "Interpreta la natura attraverso un cilindro, una palla, un cono".

Ci sono tre fasi nella storia del cubismo:

1. Cezanne (1907-1909), quando i cubisti cercarono di trovare le strutture spaziali più semplici dei fenomeni del mondo, non rappresentarono la realtà, ma crearono una "realtà diversa", trasmettendo non l'aspetto dell'oggetto, ma il suo design, architettura, struttura, essenza.

2. La fase analitica del cubismo (1910-1912) consisteva nell'applicazione di specifiche tecniche geometriche e nella combinazione di diversi punti o angoli di vista su un oggetto. In un'opera cubista, tutte le relazioni soggetto-spazio del mondo visibile vengono deliberatamente violate. Gli oggetti densi e pesanti possono diventare senza peso qui e gli oggetti leggeri possono diventare pesanti. Pareti, superfici di tavoli, libri, elementi di violini, chitarre fluttuano in uno speciale spazio otticamente surreale.

3. Nell'ultima fase sintetica del cubismo (1913-1914), i cubisti introducono elementi non pittorici nelle loro tele: adesivi di giornali, programmi teatrali, manifesti, scatole di fiammiferi, ritagli di vestiti, pezzi di carta da parati, mescolano sabbia con colori per migliorare la consistenza tattile, ghiaia e altri piccoli oggetti.

N. Berdyaev ha visto nel cubismo l'orrore del decadimento, della morte, del "vento cosmico invernale" che spazza via la vecchia arte e l'essere.

Rappresentanti del cubismo: P. Picasso, J. Braque, H. Gris.

Fauvismo - (fr. Les faues - "animali selvaggi; esperimenti con colori aperti") il colore divenne il principale mezzo di autoespressione emotiva, mostrando simpatia per gli oggetti del mondo circostante. I fauvisti erano preoccupati per il trasferimento di manifestazioni colorate ed espressive di oggetti, la magia degli effetti cromatici mondo interiore persona. Nel 1905, in una mostra a Parigi, apparve il dipinto "La gioia di vivere" di Henri Matisse (1869-1954), in cui era chiaramente identificata la tendenza alla bellezza astratta.

Rappresentanti del fauvismo: J. Rouault, R. Dufy, A. Matisse, M. Vlaminka, A. Marquet, A. Derain.

Futurismo e Cubofuturismo.

Futurismo - (lat. Futurum - "futuro") - una delle tendenze più oltraggiose nell'arte d'avanguardia, realizzata più pienamente nelle arti visive e verbali di Italia e Russia. L'inizio del futurismo - la pubblicazione il 20 febbraio 1909 sul quotidiano parigino "Figaro" del "Manifesto del Futurismo" del poeta italiano F.T. Marinetti (1876-1944). Al centro dell'estetica del futurismo c'è l'ammirazione per la civiltà moderna: intossicati dagli ultimi progressi della tecnologia, i futuristi idealizzarono l'urbanizzazione, lo sviluppo dell'industria e i valori materiali. Il futurismo rifiutava l'alta arte classica ei suoi "ideali mistici".

Il futurismo russo è nato indipendentemente dall'italiano ed è stato più significativo. La base del futurismo russo è la sensazione di collasso, la crisi di tutto ciò che è vecchio. La più vicina al futurismo era l'associazione dei cubo-futuristi "Gilea", che comprendeva A. Kruchenykh, V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, i fratelli V. e D. Burliuks, V. Kamensky e altri, che si definivano "futuristi", "budetlenami".

Gli artisti russi cubo-futuristi che interagiscono in modo creativo con i poeti si distinguono in particolare: N. Goncharova, M. Larionov, M. Matyushin, K. Malevich.

Astrattismo.

L'astrattismo è una tendenza generale in una serie di aree d'avanguardia degli anni '10 -'20. in pittura per creare composizioni pittorico-plastiche, combinazioni cromatiche, prive di qualsiasi significato verbalizzato. Nell'astrattismo si sono sviluppate due correnti: psicologica e geometrica.

Il fondatore dell'astrattismo psicologico fu Wassily Kandinsky (1866-1944), nei dipinti "Montagna", "Mosca" e altri, enfatizzò il valore espressivo indipendente del colore. Le associazioni musicali di combinazioni di colori sono importanti, con l'aiuto delle quali arte astratta ha cercato di esprimere le profonde "verità dell'essere", il movimento delle "forze cosmiche", così come il lirismo e il dramma delle esperienze umane.

L'astrattismo geometrico (logico, intellettuale) è cubismo non figurativo. Gli artisti hanno creato un nuovo tipo di spazio artistico combinando varie forme geometriche, piani colorati, linee rette e spezzate. Ad esempio, in Russia - Rayonism di M. Larionov (1881-1964), sorto come una sorta di rifrazione delle prime scoperte nel campo della fisica nucleare; "non oggettività" di O. Rozanova, L. Popova, V. Tatlin; Suprematismo di K. Malevich.

Suprematismo.

Kazimir Malevich (1878,1879-1935) scoprì il suprematismo nel 1913 con il dipinto "Il quadrato nero". "Quello che ho raffigurato non era un "quadrato vuoto, ma una percezione di pregiudizio"" (K. Malevich).

Successivamente, nel saggio "Suprematism, or the World of Non-Display" (1920), l'artista ha formulato i suoi principi estetici: l'arte è duratura, pura sensibilità plastica, formule e composizioni pittoriche universali (suprematiste) - costruzioni ideali da elementi geometricamente corretti . La trama, il disegno, la prospettiva spaziale sono assenti nel Suprematismo, la cosa principale è la forma geometrica e il colore aperto. Cura in forme astratte. 3 periodi di suprematismo: nero, colore e bianco. Bianco: quando l'artista ha iniziato a scrivere forme bianche su sfondo bianco.

Costruttivismo.

Il costruttivismo è una delle direzioni principali dell'avanguardia, che ha posto la categoria della costruzione al centro della sua estetica. Il costruttivismo è apparso all'alba della rivoluzione scientifica e tecnologica e ha idealizzato le idee del tecnismo; apprezzava le macchine ei loro prodotti al di sopra dell'individuo, chiedeva una lotta contro l'arte. Design: l'organizzazione opportuna degli elementi struttura artistica, che ha uno specifico valore utilitaristico o funzionale. L'antenato del costruttivismo in Russia è Vladimir Tatlin (1885-1953), che ha creato una serie di cosiddetti rilievi angolari: portare immagini plastiche dall'immagine nello spazio reale dell'esposizione usando materiali reali: stagno, legno, carta, dipinto in i colori appropriati. Il suo famoso progetto "Monumento alla Terza Internazionale Comunista", che incarnava l'idea del ruolo socio-politico della Terza Internazionale. Il costruttivismo russo era al servizio dell'ideologia rivoluzionaria dei bolscevichi.

La prima conferma ufficiale del costruttivismo in Europa avvenne nel 1922 a Düsseldorf, quando fu annunciata la creazione della "Fazione costruttivista internazionale". Secondo l'estetica costruttivista, l'obiettivo della creatività artistica è la "costruzione della vita", la produzione di "cose" utili. Ciò ha contribuito allo sviluppo del design. Teorico e praticante del funzionalismo (costruttivismo) Le Corbusier (1887-1965) ha cercato di trasformare la città in un parco soleggiato e all'aperto. Ha creato un modello di "città radiosa" non divisa in quartieri di livelli gerarchicamente diversi. Corbusier ha affermato in architettura le idee di razionalismo, democrazia e uguaglianza.

Un posto speciale nella storia del costruttivismo era occupato dal "Bauhaus" (Bauhaus - "corporazione di costruttori") - una scuola d'arte e industriale organizzata dall'architetto W. Gropius nel 1919 in Germania, che operò attivamente a Weimar, Dessau, Berlino fino alla sua chiusura da parte dei nazisti nel 1933 Lo scopo di questa scuola era formare designer basati sulla combinazione delle ultime conquiste dell'arte, della scienza e della tecnologia.

Il dadaismo è un movimento d'avanguardia nell'arte e nella letteratura. Europa occidentale. Formata in Svizzera e sviluppata dal 1916 al 1922. Il fondatore della direzione è il poeta rumeno Tristan Tzara (1896-1963). Le origini di Dada risalgono al caffè "Voltaire", aperto nel 1916 a Zurigo, dove i dadaisti (H.Ball, R.Hülzenbeck, G.Arp) tenevano serate teatrali e musicali.

francese "dada" - un cavallo di legno per bambini (Tzara ha aperto a caso il "Dizionario" di Larousse),

- "dada" - incoerente, baby talk,

Dada è il vuoto. Fondamentalmente, questa parola non significa nulla. In assenza di significato, c'è significato.

Uno dei fondatori del dadaismo, il poeta e musicista tedesco Hugo Ball (1886-1927) riteneva che per i tedeschi fosse "un indicatore di ingenuità idiota" e ogni sorta di "infantilismo": "Ciò che chiamiamo dada è una sciocchezza estratta da il vuoto in cui siamo avvolti preoccupa sempre più in alto; rimane il gesto del gladiatore, il gioco giocato dal decrepito... la pubblica esibizione di una falsa moralità."

I principi del dadaismo erano: una rottura con le tradizioni della cultura mondiale, una fuga dalla cultura e dalla realtà, l'idea del mondo come caos e follia, in cui viene gettata una persona indifesa, pessimismo, incredulità, negazione dei valori, una sensazione di perdita generale e insensatezza dell'essere, la distruzione degli ideali e lo scopo della vita . La realtà nell'opera dei dadaisti è stata portata al punto di assurdità. Hanno combattuto la società con l'aiuto di una rivoluzione nel linguaggio: distruggendo il linguaggio, hanno distrutto la società. I dadaisti sono conosciuti principalmente per i loro slogan e comportamenti scioccanti, e solo successivamente per i loro testi artistici. Le opere dei dadaisti sono progettate per scioccare e rappresentano una combinazione anarchica irrazionale di parole e suoni che a prima vista sembrano privi di significato. Ironia, erotismo, umorismo nero, una commistione dell'inconscio sono le componenti dei manufatti del dadaismo.

Prodotti pronti.

Ready-mades - (ing. Ready-made - "ready") - opere - oggetti utilitari rimossi dall'ambiente del loro normale funzionamento ed esposti in una mostra d'arte come opere d'arte senza alcuna modifica. Fondatore Marcel Duchamp (1887-1968), che espose i primi readymade a New York nel 1913: Bicycle Wheel (1913) montato su uno sgabello bianco, Bottle Dryer (1914) acquistato occasionalmente da un rigattiere, "Fountain" (1917) - un orinatoio, consegnato direttamente dal negozio alla mostra.

Duchamp credeva che nessuna copia pittorica potesse mostrare il soggetto meglio di lui stesso con il suo aspetto. È più facile esporre l'oggetto stesso nell'originale che sforzarsi di rappresentarlo. L'introduzione di qualsiasi oggetto nello spazio di una mostra d'arte ne legittimava lo status di opera d'arte, se tale "introduzione" veniva effettuata da un artista riconosciuto.

Surrealismo.

Il surrealismo (fr. Surrealismo - "superrealismo") è apparso negli anni '20. in Francia come una direzione sorta sul terreno artistico ed estetico delle idee del freudismo, dell'intuizionismo, delle scoperte artistiche del dadaismo e della pittura metafisica.

L'estetica del surrealismo è esposta in 2 "Manifesti del surrealismo" di Andre Breton (1896-1966). I surrealisti chiedevano la liberazione dello spirito umano dalle "catene" dello scientismo, della logica, della ragione, dell'estetica tradizionale. 2 principi fondamentali del surrealismo: scrittura automatica e registrazione dei sogni. Aggravamento di metodi di illogicità, paradossalità, sorpresa. Un'atmosfera artistica surreale (super-reale) che porta lo spettatore ad altri livelli di coscienza. Per il surrealismo, l'uomo e il mondo, lo spazio e il tempo sono fluidi e relativi. Il caos del mondo provoca il caos pensiero artistico- questo è il principio dell'estetica del surrealismo. Il surrealismo porta una persona ad un appuntamento con un universo misterioso e inconoscibile, drammaticamente teso. Un uomo solo affronta un mondo misterioso.

Surrealismo in pittura: J. Mirò, I. Tanguy, G. Arp, S. Dalì, M. Ernst, A. Masson, P. Delvaux, F. Picabia, S. Matta.

Vasto è il cosmo dei dipinti del pittore, scultore e grafico spagnolo Salvador Dalì (1904-1989), che dichiarò: "Il surrealismo sono io". (opere "La persistenza della memoria", "Gala", ecc.). Le sue tele sono come un magnifico "funerale di Dio", un morente nel petto e lacrime fredde per questa perdita. Il mondo irriconoscibile spostato e distorto sulle sue tele si blocca o si agita. L'obiettivo è mostrare che tutto nel mondo è interconvertibile. Una sfortunata ironia.

Il surrealismo nel cinema è rappresentato dall'opera del regista Luis Buñuel (1900-1983)

Il cinema assomiglia ai sogni ed è associato al mistero. Il film di Buñuel "The Andalusian Dog" è famoso per la scena del taglio dell'occhio - questa è la scena di un gesto (atto) surreale, i suoi film "Beauty of the Day", "Woman without Love" sono notevoli.

Il termine "pop art" (ing. Popular art - "popular, public art") è stato introdotto dal critico L. Allway nel 1965. arte astratta. I teorici della pop art sostengono che in un certo contesto ogni oggetto perde il suo significato originario e diventa un'opera d'arte. Il compito dell'artista è quello di conferire qualità artistiche a un oggetto ordinario organizzando un certo contesto per la sua percezione. Poetiche delle etichette e della pubblicità. La pop art è una composizione di oggetti di uso quotidiano, a volte combinati con un modello o una scultura.

Rappresentanti: R. Hamilton, E. Paolozzi, L. Allway, R. Banham, P. Blake, R.B. Cina, D.Hockney, P.Phillips. In America: Robert Rauschenberg (1925-2008), Jesper Johns (nato nel 1930), Andy Warhol, R. Lichtenstein, K. Oldenburg, D. Dyne e altri.

Andy Warhol ha utilizzato gli stampini per produrre in serie il suo lavoro presso The Factory. Il suo famoso dittico "Merlino", che conosceva personalmente. L'idea di una vernice "fotocopia" calante e sbiadita: diventando una celebrità, diventi ripetibile, vulnerabile e gradualmente smetti di esistere, cancellato nell'oscurità della morte. Jasper Johns ha dipinto la bandiera americana: ha tagliato a pezzi il giornale e l'ha ricoperto di vernice e cera.

Minimalismo.

Il minimalismo è una reazione al variegato mondo della pop art, una tendenza artistica che proclamava i principi dell'economia marginale dei "mezzi grafici ed espressivi", che erano dettagli tecnici e disegni nella loro quantità minima e con un intervento minimo dell'artista nel organizzazione dell'oggetto creato. Più spesso si trattava di sculture in metallo, dipinte con colori discreti.

Rappresentanti: S. LeWitt, D. Flavin, K. Andre, R. Morris, D. Judd, F. Stellar.

Arte del territorio.

Land-art (ing. Land-art - "nature-art") è una pratica artistica in cui l'attività dell'artista viene portata alla natura e il materiale per gli oggetti d'arte è puramente materiali naturali o loro combinazioni con un numero minimo di elementi artificiali. Negli anni '60 -'80. gli artisti V. de Maria, M. Heitzer, D. Oppenheim, R. Smithson, Christo e altri hanno realizzato grandi progetti in luoghi inaccessibili del paesaggio naturale e nei deserti. Sulle montagne, in fondo a laghi prosciugati, gli artisti hanno scavato enormi fosse e fossati. varie forme, ha costruito bizzarri cumuli di frammenti di roccia, ha disposto spirali di pietre nelle baie del mare, ha dipinto alcuni enormi disegni nei prati con l'aiuto della calce, ecc. Con i loro progetti, i Landaristi protestavano contro la civiltà urbana moderna, l'estetica del metallo e della plastica.

Concettualismo.

Il concettualismo (Ing. Concept - "concetto, idea, concetto") è stato confermato nel 1968 dagli artisti americani T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, J. Kossuth, L. Weiner. Joseph Kossuth (nato nel 1945) nell'articolo del programma "Art after Philosophy" (1969) chiamato arte concettuale fenomeno culturale che ha sostituito l'arte e la filosofia tradizionali. Il concetto è l'idea alla base del lavoro. L'opera deve essere un progetto documentato, una fissazione documentaria del concetto e del processo della sua materializzazione. Ad esempio, la composizione di J. Kossuth dal Museum of Modern Art di New York "One and Three Chairs" (1965), che rappresenta tre "ipostasi" di una sedia: la sedia stessa in realtà appoggiata al muro, la sua fotografia e un verbale descrizione della sedia dal dizionario enciclopedico.

Modernismo nel teatro e nel cinema.

Uno degli ideologi del modernismo, il filosofo francese Jacques Lacan (1901-1981), riteneva che la causa di molte nevrosi, psicosi e altri disturbi che minacciano la vita mentale uomo, sono "gli effetti teatrali dell'io umano". Essendo coinvolta nel processo di identificazione (ricerca del proprio vero "io"), una persona si espone alla tentazione del gioco, cambiando maschera. Il teatro modernista rifletteva questa tragedia della scissione umana, la fragilità dell'io, mostrando l'assurdità del mondo e, allo stesso tempo, svolgeva una sorta di funzione terapeutico-catartica di liberare la psiche umana dall'autoisolamento nel terre selvagge di solitudine.

Teatro della tragedia. La realizzazione nello spazio scenico non è un'opera specifica del drammaturgo, ma la sua intera opera, percependola come un mondo olistico di immagini interagenti e conflitti correlati.

Rappresentante: il cineasta-riformista inglese Gordon Craig.

Teatro epico. Crea un sistema di nuove relazioni basate sull'allegra relatività e sull'immoralità moralizzante, sulla cinica libertà di comunicazione tra l'attore e l'immagine.

Rappresentante: drammaturgo e regista tedesco Bertolt Brecht (1898-1956) - fondatore del teatro "Berlin Ensemble".

Teatro della maschera sociale. La maschera teatrale esprime un certo tipo sociale, senza tratti individuali. Ad esempio, ogni personaggio nelle esibizioni di V. Meyerhold ("La cimice", "La foresta", "La signora con le camelie", ecc.) Era rivolto verso l'auditorium e riferiva indipendentemente di se stesso al pubblico. Le relazioni tra le persone sono indebolite, i conflitti sono oscurati.

Rappresentante: direttore sperimentale russo Vsevolod Meyerhold (1874-1940).

"Teatro della violenza" Hanno cercato di riportare il teatro all'antica forma di santuario rituale, dove lo spettatore può unirsi agli elementi di vitalità originari, "cosmici", cadendo in una "trance trascendentale".

Rappresentante: Antonin Artaud (1896-1948).

teatro dell'assurdo.

Il motto principale: "Non c'è niente da esprimere, non c'è niente da cui esprimere, non c'è potere di esprimere, nessun desiderio di esprimere, così come l'obbligo di esprimere".

Il principale rappresentante: Eugene Ionesco (1909-1994), nelle sue opere "Bald Singer", "Lesson", "Chairs" e così via. portando la vita quotidiana alla fantasia, esagerando le relazioni e i sentimenti umani, cerca di mostrare l'assurdità dell'esistenza umana. Ad esempio, nella commedia "Lezione": un insegnante di matematica uccide il suo studente, seguendo la logica: "l'aritmetica porta alla filosofia e la filosofia porta al crimine", "le parole possono uccidere". Nella commedia "Sedie" due vecchi portano sedie, aspettano un oratore che non arriva - si uccidono. L'immagine del vuoto dello spazio nella sala e nelle anime di questi anziani è portata al limite. Nella tragicommedia di Ionesco "Aspettando Godot", la scena è una strada, a lato della quale si trova un albero solitario, sotto il quale sono seduti 2 eroi. Il loro incontro è un attimo, un attimo. Il passato non c'è più e il futuro non è arrivato. Gli eroi non sanno da dove vengono, non hanno idea del passare del tempo. Non sono in grado di fare nulla. Sono deboli e sembrano malati. Stanno aspettando Godot e loro stessi non si rendono conto di chi sia. Nella commedia "Endgame" l'azione si svolge in una stanza in cui l'eroe è confinato su una sedia, incapace di muoversi autonomamente. Nella commedia "Oh happy days" nello spazio desertico, l'eroina Vini è incatenata a un punto. Nel 1° atto è ricoperta di terra fino alla vita, nel 2° atto è visibile solo la testa. La metafora di un punto nello spazio, a cui l'eroina è legata, è la morte, una tomba che attira tutti verso di sé, anche se non tutti se ne accorgono fino al momento della sua presenza.

Rappresentanti del "teatro dell'assurdo": A. Adamov, J. Genet, S. Beckett.

"Photogeny" - lo stile del regista e teorico del cinema francese Louis Delluc (1890-1924), compresi i metodi di ripresa veloce e lenta, montaggio associativo, doppia composizione per enfatizzare il significato interiore, il mistero del soggetto.

stile monumentale.

I film di stile monumentale sono film senza sceneggiatura, il significato dell'opera è stato trasmesso al pubblico non attraverso lo sviluppo di personaggi o trama, ma attraverso un nuovo tipo di montaggio - "montaggio di attrazioni", in cui i gesti hanno svolto un ruolo importante ruolo.

Rappresentante: il regista russo Sergei Eisenstein (1898-1948), i suoi film "Battleship Potemkin", "Ivan the Terrible", "Alexander Nevsky", ecc.

Stile post-hollywoodiano.

Nasce come reazione alle conseguenze del "miracolo economico" in Europa dopo la seconda guerra mondiale. La base filosofica sono le idee di F. Nietzsche ("sulla morte di Dio") e O. Spengler (sul declino dell'Europa). L'eroe dei film è una persona in più nella società del benessere.

Così, il regista e sceneggiatore tedesco Rainer Werner Fassbinder (1945-1982) ha combinato i motivi delle opere di T. Mann con elementi della cronaca criminale, la musica di L. Beethoven con le urla dei tifosi di calcio e così via.

Modernismo in musica.

Filosofo e sociologo tedesco della metà del XX secolo. Theodor Adorno (1903-1969) riteneva che la vera musica fosse quella che trasmette il sentimento di confusione dell'individuo nel mondo esterno ed è completamente recintato da ogni impegno sociale.

musica specifica.

Registrare suoni naturali o artificiali, che vengono poi mixati e modificati.

Rappresentante: acustico e compositore francese Pierre Schaeffer (1910-1995).

Aleatoria.

Nella musica, la cosa principale è la casualità. Quindi, una composizione musicale può essere costruita con l'aiuto di tanti, sulla base delle mosse di una partita a scacchi, spruzzando inchiostro su carta da musica, lanciando dadi e così via.

Rappresentanti: compositore, pianista e direttore d'orchestra tedesco Karlheinz Stockhausen (nato nel 1928), compositore francese Pierre Vulez.

Puntinismo.

Musica sotto forma di suoni a scatti circondati da pause, nonché brevi 2-3 suoni, motivi.

Rappresentante: compositore e direttore d'orchestra austriaco Anton Webern (1883-1945).

Musica elettronica.

Musica creata con l'ausilio di apparecchiature elettronico-acustiche e di riproduzione del suono.

Rappresentanti: H. Eimert, K. Stockhausen, W. Mayer-Epper.

A FINE DEL XIX-XX SECOLO

introduzione

La storia della cultura dei periodi fondamentali dello sviluppo umano è sempre interessante, poiché è a cavallo del secolo che sorgono nuovi fenomeni nella musica, nuove tendenze rappresentate da giovani compositori, artisti e scrittori che non solo rifiutano le tecniche e le tecniche dei tempi passati, ma anche offrire la propria visione del mondo, riempiendo la sua nuova filosofia e ideologia, così come i propri metodi di scrittura di dipinti, poesie e musica.

Nonostante il fenomeno dell'avanguardia russa non sia esistito a lungo, solo pochi decenni, grazie ad esso sono "nati" grandi artisti come Kazimir Malevich e Wassily Kandinsky, che hanno lasciato un gran numero di opere d'arte. Il secondo decennio del secolo scorso ha messo Malevich e Kandinsky alla pari di Picasso. significato speciale ha il fatto che il concetto generale di "avanguardia russa" consiste in diverse tendenze che erano caratteristiche non solo per la pittura, ma per tutta l'arte di quel tempo, compresa l'architettura, la scultura, il cinema, il design e la letteratura. Nonostante il fatto che la tendenza d'avanguardia nell'arte si sia sviluppata in altri paesi, in Russia sono apparse molte tendenze. Hanno anche ricevuto il nome di "avanguardia russa". L'eredità degli artisti d'avanguardia russi è ancora molto popolare. Si tratta di dipinti di artisti e poesie di poeti, tra i quali un posto speciale è occupato dall'opera di Vladimir Mayakovsky; e edifici e costruzioni insuperabili, che ai nostri tempi deliziano gli occhi dei moscoviti.

La pertinenza del progetto.

La svolta tra il XX e il XXI secolo è proprio il tempo in cui viviamo. Ecco perché mi interessava rivolgermi alla storia della cultura del secolo scorso, quando l'arte romantica e post-romantica fu sostituita da compositori, artisti e poeti che proclamavano le idee dell'avanguardia nelle loro opere. Volevo capire le idee degli araldi dell'avanguardia, perché ancora oggi molte delle idee da loro avanzate più di 100 anni fa si manifestano nell'arte del nostro tempo, molti compositori usano ancora la tecnica compositiva proposta dagli autori della musica all'inizio del XX secolo, i dipinti degli artisti d'avanguardia attirano ancora l'attenzione, provocando polemiche a loro difesa e contro.

Fasi di lavoro su un progetto creativo.

Nel lavoro sul progetto è possibile identificare le fasi principali del lavoro che sono state associate alla soluzione di determinati compiti.

IO. Fase di problematizzazione . La formulazione del problema, l'argomento del progetto, su cui abbiamo cercato di rispondere alle seguenti domande.

Domanda fondamentale:

• 
  Cos'è l'avanguardia nell'arte?

Domande problematiche:

• 
  Qual è la storia dell'emergere dell'avanguardia?
• 
  Come si manifestano nuove visioni d'avanguardia nella filosofia, nella pittura, nella poesia e nella musica del primo Novecento?
• 
  Quali modi di trasmettere contenuti in un'opera offrono i giovani autori?
• 
  Come si manifestano le caratteristiche dell'avanguardia nei vari tipi di arte?
• 
  Quali nuove tecniche di composizione musicale compaiono all'inizio del XX secolo?
• 
  Qual è il significato dell'avanguardia nei primi decenni del XX secolo nella storia della cultura mondiale?

Ipotesi. Se sorgono nuove correnti filosofiche, nuovi sistemi di visione del mondo, allora nella cultura dell'umanità devono inevitabilmente apparire nuove tecniche di scrittura, metodi per creare opere.

Così, oggetto di ricercaè scritti e opere d'avanguardia in musica, poesia e pittura del XX secolo.

Risultati aspettati:

1. Condurre uno studio storico sull'emergere e lo sviluppo delle idee d'avanguardia aiuterà ad ampliare i tuoi orizzonti;

2. Espansione proprie idee sui fenomeni culturali avvenuti a cavallo tra il XIX e il XX secolo;

3. Sviluppo delle capacità analitiche nel considerare e studiare la tecnica della dodecafonia proposta dai compositori della scuola di Novovensk;

4. Creazione di una presentazione che rifletta la manifestazione dell'avanguardia in vari tipi arte.

2. Fase di definizione degli obiettivi. Lo scopo della nostra attività è cercare e studiare questo argomento e la sua attuazione pratica.

Obiettivo del progetto: conoscenza di vari ambiti dell'arte d'avanguardia dei primi decenni del '900.

Obiettivi di progetto:

1. 
   Scopri le varie direzioni dell'arte nell'ambito dell'avanguardia;
2. 
   Determina le specificità di alcuni di essi, il loro contenuto ideologico;
3. 
   Rivelare l'importanza dell'avanguardia per lo sviluppo della cultura mondiale;
4. 
   Crea una presentazione basata su un progetto creativo che rifletta il contenuto di questo argomento.

3. Fase di progettazione. Elaborazione di un piano per la raccolta di informazioni, conduzione di ricerche. Per implementare il progetto, è necessario lavorare dal problema iniziale alla realizzazione dell'obiettivo del progetto.

Avevamo pianificato di completare la parte di ricerca del progetto in 2 mesi (60 giorni), quindi è stato redatto il seguente piano di lavoro.

№	Cosa dovrebbe essere fatto	Periodo di esecuzione	Prestazione
1.	Pensare attraverso lo scopo e gli obiettivi del progetto	1 giorno	Fatto
2.	Registrazione fasi di lavoro e pianificazione	1 giorno	Fatto
3.	Elaborazione di uno sviluppo del progetto	2 giorni	Fatto
4.	Selezione di materiale su varietà e specifiche linguaggio artistico all'interno dell'avanguardia.	15 giorni	Fatto
5.	Lavorare con le fonti: Revisione della letteratura sull'argomento; Conoscenza di opere d'arte musicali, poetiche e pittoriche;	25 giorni	Fatto
6.	Creazione del testo del progetto. Sistematizzazione del materiale studiato.	5 giorni	Fatto
7.	Valutazione del lavoro svolto	2 giorni	Fatto
8.	Modificare il tuo lavoro	1 giorno	Fatto
9.	Lavora sulla creazione di una presentazione	8 giorni	Fatto

Tempo di completamento del progetto - 2 mesi (60 giorni)

Nel nostro lavoro, abbiamo utilizzato quanto segue metodi:

1. 
   Il metodo di un'analisi comparativa completa della manifestazione delle caratteristiche dell'avanguardia in opere di vari tipi di arte (pittura, musica, letteratura)
2. 
   Con il metodo dell'analisi storica, come nelle opere d'arte, si manifestano i tratti di nuove idee filosofiche, nuovi contenuti figurativi;
3. 
   Il metodo di descrizione del materiale studiato.

4. Fasi di attuazione del progetto.

1. 
   Studio e analisi del materiale di ricerca.
2. 
   Produzione e progettazione del prodotto di progetto.
3. 
   Preparazione per la presentazione del materiale di ricerca.
4. 
   Conoscenza dei compagni di classe con la storia dell'emergere e del significato artistico dell'arte d'avanguardia all'inizio del XX secolo.
5. 
   Presentazione del contenuto del progetto e presentazione alle lezioni di letteratura musicale presso la Children's Art School, lezioni del Moscow Art Theatre in una scuola secondaria.

Valutazione dei risultati del lavoro sul progetto:

1. 
   Per scrivere un rapporto sullo stato di avanzamento dei lavori sul progetto, sono state utilizzate le funzionalità dell'editor di testo WORD.
2. 
   Durante lo sviluppo della presentazione, sono state padroneggiate le seguenti tecnologie informatiche: programmi per ufficio Microsoft Word, Microsoft PowerPoint.
3. 
   A seguito dell'attuazione di questo progetto, sono state migliorate le capacità di lavorare con la ricerca di informazioni, la capacità di selezionare e valutare il materiale più significativo per la divulgazione dell'argomento.
4. 
   È stato tenuto un rapporto creativo per gli studenti sotto forma di presentazione.
5. 
   Il progetto è stato presentato a Competizione tutta russa progetto creativo studenti.

Presentazione

• 
  Preparazione alla presentazione dei risultati.
• 
  Presentazione dei risultati ottenuti al concorso tutto russo di progetti creativi di studenti.

Risorse:

• 
  Letteratura
• 
  Internet
• 
  Conversazioni con gli insegnanti della Scuola d'Arte per Bambini su temi di interesse.

Metodi di ricerca:

• 
  Lavorare con un dizionario;
• 
  Lavorare con i siti Internet;
• 
  Analisi di opere musicali, poetiche e artistiche.

Il significato pratico dell'opera è che, dopo aver studiato le specificità e le caratteristiche dello sviluppo della cultura del primo Novecento, puoi:

• 
  Applicare le conoscenze acquisite nelle lezioni di storia e cultura artistica mondiale in una scuola secondaria.
• 
  Usa questo progetto creativo come materiale illustrativo nelle lezioni di letteratura musicale al Liceo Artistico per Bambini.

Contenuto del progetto

Il termine "avanguardia" è apparso negli anni '20 ed è stato definitivamente affermato dopo la seconda guerra mondiale. I fenomeni delle avanguardie sono caratteristici di molti tipi di arte - teatro, letteratura, musica, ma soprattutto - per le arti visive. Le avanguardie abbandonarono le tecniche tradizionali caratteristiche dei movimenti artistici realistici. Le nuove tendenze nelle arti visive (cubismo, suprematismo, astrattismo, ecc.) convergevano nel tentativo di liberarsi dall'oggettività e dalla figuratività. L'avanguardia è caratterizzata dalla negazione di tutte le basi, questa direzione nega qualsiasi manifestazione della continuità delle tradizioni artistiche.

In diverse fasi storiche, il ruolo dell'avanguardia è stato svolto da correnti successive: 1900-1910. - il tempo della comparsa del fauvismo, del cubismo, del futurismo, dell'espressionismo, del dadaismo, dell'arte astratta; negli anni '20-'30 il surrealismo viene alla ribalta, nel dopoguerra sorgono nuove tendenze dell'astrattismo: espressionismo astratto, tachismo, arte informale, ecc .; 1960-1970 - un'era di transizione dall'avanguardia "classica" alla neoavanguardia, o postmodernismo. Creando molte tecniche, metodi, forme di espressione artistica e antiartistica, gli artisti d'avanguardia hanno contribuito all'emergere e allo sviluppo di nuovi tipi di arte, come la fotografia, il cinema e la musica elettronica.

Con tutta la varietà programmi creativi avanguardia, si possono ancora individuare una serie di caratteristiche comuni come la posizione di protesta costante, il rifiuto delle forme classiche di finezza e bellezza a favore della focalizzazione sul primitivo, la capacità di rinnovarsi costantemente. L'immagine è soggetta a deformazioni espressive, articolazione analitica e varie trasformazioni di gioco, fino al completo spostamento della pittoricità. Rifiutando la forma autonoma, gli artisti d'avanguardia si sforzano di "aprirla", imprimendo dinamiche all'opera in vari modi. Un'opera così "aperta" presuppone la partecipazione dello spettatore al processo di rivelazione del significato dell'opera: lo spettatore risolve gli enigmi e i paradossi che gli vengono offerti, dota i segni ei simboli di un proprio significato. Un ottimo esempio tale è il “disfacimento” del Suprematismo in pittura. Suprematismo Creato da K. Malevich nel 1910. Lo scopo della direzione è esprimere la realtà in forme semplici (quadrato, cerchio, triangolo, linea retta), che sono alla base di altre forme del mondo fisico. Nei dipinti di questa direzione non ci sono concetti di alto, basso, destra, sinistra: tutte le direzioni sono uguali, come nello spazio. Emerge un mondo autonomo. Il famoso "Quadrato nero" di Malevich divenne il manifesto pittorico della tendenza.

Il fenomeno di transizione che è servito da base per molte altre correnti dell'avanguardia russa era cubo-futurismo. Questa direzione combinava le tradizioni del futurismo italiano e del cubismo francese. O. Rozanova, L. Popova, N. Udaltsova, N. Goncharova, A. Exter, K. Malevich in un certo periodo del loro lavoro hanno lavorato nello spirito del cubo-futurismo. Queste opere erano il più astratte possibile, astratte dalle forme specifiche della realtà e dalle regole tradizionali per creare un dipinto.

Le caratteristiche principali dell'avanguardia

1. Rifiuto della tradizionale divisione della letteratura in professionale e non professionale, accompagnato da un energico rifiuto di tutto ciò che viene etichettato come “accademico”, “museale” e, al contrario, un interesse creativo per il folklore.

2. Un atteggiamento consapevole e talvolta scioccante nei confronti dell'“incomprensibilità” come via per superare l'automatismo della percezione estetica, quindi, secondo Maxim Shapir, “l'incomprensione, totale o parziale, entra organicamente nel progetto dell'artista d'avanguardia.

3. Il desiderio di offuscare i confini tra generi diversi e, inoltre, forme d'arte individuali, che culminano in forme ibride come la poesia visiva.

4. La ricerca del proprio genere, tecnica o tecnica "certificata", che nella mente del pubblico e nella memoria della cultura sarà d'ora in poi strettamente associata a questo ea nessun altro nome. Quindi, il biglietto da visita di Dmitry Avaliani erano i girafoglie, Alexander Gornon è interessato esclusivamente alla fonosemantica.

5. La natura oltraggiosa e scandalosa della presentazione da parte degli artisti d'avanguardia di se stessi e delle loro opere.

L'avanguardia ha toccato molte aree dell'arte: pittura, letteratura, cinema, musica e altro ancora. Considera diversi movimenti d'avanguardia. Passiamo alla letteratura d'avanguardia.

Futurismo- una propaggine del modernismo, movimento d'avanguardia degli anni 10-30 del XX secolo, sorto in Italia nel 1909. L'autore del primo manifesto dei futuristi sarebbe stato il poeta Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944) . I futuristi si opposero tradizioni letterarie. Chiedevano la distruzione di musei e biblioteche, per liberare l'Italia da professori e archeologi.La vecchia cultura, che, secondo loro, cantava di pigrizia di pensiero e di inerzia, fu contrapposta dai futuristi alla nuova. I futuristi si sono opposti allo psicologismo in letteratura, perché la psicologia è stata esaurita fino in fondo e sarà sostituita dai testi della materia inanimata. Secondo loro, un legno o un ferro rovente provoca sentimenti più forti del sorriso o delle lacrime di una donna. I futuristi operarono la distruzione del vocabolario, chiamarono i sostantivi da mettere come vengono in mente, cancellarono l'aggettivo che ritarda la dinamica della percezione, collegarono parole senza parole ausiliarie. I futuristi hanno scioccato il pubblico con un linguaggio astruso. Nelle arti visive, le dinamiche, lo spirito dell'epoca, i futuristi trasmessi con linee astratte e forme sorprendenti, colori variegati. La musica ha accumulato ruggito, rumore.

Il futurismo aveva altre caratteristiche Paesi slavi. Si è manifestato più chiaramente in Russia. I futuristi si dichiararono nel 1911. I futuristi russi hanno creato parole artificiali, costruzioni sintattiche illogiche. Il futurista russo O. Kruchenykh, ad esempio, ha scritto una poesia del genere

buco, bul, schyl

ubeshur

skoom

tu con boo

g l ez

Ha affermato che in queste cinque righe c'è più nazionale russo che nell'intera poesia di A.S. Pushkin.

Avanguardia nella pittura .

E espressionismo- corrente in Arte europea era del modernismo, che si sviluppò maggiormente nei primi decenni del XX secolo, principalmente in Germania e in Austria. L'espressionismo cerca non tanto di riprodurre la realtà quanto di esprimere lo stato emotivo dell'autore. L'espressionismo sorse come reazione acuta e dolorosa alla prima guerra mondiale e movimenti rivoluzionari. La generazione traumatizzata dalla strage della guerra mondiale ha percepito la realtà in modo estremamente soggettivo, attraverso il prisma di emozioni come la delusione, l'ansia e la paura. Motivi di dolore e urla sono molto comuni. Gli espressionisti tedeschi consideravano i loro predecessori i postimpressionisti, che in fine XIX secolo, aprendo nuove possibilità espressive di colore e linea, sono passati dalla riproduzione della realtà all'espressione dei propri stati soggettivi. Le tele drammatiche di Vincent, van Gogh, Edvard Munch e James Ensor, con tutta l'individualità dei modi di questi artisti, sono permeate di travolgenti emozioni di gioia, indignazione, orrore. Banalità, bruttezza e contraddizioni vita moderna davano agli espressionisti sentimenti di irritazione, disgusto, ansia, che trasmettevano con l'aiuto di linee spigolose e contorte, tratti rapidi e ruvidi,

Edvard Munch. grido

colore urlante. La preferenza è stata data a colori estremamente contrastanti per aumentare l'impatto sullo spettatore, per non lasciarlo indifferente. Insignificanti, a prima vista, le immagini della vita di strada moderna ricevute sotto il pennello degli espressionisti traboccanti di colori emotivi.

All'inizio del ventesimo secolo, nell'arte apparve una nuova direzione: il cubismo. Questa direzione si basa sulla decomposizione e deformazione degli oggetti. Gli oggetti raffigurati sono scomposti in piani geometrici, le loro forme sono spostate in un certo modo. Le origini del cubismo sono strettamente legate al nome del famoso Pablo Picasso. Il cubismo di Picasso è causato dall'interesse dell'artista per il primitivista Scultura africana. Si interessò a lei a cavallo del 1907-1908. Forme tritate Arte africana consolidò il desiderio di Picasso di una generalizzazione astratta delle immagini

Cubismo nella pittura - non solo l'immagine di un oggetto, è l'immagine di un oggetto, che viene mentalmente distrutto e ricreato nella mente dell'artista. Molto spesso, gli oggetti su tela nello stile del cubismo perdono completamente il contatto con i loro prototipi reali e si trasformano in simboli astratti, il cui significato è disponibile solo per un autore. Lo stile del cubismo ha espresso un'enorme influenza sullo sviluppo della pittura, ha cambiato l'idea degli artisti su come trasmettere consistenza, volume e spazio.

Se parliamo di cubismo russo, dovrebbe essere chiaro che lo sviluppo di questa direzione in questo paese è andato in modo leggermente diverso rispetto ai paesi europei. Le opere di Chagall, Malevich, Archipenko, Altman e Lentulov sono spesso attribuite al cubismo russo, tuttavia le loro opere possono anche essere prese come esempio di altre tendenze artistiche. Indubbiamente, il cubismo nella pittura ha prodotto uno shock tremendo. È stato lui ad aprire la strada alla creatività astratta, a dare al pubblico l'opportunità di interpretare i simboli raffigurati nelle opere dei cubisti. Il cubismo nella pittura ha preparato la coscienza di massa di spettatori e artisti, fungendo da base per lo sviluppo di movimenti di arte astratta come il futurismo, il costruttivismo e molto altro.

padre avanguardia teatrale Alfred Jarry è considerato l'autore dell'opera teatrale King Ubu, rappresentata per la prima volta nel 1896 sul palcoscenico del teatro simbolista "Creatività" di Parigi. I parigini, cresciuti nel classicismo, rimasero scioccati dallo stile osceno e perplessi dalla forma insolita dell'opera. Molti storici del teatro sostengono che Alfred abbia dato vita a tutti i movimenti teatrali d'avanguardia del XX secolo: il surrealismo, l'assurdità e il "teatro della crudeltà". In Russia, questa commedia non è stata praticamente messa in scena, nel 2001 è stata rappresentata da uno dei teatri di Mosca.

Tutti i rappresentanti delle avanguardie erano favorevoli alla riforma del teatro, ma i futuristi, guidati da F.T. Le loro teorie teatrali hanno influenzato tutte le successive regie teatrali europee nel XX secolo. Il futurismo italiano e il dadaismo hanno radici comuni: l'opera di A. Jarry. .

Futuristi e dadaisti hanno messo in discussione il sistema teatrale contemporaneo. Nuovo soluzioni teatrali futuristi sostanziati in dodici manifesti teorici. La loro critica è iniziata con una condanna del primato della drammaturgia in arte teatrale, che era considerata violenza contro il gioco, un elemento creativo gratuito. Nel Manifesto, i futuristi hanno annunciato la creazione di un nuovo teatro: improvvisato, dinamico, surreale. Hanno preso la priorità dalla parola, l'elemento principale del teatro accademico, e l'hanno data all'azione fisica. Il posto della drammaturgia era occupato da brevi commedie senza parole, in cui c'erano scheletri di scene, ma non c'era logica dell'azione, sviluppo psicologico dell'immagine. Successivamente, nella seconda metà del XX sec. sorse il teatro plastico dell'artista. Sia il futurismo che il dadaismo erano scettici riguardo alla principale conquista dell'inizio del XX secolo. - teatro del regista. Nel regista hanno visto un borghese dall'arte. Rifiutavano anche la posizione dell'attore, considerato nient'altro che un oggetto sulla scena, come un tavolo o una sedia.

Come si manifesta l'avanguardia della musica?

Passando ad un discorso sulla musica, è particolarmente interessante notare come in un tempo relativamente breve siano sorte queste innovazioni musicali punti diversi del globo, tra compositori che non avevano alcun contatto tra loro, quindi non si può parlare qui della "influenza maligna di un apostata dalle norme musicali secolari", che, "violando le leggi della musica", e poi convertito gli altri suoi colleghi alla sua fede. Come sapete, autori come Scriabin, Schoenberg, Stravinsky, Bartok, Ives, Roslavets, Lurie e altri hanno agito in modo assolutamente indipendente e sono giunti a risultati tanto contrastanti tra loro quanto simili tra loro per coraggio, inventiva e separazione. dal linguaggio musicale del passato. Si può dire che la cosa più importante che accomuna tutti questi compositori dissimili è l'ascolto dei processi cosmici che invadono lo spazio di quel tempo. Ed è stato questo fattore che si è rivelato decisivo nella loro formazione estetica. Il percorso di sviluppo del linguaggio musicale di fine Ottocento. è stato drammatico e commovente. Come sempre nell'arte, alcuni sistemi diventano obsoleti e nuovi prendono il loro posto. Questa è l'essenza dell'avanguardia. Nell'avanguardia musicale russa si dovrebbero distinguere due generazioni fondamentalmente diverse: l'avanguardia degli anni '10-'20 e l'avanguardia degli anni '60-'80. Sebbene vi sia una certa continuità tra di loro, non è significativa.

Avanguardia 1910-1920

I ricercatori notano che la prima avanguardia musicale è un fenomeno molto eterogeneo. La cosa principale qui era la ricerca di una sorta di "nuova visione del mondo", "visione del mondo del suono". In linea con il "nuovo mondo dell'udito", molte categorie musicali di base sono state ripensate: suono, sistema di intonazione, timbro, armonia, ecc. Quasi tutti i primi artisti d'avanguardia in un modo o nell'altro stavano aggiornando il tradizionale sistema di temperamento e inventando nuovi sistemi di divisione del tono. In connessione con il rinnovamento del temperamento, è emersa la questione di un nuovo atteggiamento nei confronti del suono. Idealmente, le avanguardie si sono sforzate di inventare nuovi strumenti o dispositivi corrispondenti a questo approccio: il famoso theremin (il primo strumento elettroacustico al mondo costruito dall'ingegnere L.S. ” e “Crystal”. Questi strumenti hanno dato una sonorità fondamentalmente nuova, ma altrettanto spesso sono stati fatti tentativi per "migliorare" i pianoforti tradizionali, l'organo e applicare loro nuove tecniche di esecuzione.

Una delle creazioni del movimento d'avanguardia nella musica del XX secolo è stata la dodecafonia. L'autore di questa tecnica era Arnold Schoenberg, un compositore austriaco, creatore della "Nuova Scuola di Vienna", un insegnante che insegnava a studenti eccezionali come Anton Webern, Alban Berg e altri.

La dodecafonia ha sostituito il sistema diatonico a noi familiare. L'essenza del sistema diatonico è quella dei 12 suoni che l'orecchio europeo distingue (il cosiddetto sistema temperamentale), puoi prenderne solo 7 e costruire una composizione basata su di essi. Sette suoni formavano una tonalità. Ad esempio, la tonalità più semplice in do maggiore utilizza la ben nota scala: do, re, mi, fa, salt, la, si. In poche parole, questo tasto utilizza solo i tasti bianchi del pianoforte. La tonalità di do minore differisce in quanto invece di mi appare mi bemolle. Cioè, nella tonalità di do minore, non è più possibile utilizzare un semplice mi, ad eccezione delle cosiddette modulazioni, cioè transizioni a una tonalità correlata che differisce da quella originale per diminuzione o aumento di mezzo tono. A poco a poco verso la fine del XIX secolo. le modulazioni divennero sempre più audaci, i compositori, nelle parole di Webern, "cominciarono a concedersi troppo". E ora il contrasto tra maggiore e minore cominciò gradualmente a svanire. Inizia con Chopin, è già chiaramente visibile in Brahms, e la musica di Gustav Mahler è costruita su questo. All'inizio del ventesimo secolo. I compositori di Novye che hanno sperimentato la forma musicale hanno raggiunto un vicolo cieco. Si è scoperto che puoi comporre musica usando tutti e dodici i toni: era il caos, un doloroso periodo di atonalità.

C'erano due percorsi opposti per uscire dal caos musicale. Il primo è la complicazione del sistema diatonico attraverso la politonalità, cioè attraverso la simultaneità del suono - Stravinsky, Hindemith, Shostakovich. La seconda, dura strada è stata intrapresa dalla Nuova Vienna, e questa è stata la creazione di un intero sistema da un frammento del vecchio sistema.

Il fatto è che entro la fine del diciannovesimo secolo. cadde in declino non solo il principio diatonico, ma anche la stessa armonia classica viennese, cioè il principio secondo il quale c'è una voce che guida la melodia, ma c'è un accompagnamento. Nella storia della musica, l'armonia viennese è stata preceduta dal contrappunto, o polifonia, dove non esisteva una gerarchia di melodia e accompagnamento, ma più voci uguali.

I Novovenet tornarono in gran parte al sistema del rigoroso contrappunto pre-Bach. Abbandonando l'armonia come principio, furono più facilmente in grado di organizzare la musica in un modo nuovo. Senza abbandonare l'uguaglianza dei 12 toni (atonalismo), Schoenberg ha introdotto una regola secondo la quale, quando si compone una composizione, deve passare una sequenza di tutti i 12 toni non ripetuti, dopodiché potrebbe essere ripetuta e variata, cioè essere 1 ) diretto; 2) rakhodnaya, cioè andare dalla fine all'inizio; 3) capovolto, cioè come se capovolto rispetto all'orizzontale, e 4) capovolto in una conchiglia. Il compositore aveva quattro serie nel suo arsenale. Questo era, ovviamente, molto poco. Fu poi introdotta una regola secondo la quale la serie poteva partire da qualsiasi passo, conservando solo la sequenza originaria di toni e semitoni. Quindi 4 serie, moltiplicate per 12 toni di temperamento, hanno dato 48 possibilità. Questa è l'essenza della musica a 12 toni. La sua base è l'uguaglianza di tutti i suoni.

L'avanguardia russa come fenomeno artistico del XX secolo

L'avanguardia russa è un termine generico per un fenomeno artistico significativo che fiorì in Russia dal 1890 al 1930, sebbene alcune prime manifestazioni risalgano al 1850 e successivamente agli anni '60. Il fenomeno dell'arte del XX secolo, definito con il termine "avanguardia russa", non corrisponde a nessun programma o stile artistico particolare. Questo termine è infine assegnato alle tendenze innovative radicali che hanno preso forma nell'arte russa negli anni prebellici - 1907-1914, venendo alla ribalta durante gli anni della rivoluzione e raggiungendo la maturità nel primo decennio post-rivoluzionario. Le varie correnti dell'avanguardia artistica sono accomunate da una rottura decisiva non solo con le tradizioni accademiche e l'estetica eclettica del XIX secolo, ma anche con la nuova arte dello stile Art Nouveau - dominante a quel tempo ovunque e in tutte le forme dell'arte dall'architettura e dalla pittura al teatro e al design. Comune all'avanguardia russa era un rifiuto radicale del patrimonio culturale, una completa negazione della continuità nella creatività artistica e una combinazione di principi distruttivi e creativi: lo spirito del nichilismo e l'aggressività rivoluzionaria con energia creativa volta a creare una cosa fondamentalmente nuova in arte e in altri ambiti della vita.

I principali rappresentanti di questa tendenza in Russia sono V. Malevich, V. Kandinsky, M. Larionov, M. Matyushin, V. Tatlin, P. Kuznetsov, G. Yakulov, A. Exter, B. Ender e altri.

Tutte le correnti dell'arte d'avanguardia sono infatti caratterizzate dalla sostituzione del contenuto spirituale con il pragmatismo, l'emotività con il calcolo sobrio, l'immaginario artistico con la semplice armonizzazione, l'estetica delle forme, la composizione con la costruzione, le grandi idee con l'utilitarismo. Il massimalismo russo tradizionale, che si manifestò chiaramente nel movimento degli Erranti e degli "anni Sessanta" del XIX secolo, fu solo rafforzato dalla rivoluzione russa e portò al fatto che la Russia sovietica è considerata la culla dell'arte d'avanguardia in tutto il mondo il mondo.

La nuova arte conquista con sfrenata libertà, affascina e affascina, ma allo stesso tempo testimonia il degrado, la distruzione dell'integrità del contenuto e della forma. L'atmosfera di ironia, gioco, carnevalismo e mascherata insita in alcune tendenze dell'arte d'avanguardia non solo maschera, ma rivela piuttosto una profonda discordia interiore nell'anima dell'artista. L'ideologia dell'avanguardia porta in sé una forza distruttiva. Negli anni '10, secondo N. Berdyaev, in Russia stava crescendo una "generazione di teppisti".

L'avanguardia mirava a una trasformazione radicale della coscienza umana per mezzo dell'arte, a una rivoluzione estetica che avrebbe distrutto l'inerzia spirituale della società esistente, mentre la sua strategia e tattica artistica utopica era molto più decisa, anarchica e ribelle. Non soddisfatta della creazione di squisiti "centri" di bellezza e mistero, opponendosi alla vile materialità dell'essere, l'avanguardia ha introdotto nelle sue immagini la ruvida materia della vita, la "poetica della strada", il ritmo caotico del moderno città, natura, dotata di una potente forza creativa e distruttiva. Più di una volta ha enfatizzato in modo dichiarativo il principio di "anti-arte" nelle sue opere, rifiutando così non solo i primi stili più tradizionali, ma anche il concetto consolidato di arte nel suo insieme.

Lo spettro delle tendenze d'avanguardia è eccezionale. Le trasformazioni hanno coperto tutti i tipi di creatività, ma le belle arti hanno costantemente agito come iniziatore di nuovi movimenti. I maestri del postimpressionismo hanno predeterminato le tendenze più importanti dell'avanguardia; il suo fronte iniziale era delineato da esibizioni di gruppo di rappresentanti del fauvismo e del cubismo. Il futurismo rafforzò i contatti internazionali delle avanguardie, introdusse nuovi principi per l'interazione delle arti (arte, letteratura, musica, teatro, fotografia e cinema). Negli anni 1900-10, le nuove tendenze nascono una dopo l'altra. Espressionismo, Dadaismo, Surrealismo con la loro sensibilità all'inconscio in psiche umana ha segnato la linea irrazionale dell'avanguardia, nel costruttivismo, al contrario, si è manifestata la sua volontà razionale, costruttiva. Non tutte le correnti dell'avanguardia europea hanno trovato riflesso nell'avanguardia russa. Correnti come il dadaismo, il surrealismo, il fauvismo e alcuni altri erano tipici solo dell'Europa.

Durante le guerre e le rivoluzioni degli anni '10, l'avanguardia politica e artistica ha interagito attivamente. Le forze di sinistra in politica hanno cercato di utilizzare l'avanguardia per i loro scopi di agitazione e propaganda, in seguito i regimi totalitari (principalmente in Germania e URSS) hanno cercato di sopprimerla con una rigida censura, guidando l'avanguardia nella clandestinità.

Nelle condizioni del liberalismo politico, a partire dagli anni '20, l'avanguardia ha perso il suo antico pathos di confronto, stringendo un'alleanza con la modernità, stabilendo un contatto con cultura popolare. La crisi dell'avanguardia, che a metà del XX secolo aveva ampiamente esaurito la sua precedente energia "rivoluzionaria", è stata un incentivo per la formazione del postmodernismo come sua principale alternativa.

Il 1917 ha cambiato tutto. Non è diventato subito ovvio. I primi 5 anni - l'eroico quinquennio 1917-1922 - lasciavano ancora spazio alla speranza. Ma presto le illusioni svanirono. Iniziò il dramma della distruzione del grandioso bastione dell'arte modernista, creato in Russia da genio e fatica, manifesti e accese discussioni di maestri di fama mondiale. A cavallo degli anni '20 e '30, le tendenze non realistiche furono completamente bandite; alcuni artisti sono partiti per altri paesi; altri furono repressi o, cedendo alla crudele inevitabilità, abbandonarono la ricerca dell'avanguardia. Nel 1932 numerose associazioni artistiche furono definitivamente chiuse; le autorità hanno creato un'unica Unione degli artisti.

Si può concludere che l'avanguardia russa è in realtà un fenomeno del XX secolo, poiché prima di essa nessun altro stile artistico aveva osato sfidare così l'arte tradizionale.

Conclusione

Dopo aver studiato questo argomento, possiamo tranquillamente affermare che l'intero ulteriore sviluppo della musica del XX secolo è stato determinato dall'esplosione creativa dell'inizio del secolo. La manifestazione di una nuova esperienza estetica all'inizio del secolo può essere paragonata a questo passaggio dal mondo a due al mondo a tre dimensioni. Ci sono due possibili spiegazioni del fenomeno dell'impennata artistica del primo Novecento: la prima è un miracolo e un fenomeno provvidenziale, e la seconda è il progressivo accumulo di ricchezza spirituale, che un giorno si è improvvisamente manifestato in questo modo. Dopotutto, l'alta cultura che l'ha preceduta è stata il terreno nutritivo per la Nuova Cultura. Schoenberg non avrebbe mai potuto formarsi come Schoenberg se non fosse cresciuto nelle tradizioni di Bach, Beethoven, Wagner e Brahms. Questa idea è abbastanza rilevante per la letteratura e la pittura.

Ipotesi che l'emergere di nuove visioni filosofiche scientifiche provoca una varietà di nuove tendenze nella vita culturale di una persona, come espressione della filosofia della vita, la visione del mondo di una persona è vero. Ciò ha confermato la conoscenza dei dipinti di artisti, opere musicali e creazioni poetiche.

Lavorare a questo progetto mi ha aiutato ad ampliare la mia comprensione di vari tipi di arte, ha contribuito a una più profonda comprensione della cultura del primo Novecento. Aiutato a vedere e imparare molte cose interessanti composizioni musicali, opere letterarie e pittoriche

Sulla base dei risultati del lavoro sul progetto, ho presentato una presentazione e un racconto sulle avanguardie del primo Novecento davanti agli studenti del mio gruppo in classe letteratura musicale. I ragazzi hanno mostrato interesse per il mio progetto ed erano molto interessati alle informazioni che ho offerto.

Linea di fondo attività del progettoè stata la creazione di una presentazione al computer, che ha dimostrato che il materiale sullo studio delle opere d'avanguardia ha contribuito non solo alla mia crescita intellettuale, ma ha anche attivato la mia immaginazione, ispirazione, realizzando il mio potenziale creativo.

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caricamenti -> Lavoro di ricerca Situazione ecologica nelle foreste della silvicoltura di Arsky sull'esempio della silvicoltura del distretto di Baltasinsky

Vasilij Kandinskij. Pittura circolare. 1911 Museo Nazionale Georgia

Una delle direzioni principali dell'avanguardia. A differenza dell'arte tradizionale, non imita la realtà e non ne riproduce gli elementi. L'oggetto dell'arte astratta è la cassetta degli attrezzi dell'artista: colore, linea e forma. Le prime opere astratte furono create da Wassily Kandinsky tra la fine del 1900 e l'inizio degli anni '10; La prima opera astratta è considerata la sua "Picture with a Circle" (1911). Nel 1912-1915 apparvero i sistemi pittorici astratti del luchismo (Larionov, 1912) e del suprematismo (Malevich, 1915).

Avanguardia

Inizialmente, il termine era usato negli affari militari e in relazione a eventi politici- fino a quando nel 1885 il critico francese Théodore Duret lo utilizzò critica d'arte. Tuttavia, in questo senso la parola non ha messo radici. Solo negli anni Cinquanta tornò alla storia dell'arte grazie al critico francese Michel Sefort, che per la prima volta definì l'arte russa del primo Novecento avanguardia.

Totalità

Il termine fu coniato nella primavera del 1913 da Ilya Zdanevich, artista, scrittore, editore e giornalista. Le idee artistiche ed estetiche di Mikhail Larionov e degli artisti della sua cerchia hanno costituito la base dell'onnipotenza: nel catalogo della mostra "Target" ha riconosciuto tutti gli stili esistenti: cubismo, futurismo, orfeismo e altri. Il 5 novembre dello stesso anno, Zdanevich ha presentato pubblicamente il suo concetto a Mosca alla chiusura della mostra di Natalia Goncharova. La conferenza si chiamava "Natalia Goncharova and All-Happiness". Successivamente, Zdanevich andò a San Pietroburgo per propagare lì le idee di onnipotenza in conferenze e dibattiti. Queste esibizioni erano caratteristiche del carattere oltraggioso dell'avanguardia. Così, alla fine della performance "Face Painting" il 9 aprile 1914, Zdanevich si dipinse il viso con vernice nera, e il 17 aprile dello stesso anno, all'azione "Worship of the Shoe", negò tutto ciò che era considerata bella, e cantava la bellezza della scarpa, “bella, come le macchine e i motori”.

pittura di recinzione

Il richiamo alle trame e allo stile delle iscrizioni sui recinti è uno dei tratti più caratteristici dell'avanguardia e del neoprimitivismo. Questa direzione è particolarmente evidente nelle opere di Larionov del periodo neoprimitivista.

Costruttivismo

El Lisitsky. Progetto di un grattacielo vicino alle porte Nikitsky, vista da Tverskoy Boulevard charnelhouse.org

Dal latino constructio - "costruzione". Le caratteristiche principali del costruttivismo sono il rigore, la concisione e le forme geometriche. Lo stile fu ufficialmente designato nel 1922 nell'omonimo libro dell'artista e teorico dell'arte Alexei Gan. Tra i costruttivisti più famosi ci sono Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova, gli architetti Moses Ginzburg, Konstantin Melnikov e i fratelli Vesnin. Il costruttivismo si è diffuso nei più diverse aree creatività artistica: scenografie e costumi teatrali, design di libri, architettura, ecc.

Cosmismo

Lazar Khidekel. Città del futuro. Città fuori terra. 1927 newsfeed.kosmograd.com

Un concetto filosofico che ha avuto origine nel 1870 e si riferisce a filosofi e scienziati che hanno pensato allo spazio extraterrestre e al cosmo. L'arte non oggettiva, o astratta, ha contribuito allo sviluppo del cosmismo, mentre gli studenti di Malevich - l'artista Ivan Kudryashov e l'architetto Lazar Khidekel - hanno sviluppato l'aspetto cosmico della non oggettività geometrica e le idee del cosmismo.

Cubismo

Giorgio Braque. Violino e candelabro. 1910 Museo di arte moderna di San Francisco

Il cubismo si è formato in Francia nell'autunno del 1908 nelle opere di Georges Braque e Pablo Picasso. Penetra in Russia in modi diversi. Così, l'artista Alexandra Exter porta regolarmente varie informazioni sul nuovo stile alla moda da Parigi, e nel 1908 il collezionista Sergei Ivanovich Shchukin apre a tutti la sua villa in Bolshoy Znamensky Lane. Tra le altre cose, la collezione contiene opere dei cubisti e futuri tamburelli visitano regolarmente la galleria. Nel 1912, un articolo dell'artista e poeta David Burliuk "Cubism" fu pubblicato nella raccolta "A Slap in the Face of Public Taste". Il cubismo, scrive, implica una comprensione piatta del mondo o un canone di una costruzione spostata, e la sua tecnica più importante è la rappresentazione di un oggetto da diversi punti di vista. Tre anni dopo, nel manifesto “Dal cubismo al suprematismo”, Kazimir Malevich definisce l'essenza del movimento come “dissonanza” risultante dall'“incontro di due forme”: “Nel principio del cubismo, c'è ancora un compito molto prezioso , non per trasferire oggetti, ma per fare un'immagine.<...>Nella nostra era del cubismo, l'artista ha distrutto la cosa in quanto tale, con il suo significato, essenza e scopo.

cubofuturismo

Natalia Goncharova. Fabbrica. 1912 Museo Statale Russo

Per la prima volta questo concetto fu utilizzato nel 1912 dal critico francese Marcel Boulanger, e l'anno successivo il termine si diffuse nella cultura russa. Il gruppo poetico-artistico "Gileya", così come gli artisti del circolo dell '"Unione della Gioventù" si considerano Cubo-Futuristi. Nelle opere cubofuturistiche il mondo appare frammentato in frammenti o scomposto in elementi. Nel novembre 1913, Malevich definisce le sue opere cubo-futuristiche nel catalogo della mostra Union of Youth. Nel 1912-1913 apparve il dipinto cubo-futuristico di Natalia Goncharova ("Fabbrica").

sinistra arte

Alexander Rodchenko. Opzione copertina rivista
"Lef" "Lef"- "Left Front", una rivista pubblicata a Mosca nel 1923-1925, caporedattore - Vladimir Mayakovsky. Diverse stanze sono decorate da Alexander Rodchenko.(cartone animato di O. Brik). 1924 Museo di Stato belle arti loro. AS Pushkin

Nella primavera del 1915, dopo l'Esposizione dei dipinti delle correnti di sinistra a Pietrogrado, il termine "arte di sinistra" insieme al concetto di "futurismo" iniziò ad essere applicato all'arte innovativa. Tre federazioni furono create nel 1917; uno di loro si chiamava "di sinistra" e univa la maggior parte degli artisti d'avanguardia. Nel 1919 il termine cambiò significato: ora si chiama artisti non obiettivi e proletari. All'inizio degli anni '20, quest'ultimo formò un gruppo attorno alla rivista Lef.

Lineismo

Alexander Rodchenko. Design lineare n. 108. 1920 monoskop.org

Nel 1919, il termine fu inventato da Alexander Rodchenko, denotando una delle correnti nell'arte non oggettiva. "Introdotto e annunciato la linea come elemento di costruzione e come forma indipendente di pittura", ha scritto nel Manifesto del primo costruttivismo.

Raggismo

Mikhail Larionova. Gallo (studio radiante). 1912

Uno dei primi sistemi di pittura non oggettivi sviluppati da Mikhail Larionov. Il rayonismo, credeva Larionov, dovrebbe collegare il mondo materiale visibile e il mondo spirituale in un'unica armonia. L'artista ha creato le prime opere luchiste nel 1912, e allo stesso tempo sono state esposte alle mostre del mondo dell'arte. Nel 1913 e nel 1914, il dipinto luchista di Larionov fu esposto alle mostre Target e Number 4. Il realismo realistico è caratterizzato da trame animalesche. Per la fase successiva del rayonismo - pneumorayismo - l'uso di altre tecniche (ad esempio inserti in cartapesta, segni come note, croci, ecc.).

orientalismo

Una parte importante del programma degli artisti prime avanguardie. L'influenza dell'arte orientale si rifletteva principalmente nelle teorie e nei manifesti e attirava gli artisti d'avanguardia più con trame e temi che con tecniche. Ciò che era importante era l'immersione stessa nell'atmosfera d'Oriente, e non lo studio delle caratteristiche dell'arte. La giustificazione teorica dell'orientalismo è stata sviluppata da Mikhail Larionov e Ilya Zdanevich. Ed è stato proprio l'amore per l'Oriente a diventare la ragione della rottura di Larionov con il "Fante di quadri" - l'artista ha accusato i suoi membri di imitativo occidentalismo. Tuttavia, verso la metà degli anni '10, il tema dell'Oriente fu dimenticato e l'orientalismo si era esaurito.

Primitivismo

Mikhail Larionova. Primavera. Stagioni (Nuovo primitivo). 1912 Galleria Statale Tretyakov

La direzione delle prime avanguardie russe (fine '900 - inizio '10). Tra le caratteristiche del primitivismo ci sono le forme infantili e infantili e le proporzioni delle figure, la goffa plasticità, l'imitazione del disegno amatoriale e l'ingenua favolosità. Il ruolo fondamentale qui è stato svolto facendo affidamento sulla tradizione nazionale, su campioni di antichi e arte popolare, prima di tutto, l'icona, stecca, scultorea arcaica. Per la prima volta, la parola è stata usata dal poeta e critico Sergei Makovsky in un articolo sulla mostra Blue Rose: “Sono araldi del primitivismo a cui è arrivata la pittura moderna, cercando la rinascita proprio alle sorgenti - nella creatività diretta, non esaurito dal peso dell'esperienza storica.<...>Il primitivismo cosciente moderno, inteso come compito principale, è l'ultima vittoria della liberazione artistica. Nell'estate del 1907, il termine fu utilizzato anche nell'annuncio della mostra Burliuk a Kherson.

Suprematismo

Kazimir Malevich. Senza titolo. Intorno al 1916 Fondazione Solomon R. Guggenheim Collezione Peggy Guggenheim, Venezia

Così nel dicembre 1915 Malevich descrisse le sue opere esposte all '"Ultima mostra futurista" 0,10 "". Il suo "Black Square" ha aperto un nuovo campo di esperimenti: una forma puramente geometrica non oggettiva. All'inizio del 1920, Malevich partì per insegnare a Vitebsk, e lì il suprematismo divenne la base della nuova pedagogia di Unovis - "Affermativi della nuova arte".

Futurismo

Giacomo Balla. Velocità + suono. 1913-1914 Fondazione Solomon R. Guggenheim Collezione Peggy Guggenheim, Venezia, 1976

Dal futuro italiano - "futuro". Il Futurismo nasce in Italia nel 1909 grazie a Filippo Tommaso Marinetti e si diffonde in tutti gli ambiti della creatività artistica. La base del futurismo è un nuovo linguaggio dell'arte, corrispondente al mondo cambiato. Secondo David Burliuk, artisti e scrittori russi iniziarono a usare il termine nel 1911. Gli stessi futuristi, tuttavia, a quel tempo si definivano futuristi o futuristi. I gruppi più vicini al futurismo erano Donkey Tail e Youth Union. Il futurismo era particolarmente popolare nella pittura russa fino al 1914.

La stessa parola avanguardia deriva dal vocabolario militare, dove denota un piccolo distaccamento d'élite che irrompe nel territorio nemico di fronte all'esercito principale e gli apre la strada, e il significato storico artistico di questo termine, come neologismo, è usato Alessandro Benois(1910), acquisito nei primi decenni del Novecento. Da allora, l'avanguardia classica è stata chiamata l'insieme di movimenti, tendenze e scuole artistiche eterogenee e diversamente significative che sono nate in seno al classico o, in altre parole, Primo Modernismo e hanno manifestato la loro ribelle opposizione sia al modernismo contemporaneo norma e, in particolare, l'idea tradizionale dell'art. , i suoi compiti e le sue forme. “Il modernismo”, osserva oggi Lev Rubinshtein, “come se accettasse i valori fondamentali dell'arte tradizionale, ma fosse impegnato nel rinnovamento dei mezzi artistici per risolvere i cosiddetti compiti eterni dell'arte. In questo senso, è lo stesso arte tradizionale, ma ripreso con un nuovo linguaggio per descrivere lo stesso. L'avanguardia, invece, crea sempre un'altra arte, non rinnova i suoi mezzi, ma l'oggetto stesso dell'arte. Questi principi, ad es. radicalismo dimostrativo, e spesso aggressivo, "la dominante della non tradizionalità", che Alexei Zverev ha individuato come la "principale caratteristica distintiva" dell'intero fenomeno nel suo insieme, nonché il salto dall'ambientazione per ricreare la realtà in riconoscibili e vitalmente forme autentiche alla sua totale deformazione analitica, l'avanguardia ha conservato e nel suo nuovo avvento, che, essendo una reazione esteticamente tagliente al secondo periodo del modernismo nel nostro paese, ha coinciso nel tempo con il breve ma tempestoso trionfo del “ controcultura” nella pratica artistica occidentale.

Ora l'avanguardia è “archiviata”, per usare il termine di Boris Groys, non meno del modernismo o, diciamo, del classicismo. Ma poiché i rivoluzionari dell'arte, con un entusiasmo che non si è raffreddato in un secolo, sono ancora pronti a esclamare: "L'avanguardia è morta, ma io sono ancora vivo!" Ha senso, in primo luogo, inventariare geneticamente caratteristiche comuni e i segni di questo fenomeno nel suo insieme e, in secondo luogo, rilevare le differenze tra l'avanguardia classica e quella che, risorta negli anni Cinquanta e Sessanta e poi entrata in un drammatico rapporto di alleanza-ostilità con il postmodernismo, è sembrava ancora moderno.

Quindi, se parliamo di costanti, dovrebbero includere:

• a) la preferenza incondizionata per l'espressività rispetto al pittorialismo, e il processo creativo - per i risultati creativi, che nel campo del teatro porta al culto delle prove con Anatoly Vasiliev, nel campo del cinema - a riprese estenuanti con Alexei German e Yuri Nordshtein, e nel campo della letteratura - alla priorità delle bozze rispetto ai “capolavori” già replicati (la leggendaria federa di Khlebnikov imbottita di manoscritti è una capiente metafora di questo discorso);
• b) il rifiuto della tradizionale divisione della letteratura in professionale e non professionale, accompagnato da un energico rifiuto di tutto ciò che viene etichettato come "accademico", "museale" e, al contrario, un interesse creativo per il folklore (principalmente esotico ), arte ingenua, grafomania, creatività dei bambini, dei malati mentali, degli alcolisti e dei tossicodipendenti;
• c) un atteggiamento consapevole, e talvolta scioccante, nei confronti dell'“incomprensibilità” come mezzo per superare (o distruggere) l'automatismo della percezione estetica, quindi, secondo Maxim Shapir, “l'incomprensione, totale o parziale, entra organicamente nell'artista d'avanguardia piano e trasforma il destinatario da soggetto della percezione in un oggetto, in una cosa estetica ammirata dal suo creatore-artista”;
• c) il desiderio di offuscare i confini tra diversi generi e, inoltre, singoli tipi di arte, culminando in forme ibride come la poesia visiva (compreso il vuoto) e quella sonora;
• d) un approccio "ingegneristico" alla combinazione di materiali che sembrano essere capitati accidentalmente sotto il braccio e l'uso nella propria pratica dei risultati del progresso scientifico e tecnologico, nonché, come sottolinea Boris Groys, - la volontà e " capacità di dare valore ad un oggetto che “non merita”, cioè non ha valore in sé, prima ea prescindere dalla sua elezione ad artista” (il famoso water portato da Marcel Duchamp al Louvre e le lenzuola sgualcite e leggermente sporche che Sergey Provorov e Ignat Filippov collocano come poesia visiva sono esteticamente sinonimi in questo rispetto);
• e) la ricerca del proprio genere, tecnica o tecnica “certificata”, che nella mente del pubblico e nella memoria della cultura sarà d'ora in poi strettamente associata a questo e a nessun altro nome (così, il biglietto da visita di Dmitry Avaliani girafoglie, Alexander Gornon è interessato esclusivamente alla fonosemantica e Lev Rubinstein è colui che scrive poesie su schede);
• f) pathos attivo di costruzione della vita, perché le biografie per gli artisti d'avanguardia non sono meno oggetto di manipolazione delle opere d'arte, e giustamente in questo senso si dice di Dmitry Aleksandrovich Prigov che la propria immagine è il suo più alto risultato creativo;
• e) la natura oltraggiosa e scandalosa della presentazione da parte di artisti d'avanguardia di se stessi e delle loro opere, a causa della quale queste presentazioni sono spesso interpretate come spettacoli teatrali o spettacoli.

Tutto quanto sopra indica che, nella sua stessa immersione nel contesto caotico, esteticamente flaccido ed eticamente scoordinato del postmodernismo, che è già avvenuto nel nostro secolo, con la sua totale ironia e rifiuto fondamentale di qualsiasi definizione di obiettivi, sia nell'arte che nel vita, l'avanguardia ha dovuto subire una seria trasformazione. Ha sofferto - perdendo quasi completamente il suo utopismo e l'impulso rivoluzionario a riorganizzare non solo l'arte, ma anche la realtà. Forse questo è accaduto perché, come dice non senza ironia Boris Groys, “ai tempi di Stalin, era davvero possibile realizzare il sogno dell'avanguardia e organizzare l'intera vita della società in forme d'arte unificate, anche se, ovviamente, non in quelli che sembravano desiderabili all'avanguardia stessa". Comunque sia, "gli artisti d'avanguardia di oggi non hanno ereditato le pretese messianiche, la volontà di potenza e la natura da tribuno di Majakovskij, ma il ruolo di Khlebnikov come privato," ometto "che, ovviamente, nomina lo" Zemshar presidenti”, ma non si oppone a questi ordini rimasti ineseguiti o fattibili solo in sogno. Le avanguardie o si nascondono al pubblico nei loro laboratori, aperti solo a una ristretta cerchia di iniziati (come Ry Nikonova o Viktor Sosnora), oppure, nel caso di una manifestazione pubblica, sono più simili a personaggi dello spettacolo che a un monumento a Mayakovsky o Svoboda sulle barricate.

È possibile che questa perdita di ambizioni sociali, quando il design della costruzione della vita è deliberatamente rivolto non alla società, ma solo alla propria immagine, sia stata una delle ragioni dell'emarginazione dell'avanguardia odierna, del suo allontanamento dalla zona di rischio artistico e al centro delle aspettative del lettore. Tuttavia, per citarne altri due possibili ragioni. Ecco la prima, formulata da Jan Shenkman, che ha osservato che “al lettore non piacciono gli esperimenti. Perché raramente ci riescono. Per uno sperimentatore di successo, ci sono quindici o venti vittime del progresso e della civiltà. I loro nomi sono immortali, la loro impresa è immortale. processo letterario quasi impossibile senza di loro. Letteratura - abbastanza. E sulla seconda ragione, il ricercatore di Novosibirsk E. Tyryshkina ha detto delicatamente: "Il momento della maestria nell'avanguardia è ridotto" e, si può anche presumere, si riduce anche il concetto di talento, talento creativo, che alla fine - chi discuterà? - decidono assolutamente tutto nell'arte.

È generalmente accettato che la tendenza d'avanguardia nell'arte sia nata nel ventesimo secolo. Ciò è indicato da tutte le fonti autorevoli moderne. Leggiamo nel dizionario delle parole straniere: "avant-garde (fr. avant-gardisme) - avant-garde - il nome di una serie di tendenze nell'arte del ventesimo secolo, rompendo con le norme e le tradizioni realistiche esistenti, aggiornando i mezzi espressività artistica. Le avanguardie vedono l'arte come una speciale sfera estetica priva di significato sociale; il rinnovamento formale dei mezzi di espressione artistica è di fondamentale importanza.

Nel Dizionario enciclopedico sovietico: “L'avanguardia (francese Avant-gardisme) è un movimento nella cultura artistica del XX secolo, che rompe con le norme e le tradizioni esistenti, trasformando la novità dei mezzi espressivi in ​​​​un fine a se stesso. L'avanguardia è strettamente correlata al modernismo e riflette una visione del mondo individualistica anarchico-soggettivista. I principi dell'avanguardia furono adottati da movimenti letterari e artistici come l'espressionismo, il cubismo, il futurismo, il dadaismo, il surrealismo. È stato accolto anche da "letteratura del flusso di coscienza", "nuovo romanzo", dramma assurdo e altri".

Nel Dizionario enciclopedico umanitario: “L'avanguardia (avanguardia francese - distacco in avanti) è un movimento nella cultura artistica del XX secolo, che rompe con i principi e le norme stabilite dell'arte; sforzandosi di trovare mezzi espressivi fondamentalmente nuovi di linguaggio artistico e modi per influenzare il pubblico. L'avanguardia unisce una serie di correnti esteriormente diverse, la cui essenza estetica si riduce a una sostituzione apertamente dichiarata o nascosta della categoria estetica centrale con la bella categoria del nuovo, originale.

Quindi, le case editrici ufficiali, accademiche e autorevoli di enciclopedie ammettono all'unanimità che l'avanguardia, come movimento avanzato nella narrativa, è nata nel XX secolo. Sembra che nella nuova edizione della Great Russian Encyclopedia in venti volumi si riconoscerà anche, come si credeva prima, che la corrente dell'avanguardia, in quanto tale, sia sorta nel ventesimo secolo. É davvero? La domanda non è oziosa, poiché è noto che se si rompe qualche anello nel sistema dei valori artistici, ciò indica in un modo o nell'altro la debolezza dell'intera catena.

Per chiarire la domanda: l'avanguardia, come tendenza della cultura artistica, è nata davvero nel XX secolo? -- l'autore di questo articolo ha analizzato i processi di creatività poetica nella letteratura mondiale dal Rinascimento alla metà del XIX secolo, e ha anche analizzato la storia dello sviluppo dei testi poetici del passato dai tempi antichi. L'autore di questo articolo nel suo studio ha richiamato l'attenzione sul lavoro del poeta americano Walt Whitman. È passato più di un secolo e mezzo da quando Walt Whitman pubblicò il libro di poesie Foglie d'erba (4 giugno 1855). Il libro ha letteralmente scoraggiato i lettori americani, li ha storditi con coraggio e innovazione, ha emozionato il mondo dei giornali americani, e sull'autore sono piovuti rimproveri e accuse di tutti i peccati mortali; contro di lui si riversavano vasche di volgari parodie e insulti.

Ma chi è lui, questo parvenu, - i lettori erano perplessi, - e cosa si permette di fare? Questa è palese bestemmia contro i credenti. Finge di essere Dio. È semplicemente uno scribacchino immorale e impudente...

"Secondo Whitman, si scopre", ha scritto Lanier, "che se la prateria è vasta, allora la dissolutezza è encomiabile, e se il fiume Mississippi scorre in piena, allora ogni americano è Dio".

Nei suoi scritti, Walt Whitman ha dotato l'uomo peccatore dei tratti del Figlio di Dio. Non ha negato il suo impegno con tutti gli dei e gli dei che sono mai stati venerati e venerati sulla terra. Criticando la società perversa, la sua ipocrisia e ipocrisia, Whitman ha sostenuto che tutti sono uguali in essa. dignità umana con le virtù di tutta la vita sulla terra.

Le miniature di Whitman, scritte in libero (versi liberi), erano una scuola per molti immaginari anglo-americani: Richard Aldington, Hilda Doolittle, Ezra Pound, David Herbert Lawrence. Whitman fu seguito da Carl Sandburg, che adottò lo stile del suo lavoro e da Edgar Lee Masters.

L'innovazione di Whitman è stata applaudita dai poeti russi. I poeti russi non solo divennero suoi ammiratori, ma alcuni di loro nel loro lavoro poetico in alcuni casi, in un modo o nell'altro, seguirono l'esempio della sua avanguardia. Così, ad esempio, i temi spaziali di Fet sono indubbiamente ispirati alla poetica di Whitman. Whitman in "Song of Myself" esclama:

Grande sole splendente, quanto velocemente mi uccideresti

Se lo stesso sole non sorgesse in me...

Indubbiamente, sotto l'influenza di questo frammento, Fet si rivolge a Dio:

No, tu sei potente e incomprensibile per me

Il fatto che io stesso, impotente e istantaneo,

porto nel petto, come quel serafino,

Il fuoco è più forte e luminoso dell'intero universo...

I. S. Turgenev era affascinato dalle traduzioni poetiche di Whitman, sebbene non fossero state pubblicate da lui:

Batti, batti, tamburi! - Soffia, soffia, soffia!

Attraverso le finestre, attraverso le porte - irrompi come la forza sfacciata di persone spietate.

Il prototipo del nichilista Bazàrov nell'opera di I. S. Turgenev "Fathers and Sons" era Whitman. È noto che Whitman, durante la guerra del Nord e del Sud America, mentre lavorava in un ospedale militare, toccò la sua mano, su cui c'era un taglio, alla ferita in cancrena di un soldato, ricevette avvelenamento del sangue, e per il resto della sua vita fu costretto a letto, paralizzato. Nonostante ciò, Whitman è rimasto allegro. Altrettanto tragico si è rivelato il destino del Bazàrov di Turgenev, che ha sofferto di avvelenamento del sangue mentre assisteva il paziente.

All'inizio del XX secolo, Konstantin Balmont "toccò" la scuola poetica di Whitman. Poco dopo, in Russia apparve un'intera galassia di seguaci della scuola Whitman: Blok, Mandelstam, Mayakovsky. Era opinione diffusa che Mayakovsky avesse assunto da Whitman in generale il suo modo di scrivere poetico. A questo proposito, è apparso il noto epigramma ostile di Yesenin su Mayakovsky:

Eh, avventato! Ehi, caldo! Mayakovsky: mediocrità!

Il viso è nutrito con l'olio", ha spiegato Whitman.

Si può ritenere che all'inizio del XX secolo la direzione dell'avanguardia nella creatività poetica si sia sviluppata lungo due canali principali, la scuola di Whitman e la scuola di Nietzsche. Il simbolismo e l'acmeismo gravitavano maggiormente verso Nietzsche, mentre il Futurismo e l'Imagismo erano alimentati dalla fonte di Whitman. È anche degno di nota che le idee di Whitman furono accettate anche da alcuni gerarchi ortodossi. Quindi la nota espressione di Antonio di Surozh ripete esattamente l'idea di Whitman che "... L'uomo non trova la beatitudine da nessuna parte se non in se stesso, ma alla presenza di Dio".

Il libro di Walt Whitman "Leaves of Grass" ha stupito il mondo con coraggio e innovazione, ha influenzato radicalmente il processo di formazione della letteratura mondiale, è stato veramente all'avanguardia, nel senso più alto e più ampio del termine. Pertanto, il punto di partenza per l'emergere della poesia d'avanguardia mondiale non dovrebbe essere considerato il XX secolo, ma la metà del XIX secolo.

L'ulteriore sviluppo dell'arte d'avanguardia, anche in Russia, è ben noto fino ad oggi, compreso il suo stato attuale con l'avvento di nuova scuola miniatura assurda, il cui fondatore è un giovane scrittore di talento, Yuri Tuboltsev, originario della Russia, ora residente in Germania. Lettori della rivista “Conoscenza. Comprensione. Skill” conosce già il contenuto della sua “Poetics of Expanded Absurdity”, dall'articolo pubblicato “Yuri Tuboltsev e la miniatura letteraria dell'avanguardia”.

Yuri Tuboltsev è stato il primo a sentirsi situazione critica in letteratura e diresse immediatamente il vettore principale dei suoi sforzi creativi verso un nuovo punto di riferimento sconosciuto nell'avanguardia: l'assurdosofia, la filosofia dell'assurdità espansa. Affronterà il difficile compito di affermarsi sul conseguente punto d'appoggio su Internet e nella sfera letteraria tradizionale. L'avanguardia prende vita dalla vita stessa; la realtà stessa richiede la corrispondente creatività dei maestri della parola e, di regola, i giovani autori diventano i leader della nuova direzione. Yuri Tuboltsev intenzionalmente e con insistenza, superando abitudini indurite, entra nelle distese di un nuovo campo letterario. Il giovane autore ha molte bellezze estetiche espresse in modo insolito e grottesco. Poesie e miniature nella sua poetica dell'assurdo si distinguono per la loro versatilità e originalità nell'approccio al rapporto tra realtà e finzione. Le sue squisite opere in miniatura hanno un valore significativo sia in termini di parola artistica, e il loro scopo pratico; mostrano il lato inferiore di una menzogna completa, ipocrisia, disgusto, avidità, inaffidabilità di chi è al potere, ecc. I suoi temi riguardano la vita assurda moderna ("poetica dell'assurdità espansa"), dove rappresentanti figurativi ("eroi dei tempi dei maiali") abbondare.

Quindi, viene determinato il tempo dell'emergere della poesia d'avanguardia: la metà del diciannovesimo secolo, da mano leggera Walt Whitman (1855, Foglie d'erba). È stata anche definita la tendenza moderna della letteratura d'avanguardia: la "poetica dell'assurdità espansa", l'assurdosofia. Ma sorge un'altra domanda: la poesia d'avanguardia era conosciuta in un periodo storico precedente? Proviamo a penetrare nelle fonti più antiche della poesia: antichi sloka indiani (versi). Molte persone avanzate del nostro tempo nel periodo dell'attuale esacerbazione della crisi mondiale in civiltà europea in generale e nella spiritualità, nell'arte, nella cultura e nella letteratura in particolare, hanno pensato a tutto ciò che stava accadendo. È iniziata la delusione e un periodo di riflessione sul tema: "Dove possiamo andare dopo?" Sempre più spesso le persone iniziarono a rivolgere lo sguardo alla "Stella d'Oriente", la terra dell'antica Bharata, la culla dell'umanità. Volgiamo l'occhio della nostra mente e noi verso l'Oriente. Proviamo a trovare la risposta alla domanda che ci interessa: la poesia d'avanguardia era conosciuta nell'antichità sul territorio dell'India moderna?

La lingua Devanagari è la lingua più antica della terra. IN l'età d'oro dell'umanità, tutte le persone parlavano la stessa lingua devanagari, che era il sistema di scrittura sillabario originale, che fu trasformato nella lingua sanscrita. Somiglianza della lingua sanscrita con slavo sorprendente, soprattutto con le lingue slave orientali - in termini di fondo lessicale di base, struttura grammaticale, ruolo dei formanti e molti altri particolari. Come la lingua russa, le lingue sanscrito e devanagari hanno un'eccezionale ricchezza, flessibilità di suoni consonantici, come mezzo visivo della struttura sonora delle parole, che è solo in piccola parte caratteristica di altre lingue. La strumentazione e la struttura del suono di una frase sanscrita e russa possono differire in modo significativo dalla strumentazione e dalla struttura del suono delle sue parole costituenti, prese separatamente. Tali proprietà della lingua creano un mezzo di espressione artistica molto potente e originale, quasi non trasmesso nella traduzione. Questa è un'originalità molto importante inerente alla poetica della poesia russa e agli sloka poetici sanscriti.

Come la poetica russa, nella poesia sanscrita un ruolo importante appartiene alle rime interne, alle associazioni e alle allitterazioni come mezzi di espressione artistica. Sebbene tali tecniche poetiche, come mostrò Bryusov, fossero già ampiamente utilizzate da Pushkin, furono teoricamente sviluppate dai poeti della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo. Dei poeti russi, furono attentamente studiati da A. Bely, V. Bryusov; i simbolisti ei futuristi consideravano queste tecniche una conquista speciale della poetica moderna e le ostentavano ("... E le assonanze, come le sciabole, tagliano la rima in fretta", I. Severyanin). Tuttavia, non è affatto così. Tutte le tecniche menzionate erano già conosciute in tempi antichi. Erano perfettamente di proprietà dei poeti della Grecia e di Roma.

Basta chiedersi fino a che punto la poesia sanscrita, anche la poesia epica, usi in modo sottile e ponderato questo "ultimo grido di moda". Quale modernità e avanguardismo russo respira la poesia sanscrita. In monumenti epici come "The Tale of Rama", inseguiti nella forma e perfetti nel linguaggio, ci sono tutti i tipi di allitterazioni, rime interne. Le loro ricchezze sembrano essere inesauribili, "Lakshman's Motif" - su Sh, a volte - su L, con una varietà di strumentazione e varie variazioni di allitterazioni (poeti russi A. S. Pushkin, V. V. Mayakovsky, V. Ya Bryusov e altri). È anche opportuno qui parlare di "motivi caratteristici" in senso wagneriano, sviluppati con insolita complessità sia costruttiva che strumentale.

"The Tale of Rama" è un racconto poetico sulla padronanza della nuova terra da parte degli ariani, dove erano destinati a stabilire uno stato e una cultura per molti millenni. Rama è onorato come il fondatore dell'India ariana. Nel corso del tempo, il Ramayana ha assunto la forma del Mahabharata. Come esempio della presenza dell'espressione d'avanguardia nell'epopea del Mahabharata, citiamo un estratto dal canto della vedova sul campo di battaglia di Kurukshetra dopo la battaglia.

Vedova (recitativo)

Mio Signore Supremo,

Non ho ragione?!

Lascialo prendere vita

Senza un amico - sono morto ...

Non ho bisogno di un amico

Ho pane e sangue!

Non ho bisogno di un amico

Io il cielo del giorno!

Non c'è bisogno di portare un amico

Sono il colore della primavera!

Non ho bisogno di un amico

Sono felice e leggero!

Non ho bisogno di una casa

Campi e giardini!

Senza un amico, la mia vita

Non c'è bisogno! Non c'è bisogno!..

Lascialo vivere!

Sono morto senza un amico!

Mio Signore Onnipotente

Non ho già ragione?

E un altro esempio della presenza dell'avanguardia negli sloka sanscriti del Mahabharata: un estratto dall'opera teatrale "Vision of the Mahabharata" durante la battaglia sul campo di battaglia di Kurukshetra.

Perdere ruote e assali, e timone,

Scontrarsi nella battaglia del carro. E lo straniero

E quello locale, erano tormentati dal tormento.

Gli elefanti si schiantarono minacciosamente nel folto dei cavalieri.

Calpestare cavalli, carri e cavalleria.

E le frecce trafissero gli elefanti infuriati.

E gli elefanti caddero in un mucchio uno sopra l'altro,

E le contrade risuonavano dei loro ruggiti.

E la gente gemeva e i cavalli nitrivano.

E le valli tremarono e le vette tremarono,

I Pandava su Bhishma sono pieni di rabbia

Attaccarono con frecce a destra e a sinistra:

Afferra, rovescia, colpisci nella parte bassa della schiena! --

I combattenti gridarono, circondando il carro ...

E non c'era posto per Bhishma sul corpo,

Dove non brillerebbero le frecce, come ruscelli di pioggia b:

Spuntano come aghi in mezzo al sangue e allo sporco,

Come su un istrice ispido!..

Così Bhishma cadde davanti agli occhi della sua rati,

Cadde dal suo carro al tramonto.

A est cadde la testa, minacciosa -

Immortali e mortali udirono grida,

Cadendo al tramonto - su un campo insanguinato,

Ha dato coraggio e fermezza ai Pandava.

Ma questa, la più forte della famiglia, è una caduta,

Poi i Kaurava furono gettati nella confusione.

Quel tronco, si lamentavano, cadde dal carro,

Senza misura ha misurato il Kuru della frontiera.

Dalla battaglia distruttiva nella paura, indietreggiando,

Guerrieri di due accampamenti interni...

Sono senza scudi e acciaio bellicoso,

Attorno a Bhishma, il famoso guerriero d'acciaio...

Era circondato da amici e nemici,

Come il creatore del mondo è circondato da divinità

Onora l'uomo coraggioso, dimenticando il luogo,

I Pandava sono venuti con i Kaurava insieme!..

L'essenza del tragico conflitto nella filosofia indiana è risolverlo questione morale, e la vittoria è sempre dietro la Legge morale, dietro la Verità. (La stessa legge morale è stata stabilita dai nostri lontani antenati in Rus', ricordiamo il proverbio russo: Dio non è al potere, ma nella Verità). Per un esempio comparativo, diciamo: l'essenza della tragica collisione nella letteratura greca è la lotta di un principio personale e morale con il destino cieco, e il vantaggio rimane sempre con il destino. "Oh terra, Madre mia, oh eterno Etere, guarda che sofferenza sopporto da parte di Dio - innocente" - così finisce tragicamente la collisione del Prometeo incatenato - la personificazione dell'intera visione del mondo greca (Eschilo).

Un fatto interessante sono i parallelismi poetici dell'antico poema epico indiano "Ramayana" con l'opera del genio della poesia russa A. S. Pushkin. Colpisce la completa coincidenza dello schema de "Il racconto di Rama" con lo schema di "Ruslan e Lyudmila" di Pushkin (lo stregone rapisce la moglie, il marito trova lo stregone, litiga con lui e restituisce la moglie). Sarebbe di grande interesse letterario scoprire in che modo questo schema è arrivato a Pushkin.

Pertanto, l'arte dell'avanguardia nella poesia non è nata nel XX secolo, come è ufficialmente accettata oggi, ma a metà del XIX secolo. La pubblicazione del libro di Walt Whitman "Leaves of Grass" ha segnato un intero sistema di correnti di poesia d'avanguardia nel mondo. Inoltre, tutte le tecniche più moderne della poesia d'avanguardia erano conosciute e utilizzate con successo anche nella poesia sanscrita, in tale opere epiche come Ramayana e Mahabharata.

Dizionario moderno di parole straniere. M.: lingua russa. 1992, pagina 12.

Dizionario enciclopedico sovietico (terza ed.), M.: Enciclopedia sovietica, 1985. C. 11.

Dizionario enciclopedico umanitario russo. M.; SPb.: GIC "Vlados", 2002. S. 10.

Cit. Citato da: Sharapova A. Prefazione // Whitman W. Foglie d'erba. M.: Eksmo, 2005. S. 7.

Whitman W. foglie di erba. Mosca: Eksmo, 2005.

Sigachev A. A. Yu Tuboltsev e la miniatura letteraria dell'avanguardia // Giornale elettronico"Conoscenza. Comprensione. Abilità". 2009. N. 5. Filologia. URL: http://www.zpu-journal.ru/e-zpu/2009/5/Sigachev/

Sigachev A. A. A proposito dell'avanguardia, del tempo e dell'assurdosofia // Giornale elettronico “Conoscenza. Comprensione. Abilità". 2009. N. 5. Filologia. URL: http://www.zpu-journal.ru/e-zpu/2009/5/Sigachev_Absurdsophy/

Sigachev A. A. Indo-Rus. M .: Medina-Print LLC, 2006. P. 96. (Vision of the Mahabharata - a play)